As Estreias de 30 de Abril: IndieLisboa a começar … e um regresso que esperou vinte anos

Há semanas em que o calendário cinematográfico parece ter sido desenhado para testar a paciência de quem só tem tempo — e dinheiro — para um bilhete. Esta quinta-feira, 30 de abril, é claramente uma delas. Lisboa acorda com o IndieLisboa a abrir a sua 23.ª edição logo à noite, as salas comerciais recebem onze novos títulos, e o fim de semana encolhe de repente perante tanta escolha.

O festival arranca às 19h00 no Cinema São Jorge com The Loneliest Man in Town, de Tizza Covi e Rainer Frimmel — uma das sensações da última Berlinale. A história segue um bluesman à beira do despejo e reflecte sobre aquilo que uma casa guarda de nós quando já não temos mais nada. É uma escolha que diz muito sobre o ADN do IndieLisboa: cinema de pessoas reais, captado com uma atenção que a ficção raramente consegue replicar. A dupla austríaca já conhece bem o festival — venceu o Prémio de Distribuição em 2010 com La Pivellina — e este regresso parece mais do que natural.

Nos onze dias que se seguem, até 10 de maio, o IndieLisboa espalha 241 filmes por várias salas da cidade — do São Jorge à Culturgest, passando pela Cinemateca Portuguesa, o Cinema Ideal e o Cinema Fernando Lopes. Há 16 estreias mundiais na Competição Nacional, uma Competição Internacional verdadeiramente global e uma retrospectiva dedicada ao mockumentary. O encerramento, a 10 de maio na Culturgest, fica a cargo de The History of Concrete, primeira longa de John Wilson — o criador de How To with John Wilson — uma premissa tão absurda quanto irresistível: um documentário sobre betão em que Wilson tenta aplicar a fórmula que aprendeu num workshop da Hallmark. Mais do que um programa, o IndieLisboa continua a ser uma experiência para viver.

Para quem prefere as salas comerciais — ou simplesmente não tem onze dias disponíveis — a semana não perde força. A estreia mais aguardada é O Diabo Veste Prada 2 (NOS Audiovisuais), que reúne Meryl Streep, Anne Hathaway, Emily Blunt e Stanley Tucci vinte anos depois do original. E não é apenas o elenco que regressa: o realizador David Frankel e a argumentista Aline Brosh McKenna voltam a assumir o controlo.

Andy Sachs regressa à Runway, agora como editora de features, num momento em que Miranda Priestly enfrenta a crise da imprensa tradicional e uma antiga assistente surge do outro lado da barricada — como executiva de topo numa marca de luxo. As primeiras reacções são claramente positivas: o filme reencontra o tom do original, evita transformar-se numa lição sobre media contemporâneos e aposta naquilo que sempre funcionou — personagens fortes, diálogos afiados e um mundo onde a elegância nunca é inocente. Pelo meio, há ainda música nova de Lady Gaga e Doechii. Raramente uma sequela com duas décadas de intervalo chega com este nível de segurança.

Fuze — Explosão Iminente (Cinemundo) assume-se como o exercício de tensão mais elegante da semana. David Mackenzie, realizador de Hell or High Water, constrói tudo a partir de uma ideia simples e eficaz: uma bomba não detonada da Segunda Guerra Mundial é descoberta no centro de Londres, forçando a evacuação da cidade. O detalhe crucial? Era exactamente isso que alguém queria. Enquanto Aaron Taylor-Johnson tenta desactivar o engenho, Theo James coordena um assalto a um cofre de diamantes nas ruas desertas. Estreado em Toronto com 73% no Rotten Tomatoes, é um thriller que não reinventa o género — mas executa-o com precisão.

Já Besta (NOS Audiovisuais) entra no território do drama desportivo com Russell Crowe — também co-argumentista — no papel de treinador de um antigo campeão de MMA que regressa à jaula para ajudar o irmão. Filmado em Bangkok com a ONE Championship, segue a fórmula clássica do género com competência, evocando comparações com Warrior (2011) que a crítica tem apontado sem as considerar um problema.

No campo do cinema mais autoral, Sonhos (Films4You) marca a segunda colaboração entre Michel Franco e Jessica Chastain, depois de Memória (2023). A actriz interpreta uma mecenas abastada de São Francisco envolvida numa relação obsessiva com Fernando (Isaac Hernández), um jovem mexicano indocumentado. Estreado na Berlinale 2025, o filme volta a dividir opiniões — como é habitual em Franco — entre quem vê um retrato impiedoso de poder e hipocrisia liberal e quem o considera emocionalmente distante. Há, no entanto, consenso em torno da prestação de Chastain, apontada como uma das mais desconfortáveis da sua carreira.

Quentin Dupieux regressa com O Acidente com o Piano, uma comédia negra que mantém o seu gosto pelo absurdo, mas com um lado mais mordaz do que habitual. Adèle Exarchopoulos interpreta uma influencer rica que se refugia numa chalet alpina após um incidente misterioso envolvendo um piano. A chegada de uma jornalista com intenções duvidosas complica ainda mais a situação. Não é o Dupieux mais surreal — mas pode ser o mais incisivo na forma como observa a cultura digital contemporânea.

Divina Comédia (Nitrato) é, provavelmente, o destaque mais cinéfilo da semana nas salas comerciais. Ali Asgari, realizador de Versos Terrestres, apresenta a história de Bahram, um cineasta que nunca conseguiu autorização para exibir os seus filmes no Irão. Acompanhado por uma produtora numa Vespa cor-de-rosa, percorre Teerão à procura de um espaço para uma exibição clandestina. O resultado é uma sátira política subtil, onde o absurdo convive com uma realidade demasiado concreta.

Em As Correntes (Leopardo Filmes), Milagros Mumenthaler — vencedora do Leopardo de Ouro em Locarno — constrói um drama intimista sobre identidade e trauma. Lina, uma estilista argentina, atira-se ao rio Ródano durante uma viagem à Suíça. De regresso a Buenos Aires, desenvolve uma fobia à água que começa a contaminar todos os aspectos da sua vida. Um filme sobre o que o corpo retém quando a mente se recusa a falar.

A programação completa-se com três documentários portugueses — Caronte, de Tânia Gomes Teixeira; Damas, de Cláudia Alves; e Soco a Soco, de Diogo Varela Silva — e ainda o anime That Time I Got Reincarnated as a Slime — O Filme: Lágrimas do Mar Azul-Celeste (Big Picture), dirigido aos fãs do género.

No fim de contas, é uma semana para todos os gostos — e uma daquelas em que escolher vai ser, inevitavelmente, deixar coisas de fora.

Sam Neill venceu uma batalha silenciosa — e já está a preparar o regresso ao cinema

Há histórias que parecem saídas de um argumento de Hollywood… e depois há aquelas que são ainda mais improváveis. Sam Neill revelou esta semana que está livre de cancro, depois de uma longa batalha de cinco anos contra uma forma rara da doença — e graças a um tratamento experimental que está a dar que falar no mundo da medicina.

Conhecido por milhões como o icónico Dr. Alan Grant na saga Jurassic Park, o actor neozelandês tinha anunciado em 2023 que lutava contra um linfoma angioimunoblástico de células T, um tipo agressivo e raro de cancro. Agora, numa entrevista recente, confirmou aquilo que muitos esperavam mas poucos ousavam garantir: não há sinais da doença no seu corpo.

Uma luta longa… e nem sempre optimista

Durante anos, Sam Neill submeteu-se a tratamentos de quimioterapia que, apesar de eficazes durante algum tempo, estavam longe de ser uma solução definitiva. O próprio actor descreveu esse período como “miserável”, ainda que essencial para se manter vivo.

Com o passar do tempo, a quimioterapia deixou de resultar. O cenário começou a mudar — e não para melhor. Neill chegou mesmo a admitir publicamente que se preparava para o pior, mantendo, no entanto, uma serenidade quase desarmante perante a possibilidade da morte.

Mais do que medo, havia frustração. Frustração por tudo o que ainda queria viver: os anos que desejava passar com a família, os projectos por concretizar, os pequenos prazeres quotidianos que ganham outro peso quando parecem estar em risco.

O tratamento que mudou tudo

Foi então que surgiu uma alternativa inesperada: a chamada terapia CAR-T, um tratamento inovador que ainda se encontra em fase experimental. Este método utiliza o próprio sistema imunitário do paciente para combater o cancro, transformando células T em verdadeiras “armas vivas” capazes de identificar e destruir células malignas.

