James Cameron Atira-se à Netflix: “Assim, Não Devia Concorrer aos Óscares”

James Cameron não é homem de meias palavras — e, desta vez, virou as baterias contra a Netflix. O lendário cineasta de Avatar, Titanic e Exterminador Implacável afirmou que os filmes da plataforma não deviam poder competir pelo Óscar de Melhor Filme, a menos que respeitem uma verdadeira estreia cinematográfica. Para Cameron, a actual estratégia da empresa representa nada menos do que um “sistema podre”.

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A Plataforma Que Conquistou Hollywood… Mas Falha Sempre o Grande Prémio

Com mais de 300 milhões de subscritores globais, a Netflix já deixou a sua marca na indústria: atraiu realizadores de topo, investiu em projectos de grande escala, e transformou-se num dos gigantes culturais da era moderna. Mas há um troféu que continua a escapar — o Óscar de Melhor Filme.

Nos últimos anos, títulos como Roma, O Irlandês, Mank, O Poder do Cão, Maestro, A Oeste Nada de Novo ou Emilia Perez chegaram perto, alguns até venceram outras categorias, mas nenhum conquistou o prémio maior.

A discussão reacendeu-se este ano, com três fortes candidatos da plataforma — Frankenstein, Sonhos e Comboios e Jay Kelly — todos lançados em salas de cinema por períodos mínimos, apenas o suficiente para garantir elegibilidade para os Óscares, antes de rumarem rapidamente ao streaming.

Ted Sarandos, co-CEO da Netflix, foi claro: considera que a experiência de ir ao cinema é “uma ideia ultrapassada” e que o seu estúdio está, na verdade, a “salvar Hollywood”. Para muitos analistas, vencer o Óscar seria a validação final desta visão — a consagração de um novo modelo.

Cameron Não Poupa Nas Palavras: “Fundamentalmente Podre”

James Cameron, contudo, vê tudo isto com enorme desconfiança. Em conversa com o analista Matt Belloni, o cineasta reagiu também às notícias de que a Netflix está a tentar comprar a Warner Bros., competindo com a Paramount e com a Comcast.

A resposta foi directa:

“Acho que a Paramount é a melhor escolha. A Netflix seria um desastre. Desculpa, Ted, mas caramba.”

Recordou ainda que Sarandos defendeu publicamente que “os cinemas estão mortos”, algo que Cameron considera profundamente errado — e perigoso para o futuro do cinema como o entende.

Quando o jornalista sugeriu que Sarandos teria mudado de postura e prometido investir em estreias tradicionais caso adquirisse a Warner, Cameron soltou uma gargalhada.

“É para enganar parvos. ‘Vamos lançar o filme por uma semana ou dez dias e já está qualificado para os Óscares’. Por amor de Deus.”

Depois, endureceu ainda mais o discurso:

“Acho isso fundamentalmente podre. Os Óscares não significam nada para mim se não significarem cinema. Acho que foram cooptados, e isso é péssimo.”

A Posição de Cameron: Óscares Só Para Quem Respeita o Cinema

Questionado directamente sobre se a Netflix devia poder concorrer ao Óscar de Melhor Filme, Cameron disse que sim — mas apenas se alterar radicalmente a estratégia:

“Devem poder competir se lançarem o filme de forma significativa, em dois mil cinemas durante um mês.”

Para o realizador, não se trata de atacar o streaming, mas de defender o que acredita ser o coração da arte cinematográfica: a experiência colectiva, numa sala escura, com grande imagem e grande som — não uma estreia minimalista concebida apenas para cumprir burocracias.

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E assim, no meio da luta pelos estúdios de Hollywood e da corrida feroz aos Óscares, Cameron volta a colocar a velha questão no centro do debate: o que é, afinal, cinema?

E quem é que deve defini-lo?

Diane Ladd Morre aos 89 Anos, Três Meses Depois da Morte do Marido Robert Charles Hunter

A veterana actriz, mãe de Laura Dern e três vezes nomeada ao Óscar, morreu em casa na Califórnia. A perda chega pouco depois da morte do seu companheiro de 26 anos, o ex-CEO da PepsiCo Food Systems, Robert Charles Hunter.

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O cinema americano despede-se de uma das suas figuras mais queridas. Diane Ladd, lendária actriz nomeada três vezes ao Óscar e mãe de Laura Dern, morreu este domingo, aos 89 anos, na sua casa em Ojai, Califórnia — apenas três meses após a morte do marido, Robert Charles Hunter, com quem partilhou 26 anos de casamento.

A notícia foi confirmada pela própria Laura Dern, que prestou homenagem à mãe através de um comunicado emocionado:

“A minha mãe faleceu esta manhã, comigo ao seu lado, na nossa casa. Foi a melhor filha, mãe, avó, actriz, artista e alma empática que alguém poderia sonhar. Tivemos a bênção de tê-la connosco. Agora está a voar com os anjos.”

Um amor de 26 anos, interrompido por duas despedidas

Diane Ladd e Robert Charles Hunter casaram-se em 1999, o mesmo ano em que fundaram juntos a sua produtora, Excel Entertainment. Hunter, antigo CEO da PepsiCo Food Systems, morreu em 31 de julho, aos 77 anos, durante uma visita aos filhos no Texas.

Ladd partilhou então uma imagem da notícia da morte de Hunter nas redes sociais, mas sem comentário — um gesto discreto, revelador de uma dor íntima. O casal manteve sempre uma relação marcada por cumplicidade e por uma parceria criativa: Hunter chegou mesmo a participar como actor em Inland Empire (2006), de David Lynch, onde contracenou com Ladd e Laura Dern.

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Um percurso lendário no grande ecrã

Nascida no Mississippi em 1935, Diane Ladd construiu uma das carreiras mais sólidas e respeitadas de Hollywood. Foi nomeada ao Óscar por Alice Doesn’t Live Here Anymore (1974), Wild at Heart (1990) e Rambling Rose (1991) — este último, ao lado da filha Laura Dern, num dos raros casos em que mãe e filha foram nomeadas na mesma cerimónia.

Colaborou várias vezes com David Lynch, brilhou na série Alice (baseada no filme de Scorsese), e deixou a sua marca tanto no cinema independente como nas grandes produções televisivas. Entre 2011 e 2013, voltou a partilhar o ecrã com Laura em Enlightened, da HBO.

Laura Dern: uma herança de talento e ternura

A relação entre mãe e filha foi tão intensa fora como dentro do ecrã. Em 2023, publicaram juntas o livro Honey, Baby, Mine: A Mother and Daughter Talk Life, Death, Love (and Banana Pudding), um registo de conversas íntimas sobre família, doença, envelhecimento e fé.

Foi durante longas caminhadas que Ladd e Laura fortaleceram o vínculo entre si — depois de a actriz ter sido diagnosticada com fibrose pulmonar idiopática, uma doença grave do pulmão.

Nos Óscares de 2020, quando Laura Dern venceu a estatueta de Melhor Actriz Secundária por Marriage Story, dedicou-a aos pais:

“Alguns dizem ‘nunca conheças os teus heróis’, mas eu digo: se tiveres sorte, eles serão os teus pais.”

Um último filme e um legado eterno

Antes da sua morte, Diane Ladd tinha concluído a rodagem de Blue Champagne, filme de Blaine Novak ainda em pós-produção, onde contracena com Jennifer Nicholson, filha de Jack Nicholson.

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O seu legado, contudo, já está gravado no coração de Hollywood: uma mulher de força, talento e compaixão, que atravessou décadas de cinema com a mesma intensidade com que viveu — e amou.

