O Final de Stranger Things Não Estava Pronto Quando as Câmaras Começaram a Rodar — e Isso Diz Muito Sobre a Série

Um adeus difícil a Hawkins… até para quem o estava a escrever

Dez anos depois da estreia, Stranger Things despediu-se dos espectadores com uma quinta temporada que carregava um peso raro na televisão contemporânea. Não era apenas o final de uma série popular — era o encerramento de um fenómeno cultural que atravessou gerações, lançou carreiras e redefiniu o que uma produção televisiva podia ambicionar em termos de escala, ambição e impacto emocional.

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Agora, o documentário One Last Adventure: The Making of Stranger Things 5 levanta o véu sobre esse adeus e revela um detalhe que apanhou muitos fãs de surpresa: o argumento do episódio final ainda estava a ser escrito quando as gravações já tinham começado. Uma revelação que, longe de diminuir a série, ajuda a perceber porque Stranger Thingssempre foi tão particular.

Escrever enquanto se filma: caos controlado ou método criativo?

No centro do documentário está o processo criativo dos irmãos Matt Duffer e Ross Duffer, confrontados com a tarefa ingrata de fechar uma história com quase vinte personagens principais, múltiplas dimensões, monstros icónicos e expectativas colossais por parte do público.

A realizadora Martina Radwan acompanha de perto a sala de argumentistas e mostra algo raramente visto: dúvidas, debates acesos, impasses criativos e decisões adiadas até ao último momento. A ideia romântica de um guião fechado, imutável e perfeito cai por terra. O que vemos é um processo vivo, em constante adaptação, onde escrever é também reagir ao que está a acontecer no plateau.

Para quem consome séries como produto final, esta é uma revelação fascinante. Para quem gosta de cinema e televisão enquanto ofício, é quase uma aula prática sobre criação sob pressão.

O peso de decidir destinos definitivos

Um dos pontos mais interessantes do documentário passa pelas discussões em torno das escolhas finais. Devem ou não surgir criaturas na batalha derradeira? Até onde deve ir o confronto com Vecna e o Mind Flayer? E, sobretudo, qual é o destino certo para Eleven, a personagem interpretada por Millie Bobby Brown, que sempre foi o coração emocional da série?

Nada é tratado de forma leviana. Cada decisão narrativa carrega consequências emocionais, temáticas e simbólicas. O documentário deixa claro que o maior medo dos criadores não era chocar ou surpreender, mas trair o crescimento das personagens ao longo de uma década. O final precisava de ser coerente com tudo o que veio antes — mesmo que isso implicasse reescrever, cortar ou refazer ideias em cima da hora.

Crescer diante das câmaras (e com elas)

Outro dos grandes trunfos de One Last Adventure é a forma como contextualiza a evolução do elenco. As imagens de audições e cenas da primeira temporada, exibida em 2016, contrastam com a maturidade evidente dos actores na quinta temporada. Não é apenas nostalgia: é a prova de que Stranger Things foi uma série que cresceu em tempo real, com os seus intérpretes e com o público.

O documentário sublinha como essa ligação foi essencial para o sucesso da série. A química do grupo, a confiança mútua e a consciência de que aquele era um último esforço colectivo tornam-se visíveis em cada plano dos bastidores.

Uma produção de escala quase cinematográfica

Os números revelados por Ross Duffer no discurso final impressionam até os mais habituados a grandes produções: 237 dias de rodagem, 6.725 set-ups e 630 horas de material filmado, reduzidas a cerca de 10 horas de episódios finais. Hawkins, o Upside Down e o Abyss foram construídos com um nível de detalhe que rivaliza com superproduções de cinema.

Tudo isto foi feito, em vários momentos, sem um guião totalmente fechado. O documentário mostra como departamentos inteiros — cenários, efeitos visuais, guarda-roupa, maquilhagem — tiveram de confiar numa visão que ainda estava a ganhar forma. É aqui que Stranger Things se assume definitivamente como um projecto de risco… e não apenas como uma aposta segura da Netflix.

Muito mais do que um “making of”

Mais do que explicar decisões concretas, One Last Adventure funciona como um retrato apaixonado da criação artística a longo prazo. Mostra como os irmãos Duffer começaram a fazer filmes em criança, inspirados por making ofs de clássicos como O Senhor dos Anéis, e como essa obsessão pelo cinema os levou, décadas depois, a criar uma das séries mais influentes do século XXI.

Não é um documentário auto-elogioso. Pelo contrário, é honesto sobre o cansaço, o medo de falhar e a sensação constante de estar a tentar fazer o impossível. Talvez seja precisamente isso que o torna tão interessante para quem gosta de histórias — dentro e fora do ecrã.

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One Last Adventure: The Making of Stranger Things 5 já está disponível na Netflix e é, muito provavelmente, a melhor forma de dizer adeus a Hawkins sem recorrer a teorias mirabolantes ou finais secretos.

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O que dizem lá fora sobre o regresso da série mais viciante da Apple TV+

Quem viveu o Verão de 2023 lembra-se bem: Idris Elba entrou num avião… e aquilo correu tudo menos bem. Durante sete episódios tensos, Hijack transformou um simples voo num exercício de suspense quase em tempo real, tornando-se uma das séries mais fáceis — e compulsivas — de devorar numa assentada. Agora, “no que dizem lá fora”, a segunda temporada regressa com a mesma fórmula, mas troca o avião por um cenário igualmente claustrofóbico: o metro de Berlim.

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Sam Nelson, o improvável herói especialista em negociações empresariais (e não, não é polícia, agente secreto nem piloto), está de volta. E, como seria de esperar, mal se senta, o caos instala-se. Desta vez, a acção desenrola-se nos túneis subterrâneos da capital alemã, onde nada parece acontecer… até acontecer tudo ao mesmo tempo.

Menos lógica, mais adrenalina — e isso é parte do charme

A crítica internacional é clara: Hijack continua a ser um monumento ao absurdo deliciosamente eficaz. Sam Nelson resolve crises globais com intuição, autoridade moral e uma calma inabalável que só Idris Elba consegue tornar credível. Tal como na primeira temporada, os vilões surgem em camadas, os planos são mais complexos do que aparentam e os passageiros são, na verdade, peças narrativas à espera de cumprir o seu destino dramático.

Há estudantes barulhentos, professores stressados, um polícia aparentemente banal (o que nunca é bom sinal), uma médica voluntária, um condutor visivelmente à beira de um colapso e, claro, uma mochila vermelha que grita “isto vai correr mal”. Tudo ingredientes cuidadosamente escolhidos para manter o espectador colado ao ecrã.

Personagens familiares e regressos aguardados

Fora do metro, a série continua a cruzar múltiplas frentes narrativas. Regressa Marsha, a mulher de Sam, agora isolada nas Highlands escocesas, pronta para voltar a servir de contraponto emocional quando a tensão atinge níveis máximos. No centro de controlo do metro, surgem novas figuras, enquanto o enredo recupera fios soltos da primeira temporada, prometendo ligações diretas ao passado recente da série.

Para os fãs mais atentos, há ainda o regresso de nomes bem conhecidos do elenco original, incluindo Archie Panjabi, Max Beesley e Toby Jones, reforçando a ideia de que esta segunda temporada não é apenas uma repetição, mas uma expansão do universo criado.

Um binge garantido

As primeiras reacções são unânimes: basta um episódio para ficar preso até ao fim. Hijack não pede verosimilhança absoluta; pede entrega. E, em troca, oferece ritmo, tensão constante e um protagonista carismático capaz de sustentar até as reviravoltas mais improváveis.

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No fundo, é isso que faz desta série um fenómeno. Pode não fazer sentido… mas funciona. E funciona muito bem.

Hijack já está disponível na Apple TV+.

Kiefer Sutherland Detido Após Alegada Agressão em Los Angeles 🚓

Detenção durante a madrugada levanta dúvidas e reacções em Hollywood

Kiefer Sutherland, actor conhecido mundialmente por papéis intensos e marcantes, foi detido nas primeiras horas de segunda-feira, em Los Angeles, na sequência de uma alegada agressão a um motorista de transporte por aplicação (rideshare). A informação foi avançada por vários meios norte-americanos, com base num comunicado oficial do Los Angeles Police Department.

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Segundo a polícia, os agentes responderam a uma chamada pouco depois da meia-noite, relacionada com uma ocorrência envolvendo o actor. Após avaliação no local, as autoridades determinaram que Sutherland terá agredido fisicamente o motorista e feito “ameaças criminais” dirigidas à alegada vítima. Apesar da gravidade das acusações, o motorista não necessitou de assistência médica.

Acusação criminal e libertação sob fiança

De acordo com registos prisionais citados pela imprensa, Kiefer Sutherland foi formalmente detido e acusado de crimes classificados como felony, uma tipologia de acusação mais grave no sistema judicial norte-americano. O actor acabou por ser libertado algumas horas mais tarde, após o pagamento de uma fiança no valor de 50 mil dólares.

