Entre atrasos, mudanças criativas e promessas de excelência, a actriz garante que o projecto “vai valer a pena esperar” 🧛♂️
O filme Blade do Universo Cinematográfico da Marvel tem sido uma verdadeira odisseia. Desde que Kevin Feige o anunciou no Comic-Con de San Diego em 2019 — com Mahershala Ali no papel principal — o projecto tem enfrentado uma sucessão de obstáculos: trocas de realizadores, reescritas de argumento e os inevitáveis atrasos causados pelas greves de Hollywood em 2023.
Entre as poucas certezas, há uma que se mantém firme: Mia Goth continua no elenco. A actriz britânica, actualmente a filmar o Frankenstein de Guillermo del Toro, confirmou à revista Elle que ainda está oficialmente ligada ao filme da Marvel. Segundo o site Deadline, Goth deverá interpretar Lilith, uma vilã que tenta roubar o sangue da filha de Blade — um papel que promete adicionar uma boa dose de terror gótico ao universo Marvel.
Sobre o estado actual da produção, a actriz admitiu não ter novidades sobre o início das filmagens, mas acredita que a demora pode ser benéfica:
“É para melhor que tenha demorado o tempo que demorou. Eles querem fazer tudo da forma certa”, afirmou Mia Goth.
Esta não é a primeira vez que a actriz demonstra confiança na equipa criativa. Já em 2024, Mia dizia sentir que todos os envolvidos “se importam mesmo com o projecto” e que o objectivo é claro: fazer um grande filme.
Apesar do optimismo, Blade continua sem data de estreia. A última previsão apontava para Novembro de 2025, mas o título acabou por ser retirado do calendário oficial da Marvel em Outubro de 2024.
Curiosamente, uma versão alternativa do caçador de vampiros regressou recentemente no universo animado Marvel Zombies, combinando Blade com Moon Knight — desta vez com a voz de Todd Williams em vez de Mahershala Ali.
Para já, os fãs terão de aguardar mais um pouco… mas se Mia Goth estiver certa, talvez a paciência venha a ser recompensada com um dos regressos mais aguardados do cinema de super-heróis.
Há algo de profundamente simbólico em ver Guillermo del Toro a recriar Frankenstein. Afinal, poucas histórias refletem tão bem a essência da arte de fazer cinema: um conjunto de partes distintas — cenários, luz, som, guarda-roupa, interpretação — unidas para criar algo vivo. E é precisamente isso que o realizador mexicano quis fazer com a sua adaptação épica do romance de Mary Shelley: um filme artesanal, feito à mão, como nos velhos tempos de Hollywood.
A primeira a sentir o impacto foi Tamara Deverell, a diretora de arte. Quando entrou no gigantesco laboratório de Victor Frankenstein — construído num torreão de pedra escocês com uma imponente janela circular — não conseguiu conter o entusiasmo: “Entrei no set e disse… ‘Está vivo!’”.
O laboratório, centro nevrálgico da história, é uma mistura entre gótico e grandioso, com maquinaria detalhada, instrumentos científicos e uma atmosfera que parece pulsar com energia própria. É, nas palavras de Deverell, “um palco de alquimia e loucura criativa” — e o coração físico do filme.
O cinema como um corpo costurado
Guillermo del Toro quis que Frankenstein fosse um “filme feito à mão em escala épica”. Cada detalhe, desde o figurino de Kate Hawley até à luz filtrada pelas janelas trabalhada pelo diretor de fotografia Dan Laustsen, foi pensado em harmonia.
“É um trabalho de sincronia absoluta”, explica del Toro. “Um guarda-roupa pode ser magnífico, mas se não conversar com a luz, não funciona. Tudo precisa de respirar em conjunto.”
A criatura — interpretada por Jacob Elordi — nasceu das mãos do designer Mike Hill, colaborador habitual do realizador. Hill recusou a ideia clássica do monstro remendado e mecânico: “Não queríamos parafusos, nem metal, nem horror explícito. Este é um ser recém-nascido, feito de carne, vulnerável, quase humano. A alma está nos olhos.”
Um monstruoso trabalho de equipa
O guarda-roupa da criatura foi, literalmente, uma produção à parte. Hawley e a sua equipa criaram várias camadas de roupa e ligaduras que evoluem ao longo do filme, refletindo a transformação do monstro — e a passagem por lama, neve, fogo e sangue. “O trabalho tornou-se um monstro em si mesmo”, brinca a figurinista.
Del Toro pediu-lhe que fugisse do estilo de época convencional: “A primeira coisa que me disse foi: ‘Não quero chapéus de época, nem formalismos. Quero algo vivo’.”
Entre tons ricos e texturas orgânicas, o filme recorre aos vermelhos e verdes intensos característicos do realizador, mas também a um azul profundo que domina o vestido de Mia Goth, peça que levou quatro meses a ser aperfeiçoada. “Tudo era uma questão de alquimia entre cor, tecido e luz”, recorda Hawley.
A luz e as trevas
Dan Laustsen, colaborador de longa data de del Toro desde Mimic (1997), voltou a apostar em luz natural e contrastes intensos. Muitas cenas foram iluminadas apenas com velas, criando uma atmosfera densa e intimista.
“Não temos medo da escuridão”, diz Laustsen com orgulho. “A luz tem de ter carácter.”
O resultado são imagens carregadas de névoa, fumo e sombra — uma estética que evoca tanto Crimson Peak como o cinema clássico de terror dos anos 30. Del Toro e Laustsen têm uma sintonia tal que já comunicam por instinto, mesmo quando discutem se o plano deve ser filmado da esquerda ou da direita.
Música de alma e faísca
A trilha sonora de Alexandre Desplat, colaborador de del Toro em A Forma da Água e Pinóquio, completa o corpo do filme. O compositor descreve esta nova parceria como “o terceiro capítulo de uma trilogia emocional”.
“Procurei dar voz à alma silenciosa da criatura”, explica. O resultado é uma partitura que alterna entre grandiosidade e delicadeza, com solos de violino interpretados pela norueguesa Eldbjørg Hemsing.
Na cena em que Victor cria o monstro, Desplat optou por algo inesperado: uma valsa. “Del Toro queria que víssemos aquele momento não como terror, mas como êxtase criativo. Ele está em transe, como um pintor obcecado.”
O renascimento de um clássico
Com estreia marcada para os cinemas e estreia em streaming a 7 de Novembro na Netflix, Frankenstein promete ser uma celebração do cinema feito com alma — e do poder do trabalho coletivo.
Cada detalhe, cada centelha, cada peça costurada reflete o que del Toro sempre procurou: humanidade no meio do horror.
Quase trinta anos depois da estreia de Batman & Robin, os protagonistas Alicia Silverstone e Chris O’Donnell olham para o desastre com uma serenidade desarmante — e até com algum carinho. O filme, lançado em 1997 e realizado pelo falecido Joel Schumacher, tornou-se um caso de estudo em Hollywood: como transformar o super-herói mais sombrio da BD numa comédia involuntária de luzes de néon e trocadilhos gelados.
A produção reunia um elenco de luxo: George Clooney como Batman, Chris O’Donnell como Robin, Alicia Silverstonecomo Batgirl, Uma Thurman como Poison Ivy e Arnold Schwarzenegger como Mr. Freeze — todos mergulhados num universo de cor, exagero e… mamilos esculpidos no fato.
O resultado? Um naufrágio crítico e comercial. O humor forçado, os efeitos visuais artificiais e a estética barroca transformaram o filme num símbolo involuntário do “kitsch” cinematográfico dos anos 90. Ainda assim, com o passar do tempo, Batman & Robin acabou por ganhar um estatuto de culto — e uma legião de fãs que o vêem como uma delícia “camp” que nunca se levou demasiado a sério.