 A Homenagem comovente de Keanu Reeves a Diane Keaton: “Uma pessoa única e extraordinária”

O actor recordou com emoção a sua colega de Something’s Gotta Give, elogiando o talento, a generosidade e o humor da eterna estrela de Annie Hall 💔🎬

Keanu Reeves, conhecido pela sua discrição e humildade, emocionou o público ao prestar uma tocante homenagem a Diane Keaton, falecida no passado dia 11 de Outubro, aos 79 anos. O actor canadiano, que contracenou com Keaton e Jack Nicholson na comédia romântica Something’s Gotta Give (Alguém Tem de Ceder, 2003), revelou as suas memórias da actriz durante uma entrevista no programa The Late Show with Stephen Colbert.

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“Era uma pessoa extraordinária, única, especial — e uma artista incrível”, recordou Keanu, visivelmente comovido. O actor falou de uma cena que filmaram em Paris e de como foi marcante assistir a dois gigantes como Jack e Diane a trabalharem juntos: “A inteligência, o humor… ver aqueles dois a serem simplesmente eles próprios foi inesquecível.”

No filme, Reeves interpretava o jovem médico Julian Mercer, apaixonado por Erica Barry — a dramaturga divorciada vivida por Keaton. Apesar de o romance entre as personagens não resistir à química irresistível entre Keaton e Nicholson, o filme tornou-se um clássico moderno do género, muito graças à autenticidade e carisma da actriz.

Diane Keaton, vencedora de um Óscar por Annie Hall e detentora de uma carreira recheada de papéis icónicos, foi descrita por Keanu como “uma artista generosa e uma pessoa muito especial”.

O tributo ganhou ainda mais força quando o actor recordou o reencontro entre ambos na cerimónia dos Óscares de 2020 — um momento que agora ganha um tom agridoce: “Era uma artista generosa, generosa… e uma pessoa verdadeiramente única.”

Durante a conversa, Stephen Colbert juntou-se às palavras de Keanu, classificando Keaton como “uma das actrizes mais talentosas, originais e naturalmente engraçadas de sempre”.

Com 17 nomeações para os Óscares entre Jack Nicholson e Diane Keaton — três vitórias para ele e uma para ela —, Something’s Gotta Give representou um encontro de titãs em que também Keanu Reeves deixou a sua marca. Hoje, ao homenagear Diane, o actor recorda não apenas uma colega, mas uma amiga e inspiração duradoura.

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Keanu encontra-se actualmente na Broadway, a partilhar o palco com Alex Winter em Waiting for Godot, mas o coração — esse — ficou claramente em Hollywood, com a memória de uma mulher que o marcou profundamente.

Voando Sobre um Ninho de Cucos: 50 Anos de Liberdade, Loucura e a Melhor Interpretação de Jack Nicholson 🪶🎬

Meio século depois, o clássico de Milos Forman continua a gritar contra a autoridade — e Jack Nicholson ainda brilha como um símbolo de rebeldia no cinema

Há filmes que envelhecem. E há outros que, mesmo 50 anos depois, continuam a falar connosco com a mesma força — ou talvez ainda com mais. Voando Sobre um Ninho de Cucos (One Flew Over the Cuckoo’s Nest), realizado por Milos Forman e lançado em 1975, pertence a essa raríssima segunda categoria: um retrato intemporal sobre liberdade, poder e o espírito humano.

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E, no centro de tudo, está Jack Nicholson, no papel que definiu para sempre o seu nome entre os gigantes da sétima arte.

O filme que libertou o cinema dos anos 70

Baseado no romance homónimo de Ken Kesey, Voando Sobre um Ninho de Cucos conta a história de Randle P. McMurphy, um criminoso que finge insanidade para escapar à prisão e é internado num hospital psiquiátrico. Mas, em vez de submissão, encontra ali um microcosmo da própria sociedade — controlado pela temível Enfermeira Ratched, interpretada de forma inesquecível por Louise Fletcher.

A partir desse confronto nasce uma das narrativas mais poderosas do cinema moderno: o homem livre contra a máquina institucional. Milos Forman filma a rebeldia de McMurphy com uma mistura de humor, desespero e poesia, transformando o hospital num campo de batalha entre o indivíduo e o sistema.

Jack Nicholson no auge do génio

Nicholson tinha 38 anos quando interpretou McMurphy — e nunca mais deixou de ser o “espírito livre” de Hollywood. A sua atuação é pura eletricidade: imprevisível, humana, por vezes hilariante, outras vezes profundamente trágica.

Com o seu sorriso travesso e olhar de loucura lúcida, Nicholson encarna um homem que desafia tudo — médicos, regras e até a própria sanidade — em nome da liberdade. Foi uma performance que lhe valeu o Óscar de Melhor Ator, num filme que arrebatou os cinco principais prémios da Academia: Melhor Filme, Realização, Ator, Atriz e Argumento Adaptado. Um feito que, até hoje, apenas outros dois filmes conseguiram igualar: Aconteceu naquela Noite (1934) e O Silêncio dos Inocentes (1991).

O legado de Milos Forman e a força de um grito coletivo

O realizador checo Milos Forman, que fugira à censura do regime comunista, encontrou nesta história o tema que o acompanharia ao longo da vida: o conflito entre a liberdade individual e as instituições opressivas. Filmado com um realismo quase documental, Voando Sobre um Ninho de Cucos combina delicadeza e brutalidade, humor e tragédia — um equilíbrio raríssimo que o mantém vibrante cinco décadas depois.

A escolha de rodar em locais reais, com pacientes e funcionários de um hospital psiquiátrico do Oregon, conferiu-lhe uma autenticidade desconcertante. O filme nunca se limita a julgar ou diagnosticar: observa, escuta e emociona.

Meio século depois, ainda sentimos o mesmo soco

Ver Voando Sobre um Ninho de Cucos hoje é perceber que o tempo não lhe tirou nada. Pelo contrário, o tornou ainda mais urgente. Num mundo onde as instituições continuam a esmagar o indivíduo e onde a empatia escasseia, o filme de Forman continua a ser um lembrete de que a rebeldia — e o riso — também são formas de resistência.

E Jack Nicholson, com o seu olhar de loucura luminosa, permanece o coração pulsante dessa revolução cinematográfica.

“Alguns não são loucos… apenas não conseguem adaptar-se.”

— Randle P. McMurphy

Cinquenta anos depois, talvez ainda seja disso que o mundo precisa: de mais loucos que se recusem a adaptar-se.

Adam Sandler e George Clooney Juntos em Jay Kelly: A Nova Aposta da Netflix Para os Óscares

Clooney em crise, Sandler como agente improvável

A Netflix voltou a surpreender e lançou o primeiro trailer de Jay Kelly, a nova comédia dramática realizada por Noah Baumbach e coescrita com Greta Gerwig (Barbie). O filme junta duas estrelas improváveis no mesmo ecrã: George Clooney, como um ator em plena crise de identidade, e Adam Sandler, no papel do agente que tenta guiá-lo neste processo.

Sandler, habituado a papéis cómicos mais ligeiros, surge aqui num registo diferente, afastado do humor fácil que o tornou mundialmente conhecido, e mais próximo do tom agridoce que Baumbach costuma imprimir às suas histórias.

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O regresso de Baumbach à corrida dos prémios

A relação entre Baumbach e a Netflix já se mostrou frutífera no passado. Com The Meyerowitz Stories (2017) iniciou-se esta parceria, que ganharia força com Marriage Story (2019) — seis nomeações aos Óscares e vitória para Laura Dern — e continuou com White Noise (2022). Agora, com Jay Kelly, a plataforma volta a apostar forte para a temporada de prémios, depois da estreia mundial no Festival de Veneza.

Uma viagem entre arrependimentos e glórias

Segundo a sinopse oficial, a história acompanha Jay Kelly (Clooney), um célebre ator que parte numa viagem de autodescoberta, confrontando erros do passado e o peso do presente. Ao seu lado está o fiel agente Ron (Sandler), que se torna peça essencial nesta busca pelo equilíbrio entre arrependimentos e triunfos.