Está já marcada uma primeira comparência em tribunal para o dia 2 de Fevereiro, onde deverão ser apresentados mais detalhes sobre o caso e definidos os próximos passos do processo judicial. Até ao momento, um porta-voz do actor não respondeu aos pedidos de comentário feitos pelos meios de comunicação social.

Um historial que volta a ser escrutinado

Embora continue a ser uma das figuras mais reconhecidas da televisão e do cinema norte-americano — sobretudo pelo icónico papel de Jack Bauer na série 24 —, este não é o primeiro episódio controverso associado ao nome de Sutherland. Ao longo dos anos, o actor já esteve envolvido noutros incidentes legais, maioritariamente relacionados com comportamentos fora do ecrã, o que tem levado a imprensa internacional a recuperar esse histórico nas últimas horas.

Ainda assim, importa sublinhar que, nesta fase, as informações disponíveis baseiam-se exclusivamente nos dados fornecidos pelas autoridades e em fontes policiais. Não existe, para já, qualquer declaração oficial do actor ou da sua equipa que permita contextualizar os acontecimentos do seu ponto de vista.

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Presunção de inocência e próximos desenvolvimentos

Como sempre nestes casos, é fundamental recordar o princípio da presunção de inocência. As alegações terão agora de ser analisadas em sede judicial, sendo expectável que mais detalhes venham a público nas próximas semanas, à medida que o processo avance.

Para já, Hollywood e os fãs do actor aguardam esclarecimentos adicionais, enquanto este episódio lança uma sombra incómoda sobre uma carreira construída à base de personagens intensas, duras e moralmente ambíguas — desta vez, fora da ficção.

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“Só mais uma vez”… afinal talvez não

Quando Ryan Reynolds anunciou, em Setembro de 2022, o regresso de Hugh Jackman ao papel de Wolverine, a mensagem parecia clara e definitiva. O actor canadiano, sempre consciente do peso emocional de Logan (2017), garantiu que esta seria apenas “mais uma vez”. Um último adeus ao mutante mais famoso da Marvel, agora integrado no MCU ao lado de Wade Wilson.

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No entanto, “no que dizem lá fora”, essa promessa poderá estar prestes a ser quebrada. Segundo vários insiders ligados à indústria, a Marvel Studios não está minimamente disposta a despedir-se tão cedo de um dos seus trunfos mais valiosos — sobretudo depois do sucesso estrondoso de Deadpool & Wolverine, que ultrapassou a marca dos mil milhões de dólares em bilheteira.

Wolverine escondido… mas não ausente

Os rumores mais insistentes apontam para um regresso mais rápido do que o esperado. Aparentemente, a Marvel estará a tentar ocultar a presença de Wolverine em Avengers: Doomsday, com estreia marcada para 18 de Dezembro de 2026, evitando assim grandes spoilers antes do tempo.

Mais do que uma simples aparição, há quem afirme que Logan terá um papel relevante também em Avengers: Secret Wars, onde deverá contracenar não só com Deadpool, mas também com versões alternativas do Homem-Aranha interpretadas por Tobey Maguire e Tom Holland. Se se confirmar, estamos perante uma aposta clara no factor nostalgia para fechar em grande a chamada Saga do Multiverso.

Até aos 90? A piada começa a parecer séria

O próprio Reynolds brincou, em Deadpool & Wolverine, com a ideia de Jackman continuar no papel “até aos 90 anos”. O que parecia apenas humor meta pode, afinal, estar perigosamente perto da realidade. Fala-se mesmo no desenvolvimento de um novo filme a solo do Wolverine, novamente com Jackman, já depois de Secret Wars.

Do ponto de vista financeiro, a decisão é fácil de entender. Abandonar um actor que continua a ser um dos Wolverine mais adorados da história do cinema — talvez o Wolverine definitivo — seria, para muitos executivos, um erro difícil de justificar.

Mas será saudável para o futuro dos X-Men?

Aqui começa a divisão de opiniões. Embora o novo Wolverine apresentado em Deadpool & Wolverine respeite o final emocional de Logan, abrindo espaço para uma variante alternativa, muitos defendem que a Marvel deveria aproveitar o reset pós-Secret Wars para reformular os X-Men com novos actores.

Nomes como Taron Egerton ou Jeremy Allen White têm surgido em fan casts recorrentes, e até Henry Cavill chegou a vestir as garras numa breve aparição — a famosa “Cavillrine”. O recasting é inevitável… a questão é apenas quando.

Fan service ou estratégia legítima?

No fim de contas, faz todo o sentido que Hugh Jackman esteja presente no clímax do Multiverso. É um desejo antigo dos fãs e um triunfo simbólico para o MCU. Mas prolongar indefinidamente esta versão de Wolverine pode tornar-se um exercício de nostalgia excessiva, adiando decisões que terão de ser tomadas mais cedo ou mais tarde.

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Por agora, uma coisa parece certa: aquela promessa de “só mais uma vez” já não soa assim tão definitiva. E, em Hollywood, quando o sucesso fala mais alto, até as despedidas mais bonitas podem ser reescritas

A Rainha do Box Office: Zoe Saldaña Faz História (Outra Vez) em Hollywood

Dos planetas azuis ao topo absoluto da bilheteira mundial

Se há uma fórmula quase infalível para garantir um êxito de bilheteira, Hollywood parece já ter encontrado a resposta: colocar Zoe Saldaña no espaço. A actriz norte-americana acaba de alcançar um feito absolutamente histórico, tornando-se a actriz mais rentável de sempre na história do cinema, ultrapassando nomes que durante anos pareceram inalcançáveis.

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Segundo dados do site especializado The Numbers, os filmes em que Zoe Saldaña assume papéis principais somam cerca de 15,47 mil milhões de dólares em receitas globais. Um valor que a coloca ligeiramente acima de Scarlett Johansson, cujo total se fixa nos 15,40 mil milhões. A diferença pode parecer curta, mas simbolicamente é gigantesca: Saldaña passa a liderar um ranking dominado por super-produções, universos partilhados e décadas de cinema espectáculo.

Avatar: o fenómeno que nunca mais largou o primeiro lugar

Grande parte deste feito deve-se, claro, ao universo criado por James Cameron. O mais recente capítulo da saga, Avatar: Fire and Ash, voltou a contar com Zoe Saldaña no papel de Neytiri e já ultrapassou a marca de 1,2 mil milhões de dólares, apesar de ainda se encontrar em exibição em várias salas internacionais.

Convém lembrar que o primeiro Avatar continua a ser, sem ajuste à inflação, o filme mais lucrativo de todos os tempos, com cerca de 2,9 mil milhões de dólares, enquanto Avatar: The Way of Water ocupa o terceiro lugar do ranking histórico, com 2,3 mil milhões. Isto significa que dois dos três filmes mais vistos de sempre têm Zoe Saldaña no elenco principal — e o terceiro também não lhe é estranho, como veremos.

Marvel, super-heróis e mais recordes

Para lá de Pandora, Zoe Saldaña conquistou o público como Gamora no Universo Cinematográfico da Marvel. A actriz participou na trilogia Guardians of the Galaxy, bem como em Avengers: Infinity War e Avengers: Endgame. Este último é, recorde-se, o segundo filme mais lucrativo de sempre, o que faz com que os três maiores sucessos da história do cinema incluam Saldaña no elenco — um feito verdadeiramente único.

Star Trek, piratas e uma carreira cheia de blockbusters

A actriz também deixou a sua marca no universo Star Trek, interpretando Uhura nos três filmes da nova trilogia, que juntos arrecadaram mais de mil milhões de dólares. Antes disso, já tinha passado pelo mundo da pirataria em Pirates of the Caribbean: The Curse of the Black Pearl, onde deu vida a Anamaria, numa aventura que rendeu mais de 650 milhões de dólares.

Um recorde com critérios… e ainda mais impressionante

Importa sublinhar que este ranking considera apenas papéis principais, excluindo cameos ou participações mínimas. Caso fossem incluídos todos os tipos de aparição, o “vencedor” seria tecnicamente Stan Lee, graças às suas inúmeras aparições nos filmes da Marvel.

Logo atrás de Saldaña surge Samuel L. Jackson, com cerca de 14,6 mil milhões de dólares acumulados.

Do Óscar ao futuro… novamente em Pandora

Este momento histórico surge menos de um ano depois de Zoe Saldaña ter vencido o Óscar de Melhor Actriz Secundária pelo filme Emilia Pérez, consolidando uma carreira que alia sucesso comercial e reconhecimento crítico — combinação raríssima em Hollywood.

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E se alguém pensava que esta história estava perto do fim, desengane-se: Saldaña deverá regressar como Neytiri em mais dois filmes da saga Avatar, o que significa que este recorde pode muito bem continuar a crescer… e a afastar-se da concorrência.

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Entre tantas produções originais de ficção científica que ajudaram a definir a identidade da Netflix nos últimos anos, há uma série que passou quase despercebida, mas que merece um lugar de destaque ao lado de títulos como Love, Death & Robots ou Dark. Falamos de Oats Studios, uma antologia de hard sci-fi intensa, adulta e visualmente impressionante, criada por Neill Blomkamp, o cineasta por detrás de District 9.