“Havia tanto ódio em relação ao filme…”
Em entrevista recente à Entertainment Weekly, Chris O’Donnell recordou os dias difíceis que se seguiram à estreia.
“De repente, começámos a perceber o feedback e tudo estava a descarrilar”, contou. “Havia tanto ódio em relação ao filme… Lembro-me de Joel Schumacher levantar a bandeira branca e dizer: ‘Acabou. Não consigo mais’. Ele ficou mesmo devastado.”
Hoje, O’Donnell encara a experiência com leveza: “Foi duro na altura, mas foi divertido. Tivemos sorte em fazer parte de algo tão grande. Uns filmes resultam, outros não — é o jogo.”
A redenção da Batgirl
Para Alicia Silverstone, que foi alvo de críticas particularmente cruéis na época — incluindo a conquista do Razzie de Pior Atriz Secundária — o tempo trouxe justiça e até algum amor retroativo.
“A Batgirl teve uma espécie de renascimento”, diz a atriz. “Na altura, as pessoas não gostaram, mas agora muitos dizem que é o seu filme preferido. Pelo menos todos os meus amigos gays — é muito camp!”
A declaração é coerente com o tom que Batman & Robin acabou por assumir na cultura pop: um espetáculo de excessos visuais, humor involuntário e estética queer avant la lettre.
Um legado congelado — mas eterno
Mesmo Uma Thurman, que deu vida à venenosa Poison Ivy, defendeu o filme: “Foi o único que realmente foi feito para crianças”, disse a atriz no ano passado. Uma afirmação curiosa, tendo em conta o infame detalhe anatómico do uniforme do Cavaleiro das Trevas — um pormenor que o próprio George Clooney comentou, entre risos, em 2014: “Não fiquei exatamente entusiasmado com os mamilos no Batsuit… Batman devia estar sempre com frio, imagino.”
O fracasso do filme levou a Warner Bros. a colocar o herói em pausa durante quase uma década. Só em 2005, com Batman Begins de Christopher Nolan, o Cavaleiro das Trevas recuperou o prestígio, inaugurando uma nova era sombria e realista com Christian Bale no papel principal.
Desde então, Ben Affleck e Robert Pattinson voltaram a reinventar o mito, e o futuro do herói já tem novos capítulos anunciados: The Batman – Part II (estreia prevista para 1 de Outubro de 2027) e The Brave and the Bold, que marcará o início do novo DCU de James Gunn.
Entre o gótico, o pop e o absurdo, Batman & Robin sobrevive como uma relíquia extravagante — o filme que quase matou o herói, mas que hoje nos faz sorrir precisamente por isso.
O lendário ator Tim Curry, eterno Dr. Frank-N-Furter de The Rocky Horror Picture Show, revelou no seu novo livro de memórias, Vagabond, que só está vivo graças à coragem — e teimosia — do seu massagista.
O intérprete britânico, hoje com 79 anos, sofreu um AVC grave em 2012, na sua casa na Califórnia. O episódio deixou-o parcialmente paralisado do lado esquerdo e com a fala afetada. Segundo o próprio, tudo aconteceu durante uma sessão de massagem que parecia, até então, absolutamente normal.
“Achei que ele estava a exagerar”
Curry recorda que não sentiu dor, tontura ou qualquer sinal de alarme. “Não me senti estranho, nem percebi que algo estava errado”, escreve. “Achei que estava tudo bem.”
Foi o massagista quem notou alterações subtis no corpo do ator e decidiu agir por instinto. Quando anunciou que ia chamar uma ambulância, Curry tentou impedi-lo. “Disse-lhe que estava a exagerar”, admite. “Provavelmente devo-lhe a vida por ele não me ter ouvido.”
Pouco depois, o ator foi levado para o hospital, onde os médicos confirmaram o pior: tinha sofrido um acidente vascular cerebral que exigia uma craniectomia — uma cirurgia de emergência para aliviar a pressão no cérebro.
“Só depois da operação me explicaram o que tinha acontecido. O sangue deixou de circular normalmente, dois coágulos tiveram de ser removidos. Percebi então o quão improvável era eu estar vivo”, confessa.
A dura recuperação e o regresso pela voz
O AVC deixou marcas permanentes. “Foi um AVC paralisante, por isso ainda hoje tenho limitações físicas. Mas estou muito grato por não ter sido um AVC da fala. Se tivesse perdido a capacidade de falar, teria sido devastador.”
Durante várias semanas após a cirurgia, Curry não conseguiu pronunciar uma única palavra. “Foi um inferno”, descreve. “Mas disseram-me que a linguagem voltaria com o tempo — e tinham razão.”
Desde então, o ator passou a dedicar-se sobretudo ao dobramento de voz, onde continua a brilhar. Emprestou a sua inconfundível dicção britânica a personagens como o Imperador Palpatine em Star Wars: The Clone Wars e a Terrence, o tucano falante, no filme de animação Ribbit.
Um ícone que nunca perdeu o humor
Apesar das sequelas, Tim Curry mantém o espírito irreverente que o tornou num ícone do cinema. Numa rara aparição pública, durante a celebração dos 50 anos de The Rocky Horror Picture Show, o ator comentou, com o sorriso que os fãs bem conhecem:
“Já não consigo andar, por isso estou nesta cadeira tola. É limitador, claro. Mas continuo cá — só não me verão a dançar muito em breve.”
Curry, que interpretou o papel de Frank-N-Furter no teatro antes de o eternizar no filme de 1975, nunca renegou o fenómeno que o tornou famoso. “Olho para The Rocky Horror com uma espécie de tolerância divertida”, disse à Los Angeles Magazine. “Nem uma bênção, nem uma maldição. Tive sorte em tê-lo.”
Um sobrevivente com alma de artista
Hoje, mais de uma década após o AVC, Tim Curry vive longe dos holofotes, mas o seu legado continua intacto — de Annie a Sozinho em Casa 2, de Charlie’s Angels a It, onde aterrorizou gerações como o palhaço Pennywise.
Com Vagabond, o ator reflete sobre uma vida de excessos, talento e reinvenção — e sobre o milagre improvável que o manteve entre nós.
“Se aprendi alguma coisa”, escreve, “é que às vezes a vida depende de alguém que decide não fazer o que lhe pedimos. Felizmente, o meu massagista era uma dessas pessoas.”
E se, em vez de uma bola chamada Wilson, ficasse preso numa ilha deserta com o colega de trabalho que mais detesta?
É esse o ponto de partida de Send Help, o novo thriller psicológico com humor negro realizado por Sam Raimi, que junta Rachel McAdams e Dylan O’Brien num cenário onde a sobrevivência é tão difícil quanto a convivência.
O filme acompanha Linda Liddle (McAdams) e Bradley Preston (O’Brien), dois colegas de uma empresa de consultoria que sobrevivem a um desastre de avião durante uma viagem de negócios. Isolados numa ilha deserta, os dois são obrigados a cooperar para sobreviver — o que não é fácil, já que se detestam profundamente.
Mas à medida que os dias passam, o que começa como uma luta pela sobrevivência transforma-se num jogo psicológico perverso, onde a tensão e o ressentimento se misturam com dependência e poder.
Nas primeiras imagens divulgadas, vê-se McAdams — suada, determinada, de lança improvisada na mão — e um O’Brien ferido, a ser alimentado com água de coco pela colega que tanto o despreza. Raimi descreve essa sequência como “o início da transformação da personagem de Rachel, quando começa a testar os seus instintos de sobrevivência”.
Sam Raimi promete um duelo de inteligência (e de egos)
O realizador de Evil Dead e Spider-Man afirma que o que mais o atraiu no guião foi “a complexidade da relação entre duas pessoas obrigadas a cooperar num ambiente extremo”.
“O argumento era original, intenso e cheio de reviravoltas emocionais. Sabia que queria filmá-lo logo depois de o ler”, revelou Raimi à Entertainment Weekly.
