Sydney Sweeney, conhecida pelos seus papéis em “Euphoria” e “The White Lotus”, criticou abertamente a falta de solidariedade feminina em Hollywood. Em entrevista recente, a atriz afirmou que a ideia de apoio mútuo entre mulheres na indústria é “falsa” e funciona como “uma fachada”. Estas declarações surgem após um episódio polémico com a produtora Carol Baum, que questionou o talento de Sweeney publicamente.
Baum comentou que Sweeney “não é bonita nem sabe representar”, provocando indignação. A atriz respondeu, sublinhando o impacto negativo de mulheres com posições de influência que descredibilizam outras. “É triste ver mulheres a arrasar mulheres. Devíamos ajudar-nos mutuamente, mas muitas preferem criticar”, afirmou.
Sweeney também explorou as raízes deste comportamento, associando-o a problemas geracionais. Segundo a atriz, muitas mulheres cresceram a acreditar que apenas uma poderia alcançar o topo, fomentando uma mentalidade de competição. No entanto, destacou que é possível reverter esta dinâmica com diálogo e mudança de atitudes.
Enquanto figura emergente em Hollywood, Sweeney tem-se destacado como produtora e atriz, representando uma nova geração que desafia normas estabelecidas. Para ela, é crucial criar espaços mais inclusivos e colaborativos, especialmente para talentos jovens.
Conan O’Brien, uma das figuras mais icónicas da comédia norte-americana, foi confirmado como o anfitrião da 97.ª cerimónia dos Óscares, marcada para o dia 2 de março de 2025. Este será o regresso de O’Brien à televisão em grande estilo, conduzindo uma das noites mais prestigiadas da indústria cinematográfica.
Reconhecido pelo seu humor inteligente e carisma, Conan O’Brien começou a sua carreira como argumentista de programas lendários como “Saturday Night Live” e “Os Simpsons”. Mais tarde, consolidou-se como uma das maiores figuras dos programas de “late-night”, apresentando o “Late Night with Conan O’Brien” (1993–2009) e o seu sucessor na TBS, “Conan” (2010–2021). Para muitos, a sua escolha como anfitrião dos Óscares é um reconhecimento tardio, mas bem merecido.
Esta não será a primeira vez que O’Brien assume a responsabilidade de liderar grandes cerimónias. Ele já foi anfitrião dos Emmys em 2002 e 2006, e dos MTV Movie Awards em 2014, destacando-se pela sua capacidade de equilibrar humor com respeito pelos momentos solenes. Para a Academia, a escolha de Conan reflete a necessidade de um apresentador com experiência, mas sem inclinações políticas marcadas, algo que afastou nomes como Jimmy Kimmel e Jon Stewart em edições passadas.
Bill Kramer e Janet Yang, responsáveis pela Academia, declararam: “Estamos honrados por ter Conan O’Brien como anfitrião dos Óscares deste ano. Ele é a pessoa perfeita para liderar esta celebração global do cinema com o seu humor brilhante e amor pela sétima arte.”
O próprio Conan, fiel ao seu estilo humorístico, comentou o anúncio dizendo: “A América exigiu isto, e agora está a acontecer: vou apresentar os Óscares.”
A cerimónia promete ser um marco não só para o cinema, mas também para o regresso de Conan à ribalta televisiva, num evento que combina glamour, emoção e um toque de humor afiado.
José Condessa, um dos talentos emergentes mais promissores de Portugal, junta-se ao elenco de “Honeyjoon”, uma comédia dramática independente realizada por Lilian Mehrel, com apoio do Festival de Tribeca. O filme, que tem parte da sua rodagem na deslumbrante ilha de São Miguel, Açores, promete trazer um toque especial ao panorama do cinema internacional.
Depois do sucesso com Pedro Almodóvar em “Estranha Forma de Vida”, Condessa reforça a sua presença no cenário internacional, desta vez numa história que cruza culturas e explora temas como luto e reconexão. Em “Honeyjoon”, ele interpreta João, um guia artístico que se torna uma figura-chave na viagem de mãe e filha, Lela (Amira Casar) e June (Ayden Mayeri). A trama, descrita como uma mistura de comédia e introspeção, aborda temas como o movimento curdo “Mulher, Vida, Liberdade” e a busca pela identidade.
A participação de Condessa não é apenas mais um marco na sua carreira; é também um reflexo do crescente interesse de Hollywood em incluir talentos lusófonos. Este é o segundo projeto que o ator grava nos Açores, depois de “Rabo de Peixe”, série que foi um fenómeno na Netflix e já tem terceira temporada confirmada.
A realizadora Lilian Mehrel elogia o elenco pela sua capacidade de unir leveza e intensidade, destacando a versatilidade de Condessa. O filme já se apresenta como um forte candidato a eventos futuros, dada a sua conquista do prémio “Untold Stories” no Festival de Tribeca, garantindo um orçamento de um milhão de dólares e uma exibição de destaque no próximo festival.
Para o público português, o orgulho é duplo: ver um talento nacional brilhar em Hollywood e saber que a beleza natural dos Açores servirá de palco para contar esta história.
A discussão entre dois dos maiores realizadores da atualidade, Denis Villeneuve e Quentin Tarantino, trouxe recentemente um tom humorístico aos debates sobre adaptações e remakes em Hollywood. Após Tarantino revelar a sua falta de interesse nos filmes Dune, de Villeneuve, o realizador canadiano respondeu de forma breve mas eficaz: “Não quero saber”.
A situação teve origem quando Tarantino, conhecido pela sua aversão a remakes e reinterpretações, comentou durante uma entrevista que já havia visto a versão de Dune de David Lynch e que, na sua opinião, não precisava de ver a mesma história novamente. Tarantino afirmou que não via motivo para revisitar uma história que, para ele, estava mais do que contada, mencionando que não sentia vontade de assistir a uma nova versão de um enredo repleto de “vermes de areia” e referências ao “especiaria”.
Villeneuve, que desde o início sublinhou que a sua versão de Dune é uma adaptação fiel ao livro de Frank Herbert e não um remake do filme de Lynch, reagiu com humor. Em resposta aos estudantes de cinema numa sessão de perguntas e respostas, o realizador afirmou que compreendia a posição de Tarantino sobre a reciclagem de ideias em Hollywood, mas esclareceu que via Dune como uma obra original, com o seu próprio mérito e visão artística.