É uma narrativa que promete equilibrar humor e emoção, explorando o lado humano das grandes estrelas, mas com a ironia característica de Baumbach.

Elenco de luxo

Além de Clooney e Sandler, o filme conta ainda com um elenco secundário de peso: Laura Dern, Billy Crudup, Riley Keough, Jim Broadbent, Patrick Wilson, Alba Rohrwacher, Emily Mortimer, Isla Fisher e Giovanni Esposito. Greta Gerwig, parceira criativa e pessoal de Baumbach, também marca presença no ecrã.

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Estreia confirmada

Jay Kelly chega à Netflix a 5 de dezembro e já se posiciona como uma das grandes apostas da temporada. Resta saber se Clooney e Sandler vão conseguir transformar esta improvável dupla numa das surpresas mais marcantes do ano cinematográfico.

Eduardo Serra: O Mestre da Luz Português que Conquistou Hollywood

A morte de Eduardo Serra, aos 81 anos, deixa o cinema português e internacional mais pobre. O diretor de fotografia, considerado o mais internacional da sua área em Portugal, construiu uma carreira marcada pela elegância da luz e pela profundidade visual com que enriquecia cada filme.

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Um artista da imagem

Para o realizador João Mário Grilo, que trabalhou com Serra em O Processo do Rei (1989), esta foi uma “aliança decisiva”. A recriação visual do século XVII português exigia mais do que técnica: precisava de inteligência e sensibilidade, atributos que Serra dominava como poucos.

“Não era apenas um técnico, era um artista muito talentoso”, recordou Grilo, sublinhando que o diretor de fotografia conseguia explicar a razão de cada luz e cada plano, como se fosse um pintor a desenhar na tela do cinema.

Duas nomeações aos Óscares e um BAFTA

Nascido em Lisboa, em 1943, Eduardo Serra tornou-se referência mundial. Foi nomeado duas vezes para os Óscares, por As Asas do Amor (1997) e Rapariga com Brinco de Pérola (2003), este último também distinguido com o BAFTA de Melhor Fotografia. A recriação da luz da pintura flamenga nesse filme é hoje considerada uma das mais belas traduções visuais da história da arte para o cinema.

Colaborações internacionais e blockbusters

A sua carreira no estrangeiro levou-o a trabalhar com nomes como Claude Chabrol, Patrice Leconte, Michael Winterbottom, M. Night Shyamalan e Edward Zwick. Foi também responsável pela fotografia de dois filmes da saga Harry Potter, levando a sua assinatura estética a um dos maiores fenómenos de bilheteira da história do cinema.

Portugal no percurso

Apesar do sucesso internacional, Eduardo Serra não se desligou de Portugal. Trabalhou com realizadores como José Fonseca e Costa (A Mulher do Próximo, 1988), Luís Filipe Rocha (Amor e Dedinhos de Pé, 1991) e Fernando Lopes(O Delfim, 2001). Cada colaboração foi marcada por uma atenção exímia à atmosfera e à textura visual da narrativa.

Uma carreira sem paralelo

O Presidente da República, Marcelo Rebelo de Sousa, manifestou pesar pela morte do cineasta, lembrando “uma carreira internacional que não tem paralelo entre os diretores de fotografia portugueses” e o seu contributo “decisivo para a luz e a imagem” no cinema mundial.

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De Lisboa a Hollywood, passando por Paris, Eduardo Serra deixa um legado maior do que a soma das suas imagens: deixa-nos a certeza de que a luz, nas mãos certas, pode transformar-se em poesia.

Morreu Alan Bergman: O Homem que Pôs o Amor em Letra e Ganhou Óscares com Isso

🎵 “Mem’ries, light the corners of my mind…” — é impossível não cantarolar esta frase sem pensar em Alan Bergman. O lendário compositor norte-americano faleceu aos 99 anos, na sua casa em Los Angeles, na noite de quinta-feira. Estaria prestes a completar um século de vida a 11 de Setembro. Mas se o corpo se vai, o legado permanece — e que legado.

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Uma vida ao ritmo da música… e do cinema

Alan Bergman foi, ao lado da esposa Marilyn Bergman (falecida em 2022), um dos nomes mais influentes da canção cinematográfica norte-americana. Não estamos a falar apenas de um compositor: estamos a falar de uma dupla que ajudou a definir o som emocional de Hollywood durante décadas.

Os Bergman coleccionaram estatuetas douradas, Emmys, Grammys e reconhecimento de todas as áreas do entretenimento. A sua parceria com nomes como Michel Legrand, Marvin Hamlisch ou John Williams originou temas inesquecíveis — e sim, também daqueles que nos fazem puxar o lenço.

Canções que marcaram gerações (e ganharam prémios)

Se “The Way We Were” (O Nosso Amor de Ontem, 1973) vos soa familiar, é porque é mesmo um dos grandes clássicos da história do cinema. E deu aos Bergman e a Marvin Hamlisch um Óscar e um Grammy. A icónica “The Windmills of Your Mind”, do filme O Grande Mestre do Crime (The Thomas Crown Affair, 1968), composta com Michel Legrand, valeu-lhes o primeiro Óscar. Já Yentl (1983), protagonizado e realizado por Barbra Streisand, rendeu outra estatueta — desta vez pela banda sonora adaptada, novamente com Legrand.

Ao todo, Alan e Marilyn somaram 16 nomeações para os Óscares, conquistando três vitórias. Em 1983, chegaram mesmo a dominar a categoria de Melhor Canção Original com três das cinco nomeações — perderam, curiosamente, para Up Where We Belong, de Oficial e Cavalheiro.

Mais do que filmes: cultura pop e televisão

A música dos Bergman não ficou presa à fita de celulóide. Temas compostos por eles aparecem em Os Simpsons, Family Guy, Stranger Things, Hawkeye (Marvel) e até em Austin Powers, Escola de Rock ou Deadpool 2. As suas letras foram cantadas por lendas como Frank Sinatra, Barbra Streisand, Ray Charles, Tony Bennett, Dean Martin, Neil Diamond e Fred Astaire — um verdadeiro hall of fame da música.

Também escreveram canções para séries como Maude (1972) e Good Times (1974), além de participações marcantes no universo dos especiais de televisão de Barbra Streisand, que lhes valeram quatro Emmys.

Parcerias lendárias

É difícil enumerar todos os grandes nomes com quem colaboraram, mas aqui vai uma amostra:

  • Quincy Jones — juntos criaram “In the Heat of the Night” (1967), cantada por Ray Charles.
  • Dave Grusin — colaboraram em …E Justiça Para Todos (1979), Tootsie (1982), e Dias de Glória… Dias de Amor (1991).
  • John Williams — trabalharam em Fitzwilly (1967), Um Amor Simples (1972), Yes, Giorgio (1982) e Sabrina (1995).
  • Henry Mancini, Maurice Jarre, Johnny Mandel e Elmer Bernstein também cruzaram caminhos musicais com os Bergman.

Um toque de poesia em cada verso

Mais do que compositores de música, Alan e Marilyn eram poetas. A sua escrita conseguia condensar emoções complexas — amor, perda, nostalgia, esperança — em poucas linhas, com uma simplicidade desarmante.

Alan Bergman deixa-nos aos 99 anos, mas a sua música continuará a tocar, seja nos grandes ecrãs, nos discos antigos, nas playlists actuais ou nos cantos mais sentimentais da nossa memória. Afinal, como escreveu ele próprio:

“Mem’ries may be beautiful and yet, what’s too painful to remember, we simply choose to forget…”
Um Monge, Uma Espingarda e Muitas Surpresas: A Joia Nepalesa Chegou ao FilmIn 

Mas a música dele? Essa, nunca será esquecida

Miguel Gomes Convidado para a Academia de Hollywood 🎬

Realizador português junta-se ao seleto grupo que escolhe os Óscares

A Academia de Artes e Ciências Cinematográficas, que todos os anos nos dá razões para reclamar com os Óscares, acaba de convidar o realizador português Miguel Gomes para se juntar ao clube. Um clube exclusivo, note-se, com cerca de 10.500 membros, todos eles com direito a voto nas categorias da maior premiação da sétima arte.

