De 29 de agosto a 6 de setembro, a cidade transforma-se num palco cultural com mais de uma centena de atividades para todas as idades.
A cidade de Viseu vai receber a primeira edição do Jardim das Artes e Letras (JAL), um novo projeto cultural que promete levar livros, cinema, música e muito mais ao cenário único da Mata do Serrado. Durante nove dias, entre 29 de agosto e 6 de setembro, o espaço natural no centro da cidade será palco de 13 atividades diárias e quase 100 eventos pontuais, todos pensados para se harmonizarem com o ambiente da mata.
Apresentado pela fundadora Sandra Oliveira, o JAL é um investimento de 81 mil euros, financiado em 80% pela Direção-Geral das Artes e em 20% pela Câmara Municipal de Viseu. A vereadora da Cultura, Leonor Barata, sublinha que a iniciativa se insere no compromisso de preservação e devolução da Mata do Serrado à comunidade desde que o município assumiu a sua gestão em 2023.
Inspirada nos livros Grapefruit de Yoko Ono e Tisanas de Ana Hatherly, a programação foi pensada para todas as idades, com especial atenção às famílias, pela associação Pausa Possível e pelos programadores Lucas F. Oliveira e Maria Inês Demétrio.
Livros acessíveis e cinema para toda a família
A feira do livro contará com dez estantes e um conceito diferenciado: editoras que vendem livros em segunda mão, permitindo preços mais acessíveis e incentivando o acesso à leitura, especialmente entre os mais jovens.
As sessões de cinema resultam de uma parceria com o Cine Clube de Viseu e a Tata Gallery, com destaque para curtas-metragens voltadas para o público infantil, mas que, segundo a organização, “são boas para toda a família”.
Música, oficinas e nomes de peso
A abertura do evento ficará a cargo de Rafael Toral, enquanto o encerramento será marcado pela atuação de Ece Canli. Pelo caminho, o programa inclui “cordas sem amarras”, concertos de Tó Trips, Norberto Lobo, Lula Pena e Filho da Mãe.
Entre as figuras confirmadas estão Cláudia Cesário, Patrícia Portela, Hugo van der Ding, Sara Brighenti, Paulo Barracosa, Inês Leitão, Marina Palácio, Liliana Bernardo, Joana Mendonça, entre muitos outros, que irão dinamizar oficinas, conversas e instalações artísticas.
Toda a programação estará disponível no site oficial do evento, adaptado a qualquer dispositivo e com funcionalidades interativas que permitem partilhar ou enviar convites por email.
Com esta primeira edição, o Jardim das Artes e Letras pretende afirmar-se como um encontro anual de artes no coração de Viseu, celebrando a cultura em harmonia com a natureza.
Sexo, escândalo e vazio emocional: o retrato de uma estrela pornográfica que levanta questões sociais urgentes — mas que o documentário não teve coragem de explorar
📺 1000 Men and Me: The Bonnie Blue Story estreou esta semana no Channel 4, no Reino Unido, e tornou-se de imediato o centro de uma controvérsia nacional. O documentário segue Bonnie Blue, nome artístico de Tia Billinger, actriz pornográfica britânica de 26 anos que se tornou viral por alegadamente ter tido sexo com 1.057 homens num único dia, em 12 horas — numa tentativa de bater um recorde mundial bizarro, anteriormente detido por Lisa Sparxxx (919 homens em 2004).
Mas mais do que os números, foi a postura pública, provocadora e desafiante de Bonnie que incendiou o debate: após o feito, anunciou um “evento privado” onde permitiria que 2.000 homens tivessem relações com ela, trancada nua dentro de uma caixa de vidro. Foi banida do OnlyFans, entrevistada no podcast de Andrew Tate (figura polémica acusada de crimes graves no Reino Unido), e tornou-se, para muitos, o símbolo de tudo o que está “errado” na cultura sexual contemporânea.
Um documentário com mais escândalo do que substância
Realizado por Victoria Silver e transmitido com aviso de conteúdo gráfico, o documentário prometia “mostrar o que está por trás daqueles olhos azuis gélidos”, segundo a sinopse da Channel 4. Mas o resultado é outro: uma obra que observa, mas não interroga; que mostra, mas não explica; que regista, mas não analisa.
Sim, vemos Bonnie Blue a preparar-se para o “recorde”: lubrificante anestésico, preservativos a perder de vista, balaclavas para o anonimato. Vemos até a sua mãe, que a apoia com uma serenidade quase surreal. Mas não há, em momento algum, uma tentativa séria de entender o fenómeno social, cultural e psicológico que ela representa.
A mulher escandaliza — e os homens desaparecem da equação
A crítica mais pertinente veio num artigo de Eva Wiseman para o The Guardian, onde escreve:
“As intenções e danos de Bonnie Blue foram escrutinados. Mas os homens que se alinham para ser o 20.º ou o 60.º a penetrar uma desconhecida durante três minutos, enquanto alguém faz truques de cartas lá fora, passaram despercebidos. As intenções desses homens não interessam, porque… é normal. Normal aceitar sexo quando é oferecido. Normal objectificar o corpo de uma mulher. Normal voltar para casa como se nada fosse.”
O documentário teve a oportunidade de virar a lente para esses homens — e falhou.
Sexo, poder, feminismo ou performance?
É Bonnie Blue uma mulher empoderada, sex-positive, dona do seu corpo e da sua narrativa? Ou está apenas a alimentar os fantasmas mais tóxicos da masculinidade contemporânea, servindo como instrumento de consumo num mercado cada vez mais violento?
A resposta pode ser complexa — pode até ser “ambas” — mas o documentário não a procura. Em vez de mergulhar nos dilemas éticos, sociais ou feministas, limita-se a registar a superfície: os bastidores do evento, a polémica, os números, a fama. Faltou contexto, faltou confronto, faltou inteligência.
Um país a debater sexo… e uma televisão a alimentar o moralismo
A emissão do documentário deu-se poucos dias após a entrada em vigor do Online Safety Act, que impõe restrições rigorosas ao acesso de menores a conteúdos pornográficos. A ironia não passou despercebida nas redes sociais:
“Channel 4 exibe um filme sobre Bonnie Blue a ser penetrada por mil homens… mas os jovens precisam de mostrar o BI para ver memes com duplo sentido no X”, escreveu um utilizador.
Outros chamaram-lhe “pornografia disfarçada de documentário”, e acusaram a estação pública de “glamourizar a devassidão”.
Mas se a indignação moral é previsível, o debate profundo e informado sobre as contradições sociais em jogo ficou de fora — tanto no discurso público como no próprio filme.
Vale a pena ver?
Só se for pelo exercício crítico. 1000 Men and Me não oferece reflexão, nem contexto histórico, nem crítica cultural. É um produto que observa sem perguntar, que provoca sem pensar e que se agarra ao escândalo como forma de captar audiências — não para provocar introspecção, mas para alimentar o algoritmo.
“Se não quero ficar triste, não fico”, diz Bonnie Blue numa das frases mais frias do documentário.
É um resumo cruel — não só do seu discurso, mas do próprio filme.
🎬 Sexto filme da saga chega ao streaming a 1 de agosto e promete continuar a alimentar pesadelos com estilo
A morte não falha. Mas, pelos vistos, os subscritores da HBO Max não terão de pagar mais um cêntimo para a ver chegar com toda a fúria. “O Último Destino: Descendência”, o mais recente capítulo da clássica saga de terror, estreia-se a 1 de agosto na plataforma de streaming, 78 dias após a estreia nos cinemas — e chega sem custos adicionais para quem já subscreve o serviço.
Desde que a série de filmes Final Destination nos traumatizou com premonições mortais no virar do milénio, que milhões de espectadores passaram a encarar aviões, autoestradas, parques de diversões e… tudo o resto, com uma saudável dose de paranóia.
Depois de um hiato de 14 anos, “O Último Destino: Descendência” chega para provar que a fórmula continua afiada — ou mortalmente cortante. O novo filme apresenta Kaitlyn Santa Juana no papel de uma jovem universitária perseguida por um violento pesadelo que insiste em repetir-se. Ao regressar a casa, procura ajuda junto da avó, uma mulher misteriosa que escapou à Morte décadas antes e que poderá deter o segredo para quebrar o ciclo que ameaça exterminar toda a família.
A saga mais rentável (e criativa) da Morte
Estreado entre maio e junho de 2025, o sexto filme superou todas as expectativas, tornando-se o maior sucesso comercial da saga: com 285 milhões de dólares de receita mundial, é já o 12.º maior sucesso de bilheteira do ano.
E se tivermos em conta o orçamento de apenas 50 milhões de dólares, seria difícil encontrar outra produção com retorno tão eficiente em 2025. Tudo isto sem nomes de peso no elenco — um feito que prova a força da marca e da sua legião de fãs, sempre prontos a serem surpreendidos por novas e imaginativas formas de a Morte fazer o seu trabalho.
O regresso da fórmula (im)parável
Com base no mesmo princípio que tornou a saga um sucesso — alguém escapa a uma tragédia por premonição, só para descobrir que a Morte tem um plano — Descendência renova o universo da série com elementos de legado familiar, superstição antiga e um toque mais íntimo, sem perder o prazer perverso das suas coreografias fatais.