O processo é complexo, mas fascinante: as células são recolhidas do sangue do paciente, modificadas em laboratório para se tornarem mais eficazes, e depois reintroduzidas no organismo, onde continuam a multiplicar-se e a combater a doença.

No caso de Sam Neill, os resultados foram extraordinários.

“Fiz recentemente um exame e não há cancro no meu corpo”, revelou o actor, visivelmente emocionado. Uma frase simples — mas que encerra anos de luta, incerteza e resistência.

Um regresso que já está a caminho 🎬

Livre da doença, Sam Neill não perdeu tempo a olhar para o futuro. E esse futuro passa, naturalmente, pelo cinema.

“It’s time I did another movie”, afirmou, com a leveza de quem acabou de vencer uma batalha gigante e está pronto para voltar ao que mais gosta de fazer.

Para os fãs, a notícia não podia ser melhor. Não apenas pelo regresso de um actor querido, mas pelo simbolismo que carrega: uma história de resistência, ciência e esperança que ultrapassa o ecrã.

Quando a realidade supera a ficção

Num mundo onde tantas histórias de Hollywood são construídas à volta de heróis improváveis, a jornada de Sam Neill lembra-nos que, por vezes, os maiores “plot twists” acontecem fora do cinema.

E se há algo que esta história prova, é que a combinação entre avanço científico e determinação humana pode, de facto, reescrever finais que pareciam inevitáveis.

Agora, resta esperar pelo próximo papel. Porque depois disto, qualquer regresso ao grande ecrã terá sempre um peso diferente.

“A Casa dos Espíritos” no Prime Video: Isabel Allende tem finalmente a adaptação que merecia

“O Diabo Veste Prada 2” abre o verão de Hollywood amanhã com projecção de 180 milhões globais

Há um realizador português a tomar conta das noites de sábado — e não é por acaso

Ted Lasso regressa a 5 de Agosto: o treinador mais optimista da televisão vai agora gerir uma equipa feminina

A última vez que Ted Lasso apareceu no ecrã foi em Maio de 2023. Deixou Richmond, voltou para Kansas City para estar com o filho Henry, e muita gente achou — incluindo os próprios criadores, que tinham descrito a terceira temporada como o fim da história que queriam contar — que era o fim. Não era. A Apple TV+ confirmou ontem a data de regresso: 5 de Agosto de 2026, com episódios semanais às quartas-feiras até 7 de Outubro.

O teaser divulgado esta semana deixa tudo claro em pouco mais de um minuto: Ted (Jason Sudeikis) está de volta a Richmond, mas desta vez não é para gerir os homens do AFC. O seu novo desafio é a equipa feminina de segunda divisão do clube — uma premissa que foi sendo construída ao longo da terceira temporada, quando Keeley Jones propôs a Rebecca Welton a criação de uma equipa feminina. A cena sempre pareceu um fio deixado em aberto. Agora é o argumento central de toda uma temporada.

O regresso do elenco principal é confirmado: Hannah Waddingham como Rebecca, Brett Goldstein como Roy Kent, Juno Temple como Keeley, Brendan Hunt como Coach Beard e Jeremy Swift como Higgins. A estes juntam-se novos nomes, com Tanya Reynolds a assumir o papel de nova treinadora assistente. Phil Dunster, que interpretava Jamie Tartt, não regressa como regular devido a incompatibilidades de agenda — uma ausência notável, embora esperada. O papel de Henry Lasso, o filho de Ted, passa de Gus Turner para Grant Feely.

O teaser abre com Ted a cruzar uma rua de Richmond e a ser interpelado por um adepto que, num gesto de boas-vindas genuinamente britânico, comenta: “Que pena estares a treinar um bando de raparigas.” É um segundo de imagem, mas define o tom da temporada: a luta contra o sexismo casual no desporto, tratada com o humor e a humanidade que tornaram Ted Lasso na série mais improvável da última década — uma comédia sobre futebol que ganhou Emmys falando de saúde mental, amizade e como ser uma pessoa melhor. A quarta temporada promete adicionar o futebol feminino ao seu vocabulário. Para um país onde o futebol feminino tem crescido em visibilidade, isso não é detalhe menor.

Pode ver o Trailer aqui

“A Casa dos Espíritos” no Prime Video: Isabel Allende tem finalmente a adaptação que merecia

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Há um realizador português a tomar conta das noites de sábado — e não é por acaso

“A Casa dos Espíritos” no Prime Video: Isabel Allende tem finalmente a adaptação que merecia

Havia algo de errado na adaptação de 1993. Não nas intenções — o filme de Bille August era tecnicamente competente, respeitoso até — mas no elenco. Meryl Streep como Clara del Valle, Glenn Close como Férula, Winona Ryder como Blanca, Jeremy Irons como Esteban Trueba: actores excelentes, escolhas desastrosas. O romance de Isabel Allende, publicado em 1982 e há décadas considerado um dos pilares da literatura latino-americana, merecia vozes e rostos do seu próprio mundo. Trinta e três anos depois, o Prime Video entregou exactamente isso.

A Casa dos Espíritos estreia hoje na plataforma da Amazon com os três primeiros episódios, disponíveis em simultâneo em mais de 240 países e territórios. Os restantes cinco episódios serão lançados semanalmente às quartas-feiras, com o episódio final previsto para 13 de Maio. A série de oito partes é a primeira adaptação televisiva em língua espanhola do romance, filmada no Chile — exigência que as realizadoras Francisca Alegría e Fernanda Urrejola impuseram desde o início das negociações com o Prime Video e a FilmNation Entertainment, a produtora por detrás de Anora e Conclave.

A história é conhecida de quem leu o livro ou viu o filme: a saga da família Trueba ao longo de meio século numa nação sul-americana sem nome, mas inconfundivelmente Chile, onde três gerações de mulheres — Clara, Blanca e Alba — navegam entre o amor, o poder, a violência política e o realismo mágico que Allende ajudou a definir enquanto género literário. Nicole Wallace e Dolores Fonzi partilham o papel de Clara em diferentes fases da vida; Alfonso Herrera interpreta Esteban Trueba. A própria Isabel Allende é produtora executiva, ao lado de Eva Longoria e Courtney Saladino.

A recepção crítica tem sido calorosa. A Variety descreve a série como “espectacular e de partir o coração”, enaltecendo a autenticidade que vem de ser rodada em castelhano e nas paisagens que Allende descreveu. O RogerEbert.com fala de uma das adaptações literárias mais ambiciosas que o streaming prometeu e finalmente cumpriu. A série não esquiva o lado mais sombrio do romance — violência sexual, tortura, abuso doméstico — mas faz-o com a mesma seriedade com que Allende os abordou na página.

Em Portugal, onde o romance de Allende tem uma base de leitores consolidada, a chegada desta série preenche uma lacuna há muito sentida. É o tipo de produção que justifica a existência das plataformas de streaming enquanto veículo para histórias que o cinema de estúdio raramente tem paciência — e orçamento — para contar com rigor.

“O Diabo Veste Prada 2” abre o verão de Hollywood amanhã com projecção de 180 milhões globais

Vinte anos são muito tempo no cinema. São suficientes para uma geração crescer com um filme, para os seus diálogos se tornarem citações e para Miranda Priestly se instalar definitivamente no panteão dos vilões mais fascinantes da história recente. São também suficientes para que uma sequela passe de improvável a inevitável — e para que O Diabo Veste Prada 2 se transforme num dos lançamentos mais aguardados de 2026. O filme estreia amanhã nos Estados Unidos e a 30 de Abril em Portugal, mas as expectativas da indústria já estão definidas: entre 80 e 100 milhões de dólares só na América do Norte no fim-de-semana de abertura, e perto de 180 milhões a nível global — números que colocariam este regresso à Runway entre os maiores arranques do ano.

A produção da 20th Century Studios ocupa um slot de peso máximo: o primeiro fim-de-semana de Maio estava originalmente reservado a Vingadores: Juízo Final, antes de a Marvel recuar na data. Que um filme sem super-heróis nem efeitos especiais explosivos tenha tomado esse lugar diz muito sobre a confiança do estúdio. As previsões do Deadline e do Box Office Theory baseiam-se em pré-vendas que, segundo fontes do sector, duplicam as de produções comparáveis recentes — e o mercado europeu é visto como particularmente sólido, dado o desempenho histórico do primeiro filme no continente: 26 milhões de dólares no Reino Unido, 23 milhões na Alemanha, 19 milhões em Itália.