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A notícia foi avançada pela própria Academia esta quinta-feira, acompanhada de uma lista com 534 novos convidados – o número mais elevado desde 2020. A justificação? Premiar artistas e executivos que se distinguiram “pelos seus contributos para o cinema”. Segundo os responsáveis da instituição, Bill Kramer e Janet Yang, esta seleção representa “compromisso com a criação cinematográfica” e pretende “refletir a diversidade da comunidade global do cinema”.

E entre as novas vozes com lugar à mesa das decisões da Academia, lá está Miguel Gomes, um dos nossos nomes maiores, que em 2024 brilhou em Cannes ao tornar-se o primeiro cineasta português a ganhar o prémio de Melhor Realizador. Fê-lo com Grand Tour, o seu mais recente filme, numa carreira recheada de distinções internacionais — de Tabu a Aquele Querido Mês de Agosto, passando por Diários de Otsoga.

Brasileiros, espanhóis… e Ariana Grande

Mas Miguel Gomes não está sozinho nesta ronda de convites. A lista também inclui a actriz brasileira Fernanda Torres, protagonista de Ainda Estou Aqui, filme que venceu o Óscar de Melhor Filme Internacional, bem como os realizadores Daniel Filho e Gabriel Mascaro, a produtora Maria Carlota Bruno e a figurinista Claudia Kopke. Albert Serra, cineasta espanhol habituado a coproduções com Portugal, também foi chamado.

E porque estamos a falar de Hollywood, há muitos rostos (e vozes) familiares para o público mais mainstream. Foram convidados, entre outros, Gillian Anderson, Dave Bautista, Emma Corrin, Sebastian Stan, Andrew Scott, Jeremy Strong, Ariana Grande e Aubrey Plaza. Um casting digno de um filme de super-heróis com orçamento da Marvel.

Um passo em frente… com algumas ausências

Os 534 convites reflectem a tentativa da Academia de se tornar mais representativa: 41% dos nomes são mulheres, 45% pertencem a comunidades sub-representadas e 55% são de fora dos EUA. Ainda assim, houve ausências notadas, como a da actriz trans espanhola Karla Sofía Gascón (Emilia Pérez), afastada por polémicas passadas, e a do actor Jonathan Bailey (Wicked), cuja ausência também fez levantar algumas sobrancelhas.

Um português na linha da frente

Se aceitar o convite, Miguel Gomes junta-se a um grupo restrito de portugueses que integram a Academia, como Patrícia Vasconcelos (directora de casting), os produtores Bruno Caetano e Luís Urbano e os realizadores Abi Feijó, João Gonzalez, Mónica Santos e Regina Pessoa.

Actualmente com 53 anos, nascido em Lisboa, Miguel Gomes está a preparar o seu próximo filme, Selvajaria, produzido pela Uma Pedra no Sapato. A obra é inspirada no clássico brasileiro Os Sertões, de Euclides da Cunha, que o cineasta considera “um dos melhores livros de sempre escritos em português”. Não duvidamos.

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Agora só falta mesmo uma nomeação. Ou duas. Ou três.

Pobres Criaturas: O Delírio Visual de Yorgos Lanthimos Chega à Televisão 📺✨

Vencedor de quatro Óscares e detentor do prestigiado Leão de Ouro no Festival de Veneza, Pobres Criaturas (Poor Things, 2023), do realizador grego Yorgos Lanthimos, chega finalmente à televisão portuguesa. A estreia acontece no dia 14 de março, às 21h30, no TVCine Top e no TVCine+, proporcionando aos espectadores a oportunidade de mergulhar numa das experiências cinematográficas mais fascinantes dos últimos anos.

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Com Emma Stone no papel mais ousado da sua carreira – o que lhe valeu o Óscar de Melhor Atriz –, esta é uma história de renascimento, emancipação e autodescoberta, embalada por um design de produção arrebatador e um universo visual que parece saído de um pesadelo steampunk com laivos de Alice no País das Maravilhas.

🧠 Uma Experiência Cinematográfica Única

Baseado no livro homónimo de Alasdair Gray, Pobres Criaturas reinterpreta o clássico de Frankenstein através de uma perspetiva feminista e satírica. A protagonista, Bella Baxter (Emma Stone), é uma jovem ressuscitada pelo excêntrico Dr. Godwin Baxter (Willem Dafoe), um cientista genial e grotesco que lhe dá uma segunda vida.

Embora tenha o corpo de uma mulher adulta, Bella possui a mente de uma criança. À medida que a sua curiosidade pelo mundo cresce, a jovem embarca numa jornada tumultuosa de descobertas, desafiando as convenções sociais e mergulhando de cabeça em tudo o que a vida tem para oferecer. Pelo caminho, cruza-se com Duncan Wedderburn (Mark Ruffalo), um advogado lascivo que a acompanha numa aventura repleta de excessos, erotismo e libertação.

🎭 Um Elenco de Luxo e um Momento Português

Além de Emma Stone e Willem Dafoe, o elenco de Pobres Criaturas conta ainda com Mark Ruffalo (nomeado ao Óscar de Melhor Ator Secundário), Christopher Abbott, Jerrod Carmichael e Rami Youssef. Para os portugueses, há um motivo extra de interesse: a fadista Carminho marca presença num dos momentos mais especiais do filme, numa Lisboa reinventada pelos olhos visionários de Lanthimos.

A nível técnico, o filme arrecadou estatuetas douradas para Melhor Caracterização, Melhor Figurino e Melhor Cenografia, consolidando-se como uma das obras mais visualmente impressionantes dos últimos anos.

🏆 Um Realizador Visionário

Conhecido pelo seu estilo provocador, Yorgos Lanthimos já nos brindou com obras como O Sacrifício de um Cervo Sagrado (2017) e A Favorita (2018). O seu cinema é caracterizado pelo humor negro, personagens excêntricas e uma abordagem surrealista, o que faz de Pobres Criaturas uma experiência única, perturbadora e cativante.

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Se ainda não tiveste oportunidade de ver este fenómeno cinematográfico no grande ecrã, marca na agenda: 14 de março, às 21h30, no TVCine Top e no TVCine+. Esta é uma viagem imperdível ao estranho e maravilhoso universo de Yorgos Lanthimos.

Óscares 2025: “Anora” foi o grande vencedor em noite histórica para o Brasil

“Anora” foi o grande vencedor da 97ª edição dos Óscares, que decorreu no Dolby Theatre, em Los Angeles, sucedendo a “Oppenheimer” na categoria de Melhor Filme.

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De resto, o filme de Sean Baker conquistou cinco estatuetas das seis a que estava nomeado. Mikey Madison também se destacou ao levar para casa a estatueta de Melhor Atriz, derrotando a super favorita Demi Moore (“A Substância”).

Apesar de Fernanda Torres não ter conquistado o prémio de Melhor Atriz, esta noite dos Óscares ficou para a história do cinema brasileiro, já que “Ainda Estou Aqui” levou para casa o galardão de Melhor Filme Internacional. Este foi o primeiro Óscar da história do Brasil.

“Isto vai para uma mulher que, depois de uma perda tão grande num regime tão autoritário, decidiu não se dobrar e resistir. Também vai para as mulheres extraordinárias que lhe deram vida: Fernanda Torres e Fernanda Montenegro”, disse o realizador Walter Salles ao receber a estatueta.