O cineasta destaca ainda o carácter transformador da história: Send Help é, nas suas palavras, “um conto de empoderamento feminino e inversão de papéis”. Linda, a funcionária subestimada da empresa, vê-se forçada a liderar — enquanto o seu chefe arrogante se torna totalmente dependente dela.
“Ver um homem poderoso perceber que precisa da mulher que sempre ignorou é, de certa forma, profundamente satisfatório”, diz Raimi. “É uma história universal sobre respeito, resiliência e mudança.”
Um elenco de luxo para um pesadelo tropical
Produzido por Raimi e Zainab Azizi, o filme conta ainda com argumento de Damian Shannon e Mark Swift, os mesmos de Freddy vs. Jason e Baywatch. A dupla promete equilibrar o terror psicológico com toques de humor negro — uma assinatura que já é quase marca de Raimi.
As primeiras imagens mostram um contraste entre o absurdo e a tensão: entre o desespero da sobrevivência e a ironia de ver dois colegas presos no inferno tropical das suas próprias personalidades.
A Netflix voltou a mergulhar no universo de Roald Dahl — e, desta vez, o mergulho veio com lama. The Twits, a nova adaptação animada do clássico infantil, chegou à plataforma envolta em curiosidade e polémica. O filme, realizado por Phil Johnston (Zootopia, Wreck-It Ralph), promete reintroduzir às novas gerações um dos livros mais bizarros e grotescos do autor britânico. Mas o resultado tem deixado o público dividido entre o espanto e a perplexidade.
O livro original de 1980 contava a história de um casal repulsivo, o Sr. e a Sra. Twit — dois seres desagradáveis, malcheirosos e desprovidos de empatia — que se divertiam a torturar animais e a fazer partidas um ao outro. Dahl criou-os como um exercício de repulsa, quase um manifesto contra a fealdade moral e física. No entanto, a nova versão da Netflix opta por atualizar o contexto: os Twits continuam asquerosos, mas agora vivem numa cidade moderna e planeiam abrir um parque de diversões insalubre, repleto de colchões sujos e infrações sanitárias.
O que poderia ser uma comédia de mau gosto tornou-se, curiosamente, uma alegoria política. Vários críticos têm sublinhado que o filme acaba por refletir sobre o populismo contemporâneo, com os Twits a convencerem os cidadãos de uma cidade decadente a apoiar o seu projeto “para devolver a glória perdida”. A metáfora é difícil de ignorar — e muitos observadores aplaudem a ousadia de introduzir, num filme infantil, uma reflexão tão clara sobre manipulação e poder.
Ainda assim, há quem veja aqui o ponto fraco da adaptação. Para alguns críticos, a tentativa de transformar um conto grotesco numa fábula moral sobre o estado do mundo acaba por diluir o humor negro e a crueldade absurda que sempre caracterizaram o espírito de Dahl. O The Guardian descreveu o resultado como “americanizado e grotesco nos momentos errados”, enquanto o The Times acusou a Netflix de “domesticar” a irreverência do autor britânico.
Nem tudo, porém, são espinhos. O elenco vocal tem recebido elogios generalizados — com Margo Martindale e Johnny Vegas a darem vida (e uma boa dose de viscosidade cómica) ao casal Twit. Natalie Portman e Timothy Simonsemprestam vozes aos carismáticos macacos Muggle-Wumps, as verdadeiras vítimas da história, e há ainda um cameo divertido do próprio realizador. Mesmo as canções originais, compostas por David Byrne, embora pouco memoráveis segundo a crítica, conferem ao filme um tom excêntrico e algo experimental.
Visualmente, a animação tem dividido opiniões. Alguns apreciam o aspeto deliberadamente “sujo” e pouco polido, que mantém o espírito anárquico do texto, enquanto outros consideram o resultado abaixo dos padrões técnicos de estúdios como a Disney ou a DreamWorks. Ainda assim, há quem veja nessa imperfeição uma escolha estética consciente — um reflexo do mundo grotesco dos Twits.
No final, The Twits é um filme que não passa despercebido. Há quem o acuse de perder o encanto do original e quem o celebre como a adaptação mais ousada de Dahl até hoje. Talvez o seu maior mérito seja esse: conseguir provocar reações tão intensas — entre o riso, o desconforto e a reflexão política — num público que esperava apenas uma comédia animada.
Afinal, num mundo em que tantas histórias são polidas até à exaustão, talvez seja refrescante ver uma que ainda se atreve a ser… desagradável.
A Apple TV+ continua a reforçar o seu catálogo de filmes originais e a aposta para este outono promete muita ação, gargalhadas e espírito natalício.
Mark Wahlberg regressa em The Family Plan 2, a sequela do filme que em 2023 se tornou um dos maiores sucessos da plataforma — e que agora ganha nova vida… com um vilão inesperado: Kit Harington, o eterno Jon Snow de Game of Thrones.
Na primeira parte, Wahlberg interpretava um ex-agente secreto que tentava viver uma vida normal com a família — até que o passado bateu à porta.
Em The Family Plan 2, o “pai mais perigoso do mundo” volta à ação durante umas férias na Europa que, claro, correm espetacularmente mal.
O novo trailer mostra uma mistura entre comédia familiar e filme de espionagem, com cenários europeus, perseguições de carro e um humor que aposta tanto na confusão como no caos.
Um sucesso improvável — e uma segunda oportunidade
O primeiro The Family Plan não convenceu a crítica (ficou pelos 29% no Rotten Tomatoes), mas o público discordou: com uma pontuação de 60% e um volume de visualizações recorde, tornou-se o filme mais visto da história da Apple TV+ na altura da sua estreia.
Agora, com a plataforma a contar com muito mais subscritores e uma estratégia global mais agressiva, tudo indica que esta sequela poderá superar o original.
O regresso de Wahlberg e a estreia de Kit Harington como vilão
Mark Wahlberg volta a combinar humor físico e ação frenética no papel que muitos descrevem como “Jason Bourne em modo pai de família”.
Já Kit Harington surge numa faceta totalmente nova: um vilão carismático e sofisticado, mais próximo de James Bond do que de Winterfell.
O filme aposta numa mistura irresistível de ritmo acelerado, humor leve e ambiente natalício — ingredientes perfeitos para uma estreia de novembro.
The Family Plan 2 chega à Apple TV+ a 21 de novembro, precisamente uma semana antes do Dia de Ação de Graças nos Estados Unidos, época em que as famílias se reúnem — e em que Wahlberg promete provar que a sua ainda é a mais desastradamente perigosa de todas.
O actor colidiu com uma árvore enquanto conduzia o seu Range Rover em Nova Iorque; o irmão Stephen Baldwin também seguia no veículo
Alec Baldwin sofreu um acidente de viação nos Hamptons, em Nova Iorque, na passada segunda-feira, quando o Range Rover que conduzia colidiu frontalmente com uma árvore, segundo avançou o Page Six.
De acordo com a mesma publicação, Stephen Baldwin, irmão do actor, também se encontrava no carro no momento do embate. As fotografias divulgadas pelo Page Six e pelo TMZ mostram ambos aparentemente sem ferimentos.
O impacto foi forte o suficiente para deixar o capot do Range Rover branco completamente danificado, com a frente do veículo praticamente destruída — ao ponto de parecer irrecuperável. Apesar disso, Alec e Stephen Baldwin saíram ilesos e não necessitaram de assistência médica no local.
Segundo testemunhas, o actor falou calmamente com a polícia logo após o acidente. Baldwin encontrava-se nos Hamptons para participar no Hamptons International Film Festival, que decorre até 15 de Outubro.
Um susto num ano já atribulado
Com 66 anos, Alec Baldwin tem vivido um período intenso da sua carreira e vida pessoal. O actor continua envolvido nos processos judiciais relacionados com o filme Rust, após o trágico incidente de 2021 que vitimou a directora de fotografia Halyna Hutchins.