Quase três anos após o momento mais controverso da sua carreira, Will Smith regressa ao centro das atenções — desta vez não no cinema, mas no mundo da música. O actor, vencedor do Óscar por King Richard (2022), lançou um novo álbum intitulado Based on a True Story, onde não só assume a sua queda pública como transforma o escândalo do estalo em Chris Rock num manifesto em verso.
E sim, o álbum começa com uma declaração provocadora e directa ao ponto:
“Will Smith is cancelled”.
🎧 “Took a lot, I’m back on top”
No segundo tema do disco, You Lookin’ for Me?, Will Smith dispara linhas que não deixam dúvidas de que está ciente do que se diz sobre ele — e está pronto para reconquistar o seu lugar, com ou sem o perdão da indústria:
“Took a lot, I’m back on top / Y’all gon’ have to get acclimated / Won’t stop, my s**t still hot / Even though I won’t get nominated.”
É um refrão de quem já ouviu todas as críticas, memorizou os comentários e agora rima com ferocidade sobre isso. Não há hesitação em reconhecer a punição e a sua consequência — a exclusão tácita das futuras temporadas de prémios — mas também não há sinal de arrependimento forçado ou de apagamento da sua identidade.
🥊 Do Óscar à Queda: O Estalo que Ecoou em Todo o Mundo
Recordemos: a 27 de março de 2022, Will Smith subiu ao palco dos Óscares — não para receber o prémio de Melhor Actor, mas para esbofetear Chris Rock ao vivo, perante milhões de espectadores, após este fazer uma piada sobre a condição capilar da sua esposa, Jada Pinkett Smith.
A bofetada tornou-se uma das imagens mais virais da história dos Óscares. No mesmo evento, Smith acabaria por ganhar a estatueta dourada, mas as manchetes não foram sobre o seu desempenho como pai das irmãs Williams — foram sobre um momento de fúria que eclipsou uma carreira de décadas.
❌ Cancelado, mas não silenciado
Apesar de não ter sido forçado a devolver o Óscar, Will Smith foi banido de todos os eventos da Academia durante 10 anos. Demitiu-se da organização, publicou um pedido de desculpas e, desde então, tem gerido cuidadosamente os seus passos públicos. Até agora.
Com este novo álbum, Smith vira a página à sua maneira. Não se trata de uma simples tentativa de reconciliação, mas sim de reafirmação criativa, aproveitando o poder da música como catarse, escudo e ataque.
🎙️ Chris Rock respondeu — mas à sua maneira
Chris Rock manteve o silêncio durante meses, até ao lançamento do seu especial da Netflix Selective Outrage, onde deixou claro que o estalo tinha mais a ver com os dramas públicos do casamento Smith do que com a piada em si. A sua abordagem foi mordaz, mas controlada — como um contra-ataque com luvas de sarcasmo.
Agora, com Based on a True Story, Will Smith responde no seu próprio registo: o rap. A escolha não é aleatória — trata-se do regresso a uma das suas primeiras paixões, num formato onde pode controlar a narrativa.
📀 Based on a True Story – O Que Sabemos
• 🎤 Álbum de estúdio com temas autobiográficos
• 🧨 Aborda directamente o incidente dos Óscares e a cultura do cancelamento
• 🏆 Não espera prémios, mas procura atenção e afirmação
• 🧠 Mistura de confissão, provocação e resistência artística
• 📻 Primeiras impressões da crítica divididas: honestidade ou estratégia de marketing?
🎬 Clube de Cinema comenta
Based on a True Story não é apenas um álbum de música — é um capítulo novo na complexa narrativa pública de Will Smith. O actor, que sempre construiu uma imagem de “bom rapaz”, expõe agora os seus fantasmas com rimas afiadas, sarcasmo e um certo orgulho resiliente. Se vai ou não conquistar novamente a simpatia do público, é outra questão. Mas uma coisa é certa: Will Smith recusa sair de cena em silêncio.
Se cresceste ao som de balas a voar em Rambo, socos no estômago à Commando e frases icónicas em filmes como Hard Target ou Cobra, então prepara-te: Jason Statham está de volta ao seu melhor em “A Working Man”, o novo filme de David Ayer que já está a incendiar as redes sociais com primeiras reações entusiasmadas.
Com estreia esta sexta-feira, 28 de março, o filme tem sido descrito como “um delírio de ação à moda antiga”, daqueles em que o protagonista resolve tudo com os punhos e uma expressão carregada de testosterona. E pelos vistos… é mesmo isso que vamos ter. E ainda bem.
A Working Man segue a história de Levon Cade, um ex-operacional das forças especiais que deixou a violência para trás para trabalhar em construção civil. Mas quando a filha do seu patrão — que considera família — desaparece, Cade volta à ação. E o que começa como uma missão pessoal de resgate rapidamente se transforma numa batalha contra uma rede de corrupção muito mais profunda do que parecia.
Com um argumento de David Ayer (realizador de End of Watch e Fury) escrito em parceria com Sylvester Stallone, e baseado no romance Levon’s Trade de Chuck Dixon, este é um filme que não pede desculpa pela sua violência exagerada nem pela sua nostalgia desavergonhada.
As primeiras reações: um banho de sangue delicioso
As reações iniciais são unânimes em apontar para um festival de murros, explosões e frases de efeito:
• Chris Bumbray (JoBlo) chamou-lhe um “campy B-movie blast”, ou seja, um filme de série B camp, explosivo, que começa com calma mas rapidamente entra em território insano.
• Courtney Howard (Variety / AV Club) elogia a “ação carregada de vingança” com uma dose inesperada de sinceridade emocional.
• Bill Bria (Slash Film) diz que não é The Beekeeper 2 (o recente sucesso de Statham), mas que entrega “porrada à estilo Reacher”, com uma pitada de Rambo e Hard Target.
Ou seja, A Working Man é exatamente aquilo que promete: puro entretenimento de ação, com um Jason Statham implacável, ao melhor estilo dos heróis de VHS dos anos 80.
Um elenco recheado de caras conhecidas
Além de Statham, o filme conta ainda com Michael Peña, David Harbour (Stranger Things), Jason Flemyng, Merab Ninidze, Maximilian Osinski e Cokey Falkow, entre outros. Um verdadeiro cocktail de talento para uma história que não precisa de grandes artifícios para cumprir o seu propósito: entreter com violência coreografada e adrenalina pura.
O renascimento da ação prática?
Num tempo em que muitos blockbusters se rendem aos efeitos especiais e à estética digital, A Working Man parece apostar na fisicalidade crua e prática, com Statham a liderar a carga como um dos últimos grandes heróis de ação física em Hollywood. E com a realização de David Ayer, conhecido pelo seu estilo mais sujo e realista, este filme poderá marcar uma nova fase nos filmes de ação “à moda antiga”, onde o suor e os hematomas são mais importantes do que o CGI.
A frase de ouro? “Começa como um drama… e acaba como uma carnificina!”
Entre vingança pessoal, redes de tráfico humano, conspirações e toneladas de pontapés, A Working Man parece ter todos os ingredientes para ser o novo favorito dos fãs hardcore de ação. E se estás à procura de algo para dar uma sacudidela ao marasmo dos lançamentos atuais, este poderá ser mesmo o filme ideal para sair do sofá e voltar à sala de cinema.
Veredito: um regresso triunfante ao ADN dos filmes de ação
Se és fã de Stallone, Schwarzenegger ou Jean-Claude Van Damme, vais sentir-te em casa com este novo título. Jason Statham continua a provar que tem carisma, presença e o físico necessários para manter viva a tradição do “herói de ação à antiga” — e com um realizador como David Ayer ao leme, há esperança para o futuro do género.
“A Working Man” estreia esta sexta-feira, 28 de março, nas salas de cinema internacionais. Ainda sem data oficial confirmada para Portugal, mas será certamente uma prioridade para os amantes do género.
Se quiseres, posso acompanhar este artigo com sugestões de filmes semelhantes para quem quiser continuar no mesmo estilo depois de ver o filme!
Há 25 anos, um filme mudou para sempre as regras do terror. Em vez de um assassino mascarado ou de um monstro grotesco, o verdadeiro vilão era um inimigo invisível e imparável: a própria Morte.
Desde então, a saga Final Destination tem vindo a traumatizar gerações, tornando atividades banais como andar de carro, visitar um parque de diversões ou até tomar banho em situações de risco mortal.
Agora, após 14 anos de ausência, a franquia está de volta com Final Destination: Bloodlines, que promete ser a mais arrepiante e realista de todas. E a verdade é que este regresso não podia ter vindo em pior altura: o número de mortes por acidentes bizarros aumentou 42% nas últimas duas décadas! 😨
O Terror Invisível: Como “Final Destination” Mudou as Regras do Jogo 👁️🩸
A fórmula dos filmes Final Destination é simples e aterradora:
1. Um grupo de jovens escapa de um acidente fatal graças a uma premonição.
2. A Morte, furiosa por ter sido enganada, persegue-os um a um.
3. Cada vítima morre de forma absurda e macabra num efeito dominó de desgraças.
O que distingue esta saga de outros filmes de terror é que não há vilão físico. A Morte não se vê, mas sente-se. Não há forma de a derrotar, nem escapatória possível. É um conceito assustadoramente eficaz, porque a única certeza que temos na vida é que todos vamos morrer. 😵
O impacto cultural da franquia é gigantesco. Basta olhar para o fenómeno dos camiões de toras: depois de Final Destination 2, ninguém quer ficar atrás de um na estrada! 🚛
“Final Destination: Bloodlines” – A Nova Sequência Que Promete Pesadelos 😱🎞️
O sexto filme da saga, Final Destination: Bloodlines, estreia a 16 de maio e já tem um trailer traumatizante.