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Já Antony Brody conquistou o seu segundo Óscar da carreira, na categoria de Melhor Ator, pelo seu desempenho em “The Brutalist”.

Veja abaixo a lista completa dos vencedores.

Melhor Filme

  • Anora
  • O Brutalista
  • A Complete Unknown
  • Conclave
  • Dune – Duna: Parte Dois
  • Emilia Pérez
  • Ainda Estou Aqui
  • Nickel Boys
  • A Substância
  • Wicked

Melhor Realizador

  • Sean Baker – Anora
  • Brady Corbet – O Brutalista
  • Jacques Audiard – Emilia Pérez
  • Coralie Fargeat – A Substância
  • James Mangold – A Complete Unknown

Melhor Argumento Original

  • Anora – Sean Baker
  • O Brutalista – Brady Corbet e Mona Fastvold
  • A Verdadeira Dor – Jesse Eisenberg
  • O Atentado de 5 de Setembro – Moritz Binder, Tim Fehlbaum, Alex David
  • A Substância – Coralie Fargeat

Melhor Argumento Adaptado

  • Conclave – Peter Straughan
  • Emilia Pérez – Jacques Audiard
  • Nickel Boys – RaMell Ross and Joslyn Barnes
  • A Complete Unknown – Jay Cocks and James Mangold
  • Sing Sing – Clint Bentley and Greg Kwedar

Melhor Ator:

  • Adrien Brody – O Brutalista
  • Timothée Chalamet – A Complete Unknown
  • Colman Domingo – Sing Sing
  • Ralph Fiennes – Conclave
  • Sebastian Stan – The Apprentice – A História de Trump

Melhor atriz:

  • Mikey Madison – Anora
  • Demi Moore – A Substância
  • Cynthia Erivo – Wicked
  • Karla Sofía Gascón – Emilia Pérez
  • Fernanda Torres – Ainda Estou Aqui

Melhor atriz secundária:

  • Zoe Saldaña – Emilia Pérez
  • Monica Barbaro – A Complete Unknown
  • Ariana Grande – Wicked
  • Felicity Jones – O Brutalista
  • Isabella Rossellini – Conclave

Melhor Ator secundário:

  • Kieran Culkin – A Verdadeira Dor
  • Edward Norton – A Complete Unknown
  • Guy Pearce – O Brutalista
  • Jeremy Strong – The Apprentice – A História de Trump
  • Yura Borisov – Anora

Melhor Canção Original:

  • “El Mal” – Emilia Pérez
  • “Mi Camino” – Emilia Pérez
  • “Never Too Late” – Elton John: Never Too Late
  • “Like A Bird” – Sing Sing
  • “The Journey” – The Six Triple Eight

Melhor banda sonora original:

  • O Brutalista
  • Conclave
  • Emilia Pérez
  • Wicked
  • Robot Selvagem

Melhor Filme Internacional:

  • Ainda Estou Aqui – Brasil
  • A Rapariga da Agulha – Dinamarca
  • Emilia Pérez – França
  • A Semente do Figo Sagrado – Alemanha
  • Flow – Letónia

Melhor Filme de Animação:

  • Flow
  • Divertida-mente 2
  • Memórias de um Caracol
  • Wallace & Gromit: Vengeance Most Fowl
  • Robot Selvagem

Melhor Documentário

  • No Other Land
  • Porcelain War
  • Soundtrack to a Coup d’Etat
  • Black Box Diaries
  • Sugarcane

Melhor Guarda-Roupa:

  • Wicked
  • Nosferatu
  • A Complete Unknown
  • Conclave
  • Gladiador II

Melhor Caracterização:

  • A Substância
  • Wicked
  • A Different Man
  • Emilia Pérez
  • Nosferatu

Melhor design de produção:

  • Wicked
  • O Brutalista
  • Dune – Duna: Parte Dois
  • Nosferatu
  • Conclave

Melhor Som:

  • Dune – Duna: Parte Dois
  • Emilia Pérez
  • Wicked
  • Robot Selvagem
  • A Complete Unknown

Melhor Montagem:

  • Anora
  • O Brutalista
  • Conclave
  • Emilia Pérez
  • Wicked

Melhor Fotografia:

  • O Brutalista
  • Dune – Duna: Parte Dois
  • Emilia Pérez
  • Maria
  • Nosferatu

Melhores Efeitos Visuais:

  • Dune – Duna: Parte Dois
  • O Rei do Planeta dos Macacos
  • Wicked
  • Alien: Romulus
  • Better Man

Melhor curta em live-action:

  • I’m Not a Robot
  • The Last Ranger
  • A Lien
  • The Man Who Could Not Remain Silent
  • Anuj

Melhor curta de animação:

  • In the Shadow of the Cypress
  • Magic Candies
  • Wander to Wonder
  • Yuck!
  • Beautiful Men

Melhor Curta Documental:

  • The Only Girl in the Orchestra

Death by Numbers
I Am Ready, Warden
Incident
Instruments of a Beating Heart

Óscares: Os Momentos Mais Memoráveis da História da Cerimónia

A cerimónia dos Óscares tem sido palco de momentos inesquecíveis que marcaram a história do cinema. Desde discursos emocionantes a incidentes inesperados, relembramos alguns dos episódios mais memoráveis que ocorreram ao longo dos anos.

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1. O Protesto de Marlon Brando (1973)

Em 1973, Marlon Brando recusou o Óscar de Melhor Actor pelo seu desempenho em O Padrinho como forma de protesto contra a representação dos nativos americanos em Hollywood. No seu lugar, enviou a activista Sacheen Littlefeather, que subiu ao palco para recusar a estatueta e fez um discurso que dividiu opiniões na indústria cinematográfica.

2. A Selfie de Ellen DeGeneres (2014)

Durante a cerimónia de 2014, a apresentadora Ellen DeGeneres reuniu um grupo de estrelas como Meryl Streep, Bradley Cooper, Jennifer Lawrence e Lupita Nyong’o para tirar uma selfie que rapidamente se tornou viral. A imagem, publicada no Twitter, tornou-se uma das mais partilhadas de sempre, gerando milhões de interacções em poucas horas.

3. A Gafe do Melhor Filme (2017)

A 89.ª edição dos Óscares ficou marcada por um dos momentos mais embaraçosos da história da cerimónia. Warren Beatty e Faye Dunaway anunciaram La La Land como o vencedor de Melhor Filme, mas minutos depois foi revelado que o verdadeiro vencedor era Moonlight. O erro resultou de um envelope trocado e gerou confusão no palco, tornando-se um dos momentos mais icónicos (e insólitos) dos Óscares.

4. O Estalo de Will Smith a Chris Rock (2022)

O momento que ninguém esperava ocorreu em 2022, quando Will Smith subiu ao palco e deu um estalo ao comediante Chris Rock após este ter feito uma piada sobre a sua esposa, Jada Pinkett Smith. O incidente chocou o público e teve repercussões imediatas, levando Smith a ser banido da cerimónia por dez anos.

5. A Vitória de Hattie McDaniel (1940)

Em 1940, Hattie McDaniel fez história ao tornar-se a primeira pessoa negra a vencer um Óscar, pelo seu papel em E Tudo o Vento Levou. No entanto, a sua presença na cerimónia foi ofuscada pela segregação racial nos Estados Unidos, sendo obrigada a sentar-se numa mesa separada dos seus colegas de elenco.

6. A Queda de Jennifer Lawrence (2013)

Ao subir ao palco para receber o Óscar de Melhor Atriz pelo seu desempenho em Guia para um Final Feliz, Jennifer Lawrence tropeçou e caiu nas escadas. Apesar do embaraço, a atriz lidou com a situação com humor e graça, tornando o momento ainda mais icónico.