No entanto, as autoridades afirmaram que não há qualquer indício de álcool ou substâncias ilícitas relacionados com o acidente de viação — tudo aponta para um susto sem consequências graves.
Apesar do incidente, Alec Baldwin encontra-se bem e deverá manter a sua presença no festival, onde tem promovido novos projectos e participado em debates sobre cinema independente.
A ex-Spice Girl revela gastos absurdos, erros de gestão e a transição turbulenta do estrelato pop para o mundo da moda — com a franqueza de quem aprendeu tudo à sua custa
Victoria Beckham já foi muitas coisas: uma Spice Girl, um ícone de estilo, uma figura mediática e, claro, uma empresária de sucesso. Mas no seu novo documentário da Netflix, a antiga Posh Spice mostra-se como raramente o fez — sem filtros, com humor e brutal honestidade.
Em três episódios que misturam confissões pessoais e bastidores da sua carreira, Victoria revisita os anos mais difíceis da sua marca de moda, incluindo despesas extravagantes dignas de um império em colapso.
“Chegámos a voar cadeiras de um lado ao outro do mundo”, admite, incrédula, sobre as excentricidades da sua equipa. “E gastávamos 70 mil libras por ano em plantas… mais 15 mil libras para alguém as regar.”
Com a frieza de quem aprendeu a olhar para trás sem rodeios, Victoria confessa que não tinha noção do abismo financeiro em que o seu negócio mergulhava.
“Não percebia na altura, mas o desperdício era inacreditável. Ouço agora e fico horrorizada. Mas deixei que acontecesse.”
O documentário, que equilibra vulnerabilidade com autoanálise, mostra uma Victoria que reconhece os seus erros, assume a ingenuidade com que trocou o mundo do entretenimento pelo da moda e admite ter ficado endividada.
“As pessoas tinham medo de me dizer que não”, explica. “O poder da celebridade pode ser uma armadilha. Achavam que eu não estava habituada a ouvir um ‘não’. Mas aprendi. E hoje, assumo o que fiz — e o que podia ter feito de forma diferente.”
Do microfone às passerelles
O documentário traça a trajetória de Victoria desde os tempos de Spice Girl até à consolidação como estilista internacionalmente respeitada. Entre festas, desfiles e momentos de crise, o fio condutor é a busca por identidade e autenticidade.
Com o marido David Beckham e os filhos sempre em pano de fundo, a série mostra que por trás da imagem da “Posh” há uma mulher que sabe rir de si própria, que caiu, se reinventou e regressou com mais força.
Longe da rigidez das biografias “autorizadas”, Victoria mostra vulnerabilidade, humor e humildade, sem nunca perder o toque de ironia britânica que a tornou famosa.
Apesar de continuar a ser uma das figuras mais influentes da moda britânica, Victoria Beckham revela-se surpreendentemente leve. Entre risos e arrependimentos, o documentário prova que a sua maior arma não é o luxo, mas a lucidez.
“Podia ter feito um documentário qualquer, cheio de glamour e frases prontas”, diz um crítico no filme. “Mas este mostra a verdadeira Victoria — afiada como uma navalha, mas genuína como sempre.”
Em vez de se defender, Victoria opta por contar a verdade com elegância e ironia. Para quem gosta duma boa fofoca…. aqui está….
O realizador de Baby Drive e promete uma versão mais fiel ao livro e revela que King teve a palavra final na escolha do protagonista
Durante o painel da New York Comic Con, o realizador Edgar Wright surpreendeu os fãs ao revelar novos detalhes sobre The Running Man, a sua aguardada adaptação do clássico distópico de Stephen King — e uma das estreias mais esperadas de 2025. O cineasta britânico subiu ao palco ao lado de Glen Powell (Hit Man, Top Gun: Maverick) e Lee Pace, revelando que o filme será “muito mais fiel ao livro” do que a versão de 1987 com Arnold Schwarzenegger.
Mas antes de Powell garantir o papel principal de Ben Richards, o ator passou por uma prova de fogo — literalmente nas mãos do “Mestre do Terror”.
“Quando o Edgar me ofereceu o papel, eu aceitei logo. Ele disse: ‘És o meu Ben Richards.’ E eu fiquei: ‘Vamos a isso!’”, contou Powell. “Mas depois o Edgar acrescentou: ‘Ah, só falta uma coisa — o Stephen King tem de aprovar-te.’”
O autor decidiu ver o filme Hit Man nessa mesma noite.
“Passei a noite inteira à espera que ele visse o filme e rezar para ainda ter o papel na manhã seguinte”, brincou o ator.
Felizmente, King aprovou a escolha — e até enviou um e-mail elogioso, descrevendo o guião como “mais fiel ao livro, o suficiente para manter os fãs satisfeitos e eu próprio entusiasmado”.
Edgar Wright quer filmar o livro que The Running Man merecia
O realizador, conhecido pelo seu estilo energético e visualmente inventivo, confessou que leu The Running Man na adolescência e ficou desiludido quando viu a versão com Schwarzenegger:
“Li o livro antes de ver o filme de 1987 e senti logo que havia uma parte enorme da história que nunca tinha sido adaptada. O meu objetivo não é refazer esse filme, mas criar algo diferente — uma adaptação realmente fiel ao livro de King.”
O novo The Running Man estreia nos cinemas a 14 de novembro de 2025, pela Paramount Pictures, e será uma mistura entre ficção científica, ação e crítica social, como a obra original de King (publicada em 1982 sob o pseudónimo Richard Bachman).
Glen Powell: “Ben Richards é o último dos homens comuns”
Sobre o papel, Powell descreveu Richards como um homem empurrado aos limites:
“Ele é o último ‘underdog’. Um tipo normal que enfrenta o sistema mais poderoso e opressivo que existe. Está frustrado, zangado, e só quer proteger a família num mundo que o impede de o fazer.”
Edgar Wright revelou que pediu ao ator para explorar um lado mais sombrio:
“Disse-lhe: ‘Preciso do Glen em mau humor’. E ele deu tudo. Este filme exigiu uma energia bruta, física e emocional.”
Lee Pace, que interpreta o caçador Evan McCone, descreveu o seu personagem como “um fantasma televisivo”, uma mistura de showman e assassino de reality show, com um visual “extravagante e ameaçador”.
Um mundo entre UFC e American Idol
Edgar Wright explicou que a nova versão de The Running Man vai expandir o universo para além da arena fechada do filme original.
“Desta vez, o jogo acontece no mundo real. É uma espécie de ‘caça ao homem’ à escala global — um jogo mortal de esconde-esconde.”
Inspirado por décadas de reality shows, o realizador descreve a estética como “uma fusão entre UFC e American Idol”, com um toque distópico. Entre os detalhes mais curiosos, o filme inclui um refrigerante e um cereal inventados por King e até uma nota de 100 dólares com o rosto de Schwarzenegger — algo que o próprio ator aprovou com bom humor:
“Ligámo-nos a ele para pedir autorização. Disse-lhe: ‘Fizemos de ti a nota de 100’. E ele respondeu: ‘Fico muito feliz com isso.’”
Um desafio épico: 168 cenários e três países
A rodagem decorreu em Bulgária, Escócia e mais um país não revelado, com 168 cenários diferentes, segundo Wright:
“Foi o projeto mais ambicioso que alguma vez realizei. Às vezes parecia que nós próprios estávamos a competir dentro do jogo.”
Além de Powell e Pace, o elenco inclui Colman Domingo, Michael Cera, Emilia Jones, Daniel Ezra, Martin Herlihye Katie O’Brien — uma combinação de talento jovem e veterano que promete dar nova vida ao universo distópico de King.