David Frankel regressa à realização, Aline Brosh McKenna ao argumento, e Meryl Streep, Anne Hathaway, Emily Blunt e Stanley Tucci regressam às suas personagens com toda a bagagem de duas décadas entretanto vividas. A história, baseada no romance A Vingança Veste Prada de Lauren Weisberger (2013), coloca Miranda Priestly a braços com o declínio da imprensa tradicional e com uma rival inesperada: Emily Charlton, a antiga assistente interpretada por Blunt, agora à frente de uma poderosa marca de luxo cujo financiamento pode salvar — ou destruir — a Runway. Incorporam o elenco pela primeira vez Justin Theroux, Kenneth Branagh e Lucy Liu. Lady Gaga e Doechii assinam em conjunto a canção original “Runway”, cuja prévia no segundo trailer reuniu mais de 185 milhões de visualizações nas primeiras 24 horas.

O primeiro filme, recorde-se, foi um fenómeno que o tempo só fez crescer. Orçado em 35 milhões de dólares, faturou mais de 326 milhões globalmente em 2006. O regresso à Runway chega curiosamente na semana do Met Gala, a grande noite da moda nova-iorquina, numa coincidência de calendário que não parece acidental. Nenhum franchise Marvel poderia ter marcado melhor o início do verão cinematográfico de 2026.

Em Portugal o filme pode ser visto a partir de amanhã ( 30 de Abril) nas salas portuguesas.

Há um realizador português a tomar conta das noites de sábado — e não é por acaso

TVCine presta homenagem a João Botelho com um ciclo obrigatório

Há nomes que não precisam de apresentação… mas merecem sempre ser revisitados. Em Maio, o TVCine Edition faz precisamente isso ao dedicar as noites de sábado a um dos realizadores mais singulares do cinema nacional: João Botelho.

O especial Celebrar João Botelho arranca a 2 de Maio e prolonga-se até ao final do mês, sempre às 22h00, reunindo cinco obras fundamentais de uma filmografia que nunca seguiu caminhos fáceis — nem quis. Mais do que uma simples retrospetiva, este ciclo é um convite a mergulhar num universo onde o cinema dialoga com a literatura, a história e a própria identidade portuguesa.

Um cinema que não se limita a contar histórias

Falar de João Botelho é falar de um autor que construiu um percurso profundamente coerente — e, ao mesmo tempo, constantemente desafiante para o espectador. O seu cinema distingue-se por uma abordagem estética rigorosa, muitas vezes próxima do teatro, onde a palavra tem tanto peso quanto a imagem.

Não há aqui concessões fáceis. Há ritmo próprio, composição cuidada e uma atenção quase obsessiva à forma. E é precisamente isso que torna este ciclo tão relevante: ver (ou rever) estes filmes hoje é perceber como Botelho continua a ocupar um lugar único no panorama cinematográfico português.

Cinco filmes, cinco portas de entrada

O ciclo abre com Tráfico (1998), um retrato duro e fragmentado da sociedade portuguesa dos anos 90, frequentemente apontado como um filme de culto. Segue-se A Mulher Que Acreditava Ser Presidente dos EUA (2003), uma obra satírica e absurda que explora a fronteira entre realidade e delírio político.

No dia 16, chega O Fatalista (2005), talvez um dos exercícios mais exigentes do realizador — uma reflexão filosófica sobre destino e livre-arbítrio, inspirada em Diderot.

A 23 de Maio, o destaque vai para O Ano da Morte de Ricardo Reis (2020), adaptação da obra de José Saramago, onde o universo literário se cruza de forma directa com o olhar cinematográfico de Botelho, num filme que respira poesia e melancolia.

O ciclo encerra com Um Filme em Forma de Assim (2022), uma proposta mais livre e ensaística, que funciona quase como uma reflexão sobre o próprio acto de fazer cinema — e sobre a memória cultural que o alimenta.

Mais do que uma homenagem — uma oportunidade rara

Num tempo em que o consumo rápido domina, este ciclo surge quase como um acto de resistência. Obriga-nos a parar, a escutar, a olhar com mais atenção. E isso, por si só, já é valioso.

Mas há mais: para quem conhece pouco a obra de João Botelho, esta é uma oportunidade perfeita para descobrir um dos autores mais consistentes do cinema português. Para quem já conhece, é um regresso que promete novas leituras.

Sábados com cinema português — como deve ser

Durante todo o mês de Maio, há um ritual que merece ser criado: sábado à noite, televisão ligada, e tempo para um cinema que não se esquece facilmente.

O especial Celebrar João Botelho está disponível no TVCine Edition e também no TVCine+.

E no meio de tantas estreias e novidades, talvez seja mesmo isto que mais importa: voltar a olhar para o que é nosso — e perceber porque continua a fazer tanto sentido.

Um amor separado pelo destino… e reunido pelo impossível

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Um amor separado pelo destino… e reunido pelo impossível

Um romance intenso chega aos cinemas portugueses em Maio

Há histórias de amor que seguem caminhos previsíveis… e depois há aquelas que parecem ser guiadas por algo maior. Amor em Quatro Letras promete pertencer claramente à segunda categoria, com uma narrativa que mistura paixão, fé e destino numa experiência emocional pensada para tocar o público.

O filme estreia nas salas portuguesas a 7 de Maio, com um elenco de luxo liderado por Pierce Brosnan, Helena Bonham Carter e Gabriel Byrne. Realizado por Polly Steele e baseado na obra do escritor Niall Williams, o filme aposta num tom sensível e intemporal, onde o amor não é apenas um sentimento — é uma força que resiste ao tempo e à adversidade.

Quando o amor não segue o caminho mais fácil

No centro da história estão Nicholas e Isabel, duas almas que parecem destinadas uma à outra… mas que são constantemente separadas pelas circunstâncias da vida.

Tudo começa com uma decisão inesperada: William, o pai de Nicholas (interpretado por Pierce Brosnan), abandona a família após uma alegada revelação divina que o leva a dedicar-se à pintura. Este momento transforma por completo o equilíbrio familiar e marca profundamente o percurso do jovem protagonista.

Do outro lado, Isabel cresce numa pequena ilha, envolta num ambiente familiar rico em música e poesia. No entanto, a harmonia é quebrada por uma tragédia devastadora que obriga a sua família a tomar uma decisão difícil: enviá-la para o continente, afastando-a de tudo o que conhece.

Separados pelo destino, Nicholas e Isabel seguem caminhos marcados por perda, desencontros e amores falhados… até que, como em todas as grandes histórias, o destino decide intervir novamente.

Fé, família e destino: os pilares de uma história emocional

Amor em Quatro Letras não é apenas mais um romance — é um filme que explora temas profundos e universais. A fé surge como elemento central, não apenas no gesto radical do pai de Nicholas, mas também na forma como as personagens lidam com a dor, a perda e a esperança.

A família, por sua vez, é apresentada como uma força simultaneamente estruturante e imprevisível, capaz de unir… mas também de separar. E no meio de tudo isto, o destino surge quase como uma entidade invisível, a puxar os fios de uma história que parece sempre à beira de se desencontrar.

Um elenco que dá corpo à emoção

Com nomes como Pierce Brosnan, Helena Bonham Carter e Gabriel Byrne, o filme ganha uma dimensão adicional. São actores com carreiras sólidas, habituados a navegar entre o drama e a intensidade emocional — e aqui colocam essa experiência ao serviço de uma narrativa delicada, mas poderosa.

A realização de Polly Steele aposta numa abordagem mais contemplativa, privilegiando os momentos de silêncio, os olhares e os pequenos gestos que dizem mais do que qualquer diálogo.

Um encontro marcado com o destino

Com estreia marcada para 7 de Maio e distribuição da NOS Audiovisuais, Amor em Quatro Letras apresenta-se como uma proposta ideal para quem procura um romance com substância, longe dos clichés mais previsíveis.

Mais do que uma história de amor, este é um filme sobre o tempo, as escolhas e aquilo que nos liga — mesmo quando tudo parece empurrar-nos em direcções opostas.

E no final, fica a pergunta inevitável: será que o amor verdadeiro encontra sempre o caminho de volta?

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Uma estreia carregada de tensão chega ao pequeno ecrã

Há filmes que se limitam a entreter… e depois há aqueles que nos colocam perante escolhas impossíveis. Canary Blackparece querer pertencer claramente ao segundo grupo. O novo thriller de ação protagonizado por Kate Beckinsale estreia no dia 1 de Maio, às 21h30, no TVCine Top, com promessa de uma noite intensa e cheia de adrenalina.