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Disponível na Netflix, Oats Studios é uma experiência que não facilita, não explica em excesso e não suaviza o impacto das suas ideias. Pelo contrário: aposta num registo cru, violento e profundamente pessimista sobre o futuro da Humanidade, assumindo-se como ficção científica “a sério”, mais próxima da literatura do género do que do entretenimento familiar.

Episódios que não pedem licença ao espectador

Desde o primeiro episódio, Rakka, a série deixa claro ao que vem. A história decorre numa Terra devastada por uma invasão alienígena de origem reptiliana, que quase extinguiu a Humanidade. Não há heróis clássicos, nem esperança fácil — apenas sobrevivência, brutalidade e um mundo que já perdeu qualquer traço de normalidade.

Outro episódio frequentemente citado como favorito dos fãs é Firebase, uma fusão inesperada entre ficção científica e a Guerra do Vietname. A ideia é tão forte que muitos espectadores defendem que o conceito daria, sem esforço, um filme de longa-metragem. É aqui que Oats Studios se distancia claramente de outras antologias: cada episódio parece um piloto de algo maior, um universo que poderia ser explorado durante horas.

Porque passou despercebida?

Apesar da ambição criativa e da assinatura de Blomkamp, Oats Studios nunca recebeu da Netflix a promoção atribuída a séries como Stranger Things ou Love, Death & Robots. O resultado foi previsível: a série ficou fora do radar do grande público e praticamente ignorada pela crítica.

No Rotten Tomatoes, a série nem sequer reúne críticas suficientes para gerar uma média sólida, contando sobretudo com avaliações de utilizadores — pouco mais de algumas dezenas — o que torna a sua classificação de 51% claramente enganadora e pouco representativa.

A ausência de marketing levantou, desde cedo, suspeitas entre os fãs. Muitos acreditam que Oats Studios foi pensada como o primeiro volume de uma antologia contínua. Essa teoria ganha força quando se observa o cartaz oficial da série no IMDb, onde surge claramente a designação “Volume One”. Até hoje, no entanto, um segundo volume permanece tão ausente quanto o planeta Terra retratado em Rakka.

Uma série à frente do seu tempo?

Talvez o maior problema de Oats Studios seja precisamente aquilo que a torna especial: não tenta agradar a todos. É violenta, sombria, desconfortável e conceptualmente exigente. Não explica tudo, não fecha todas as pontas soltas e confia plenamente na inteligência do espectador. Num catálogo cada vez mais dominado por conteúdos “algorítmicos”, esta abordagem pode ter sido a sua sentença… pelo menos por agora.

Ainda assim, como tantas obras antes dela, Oats Studios pode acabar por encontrar o seu público com o tempo. E se isso acontecer, talvez a Netflix decida dar uma nova oportunidade a este universo cruel, fascinante e visualmente arrebatador.

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Para quem procura ficção científica sem concessões, Oats Studios continua ali, discreta no catálogo, pronta a provar que algumas das melhores séries não são as mais faladas — são as que deixam marca.

Emma Thompson revela o paradoxo de Alan Rickman: o vilão que só queria ser herói


Um actor eternizado pelos maus da fita, mas cansado de viver na sombra dos vilões

Durante décadas, Alan Rickman foi um dos grandes mestres do vilão carismático no cinema. A sua voz grave, o olhar irónico e a presença imponente tornaram-no inesquecível sempre que surgia do lado “errado” da história. No entanto, segundo Emma Thompson, essa imagem pública acabou por se tornar um peso inesperado na carreira do actor.

Numa entrevista à GQ, Emma Thompson recordou o entusiasmo quase juvenil de Rickman quando interpretou o Coronel Brandon em Sentido e Sensibilidade. Para o actor, aquele papel representava algo raro: a oportunidade de ser visto como alguém nobre, gentil e emocionalmente contido — longe da galeria de vilões que o público parecia exigir dele.

“Ele estava tão feliz por interpretar alguém heróico e bom”, contou Thompson. “Estava farto de as pessoas quererem sempre que fosse o Xerife de Nottingham.”

O vilão perfeito… em demasia

A ironia é que um dos papéis que mais contribuiu para esse rótulo foi também um dos mais celebrados da sua carreira. Em Robin Hood: Príncipe dos Ladrões, Rickman transformou o Xerife de Nottingham numa figura absolutamente delirante, roubando cada cena a Kevin Costner com sarcasmo, crueldade exagerada e frases que entraram directamente para a história do cinema popular.

A interpretação foi tão marcante — incluindo a famosa ameaça de arrancar o coração “com uma colher” — que lhe valeu uma nomeação para os BAFTA. Mas o sucesso teve um efeito colateral: Hollywood passou a vê-lo sobretudo como o vilão ideal.

Esse estatuto consolidou-se ainda mais com Hans Gruber em Die Hard e, mais tarde, com Severus Snape na saga Harry Potter. Personagens icónicas, complexas e amadas pelo público — mas que reforçaram a ideia de que Rickman “pertencia” ao lado negro da força.

Quando Alan Rickman era o coração da história

O que muitos esquecem é que algumas das suas interpretações mais belas surgiram precisamente quando fazia o oposto. Para lá do contido e melancólico Coronel Brandon, Rickman emocionou profundamente em Truly, Madly, Deeply, como o namorado que regressa do além para ajudar a mulher a lidar com o luto.

Em Dogma, de Kevin Smith, deu vida ao anjo Metatron com uma mistura perfeita de solenidade e humor, enquanto em Galaxy Quest criou uma das personagens mais queridas da sua carreira: Alexander Dane, também conhecido como Dr. Lazarus — um actor shakespeariano preso num papel de ficção científica que detesta… até aprender a aceitá-lo.

Um legado que vai muito além do bem e do mal

No final, o público pode ter acorrido em massa para ver Alan Rickman como vilão, mas a verdade é simples: fosse herói ou antagonista, estava sempre garantida uma grande interpretação. Rickman tinha o raro talento de elevar qualquer personagem, mesmo as mais caricatas, a um nível de humanidade e complexidade pouco comum.

Talvez por isso a sua frustração seja tão reveladora. Não por rejeitar os vilões — muitos deles brilhantes —, mas por querer ser lembrado também pelo outro lado: o da empatia, da bondade e da vulnerabilidade. Um desejo legítimo para um actor que nunca foi apenas “o mau da fita”, mas um dos intérpretes mais completos e respeitados da sua geração.

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Do apocalipse climático a cometas assassinos, há vida (cinematográfica) depois do desastre

Greenland 2: Migration chega aos cinemas determinado a elevar ainda mais a fasquia do cinema-catástrofe. Se no primeiro filme acompanhávamos Gerard Butler numa corrida desesperada para alcançar um bunker antes do impacto de um cometa, a sequela mergulha-nos num mundo já devastado, transformado num verdadeiro deserto pós-apocalíptico. O resultado é aquilo que os fãs do género adoram: destruição em grande escala, drama familiar e uma luta constante pela sobrevivência.

Se ficou com vontade de mais depois de Greenland 2, a boa notícia é que não faltam alternativas — e a maioria pode ser vista em Portugal sem grande esforço, seja em streaming ou através de aluguer digital.

Geostorm (2017)

Mais uma vez, Gerard Butler no centro do caos. Em Geostorm, a Terra depende de uma rede de satélites capaz de controlar o clima… até que tudo corre mal. Tsunamis, terramotos e quedas abruptas de temperatura surgem em catadupa.

🎬 Onde ver em Portugal: disponível para aluguer digital em plataformas como Apple TV, Google Play e Rakuten TV.

O Dia Depois de Amanhã (2004)

Um dos títulos mais populares do género. O Dia Depois de Amanhã, de Roland Emmerich, imagina uma nova era glacial que se instala em tempo recorde, com Nova Iorque congelada e tornados a devastar cidades inteiras.

🎬 Onde ver em Portugal: disponível no catálogo da Disney+.

2012 (2009)

Quando o assunto é destruir o planeta inteiro, Roland Emmerich não conhece limites. Em 2012, a civilização colapsa sob terramotos, tsunamis e falhas tectónicas globais, enquanto uma família tenta sobreviver contra todas as probabilidades.

🎬 Onde ver em Portugal: disponível para aluguer digital (Apple TV, Google Play, Prime Video Store).

Impacto Profundo (1998)

Mais contido e emocional do que Armageddon, Impacto Profundo aposta no drama humano quando um cometa ameaça extinguir a vida na Terra. Um clássico subestimado do género, com decisões morais duríssimas.

🎬 Onde ver em Portugal: disponível para aluguer digital nas principais lojas online.

O Núcleo (2003)

Cientificamente disparatado, mas irresistível. Em O Núcleo, uma equipa de cientistas tenta salvar o mundo viajando até ao centro da Terra para reiniciar o seu núcleo com uma explosão nuclear.

🎬 Onde ver em Portugal: disponível para aluguer digital (Apple TV, Google Play).