A cena divulgada mostra um tatuador que morre enforcado quando uma corrente se prende ao seu piercing no nariz. Um destino bizarro e desconfortavelmente possível – mais um caso para a lista de razões para nunca fazer piercings?
Os realizadores Zach Lipovsky e Adam Stein garantem que esta nova entrada irá elevar o nível de criatividade e choque. O próprio criador da saga, Jeffrey Reddick, revelou que a inspiração para o conceito original veio de uma história real: uma mulher mudou o seu voo após a mãe ter tido uma visão de que ia cair… e o avião despenhou-se mesmo.
É este tipo de terror psicológico, onde o espectador sente que aquilo poderia acontecer na vida real, que torna Final Destination tão memorável.
A Subida Real de Acidentes Bizarros – Quando a Ficção Parece a Vida Real 🚑⚠️
O que torna Final Destination: Bloodlines ainda mais arrepiante é que, na vida real, os acidentes fatais bizarros estão a aumentar drasticamente.
Um estudo recente revelou que:
• Morte por envenenamento aumentou 96% na última década.
• Acidentes com maquinaria aumentaram 23%.
• Acidentes com animais (sim, como ser atacado por uma vaca 🐄) aumentaram 66%.
• 55% das mortes evitáveis ocorrem dentro de casa – o que significa que nem o nosso sofá é seguro!
Com estatísticas assim, este novo Final Destination pode ser o mais assustador até agora. Afinal, qualquer um de nós pode ser a próxima vítima da Morte… sem precisar de um serial killer por perto.
Tony Todd e o Último Regresso do Candyman do Além 🕯️🕷️
Além da ansiedade gerada pela nova história, Final Destination: Bloodlines tem um toque de tragédia real. Tony Todd, o lendário ator que interpretou o misterioso coveiro William Bludworth em vários filmes da saga, faleceu em novembro de 2023.
Este será o seu último filme, tornando a sua presença ainda mais simbólica. Bludworth sempre pareceu saber mais do que devia sobre a Morte – e agora, na vida real, Todd torna-se parte do legado da saga de forma inesperada e melancólica.
Porque é Que “Final Destination” Nos Deixa Tão Paranóicos? 🧠⚰️
O segredo do sucesso da saga é que torna todas as atividades do dia a dia num potencial desastre mortal.
Quantos de nós nunca mais passaram atrás de um camião de toras? Ou ficaram desconfortáveis ao ver microondas, escadas, banheiras ou solários?
A cena do acidente na autoestrada em “Final Destination 2” é tão traumatizante que se tornou um dos momentos mais marcantes do terror moderno.
Jeffrey Reddick revelou que o objetivo sempre foi esse:
“Queríamos encontrar formas de matar pessoas através de coisas que todos fazemos no dia a dia.”
E resultou! Hoje, muitos evitam elevadores, escadas rolantes, aviões e parques de diversões, tudo por causa destes filmes.
O Futuro de “Final Destination” – O Terror Nunca Termina 🔄🩸
Se há algo que Final Destination nos ensinou é que a Morte nunca descansa. Se esta nova entrada for um sucesso, dificilmente será a última.
Jeffrey Reddick já deu a entender que personagens dos filmes anteriores podem regressar e que há muitas formas novas e horríveis de explorar a fúria da Morte.
Durante mais de uma década, Scarlett Johansson deu vida a uma das personagens mais icónicas do Universo Cinematográfico da Marvel (MCU): Natasha Romanoff, a Viúva Negra. Mas para os fãs que ainda alimentavam a esperança de um regresso da assassina russa de elite, as últimas declarações da atriz são um balde de água fria: o seu tempo na Marvel acabou.
Em entrevista à revista InStyle, Scarlett Johansson foi categórica ao afastar qualquer possibilidade de voltar ao MCU:
“A Natasha está morta. Ela está morta. Está morta, ok?”
A atriz não deixou margem para dúvidas, destacando que a história da sua personagem teve uma conclusão definitiva em “Vingadores: Endgame” (2019), onde sacrificou-se heroicamente para salvar o Universo.
Apesar de a Marvel já ter recuperado personagens anteriormente (sim, Loki, estamos a olhar para ti 👀), Scarlett Johansson garante que este não será o caso da Viúva Negra.
“Eles [os fãs] simplesmente não querem acreditar. Dizem: ‘Mas ela pode voltar’. Olha, eu acho que o equilíbrio do Universo está nas mãos dela. Vamos ter de a deixar ir. Ela salvou o mundo. Deixem-na ter o seu momento de heroína.”
Viúva Negra: Uma Década de Sucesso No MCU 🕶️🔥
Introduzida no MCU em “Homem de Ferro 2” (2010), Natasha Romanoff rapidamente se tornou uma das personagens mais queridas da saga, participando em vários filmes dos Vingadores e na saga do Capitão América.
Após anos como personagem secundária, a Viúva Negra finalmente recebeu um filme a solo em 2021, com Florence Pugh a interpretar Yelena Belova, sua “irmã” e sucessora no manto da Viúva Negra.
Embora tenha sido adiado devido à pandemia, Viúva Negra fez sucesso, mas também ficou marcado por um processo judicial de Scarlett Johansson contra a Disney, devido à decisão do estúdio de lançar o filme em streaming ao mesmo tempo que nos cinemas.
Apesar da batalha legal, Johansson acabou por fazer as pazes com a Disney e manteve uma boa relação com Kevin Feige, presidente da Marvel Studios. Mas um regresso como Natasha? Definitivamente não.
Marvel Prepara o Futuro: Robert Downey Jr. Regressa… Mas Não Como Homem de Ferro! ⚡🎥
Enquanto Scarlett Johansson encerra o seu capítulo na Marvel, outro nome histórico está de volta: Robert Downey Jr.
O ator que deu vida a Tony Stark/Homem de Ferro, responsável por inaugurar o MCU em 2008, vai regressar em “Avengers: Doomsday”… mas não no papel que o tornou famoso.
Desta vez, Downey Jr. será Doutor Destino, um dos vilões mais icónicos da Marvel Comics, inimigo clássico do Quarteto Fantástico e uma ameaça ao nível de Thanos.
O regresso do ator gerou entusiasmo, mas também curiosidade sobre o futuro do MCU e sobre como a Marvel pretende reinventar os Vingadoressem Tony Stark, Steve Rogers e Natasha Romanoff.
O Fim de Uma Era no MCU? Ou Apenas Uma Nova Fase? 🔮🤔
O MCU está em plena transformação, com novas personagens a assumir o protagonismo. Florence Pugh já parece destinada a ocupar o espaço da Viúva Negra, enquanto Anthony Mackie assume oficialmente o escudo do Capitão América e Jonathan Majors, apesar da polémica, ainda figura como Kang, o Conquistador.
Mas será que os fãs vão aceitar este novo rumo sem as figuras centrais que marcaram a primeira década do MCU?
Se há algo que a Marvel já provou, é que o seu universo está sempre em evolução, e mesmo que Scarlett Johansson tenha fechado a porta… nunca se sabe o que pode acontecer no futuro.
O que achas? Será mesmo o fim definitivo da Viúva Negra ou a Marvel ainda vai surpreender-nos com um regresso inesperado? Conta-nos a tua opinião nos comentários! 👇🎬🔥
A mais recente adaptação de uma obra de Stephen King, The Monkey, está a tornar-se num inesperado sucesso de bilheteira e já figura entre as 15 adaptações cinematográficas mais lucrativas do autor. Com realização e argumento de Osgood Perkins, o filme protagonizado por Theo James continua a subir nas tabelas de receitas e prova, mais uma vez, o impacto duradouro do mestre do terror no cinema.
O Fenómeno “The Monkey”: Um Brinquedo Maldito a Conquistar Bilheteiras 📈🎥
Lançado nos cinemas a 21 de fevereiro de 2025, The Monkey tem surpreendido tanto críticos como o público, demonstrando que as histórias de Stephen King continuam a atrair multidões às salas de cinema.
O filme adapta um conto curto publicado na coletânea Skeleton Crew (1985), centrando-se em dois irmãos gémeos, Bill e Hal Shelburn (interpretados por Theo James), que são atormentados por um macaco de brinquedo amaldiçoado. Cada vez que o macaco bate os pratos de metal, alguém próximo deles morre de forma horrível e inexplicável.
Na sua estreia nos Estados Unidos, The Monkey arrecadou 14 milhões de dólares (cerca de 12,9 milhões de euros) no primeiro fim de semana, ficando em segundo lugar no box office, apenas atrás de Captain America: Brave New World. Desde então, tem-se mantido estável e, ao fim da quarta semana, já acumulou 35,2 milhões de dólares (cerca de 32,4 milhões de euros) só nos Estados Unidos.
Este valor coloca-o no 15.º lugar entre as adaptações mais lucrativas de Stephen King no mercado norte-americano, ultrapassando Dreamcatcher (2003) e aproximando-se rapidamente da versão de Carrie de 2013, que arrecadou 35,3 milhões de dólares (32,5 milhões de euros).