No centro da narrativa está Avery Graves, uma agente de elite da CIA que vê a sua vida pessoal colapsar quando o marido é sequestrado por um grupo terrorista. A partir desse momento, o que parecia ser mais uma missão transforma-se num jogo perigoso onde confiança é uma palavra praticamente inexistente. Para salvar quem ama, Avery é forçada a entrar no submundo do crime e a recuperar um misterioso ficheiro conhecido como “Canary Black” — um elemento que poderá ter consequências devastadoras à escala global.

Entre o amor e o dever: quando cada decisão pode custar milhões de vidas

A força de Canary Black reside precisamente no seu dilema central: até onde estamos dispostos a ir por quem amamos? E qual é o preço disso quando o destino de milhões de pessoas está em jogo?

Avery encontra-se isolada, traída e constantemente manipulada por forças que parecem sempre um passo à frente. À medida que a conspiração se desenrola, a protagonista percebe que não é apenas uma peça no jogo — é o próprio epicentro de algo muito maior. Esta constante sensação de desconfiança e urgência transforma o filme numa corrida contra o tempo, onde cada escolha pode ser fatal.

Este tipo de construção narrativa, que mistura espionagem com drama pessoal, tem sido uma das fórmulas mais eficazes do género — e aqui surge reforçada pela intensidade física e emocional exigida à protagonista.

Um realizador habituado à ação e um elenco de peso

Por trás das câmaras está Pierre Morel, um nome bem conhecido dos fãs de cinema de ação. Responsável por títulos como Taken (Busca Implacável) e From Paris with Love, Morel traz consigo uma assinatura marcada por ritmo acelerado, sequências explosivas e uma narrativa directa, sem grandes desvios.

Ao lado de Kate Beckinsale, o elenco inclui Rupert Friend, Ray Stevenson e Ben Miles, reforçando a solidez de um projecto que aposta tanto na acção como na densidade dramática.

Beckinsale, habituada a papéis fisicamente exigentes (basta lembrar a saga Underworld), assume aqui novamente o papel de mulher resiliente e determinada, numa performance que promete combinar vulnerabilidade emocional com força implacável.

Um serão de pura adrenalina

Com cenários internacionais, perseguições intensas e uma narrativa cheia de reviravoltas, Canary Black apresenta-se como uma escolha certeira para quem procura um thriller sólido, sem perder o lado humano da história.

Mais do que uma simples missão, o filme constrói um retrato de sobrevivência num mundo onde as fronteiras entre o certo e o errado são cada vez mais difusas. E é precisamente nesse território ambíguo que o filme parece encontrar a sua maior força.

A estreia acontece já a 1 de Maio, não só no TVCine Top, mas também na plataforma TVCine+, garantindo acesso imediato a um dos thrillers mais promissores desta temporada televisiva.

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CANNESERIES encerra hoje a 9.ª edição: o festival de séries da Croisette que merecia mais atenção

Carla Simón preside ao júri de curtas de Cannes 2026: a realizadora de “Alcarràs” no coração do festival

Faltam duas semanas para o arranque do 79.º Festival de Cannes, marcado para 12 de Maio, e as peças vão tomando o seu lugar. Hoje, o festival confirmou que Carla Simón presidirá ao júri das curtas-metragens e da secção La Cinef — a mais jovem das suas competições, dedicada a filmes de escolas de cinema de todo o mundo. É uma escolha com uma lógica impecável: Simón ganhou o Urso de Ouro em Berlim por Alcarràs em 2022, esteve em Competição em Cannes no ano passado com Romería, e é uma das vozes mais reconhecidas do cinema ibérico contemporâneo. O júri inclui ainda a actriz sul-coreana Park Ji-Min, o realizador iraniano Ali Asgari, o actor francês Salim Kechiouche e o realizador sueco Magnus von Horn.

Em paralelo, a Promoção Europeia de Cinema (EFP) revelou os 20 produtores seleccionados para a 27.ª edição do programa Producers on the Move, que decorre durante o festival. O grupo inclui dois produtores ligados a títulos da Selecção Oficial: a austríaca Lixi Frank, produtora de Everytime de Sandra Wollner — em Un Certain Regard — e co-produtora de The Dreamed Adventure de Valeska Grisebach, em Competição; e o italiano Stefano Centini, na equipa de Death Has No Master de Jorge Thielen Armand, nas Jornadas dos Cineastas. O programa é um dos mais respeitados instrumentos de networking da indústria europeia, e a selecção de 2026 reflecte, segundo o próprio EFP, “um foco assinalável na narrativa conduzida por mulheres”.

A Selecção Oficial deste ano, anunciada a 9 de Abril, tem Park Chan-wook como presidente do júri da Competição — o realizador de Oldboy e Decisão de Partir na mais alta função que Cannes atribui a um cineasta convidado. O festival abre com The Electric Kiss de Pierre Salvadori e inclui a atribuição de duas Palmas de Ouro honoríficas: a Peter Jackson e a Barbra Streisand. O poster oficial desta edição reproduz Geena Davis e Susan Sarandon no set de Thelma & Louise(1991), trinta e cinco anos depois de o filme de Ridley Scott ter estreado precisamente em Cannes.

Para o cinema português e ibérico, Cannes 2026 chega num momento de visibilidade crescente, com a presença de Carla Simón num papel de destaque a confirmar que o cinema da Península mantém um lugar sólido no mapa do festival mais influente do mundo.

“O Diabo Veste Prada 2” abre o verão de Hollywood amanhã com projecção de 180 milhões globais
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Como 16 Minutos Foram Suficientes Para Criar Um Monstro Imortal no Cinema

Há um dado que continua a surpreender, mesmo para quem já viu The Silence of the Lambs dezenas de vezes: Anthony Hopkins aparece em cena durante pouco mais de 16 minutos. Não é uma figura omnipresente, não domina o tempo de ecrã, nem sequer conduz a narrativa no sentido clássico. E, no entanto, quando pensamos no filme, tudo converge inevitavelmente para ele. O Dr. Hannibal Lecter não é apenas uma personagem marcante — é a presença que contamina o filme inteiro, mesmo quando não está lá.

O que torna isto verdadeiramente fascinante é que essa intensidade não nasce de um processo pesado ou de uma construção académica da personagem. Hopkins nunca escondeu que abordou o papel de forma quase desarmantemente simples. Em vez de mergulhar durante meses em estudos sobre psicopatia ou de adoptar um método de imersão total, fez algo muito mais directo: decorou o texto de forma obsessiva e apareceu preparado para o dizer com precisão. O resto aconteceu no momento.

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Há detalhes que ajudam a perceber essa construção aparentemente espontânea. A imobilidade quase absoluta de Lecter — aquele corpo que parece nunca desperdiçar energia — nasceu da observação de répteis. Hopkins viu lagartos num jardim zoológico e ficou impressionado com a forma como permaneciam quietos, atentos, prontos para agir. Transportou essa qualidade para a personagem, criando uma presença que inquieta precisamente porque não reage como um ser humano comum. Ao mesmo tempo, procurou uma referência vocal inesperada: HAL 9000, o computador de 2001: A Space Odyssey. A voz calma, controlada, quase mecânica, serviu de base para aquele tom educado e assustador que nunca precisa de subir para se impor.

E depois há o pormenor que se tornou lendário: o som sibilante na fala dos “fava beans”. Não estava no guião, não foi planeado com antecedência, não resultou de qualquer método elaborado. Surgiu ali, no momento, como um impulso. Esse instante — que podia facilmente ter sido descartado — acabou por se transformar num dos gestos mais reconhecíveis da história do cinema.

Talvez seja aqui que reside o verdadeiro enigma de Anthony Hopkins. Numa indústria que tantas vezes valoriza o sofrimento, o excesso de preparação e a ideia de que grandes desempenhos exigem grandes sacrifícios, ele segue uma lógica quase oposta. Não há romantização do processo, nem a necessidade de transformar cada papel numa prova de resistência emocional. Há, isso sim, uma confiança absoluta na técnica — saber o texto, compreender o ritmo — e depois uma disponibilidade total para o que surgir no momento da filmagem.

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Essa abordagem não é fruto de desleixo, como por vezes se poderia pensar, mas sim de uma disciplina muito particular. Hopkins sempre falou da importância da memorização como base do seu trabalho. Saber as falas ao detalhe permite-lhe libertar-se durante a performance, reagir, ajustar, encontrar nuances que não estavam planeadas. É uma espécie de paradoxo: quanto mais controlada é a preparação, mais livre se torna a execução.