Um “amanhã diferente”, sem data no calendário
Apesar de o livro situar a história no ano 2025, Wright decidiu não indicar um ano no filme:
“Não queremos que o público se prenda a uma cronologia. Preferimos tratá-lo como um ‘amanhã diferente’ — algo próximo e assustadoramente possível.”
Com a bênção de Stephen King, o talento feroz de Glen Powell e a visão estilística de Edgar Wright, The Running Manpromete ser muito mais do que uma nova versão — será a corrida mais perigosa (e atual) que o cinema já viu.
Quinze anos depois deA Origem, o ator regressa ao universo de Nolan, agora mais confiante, mais livre — e profundamente grato pela experiência
Passaram-se 15 anos desde que Elliot Page trabalhou pela primeira vez com Christopher Nolan no monumental Inception – A Origem (2010). Agora, o ator vai voltar a colaborar com o realizador britânico em The Odyssey, a nova epopeia histórica que promete ser um dos filmes-evento de 2026. E, para Elliot, o reencontro teve um sabor particularmente especial.
“Fiquei tão entusiasmado quando pensei que ele se tinha lembrado de mim para The Odyssey”, contou Page durante o painel de X-Men: Dias de um Futuro Esquecido na Comic Con de Nova Iorque. “Adorei trabalhar com ele em Inception e adorei fazer parte desse filme. Estava completamente empolgado. Fui ter com o Chris, falámos sobre o papel, li o argumento… foi uma alegria voltar.”
“Agora, sinto-me mais confortável comigo mesmo”
Desde A Origem, muita coisa mudou na vida de Elliot Page. Em 2020, o ator anunciou publicamente a sua transição de género, um momento de libertação pessoal que transformou também a sua relação com o trabalho e com a câmara.
“Voltar agora, como podem imaginar, sendo mais confortável em mim próprio, torna tudo mais prazeroso”, afirmou. “Ter outra experiência com o Chris Nolan nesta fase da minha vida significou imenso para mim — de uma forma muito pessoal.”
Page descreveu o reencontro como um círculo emocional que se fecha: um regresso ao grande cinema, mas com uma nova consciência de quem é.
Nolan e o regresso à grande epopeia
The Odyssey, com estreia marcada para julho de 2026, é o novo projeto ambicioso de Christopher Nolan depois do sucesso de Oppenheimer. O realizador regressa aqui a um território mítico e histórico, reinterpretando a Odisseia de Homero numa escala cinematográfica grandiosa, como já é marca da sua carreira.
Pouco se sabe sobre o papel de Elliot Page no filme, mas o simples facto de o cineasta tê-lo chamado de volta já diz muito sobre a confiança e a admiração mútua entre ambos. Nolan raramente repete atores, mas quando o faz — como com Cillian Murphy, Michael Caine ou Tom Hardy — é sinal de cumplicidade artística.
Um reencontro com significado
O momento em que Elliot Page falou sobre o projeto aconteceu durante um painel nostálgico dedicado a X-Men: Dias de um Futuro Esquecido, também com James McAvoy, que aproveitou para comentar os rumores de um reboot da saga e elogiar a ideia de um novo elenco com nomes como Colman Domingo e Bella Ramsey.
Mas, no meio da nostalgia pelos mutantes e das memórias de Inception, o que se destacou foi a serenidade e a gratidão de Page. Quinze anos depois, regressar a um set de Nolan não é apenas um marco profissional — é também um reencontro com o próprio percurso, com o cinema e com uma identidade agora plenamente assumida.
“Senti que voltei a casa”, resumiu.
E quando alguém como Elliot Page diz isso de um filme de Christopher Nolan, sabemos que vem aí algo verdadeiramente especial.
O ator de comédia mais imprevisível de Hollywood revela qual é o filme que considera uma verdadeira obra-prima — e não, não é uma comédia
Jim Carrey sempre foi um artista difícil de rotular. Para muitos, é o rei do humor físico e das expressões impossíveis; para outros, é um ator profundamente sensível que sabe explorar as fissuras da alma humana. E talvez por isso não surpreenda que o filme que ele considera “o melhor de todos os tempos” não seja uma comédia, mas sim uma das sátiras mais poderosas e visionárias da história do cinema: Network – Escândalo na TV (1976), realizado por Sidney Lumet
“O meu filme favorito de todos os tempos é Network”
Carrey fez a revelação no seu livro Memoirs and Misinformation (2020), descrevendo o clássico de Lumet como “um espelho absurdo e profético da nossa sociedade moderna”.
“O meu filme favorito de todos os tempos é Network,” escreveu o ator. “Adoro o trabalho de Paddy Chayefsky [autor do argumento]. É como uma profecia do que aconteceu nos últimos 50 anos. Todos os atores estão brilhantes. É fenomenal.”
O filme, uma crítica feroz ao poder dos meios de comunicação e ao cinismo do capitalismo televisivo, marcou profundamente Carrey — um artista que sempre equilibrou o riso com uma visão crítica do mundo.
De Ace Ventura a The Truman Show: o ator que aprendeu a rir da própria realidade
Nos anos 90, Jim Carrey dominou o cinema de comédia com personagens icónicas como Ace Ventura, O Máskara, Lloyd Christmas em Doidos à Solta e o sinistro Cable Guy. Mas foi com dramas como The Truman Show, Man on the Moon e Eternal Sunshine of the Spotless Mind que o ator mostrou que havia muito mais por trás da caricatura — uma mente inquieta, filosófica e profundamente humana.
É precisamente essa dualidade — entre o humor e a melancolia — que explica a sua devoção a Network.
“Cada cena é um banquete”
Em conversa com o comediante Norm Macdonald, Carrey reforçou o seu entusiasmo pelo filme:
“O meu filme favorito? Network. É fantástico. Cada cena é um banquete.”
O filme, protagonizado por Faye Dunaway, William Holden, Peter Finch e Robert Duvall, conta a história de uma estação de televisão que decide explorar o colapso mental de um antigo pivô de notícias, transformando o seu desespero num espetáculo mediático. O resultado é uma espiral moral onde o lucro vence a empatia — uma previsão assustadoramente atual.
Carrey, hoje mais espiritual e crítico da cultura mediática, vê em Network um reflexo direto da sua própria visão sobre Hollywood e a sociedade moderna.
“Agora que estou mais velho, olho para aquela cena entre William Holden e Faye Dunaway na cozinha… e ele diz: ‘Estou mais perto do fim do que do início’. É devastador. Quem escreve assim? É incrível.”
O filme que previu o século XXI
Lançado em 1976, Network – Escândalo na TV foi nomeado para 10 Óscares e venceu quatro, incluindo Melhor Ator (Peter Finch) e Melhor Atriz (Faye Dunaway). Mais do que um retrato dos bastidores da televisão, o filme antecipou o culto do sensacionalismo e a transformação da informação em entretenimento — algo que Carrey considera “profético”.
Para um ator que sempre procurou equilíbrio entre o absurdo e a verdade, Network representa o ponto perfeito entre comédia, tragédia e lucidez. Tal como o próprio Carrey, o filme ri-se do desespero, critica o sistema e convida-nos a pensar.
“Se procuras um filme que represente a comédia, a tragédia e a crítica social de Jim Carrey, Network é esse filme”, escreveu um crítico americano.
E talvez seja por isso que, depois de todos os risos, Jim Carrey escolheu justamente um drama como o seu filme preferido. Porque, como ele próprio ensinou, a linha entre rir e chorar é mais fina do que parece.
O lendário realizador apareceu de surpresa no Festival de Londres e emocionou o público com palavras de admiração pela cineasta de Nomadland
O público presente na estreia europeia de Hamnet, o novo filme de Chloé Zhao, não estava preparado para isto: Steven Spielberg subiu inesperadamente ao palco do Royal Festival Hall, em Londres, para prestar uma homenagem sentida à realizadora. O momento arrancou aplausos entusiasmados e deu o tom emocional de uma noite já especial para o cinema.