Stephen King e o Cinema: Um Historial de Sucessos 💰🎞️
Ao longo das décadas, Stephen King consolidou-se como um fenómeno incontornável no cinema, com dezenas de adaptações dos seus livros e contos, algumas delas verdadeiros clássicos do terror e do suspense.
Entre os maiores sucessos de bilheteira de sempre estão:
1. It (2017) – 701 milhões de dólares (646 milhões de euros)
2. It: Capítulo 2 (2019) – 467,6 milhões de dólares (431 milhões de euros)
3. The Green Mile (1999) – 290,7 milhões de dólares (268 milhões de euros)
4. 1408 (2007) – 131,3 milhões de dólares (121 milhões de euros)
Ao atingir mais de 35 milhões de dólares, The Monkey já superou várias outras adaptações de King e ainda pode subir mais posições, caso consiga ultrapassar The Running Man (1987), com 38,1 milhões de dólares (35,1 milhões de euros), e The Boogeyman (2023), com 43,2 milhões de dólares (39,8 milhões de euros).
No entanto, entrar no Top 10 parece improvável, uma vez que para isso teria de superar os 47,9 milhões de dólares (44,1 milhões de euros) arrecadados por Secret Window (2004).
O Que Explica o Sucesso de “The Monkey”? 🎭🔥
Vários fatores podem ter contribuído para a receção positiva de The Monkey:
• A ligação a Stephen King – O nome do autor continua a ser um selo de qualidade para os fãs de terror.
• A realização de Osgood Perkins – O cineasta já se destacou com filmes como The Blackcoat’s Daughter e Gretel & Hansel, trazendo um estilo atmosférico e perturbador ao terror moderno.
• O apelo nostálgico – Muitas das adaptações recentes de King têm funcionado bem ao explorar elementos de terror psicológico e nostalgia, que cativam tanto novas audiências como os fãs veteranos do autor.
• O fator surpresa – Ao contrário de outras adaptações mais conhecidas (It, O Iluminado, Carrie), The Monkey não era um dos contos mais famosos de King, permitindo uma abordagem fresca e imprevisível.
O Futuro de “The Monkey” e das Adaptações de Stephen King 🧩🎬
Mesmo que não chegue ao Top 10, The Monkey já demonstrou que há uma nova onda de interesse pelas histórias menos conhecidas de Stephen King.
Além deste filme, várias outras adaptações estão em produção ou em fase de planeamento, incluindo:
• “The Life of Chuck”, protagonizado por Tom Hiddleston e Mark Hamill.
• “The Long Walk”, produzido por Frank Darabont (Os Condenados de Shawshank, A Espera de um Milagre).
• “Salem’s Lot”, um remake do clássico de vampiros dirigido por Gary Dauberman (It, Annabelle).
Se The Monkey continuar a subir nas bilheteiras, pode abrir portas para mais adaptações de contos curtos de King, muitos dos quais ainda permanecem inexplorados no grande ecrã.
Se há algo que define Tom Cruise, além do seu carisma e dedicação à arte de representar, é a sua obsessão por realizar as suas próprias acrobacias. Ao longo das décadas, o ator tornou-se sinónimo de adrenalina no grande ecrã, protagonizando cenas de ação que desafiam a lógica e a segurança – muitas vezes sem recorrer a duplos.
Desde ficar pendurado na lateral de um avião em Missão: Impossível – Nação Secreta (2015) até pilotar um caça real em Top Gun: Maverick (2022), Cruise consolidou a sua reputação como o rei dos stunts em Hollywood. No entanto, houve um momento na sua carreira em que até ele próprio teve de admitir que não podia repetir uma acrobacia.
🏔️ O momento mais aterrador da carreira de Tom Cruise
O momento aconteceu em 2000, durante as filmagens de Missão: Impossível 2, realizado por John Woo. O filme abre com uma cena icónica: Ethan Hunt escalando, sem cordas visíveis, uma falésia vertiginosa em Utah, nos Estados Unidos.
A sequência é visualmente espetacular e deixou o público sem fôlego. No entanto, nos bastidores, Cruise revelou que foi uma das experiências mais assustadoras da sua vida.
“Não tínhamos rádios na altura, e eu estava a subir sem equipamento de segurança para chegar ao ponto certo da cena. Tinha de me controlar porque depois teria de descer novamente. Se eu caísse, havia um cabo para me segurar, mas isso significaria ser atirado contra a montanha.”
O ator explicou que a rocha em que estava a escalar era extremamente frágil e desmoronava-se a cada movimento. A certa altura, Cruise precisou de fazer um movimento conhecido como Iron Cross, onde fica suspenso entre duas pedras apenas com a força dos braços.
“Enquanto fazia o Iron Cross, estava realmente pendurado lá… mas não estava certo, e dava para perceber. Foi então que disse: ‘Diz-me que esta é a cena certa, porque eu não consigo fazer isto outra vez.’”
E assim foi. Pela primeira vez, Tom Cruise recusou-se a repetir uma acrobacia. O risco era demasiado alto – mesmo para ele.
🎥 Como foi filmada esta cena absurda?
Apesar de parecer uma escalada totalmente sem proteção, Cruise usava um cabo de segurança que foi removido digitalmente na pós-produção. Mas mesmo com essa precaução, o perigo era real.
“Se algo corresse mal, eu ia parar contra a montanha a grande velocidade,” recordou o ator.
O realizador John Woo admitiu que ficou apavorado enquanto filmava a sequência. A equipa de produção tentou convencê-lo a usar um duplo, mas Cruise recusou.
“Tom insistiu que queria fazer a cena ele próprio. Ele adora desafiar-se e queria que tudo fosse o mais autêntico possível.”
O resultado final foi uma das aberturas mais icónicas da saga Missão: Impossível.
🔥 O legado de um louco dos stunts
Mesmo com este momento aterrador, Cruise nunca abrandou a sua busca por desafios cada vez mais extremos. Nos anos seguintes, levou o seu compromisso com a ação a um novo patamar:
✅ Missão: Impossível 4 (2011) – Escalou o Burj Khalifa, o arranha-céus mais alto do mundo (828 metros).
✅ Missão: Impossível 5 (2015) – Ficou pendurado do lado de fora de um avião enquanto este descolava.
✅ Missão: Impossível 6 (2018) – Saltou de um avião a 7600 metros de altura numa sequência HALO (High Altitude Low Opening).
✅ Missão: Impossível 7 (2023) – Andou de mota por um penhasco e saltou de paraquedas.
E a loucura não fica por aqui. O ator já treinou numa estação espacial e promete que em breve será o primeiro ator a filmar uma cena no espaço. 🚀
🎬 Conclusão: Um louco ou um génio do cinema de ação?
Tom Cruise continua a desafiar os limites do que é possível num filme de ação. No entanto, Missão: Impossível 2mostrou-nos que até o maior louco de Hollywood tem os seus limites.
Sharon Stone tem uma reputação controversa em Hollywood. Para uns, é uma atriz talentosa que lutou contra a desigualdade de género na indústria. Para outros, é uma diva difícil de lidar nos bastidores. No entanto, um facto inegável sobre a sua carreira é que, quando teve poder de decisão, usou-o para ajudar dois atores que viriam a tornar-se dos maiores nomes do cinema: Leonardo DiCaprio e Russell Crowe.
Nos anos 90, Sharon Stone já era uma estrela consolidada, especialmente depois do sucesso de Instinto Fatal (1992). Mas foi com “Rápida e Mortal” (The Quick and the Dead, 1995) que assumiu um papel crucial nos bastidores, não apenas como protagonista, mas também como produtora.
O western, realizado por Sam Raimi, pode não ter sido um sucesso imediato, mas com o tempo tornou-se um filme de culto. Mais do que isso, foi um trampolim para dois jovens talentos que, sem a insistência de Stone, talvez tivessem demorado muito mais a conquistar Hollywood.
🎬 O dia em que Sharon Stone apostou em Leonardo DiCaprio
Na altura, Leonardo DiCaprio já tinha conquistado uma base de fãs graças à série Growing Pains e até tinha uma nomeação ao Óscar por Gilbert Grape (1993). Mas isso não significava que os estúdios o considerassem um nome seguro para grandes produções.
Durante os testes de elenco para Rápida e Mortal, Stone ficou impressionada com a audição de DiCaprio:
“Este miúdo chamado Leonardo DiCaprio foi o único que realmente brilhou na audição. Foi o único que conseguiu chorar e implorar ao pai para o amar enquanto morria na cena.”
Mas o estúdio não via com bons olhos a escolha de um “desconhecido”. O veredicto foi claro:
“Porquê um desconhecido, Sharon? Porque é que estás sempre a sabotar-te?”
A atriz não aceitou o “não” como resposta e, perante a recusa do estúdio em pagar pelo ator, pagou-lhe do seu próprio salário.
Pouco depois de Rápida e Mortal, DiCaprio foi escolhido para dois filmes que mudariam a sua carreira: Romeu + Julieta (1996) e Titanic (1997). O resto é história.
🌍 Russell Crowe: De Nova Zelândia para Hollywood, graças a Sharon Stone
Mas Stone não parou por aí. Também fez de tudo para garantir que o papel de um pistoleiro na trama fosse para um ator pouco conhecido do grande público americano: Russell Crowe.
O neozelandês já tinha trabalhado na Austrália e recebido elogios, mas ainda não tinha feito um único filme em Hollywood. Mais uma vez, o estúdio recusou a escolha de Stone. Mas a atriz bateu o pé e insistiu.