Volcano (1997)

Los Angeles, um vulcão em erupção e lava a correr pelas ruas. Volcano não perde tempo com subtilezas e oferece destruição urbana em modo clássico dos anos 90.

🎬 Onde ver em Portugal: disponível para aluguer digital.

Presságio (2009)

Mistura de ficção científica, catástrofe e existencialismo, Presságio acompanha Nicolas Cage numa investigação que conduz a uma série de desastres inevitáveis, incluindo uma sequência de queda de avião absolutamente memorável.

🎬 Onde ver em Portugal: disponível para aluguer digital; ocasionalmente exibido em canais de cinema por cabo.

San Andreas (2015)

Terramotos, tsunamis e Dwayne Johnson em modo herói total. San Andreas é cinema-catástrofe sem pudor, feito para impressionar e entreter sem pedir desculpa.

🎬 Onde ver em Portugal: disponível em streaming na HBO Max (Max), além de aluguer digital.

O apocalipse… à distância de um comando

O cinema-catástrofe pode não ser o género mais realista do mundo, mas continua a ser um dos mais eficazes quando se trata de espectáculo puro. Entre cometas, falhas tectónicas e colapsos climáticos, estes filmes provam que o fim do mundo é sempre melhor visto do sofá — de preferência com som alto e zero preocupações científicas.

Antes Mesmo de Começar a Rodar, Tangled Já Tem um Flynn Rider Perfeito

A arte de fãs, a reação do elenco original e o entusiasmo em torno de Milo Manheim

Ainda as câmaras não começaram a rodar e já há certezas quase absolutas entre os fãs: Milo Manheim parece ter nascido para interpretar Flynn Rider — ou Eugene Fitzherbert, para os mais atentos à mitologia de Tangled. A futura adaptação em imagem real do clássico animado da Disney, realizada por Michael Gracey, começa assim a ganhar forma muito antes da estreia, graças ao entusiasmo dos fãs e, curiosamente, à força das redes sociais.

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Anunciado recentemente como protagonista ao lado de Teagan Croft, que dará vida a Rapunzel, Manheim herdou automaticamente um dos papéis mais acarinhados do catálogo moderno da Disney. Desde a estreia da animação em 2010, Flynn Rider tornou-se um favorito do público graças ao seu humor sarcástico, charme auto-irónico e inesperada profundidade emocional — uma combinação que nem todos os actores conseguem equilibrar.

Quando a arte antecipa o casting ideal

A confirmação de Manheim no papel rapidamente deu origem a debates, entusiasmo… e alguma ansiedade. Mas foi uma peça de fan art que parece ter inclinado definitivamente a balança. O artista e criador de conteúdos conhecido como @braeden.obrien partilhou no Instagram um vídeo onde desenha Milo Manheim como Flynn Rider, ao som da icónica canção I See the Light. O resultado tornou-se viral.

A ilustração sublinha as semelhanças físicas entre o actor e a versão animada da personagem — o sorriso confiante, o olhar maroto, a postura despreocupada — e gerou reacções imediatas. Um comentário resumiu o sentimento geral: “O filme ainda nem começou a ser filmado e já há fangirls por todo o lado”.

A aprovação que conta (e muito)

Pouco depois do anúncio oficial, o próprio Manheim recorreu ao Instagram para reagir, deixando uma mensagem simples, mas reveladora: “Demasiado grato para pôr em palavras. Vou fazer-lhe justiça, prometo.” Uma declaração que não passou despercebida… nem aos colegas de profissão.

Zachary Levi, a voz original de Flynn Rider na versão animada, fez questão de comentar a publicação: “Parabéns, Milo! Agora vai fazer Eugene Fitzherbert orgulhoso.” A própria Disney entrou na conversa com humor: “Here comes the smolder!”, numa piscadela de olho ao famoso “olhar sedutor” da personagem.

Um actor com ADN Disney

Para quem acompanha a carreira de Milo Manheim, esta escolha não surge do nada. O actor já é uma cara conhecida do universo Disney graças à saga Zombies, onde contracenou com Meg Donnelly, e tem vindo a construir uma imagem de versatilidade, carisma e empatia com o público jovem — exactamente o tipo de energia que Flynn Rider exige.

Do lado de Rapunzel, Teagan Croft traz consigo experiência em personagens intensas e emocionalmente complexas, depois de se destacar como Raven em Titans. Quanto à vilã Mother Gothel, o mistério mantém-se, embora Kathryn Hahn esteja, segundo rumores, a ser considerada para o papel.

Um conto que ainda vai crescer

Sem data de estreia definida, Tangled deverá iniciar filmagens a meio de 2026, no Reino Unido. Até lá, o entusiasmo continua a crescer — e se a reacção inicial servir de barómetro, a Disney poderá ter encontrado em Milo Manheim não apenas um Flynn Rider competente, mas o Flynn Rider certo.

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Às vezes, os fãs reconhecem um casting perfeito muito antes de Hollywood o confirmar em cena.

O Filme Que Nasce da Dor: Hamnet Estreia em Fevereiro Depois de Conquistar Dois Globos de Ouro

A poderosa história de amor e perda que inspirou Hamlet chega finalmente aos cinemas portugueses

Depois de se afirmar como um dos títulos mais elogiados da temporada de prémios, Hamnet, da realizadora Chloé Zhao, prepara-se para chegar às salas de cinema portuguesas a 5 de Fevereiro. Distinguido com dois Globos de Ouro — Melhor Filme – Drama e Melhor Actriz – Drama — o filme surge como uma das obras mais emocionais e sensoriais do cinema recente, explorando as origens íntimas de Hamlet, a obra-prima de William Shakespeare.

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Protagonizado por Jessie Buckley, Paul Mescal e Emily Watson, Hamnet afasta-se deliberadamente do drama de época tradicional para construir um retrato profundamente humano sobre o amor conjugal, o luto e a forma como a criação artística nasce, muitas vezes, da dor mais íntima.

Inglaterra, 1580: amor, ausência e tragédia

A narrativa transporta-nos até à Inglaterra do século XVI, onde William Shakespeare é apresentado não como o génio consagrado, mas como um tutor de latim empobrecido, em busca de um lugar no mundo. É neste contexto que conhece Agnes, uma mulher de espírito livre, profundamente ligada à natureza e ao conhecimento intuitivo. A relação intensa entre ambos conduz ao casamento e ao nascimento de três filhos, mas também a uma separação geográfica e emocional, quando Will parte para Londres para perseguir uma carreira teatral em ascensão.

Agnes permanece no espaço doméstico, ligada à terra, aos filhos e a uma existência marcada pela espera. Quando a tragédia atinge a família, o filme mergulha sem filtros na experiência do luto, mostrando como a perda de um filho transforma irremediavelmente uma relação — e como dessa dor nasce uma das maiores obras da literatura ocidental.

Uma adaptação sensorial e profundamente contemporânea

Baseado no romance multipremiado de Maggie O’Farrell, Hamnet é descrito pela própria Chloé Zhao como “uma história sobre amor e morte e sobre a forma como estas experiências fundamentais se transformam mutuamente através da arte”. A realizadora, vencedora de um Óscar por Nomadland, constrói aqui um filme ancorado no corpo, na memória e na relação com a natureza, oferecendo uma experiência cinematográfica intensa, quase táctil.

O filme evita o academicismo e opta por uma abordagem sensorial, onde o silêncio, os gestos e os espaços naturais têm tanto peso narrativo como as palavras. O resultado é um retrato urgente e contemporâneo da condição humana, que fala directamente ao presente, apesar do seu enquadramento histórico.

Um percurso sólido na temporada de prémios

Hamnet tem sido uma presença constante e marcante na temporada de prémios 2025/2026. Para além dos dois Globos de Ouro — Melhor Filme – Drama e Melhor Actriz – Drama —, Jessie Buckley foi também distinguida com o prémio de Melhor Actriz nos Critics Choice Awards, e o filme recebeu o People’s Choice Award no Festival Internacional de Cinema de Toronto (TIFF), uma distinção frequentemente associada a futuros sucessos nos Óscares  .

Em Portugal, o filme teve a sua estreia nacional no LEFFEST e chega agora ao circuito comercial com distribuição da NOS Audiovisuais, consolidando-se como uma das estreias mais relevantes do início do ano cinematográfico.

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Quando a arte dá sentido à perda

Mais do que um filme sobre Shakespeare, Hamnet é uma obra sobre o que fica quando tudo parece perdido. Sobre como o amor não desaparece, mas se transforma. E sobre como a arte pode ser, simultaneamente, um acto de sobrevivência e de memória. Um filme que convida à contemplação, à empatia e ao silêncio — e que promete ficar com o espectador muito depois das luzes da sala se acenderem.

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Luxo, intrigas e mortes à vista: The White Lotus escolhe Saint-Tropez para a 4.ª temporada

Um château do século XIX torna-se o novo epicentro do caos

A próxima paragem de The White Lotus já está definida — e promete elevar ainda mais a fasquia do luxo. A série criada por Mike White* vai instalar-se no imponente Château de la Messardière, em Saint-Tropez, no sul de França, que servirá como principal localização da quarta temporada. O edifício do século XIX fará as vezes de mais um hotel de luxo da fictícia cadeia onde, como manda a tradição da série, os hóspedes raramente saem ilesos.