Spielberg, que é produtor do filme, descreveu Hamnet como “uma poderosa história de amor e perda que inspirou a criação da obra-prima intemporal de Shakespeare, Hamlet”. No filme, Paul Mescal interpreta William Shakespeare e Jessie Buckley dá vida à sua esposa, Agnes, numa narrativa que mistura dor, inspiração e o poder da arte para transformar o sofrimento em eternidade.
O realizador de E.T., A Lista de Schindler e Os Fabelmans começou por recordar o momento em que conheceu Zhao, em 2022, num jantar para realizadores nomeados aos Óscares, logo após a vitória dela com Nomadland.
“Tornámo-nos amigos, e passámos a almoçar juntos na Amblin. Fico sempre maravilhado com ela”, contou Spielberg. “Acredito que a Terra tem um batimento cardíaco — um ciclo sísmico constante, 24 horas por dia — e que todos estamos ligados a esse batimento. Mas a Chloé está ligada a ele de uma forma profunda, porque é daí que vem a sua arte.”
Com a eloquência de quem reconhece um talento raro, Spielberg acrescentou:
“É isso que ela leva para o set todos os dias, é o que partilha com os atores. Quando virem Hamnet, vão sentir o batimento sísmico da Terra — por causa de Chloé Zhao.”
Paul Mescal chama-lhe “uma das grandes bruxas do nosso tempo”
O protagonista Paul Mescal, que dá corpo ao jovem Shakespeare, também não poupou elogios à realizadora, descrevendo-a como “uma das grandes bruxas do nosso tempo”. O ator explicou que o ambiente criado por Zhao durante as filmagens foi “mágico” e “um dos principais motivos pelos quais o público está a reagir tão fortemente ao filme”.
A sua parceira em cena, Jessie Buckley, emocionou-se visivelmente durante a apresentação, tal como a própria Zhao, que confessou sentir uma “imensa gratidão” por finalmente poder mostrar o filme na terra onde ele nasceu — literalmente.
“Trouxemos Hamnet para casa”
Chloé Zhao, visivelmente comovida, dirigiu-se ao público com uma humildade que já se tornou a sua marca:
“Sinto uma enorme gratidão, porque hoje trouxemos Hamnet para casa. Fazer este filme nesta ilha e com esta comunidade deu-me um profundo sentimento de pertença e segurança que nunca tinha experimentado. Ajudou-me a ultrapassar um período muito difícil da minha vida.”
Antes da projeção, a realizadora conduziu a plateia num breve exercício de respiração, pedindo que “todas as emoções fossem bem-vindas” durante o visionamento do filme — um gesto simples, mas profundamente simbólico do tipo de cinema espiritual e humano que Zhao continua a cultivar.
Um dos grandes candidatos à temporada de prémios
Depois de vencer o People’s Choice Award em Toronto, Hamnet chega agora à Europa com estatuto de favorito aos Óscares 2025. O filme terá estreia limitada nos EUA e Canadá a 27 de novembro, pela Focus Features, e chega ao Reino Unido a 9 de janeiro, através da Universal Pictures.
Com a bênção de Spielberg e a assinatura sensível de Zhao, Hamnet promete ser muito mais do que um drama histórico — é uma experiência emocional, quase espiritual, sobre amor, perda e a pulsação invisível que nos liga a todos.
Meio século depois, o clássico de Milos Forman continua a gritar contra a autoridade — e Jack Nicholson ainda brilha como um símbolo de rebeldia no cinema
Há filmes que envelhecem. E há outros que, mesmo 50 anos depois, continuam a falar connosco com a mesma força — ou talvez ainda com mais. Voando Sobre um Ninho de Cucos (One Flew Over the Cuckoo’s Nest), realizado por Milos Forman e lançado em 1975, pertence a essa raríssima segunda categoria: um retrato intemporal sobre liberdade, poder e o espírito humano.
E, no centro de tudo, está Jack Nicholson, no papel que definiu para sempre o seu nome entre os gigantes da sétima arte.
O filme que libertou o cinema dos anos 70
Baseado no romance homónimo de Ken Kesey, Voando Sobre um Ninho de Cucos conta a história de Randle P. McMurphy, um criminoso que finge insanidade para escapar à prisão e é internado num hospital psiquiátrico. Mas, em vez de submissão, encontra ali um microcosmo da própria sociedade — controlado pela temível Enfermeira Ratched, interpretada de forma inesquecível por Louise Fletcher.
A partir desse confronto nasce uma das narrativas mais poderosas do cinema moderno: o homem livre contra a máquina institucional. Milos Forman filma a rebeldia de McMurphy com uma mistura de humor, desespero e poesia, transformando o hospital num campo de batalha entre o indivíduo e o sistema.
Jack Nicholson no auge do génio
Nicholson tinha 38 anos quando interpretou McMurphy — e nunca mais deixou de ser o “espírito livre” de Hollywood. A sua atuação é pura eletricidade: imprevisível, humana, por vezes hilariante, outras vezes profundamente trágica.
Com o seu sorriso travesso e olhar de loucura lúcida, Nicholson encarna um homem que desafia tudo — médicos, regras e até a própria sanidade — em nome da liberdade. Foi uma performance que lhe valeu o Óscar de Melhor Ator, num filme que arrebatou os cinco principais prémios da Academia: Melhor Filme, Realização, Ator, Atriz e Argumento Adaptado. Um feito que, até hoje, apenas outros dois filmes conseguiram igualar: Aconteceu naquela Noite (1934) e O Silêncio dos Inocentes (1991).
O legado de Milos Forman e a força de um grito coletivo
O realizador checo Milos Forman, que fugira à censura do regime comunista, encontrou nesta história o tema que o acompanharia ao longo da vida: o conflito entre a liberdade individual e as instituições opressivas. Filmado com um realismo quase documental, Voando Sobre um Ninho de Cucos combina delicadeza e brutalidade, humor e tragédia — um equilíbrio raríssimo que o mantém vibrante cinco décadas depois.
A escolha de rodar em locais reais, com pacientes e funcionários de um hospital psiquiátrico do Oregon, conferiu-lhe uma autenticidade desconcertante. O filme nunca se limita a julgar ou diagnosticar: observa, escuta e emociona.
Meio século depois, ainda sentimos o mesmo soco
Ver Voando Sobre um Ninho de Cucos hoje é perceber que o tempo não lhe tirou nada. Pelo contrário, o tornou ainda mais urgente. Num mundo onde as instituições continuam a esmagar o indivíduo e onde a empatia escasseia, o filme de Forman continua a ser um lembrete de que a rebeldia — e o riso — também são formas de resistência.
E Jack Nicholson, com o seu olhar de loucura luminosa, permanece o coração pulsante dessa revolução cinematográfica.
“Alguns não são loucos… apenas não conseguem adaptar-se.”
— Randle P. McMurphy
Cinquenta anos depois, talvez ainda seja disso que o mundo precisa: de mais loucos que se recusem a adaptar-se.
O realizador presta um comovente tributo à atriz, amiga e antiga companheira, após a sua morte aos 79 anos
Poucos pares definiram o cinema americano como Woody Allen e Diane Keaton. Agora, após a morte da atriz aos 79 anos, o realizador — que foi seu companheiro, cúmplice artístico e amigo de toda a vida — escreveu um texto de despedida profundamente pessoal, publicado no The Free Press, onde recorda uma mulher “única na história do planeta” e confessa que “fazia filmes apenas para ela”.
No ensaio, Allen, de 89 anos, relembra o momento em que a conheceu em 1969, durante os ensaios da peça Play It Again, Sam, e o início da relação que marcaria ambos para sempre. “À medida que o tempo passava, fazia filmes para um público de uma pessoa: Diane Keaton. Nunca li uma única crítica do meu trabalho — só me importava com o que ela tinha a dizer.”