Com Dune e a sequela Dune Messiah a caminho, Villeneuve continua a sua exploração do universo de Frank Herbert, enquanto mantém um estilo que já conquistou uma vasta audiência, ao contrário do que Tarantino pode ter sugerido. Esta diferença de perspetiva entre os dois realizadores é uma amostra das distintas abordagens criativas no cinema atual, onde a adaptação e a originalidade muitas vezes se cruzam de forma complexa.
A resposta de Villeneuve mostra a segurança do realizador na sua visão para Dune, um projeto que, segundo ele, tem conseguido honrar o material original e que continua a cativar tanto os fãs da obra literária como o público em geral.
O produtor Jon Peters, conhecido pelo seu trabalho em Hollywood e pelo seu apoio declarado a Donald Trump, expressou recentemente o desejo de produzir um filme sobre a tentativa de assassinato ao ex-presidente dos Estados Unidos. Peters referiu-se ao projeto como uma oportunidade para explorar as personalidades e os conflitos que moldaram a relação entre Trump e Joe Biden, desde a infância até à idade adulta, apresentando uma narrativa de rivalidade e ambição. Segundo Peters, a Netflix seria o destino ideal para esta produção, dado o alcance e a notoriedade do serviço de streaming em projetos de teor político e biográfico.
A ideia para o filme, ainda numa fase inicial de desenvolvimento, poderá ter Oliver Stone como argumentista. Peters descreveu Stone como “um argumentista incrível” e referiu-se a si próprio como “um bom contador de histórias”, reforçando a vontade de colaborar com o célebre realizador de filmes de teor político, como JFK e Nixon. No entanto, Stone já recusou qualquer envolvimento em projetos sobre tentativas de assassinato, demonstrando relutância em trabalhar neste género de histórias ou mesmo com Peters, afastando-se assim da possibilidade de o filme avançar neste formato.
Curiosamente, este projeto é anunciado numa altura em que O Aprendiz, uma comédia sobre a ascensão de Trump, está em cartaz nos cinemas internacionais, com estreia destacada no Festival de Cannes de 2024. O filme, dirigido por Ali Abbassi (Holy Spider), conta com um elenco de peso, incluindo Maria Bakalova como Ivana Trump, Jeremy Strong como Roy Cohn, e Martin Donovan no papel de Fred Trump Sr., pai de Donald Trump. Esta comédia dramática explora a juventude e os primeiros passos de Trump no mundo dos negócios e da política, oferecendo uma visão satírica do empresário que viria a tornar-se uma figura controversa no cenário global.
Enquanto Peters pondera sobre o próximo passo para o seu filme, a figura de Donald Trump continua a gerar fascínio e polarização tanto dentro como fora dos EUA. O potencial de um projeto que explore uma tentativa de assassinato ao ex-presidente poderá atrair audiências, mas também levantar questões éticas e críticas políticas, especialmente num contexto em que as narrativas de ficção e realidade se cruzam com grande intensidade.
Leonardo DiCaprio partilhou uma história emotiva sobre o seu ídolo de juventude, River Phoenix, falecido tragicamente em 1993, aos 23 anos. Phoenix, uma estrela promissora conhecida por filmes como Conta Comigo e Garotos de Programa, foi uma inspiração para DiCaprio desde o início da sua carreira. Em entrevista à Esquire, DiCaprio recordou a noite em que o conheceu numa festa em Silver Lake, pouco antes de Phoenix sucumbir a uma overdose.
DiCaprio descreveu o encontro como “uma experiência existencial” e revelou que nunca tinha sentido uma conexão tão intensa com outro ator. “Ele era o maior ator da minha geração”, disse DiCaprio, que viu no breve encontro com Phoenix um momento transformador na sua própria trajetória. Para o ator de Titanic, a influência de Phoenix permanece até hoje, lembrando-o da vulnerabilidade e autenticidade que um artista pode trazer para o ecrã.
Embora nunca tenha tido a oportunidade de trabalhar com o seu ídolo, DiCaprio continua a ver Phoenix como uma figura crucial na sua formação como ator, uma lembrança que perdura como um tributo ao talento e à sensibilidade de um dos jovens mais promissores da sua geração.
Anna Kendrick, conhecida pelos seus papéis em filmes como “Pitch Perfect”, surpreendeu Hollywood com uma decisão que vai muito além do ecrã. No seu mais recente projeto como realizadora, Woman of the Hour, Kendrick decidiu doar todo o lucro do filme a organizações que apoiam vítimas de crimes violentos. Esta decisão foi motivada pela história perturbadora do filme, que aborda o caso real de Rodney Alcala, um predador que, nos anos 70, participou num programa de encontros enquanto cometia crimes horrendos.
Para Kendrick, a produção do filme nunca teve como objetivo o lucro, mas sim dar voz a um tema sensível e urgente. Ao participar no podcast Crime Junkie, Kendrick confessou que a realização do projeto a fez questionar o papel do lucro em histórias reais e dolorosas. A sua decisão de doar os lucros a instituições como a RAINN é vista por muitos como um exemplo de responsabilidade social no cinema.
Ao partilhar a sua própria experiência de abuso emocional, Kendrick reforça a importância de usar o cinema como plataforma de conscientização. Com Woman of the Hour, a atriz e realizadora mostra que é possível criar histórias impactantes sem explorar o sofrimento. A decisão está a ser amplamente elogiada e aplaudida como um marco ético em Hollywood.
O governador da Califórnia, Gavin Newsom, revelou recentemente um plano audacioso para revitalizar a indústria cinematográfica de Hollywood. A proposta envolve duplicar os benefícios fiscais disponíveis para produções de cinema e televisão, aumentando o orçamento anual para 750 milhões de dólares. Com esta medida, Newsom pretende tornar a Califórnia o estado líder nos Estados Unidos em incentivos fiscais, superando rivais como Nova Iorque e outros estados que têm atraído produções cinematográficas devido aos seus próprios incentivos.
A proposta visa garantir que Hollywood recupere o ritmo de produção afetado pela pandemia da COVID-19 e pelas greves recentes, que interromperam várias filmagens e colocaram em risco o trabalho de milhares de profissionais da área. Desde a criação do programa de incentivos fiscais em 2009, estima-se que a iniciativa tenha gerado mais de 26 mil milhões de dólares em atividade económica e criado cerca de 197 mil postos de trabalho na Califórnia. Caso aprovada, esta expansão entrará em vigor em julho de 2025, com uma duração de cinco anos.