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Situado ligeiramente afastado do centro da cidade, mas com vistas privilegiadas sobre o Mediterrâneo, o Château de la Messardière é um verdadeiro postal da Riviera Francesa. Aberto apenas entre o final de Abril e meados de Outubro, o hotel pratica preços à altura do seu estatuto: uma noite no quarto mais modesto pode ultrapassar os 1.300 dólares logo no fim-de-semana de abertura da época.

França volta a receber a sátira mordaz da HBO

A HBO confirmou ainda em Novembro que a quarta temporada seria filmada em França, marcando a segunda incursão europeia da série, depois da muito comentada segunda temporada rodada em Itália. Antes disso, The White Lotus passou pelo Havai e pela Tailândia, sempre usando destinos paradisíacos como pano de fundo para uma crítica feroz às elites endinheiradas e às suas contradições morais.

Como é habitual, os detalhes da nova temporada estão a ser mantidos sob forte sigilo. Ainda assim, já se sabe que os primeiros actores confirmados no elenco são Alexander Ludwig e AJ Michalka. Mike White encontra-se actualmente a escrever os novos episódios, ao mesmo tempo que prepara a sua participação na 50.ª temporada do programa Survivor, da CBS — um detalhe curioso para um criador conhecido por explorar jogos de poder, alianças frágeis e conflitos latentes.

Um cenário com história… e passado aristocrático

O Château de la Messardière não foi escolhido ao acaso. De acordo com o site oficial do hotel, o edifício foi construído no século XIX por Gabriel Dupuy d’Angeac, um abastado comerciante de conhaque, que o ofereceu como presente de casamento à filha Louise. Após a morte do marido, Louise transformou a propriedade num hotel, que se tornou refúgio da elite parisiense nos anos 1920.

Depois de décadas de abandono, o château foi restaurado em 1989 e integra hoje o exclusivo grupo Airelles, especializado em hotéis de luxo. Um passado aristocrático, decadência e renascimento — ingredientes que encaixam perfeitamente no ADN de The White Lotus.

Produção arranca na Primavera

As filmagens da quarta temporada deverão arrancar já na Primavera, recorrendo não só ao château como também a outras localizações em França. Mike White volta a assumir a produção executiva ao lado de David Bernad e Mark Kamine, garantindo continuidade criativa a uma das séries mais comentadas e premiadas dos últimos anos.

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Se o cenário promete glamour absoluto, a história deverá, como sempre, expor o lado mais feio por trás das fachadas douradas. Em The White Lotus, quanto mais luxuoso é o hotel, maior costuma ser a contagem de cadáveres.

Processo contra Top Gun: Maverick entra em queda livre e Paramount soma nova vitória em tribunal

Juiz federal rejeita alegações de co-autoria do argumento

A turbulência judicial em torno de Top Gun: Maverick voltou a terminar com uma vitória clara para a Paramount. Pela segunda vez em menos de uma semana, um tribunal federal norte-americano rejeitou uma acção judicial que colocava em causa a autoria do argumento do sucesso de 2022, desta vez de forma ainda mais contundente.

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O juiz federal Jed Rakoff decidiu arquivar definitivamente o processo movido por Shaun Gray, que alegava ter contribuído de forma substancial para o argumento do filme. Mais do que isso, o magistrado abriu caminho para que avancem as contra-acusações da Paramount Pictures, incluindo alegações de fraude e violação de direitos de autor por parte do próprio queixoso.

Na decisão, o juiz foi directo: o alegado copyright de Gray é inválido, o que torna inútil analisar qualquer outro argumento apresentado pela defesa. Um veredicto que, na prática, coloca o processo “fora de combate” antes mesmo de ganhar altitude.

Alegações frágeis e um argumento já protegido

Shaun Gray, primo e antigo assistente do argumentista creditado Eric Warren Singer, defendia que trabalhou directamente no guião com Singer e com o realizador Joseph Kosinski, tendo escrito cenas-chave de acção que ajudaram a transformar o filme num fenómeno de bilheteira.

O problema, segundo o tribunal, é simples: Gray nunca informou formalmente a Paramount de que estaria a escrever para o projecto. Mais ainda, o juiz sublinhou que Top Gun é uma propriedade intelectual totalmente protegida desde o filme original de 1986, sendo “evidente” que quaisquer cenas alegadamente escritas por Gray derivam directamente desse universo, personagens e estrutura narrativa.

Ou seja, mesmo que tivesse contribuído, estaria sempre a trabalhar sobre material pré-existente pertencente ao estúdio, o que enfraquece de forma decisiva qualquer pretensão de direitos de autor independentes.

Contra-ataque da Paramount segue para julgamento

A decisão judicial não se limitou a encerrar o processo de Gray. Pelo contrário, mantém vivas as contra-acusações da Paramount, que alega que o autor desvalorizou deliberadamente a propriedade intelectual do estúdio ao ocultar as suas alegadas contribuições enquanto colaborava informalmente com Singer.

Para o estúdio, este silêncio estratégico terá criado riscos legais desnecessários e potenciais danos comerciais. Um argumento que o tribunal considerou suficientemente sólido para seguir para julgamento.

Em comunicado, a Paramount mostrou-se satisfeita com o desfecho: o estúdio sublinha que a decisão confirma a fragilidade das alegações e permite avançar com a defesa activa da sua propriedade intelectual.

Um historial recente favorável ao estúdio

Este caso surge pouco depois de outra derrota judicial relacionada com Top Gun, quando um tribunal de recurso rejeitou a tentativa da família de Ehud Yonay — autor do artigo “Top Guns” que inspirou o filme original — de travar legalmente Top Gun: Maverick e futuros projectos da saga, incluindo um eventual Top Gun 3.

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Com estas decisões, o franchise protagonizado por Pete “Maverick” Mitchell parece finalmente livre de ameaças legais sérias. Tal como no ecrã, também nos tribunais, mexer com Top Gun continua a revelar-se uma má ideia.

Surpresas nos BAFTA: George Clooney, Dwayne Johnson e Julia Roberts ficam fora da longlist

A corrida aos Óscares começa a ganhar contornos inesperados

A divulgação das longlists dos BAFTA Film Awards trouxe algumas surpresas de peso e deixou desde já claro que a temporada de prémios está longe de ser previsível. Entre os grandes ausentes deste primeiro corte estão nomes tão sonantes como George Clooney, Dwayne Johnson e Julia Roberts, todos eles com forte presença mediática nesta época e nomeações garantidas nos Golden Globes, que decorrem este domingo.

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As longlists, agora tornadas públicas, funcionam tradicionalmente como um importante termómetro para os Óscares, já que os BAFTA têm vindo a espelhar com frequência os resultados da Academia norte-americana. As nomeações finais serão anunciadas a 27 de Janeiro, com seis candidatos em cada categoria de interpretação.

Quando os BAFTA antecipam os Óscares… e quando não

Os números falam por si. Nos últimos 15 anos, 13 vencedores do BAFTA de Melhor Actor acabaram por repetir o triunfo nos Óscares. No caso das actrizes, 10 das últimas 12 vencedoras dos BAFTA arrecadaram também a estatueta dourada. Desde o início do século, apenas por duas vezes um actor venceu o Óscar sem sequer ter sido nomeado para um BAFTA — Matthew McConaughey (Dallas Buyers Club, 2014) e Denzel Washington (Training Day, 2002). O mesmo padrão raro repete-se na categoria feminina, com Jessica Chastain e Sandra Bullock como excepções.

Este historial torna ainda mais intrigante a ausência de Clooney, Johnson e Roberts da longlist.

Clooney elogiado, Johnson ovacionado… mas sem BAFTA

George Clooney tem recebido elogios entusiásticos pela sua interpretação em Jay Kelly, com a New York Magazine a afirmar tratar-se “da melhor performance da sua vida”. Ainda assim, o actor ficou fora da longlist principal, ao contrário do seu colega de elenco Adam Sandler, que surge na lista de Melhor Actor Secundário, mantendo viva a possibilidade da sua primeira nomeação aos BAFTA.

Já Dwayne Johnson era apontado como um potencial candidato forte aos Óscares graças a The Smashing Machine, filme sobre as origens do UFC que arrancou uma ovação de 15 minutos no Festival de Cinema de Veneza. A reacção emocionada do actor correu mundo — mas não chegou para convencer os votantes britânicos nesta fase.

Julia Roberts, por sua vez, concorre este fim-de-semana a um Globo de Ouro pelo seu papel em After the Hunt, de Luca Guadagnino, onde interpreta uma professora da Universidade de Yale. A sua última nomeação aos BAFTA remonta já a 2013, com August: Osage County.