Crowe, mais tarde, reconheceu a importância desse momento:
“Ela estava em guerra com os produtores do filme e disse: ‘Vou contratar quem eu quero para este papel.’ Se não fosse pela sua determinação, não sei quanto tempo teria demorado até conseguir um filme nos EUA. Tenho muito a agradecer-lhe.”
Depois de Rápida e Mortal, Russell Crowe foi escolhido para L.A. Confidential (1997), o que abriu as portas para os seus papéis em The Insider (1999) e Gladiador (2000), que lhe valeu o Óscar de Melhor Ator.
📽️ Sam Raimi: Uma escolha arriscada, mas certeira
Além de lutar por DiCaprio e Crowe, Stone também fez questão de que Sam Raimi realizasse o filme. Na época, Raimi era mais conhecido pelos seus filmes de terror de baixo orçamento, como Evil Dead.
A atriz viu nele um talento promissor e convenceu os estúdios a contratá-lo. Foi um passo essencial para que, anos mais tarde, Raimi se tornasse o responsável pela trilogia original do Homem-Aranha, que redefiniu os filmes de super-heróis.
💡 Conclusão: Uma reputação difícil, mas uma atitude decisiva
É inegável que Sharon Stone tem uma reputação controversa. Foi vista por muitos como uma atriz difícil e exigente, mas a sua influência nos bastidores de Rápida e Mortal provou que também sabia usar o seu poder para abrir portas a outros talentos.
Leonardo DiCaprio, Russell Crowe e Sam Raimi podem ter seguido caminhos brilhantes por mérito próprio, mas não há dúvida de que a aposta de Stone neles foi crucial para os seus sucessos.
No final, Hollywood é um jogo de oportunidades. E Stone garantiu que alguns dos maiores nomes da indústria tivessem as suas.
Com os Óscares à porta, os bastidores das produções nomeadas para Melhor Filme continuam a dar que falar. Durante um evento especial da Academia que reuniu os produtores das dez longas-metragens nomeadas na categoria principal, Rodrigo Teixeira, produtor de Ainda Estou Aqui, abordou o impacto da obra no público americano.
“Vocês não estão a viver um momento fácil”, afirmou Teixeira perante um auditório esgotado no Museu da Academia de Artes e Ciências Cinematográficas, acrescentando: “Espero que este filme vos ajude.” O produtor sublinhou a ligação entre a história retratada – de uma família dividida pela ditadura militar no Brasil dos anos 70 – e o atual ambiente político nos Estados Unidos.
“Nós também somos americanos, do sul”, destacou Teixeira, ao referir o impacto do desaparecimento do ex-deputado Rubens Paiva na sua família. “Quando alguém da família desaparece, não é sobre política, é sobre tragédia. Esse é o erro da política, separa famílias. Temos de nos unir contra isso”, concluiu.
O produtor também demonstrou orgulho na nomeação de Fernanda Torres para Melhor Atriz, referindo a importância de a atriz estar finalmente a ser reconhecida a nível global. “Vocês estão a conhecê-la agora. Nós conhecemo-la desde sempre”, afirmou.
Os Bastidores das Grandes Produções Nomeadas 🎬
O evento no Museu da Academia proporcionou um olhar privilegiado sobre as dificuldades e desafios que os produtores das principais nomeadas enfrentaram.
Alex Coco e Samantha Quan, produtores do favorito Anora, explicaram como conseguiram filmar uma história centrada em personagens ricas com um orçamento reduzido de seis milhões de dólares. “Tínhamos de conseguir pagar grandes suítes de hotéis e roupas de designer. Pedimos favores, implorámos e pedimos emprestado”, revelou Quan, que é casada com Sean Baker, realizador do filme. O esforço compensou, com Anora a arrecadar os principais prémios de sindicatos da indústria e a posicionar-se como o maior candidato ao Óscar de Melhor Filme.
Outro grande destaque foi Conclave, que está a emergir como uma possível surpresa na noite dos Óscares. O produtor Michael A. Jackman revelou os desafios de criar uma réplica convincente do Vaticano e da Capela Sistina. “Não conseguíamos encontrar um local porque as salas e corredores tinham de ser altos o suficiente”, explicou. A solução passou por construir um cenário modular que era ajustado conforme as cenas. Jackman revelou ainda um detalhe curioso: a maioria dos cardeais no filme eram “cidadãos seniores italianos”, e não atores profissionais.
Juliette Howell, produtora de Conclave, descreveu um dos momentos mais intensos das filmagens: o discurso da Irmã Agnes, interpretada por Isabella Rossellini, na cantina do Vaticano. “Dava para ouvir um alfinete a cair”, revelou.
Coralie Fargeat e a Luta Criativa em A Substância 🔥
Outro momento de destaque do evento foi a participação de Coralie Fargeat, realizadora, argumentista, produtora e editora de A Substância, um dos filmes mais comentados da temporada. A cineasta francesa explicou porque optou por manter um controlo criativo total sobre a produção protagonizada por Demi Moore. “Quanto mais controlo tenho, melhor o meu desempenho”, afirmou, referindo que sabia que o filme ia ser desafiante.
A ideia de cruzar feminismo e horror numa mescla de géneros não foi fácil de financiar. “O feminismo não vende”, brincou Fargeat. No entanto, após um ano e meio de escrita e uma parceria com a Working Title, que garantiu um financiamento adequado, a cineasta conseguiu concretizar a sua visão. “A resposta a este filme tem sido uma alegria”, disse, recordando que o processo de pós-produção foi complexo e que, na altura, “não havia muita gente a gostar do filme”.
Contagem Decrescente para os Óscares 🏆
A 97.ª edição dos Óscares acontece já no próximo domingo, 2 de março, no Dolby Theatre, em Los Angeles. Com Conan O’Brien como anfitrião, a cerimónia será transmitida em direto na RTP1 e, pela primeira vez, na plataforma Disney+.
Com 13 nomeações, Emília Pérez lidera a corrida, seguido por O Brutalista e Wicked com dez nomeações cada, Conclavee A Complete Unknown com oito, Anora com seis, Dune – Duna: Parte 2 e A Substância com cinco.
Será que Ainda Estou Aqui conseguirá dar ao Brasil o seu primeiro Óscar de Melhor Filme? Ou veremos Anora e Conclave dominarem a noite? A resposta chega em poucas horas. 🎬✨
O Netflix revelou o trailer explosivo de Havoc, o aguardado thriller de ação protagonizado por Tom Hardy. O filme, realizado por Gareth Evans (The Raid), chega à plataforma a 25 de abril e promete mergulhar os espectadores num submundo de crime, corrupção e segredos perigosos.
Na trama, Hardy interpreta Walker, um detetive desiludido com a vida que se vê obrigado a confrontar os erros do seu passado enquanto investiga o desaparecimento do filho de um político. O jovem desapareceu após um negócio de droga falhado, levando Walker a entrar numa rede de corrupção e crime organizado que o obriga a enfrentar inimigos implacáveis e os seus próprios demónios.
O trailer mostra um Hardy feroz e determinado, entrando em choque com figuras de autoridade e mergulhando em sequências de ação viscerais. Num dos momentos mais intensos, Forest Whitaker, que interpreta um enigmático antagonista, lança um aviso:
“E não te esqueças… Eu sei o que fizeste.”
Ao que Hardy responde friamente:
“Não tens ideia do que eu fiz.”
🎬 Um elenco de luxo e uma realização brutal
Além de Hardy e Whitaker, o elenco de Havoc conta ainda com Timothy Olyphant, Justin Cornwell, Jessie Mei Li e Luis Guzmán.
O filme é escrito e realizado por Gareth Evans, conhecido pelos filmes de ação ultraviolentos The Raid (2011) e The Raid 2 (2014), bem como pelo terror sangrento Apostle (2018). Evans prometeu que Havoc será o seu projeto mais ambicioso em termos de ação, revelando num vídeo de 2020:
“Passei três ou quatro anos sem fazer nada realmente épico em termos de ação, e Havoc será o filme em que vou descarregar toda essa energia acumulada.”
🔜 Hardy não abranda
Além de Havoc, Tom Hardy tem tido um ano intenso. Recentemente, liderou The Bikeriders, ao lado de Austin Butler e Jodie Comer, e voltará a interpretar Eddie Brock em Venom: The Last Dance, o terceiro filme da saga Venom.
O ator também se prepara para estrelar na série MobLand, produzida por Guy Ritchie, reforçando o seu estatuto como um dos maiores astros do cinema de ação da atualidade.
Willem Dafoe participou em alguns dos filmes mais icónicos da história do cinema, como The Grand Budapest Hotel, A Última Tentação de Cristo e Platoon. O seu papel como Norman Osborn em Spider-Man de Sam Raimi ajudou a moldar o género moderno de filmes de super-heróis. No entanto, nem todas as suas experiências cinematográficas foram marcadas pelo sucesso.
O Despedimento de Heaven’s Gate 🎬🔥
Antes de Dafoe se tornar um nome conhecido, o ator teve a sua estreia em The Loveless (1981), de Kathryn Bigelow. No entanto, a sua primeira experiência no grande ecrã aconteceu um ano antes, no infame western Heaven’s Gate (1980), de Michael Cimino.