Durante uma conferência de imprensa em Los Angeles, Newsom afirmou: “Este é um investimento crucial no futuro da nossa indústria do entretenimento.” Ele reconheceu a importância de garantir a competitividade da Califórnia, especialmente num contexto de concorrência global, onde países e outros estados dos EUA também oferecem incentivos significativos para atrair produções. Além dos empregos diretos, o governador salientou que a produção cinematográfica traz benefícios indiretos para a economia, apoiando empresas locais como fornecedores de catering, empresas de transporte e pequenas lojas.
Com o crescimento das plataformas de streaming e a procura por conteúdo original, Newsom acredita que este plano fortalecerá Hollywood e incentivará os estúdios a retomar e expandir projetos na Califórnia. Se aprovada, esta medida promete revitalizar a indústria cinematográfica e solidificar o estatuto da Califórnia como o coração da produção de filmes nos Estados Unidos
A Disney anunciou que o processo de sucessão do seu atual presidente-executivo, Bob Iger, será concluído até ao início de 2026. A decisão surge após meses de especulação sobre quem irá substituir Iger, que retornou ao cargo em novembro de 2022 após a saída repentina do seu sucessor, Bob Chapek. Com James Gorman, antigo CEO da Morgan Stanley, a assumir o cargo de presidente da Disney em janeiro de 2024, o processo de sucessão já está em andamento, com o Comité de Planeamento de Sucessão a liderar a busca pelo novo CEO.
Iger, que completará 73 anos em 2026, é uma das figuras mais influentes da história da Disney e do entretenimento global. Durante o seu primeiro mandato como presidente-executivo (2005-2020), Iger supervisionou algumas das maiores aquisições da história da Disney, incluindo a Pixar, Marvel, Lucasfilm e a compra da 21st Century Fox. Além disso, foi sob a sua liderança que a empresa lançou os serviços de streaming Disney+ e ESPN+, que mudaram o panorama do entretenimento digital.
Desde que voltou ao cargo, Iger tem enfrentado vários desafios, como a queda no número de assinantes do Disney+, a concorrência intensa no mercado de streaming e as greves que paralisaram Hollywood. Apesar dessas dificuldades, a Disney continua a ser um gigante no setor do entretenimento, e a liderança de Iger tem sido vista como essencial para manter a empresa estável durante este período de transição.
O processo de sucessão visa assegurar que a Disney continue a inovar e a adaptar-se às mudanças no mercado. Iger já afirmou que não pretende permanecer no cargo além de 2026, mas tem trabalhado para garantir uma transição suave, com Gorman a liderar o comité responsável por encontrar o próximo CEO. A busca pelo sucessor está a ser feita de forma estratégica e cuidadosa, e Gorman sublinhou que o objetivo é encontrar alguém que possa liderar a Disney num mundo cada vez mais digital e competitivo.
Com um legado de mais de 20 anos à frente da Disney, Iger é amplamente elogiado por ter transformado a empresa num dos maiores impérios do entretenimento global. A escolha do seu sucessor será um momento crucial para o futuro da Disney, que continua a ser uma das marcas mais reconhecidas e valorizadas em todo o mundo.
O ex-produtor de cinema Harvey Weinstein, que atualmente cumpre pena de prisão após ser condenado por crimes sexuais, foi diagnosticado com leucemia mieloide crónica, um tipo de cancro da medula óssea. A notícia foi confirmada pela sua equipa jurídica, que expressou desagrado com o que consideram ser uma violação da privacidade de Weinstein, dado que a informação foi amplamente divulgada pela imprensa.
Weinstein, que tem enfrentado uma série de problemas de saúde desde que foi preso, foi visto pela última vez em público em setembro, quando compareceu em tribunal em Manhattan após uma cirurgia cardíaca de emergência. Durante essa aparição, foi notório o seu estado de fragilidade, tendo sido transportado numa cadeira de rodas.
O diagnóstico de leucemia é o mais recente de uma série de problemas médicos enfrentados pelo antigo produtor de cinema, que também sofreu de diabetes e contraiu COVID-19 enquanto estava internado. O advogado de Weinstein, Arthur Aidala, afirmou recentemente que o seu cliente “quase morreu” após a cirurgia e que a sua condição de saúde continua a ser delicada.
A equipa de defesa de Weinstein pediu respeito pela privacidade do seu cliente, mas o interesse público em torno do seu estado de saúde é inegável, tendo em conta o seu envolvimento no escândalo que deu origem ao movimento #MeToo. Weinstein, que foi um dos nomes mais poderosos de Hollywood, continua a negar todas as acusações de violação e agressão sexual, apesar das condenações.
O diagnóstico de cancro poderá influenciar os futuros processos legais contra o ex-produtor, sendo que um novo julgamento está agendado para 2025, após a revogação de uma das suas condenações em abril de 2024.
O ator britânico Andrew Garfield fez recentemente uma declaração pública em defesa do realizador Mel Gibson, numa entrevista concedida à People no especial “Movies of My Life”. Garfield, que protagonizou o filme “O Herói de Hacksaw Ridge” (2016) realizado por Gibson, defendeu o cineasta contra as críticas que têm vindo a ser feitas e a sua ‘cultura de cancelamento’, sublinhando que todos cometem erros e merecem segundas oportunidades.
Mel Gibson, um dos nomes mais icónicos de Hollywood, caiu em desgraça após uma série de escândalos que incluíram comentários racistas e antissemitas, o que lhe custou a sua popularidade e aceitação na indústria. No entanto, Garfield, que é de ascendência judaica, partilhou que a sua experiência a trabalhar com Gibson foi extremamente positiva. O ator destacou a relação de respeito e amizade que construiu com o realizador, descrevendo-o como “um cineasta incrível, com um coração imenso e cheio de compaixão”.
Durante a entrevista, Garfield revelou que teve “conversas profundas e importantes” com Gibson durante as filmagens de “O Herói de Hacksaw Ridge”, e que acredita na capacidade de cura e transformação das pessoas. “Aprendi que as pessoas se podem curar. Aprendi que podem mudar, que podem obter ajuda. Aprendi que todos merecem respeito. E que as pessoas merecem segundas, terceiras, quartas oportunidades”, afirmou o ator. Para Garfield, a redenção de Gibson é evidente, e ele defende que o realizador não deve ser excluído ou “cancelado” pela sociedade.
“O Herói de Hacksaw Ridge” foi um sucesso tanto de crítica quanto de bilheteira, e representou uma espécie de reabilitação temporária da imagem de Gibson, tendo sido nomeado para os Óscares e ganhando dois prémios. No entanto, as polémicas que envolveram o realizador, desde o seu comportamento em público até às suas crenças religiosas e políticas, continuaram a persegui-lo.