Filmes excluídos, elegibilidade polémica e apostas fortes

A lista revelou ainda algumas exclusões inesperadas. O favorito ao Óscar de Melhor Filme de Animação, KPop Demon Hunters, foi considerado inelegível por ter estreado primeiro em streaming no Reino Unido, antes da sua curta passagem pelas salas de cinema. Também o actor brasileiro Wagner Moura ficou de fora pela sua participação no thriller político The Secret Agent, apesar de surgir como forte aposta nos sites de previsão como o Gold Derby.

Entre os filmes totalmente ignorados pelos BAFTA destacam-se o biopic Springsteen: Deliver Me from Nowhere e Anemone, o aguardado regresso de Daniel Day-Lewis após oito anos afastado do cinema.

Quem domina a corrida até agora

No topo da longlist surge One Battle After Another, de Paul Thomas Anderson, com 16 menções, incluindo Leonardo DiCaprio e um elenco de luxo que passa por Sean Penn, Benicio Del Toro e Teyana Taylor. Seguem-se Hamnet e Sinners(14), Marty Supreme (13), Bugonia e Frankenstein (12).

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Destaque ainda para o sucesso britânico I Swear, baseado na história real de John Davidson, e para The Ballad of Wallis Island, com Carey Mulligan na lista de Melhor Actriz Secundária. Já Goodbye June, a estreia na realização de Kate Winslet, marca presença na categoria de Melhor Filme Britânico.

Com as nomeações finais prestes a serem reveladas, a corrida aos BAFTA — e aos Óscares — promete ainda muitas reviravoltas.

Black Mirror regressa para a oitava temporada na Netflix — e a realidade continua a aproximar-se perigosamente

Charlie Brooker confirma novos episódios da série distópica mais influente da televisão moderna

É oficial: Black Mirror vai regressar para uma oitava temporada na Netflix. O anúncio foi feito pelo próprio Charlie Brooker, que confirmou estar já a escrever os novos episódios daquela que se tornou uma das séries mais duradouras — e inquietantes — do catálogo da plataforma.

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“I can confirm that Black Mirror will return, just in time for reality to catch up with it”, afirmou Brooker, num comentário que resume na perfeição o espírito da série: um espelho negro que, ao longo dos anos, deixou de parecer ficção científica para se transformar num exercício desconfortavelmente próximo do quotidiano.

Uma série que continua a reinventar-se — sem perder identidade

Quase 15 anos depois da sua estreia original no Channel 4, Black Mirror mantém-se relevante precisamente porque nunca se acomodou. Brooker explicou que o processo criativo da nova temporada segue a lógica habitual: questionar o que ainda não foi explorado e decidir qual o “tom” adequado para este novo capítulo.

A analogia musical usada pelo criador é reveladora: cada temporada funciona como uma faixa diferente no mesmo álbum, com variações de ritmo, intensidade e género. Essa liberdade criativa tem permitido à série oscilar entre a sátira tecnológica, o drama existencial e, mais recentemente, o terror puro.

Do “Red Mirror” ao regresso às origens

Brooker já havia explicado que a sexta temporada funcionou como uma espécie de “Red Mirror”, com histórias mais próximas do horror clássico e menos centradas na tecnologia. Já a sétima temporada, segundo o próprio, regressou a uma abordagem mais alinhada com os primeiros anos da série — uma combinação de tecnologia, comportamento humano e consequências morais.

A oitava temporada, para já, mantém-se envolta em mistério. Não foram revelados detalhes sobre o elenco nem sobre o tom dominante, o que só aumenta a expectativa em torno dos novos episódios.

Uma série premiada… e em constante mutação

A confirmação da nova temporada surge numa altura particularmente simbólica. Black Mirror está nomeada para Melhor Série Limitada ou Antologia nos Golden Globes, com Rashida Jones e Paul Giamatti também nomeados pelas suas participações na sétima temporada.

Essa temporada incluiu episódios como “Common People”, protagonizado por Jones, “Eulogy”, com Giamatti, e ainda a primeira sequela oficial da série: o regresso ao universo de “USS Callister”, um dos episódios mais icónicos de Black Mirror.

Um futuro para lá do espelho

Entretanto, Brooker continua a expandir o seu universo criativo fora de Black Mirror. O autor está actualmente a desenvolver uma nova série policial para a Netflix, ainda sem título, protagonizada por Paddy Considine, Lena Headeye Georgina Campbell. Descrita com humor como “o mais sério policial de todos os tempos”, a série promete seguir uma linha deliberadamente auto-consciente — uma marca registada do criador.

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Quanto a Black Mirror, mais informações sobre a oitava temporada deverão ser reveladas em breve. Até lá, fica a certeza de que, enquanto a tecnologia continuar a avançar mais depressa do que a nossa capacidade de a compreender, haverá sempre espaço para mais um reflexo perturbador no espelho negro.

Wonder Man: quando Hollywood, super-heróis e ego colidem na nova aposta da Marvel

A série que promete olhar para o MCU… por dentro

A Disney Plus estreia a 28 de Janeiro Wonder Man, uma das propostas mais curiosas e meta do universo Marvel até à data. Longe das batalhas cósmicas e dos destinos do multiverso, Wonder Man aposta num olhar irónico, quase satírico, sobre a própria indústria do entretenimento — e fá-lo a partir do ponto de vista de quem sonha com a fama… e de quem já a perdeu.

Situada algures entre a comédia dramática e a desconstrução do mito do super-herói, a série promete mostrar um lado raramente explorado do MCU: os bastidores de Hollywood, onde a ambição, o fracasso e o ego têm tanto peso como super-poderes.

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Simon Williams: um herói antes de ser herói

No centro da narrativa está Simon Williams, um aspirante a actor que luta para lançar a sua carreira num meio ferozmente competitivo. Simon é talento em bruto, mas ainda invisível — um rosto entre milhares à procura da oportunidade certa. Essa oportunidade surge de forma inesperada quando cruza o caminho de Trevor Slattery, actor em queda livre cuja fama pertence claramente ao passado.

O encontro entre estes dois homens, em extremos opostos da carreira, desencadeia uma descoberta improvável: o lendário e excêntrico realizador Von Kovak está a preparar um remake de Wonder Man, um antigo filme de super-heróis. De repente, o cinema dentro do cinema torna-se o verdadeiro palco da série.

Uma história sobre papéis — dentro e fora do ecrã

Wonder Man joga deliberadamente com camadas de ficção. Simon e Trevor não estão apenas a disputar um papel num filme fictício; estão a lutar por relevância, redenção e reconhecimento. A série explora a fragilidade da fama, o medo de ser esquecido e a obsessão de “chegar lá”, num meio onde o sucesso é volátil e implacável.

Ao mesmo tempo, o público é convidado a espreitar os bastidores da máquina de Hollywood: castings, egos inflados, decisões criativas absurdas e a tensão constante entre arte e indústria. Tudo isto filtrado pelo humor mordaz e autoconsciente que a Marvel tem vindo a afinar nos seus projectos mais recentes.

Uma Marvel diferente — e assumidamente meta

O grande trunfo de Wonder Man é assumir que o género dos super-heróis já tem história suficiente para brincar consigo próprio. A série não tenta reinventar o género pela acção, mas sim pelo comentário. É uma proposta que dialoga com o próprio público do MCU, convidando-o a rir, reflectir e reconhecer os clichés de um universo que conhece bem.

Sem abdicar do espectáculo, Wonder Man promete ser uma série mais adulta no discurso, mais subtil no tom e claramente interessada em explorar personagens — não apenas poderes.

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Estreia marcada

Com estreia marcada para 28 de Janeiro, Wonder Man posiciona-se como uma das apostas mais originais da Marvel no pequeno ecrã em 2026. Uma série sobre actores, filmes de super-heróis e o preço da ambição, onde o maior desafio pode não ser salvar o mundo… mas sobreviver a Hollywood.

Fevereiro no Cinemundo: um mês para cinéfilos sem pressa (e com memória)

Quando o frio aperta, o cinema responde à altura

Fevereiro pode ser curto, mas no Canal Cinemundo é um mês pensado para quem gosta de ficar — e sentir — até ao fim. A programação aposta numa combinação feliz entre estrelas consagradas, romances que atravessam décadas e filmes que marcaram gerações, daqueles que continuam a ganhar novas leituras sempre que regressam ao ecrã. É um Fevereiro para ver com tempo, atenção e aquela sensação confortável de rever velhos amigos.

Colin Farrell: a estrela do mês e um actor em permanente reinvenção

O grande destaque do mês é Colin Farrell, um actor que construiu a sua carreira a partir da recusa em ser previsível. Longe de se deixar prender a um único tipo de personagem, Farrell tem alternado entre superproduções, dramas intensos e cinema mais autoral, sempre com a mesma entrega física e emocional.

O especial Estrela do Mês ocupa as noites de sexta-feira, às 20h20, e traça um retrato sólido dessa versatilidade. Rumo à Liberdade abre o ciclo com uma narrativa de sobrevivência e resistência; Alexandre, o Grande mostra Farrell num dos papéis mais ambiciosos da sua carreira; Viúvas revela-o num registo mais contido, mas carregado de tensão; e Ava fecha o mês com um thriller moderno, seco e eficaz. Quatro filmes que ajudam a perceber porque é que Farrell continua a ser um nome incontornável do cinema contemporâneo.