7. O “Streaker” dos Óscares (1974)

Em 1974, a cerimónia dos Óscares teve um momento inusitado quando Robert Opel, um activista pelos direitos LGBTQ+, correu nu pelo palco enquanto o apresentador David Niven tentava manter a compostura. O momento gerou gargalhadas no público e ficou para a história como uma das cenas mais inesperadas dos prémios da Academia.

8. A Vitória Póstuma de Heath Ledger (2009)

Em 2009, Heath Ledger foi premiado postumamente como Melhor Actor Secundário pelo seu papel como Joker em O Cavaleiro das Trevas. A sua família subiu ao palco para receber a estatueta numa homenagem emocionante ao talento e legado do ator.

9. O Discurso de Roberto Benigni (1999)

Ao vencer o Óscar de Melhor Filme Estrangeiro por A Vida é Bela, Roberto Benigni não conteve a alegria e subiu às cadeiras do público para celebrar efusivamente. O momento ficou marcado pela espontaneidade do realizador e actor italiano, que se tornou uma das personalidades mais queridas da noite.

10. A Apresentação de Hugh Jackman (2009)

Hugh Jackman trouxe uma nova energia à cerimónia de 2009 ao apresentar um número musical de abertura repleto de criatividade e humor. O seu desempenho foi amplamente elogiado e mostrou o talento multifacetado do ator, que conseguiu trazer frescura à habitual formalidade dos Óscares.

Estes momentos mostram como a cerimónia dos Óscares não é apenas uma celebração do cinema, mas também um palco de emoções, surpresas e episódios inesquecíveis. Afinal, parte do encanto da sétima arte é a sua capacidade de nos surpreender – seja dentro ou fora do ecrã.

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Djimon Hounsou Expõe a Realidade de Hollywood: “Ainda Luto Para Sobreviver”

Apesar de ter sido nomeado duas vezes para os Óscares e de ter participado em alguns dos maiores blockbusters das últimas décadas, Djimon Hounsou revelou que ainda luta para se sustentar financeiramente em Hollywood.

O ator beninense, conhecido pelas suas performances em filmes como Gladiador (2000), Diamante de Sangue (2006) e Amistad (1997), fez esta confissão numa entrevista recente à CNN’s African Voices Changemakers, onde denunciou o racismo sistémico e a falta de oportunidades justas na indústria do cinema.

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Um Talento Subestimado e Mal Pago

Com uma carreira que já ultrapassa as duas décadas, Djimon Hounsou afirmou que, apesar do reconhecimento crítico, ainda enfrenta dificuldades financeiras.

“Estou há mais de 20 anos a fazer filmes, com duas nomeações para os Óscares e participações em vários blockbusters, mas ainda luto para sobreviver. Sou definitivamente mal pago.”

Segundo o ator, mesmo após a sua estreia de grande impacto em Amistad, de Steven Spielberg, sentiu-se discriminado e ignorado pela indústria. Embora tenha sido nomeado para os Globos de Ouro, não recebeu uma indicação aos Óscares, algo que ele acredita estar relacionado com xenofobia e racismo.

“Na altura disseram que eu tinha acabado de sair do barco e das ruas. Mesmo tendo feito aquele filme com sucesso, não me viam como um ator digno de respeito.”

Racismo Sistémico e Oportunidades Desiguais

Hounsou já havia falado anteriormente sobre as dificuldades que enfrenta para conseguir papéis e salários justos, comparando-se a colegas que, com menos prestígio, conseguiram construir fortunas.

“Vejo pessoas no negócio que têm muito menos prémios e reconhecimento do que eu, mas que estão muito mais confortáveis financeiramente. Sinto-me enganado, tremendamente enganado.”

O ator lamenta que Hollywood ainda o veja como um estrangeiro, mesmo depois de tantos anos e sucessos. Ele já teve reuniões com estúdios onde ouviu frases como:

“Pensávamos que tinhas feito Amistad e depois desapareceste. Não sabíamos que estavas aqui como um verdadeiro ator.”

Segundo Hounsou, a luta pela diversidade e equidade na indústria do cinema ainda tem um longo caminho a percorrer.

Futuro Promissor, Mas Ainda com Desafios

Apesar das dificuldades, Djimon Hounsou não desiste e continua a trabalhar em novos projetos. O ator vai protagonizar vários thrillers, incluindo o filme de terror The Monster, dirigido por Darren Lynn Bousman (Saw), um filme de tubarões ao lado de Phoebe Dynevor, intitulado Beneath the Storm, e o intenso The Zealot, com Kodi Smit-McPhee.

Recentemente, também apareceu em sucessos como Shazam! Fúria dos Deuses e Gran Turismo, mas ainda não encontrou um projeto que, segundo ele, “lhe pague o que merece”.

“Nunca fiz um filme que me pagasse de forma justa.”

A questão levantada por Hounsou ressoa num momento em que a indústria de Hollywood enfrenta discussões sobre equidade salarial e representatividade racial. A sua história serve como um lembrete de que, mesmo com talento e reconhecimento, muitos artistas ainda enfrentam barreiras para obter o devido sucesso financeiro e profissional.

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Daniel Day-Lewis: O Ator com Três Óscares que Redefiniu a Arte da Interpretação

Daniel Day-Lewis é amplamente reconhecido como um dos maiores atores da história do cinema, sendo o único a vencer três Óscares na categoria de Melhor Ator. A sua dedicação extrema e a capacidade de se transformar completamente em personagens complexas tornaram-no uma lenda viva do cinema. Aqui está um olhar mais atento às três interpretações que lhe valeram os maiores galardões da Academia.

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1. My Left Foot (1989): A Jornada de Christy Brown

No seu primeiro Óscar, Daniel Day-Lewis impressionou o mundo com a sua interpretação de Christy Brown, um irlandês nascido com paralisia cerebral que só conseguia controlar o pé esquerdo. Baseado na autobiografia de Brown, o filme retrata a extraordinária luta de um homem para se tornar um escritor e pintor celebrado, apesar das enormes adversidades.

Day-Lewis mergulhou completamente no papel, permanecendo numa cadeira de rodas entre as gravações para captar de forma autêntica as limitações físicas de Brown. A sua performance, simultaneamente física e emocional, captura a frustração e o triunfo de viver com uma deficiência, estabelecendo-o como um talento único e inigualável na indústria cinematográfica.

2. There Will Be Blood (2007): Ambição e Decadência

O segundo Óscar chegou com There Will Be Blood, onde Daniel Day-Lewis encarnou Daniel Plainview, um implacável magnata do petróleo. Dirigido por Paul Thomas Anderson, o filme é uma exploração épica de ambição, ganância e decadência moral.

A intensidade da sua interpretação transformou Plainview numa figura memorável, com diálogos que se tornaram icónicos, como a célebre linha: “I drink your milkshake!”. O ator dedicou mais de um ano à produção, uma imersão que sublinha o seu compromisso com a autenticidade. Esta atuação consolidou a reputação de Day-Lewis como um dos maiores method actors da sua geração.

3. Lincoln (2012): O Retrato de um Presidente

O terceiro Óscar de Daniel Day-Lewis veio com Lincoln, a obra-prima de Steven Spielberg. No papel de Abraham Lincoln, o ator capturou a força tranquila, a convicção moral e o peso emocional de liderar os Estados Unidos durante a Guerra Civil.

A preparação meticulosa de Day-Lewis incluiu o estudo aprofundado da voz, da postura e dos escritos de Lincoln. O resultado foi uma interpretação profundamente humana que trouxe o presidente histórico para a vida de uma forma que cativou o público e os críticos, estabelecendo um novo padrão para interpretações biográficas no cinema.

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O Método por Trás da Lenda

Daniel Day-Lewis é conhecido pela sua abordagem única e imersiva da arte de representar. A sua dedicação inclui meses de pesquisa e preparação, onde ele vive como as suas personagens dentro e fora do set. Esta profundidade emocional e rigor técnico fizeram dele uma figura singular no cinema, um verdadeiro mestre do ofício.