Dafoe descreveu a sua participação no filme como a de um “extra glorificado”, aparecendo ao fundo de várias cenas ao lado de Kris Kristofferson. Durante uma entrevista ao SFGate, revelou que chegou a trabalhar três meses na produção, interpretando um personagem não argumentado que foi sendo desenvolvido ao longo das filmagens.
Porém, a sua passagem pelo set acabou abruptamente. “Um dia, enquanto esperávamos um longo tempo durante a preparação da iluminação – cerca de oito horas parados – uma mulher contou-me uma piada ao ouvido e ri num momento de silêncio,” contou Dafoe. “Cimino virou-se e disse: ‘Willem, sai.’ E foi isso. Fui o cordeiro para o sacrifício.”
O Filme Que Mudou Hollywood 🎥⚠️
O despedimento de Dafoe foi apenas uma das muitas consequências do caos nos bastidores de Heaven’s Gate. A produção excedeu enormemente o orçamento, enfrentou vários problemas e acabou por ser um desastre monumental. O filme arrecadou menos de 10% dos seus custos, arruinando a distribuidora United Artists, que acabou por ser vendida à Metro-Goldwyn-Mayer.
Cimino, que quase foi despedido durante a produção, foi responsabilizado pelo fracasso. Como consequência, os estúdios passaram a temer dar total liberdade criativa aos realizadores, marcando o fim da era New Hollywood, que até então permitira diretores como Steven Spielberg e Martin Scorsese prosperarem.
Uma Nova Perspetiva Sobre o Filme 📽️✨
Curiosamente, a reputação de Heaven’s Gate mudou ao longo dos anos. Diferentes versões editadas revelaram uma visão mais favorável do filme, conquistando apoio de cineastas como Spielberg. Em 2012, antes do lançamento de uma nova versão, Dafoe foi novamente questionado sobre a sua experiência no filme e minimizou o impacto do despedimento: “Trabalhei bastante, não tinha expectativas. Enfim, isso foi há muito tempo.”
A saída precoce de Dafoe do projeto acabou por ser uma bênção disfarçada. Enquanto Heaven’s Gate quase destruiu carreiras, o ator seguiu o seu caminho, tornando-se numa das figuras mais respeitadas do cinema mundial.
Tilda Swinton recebe Urso de Ouro e faz discurso crítico na Berlinale
A 75.ª edição do Festival de Cinema de Berlim arrancou com um forte tom político, refletindo o clima de tensão que se vive na Alemanha, a poucos dias das eleições legislativas. A atriz escocesa Tilda Swinton, homenageada com o Urso de Ouro honorário pela sua carreira, fez um discurso contundente sobre o estado atual do mundo, denunciando a violência, os extremismos e as injustiças sociais.
“O desumano está a ser perpetuado perante os nossos próprios olhos”, declarou Swinton, de 64 anos, sublinhando a sua preocupação com os assassinatos em massa organizados por Estados e permitidos em escala internacional.
A Berlinale, conhecida pelo seu caráter progressista e politicamente engajado, tornou-se um palco de resistência, num momento em que a extrema-direita cresce na Alemanha. A noite de abertura incluiu também um gesto de solidariedade, com vários atores alemães e Tricia Tuttle, diretora do festival, a segurarem uma fotografia do ator israelita David Cunio, atualmente refém do Hamas.
A presença de Cunio no festival prende-se com o filme “A Letter to David”, do realizador Tom Shoval, que será apresentado nos próximos dias.
Eleições na Alemanha e a ascensão da extrema-direita
O contexto político da Berlinale este ano não passa despercebido. A Alemanha está prestes a realizar eleições parlamentares a 23 de fevereiro, e as sondagens indicam que o partido de extrema-direita AfD (Alternativa para a Alemanha) poderá conquistar o segundo lugar, atrás apenas dos conservadores.
Na conferência de imprensa do júri, Tricia Tuttle reforçou a importância do festival como um espaço de resistência ao autoritarismo, enquanto o realizador Todd Haynes, presidente do júri, mencionou a crise política global e os desafios que os EUA enfrentam atualmente.
O festival também prestou homenagem às vítimas de um atropelamento em massa em Munique, ocorrido na quinta-feira, protagonizado por um requerente de asilo afegão que feriu 30 pessoas.
A competição e os filmes em destaque
A edição deste ano da Berlinale apresenta 19 filmes na competição oficial, com um júri presidido por Todd Haynes, conhecido por filmes como Carol e Velvet Goldmine.
Entre os destaques estão:
• “Dreams”, do realizador mexicano Michel Franco, protagonizado por Jessica Chastain e Isaac Hernandez, sobre uma bailarina mexicana que tenta vencer nos EUA.
• “O Último Azul”, do brasileiro Gabriel Mascaro.
• “El Mensaje”, do argentino Iván Fund.
• Filmes de cineastas consagrados como Richard Linklater e Hong Sang-soo também integram a competição.
O festival procura este ano atrair mais estrelas para a passadeira vermelha, com nomes como Timothée Chalamet, Jessica Chastain, Marion Cotillard, Ethan Hawke e Robert Pattinson a marcarem presença.
Pattinson protagoniza “Mickey 17”, novo filme de Bong Joon-ho, que está fora de competição e marca o regresso do realizador sul-coreano desde o sucesso de “Parasitas”. O filme, uma comédia de ficção científica, satiriza um multimilionário que faz lembrar Elon Musk, líder da Tesla e SpaceX, próximo de Donald Trump e simpatizante do AfD alemão.
O icónico ator Richard Gere, conhecido por filmes como Pretty Woman – Um Sonho de Mulher, Chicago e Oficial e Cavalheiro, recebeu no passado sábado o Prémio Internacional Goya pela sua carreira e ativismo. Mas a noite não ficou apenas marcada pela homenagem: o ator não poupou críticas a Donald Trump, chamando-lhe um “rufia” e “criminoso” e alertando para o crescimento do autoritarismo à escala global.
🏆 Homenagem de Peso nos “Óscares de Espanha”
A cerimónia dos Prémios Goya 2025, considerados os “Óscares do cinema espanhol”, decorreu este ano em Granada, e Gere foi distinguido pelo seu impacto na indústria e pela sua longa trajetória de ativismo social.
A entrega do prémio ficou a cargo de Antonio Banderas, que elogiou a dedicação de Gere ao cinema e às causas humanitárias, como a defesa dos refugiados e deslocados.
🎤 Durante o discurso de aceitação, o ator norte-americano destacou a sua preocupação com o estado atual dos EUA e a ascensão de regimes autoritários:
“Venho de um lugar onde estamos num momento muito sombrio, os EUA, onde temos um rufia, um criminoso, que é o presidente dos EUA. Mas não é apenas nos EUA, está em toda parte. O autoritarismo toma conta de todos nós.”
Gere aproveitou ainda para denunciar a ligação cada vez mais perigosa entre poder e dinheiro, referindo-se a um “casamento sombrio” entre políticos e multimilionários que controlam o país.
🔥 Críticas a Trump e a “Milionários Corrosivos”
#Goya2025 | Richard Gere hace referencia a Donald Trump en su discurso tras recibir el Goya Internacional: "Vengo de América, que está en un lugar muy oscuro, donde un matón es el presidente, pero no solo pasa en Estados Unidos"
Embora Gere já tenha criticado Trump em ocasiões anteriores, desta vez a sua mensagem foi particularmente forte e direta.
“O facto de estes irresponsáveis e talvez perigosamente corrosivos multimilionários estarem a comandar tudo na América neste momento é um perigo para todos neste planeta.”
O ator deixou claro que não se trata apenas de um problema dos EUA, mas de um fenómeno global, referindo-se à ascensão de líderes com tendências autoritárias em diferentes partes do mundo.
A reação do público foi dividida. Se por um lado recebeu aplausos na cerimónia, por outro, nas redes sociais houve críticas à tradução deficiente do seu discurso na transmissão da TVE, algo que foi confirmado pela Academia de Cinema Espanhola, que justificou que o ator improvisou e não entregou um texto previamente.
🌍 Richard Gere e a Sua Ligação a Espanha
O ator, casado com a espanhola Alejandra Silva, mudou-se para Madrid no ano passado com a família. Além do seu envolvimento com causas humanitárias, Gere é também um dos maiores defensores da causa tibetana, sendo um amigo próximo do Dalai Lama e um crítico de longa data do governo chinês.
Com esta homenagem nos Goya 2025, Richard Gere junta-se a nomes de peso que já receberam este prémio, consolidando ainda mais a sua ligação ao cinema espanhol.
📢 E em Portugal?
Os discursos políticos nos festivais de cinema estão a tornar-se cada vez mais frequentes. No entanto, ao contrário de Espanha e dos EUA, em Portugal raramente vemos declarações tão contundentes nas premiações de cinema.
Será que no futuro veremos alguma celebridade internacional a fazer declarações políticas nos festivais portugueses, como o Fantasporto ou o Festival de Cinema de Lisboa e Estoril?
Joe Goldberg está de volta… e pela última vez. A Netflix divulgou um novo teaser para a quinta e derradeira temporada de “Tu” (“You”), que promete encerrar de forma intensa a jornada do protagonista interpretado por Penn Badgley. A estreia está marcada para 24 de abril e traz consigo um novo elenco, novas vítimas e, claro, o charme psicótico que tornou Joe um dos personagens mais fascinantes da televisão.