Amores que não pedem licença ao tempo

Os domingos pertencem ao coração. O especial Amores por Entre Montes e Vendavais aposta em histórias que recusam a facilidade e preferem mostrar o amor como força transformadora — por vezes suave, outras vezes devastadora. Há romances clássicos como As Pontes de Madison County, onde cada silêncio pesa tanto como cada palavra, mas também títulos mais recentes que exploram o desejo, a imperfeição e as segundas oportunidades.

Eiffel, Alguém Tem Que Ceder e Viajantes: Instinto e Desejo convivem com propostas mais populares como Mr. & Mrs. Smith ou After – Depois do Desencontro, criando uma programação equilibrada entre romantismo adulto, paixão turbulenta e entretenimento puro. Filmes ideais para manhãs e tardes de domingo, quando o mundo pode esperar mais um pouco.

Lost in Translation: solidão, ligação e cinema no seu estado mais puro

Entre os filmes que merecem atenção especial este mês está Lost in Translation, uma obra que continua a tocar fundo em quem a revê. Realizado por Sofia Coppola, o filme é um estudo delicado sobre solidão, encontros improváveis e as ligações que nascem nos lugares mais inesperados.

Mais do que uma história de amor, Lost in Translation é um estado de espírito. A química entre Bill Murray e Scarlett Johansson, os silêncios carregados de significado e a cidade de Tóquio como personagem fazem deste filme uma escolha certeira para um público que aprecia cinema sensível, introspectivo e emocionalmente honesto. Um daqueles títulos que nunca perde força com o passar dos anos.

O Chacal: tensão clássica para quem gosta de thrillers à moda antiga

Outro regresso que fala directamente à memória cinéfila é O Chacal, um thriller tenso e eficaz que aposta na construção meticulosa do suspense. Com Bruce Willis num dos seus papéis mais frios e calculistas, o filme mantém um ritmo sólido e uma atmosfera de ameaça constante que o tornam perfeito para uma sessão nocturna.

O Chacal pertence a uma linhagem de thrillers que confiam mais na narrativa e na tensão psicológica do que no excesso de efeitos. É cinema de género bem feito, directo, e que continua a funcionar precisamente porque respeita o espectador.

Um mês pensado para quem gosta de cinema — e de voltar a ele

Fevereiro no Canal Cinemundo não é apenas sobre novidades ou estrelas do momento. É também sobre memória, redescoberta e a certeza de que há filmes que ganham ainda mais peso quando regressam ao pequeno ecrã no momento certo. Entre Colin Farrell, amores impossíveis, encontros silenciosos em Tóquio e assassinos metódicos, o canal constrói uma grelha que respeita quem vê cinema como algo mais do que simples passatempo.

Porque, no fim de contas, há meses que pedem pressa — e há outros, como este, que pedem apenas que carreguemos no play e fiquemos.

O ciclo percorre algumas das personagens mais marcantes do actor: começa com Rumo à Liberdade (6 de Fevereiro), passa pelo épico histórico Alexandre, o Grande (13 de Fevereiro), mergulha no thriller dramático Viúvas (20 de Fevereiro) e termina com Ava (27 de Fevereiro). Quatro filmes, quatro registos distintos, e a prova definitiva de que Farrell nunca escolhe o caminho mais fácil.

Amores que resistem a tudo — domingos dedicados à paixão no grande ecrã

Se as sextas são de intensidade dramática, os domingos são entregues ao coração. O especial Amores por Entre Montes e Vendavais ocupa as manhãs e tardes de Fevereiro com histórias de paixão que desafiam o tempo, a distância e as escolhas impossíveis.

Entre os destaques estão Eiffel, As Pontes de Madison County, Alguém Tem Que Ceder e Viajantes: Instinto e Desejo, acompanhados por títulos como After – Depois do Desencontro, O Amor é o Melhor Remédio, Mr. & Mrs. Smith e Resistir-lhe é Impossível. São filmes que falam de reencontros, despedidas, desejos adiados e sentimentos que teimam em não desaparecer — perfeitos para um domingo sem pressas.

Onde o cinema continua a acontecer

Com perto de 400 estreias por ano, ciclos dedicados a grandes nomes do cinema e uma programação que respeita o espectador exigente, o Canal Cinemundo continua a afirmar-se como um espaço onde o cinema é tratado com paixão e variedade. Fevereiro é apenas mais uma prova de que, quando o frio aperta lá fora, o melhor lugar pode muito bem ser o sofá — desde que esteja sintonizado no canal certo 🎬.

Uma nova curta pode nascer no meio do Atlântico: MiratecArts lança a segunda edição do Prémio Curta Pico

Um anúncio feito em noite de cinema e celebração

A MiratecArts anunciou oficialmente a segunda edição do Prémio Curta Pico, reforçando o seu compromisso com a criação cinematográfica nos Açores e, em particular, na ilha do Pico. O anúncio foi feito na noite de abertura do Montanha Pico Festival, no Auditório Municipal das Lajes do Pico, num momento que serviu também para celebrar o percurso internacional do vencedor da primeira edição do prémio.

A ocasião contou com a apresentação de First Date, da autoria de Luís Filipe Borges, uma curta-metragem que rapidamente se transformou num verdadeiro cartão-de-visita do talento emergente apoiado pelo Prémio Curta Pico.

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Um prémio pensado para filmar a ilha — e com a ilha

O Prémio Curta Pico é um projecto da MiratecArts com investimento directo dos três municípios da ilha montanha, num raro e significativo exemplo de cooperação cultural intermunicipal. Na apresentação estiveram presentes representantes das três autarquias: Catarina Manito, presidente da Câmara Municipal da Madalena, Susana Vasconcelos, vice-presidente da Câmara Municipal de São Roque do Pico, e Amílcar Goulart, vereador da Câmara Municipal das Lajes do Pico, acompanhados por Terry Costa, presidente da associação MiratecArts.

O concurso destina-se a realizadores, produtores ou produtoras que apresentem uma ideia para a rodagem de uma curta-metragem de ficção a filmar na ilha do Pico. O regulamento privilegia propostas que tenham a ilha como centro narrativo — seja pela sua história, tradições, paisagens, comunidades ou mesmo pela montanha enquanto personagem cinematográfica.

Um processo em duas fases e um olhar profissional

A selecção decorre em duas fases bem definidas. Numa primeira etapa, as propostas serão avaliadas por um júri composto por três elementos, um representante de cada município da ilha do Pico. Os projectos finalistas serão depois convidados a avançar para a segunda fase, onde terão de desenvolver a pré-produção da curta-metragem, incluindo equipa, orçamento e guião.

Nesta fase final, as propostas serão avaliadas por um júri de profissionais do sector audiovisual, sendo escolhida apenas uma ideia vencedora. O projecto seleccionado será anunciado em Janeiro de 2027, ano em que a curta-metragem será produzida e finalizada, com antestreia marcada para o Montanha Pico Festival 2028.

“Este é o plano para a segunda edição do Prémio Curta Pico”, sublinhou Terry Costa, destacando a ambição de continuar a criar cinema a partir da ilha, mas com alcance internacional.

Um exemplo de sucesso que continua a viajar

O impacto do prémio é já visível. First Date, vencedor da primeira edição, foi exibido em cerca de 50 festivais, em 16 países, e arrecadou 21 prémios, mantendo-se actualmente em circuito de distribuição no seu segundo ano. Um percurso que confirma a importância de iniciativas estruturadas de apoio à criação cinematográfica fora dos grandes centros urbanos.

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O regulamento e o documento oficial de candidatura estão disponíveis em www.picofestival.com, estando a MiratecArts aberta ao contacto de criadores interessados. O Montanha Pico Festival prossegue até 29 de Janeiro, com sessões regulares nas Lajes do Pico, São Roque e Madalena, reforçando o Pico como território vivo de cinema.

Quando o Cinema Enfrenta a Terra: A Savana e a Montanha abre “O Melhor de Portugal” no Montanha Pico Festival

Um filme que nasce do conflito real e se transforma em gesto colectivo

A comunidade de Covas do Barroso, no norte de Portugal, viveu um choque que mudou para sempre a sua relação com a terra. A descoberta de que a empresa britânica Savannah Resources planeava ali instalar a maior mina de lítio a céu aberto da Europa, praticamente à porta de casa, gerou um sobressalto que rapidamente se transformou em resistência. É dessa tensão, profundamente enraizada na realidade, que nasce A Savana e a Montanha, o mais recente filme de Paulo Carneiro, que abre a secção “O Melhor de Portugal” da 12.ª edição do Montanha Pico Festival.

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A sessão de abertura acontece na quinta-feira, 15 de Janeiro, às 21h00, no Auditório Municipal das Lajes do Pico, e promete ser um dos momentos mais marcantes desta edição do festival açoriano dedicado à cultura montanhosa.