As suas três atuações vencedoras do Óscar não são apenas conquistas pessoais, mas também contribuições significativas para a arte do cinema, inspirando gerações de atores e cineastas.

Cinema Mexicano brilha com “Emilia Pérez” e “Sujo”

O cinema mexicano vive um momento de destaque no panorama internacional, com obras que capturam a atenção de críticos e audiências por todo o mundo. Duas produções em particular, “Emilia Pérez” e “Sujo”, destacam-se pela sua abordagem inovadora e pela capacidade de abordar temas universais com profundidade emocional e técnica apurada.

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“Emilia Pérez”: Musical ousado com uma mensagem poderosa
Realizado pelo premiado cineasta francês Jacques Audiard, “Emilia Pérez” mistura elementos de drama, comédia e musical para contar a história de um traficante que muda de sexo para escapar à sua vida criminosa. A atriz transgénero Karla Sofía Gascón brilha no papel principal, trazendo autenticidade e emoção à personagem. Ao lado de Gascón, Zoe Saldaña interpreta a advogada de Emilia, numa performance que equilibra humor e humanidade.

Filmado na vibrante Cidade do México, o filme destaca-se pela sua estética visual deslumbrante e pela forma como utiliza o género musical para explorar questões como identidade, transformação e aceitação. “Emilia Pérez” já conquistou prémios em festivais internacionais, incluindo Cannes, e é apontado como um forte candidato na corrida aos Óscares.

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Sujo

“Sujo”: Um retrato visceral do crime organizado
Dirigido por Astrid Rondero e Fernanda Valadez, “Sujo” oferece uma visão crua e emocionante da luta de um jovem para escapar ao legado do pai, um sicário envolvido no mundo do crime organizado. Inspirado nos livros do jornalista Javier Valdez, assassinado por expor as ligações entre o narcotráfico e a política, o filme é um testemunho poderoso da resiliência humana.

Filmado em paisagens áridas e com um estilo quase documental, “Sujo” transmite um sentido de urgência e realismo que ressoa com o público. Escolhido para representar o México na categoria de Melhor Filme Internacional nos Óscares, a obra é uma afirmação da capacidade do cinema mexicano para contar histórias complexas e impactantes.

Um momento de ouro para o cinema mexicano
Estas duas produções refletem a riqueza cultural e criativa do México, reafirmando o país como um dos centros mais vibrantes da cinematografia mundial. Tanto “Emilia Pérez” quanto “Sujo” exploram temas universais como identidade, violência, justiça e esperança, garantindo que o cinema mexicano continua a conquistar o mundo.

Eddie Murphy revela arrependimento por recusar papel em “Quem Tramou Roger Rabbit”

O icónico ator Eddie Murphy confessou que rejeitar o papel principal em “Quem Tramou Roger Rabbit” é uma das decisões mais arrependidas da sua carreira. Durante uma entrevista com Jimmy Fallon, no programa “The Tonight Show”, Murphy revelou que não compreendeu o potencial do filme na altura, perdendo assim a oportunidade de fazer parte de um dos maiores sucessos dos anos 80.

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“Eu ia ser o Bob Hoskins”
No filme, lançado em 1988, o papel de Eddie Valiant, um detetive desiludido que interage com personagens animadas, foi interpretado por Bob Hoskins. No entanto, a oferta inicial foi feita a Murphy, que explicou os seus motivos para a recusa. “Eu ia ser o tipo do Bob Hoskins,” contou, referindo-se ao papel do detetive. Contudo, o conceito inovador do filme – que misturava animação com atores reais – parecia-lhe pouco convincente na altura. “Foi a única vez que recusei algo que se tornou um grande sucesso,” admitiu.

Uma decisão baseada em ceticismo
Murphy confessou que a razão por detrás da sua decisão foi a descrença na tecnologia de efeitos especiais. “Pensei: ‘O quê? Animação e pessoas? Isso parece uma m*rda para mim.’” Hoje, ao rever o filme, que se tornou um marco do cinema e dos efeitos visuais, Murphy não consegue evitar sentir-se arrependido. “Agora, sempre que vejo o filme, sinto-me um idiota,” brincou.

Uma carreira de grandes sucessos (e um grande ‘se’)
Apesar desta oportunidade perdida, Murphy construiu uma carreira lendária, sendo o primeiro ator a receber 1 milhão de dólares pelo seu papel de estreia em “48 Horas” (1982) e protagonizando filmes icónicos como “O Príncipe das Mulheres”, “Shrek”, e “Um Tira da Pesada”. No entanto, “Quem Tramou Roger Rabbit” permanece como o grande “e se” na trajetória do ator.

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O impacto de “Quem Tramou Roger Rabbit”
Realizado por Robert Zemeckis, “Quem Tramou Roger Rabbit” foi um marco na história do cinema, arrecadando mais de 329 milhões de dólares mundialmente e conquistando quatro Óscares, incluindo Melhores Efeitos Visuais. A combinação inovadora de animação e live-action abriu caminho para futuros filmes híbridos, tornando-se um clássico intemporal.

Embora Eddie Murphy não tenha integrado o elenco, a sua reflexão sobre a decisão é um lembrete de que até as maiores estrelas enfrentam dúvidas e arrependimentos na sua trajetória.

Samuel L. Jackson desmistifica o glamour dos Óscares: “É uma honra vencer, não ser nomeado”

Com uma carreira impressionante que abrange mais de 150 filmes, Samuel L. Jackson não tem receio de desafiar os discursos tradicionais de Hollywood. Durante uma recente entrevista à Associated Press, o icónico ator afirmou que a tão repetida frase “É uma honra ser nomeado” não reflete a realidade da indústria.

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A verdade sobre os prémios de Hollywood
Segundo Jackson, que foi nomeado apenas uma vez ao Óscar por “Pulp Fiction” em 1994, mas recebeu um prémio honorário em 2021, a verdadeira satisfação reside em ganhar, não em ser nomeado. “Quando dizem que é uma honra ser nomeado, não, não é. É uma honra vencer”, declarou sem rodeios. O ator criticou ainda o foco exagerado na temporada de prémios, descrevendo-a como “um concurso para o qual não nos voluntariamos” e salientando que muitos nomeados e até vencedores acabam esquecidos com o passar do tempo.

Uma carreira repleta de sucessos memoráveis
Jackson conquistou o público com papéis icónicos em filmes como “Pulp Fiction”, “Shaft”, “Tempo de Matar”, “Os Oito Odiados” e na saga “Star Wars”, onde deu vida ao Mestre Jedi Mace Windu. Além disso, é uma figura central no Universo Cinematográfico Marvel, como Nick Fury, e emprestou a sua voz ao Frozone nos filmes “The Incredibles”. A sua carreira variada inclui colaborações frequentes com realizadores como Quentin Tarantino e Spike Lee, cimentando o seu lugar como uma das lendas de Hollywood.

Reflexões de um veterano
Para Jackson, o foco da indústria deveria ser o trabalho em si e não os prémios. Apesar de ter alcançado o estatuto de estrela global, o ator mantém uma visão pragmática sobre a efemeridade do reconhecimento. “O que realmente importa são os filmes que fazemos e o impacto que têm nas pessoas”, afirmou.

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Com mais de cinco décadas de experiência, Samuel L. Jackson continua a redefinir o que significa ser uma estrela em Hollywood, mantendo-se autêntico e fiel às suas convicções.

Denzel Washington e a Amargura com os Óscares

Denzel Washington, um dos atores mais respeitados da sua geração, revelou recentemente à revista Esquire que ficou desiludido após perder o Óscar de Melhor Ator para Kevin Spacey em 2000. A performance de Washington em “The Hurricane” foi amplamente elogiada, tendo-lhe valido um Globo de Ouro, mas não foi suficiente para superar Spacey em “Beleza Americana”.