O cineasta recorda ainda o riso inconfundível da atriz e o seu impacto imediato em qualquer ambiente. “Ela era diferente de qualquer pessoa que o planeta tenha conhecido — e é improvável que volte a existir alguém como ela. O seu rosto e o seu riso iluminavam qualquer espaço onde entrasse.”
Uma parceria para a eternidade
Allen e Keaton conheceram-se no final dos anos 60, viveram um romance de cinco anos e trabalharam juntos em oito filmes, incluindo Sonhos de um Sedutor, A Última Noite de Boris Grushenko, Manhattan e, claro, Annie Hall (1977), que valeu a Keaton o Óscar de Melhor Atriz. Mesmo depois da separação, mantiveram uma amizade sólida e cúmplice.
No texto, Allen escreve com pesar:
“Há poucos dias, o mundo era um lugar que incluía Diane Keaton. Agora, é um mundo que não a tem. E, por isso, é um mundo mais triste. Ainda assim, ficam os seus filmes. E o seu riso continua a ecoar na minha cabeça.”
Admiração que nunca cessou
Ao longo dos anos, Diane Keaton foi uma das vozes mais firmes em defesa de Allen, mesmo nos períodos mais controversos da carreira do realizador. Durante o movimento #MeToo, quando antigas acusações voltaram a ser discutidas, Keaton afirmou:
“Woody Allen é meu amigo, e continuo a acreditar nele. Vejam a entrevista dele no 60 Minutes de 1992 e tirem as vossas próprias conclusões.”
Allen, por sua vez, referia-se frequentemente a Keaton como a sua “estrela polar” — a pessoa cuja opinião mais valorizava.
“Ela deu-me tudo”
A própria Keaton, em entrevista ao The Guardian em 2023, descreveu o realizador como uma influência determinante:
“Foi sempre especial estar com o Woody. Ele era tudo para mim. Deu-me tudo. Woody tornou as coisas mais leves, e isso ajudou-me imenso.”
Um amor que evoluiu em amizade
No ensaio, Allen também recorda momentos íntimos do casal, como um memorável Dia de Ação de Graças passado a jogar póquer com a família de Keaton. “Tivemos alguns anos maravilhosos juntos. Depois, cada um seguiu o seu caminho — e só Deus e Freud saberão porquê”, escreve com ironia melancólica.
Em 2017, o realizador que raramente comparece a cerimónias de prémios quebrou o hábito para entregar a Keaton o AFI Life Achievement Award, dizendo:
“Desde o minuto em que a conheci, ela foi uma grande inspiração para mim. Muito do que alcancei devo-o, sem dúvida, a ela. Ver a vida pelos olhos da Diane foi uma dádiva. Ela é extraordinária — tudo o que faz, faz bem.”
O eco de uma risada imortal
Com a sua partida, Woody Allen despede-se não apenas de uma atriz, mas da mulher que marcou a sua arte e o seu coração. E como ele próprio escreve: “Ainda ouço o seu riso. Está gravado em mim — e em todos os que a amaram.”
A eterna Marion não queria ficar de fora da despedida de Harrison Ford — e teve de convencer o estúdio de que deixá-la fora seria “um grande erro”
Nem todos os heróis usam chapéu — alguns usam a palavra certa no momento certo. Foi o caso de Karen Allen, a atriz que conquistou o público como Marion Ravenwood, o primeiro e mais marcante amor de Indiana Jones. Décadas depois da estreia de Os Salteadores da Arca Perdida (1981), Allen revelou que teve de lutar para voltar no mais recente e derradeiro capítulo da saga, Indiana Jones e o Marcador do Destino.
“Eles estavam a cometer um grande erro”
Numa recente entrevista, a atriz confessou que ficou surpreendida (e um pouco magoada) ao descobrir que o argumento inicial não incluía Marion. “Fiquei de coração partido. Achei que estavam a cometer um grande erro”, contou Allen. “Marion sempre foi uma parte essencial da vida de Indy — emocionalmente, espiritualmente e narrativamente.”
Determinada a não deixar a personagem cair no esquecimento, a atriz contactou a produção e fez questão de explicar o valor da sua presença no filme. “Disse-lhes: ‘Ela é parte da alma do Indiana Jones. Não faz sentido terminar a história sem ela.’”
Uma presença breve, mas simbólica
Apesar da persistência, a sua participação acabou por ser pequena — uma breve, mas tocante aparição que encerra a saga com emoção e nostalgia. Marion surge no final do filme, numa cena carregada de simbolismo e ternura, que ecoa o final do primeiro capítulo da saga.
“Foi curto, mas significativo”, disse Allen. “Senti que a nossa história ficou completa. Depois de tudo o que partilharam, havia algo de profundamente bonito naquele reencontro.”
Uma despedida à altura da lenda
Ao lado de Harrison Ford — que se despediu oficialmente do icónico arqueólogo após mais de quatro décadas —, Karen Allen trouxe um fecho emocional que muitos fãs consideraram indispensável. A sua presença é, afinal, o elo entre o início e o fim da aventura.
E embora a atriz admita que gostaria de ter tido um papel maior, não esconde o orgulho de ter defendido a sua personagem. “Marion foi uma mulher forte, independente, muito à frente do seu tempo. Ela não esperava ser salva — ela salvava-se a si própria. Quis garantir que isso fosse lembrado.”
O filme de Jorge Cramez, protagonizado por Vitória Guerra e Pedro Lacerda, chega agora aos cinemas depois de causar sensação no Motelx
Depois de uma estreia arrepiantemente bem recebida no Motelx – Festival Internacional de Cinema de Terror de Lisboa, o novo filme de Jorge Cramez, intitulado Sombras, chega finalmente às salas de cinema em todo o país. O realizador, conhecido por obras de registo intimista, mergulha agora no território do terror psicológico, com uma história que mistura o drama emocional com o sobrenatural.
Um casal, uma casa isolada e o peso do desconhecido
Em Sombras, Vitória Guerra e Pedro Lacerda dão vida a um casal que decide abandonar a vida urbana e mudar-se para o campo, em busca de tranquilidade. Mas, como em tantas histórias do género, a paz depressa se transforma em inquietação. No isolamento rural, começam a surgir presenças inexplicáveis, memórias distorcidas e silêncios que se tornam ameaçadores.
O filme não aposta no susto fácil: prefere a tensão lenta, o desconforto crescente e a dúvida constante sobre o que é real e o que nasce da mente das personagens.
Jorge Cramez entre o drama e o fantástico
Conhecido por obras como O Capacete Dourado e Amor Amor, Cramez sempre demonstrou interesse pelas zonas cinzentas da emoção humana. Em Sombras, leva essa sensibilidade para um terreno mais sombrio, onde o terror serve de espelho à fragilidade psicológica das personagens.
A atmosfera densa, os enquadramentos meticulosos e a fotografia que oscila entre a luz natural e o negrume da noite rural reforçam a sensação de que algo se esconde fora de campo — ou talvez dentro de nós.
Com a estreia de Sombras, o cinema português continua a explorar o género do terror psicológico, uma vertente que tem vindo a ganhar força nos últimos anos. Depois de títulos como Mutant Blast e O Pior Homem de Londres, Jorge Cramez traz uma abordagem mais introspectiva e emocional — uma que aposta na sugestão em vez do choque.
Se gosta de terror com alma e significado, Sombras promete ser uma experiência inquietante e, talvez, profundamente humana.
O anúncio-surpresa foi feito na Comic Con de Nova Iorque e confirma que a Warner Bros. aposta tudo na franquia
Os fãs de Mortal Kombat mal tiveram tempo para respirar entre um fatality e outro. Durante o painel da New York Comic Con, o argumentista e produtor executivo Jeremy Slater deixou o público em choque ao revelar que “Mortal Kombat 3” já está confirmado — mesmo antes da estreia do segundo filme!