O contraste com o chamado method acting é inevitável. Enquanto muitos actores procuram desaparecer dentro da personagem através de processos longos e, por vezes, extenuantes, Hopkins faz quase o contrário: mantém uma distância clara, não tenta “ser” a personagem fora de cena e evita prolongar o trabalho para além do necessário. Para ele, a interpretação acontece ali, naquele espaço delimitado, entre o “acção” e o “corta”. E é precisamente essa leveza que dá às suas performances uma naturalidade difícil de replicar.

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Nada disto significa que o percurso tenha sido simples. Antes de alcançar o estatuto que hoje lhe é reconhecido, Hopkins passou por um período profundamente instável, marcado pelo alcoolismo e por uma sensação constante de descontrolo. Nos anos 70, quando a carreira começava a ganhar forma, essa luta pessoal ameaçou deitar tudo a perder. O ponto de viragem surgiu em 1975, quando acordou num quarto de hotel no Arizona sem qualquer memória de como lá tinha chegado. Esse episódio tornou-se decisivo: abandonou o álcool de forma definitiva e passou a encarar tudo o que veio depois como uma segunda vida.

É nessa segunda fase que surgem alguns dos seus trabalhos mais marcantes. De The Remains of the Day a The Father, onde interpreta um homem a perder-se na própria mente, há uma consistência impressionante na forma como constrói personagens profundamente humanas sem nunca parecer que está a “mostrar serviço”. Há sempre contenção, precisão, uma economia de gestos que torna cada olhar ou cada pausa mais significativa.

No caso de Hannibal Lecter, essa economia atinge um nível quase desconcertante. Não há explosões emocionais, não há grandes discursos inflamados. Há silêncio, controlo e uma sensação permanente de que tudo está a ser calculado. E talvez seja precisamente por isso que a personagem continua a ser tão perturbadora: porque nunca nos oferece o alívio de uma explicação ou de uma emoção evidente.

No fim, o impacto daqueles 16 minutos não se explica apenas pelo talento de Anthony Hopkins, mas pela forma como ele encara o próprio acto de representar. Sem excessos, sem mitologias desnecessárias, sem transformar o trabalho num ritual pesado. Apenas preparação, atenção e a capacidade rara de confiar no momento.

E, pelos vistos, isso chega — e sobra — para entrar na história do cinema.

Silêncio dos Inocentes pode ser visto ou revisto no Prime Video.

O Predador Dominante e a arte do thriller de sobrevivência sem complicações: porquê Charlize Theron é a escolha certa

Há um tipo de cinema que Hollywood tem vindo a esquecer com alguma consistência: o thriller de aventura que não precisa de ser um evento cultural para justificar a sua existência. Um filme que sabe exactamente o que é, que respeita a inteligência do espectador sem o sobrecarregar de explicações, e que confia no poder das localizações e dos actores para fazer o trabalho pesado. Apex, o novo filme de Baltasar Kormákur agora disponível na Netflix, pertence a essa tradição — e é melhor do que provavelmente merecia ser.

A sequência de abertura estabelece o tom com uma precisão que o resto do filme vai honrar. Sasha (Charlize Theron) e Tommy (Eric Bana) acordam numa tenda afixada a noventa graus numa parede rochosa, com apenas o vazio por baixo. É uma imagem que diz tudo sobre estas duas personagens sem precisar de uma linha de diálogo: são pessoas que normalizaram o risco como condição de vida. Kormákur — que fez Everest e Adrift e conhece bem este território — filma a cena com a sobriedade de quem sabe que a grandiosidade já está lá, não precisa de ser forçada. O argumento de estreia de Jeremy Robbins pulsa com um respeito genuíno pela natureza que raramente se vê neste género, e é isso que distingue a abertura de Apex de tantos outros thrillers de sobrevivência que tentam a mesma coisa.

Quando a história se transfere para a Austrália e Sasha, em luto e em busca de solidão, embarca numa travessia solitária de kayak pelo interior, o filme muda de registo mas mantém a disciplina. A apresentação de Ben (Taron Egerton) é deliberadamente ambígua — um habitante local que conhece a zona como a palma da mão, simpático, prestável, ligeiramente inquietante. Egerton, conhecido de Kingsman e Carry-On, encontra aqui um papel que lhe permite trabalhar contra o seu charme natural de formas interessantes: os olhos vivamente loucos e o grito maníaco que vai emergindo à medida que o filme avança são a marca de uma construção de personagem cuidada, não de excesso.

Theron, por sua vez, está no seu elemento. A actriz sul-africana tem construído ao longo de uma carreira a reputação de alguém que não finge fazer coisas fisicamente exigentes — faz-as mesmo. Em Apex, isso nota-se em cada plano: há uma qualidade de esforço real nas cenas de escalada e de água que nenhuma pós-produção consegue simular completamente. Quando Sasha se move através das ravinas e rápidos do interior da Nova Gales do Sul, a câmara acompanha-a com a consciência de que está a filmar alguém que treinou genuinamente para isto, e não uma estrela a pousar em frente a um fundo verde.

O filme tem as suas limitações, e é honesto assumi-las. A história dos dois protagonistas existe apenas em linhas largas — sabe-se o suficiente para investir emocionalmente, mas não muito mais. Em certos momentos, a estrutura de perseguição acusa alguma repetição. Estas são as concessões que Apex faz para manter o ritmo e a temperatura — e são concessões que fazem sentido. Kormákur está mais interessado em adrenalina branca do que em psicologia elaborada, e o resultado é um filme que se vê de uma assentada com o coração ligeiramente acelerado, o que é, afinal, exactamente o que promete.

Na tradição dos grandes thrillers de aventura ao ar livre — de Cliffhanger a The River Wild, de Free Solo à obra do próprio Kormákur — Apex lembra que às vezes basta confiar no terreno, nos actores e na câmara. A Netflix tem aqui um dos títulos mais satisfatórios do seu catálogo de acção em 2026. Simples, eficaz, bem executado. Às vezes isso é tudo o que um fim de semana precisa.

CANNESERIES encerra hoje a 9.ª edição: o festival de séries da Croisette que merecia mais atenção

Cannes 2026: Park Chan-wook preside ao júri, Almodóvar e James Gray na corrida à Palma de Ouro
Jason Statham e David Ayer Voltam a Juntar-se em John Doe — Um Homem Sem Memória e Sem Nome Para o Mercado de Cannes
Jackass: Último Shot de Loucura Já Tem Trailer — e Johnny Knoxville Promete uma Despedida à Altura

CANNESERIES encerra hoje a 9.ª edição: o festival de séries da Croisette que merecia mais atenção

Hoje fecha as portas a nona edição do CANNESERIES, o Festival Internacional de Séries de Cannes que desde 2018 ocupa a Croisette uma semana antes da Palma de Ouro entrar em cena. De 23 a 28 de abril, o Palais des Festivals acolheu profissionais da indústria e público geral numa programação que incluiu longas-séries, curtas-séries e documentários serializados em competição, com cerimónias de abertura e encerramento separadas.

A edição arrancou com uma nota de prestígio: Jisoo, membro dos BLACKPINK e atriz em crescendo com séries como Snowdrop, Newtopia e o mais recente Boyfriend on Demand da Netflix, recebeu o prémio Madame Figaro Rising Star Award na cerimónia de abertura. Foi um momento de euforia no auditório — a estrela K-pop agradeceu “em inglês e com um merci” ao público presente — e um sinal da internacionalização crescente do evento. Adam Scott, por sua vez, recebeu o Canal+ Icon Award durante o festival, marcando presença acompanhado pela mulher Naomi.

A Air France estreou este ano o seu próprio prémio no festival — o Air France Travelers’ Choice Award — dedicado à série da edição anterior com melhor performance a bordo dos seus voos, medida por dados reais de visualização dos passageiros. É uma novidade que diz muito sobre como os festivais de séries procuram novas formas de medir impacto e relevância cultural para além dos júris tradicionais.

O CANNESERIES tem uma posição curiosa no calendário da indústria: não tem a visibilidade dos Emmy nem o prestígio artístico da competição principal de Cannes, mas posiciona-se como um espaço de descoberta de produções internacionais que de outra forma dificilmente chegariam ao radar do público europeu. O formato competitivo distribui prémios em categorias como Melhor Série, Melhor Argumento, Melhor Interpretação e Prémio do Público, com um júri renovado a cada edição.