Garfield, que foi nomeado para o Óscar pelo seu papel de Desmond Doss, um soldado pacifista da Segunda Guerra Mundial, reafirmou a sua gratidão por ter trabalhado com Gibson. Descreveu o realizador como alguém extremamente sensível e empático, com quem partilhou uma relação artística baseada na confiança. “Ele é o tipo de realizador que sai de trás dos monitores com os olhos molhados. Sabia quando estava bem e quando não estava. E realmente confiei nele”, explicou o ator.
Apesar das controvérsias que cercam Mel Gibson, Garfield destacou que o realizador ainda merece contar histórias, sublinhando o seu talento incomparável e o impacto emocional que tem nos projetos em que se envolve. Para o ator, o cancelamento não deve ser definitivo, e acredita que Gibson é uma prova de que as pessoas podem evoluir e aprender com os seus erros.
Dois grandes nomes de Hollywood, Hugh Jackman e Kate Hudson, vão juntar-se pela primeira vez num novo musical intitulado Song Sung Blue, baseado numa história verídica. O filme segue a vida de dois músicos que, após uma série de fracassos, formam uma banda de tributo aos sucessos de Neil Diamond. A produção promete ser uma história inspiradora sobre amor, perseverança e a busca pelos sonhos, mesmo quando parece tarde demais.
O projeto é inspirado no documentário homónimo de 2008, Song Sung Blue, que já explorava a fascinante história deste duo musical que, apesar das adversidades, encontra o sucesso inesperado ao prestar homenagem a uma das maiores lendas da música pop, Neil Diamond. O filme terá a realização de Craig Brewer, conhecido por Hustle & Flow e O Príncipe Volta a Nova Iorque, e o elenco contará também com Michael Imperioli, Jim Belushi, Fisher Stevens, e Ella Anderson.
A química entre Hugh Jackman e Kate Hudson, ambos com carreiras sólidas no cinema, especialmente em comédias musicais e dramáticas, é um dos aspetos mais aguardados pelos fãs. Hugh Jackman, amplamente elogiado pelas suas interpretações em musicais como Os Miseráveis e O Grande Showman, parece ser a escolha perfeita para um filme que celebra a música e a paixão por atuar. Já Kate Hudson, com várias comédias de sucesso no currículo, incluindo Quase Famosos e Como Perder um Homem em 10 Dias, deverá trazer o seu charme e talento ao papel feminino principal.
A estreia de Song Sung Blue ainda não tem uma data confirmada, mas as filmagens deverão começar no início de 2025. Este musical, com uma história tocante e um elenco de peso, promete ser um dos grandes lançamentos do cinema nos próximos anos, especialmente para os fãs de Neil Diamond e de comédias musicais.
No mundo do cinema, muitas vezes surge a questão: os actores podem beber álcool verdadeiro enquanto filmam cenas em que os seus personagens estão a beber? Embora a ideia possa parecer simples, a realidade é mais complexa, e a resposta depende de vários factores, incluindo a fama do actor, as exigências do realizador ou produtor, e até as implicações legais envolvidas.
A Realidade das Filmagens com Bebidas Alcoólicas
De modo geral, os actores não consomem álcool real enquanto filmam. Há várias razões para isso, sendo a principal a natureza imprevisível do álcool e os seus efeitos. Ficar embriagado pode prejudicar o desempenho de um actor, fazendo-o esquecer as suas falas, alterar o tom da voz, ou até causar comportamentos indesejados como tropeçar ou vomitar. Tudo isto pode arruinar uma filmagem e forçar a equipa a refazer a cena, o que implica custos adicionais e perda de tempo.
Por exemplo, no início da carreira de Richard Gere, antes de se tornar uma estrela com filmes como American Gigolo e Pretty Woman, ele foi despedido de uma produção por comportamento impróprio no set, após uma briga com Sylvester Stallone. Este tipo de comportamento é considerado inaceitável em qualquer produção profissional.
Além disso, filmar uma cena pode exigir múltiplas tentativas de vários ângulos. Se um actor comete erros, toda a cena tem de ser repetida. Um exemplo famoso envolve Marlon Brando e Frank Sinatra durante as filmagens de Guys and Dolls. Brando, chateado com as críticas de Sinatra ao seu estilo de “method acting”, intencionalmente errou as suas falas durante uma cena em que Sinatra tinha de comer cheesecake, sabendo que ele detestava a sobremesa. Como resultado, Sinatra teve de comer tantas fatias que acabou por se sentir mal.
Substituições de Álcool no Set
Para evitar esses problemas, as produções cinematográficas usam substitutos para as bebidas alcoólicas. Para imitar bebidas claras como vodka, tequila ou gin, é comum utilizar água. Para simular bebidas escuras como whisky ou bourbon, são usados chá ou sumo de maçã. O vinho é substituído por sumo de uva ou de arando, e para simular café, os actores muitas vezes bebem Diet Coke (pois ninguém quer beber café frio durante várias horas de filmagens).
Um exemplo famoso do uso de substitutos foi no filme Lost in Translation, onde Bill Murray interpreta uma estrela americana a gravar um anúncio de whisky no Japão. Na realidade, Murray não estava a beber whisky, mas sim chá.
Excepções Notáveis e o Uso de Álcool em Cenas Íntimas
Apesar das regras gerais, há excepções, especialmente em cenas que exigem maior vulnerabilidade emocional. Por vezes, os actores optam por beber álcool real antes de cenas particularmente difíceis ou íntimas. No filme Black Swan, Natalie Portman e Mila Kunis beberam antes de filmarem uma cena íntima para relaxar os nervos. Da mesma forma, Margot Robbie revelou que tomou três shots de tequila antes de filmar uma cena com Leonardo DiCaprio em The Wolf of Wall Street.
Há também exemplos de actores que escolhem beber álcool real para o bem da autenticidade. Ralph Fiennes, por exemplo, bebeu durante as filmagens de Schindler’s List, para mergulhar mais profundamente no seu papel. E há ainda os que adotam a abordagem de method acting, como Nicolas Cage em Leaving Las Vegas, onde o actor, que interpretava um alcoólico, bebeu de verdade para representar o seu papel.
No entanto, estes casos são raros e, geralmente, limitados a actores de grande renome, cuja presença é indispensável para a produção. Se um actor muito famoso decide beber, muitas vezes a produção tem de acomodar essa decisão, pois o filme não pode continuar sem ele. Contudo, é improvável que um actor se comporte desta forma num set dirigido por um realizador de renome, como Steven Spielberg ou Christopher Nolan, onde o profissionalismo é essencial.