Um documentário híbrido entre o real, o mítico e o cinematográfico

Paulo Carneiro define o filme como uma “reconstituição, reinvenção ou reinterpretação” dos acontecimentos vividos pela comunidade. Mas A Savana e a Montanha vai muito além do documentário clássico. Entre canções populares, encenações colectivas e referências visuais ao western, são os próprios habitantes que representam a sua luta, transformando a resistência num acto artístico e político ao mesmo tempo.

Este cruzamento entre cinema, teatro popular e memória colectiva confere ao filme uma identidade singular, onde o gesto cinematográfico não observa à distância, mas participa. O povo não é objecto do olhar da câmara: é autor, intérprete e força motriz da narrativa.

Um percurso internacional impressionante

Depois da estreia na Quinzena dos Realizadores de 2024, em França, A Savana e a Montanha iniciou um percurso internacional notável. O filme passou por dezenas de festivais e acumulou distinções em vários continentes, incluindo Menções Especiais em Melgaço e Valladolid, bem como prémios de público e de júri na Índia, Coreia do Sul, Timor-Leste e Turquia. Um reconhecimento que confirma a força universal de uma história profundamente local.

Este sucesso consolida a trajectória de Paulo Carneiro, que se estreou na longa-metragem com Bostofrio (2018), também exibido no Montanha Pico Festival, numa ligação afectiva que agora se renova.

“O Melhor de Portugal”: um retrato do cinema nacional recente

A secção “O Melhor de Portugal” é o grande foco desta edição do festival e reúne cinco obras estreadas nos últimos dois anos, escolhidas pelo director artístico Terry Costa com base no mérito criativo e impacto cultural. Além de A Savana e a Montanha, o público poderá ver Banzo de Margarida Cardoso, Grand Tour, O Teu Rosto Será o Último e Hanami.

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Até 29 de Janeiro, o Montanha Pico Festival espalha-se por três ecrãs da ilha do Pico, apresentando 35 obras — de curtas a longas-metragens — num programa que confirma o festival como um espaço singular de encontro entre cinema, território e identidade.

Matt Damon revela o segredo que o fez regressar ao peso do secundário aos 55 anos

Uma mudança simples na alimentação e muita disciplina para responder às exigências de Christopher Nolan

Matt Damon voltou a surpreender os fãs ao revelar que conseguiu atingir o peso que tinha no secundário — algo que não acontecia há décadas — graças a uma mudança aparentemente simples na sua alimentação. Aos 55 anos, o actor explicou que deixou de consumir glúten durante a preparação física para o seu mais recente filme, The Odyssey, realizado por Christopher Nolan.

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A revelação foi feita durante a sua participação no podcast New Heights, apresentado pelos irmãos Jason Kelce e Travis Kelce. Damon contou que Nolan lhe pediu um físico “magro mas forte”, um equilíbrio difícil de alcançar, sobretudo numa fase da vida em que o metabolismo já não colabora como antigamente.

“Estava mesmo em excelente forma. Perdi muito peso”, explicou o actor. “Ele queria-me magro, mas forte. É uma coisa estranha.”

Cortar o glúten e levar o corpo ao limite

Segundo Matt Damon, a grande mudança foi eliminar completamente o glúten da sua dieta, uma decisão tomada em articulação com o seu médico. O resultado foi impressionante: passou de um peso habitual entre os 185 e os 200 pounds (cerca de 84 a 91 quilos) para apenas 167 pounds (aproximadamente 76 quilos).

“Fiz todo o filme com esse peso. Não estava tão leve desde o secundário”, revelou. A transformação não aconteceu apenas à custa da alimentação. Damon sublinha que o processo envolveu um treino intensivo e uma dieta extremamente rigorosa, comparável à preparação física de atletas profissionais antes de uma época desportiva.

O actor trabalha regularmente com um treinador pessoal e explicou que, quando está a preparar um papel fisicamente exigente, o treino passa a fazer parte integrante da rotina diária. “Constróis o teu dia à volta disso. É o teu trabalho”, afirmou, estabelecendo um paralelismo com a disciplina dos jogadores da NFL.

Uma mudança que veio para ficar — mas com nuances

Matt Damon confessou ainda que não voltou a consumir glúten desde então. “Acabou. Sou totalmente gluten-free”, disse, sem hesitações. Ainda assim, o actor não promove a dieta como uma solução universal para perda de peso ou melhoria da saúde.

Uma dieta sem glúten elimina proteínas presentes em cereais como o trigo, a cevada e o centeio, sendo normalmente adoptada por razões médicas, como no caso da doença celíaca. Para a maioria das pessoas, no entanto, o glúten não representa um problema.

Especialistas, como nutricionistas da Mayo Clinic Health System, têm sublinhado que uma alimentação equilibrada, baseada em alimentos pouco processados, pode perfeitamente incluir cereais com glúten sem prejuízo para a saúde.

Um veterano das transformações físicas no cinema

Esta não é a primeira vez que Matt Damon fala abertamente sobre o desgaste físico associado às suas personagens. Numa entrevista à BBC em 2016, recordou que regressar à forma física para The Bourne Ultimatum foi “brutal”, especialmente quando comparado com o primeiro filme da saga.

“Com 29 anos já achei difícil. Aos 45 foi simplesmente brutal”, recordou, referindo uma cena de luta filmada no dia do seu aniversário.

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Aos 55, Damon prova que a disciplina, aliada a escolhas alimentares específicas, continua a ser uma arma poderosa — mesmo em Hollywood, onde o tempo raramente perdoa.

David Harbour abandona Behemoth! após desgaste com o final de Stranger Things

Actor afasta-se do novo filme de Tony Gilroy para descansar depois de meses intensos de promoção e pressão mediática

David Harbour deixou oficialmente o elenco de Behemoth!, o novo projecto cinematográfico de Tony Gilroy, realizador de Michael Clayton, desenvolvido pela Searchlight Pictures. A confirmação foi feita por um representante do estúdio à revista Variety, pondo fim às especulações que já circulavam nos bastidores de Hollywood.

Harbour estava anunciado como um dos protagonistas do filme, ao lado de Pedro Pascal e Olivia Wilde, mas decidiu afastar-se do projecto numa fase ainda inicial. De acordo com várias fontes próximas da produção, a decisão está directamente relacionada com o desgaste acumulado durante o encerramento de Stranger Things, cuja quinta e última temporada foi acompanhada por um prolongado calendário de lançamento e uma atenção mediática à escala global.

Um afastamento por exaustão, não por conflito

Segundo os relatos, David Harbour terá sentido necessidade de parar e descansar após meses de promoção intensa, entrevistas constantes e uma pressão pública considerável associada ao desfecho de uma das séries mais populares da última década. A decisão não terá estado ligada a divergências criativas nem a problemas com a produção de Behemoth!.

O papel que estava destinado ao actor já terá sido entregue a outro intérprete, embora o nome do substituto ainda não tenha sido revelado. Os representantes de Harbour não responderam aos pedidos de comentário, mantendo a postura discreta que tem marcado este afastamento.

O que se sabe sobre Behemoth!

Apesar de ainda existirem poucos detalhes concretos sobre o filme, a sinopse oficial descreve Behemoth! como a história de “um músico oriundo de uma família de músicos que regressa a Los Angeles”, sendo apresentado como “uma carta de amor à música do cinema e às pessoas que a criam”. O argumento foi escrito pelo próprio Tony Gilroy, que também assume a realização e a produção, ao lado de Sanne Wohlenberg.

O projecto tem despertado curiosidade precisamente por marcar o regresso de Gilroy a um cinema mais intimista, depois de anos associado a universos de grande escala, como Rogue One e a série Andor.

Um actor sempre aberto sobre saúde mental

Ao longo da sua carreira, David Harbour tem sido particularmente franco sobre a sua saúde mental. Diagnosticado com perturbação bipolar aos 26 anos, o actor nunca evitou o tema, defendendo uma abordagem mais ampla e menos redutora à discussão pública sobre estas questões.

Numa entrevista à Variety em 2022, Harbour sublinhou que o debate em torno da saúde mental tende a concentrar-se excessivamente na tragédia, esquecendo a complexidade da experiência humana. “Patologizamos a ideia de normalidade”, afirmou então, defendendo que todas as pessoas vivem realidades diversas que merecem ser compreendidas e respeitadas.

Um percurso marcado por personagens icónicas

David Harbour tornou-se um rosto incontornável da cultura pop graças à personagem Jim Hopper em Stranger Things, série que estreou em 2016 e encerrou recentemente com um episódio final de duas horas. Para além disso, o actor tem mantido uma presença regular no cinema, com participações recentes em títulos como Thunderbolts*, A Working Man e Gran Turismo, bem como em séries animadas como Marvel Zombies e Creature Commandos.

A notícia do seu afastamento de Behemoth! foi inicialmente avançada pela conta de gossip Deuxmoi, mas rapidamente confirmada por meios de comunicação especializados, dando-lhe uma dimensão mais séria e contextualizada.

Mais do que um simples abandono de um projecto, este episódio parece reflectir uma escolha consciente de equilíbrio pessoal — algo ainda raro, mas cada vez mais necessário, numa indústria conhecida pelo seu ritmo implacável.