Depois de quase dois anos sem novidades sobre o paradeiro do nosso “livreiro favorito”, o teaser da Netflix reconhece o tempo que passou e reforça que, apesar da mudança de cenário e identidade, Joe continua a ser Joe.
Na quarta temporada, vimos Joe renascer como Jonathan Moore, professor universitário em Londres, tentando afastar-se dos seus velhos hábitos. Mas, como sempre, a sua obsessão e impulsos sombrios voltaram a tomar conta da sua vida. Agora, na temporada final, Joe enfrenta o desafio de manter uma nova família e uma nova identidade… mas até quando?
Um novo elenco para o desfecho da série
Para esta última jornada, a série contará com Griffin Matthews no papel do irmão da nova esposa de Joe, Kate, e Anna Camp num duplo papel como as suas irmãs gémeas. Detalhes sobre a trama ainda são escassos, mas tudo indica que Joe estará cada vez mais encurralado e terá de lidar com as consequências do seu passado.
Relembrando a jornada de Joe Goldberg
Para quem precisa de um refresh, “Tu” (“You”) baseia-se no best-seller de Caroline Kepnes e apresenta uma visão moderna (e perturbadora) do amor e obsessão na era digital.
🩸 Temporada 1 – Conhecemos Joe Goldberg como gerente de uma livraria em Nova Iorque, apaixonado por Guinevere Beck. A sua obsessão rapidamente se transforma num jogo de manipulação e assassinato.
🔪 Temporada 2 – Depois de uma fuga estratégica, Joe assume uma nova identidade e conhece Love Quinn, que acaba por ser ainda mais perigosa do que ele.
🔥 Temporada 3 – Casado e a viver uma vida aparentemente perfeita nos subúrbios, Joe descobre que a vida doméstica não é suficiente para saciar os seus impulsos.
🕵️ Temporada 4 – Joe assume uma nova identidade como professor em Londres, tentando recomeçar. Mas o passado não se esquece dele e as coisas descarrilam rapidamente.
Agora, com o grande final à vista, a pergunta que fica é:
Joe Goldberg conseguirá escapar uma última vez… ou finalmente pagará pelos seus crimes?
Última paragem para Joe Goldberg
A quinta temporada de “You” chega a 24 de abril à Netflix e promete encerrar a história de um dos personagens mais intrigantes e perversos da TV contemporânea.
O Festival de Sundance de 2024 trouxe para o centro das atenções filmes palestinianos que exploram as complexidades da identidade, do conflito e da sobrevivência. Entre os destaques estão All That’s Left Of You, um drama épico e pessoal de Cherien Dabis, e Coexistence My Ass!, um documentário provocador sobre as tensões políticas entre israelitas e palestinianos.
“All That’s Left Of You”: Um Drama Palestiniano de Grande Escala 🎭🔥
A realizadora palestiniano-americana Cherien Dabis viu-se forçada a reformular o seu ambicioso projeto quando os eventos de 7 de outubro de 2023 interromperam as filmagens na Cisjordânia.
“Fomos forçados a evacuar… Foi devastador deixar a nossa equipa palestiniana para trás.” – Dabis
O filme, que acompanha três gerações de uma família expulsa da costa de Jaffa em 1948, tornou-se uma raridade: um grande drama palestiniano que alcançou destaque no Ocidente, com um orçamento de 5 a 8 milhões de dólares.
Dabis, que interpreta a mãe do protagonista, baseou grande parte da história em experiências reais da sua própria família, incluindo momentos de tensão extrema sob ocupação israelita:
“Vi o meu pai ser humilhado nas fronteiras e nos postos de controlo. Confrontou os soldados e eu fiquei convencida de que o iam matar.”
Com filmagens concluídas em Jordânia, Chipre e Grécia, All That’s Left Of You ainda procura distribuição internacional, mas a sua receção em Sundance sugere que pode tornar-se um marco na representação da narrativa palestiniana no cinema global.
“Coexistence My Ass!”: O Documentário que Abala Convicções 🎥🗣️
Outro destaque do festival foi Coexistence My Ass!, que acompanha Noam Shuster-Eliassi, uma ativista judia pacifista que se tornou comediante. O documentário mostra a construção do seu espetáculo de stand-up, enquanto reflete sobre o impacto da ofensiva militar israelita.
Shuster-Eliassi reconhece a importância do humor como ferramenta política:
“Como ativista, chegava a 20 pessoas. Com um vídeo viral a gozar com ditadores, alcancei 20 milhões.”
O documentário surge no contexto de uma crescente procura por vozes palestinianas e israelitas críticas do conflito. Na mesma linha, No Other Land, um documentário sobre palestinianos deslocados por tropas e colonos israelitas, foi recentemente nomeado para o Óscar de Melhor Documentário.
A Indústria Está Pronta para Estas Histórias? 🎞️❓
Apesar do reconhecimento em festivais, muitos destes filmes continuam sem distribuição nos EUA e em outras partes do mundo.
A realizadora Amber Fares questiona essa lacuna na indústria:
“Obviamente há necessidade destes filmes. As pessoas querem ver estas histórias.”
Dabis acrescenta:
“As pessoas começam a perceber que há uma escassez das nossas histórias… e que estas estão realmente a faltar na narrativa dominante.”
Com Sundance a servir de plataforma para filmes que desafiam narrativas estabelecidas, resta saber se Hollywood está pronta para acolher estas perspetivas de forma mais ampla.
Conclusão: Sundance como Palco para Narrativas Ignoradas 🌎🎬
O Festival de Sundance 2024 demonstrou que há uma crescente procura por histórias palestinianas e israelitas que questionam o status quo. À medida que filmes como All That’s Left Of You e Coexistence My Ass! ganham destaque, a questão central mantém-se: o público global está preparado para ouvir estas vozes?
O impacto destas obras poderá ser determinante para o futuro da representação do conflito israelo-palestiniano no cinema e nos media.
O visionário realizador Christopher Nolan está a preparar o seu próximo épico cinematográfico: uma adaptação de Odisseia, o clássico poema grego de Homero. Conhecido por elevar o cinema com narrativas complexas e visuais impressionantes, Nolan promete uma abordagem inovadora, utilizando tecnologia IMAX de última geração e filmando nos locais históricos onde se acredita que a lendária jornada de Odisseu aconteceu.
Filmagens em Favignana e Outros Cenários Autênticos 🌊🏛️
De acordo com a revista Variety, a produção de The Odyssey terá início dentro de dois meses, com uma grande parte da rodagem a decorrer na ilha de Favignana, na Sicília. Este local é associado pelos académicos ao ponto onde Odisseu, o rei de Ítaca, teria desembarcado para procurar mantimentos e preparar um churrasco de cabras com a sua tripulação.
Além de Favignana, o filme passará ainda pelas Ilhas Eólias (também na Sicília), Marrocos e Grã-Bretanha, recriando os cenários descritos no poema épico que narra a longa e perigosa viagem de 10 anos de Odisseu de regresso a casa, após a Guerra de Troia.
Um Elenco Estelar para um Épico de Luxo 🌟🎭
O elenco de The Odyssey reflete a grandiosidade do projeto, contando com nomes de peso como Tom Holland, Matt Damon, Robert Pattinson e Anne Hathaway. Juntam-se ainda Zendaya, Lupita Nyong’o, Charlize Theron e Jon Bernthal. Apesar da confirmação destas estrelas, as suas personagens ainda não foram reveladas, deixando os fãs a especular sobre quem interpretará Odisseu, Penélope, Telémaco e outras figuras icónicas da mitologia.
A Jornada de Nolan: Do Passado ao Épico Clássico 🎬⚔️
Após o sucesso de Oppenheimer, Christopher Nolan embarca neste ambicioso 13.º filme, explorando um dos pilares da literatura ocidental. Odisseia, escrita entre 750 e 650 a.C., é uma obra-prima atemporal que relata a resiliência, astúcia e humanidade de Odisseu ao enfrentar monstros, deuses e as suas próprias fraquezas numa tentativa de regressar a Ítaca e à sua amada Penélope.
A continuação natural de Ilíada, Odisseia é mais do que um simples poema épico: é um reflexo das emoções humanas universais, como amor, perda e perseverança — temas perfeitos para o estilo cinematográfico de Nolan.
Com estreia marcada para 17 de julho de 2026, The Odyssey já é uma das produções mais aguardadas da década. A combinação da visão única de Nolan, tecnologia avançada e um elenco de estrelas promete redefinir a forma como a história de Odisseu será contada no grande ecrã.
Seja para os fãs de cinema ou da mitologia clássica, este projeto promete ser uma viagem épica imperdível, tanto visual como emocionalmente.
A Marvel Studios revelou o trailer final de “Capitão América: Admirável Mundo Novo”, aumentando a expectativa para a chegada do filme aos cinemas a 13 de fevereiro de 2025. Este será o 35.º filme do Universo Cinematográfico Marvel (MCU) e o quarto a centrar-se no icónico super-herói.
O grande destaque vai para Anthony Mackie, que regressa como Sam Wilson, assumindo oficialmente o título de Capitão América, e Harrison Ford, que faz a sua estreia no MCU como Thaddeus Ross, numa versão muito diferente do personagem que já conhecíamos.
Um Novo Capitão, Um Novo Mundo
Após os eventos de Vingadores: Endgame, Sam Wilson herdou o escudo e o legado de Steve Rogers. No entanto, a sua jornada como Capitão América começou realmente na minissérie O Falcão e o Soldado de Inverno, disponível no Disney+.