Para o leitor português, o CANNESERIES é também um barómetro útil: as séries aqui distinguidas costumam aparecer em plataformas europeias nos meses seguintes. A edição de hoje termina com a cerimónia de encerramento e a revelação do palmarès completo, ainda a aguardar divulgação pública no momento desta publicação. O Festival de Cannes Cinema arranca a 12 de maio, a poucos quilómetros e numa outra escala de atenção mediática — mas o mês de Cannes começa, afinal, hoje.

Cannes 2026: Park Chan-wook preside ao júri, Almodóvar e James Gray na corrida à Palma de Ouro
Park Chan-wook dirige western com McConaughey, Pedro Pascal e Austin Butler
Kimmel responde a Trump em directo: “Não foi um apelo ao assassínio. E eles sabem isso.”
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Cannes 2026: Park Chan-wook preside ao júri, Almodóvar e James Gray na corrida à Palma de Ouro

Faltam duas semanas para a abertura da 79.ª edição do Festival de Cannes e o entusiasmo já se sente na Croisette. A seleção oficial foi anunciada a 9 de abril por Thierry Frémaux e pela presidente Iris Knobloch, mas nas últimas semanas continuaram a cair confirmações importantes — a mais aguardada das quais foi a de Paper Tiger, de James Gray, que entra na competição oficial depois de semanas de suspense público. Frémaux havia deixado a dica em conferência de imprensa: “Há um filme de que vão dizer ‘ah, não está cá!’ Mas vai estar, eu garanto.” Estava. O thriller nova-iorquino, com Adam Driver, Scarlett Johansson e Miles Teller, será a sexta vez de Gray em competição em Cannes.

A seleção deste ano é assumidamente dominada por autores internacionais: Asghar Farhadi, Pedro Almodóvar, Hirokazu Kore-eda, Paweł Pawlikowski, László Nemes e Ryusuke Hamaguchi estão todos em competição, representando um regresso às origens cinéfilas do festival depois de uma edição 2025 marcada por uma forte presença de Hollywood. Ira Sachs é o único realizador americano em competição com The Man I Love, musical fantástico com Rami Malek centrado na crise de VIH nos anos 80 em Nova Iorque. Almodóvar apresenta Bitter Christmas, o único filme da seleção que já teve estreia mundial antes do festival.

A cerimónia de abertura, a 12 de maio, acontece com La Vénus Électrique de Pierre Salvadori — uma comédia romântica burlesca passada no início do século XX em Paris, com Pio Marmai e Gilles Lellouche. A mesma noite, o filme exibe-se simultaneamente em cinemas de toda a França. O cartaz oficial desta edição é uma homenagem a Thelma & Louise, trinta e cinco anos depois de a dupla ter estreado na Croisette — em 1991, com Ridley Scott — antes de chegar aos cinemas de todo o mundo.

Do lado do júri, a escolha de Park Chan-wook como presidente é um sinal claro da orientação artística desta edição. O realizador coreano, cujo trabalho mais recente — No Other Choice — chegou ao Hulu poucas semanas atrás, está a preparar simultaneamente o seu próximo projeto no mercado do festival, o que torna a sua presença em Cannes ainda mais movimentada do que o habitual.

O mercado, que decorre de 12 a 20 de maio em paralelo com a competição, já deu sinais de efervescência, com projetos ambiciosos a surgir antes da abertura oficial. Para além do western de Park Chan-wook, chega ao mercado Margot & Rudi, sobre o romance e a parceria artística entre Margot Fonteyn e Rudolf Nureyev, com Naomi Watts e o bailarino ucraniano Alexandr Trush. O festival e o mercado juntos fazem de Cannes, como sempre, o momento mais intenso do calendário cinematográfico europeu. Para o público português, a presença de Almodóvar — cujo cinema nunca precisou de legenda emocional por estas bandas — é razão suficiente para acompanhar o que se passa na Croisette nas próximas semanas.

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Park Chan-wook dirige western com McConaughey, Pedro Pascal e Austin Butler

O realizador de Oldboy, A Criada e Decisão de Partir tem um novo projeto em mãos — e é um western. Park Chan-wook confirmou esta semana que o seu próximo filme será The Brigands of Rattlecreek, com um elenco que por si só justifica atenção: Matthew McConaughey, Pedro Pascal, Austin Butler e a sua habitual colaboradora Tang Wei encabeçam o projeto. A notícia foi avançada em exclusivo pelo Deadline e rapidamente confirmada pelo Variety e Screen International.

O argumento é de S. Craig Zahler, o cineasta conhecido pelo western visceral Bone Tomahawk e por Brawl in Cell Block 99 — dois filmes que partilham com Park uma certa predileção pela violência que tem peso moral. O guião andou décadas na gaveta de Hollywood, onde McConaughey esteve ligado ao projeto desde 2019, quando a Amazon o tentou ressuscitar. O que mudou foi a chegada de Park ao leme, que fez revisões no texto mais recente.

A história centra-se num xerife e num médico que procuram vingar-se de uma quadrilha de bandidos que usa uma tempestade para atacar e aterrorizar uma pequena cidade. No papel do xerife está McConaughey; Butler interpreta o líder dos bandidos. Pascal e Tang Wei completam o quarteto principal, com detalhes sobre os seus papéis ainda por revelar. O orçamento está estimado em mais de 60 milhões de dólares, e o filme será apresentado a compradores internacionais no mercado de Cannes em maio, através da produtora 193 de Patrick Wachsberger.

A coincidência não é pequena: Park Chan-wook preside ao júri da 79.ª edição do Festival de Cannes — exatamente o evento onde o seu próximo projeto vai à procura de distribuição. A dupla presença na Croisette, como jurista e como vendedor, é uma jogada que poucos realizadores conseguiriam fazer com tanta naturalidade.

O que torna o projeto genuinamente estimulante é a tensão entre dois mundos. Park é um mestre da vingança enquanto tragédia — nenhum dos seus filmes deixa os seus personagens saírem impunes do ciclo de violência que desencadeiam. Zahler, por outro lado, escreve westerns onde a brutalidade é quase filosófica, despida de glória. A fusão dos dois pode resultar num dos filmes mais interessantes desta segunda metade da década.

Para Park, será apenas o segundo filme em língua inglesa depois de Stoker (2013). A experiência televisiva entretanto acumulada — com The Little Drummer Girl e The Sympathizer — fez dele um cineasta mais à vontade com estruturas narrativas mais longas e com equipas de produção anglo-saxónicas. The Brigands of Rattlecreek não tem ainda data de produção confirmada, mas a movimentação em Cannes sugere que o arranque das filmagens não deve tardar muito.

Kimmel responde a Trump em directo: “Não foi um apelo ao assassínio. E eles sabem isso.”
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Kimmel responde a Trump em directo: “Não foi um apelo ao assassínio. E eles sabem isso.”

Na noite de segunda-feira, Jimmy Kimmel fez o que tem feito sistematicamente sempre que a pressão política sobre o seu programa sobe: virou-se para a câmara e falou. No seu monólogo no Jimmy Kimmel Live!, o apresentador respondeu directamente aos pedidos de despedimento formulados pelos Trump — Donald e Melania — nas horas anteriores, depois de uma piada sua sobre a Primeira-Dama ter circulado nas redes sociais na sequência do ataque ao jantar dos Correspondentes da Casa Branca, no sábado.

A piada em causa foi feita na quinta-feira, antes do incidente. No seu programa, Kimmel encenou um monólogo alternativo ao jantar oficial — que neste ano não tinha um comediante como anfitrião — e disse, dirigindo-se a Melania Trump: “tem o brilho de uma viúva expectante.” No sábado, um atirador tentou entrar no Hotel Washington Hilton, onde decorria a gala, e foi detido por agentes do Serviço Secreto. O Presidente e a Primeira-Dama foram evacuados.

O que se seguiu foi uma lógica que já vimos antes: Trump publicou na sua plataforma Truth Social que a piada de Kimmel era “um desprezível apelo à violência” e exigiu o seu despedimento imediato pela Disney e pela ABC. Melania Trump publicou nas redes sociais que o apresentador “não deveria ter a oportunidade de entrar em nossas casas todas as noites para espalhar ódio”, concluindo com um apelo à ABC para que “tome uma posição”. A porta-voz da Casa Branca, Karoline Leavitt, afirmou que comentários como os de Kimmel fazem parte de uma “retórica que ajuda a legitimar esta violência.”