As Implicações Legais e Contratuais
Para actores com antecedentes de alcoolismo, como foi o caso de Robert Downey Jr., há implicações contratuais severas. Quando RDJ estava a tentar recuperar a sua carreira após a sobriedade, as seguradoras recusavam-se a cobrir as suas participações em filmes, temendo uma recaída. Foi apenas graças a Mel Gibson, que pagou a caução de seguro de RDJ, que o actor conseguiu voltar ao trabalho.
Em situações como esta, os actores muitas vezes são obrigados a assinar contratos que proíbem explicitamente o consumo de álcool no set. Se estes contratos forem violados, as penalidades podem incluir a perda de salário, rescisão de contrato, ou até processos judiciais.
No mundo do cinema, beber álcool real durante as filmagens é, na maioria das vezes, desencorajado e até proibido, tanto por razões de profissionalismo como por questões legais. Embora haja excepções, estas costumam envolver actores de grande renome, que conseguem negociar certas liberdades no set. Para a maioria, contudo, o álcool é substituído por alternativas seguras, garantindo que as filmagens ocorram sem complicações.
Quase cinco anos depois do lançamento do aclamado “Joker”, realizado por Todd Phillips, os fãs estavam ansiosos por uma sequela que prometia ser tão impactante quanto o original. Com um orçamento elevado, um elenco de estrelas incluindo Joaquin Phoenix e Lady Gaga, e uma expectativa global, o filme parecia destinado ao sucesso. No entanto, a estreia de “Joker: Folie À Deux” revelou-se uma decepção, com reações mornas e números de bilheteira abaixo do esperado.
O que correu mal com esta produção tão aguardada? Um relatório recente do insider de Hollywood, Matthew Belloni, revela os vários fatores que contribuíram para o fracasso deste filme que, segundo muitos, parecia à prova de falhas.
Uma das principais razões apontadas para o fracasso de “Joker 2” foi, ironicamente, o sucesso esmagador do primeiro filme. O sucesso financeiro de “Joker”, que arrecadou mais de mil milhões de dólares em todo o mundo, levou a Warner Bros. a dar a Todd Phillips uma liberdade criativa quase total. Essa confiança manifestou-se num orçamento inflacionado que atingiu cerca de 200 milhões de dólares, dos quais mais de 50 milhões foram usados apenas para pagar os salários de Phoenix, Lady Gaga e Phillips.
Outro fator que aumentou os custos foi a decisão de filmar em Los Angeles em vez de Londres, onde o primeiro filme foi gravado, resultando numa despesa adicional de 30 milhões de dólares. Dada a natureza do filme, com a maior parte das cenas a ocorrer em interiores escuros de um asilo mental, muitos questionam para onde foi todo esse dinheiro.
Falta de Testes e uma Estratégia de Marketing Falhada
Outro erro grave foi a falta de sessões de teste. O estúdio optou por não exibir o filme a audiências-teste, uma prática comum em Hollywood que permite ajustar o filme com base nas reações iniciais do público. Essa decisão foi um dos principais fatores que dificultou a criação de uma campanha de marketing eficaz. Muitos fãs não estavam cientes de que a sequela seria um musical, o que pode ter alienado uma parte significativa do público.
A decisão de estrear o filme no Festival de Veneza, um evento mais associado a cinema de arte do que a blockbusters, também não ajudou. A receção morna no festival deu o tom para o lançamento global, com críticos e espectadores a expressarem desapontamento.
Uma Visão Demasiado Experimental?
A liberdade criativa concedida a Todd Phillips também foi vista como um dos fatores que contribuíram para o fracasso do filme. O realizador decidiu criar uma versão ousada e inesperada de uma sequela, incluindo poucos momentos de destaque para Lady Gaga e terminando com um final divisivo que pareceu encerrar qualquer possibilidade de continuidade da franquia. A sua abordagem experimental, sem grandes concessões ao que o público esperava, fez com que o filme não fosse bem recebido tanto pelos críticos quanto pelos fãs.
Com o fracasso de “Joker: Folie À Deux”, o futuro da franquia está agora em dúvida. A combinação de um orçamento inflacionado, uma visão criativa arriscada e a falta de conexão com o público resultou num dos maiores desastres cinematográficos do ano. Ainda assim, o impacto de “Joker” no mundo do cinema é inegável, e apenas o tempo dirá se esta sequela será redimida de alguma forma.
E tu, o que achaste de “Joker: Folie À Deux”? Partilha a tua opinião sobre o filme e o seu impacto na franquia “Joker”.
No competitivo mundo de Hollywood, onde os egos são grandes e as rivalidades podem ser ferozes, poucos atores têm uma reputação tão controversa quanto Tommy Lee Jones. Apesar de ser um talentoso ator, vencedor de um Óscar, a sua atitude no set de filmagens e o seu comportamento para com os colegas de trabalho foram frequentemente alvo de críticas. Alguns até o consideram um dos atores mais difíceis de lidar na indústria cinematográfica atual.
A má reputação de Tommy Lee Jones não é apenas boato. Vários atores e realizadores que trabalharam com ele ao longo dos anos deram testemunhos sobre o seu comportamento. Um dos relatos mais notáveis vem de Josh Brolin, que atuou ao lado de Jones no filme “No Country for Old Men”. Durante uma entrevista à Entertainment Weekly, Brolin descreveu a experiência de estar num set com Jones como “incrivelmente pesada”. Ele mencionou que Jones conseguia criar uma atmosfera de tensão constante no set, o que deixava a equipa desconfortável. Apesar de Brolin ter crescido com “cowboys carrancudos” e não se sentir afetado, ele reconheceu que para muitas pessoas o comportamento de Jones era avassalador(Every Martin Scorsese C…).
O Conflito com Jim Carrey
O exemplo mais famoso, e talvez o mais chocante, de um desentendimento entre Tommy Lee Jones e um colega de trabalho vem de Jim Carrey, com quem Jones contracenou no filme “Batman Forever”. Durante uma entrevista com Norm MacDonald em 2017, Carrey contou uma história que se tornou viral entre os fãs de cinema. Segundo Carrey, antes de gravarem uma cena juntos, ele decidiu cumprimentar Jones num restaurante, onde o encontrou a jantar sozinho. Quando se aproximou, Jones levantou-se, pálido, e disse a Carrey num sussurro: “Eu odeio-te. Não suporto o teu comportamento”. Carrey ficou perplexo e tentou entender o motivo, ao que Jones respondeu: “Eu não posso validar as tuas palhaçadas”(Every Martin Scorsese C…).