Agora, Sam enfrenta o seu maior desafio até à data: uma conspiração internacional que ameaça a estabilidade global. Segundo a sinopse oficial:
“Depois de se reunir com o recém-eleito presidente dos EUA, Thaddeus Ross, Sam vê-se no meio de um incidente internacional. Ele tem de descobrir a razão por detrás de uma conspiração global maligna antes que o verdadeiro cérebro faça com que o mundo inteiro fique vermelho.”
A referência ao vermelho na sinopse leva à especulação de que o filme irá explorar o surgimento do Hulk Vermelho, uma transformação icónica do personagem de Ross nos comics.
Harrison Ford Substitui William Hurt
O lendário Harrison Ford faz a sua estreia no MCU ao substituir o falecido William Hurt no papel do General Thaddeus “Thunderbolt” Ross, uma das figuras militares mais controversas do universo Marvel.
Nos comics, Ross transforma-se no Hulk Vermelho, uma versão ainda mais agressiva e letal do monstro verde. O trailer não mostra diretamente a sua transformação, mas há várias pistas de que esta versão do personagem será explorada no filme.
Ford, conhecido pelas suas performances icónicas em Star Wars e Indiana Jones, traz peso e presença a uma das figuras mais complexas do MCU.
Um Novo Falcão e Um Novo Vilão
Além do Capitão América, o filme apresenta um novo Falcão, interpretado por Danny Ramirez. A sua personagem, Joaquín Torres, já havia sido introduzida em O Falcão e o Soldado de Inverno e agora assume o papel de herdeiro das asas que foram de Sam Wilson.
O grande vilão será Seth Voelker / Sidewinder, interpretado por Giancarlo Esposito (Breaking Bad, The Mandalorian). Nos comics, Sidewinder é um mestre estratega ligado à organização Serpentes da Lua, que pode ser uma peça-chave nesta conspiração global.
Outros nomes confirmados no elenco incluem:
• Carl Lumbly (Isaiah Bradley, o Capitão América original esquecido pela história)
• Tim Blake Nelson (Samuel Sterns / O Líder, regressando desde O Incrível Hulk de 2008)
• Shira Haas (Sabra, uma heroína israelita)
• Liv Tyler (regressa como Betty Ross, filha de Thaddeus Ross)
O Que Podemos Esperar de “Capitão América: Admirável Mundo Novo”?
O novo filme do Capitão América promete ser um thriller político repleto de ação, explorando geopolítica, corrupção e manipulação de poder. Será que veremos o nascimento dos Thunderbolts, a equipa de anti-heróis que Ross ajudou a formar nos comics?
Outro elemento de interesse é a possível rivalidade entre Sam Wilson e Ross, dois líderes com visões opostas sobre o que significa proteger o mundo.
Com um elenco de peso, efeitos visuais de última geração e uma história que promete mudar o rumo do MCU, Capitão América: Admirável Mundo Novo poderá ser um dos filmes mais impactantes da nova fase da Marvel.
Estreia e Onde Assistir
🎬 Data de estreia: 13 de fevereiro de 2025
📺 Onde assistir depois do cinema: Disney+
🦸♂️ Classificação: Ação, Super-heróis, Thriller Político
Nos últimos anos, as adaptações de videojogos para cinema e televisão têm vivido um verdadeiro renascimento. O sucesso de The Last of Us na HBO e de Fallout na Prime Video provou que o público está pronto para histórias oriundas do mundo dos jogos. Contudo, há uma grande ausência nesta tendência: Red Dead Redemption, um dos títulos mais icónicos da Rockstar Games, nunca foi adaptado para o ecrã.
Felizmente, a Netflix pode ter encontrado uma alternativa. American Primeval, uma série ocidental dura e visceral, transporta-nos para um Velho Oeste brutal e implacável, aproximando-se como nunca da experiência de um verdadeiro Red Dead Redemption live-action.
O Que é American Primeval?
Criada por Peter Berg (Lone Survivor) e escrita por Mark L. Smith (The Revenant), American Primeval é uma minissérie ambientada em 1857 que acompanha Sara Rowell (Betty Gilpin) e o seu filho, Devin (Preston Mota), numa jornada para o Oeste americano em busca de uma nova vida.
No entanto, a viagem rapidamente se transforma num pesadelo quando Sara descobre que tem um preço pela sua cabeça após um homicídio cometido na Filadélfia. À medida que a lei e os perigos da fronteira a perseguem, ela cruza-se com Isaac Reed (Taylor Kitsch), um homem marcado pelo passado e relutante em ajudar. A série não só explora a luta pela sobrevivência no território selvagem, mas também recria eventos históricos brutais, como o Massacre de Mountain Meadows.
Isaac Reed – O Arthur Morgan de ‘American Primeval’
Se há um elemento que liga diretamente American Primeval a Red Dead Redemption, é Isaac Reed. A sua história tem paralelos óbvios com a de Arthur Morgan, o protagonista de Red Dead Redemption 2.
Ambos são homens solitários, atormentados pela perda das suas famílias, e que acabam por proteger mulheres e crianças que os fazem recordar aquilo que perderam. O próprio nome do filho de Arthur Morgan era Isaac, tal como o protagonista da série – uma coincidência que torna as semelhanças ainda mais notáveis.
Tanto Isaac como Arthur começam por resistir à ideia de ajudar os outros, mas acabam por abraçar o papel de protetores trágicos, enfrentando desafios impiedosos para garantir a sobrevivência dos que dependem deles. E tal como Morgan, Isaac também encontra redenção no seu sacrifício final.
Um Velho Oeste Cruel e Realista
Tanto Red Dead Redemption como American Primeval não romantizam o Velho Oeste. Pelo contrário, apresentam-no como um território violento, brutal e sem leis, onde qualquer ato de bondade pode ser fatal.
A série da Netflix capta esta brutalidade na forma como trata as suas personagens femininas. No primeiro episódio, Sara é avisada repetidamente dos perigos de ser uma mulher sozinha na fronteira – e, no terceiro episódio, é confrontada com o pior lado da natureza humana.
Após resgatar uma criança perdida, ela e Isaac acabam por ser atraídos para uma armadilha de bandidos franceses. O que se segue é uma sequência intensa e angustiante, onde Sara é levada para uma cabana, enquanto Isaac e Devin são forçados a assistir. Embora a série evite exibir o ato de violência em si, o impacto é devastador – uma lembrança arrepiante de que a bondade pode não ter lugar no Oeste selvagem.
Este momento encontra eco em Red Dead Redemption, onde personagens como Sadie Adler enfrentam horrores semelhantes. A diferença é que, tanto na série como no jogo, estas mulheres não ficam simplesmente marcadas pelo trauma – elas procuram vingança.
A Estética e a Ação Lembram o Jogo da Rockstar
Outro elemento que torna American Primeval uma quase-adaptação de Red Dead Redemption é a sua cinematografia.
A série foi filmada em cenários naturais impressionantes, variando entre montanhas nevadas, vastas planícies e cabanas abandonadas, tal como os cenários exploráveis do jogo da Rockstar.
• Isaac e os outros a vaguearem pela neve em Episode 5 lembram os primeiros capítulos do jogo, onde Arthur e os Van der Linde lutam para sobreviver em Ambarino.
• O combate com lobos e tiroteios contra caçadores de recompensas remetem diretamente para as missões do jogo, onde emboscadas e encontros inesperados são uma constante.
• As cabanas isoladas, as armas, os cavalos e a poeira do deserto – tudo em American Primeval parece saído diretamente do mundo de Red Dead Redemption.
Mesmo que a série nunca mencione o jogo, os fãs da franquia sentirão uma familiaridade imediata ao acompanhar a jornada de Isaac e Sara.
O Mais Próximo de um ‘Red Dead Redemption’ Live-Action?
Desde The Last of Us até Fallout, o mundo das adaptações de videojogos está em alta – mas a Rockstar Games nunca demonstrou interesse em levar Red Dead Redemption ao cinema ou à televisão.
No entanto, American Primeval prova que um live-action do jogo pode funcionar, ao mostrar como o Velho Oeste pode ser explorado com profundidade emocional, ação intensa e uma atmosfera imersiva.
Se um dia a Rockstar decidir seguir o caminho da Naughty Dog e da Bethesda, American Primeval é a prova de conceito perfeita para um ‘Red Dead Redemption’ em live-action.
Conclusão – Vale a Pena Assistir?
Mesmo sem a ligação oficial a Red Dead Redemption, American Primeval é um western envolvente, brutal e emocionalmente poderoso. Com um elenco sólido, cenas de ação impressionantes e uma fotografia belíssima, a série é uma excelente opção para quem procura um drama de sobrevivência com profundidade.
Para os fãs de videojogos, especialmente de Red Dead Redemption, é impossível não traçar paralelos entre os dois. E enquanto esperamos (ou desesperamos) por uma adaptação oficial do jogo, American Primeval é, sem dúvida, a melhor alternativa disponível.
⭐ ⭐ ⭐ ⭐ ☆ (4/5)
Ficha Técnica
🎬 Título:American Primeval
📅 Estreia: 2024 (Netflix)
🎥 Realização: Peter Berg
📝 Argumento: Mark L. Smith
🎭 Elenco: Taylor Kitsch, Betty Gilpin, Dane DeHaan, Shawnee Pourier