Kimmel, no monólogo de segunda-feira, foi directo: descreveu a piada como “uma brincadeira ligeira sobre a diferença de idades” entre Trump e Melania, sublinhando que o presidente tem quase 80 anos e a Primeira-Dama é mais nova do que o próprio apresentador. “Não foi, por nenhuma definição possível da palavra, um apelo ao assassínio. E eles sabem isso”, disse. Reconheceu o trauma do sábado à noite — “o facto de ninguém ter morrido não significa que não foi traumático e assustador” — e expressou solidariedade genuína a todos os presentes na gala. Mas recusou aceitar a premissa de que a sua piada de quinta-feira teve qualquer relação com o que aconteceu dois dias depois. “Querem que acreditemos que uma piada que fiz três dias antes deste jantar teve algum efeito em qualquer coisa que aconteceu no sábado à noite?”

O contexto que o artigo desta segunda-feira não pode ignorar é o que o Clube de Cinema tem acompanhado ao longo do último ano: este não é o primeiro confronto entre Kimmel e a administração Trump, nem a primeira vez que a ABC enfrenta pressão para o afastar. Em setembro de 2025, o programa foi suspenso durante vários dias após comentários sobre o assassinato de Charlie Kirk. Kimmel regressou sem pedir desculpas completas, mas visivelmente afectado. O programa de Stephen Colbert na CBS foi entretanto cancelado — num processo que o próprio apresentador considerou inseparável da pressão política. Trump chegou a dizer publicamente que “Kimmel é o próximo.”

A resposta de Kimmel segunda-feira pode ser lida como um ensaio sobre onde está actualmente a sátira política na televisão americana: entre a obrigação de continuar a falar e a consciência de que cada frase pode ser usada como munição numa batalha que não tem apenas como palco a televisão. “Depois de notar que todos os americanos têm direito à liberdade de expressão”, disse Kimmel, “acho que um bom sítio para começar a baixar a temperatura seria ter uma conversa com o seu marido sobre isso.” A frase foi dirigida a Melania. A ABC não comentou publicamente.

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First Date chega à Filmin a 30 de abril: a curta açoriana que conquistou o mundo sem ICA nem distribuidora

O percurso de First Date é, a seu modo, um pequeno conto sobre o que o cinema independente pode fazer quando decide simplesmente acontecer. Rodado em menos de uma semana na ilha do Pico, sem apoio do ICA, sem produtora de grande dimensão e sem agência de comunicação, o primeiro filme de Luís Filipe Borges — mais conhecido como argumentista, escritor e humorista — passou por mais de 60 exibições em grandes ecrãs em todos os continentes, acumulou 22 prémios em festivais de Angola, Brasil, Estados Unidos, Índia e Reino Unido, e passou pelo ShortCutz Lisboa em abril. Esta quinta-feira, 30 de abril, dá o passo seguinte: estreia na Filmin, tornando-se a primeira curta-metragem de Borges a chegar a uma plataforma de streaming.

A história é uma comédia romântica com subversões discretas: Santiago é um lisboeta que finge ser açoriano; Melissa é americana e chegou ao Pico com uma ideia muito clara sobre o que queria encontrar. O que se segue joga com identidade, expectativa e as pequenas mentiras que as primeiras impressões exigem — tudo com a ilha do Pico como cenário, que em First Date nunca é apenas cenário. Cristóvão Campos e Ana Lopes interpretam os dois protagonistas, e a química entre os dois é, segundo a crítica internacional, um dos elementos mais assinalados do filme.

“Ver o First Date chegar à Filmin é fonte de orgulho desmedido”, admite Borges no comunicado de estreia. “Diretamente dos Açores, sem ICA, sem grandes produtoras ou distribuidoras por trás, sem agência de comunicação — honra-nos mais ainda.” O produtor Terry Costa acrescenta que a estreia coincide com o último dia do mês de destaque ao cinema português que a Filmin promoveu durante abril, o que lhe confere um simbolismo adicional.

A escolha da plataforma não é despropositada. A Filmin — com catálogo partilhado entre Portugal e Espanha — posiciona-se como espaço de referência para cinema de autor e produções premiadas em festivais, o que torna First Dateuma adição coerente. Para uma curta que foi construída fora dos circuitos habituais de financiamento e distribuição, chegar a uma plataforma desta natureza representa também uma validação do modelo: é possível fazer cinema português de qualidade a partir de uma ilha dos Açores, sem as estruturas que habitualmente servem de condição prévia para a visibilidade.

O filme continua em simultâneo o seu circuito de festivais e sessões especiais em Portugal e no estrangeiro. A Filmin representa, portanto, não um ponto final mas uma nova porta de entrada — desta vez para quem prefere o sofá ao festival, ou simplesmente não conseguiu chegar a nenhuma das sessões ao vivo.

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Há uma ironia deliciosa no facto de Thierry Frémaux — o homem que cada ano em abril anuncia ao mundo quais os filmes que merecem existir em Cannes — ser também o guardião mais apaixonado dos filmes que tornaram possível que existisse um Cannes. Como diretor do Institut Lumière em Lyon, Frémaux passou anos a debruçar-se sobre um acervo de mais de 1400 títulos filmados pelos irmãos Auguste e Louis Lumière no final do século XIX. Desta imersão nasceu Lumière, a Aventura Continua!, um documentário que chega ao TVCine Edition e TVCine+ na sexta-feira, 1 de maio, às 22h00.

O trabalho de Frémaux foi o de curador rigoroso: de um acervo vasto e tecnicamente frágil, selecionou 114 filmes, entretanto restaurados em 4K, e construiu com eles um retrato composto do mundo no dealbar do século XX. Não se trata de arqueologia nem de museologia passiva. O argumento central do documentário é provocatório: estes filmes não envelheceram. Ou melhor — nunca foram apenas históricos.

Entre os títulos reunidos estão aquelas que qualquer estudante de cinema conhece de cor: La Sortie de l’Usine Lumière à Lyon, a saída dos operários da fábrica, filmada em 1895 e frequentemente citada como o primeiro filme da história do cinema; L’Arrivée d’un train en gare de La Ciotat, cuja projeção terá, segundo a lenda, provocado o pânico nos primeiros espectadores que viram uma locomotiva avançar sobre eles — lenda amplificada pelo tempo, mas sintomática do choque que aquelas imagens representaram; e Le Repas de bébé, registo doméstico e íntimo que antecipa o gesto do cinema contemporâneo de encontrar o extraordinário no banal. Frémaux não se limita a projetá-los em sequência: contextualiza, interroga, aproxima os espectadores de 2025 do espanto dos de 1895.

O que o documentário propõe, no fundo, é que o cinema nunca se afastou muito dos seus primeiros instintos. O enquadramento cuidado, a atenção ao movimento, a tensão entre o documentado e o encenado — tudo isso está já nos Lumière, com uma clareza que os 130 anos entretanto passados não obscureceram. Para Frémaux, que todos os anos seleciona o que de melhor o cinema mundial tem para oferecer na Croisette, esta foi também uma forma de regressar às origens da sua própria paixão.

A estreia no TVCine Edition é uma proposta de televisão de qualidade num horário nobre: sexta-feira à noite, às 22h00, com o fim de semana pela frente — tempo suficiente para deixar o documentário fazer o seu efeito e, quem sabe, revisitar alguns dos títulos que inspirou.

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Jason Statham e David Ayer Voltam a Juntar-se em John Doe — Um Homem Sem Memória e Sem Nome Para o Mercado de Cannes

Há parcerias que o mercado adopta com uma naturalidade quase reflexa. Jason Statham e David Ayer são uma delas. Depois de The Beekeeper — 163 milhões de dólares em bilheteira mundial — e de A Working Man, que rendeu 89 milhões com um orçamento contido, os dois voltam a unir forças em John Doe, um thriller de acção com argumento de Zak Penn que a Miramax e a Black Bear vão apresentar aos compradores internacionais no mercado de Cannes, em Maio.

A premissa é deliberadamente arquetípica — e isso é precisamente o ponto. Statham interpreta um homem sem memória, sem passado e sem nome, cuja única certeza é um rosto que não consegue esquecer: o de Eliza. À medida que fragmentos da sua identidade regressam, descobre que foi treinado para uma missão que ainda está em curso e que os próprios que o enviaram agora o caçam. A escolha entre cumprir o que começou ou proteger a única coisa que o faz sentir humano é o motor dramático. É, em traços largos, a geometria do thriller de amnésia que o género conhece bem — mas com Statham a executá-la e Ayer a dirigir, o mercado sabe exactamente o que está a comprar.