Esse conflito foi difícil para Carrey, que admitiu ter se sentido desconfortável ao filmar com Jones após o episódio. A razão para esta animosidade, segundo Carrey, poderia ter sido o sucesso estrondoso que ele estava a ter na altura com filmes como “Dumb and Dumber”, o que talvez tenha causado ciúmes e insegurança por parte de Tommy Lee Jones.
Reflexões sobre a Reputação de Jones
O caso de Tommy Lee Jones é um exemplo interessante de como a personalidade de um ator pode influenciar a perceção pública e a sua reputação na indústria. Enquanto a maioria dos atores evita criticar publicamente os seus colegas, Jones tornou-se uma exceção, com vários relatos a reforçar a ideia de que ele é difícil de trabalhar. Ainda assim, o seu talento indiscutível continua a garantir-lhe papéis de destaque em Hollywood, mas a sua atitude fora das câmaras pode ter manchado a sua imagem ao longo dos anos.
ver também:
E vocês, o que pensam sobre esta história? Acham que o comportamento de Tommy Lee Jones influencia a forma como vemos os seus filmes? Deixem as vossas opiniões nos comentários!
A carreira de Henry Cavill é marcada por papéis icónicos como Superman no Universo DC e Geralt de Rivia na série The Witcher. No entanto, foi a sua decisão de abandonar a série da Netflix que conquistou o respeito de muitos fãs, devido aos princípios que guiavam a sua atuação como Geralt.
Cavill, um fã confesso dos livros de Andrzej Sapkowski e da franquia de videojogos baseada na saga The Witcher, foi incansável na sua busca pelo papel de Geralt, mostrando a sua paixão genuína pelo material de origem. Ele acreditava que o personagem merecia ser interpretado com a profundidade e respeito que a narrativa original oferece, algo que foi visível desde a primeira temporada da série. No entanto, por trás do sucesso inicial, começaram a surgir problemas que levariam à sua saída.
Conforme a produção avançava, Cavill começou a perceber que os escritores da série estavam a desviar-se significativamente da história original de Sapkowski. Relatos indicam que muitos dos argumentistas não eram fãs dos livros ou dos jogos e até ridicularizavam o material original. A narrativa da série passou a focar-se em enredos inventados e distorções das personagens, o que não agradou a Cavill, que constantemente lutava para que o show fosse fiel à obra literária.
A visão do ator chocou com a da equipa de escrita, que parecia mais preocupada com inclusões temáticas forçadas do que com a integridade da história. Um exemplo notório foi a alteração drástica na caracterização de Geralt, reduzindo-o a um personagem simplório e agressivo, afastando-se do complexo e introspectivo herói das páginas de Sapkowski.
Em última instância, Cavill tomou a difícil decisão de abandonar a série, recusando-se a fazer parte de um projeto que, segundo ele, não respeitava o legado que o inspirara a aceitar o papel. O que tornou a sua saída ainda mais admirável foi o facto de o ator estar a deixar para trás um contrato extremamente lucrativo, provando que, para ele, os princípios e o respeito pelo material de origem eram mais importantes do que um cheque generoso.
O impacto da sua saída foi tão grande que levou a uma série de acusações por parte da equipa de produção da Netflix, que chegou a acusá-lo de ser misógino. No entanto, essas alegações foram rapidamente refutadas pelas suas coestrelas, como Anya Chalotra (Yennefer) e Freya Allan (Ciri), que expressaram a sua tristeza pela saída de Cavill, destacando a sua ética profissional e respeito pelas colegas de trabalho.
Um Ator Fiel aos Seus Valores
A decisão de Cavill de abandonar The Witcher conquistou o respeito de muitos, especialmente num tempo em que, em Hollywood, são raros os casos em que os atores colocam os princípios acima do lucro. Ao contrário de muitos outros, Cavill mostrou que não estava disposto a sacrificar a integridade de uma personagem que amava por conveniências comerciais ou pressões externas.
Esta postura consolidou a sua reputação como um dos atores mais respeitados da sua geração, não apenas pelas suas interpretações no ecrã, mas também pela firmeza dos seus valores fora dele.
Eric Roberts, o ator de 68 anos, recentemente fez um pedido de desculpas público à sua irmã, a também atriz Julia Roberts. Este momento de reconciliação foi revelado no livro de memórias de Eric, intitulado “Runaway Train: Or The Story of My Life So Far”, onde o ator admite ter cometido erros no passado, especialmente em relação à forma como falava sobre a carreira da sua irmã.
A história de sucesso de Eric Roberts em Hollywood começou nos anos 80, quando alcançou algum reconhecimento e até uma nomeação para os Óscares com o filme “Comboio em Fuga”. No entanto, a sua carreira viria a ser ofuscada pelo estrondoso sucesso de Julia Roberts, que apenas alguns anos depois de seguir os passos do irmão, viria a ser nomeada para os Óscares com os filmes “Flores de Aço” e “Pretty Woman”. Esta rápida ascensão da irmã causou tensões entre os dois, agravadas pelos problemas de Eric com o álcool e as drogas.
Eric Roberts, em várias ocasiões, gabou-se publicamente de ser o responsável pelo sucesso de Julia. Agora, num gesto de humildade e arrependimento, admite que tais comentários foram infundados e injustos. No seu livro, o ator reflete sobre o seu comportamento passado, pedindo desculpa à sua irmã de forma pública: “Agora uma das coisas pelas quais gostaria de pedir desculpa neste livro é por ter dito publicamente mais do que uma vez: ‘Se não fosse eu, não haveria Julia Roberts’. Não só isso é lamentável, mas também não é verdade.”
Apesar do pedido de desculpas, Eric admite que continua a viver “de cheque em cheque” e que muitas vezes não pode recusar propostas de trabalho. Por outro lado, Julia Roberts, vencedora de um Óscar, é descrita pelo irmão como uma “mulher muito motivada”, que teria alcançado o estrelato independentemente da sua influência.
A relação entre os irmãos, que outrora foram inseparáveis, permanece tensa, com poucas aparições públicas juntos desde 1986. No entanto, este pedido de desculpas representa um esforço por parte de Eric para curar as feridas do passado e reconciliar-se com a sua irmã.
James McAvoy, o talentoso ator escocês, confirmou recentemente os rumores de que foi contratado à última da hora para substituir Joaquin Phoenix no filme Fragmentado, de M. Night Shyamalan. Esta revelação lançou luz sobre uma das questões mais debatidas nos bastidores de Hollywood, já que Phoenix abandonou o projeto semanas antes das filmagens começarem, obrigando a produção a encontrar rapidamente um substituto.