A notícia caiu como um raio no meio da plateia e confirma o voto de confiança da Warner Bros., que parece acreditar que Mortal Kombat 2 será um sucesso colossal. A convicção não é infundada: o primeiro trailer da sequela somou 107 milhões de visualizações em apenas 24 horas, um número digno de superproduções da Marvel.
A aposta continua — e com a mesma equipa
Segundo Slater, o objetivo é manter toda a equipa criativa do segundo filme, incluindo o próprio e o realizador Simon McQuoid, que também dirigiu o primeiro capítulo em 2021. Regressam ainda James Wan, Todd Garner, Toby Emmerich, E. Bennett Walsh e o próprio McQuoid na produção.
Ainda não há detalhes sobre a história do terceiro filme, mas a promessa é clara: mais lutas brutais, mais sangue e mais nostalgia para os fãs que cresceram a ouvir “Finish him!”.
O que esperar de
Mortal Kombat 2
Com estreia marcada para 14 de maio de 2026, Mortal Kombat 2 dá continuidade à adaptação da lendária série de videojogos da NetherRealm Studios, conhecida pela sua violência estilizada e personagens icónicas.
O novo capítulo volta a acompanhar Cole Young (Lewis Tan), lutador de MMA destinado a enfrentar as forças do mal lideradas pelo imperador Shang Tsung (Chin Han) e pelo guerreiro Sub-Zero (Joe Taslim).
Entre os aliados, estão Sonya Blade (Jessica McNamee), Jax (Mehcad Brooks), Kung Lao (Max Huang), Liu Kang(Ludi Lin) e o irreverente Kano (Josh Lawson). Mas há novos rostos a bordo: Tati Gabrielle entra como Jade, Martyn Ford assume o papel de Shao Kahn, e Karl Urban — o carismático Billy Butcher de The Boys — será o icónico Johnny Cage.
Desta vez, o enredo deverá focar-se no torneio de artes marciais que dá nome à saga, prometendo combates ainda mais intensos e coreografias de tirar o fôlego.
De clássico “trash” a fenómeno moderno
A saga cinematográfica Mortal Kombat começou em 1995, com o filme de Paul W. S. Anderson, que hoje é visto como um clássico cult do género “tão mau que é bom”. A nova trilogia, contudo, procura equilibrar a brutalidade dos jogos com uma estética moderna e efeitos de última geração.
Com Mortal Kombat 2 prestes a chegar aos cinemas e o terceiro filme já confirmado, a mensagem é clara: a luta está longe de terminar. Preparem-se para mais sangue, trovões e fatalities em grande ecrã.
“Anjos na Terra” chegou ao streaming e conquistou o público português em tempo recorde
Há histórias que nos lembram porque é que o cinema ainda consegue tocar o coração — e Anjos na Terra é uma delas. O novo filme protagonizado por Hilary Swank estreou-se na Netflix a 1 de outubro e bastaram dois dias para alcançar o primeiro lugar do top nacional da plataforma. Depois de emocionar plateias nos cinemas em março, o drama tornou-se agora num verdadeiro fenómeno de streaming.
Baseado em factos verídicos, Anjos na Terra segue Sharon Stevens (Hilary Swank), uma cabeleireira de Louisville com uma energia contagiante e um coração do tamanho do Kentucky. Quando descobre a história de Michelle, uma menina de apenas cinco anos que precisa urgentemente de um transplante de fígado, Sharon decide agir — e acaba por mobilizar toda a comunidade numa corrida contra o tempo.
O pai da criança, Ed Schmitt (interpretado por Alan Ritchson), é um viúvo com sérias dificuldades financeiras que tenta desesperadamente salvar a filha. A história decorre durante uma histórica vaga de frio, no inverno de 1994, o que acrescenta ainda mais urgência e dramatismo à missão de Sharon.
Hilary Swank: um regresso carregado de emoção
A vencedora de dois Óscares — por Menina de Ouro e Os Rapazes Não Choram — regressa aqui em plena forma. Mas, para Swank, esta não é apenas mais uma personagem: é uma história profundamente pessoal. A atriz perdeu o pai, que também precisava de um transplante, cinco meses antes das filmagens, e chegou mesmo a interromper a carreira durante três anos para cuidar dele.
“Foi uma bênção poder fazer este filme”, confessou Swank numa entrevista à CBS. “Tenho saudades dele todos os dias.” É difícil não sentir o peso dessas palavras quando a vemos no ecrã — a sua Sharon carrega uma força e uma vulnerabilidade que só alguém que viveu algo semelhante poderia transmitir.
Um elenco que emociona e uma realização sentida
Realizado por Jon Gunn, o filme conta também com Alan Ritchson, Emily Mitchell, Nancy Travis e Tamala Jones. O resultado é um drama sincero, feito à moda antiga, onde a empatia e a humanidade valem mais do que qualquer efeito especial.
Com uma fotografia quente e uma narrativa que nunca força as lágrimas, Anjos na Terra conquista pela sua autenticidade — e já está a fazer chorar meio mundo (Portugal incluído).
Se ainda não viu, prepare os lenços. É impossível não se comover. 💔
Chloé Zhao regressa com Paul Mescal e Jessie Buckley num drama sobre Shakespeare, a perda e o poder do amor que sobrevive à morte
Prepare os lenços: o novo filme de Chloé Zhao, Hamnet, está a ser descrito como “o melhor filme do ano” — e o trailer agora divulgado confirma que vem aí uma verdadeira torrente de emoções. Depois de conquistar o público com Nomadland (que lhe valeu o Óscar de Melhor Realização), Zhao volta a mergulhar na dor humana com uma história de amor, perda e inspiração, centrada na figura do filho de William Shakespeare.
Antes de Hamlet, houve Hamnet
Baseado no romance homónimo de Maggie O’Farrell, Hamnet leva-nos à Inglaterra do século XVI, onde William Shakespeare (Paul Mescal) ainda luta por afirmar-se enquanto dramaturgo. Quando o seu filho Hamnet morre aos 11 anos, a tragédia transforma-se num ponto de viragem na vida do autor — um trauma que muitos acreditam ter dado origem à escrita de Hamlet, uma das maiores obras da literatura mundial.
Mas a verdadeira alma do filme é Agnes (interpretada por Jessie Buckley), a esposa de Shakespeare, retratada como uma mulher intuitiva, ligada à natureza e consumida pelo luto. A relação entre ambos, filmada com a sensibilidade que Zhao já nos habituou, promete ser o coração emocional da narrativa.
Uma dor que ilumina
Apontado como um dos grandes candidatos à temporada de prémios, Hamnet já conquistou o People’s Choice Award no Festival de Toronto — distinção que, nos últimos anos, antecipou vários vencedores do Óscar de Melhor Filme. A estreia mundial deu-se em Telluride, onde foi recebido com aplausos de pé e críticas entusiasmadas.
A fotografia de Łukasz Żal (Ida, Cold War) envolve o filme numa aura etérea: campos verdejantes do País de Gales banhados por luz dourada, contrastando com o peso da dor e a serenidade de quem aprende a aceitar a perda.
Paul Mescal e Jessie Buckley: química e devastação
Depois de Aftersun, Paul Mescal confirma-se como um dos atores mais intensos da sua geração. Aqui, o seu Shakespeare é um homem dividido entre o génio criativo e a culpa pela ausência. Jessie Buckley, por sua vez, oferece uma performance descrita pela crítica como “mística e arrebatadora”, tornando Agnes numa das personagens femininas mais comoventes do cinema recente.
O cinema como elegia
Com argumento coescrito por Zhao e Maggie O’Farrell, Hamnet promete uma reflexão profunda sobre o amor, a morte e a arte como forma de eternizar a dor. Não é apenas um filme sobre Shakespeare — é sobre o que nos resta quando perdemos tudo.