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Numa entrevista sincera, Washington admitiu que a derrota o afetou profundamente. “Senti-me como se ninguém se importasse comigo,” disse o ator. “Cheguei a um ponto em que deixei de ver os filmes candidatos aos Óscares. Pedi à minha mulher, Pauletta, que votasse por mim. Eu já não queria saber.”

Esta derrota marcou a segunda vez que Washington perdeu o prémio de Melhor Ator, tendo sido nomeado pela primeira vez por “Malcolm X” em 1992, quando o Óscar foi para Al Pacino. Contudo, a amargura deu lugar à redenção em 2002, quando Denzel venceu finalmente o Óscar de Melhor Ator por “Dia de Treino”, tornando-se o segundo ator afro-americano a conquistar este prémio.

Atualmente, Washington está novamente na corrida aos Óscares na categoria de Melhor Ator Secundário, graças à sua participação em “Gladiador II”. Apesar do passado tumultuoso com a Academia, o ator continua a ser uma figura central em Hollywood, reconhecido tanto pelo talento como pela resiliência.

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Esta história relembra que até os maiores talentos enfrentam obstáculos e decepções, mas também como a perseverança pode abrir caminho para o sucesso duradouro.

Eric Roberts Pede Desculpa à Irmã Julia Roberts em Novo Livro de Memórias

Eric Roberts, o ator de 68 anos, recentemente fez um pedido de desculpas público à sua irmã, a também atriz Julia Roberts. Este momento de reconciliação foi revelado no livro de memórias de Eric, intitulado “Runaway Train: Or The Story of My Life So Far”, onde o ator admite ter cometido erros no passado, especialmente em relação à forma como falava sobre a carreira da sua irmã.

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A história de sucesso de Eric Roberts em Hollywood começou nos anos 80, quando alcançou algum reconhecimento e até uma nomeação para os Óscares com o filme “Comboio em Fuga”. No entanto, a sua carreira viria a ser ofuscada pelo estrondoso sucesso de Julia Roberts, que apenas alguns anos depois de seguir os passos do irmão, viria a ser nomeada para os Óscares com os filmes “Flores de Aço” e “Pretty Woman”. Esta rápida ascensão da irmã causou tensões entre os dois, agravadas pelos problemas de Eric com o álcool e as drogas.

Eric Roberts, em várias ocasiões, gabou-se publicamente de ser o responsável pelo sucesso de Julia. Agora, num gesto de humildade e arrependimento, admite que tais comentários foram infundados e injustos. No seu livro, o ator reflete sobre o seu comportamento passado, pedindo desculpa à sua irmã de forma pública: “Agora uma das coisas pelas quais gostaria de pedir desculpa neste livro é por ter dito publicamente mais do que uma vez: ‘Se não fosse eu, não haveria Julia Roberts’. Não só isso é lamentável, mas também não é verdade.”

Apesar do pedido de desculpas, Eric admite que continua a viver “de cheque em cheque” e que muitas vezes não pode recusar propostas de trabalho. Por outro lado, Julia Roberts, vencedora de um Óscar, é descrita pelo irmão como uma “mulher muito motivada”, que teria alcançado o estrelato independentemente da sua influência.

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A relação entre os irmãos, que outrora foram inseparáveis, permanece tensa, com poucas aparições públicas juntos desde 1986. No entanto, este pedido de desculpas representa um esforço por parte de Eric para curar as feridas do passado e reconciliar-se com a sua irmã.

Sean Penn em “Mystic River” (2003): A Profundidade da Dor e a Glória de um Óscar

Sean Penn é amplamente reconhecido como um dos atores mais talentosos da sua geração, com uma carreira marcada por interpretações intensas e profundamente emocionais. Em 2003, Penn alcançou um dos momentos mais altos da sua carreira ao ganhar o Óscar de Melhor Ator pelo seu papel em “Mystic River”, um drama poderoso realizado por Clint Eastwood. O filme, baseado no romance homónimo de Dennis Lehane, explora como as feridas da infância podem evoluir para uma dor adulta que destrói vidas.

A Trama de “Mystic River”

“Mystic River” centra-se na história de três amigos de infância que cresceram juntos num bairro operário de Boston: Jimmy Marcus (Sean Penn), um ex-presidiário que agora gere uma pequena mercearia; Dave Boyle (Tim Robbins), um trabalhador da classe operária cuja vida foi marcada por um trauma na infância; e Sean Devine (Kevin Bacon), um detetive da polícia. O evento que muda para sempre a vida dos três ocorre quando Dave é raptado por dois homens que fingem ser polícias. Este incidente horrível quebra a inocência dos jovens, com consequências que se estendem até à idade adulta.

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Anos depois, o destino dos três volta a cruzar-se de forma trágica quando a filha de Jimmy, Katie (interpretada por Emmy Rossum), é brutalmente assassinada. A investigação do crime é liderada por Sean Devine, que tem de lidar não apenas com a pressão do caso, mas também com as emoções complexas derivadas do seu passado partilhado com Jimmy e Dave. À medida que a investigação avança, Dave torna-se um dos principais suspeitos, exacerbando ainda mais as tensões entre os três homens.

A Interpretação de Sean Penn

No papel de Jimmy Marcus, Sean Penn oferece uma interpretação devastadora e multifacetada que lhe valeu o seu primeiro Óscar de Melhor Ator. Penn retrata Jimmy como um homem consumido pela dor e pela sede de vingança, que luta para manter o controlo enquanto a sua vida se desmorona à sua volta. A dor crua e visceral que Penn transmite é palpável, tornando cada cena em que aparece uma lição de atuação. O momento em que Jimmy descobre o corpo da sua filha é particularmente impressionante, com Penn a canalizar uma angústia tão intensa que se tornou uma das cenas mais memoráveis do cinema contemporâneo.

Penn, conhecido pela sua abordagem meticulosa e imersiva à atuação, trabalhou de perto com Clint Eastwood para criar uma personagem que fosse ao mesmo tempo aterradora e profundamente humana. O próprio Eastwood, um realizador famoso pela sua economia de palavras e pelo seu estilo de direção direto, elogiou Penn pela sua dedicação e pela sua capacidade de se perder completamente no papel.

O Impacto de “Mystic River”

“Mystic River” foi amplamente elogiado pela crítica, não só pela sua realização e guião, mas também pelas performances arrebatadoras dos seus atores principais. Para além de Penn, Tim Robbins também foi galardoado com o Óscar de Melhor Ator Secundário pelo seu papel como Dave Boyle, um homem que luta para lidar com os demónios do seu passado. O filme foi igualmente um sucesso de bilheteira, arrecadando mais de 156 milhões de dólares a nível mundial.

O filme de Clint Eastwood destacou-se pelo seu tom sombrio e realista, uma exploração intensa da dor, culpa e vingança. Eastwood utilizou uma paleta de cores frias e uma cinematografia austera para reforçar o clima de tristeza e inevitabilidade que permeia a narrativa. A banda sonora, composta pelo próprio Eastwood, contribui ainda mais para a atmosfera melancólica, sublinhando o peso emocional das cenas sem nunca se sobrepor à ação.

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Conclusão

“Mystic River” permanece, até hoje, como um dos filmes mais poderosos e perturbadores do início do século XXI. A performance de Sean Penn é central para o impacto emocional do filme, consolidando o seu lugar como um dos maiores atores do seu tempo. O filme é uma obra-prima do drama, uma meditação sombria sobre como o passado pode assombrar o presente e como as escolhas feitas sob o peso da dor podem ter consequências devastadoras. Para qualquer amante de cinema, “Mystic River” é uma experiência cinematográfica imperdível, um exemplo brilhante de como o cinema pode explorar as profundezas da condição humana.