Em entrevista ao podcast “Happy Sad Confused”, McAvoy detalhou a pressão que sentiu ao ter apenas duas semanas para se preparar para um papel tão complexo como o de Kevin Wendell Crumb, uma personagem com transtorno dissociativo de identidade que abrigava 23 personalidades distintas. McAvoy destacou que o argumento bem escrito de Shyamalan foi fundamental para que ele conseguisse entender rapidamente as nuances de cada personalidade, especialmente as mais destacadas, como Patricia e Dennis.
O ator, conhecido por papéis como o Professor X na saga X-Men, elogiou Joaquin Phoenix e afirmou que, embora o seu tempo de preparação tenha sido curto, ele acredita que a sua versão de Kevin foi única. No entanto, não pôde deixar de reconhecer que a interpretação de Phoenix teria sido igualmente extraordinária, dada a qualidade do ator.
Este não é o único projeto que Phoenix abandonou inesperadamente. Recentemente, o ator também desistiu de um filme dirigido por Todd Haynes, a apenas cinco dias do início das filmagens, o que causou problemas de produção significativos. Segundo relatos, Phoenix tem mostrado um padrão de comportamento em que abandona projetos próximos do início das filmagens, algo que a imprensa de Hollywood tem acompanhado com atenção.
A 76ª edição dos Prémios Emmy ficará na história como uma das mais memoráveis dos últimos tempos, destacando produções inovadoras e consagrando novos talentos no panorama televisivo. Entre os grandes vencedores da noite, destacam-se as séries “Shogun”, “Baby Reindeer” e “Hacks”, que dominaram as principais categorias e marcaram a celebração com feitos históricos.
“Shogun”: O Encontro de Culturas e o Triunfo Internacional
“Shogun”, uma adaptação ficcional sobre o Japão do século XVI, emergiu como a grande vencedora da noite ao conquistar o prémio de Melhor Série Dramática, tornando-se a primeira produção de língua não inglesa a receber tal distinção. A série, produzida pela FX, levou para casa um total de 18 prémios, incluindo quatro das categorias mais prestigiadas: Melhor Série Dramática, Melhor Realização, Melhor Ator e Melhor Atriz. O elenco incluiu o ator português Joaquim de Almeida e o luso-canadiano Louis Ferreira, destacando a presença de talentos lusófonos num projeto que celebra o encontro entre culturas.
Hiroyuki Sanada, que brilhou como protagonista, recebeu o Emmy de Melhor Ator em Série Dramática, enquanto Anna Sawai venceu o prémio de Melhor Atriz pelo seu papel como Toda Mariko. Ambos os atores subiram ao palco com discursos emocionados, destacando o impacto cultural e humano da série. Sanada mencionou que “quando o Oriente e o Ocidente caminham juntos, podemos fazer milagres”, sublinhando a importância da colaboração global em produções de grande escala. A série, realizada por Frederick E.O. Toye, explorou a complexidade das relações entre diferentes culturas e conseguiu cativar o público e a crítica com a sua abordagem visual e narrativa.
“Baby Reindeer”: A Força de uma História Pessoal
Outra série que marcou a noite foi “Baby Reindeer”, uma produção da Netflix baseada na experiência pessoal do escritor e ator Richard Gadd. A série venceu o Emmy de Melhor Minissérie ou Série de Antologia e levou ainda mais três estatuetas, incluindo Melhor Escrita e Melhor Ator para Gadd. No seu discurso de aceitação, Gadd partilhou a sua jornada pessoal e destacou a importância de contar histórias autênticas e corajosas, encorajando os criadores a tomarem riscos e a explorarem temas desconfortáveis.
Jessica Gunning, coprotagonista de Gadd, também saiu vencedora ao receber o prémio de Melhor Atriz Secundária em Minissérie. A atriz mostrou-se emocionada e orgulhosa pela série, afirmando que a produção representa um marco na sua carreira e um tributo à dedicação de todo o elenco.
“Hacks” e “The Bear”: A Surpresa na Comédia
No campo da comédia, a vitória de “Hacks” sobre “The Bear” foi uma das grandes surpresas da noite. A série da HBO Max venceu o prémio de Melhor Série de Comédia, desbancando a produção da FX, que era a favorita à vitória. “Hacks” ainda consagrou Jean Smart como Melhor Atriz em Comédia e levou o prémio de Melhor Escrita para comédia, graças ao trabalho de Lucia Aniello, Paul W. Downs e Jen Statsky.
Por outro lado, “The Bear” não saiu de mãos vazias. A série arrebatou três prémios de representação: Jeremy Allen White foi consagrado Melhor Ator em Comédia, Ebon Moss-Bachrach venceu o Emmy de Melhor Ator Secundário, e Liza Colón-Zayas fez história ao tornar-se a primeira atriz latina a vencer o prémio de Melhor Atriz Secundária em Comédia. A realização de Christopher Storer também foi premiada, destacando a força da série em diversas categorias.
Outros Destaques e Vencedores
A noite dos Emmys também reconheceu o talento de outras produções de destaque. Elizabeth Debicki, por exemplo, conquistou o Emmy de Melhor Atriz Secundária em Série Dramática pela sua interpretação em “The Crown”, enquanto Billy Crudup foi distinguido como Melhor Ator Secundário em Série Dramática por “The Morning Show”. A minissérie “Ripley”, realizada por Steven Zaillian, também garantiu um prémio na categoria de Melhor Realização.
A escrita para série dramática ficou nas mãos de Will Smith (não o ator), que venceu pelo seu trabalho em “Slow Horses”, da Apple TV+. Já na categoria de talk shows e variedades, “Last Week Tonight With John Oliver” e “The Daily Show” mantiveram a sua hegemonia, saindo novamente vitoriosos.
Uma Noite de Consagração para a Televisão
A 76ª edição dos Prémios Emmy provou ser um marco na história da televisão, consagrando produções que desafiaram convenções e exploraram novos horizontes narrativos. “Shogun” destacou-se não apenas pelo seu valor artístico, mas também pelo simbolismo de uma vitória histórica para uma série de língua não inglesa. Já “Baby Reindeer” mostrou o poder transformador das histórias pessoais, enquanto “Hacks” e “The Bear” disputaram o título de melhor comédia numa noite repleta de surpresas e emoção.
Com a diversidade de histórias e talentos premiados, esta edição dos Emmys reafirma a capacidade da televisão em refletir as realidades complexas e a criatividade ilimitada de quem está por trás das câmaras. A televisão continua a ser uma plataforma essencial para a criação de narrativas poderosas e inclusivas, que cativam públicos em todo o mundo.