O argumento é de Zak Penn, um nome que em Hollywood é sinónimo de blockbuster funcional e bem construído. Penn escreveu ou co-escreveu Os Vingadores, Ready Player One, Free Guy, X2 e O Incrível Hulk — um currículo que não produz Palmas de Ouro mas que enche salas com uma consistência que poucos argumentistas conseguem. A junção Penn-Ayer-Statham é, do ponto de vista comercial, uma proposta sem grande risco.

A produção está prevista para arrancar em Setembro de 2026, com a Miramax a financiar e a produzir, e a Black Bear a tratar da venda internacional — precisamente o modelo que funcionou nas duas colaborações anteriores. Statham produz também através da sua Punch Palace Productions. O título chega a Cannes como uma das apostas mais sólidas do mercado independente, numa edição do festival que, como sempre, equilibra a competição artística com o pragmatismo comercial do Marché du Film.

Para contextualizar a dimensão de Statham enquanto activo de mercado: os seus filmes acumulam 8,5 mil milhões de dólares em bilheteira global. A agenda dos próximos anos inclui Viva La Madness de Guy Ritchie, com Ben Foster e Camila Mendes; Jason Statham Stole My Bike, a meta-comédia de acção de David Leitch; e The Beekeeper 2, com Jeremy Irons e Pom Klementieff. É, por qualquer medida, um dos actores mais rentáveis do cinema de acção contemporâneo — sem franquia, sem universo partilhado, apenas com a sua presença como garantia.

John Doe não vai disputar a Palma de Ouro. Mas vai provavelmente disputar o topo das bilheteiras europeias no Verão de 2027, e o leitor português que gosta de Statham já tem razões para apontar a data no calendário.

O Diabo Veste Prada 2: O Realizador Queria o Nate de Volta — Mas a Agenda Não Deixou

Há personagens que envelhecem mal. E depois há o Nate, o namorado chef de Andy Sachs em O Diabo Veste Prada, que envelheceu tão mal que se tornou um fenómeno cultural à parte — não pelo que faz no filme, mas pela forma como as audiências o foram relendo ao longo de quase vinte anos. Hoje, nas redes sociais, Nate é canonicamente o vilão da história: o rapaz que ficou ressentido porque a namorada quis ter uma carreira. Uma leitura que Adrian Grenier, o actor que o interpretou, parece ter abraçado com humor notável.

David Frankel, realizador de O Diabo Veste Prada 2, confirmou à Entertainment Weekly que chegou a ponderar incluir Grenier numa aparição surpresa na sequela. A ideia era “infiltrá-lo” discretamente, mas os calendários de produção não colaboraram e o cameo ficou pelo caminho. Frankel não revelou como teria incorporado a personagem na trama, mas deixou escapar um elogio inesperado: ficou encantado com o facto de Grenier ter feito recentemente um anúncio da Starbucks que brinca directamente com a sua ausência da sequela — “muito engraçado e autodepreciativo”, disse o realizador. “Adoro a humildade e a comédia.”

Grenier, por seu lado, já tinha falado sobre o assunto em Março ao Page Six, com uma candura que também tem o seu charme: “Foi uma desilusão não ter recebido a chamada para a sequela, mas percebo que existe alguma reacção negativa em relação ao Nate enquanto personagem, por isso talvez isso tenha tido algo a ver.” Acrescentou que a situação deixa espaço para um possível spin-off, e concluiu com uma frase que é simultaneamente diplomática e ligeiramente melancólica: “Somos todos fãs do filme, estejamos ou não nele.”

A sequela, que estreia a 1 de Maio nos cinemas — incluindo em Portugal, com o título O Diabo Veste Prada 2 —, reúne Anne Hathaway, Meryl Streep, Emily Blunt e Stanley Tucci vinte anos depois dos acontecimentos do primeiro filme. Andy regressa à Runway numa altura em que a revista luta para sobreviver num panorama mediático irreconhecível, e a trama obriga-a a convencer Emily — agora à frente de uma marca de luxo — a comprar publicidade que pode salvar a publicação. Miranda Priestley, naturalmente, continua a ser Miranda Priestley.

A ausência do Nate é, de certa forma, poeticamente justa. A personagem foi construída para ser o peso que puxa Andy de volta à mediocridade confortável, e o facto de a sequela o ignorar por completo é a vingança silenciosa que vinte anos de releituras feministas do filme estavam a pedir. Se Grenier vier a aparecer num spin-off, será porque a cultura pop tem um sentido de humor que não falha.

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O fim de semana foi de Antoine Fuqua. O biopic Michael, sobre a vida de Michael Jackson, arrecadou 97 milhões de dólares no mercado norte-americano e mais de 217 milhões a nível global na estreia — o melhor arranque de sempre para um biopic musical, num resultado que surpreendeu a própria indústria. Agora, com os números na mão, Fuqua falou com a Deadline sobre as decisões que moldaram o filme: a sequela que já está implicitamente preparada, os 50 milhões de dólares em reshoots que ninguém esperava, e a ausência das acusações de abuso sexual que continuam a definir a herança de Jackson.

O filme termina com um cartão a dizer “A Sua História Continua” — uma indicação clara de intenções. Fuqua confirmou que existe material filmado para uma segunda parte e que a estrutura narrativa do primeiro filme foi deliberadamente concebida como prólogo. A ideia era simples na teoria e complicada na execução: antes de poder confrontar o público com a complexidade e as sombras do Jackson adulto, era preciso construir empatia suficiente pelo Jackson humano — o rapaz de Indiana, o filho de Joe Jackson, o artista que se tornou num fenómeno sem precedentes.

A ausência das acusações de abuso sexual levantadas por Jordan Chandler não foi uma escolha criativa pura. Fuqua revelou que o filme originalmente abria com a invasão policial à Neverland Ranch em 1993, na sequência das alegações de abuso do então adolescente de 13 anos. Essa cena foi removida quando, já na fase de entrega do director’s cut, a produção descobriu que o acordo de resolução civil entre Chandler e o espólio de Jackson incluía uma cláusula que impedia que o caso fosse dramatizado. O resultado foi 50 milhões de dólares em reshoots — numa produção que já custava 200 milhões — e uma reconfiguração completa da estrutura do filme. “Foi um dia difícil”, disse Fuqua, com a contenção de quem está a descrever uma catástrofe logística de forma civilizada.

Jackson chegou a acordo civil com a família Chandler por um valor reportado de 25 milhões de dólares, após o que Chandler deixou de cooperar com os procuradores. Em 2005, Jackson foi absolvido de outras acusações de abuso de menores. O seu espólio continua a negar todas as alegações levantadas contra o cantor, incluindo as documentadas em Leaving Neverland, o documentário de 2019 que reacendeu o debate público sobre o seu legado. O filme de Fuqua não toma posição sobre nada disto — e é precisamente essa ausência que alimentou grande parte da discussão crítica em torno do projecto.

O realizador defende a opção com uma lógica que é cinematograficamente coerente, ainda que eticamente questionável para muitos: “A menos que possas verdadeiramente tomar o teu tempo, voltemos ao princípio e mostremos às pessoas quem ele era em palco. É um super-herói em palco. O cinema tem o poder da empatia para dizer que isto é um ser humano. Ninguém é perfeito.” A sequela — cuja existência Fuqua confirma “absolutamente” — será o espaço onde essas questões terão de ser enfrentadas, ou onde a franchise provará definitivamente que prefere a hagiografia à complexidade.

O que os números do fim de semana demonstram, acima de tudo, é que o público tem apetite para Michael Jackson independentemente do debate — ou talvez precisamente por causa dele. A crítica foi fria, com 38% no Rotten Tomatoes, mas o público respondeu com 97% na mesma plataforma, uma das maiores divergências do ano. Jaafar Jackson, sobrinho do cantor e protagonista do filme, convenceu quem foi ver: a performance física e musical é, por consenso, o elemento mais forte de uma produção que em tudo o resto divide opiniões.

Fuqua nunca chegou a conhecer Michael Jackson — o cantor morreu em Junho de 2009, aos 50 anos, de intoxicação aguda por propofol — mas esteve perto de o fazer: foi considerado para realizar o videoclipe de Remember the Time. Décadas depois, acabou por construir o retrato mais ambicioso que o cinema já fez do rei do pop. Se a sequela confirmar o que o primeiro filme apenas esboça, ficará a saber-se se estava à altura do desafio.

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