Ao longo das últimas duas décadas, os filmes de super-heróis tornaram-se uma presença dominante no cinema. Este género, que inicialmente atraía os fãs dos quadrinhos, rapidamente conquistou um vasto público, e alguns dos melhores exemplos de filmes de super-heróis, como Black Panther ou Vingadores: Endgame, quebraram recordes de bilheteira e receberam elogios da crítica. Contudo, nem todas as tentativas de levar super-heróis ao grande ecrã foram bem-sucedidas, e há verdadeiros desastres cinematográficos que merecem ser lembrados… pelas piores razões.
No clube de cinema, é importante não apenas celebrar os clássicos, mas também analisar os fracassos, porque muitas vezes estes contêm lições valiosas sobre o que não fazer numa produção cinematográfica. Abaixo, apresentamos os 10 piores filmes de super-heróis de todos os tempos, com base no artigo do Collider.
Este western de super-heróis, baseado na banda desenhada da DC Comics, tinha todos os ingredientes para ser bem-sucedido. Com um elenco de luxo, incluindo Josh Brolin, John Malkovich, e até Michael Fassbender, e uma premissa interessante que envolvia um caçador de recompensas atormentado com o poder de falar com os mortos, esperava-se algo memorável. Contudo, o resultado final foi um filme confuso, com uma narrativa errática e diálogos medíocres. Os realizadores não conseguiram decidir se queriam fazer um filme de comédia, ação, ou um drama sombrio, e o resultado foi um fracasso total.
2. Supergirl (1984)
Quando foi anunciado que o universo do Superman se iria expandir com a introdução da sua prima, Kara Zor-El, havia expectativas elevadas. No entanto, Supergirl falhou em quase todos os níveis. A história, que segue Kara na sua busca por um artefacto perdido, é recheada de clichés e subtramas irrelevantes. Embora Helen Slater tenha feito um esforço no papel principal, o argumento fraco e os efeitos especiais pobres condenaram o filme ao fracasso. A personagem, tão rica nos quadrinhos, merecia muito mais, algo que os fãs ainda esperam ver numa adaptação futura.
3. The Spirit (2008)
Baseado na famosa banda desenhada de Will Eisner, The Spirit foi um desastre visual e narrativo. Com Frank Miller no leme, conhecido pelo seu trabalho estilizado em Sin City, o filme apostou fortemente no estilo noir, mas esqueceu-se de um enredo coerente e personagens cativantes. Gabriel Macht fez o seu melhor para dar vida ao personagem principal, mas foi impedido por um argumento incoerente e cenas de ação desinspiradas. No geral, o filme foi uma tentativa frustrada de misturar humor e ação num contexto de banda desenhada.
4. Ghost Rider: Spirit of Vengeance (2011)
Com Nicolas Cage no papel do motoqueiro fantasma, esperava-se que a continuação de Ghost Rider trouxesse mais ação e espetáculo. Contudo, o resultado foi um filme que parecia mais uma sequência de videojogos do que uma narrativa cinematográfica. A trama, que envolve Johnny Blaze a tentar salvar um jovem de ser possuído pelo diabo, foi criticada pela falta de lógica e pela dependência em CGI de baixa qualidade. O filme até teve algum sucesso de bilheteira, mas foi amplamente desprezado pela crítica e pelos fãs.
5. Fant4stic (2015)
O reboot do Quarteto Fantástico foi uma das maiores desilusões dos últimos anos. Apesar de ter um elenco promissor, incluindo Miles Teller e Michael B. Jordan, o filme falhou em capturar a essência divertida e dinâmica dos quadrinhos. Em vez de focar nas interações carismáticas entre os personagens, o filme enveredou por uma abordagem séria e aborrecida, onde a maior parte da ação envolve os heróis a construir máquinas e a lidar com problemas científicos. Para piorar, o vilão, Doutor Destino, foi reduzido a uma caricatura sem profundidade.
Este filme infame, dirigido por Joel Schumacher, é lembrado pelos seus excessos visuais e diálogos absurdos. Com George Clooney no papel de Batman e Arnold Schwarzenegger como Mr. Freeze, Batman & Robin é um exemplo de como o excesso de estilo pode destruir um filme. Desde os fatos com mamilos até às one-liners ridículas, o filme tornou-se rapidamente uma piada. Curiosamente, foi tão mau que acabou por influenciar a indústria, levando a uma abordagem mais séria aos filmes de super-heróis nos anos seguintes.
7. Superman IV: The Quest for Peace (1987)
Depois de dois sucessos com Superman, esta quarta entrada na saga de Christopher Reeve foi uma verdadeira desgraça. Tentando capitalizar o debate sobre desarmamento nuclear, o filme traz um enredo inverosímil e cenas de ação sem brilho. Até os atores pareciam desmotivados, o que fez com que este filme fosse considerado um dos piores do género.
8. Catwoman (2004)
Esta adaptação, com Halle Berry no papel principal, desviou-se radicalmente da fonte original dos quadrinhos, e os fãs notaram. O enredo, que gira em torno de uma funcionária de uma empresa de cosméticos que ganha poderes felinos, foi amplamente ridicularizado por ser absurdo. A atuação de Berry, embora elogiada, não foi suficiente para salvar o filme de se tornar num verdadeiro desastre cinematográfico.
9. Son of the Mask (2005)
Se The Mask de 1994 foi um sucesso, a sua sequela, Son of the Mask, foi o oposto. Sem Jim Carrey no papel principal, o filme perdeu o charme e a energia do original. As tentativas de humor falharam miseravelmente, resultando num filme que não agradou a adultos nem a crianças.
10. Steel (1997)
Steel, protagonizado pelo famoso jogador de basquetebol Shaquille O’Neal, é um dos filmes de super-heróis mais esquecíveis de sempre. A história, sobre um engenheiro que se transforma num herói para combater o crime, foi ridicularizada pela sua falta de originalidade e pelos fracos efeitos especiais. O filme também falhou nas bilheteiras, arrecadando apenas uma pequena fração do seu orçamento.
Reflexão para o Clube de Cinema
Estes exemplos demonstram que, mesmo com bons atores ou fontes inspiradoras, um filme de super-heróis pode falhar se o argumento e a execução não estiverem à altura. No clube de cinema, discutir estes filmes permite-nos compreender os desafios de adaptar quadrinhos para o cinema e as decisões criativas que podem transformar um projeto promissor num fracasso.
