Estes São Mesmo os 8 Melhores Filmes do Sundance 2026 Segundo a Rotten Tomatoes

Do horror corporal à comédia romântica reconfortante, um festival em grande forma

O Sundance Film Festival 2026 despediu-se de Park City, no Utah, com emoção à flor da pele. Houve homenagens sentidas — como o tributo a Robert Redford, fundador do festival —, gargalhadas nostálgicas na sessão de aniversário de Little Miss Sunshine e, acima de tudo, cinema de alto nível. Muito cinema.

Apesar da incerteza sobre o futuro do festival na nova localização em Boulder, no Colorado, a edição de 2026 confirmou algo essencial: o Sundance continua a ser um dos grandes termómetros do cinema independente mundial. E segundo a Rotten Tomatoes, estes foram os oito melhores filmes exibidos no festival — uma selecção que atravessa géneros, tons e sensibilidades, mas que partilha um denominador comum: qualidade acima da média.

🎬 Os 8 filmes que marcaram o Sundance 2026

Ha-Chan, Shake Your Booty! (2026)

Uma comédia dramática vibrante sobre Haru, uma bailarina a recuperar de uma tragédia pessoal que encontra um novo impulso artístico — e emocional — graças a uma paixão inesperada. Com Rinko Kikuchi em grande forma e Alberto Guerra como instrutor carismático, o filme conquistou público e crítica pelo seu visual exuberante e pelo tom entre o delírio e a melancolia.

Josephine (2026)

Vencedor do Prémio do Público e do Grande Prémio do Júri, Josephine foi um dos títulos mais comentados do festival. A história acompanha uma criança que testemunha uma agressão sexual, filmada de forma a colocar o espectador dentro da mente traumatizada da protagonista. A interpretação de Mason Reeves foi amplamente elogiada, tal como o trabalho de Channing Tatum e Gemma Chan.

Mum, I’m Alien Pregnant (2026)

O título chama a atenção — e o filme corresponde. Esta comédia de horror corporal mistura gravidez alienígena, tentáculos e muito humor grotesco, num híbrido improvável entre mumblecore e gross-out horror. Estranho, encantador e surpreendentemente eficaz, tornou-se rapidamente um favorito cult do festival.

The Incomer (2026)

Uma comédia negra sobre isolamento distópico e choque cultural. Dois irmãos vivem numa ilha remota segundo regras rígidas deixadas pelo pai falecido, até à chegada de um funcionário público socialmente desajustado. O resultado é uma sátira deliciosa sobre integração social, identidade e crescimento pessoal, com gargalhadas desconfortáveis pelo meio.

The Invite (2026)

Uma das grandes sensações do Sundance. Realizado e protagonizado por Olivia Wilde, este dramedy farsesco acompanha um casal em crise forçado a engolir os seus problemas quando recebe vizinhos ainda mais caóticos para jantar. O guião de Will McCormack e Rashida Jones foi amplamente elogiado e o filme desencadeou uma guerra de licitações entre estúdios.

The Moment (2026)

O mockumentary de Charli XCX foi o bilhete mais disputado do festival. Inspirado em This Is Spinal Tap, o filme satiriza a indústria da música, a mercantilização da arte e a construção de marcas pessoais. Dividiu opiniões, mas conquistou críticos que elogiaram o humor afiado e a leitura certeira do conflito entre arte e comércio.

The Weight (2026)

Um drama histórico intenso protagonizado por Ethan Hawke. Ambientado durante a Grande Depressão, o filme segue um homem enviado para um campo de trabalho forçado e confrontado com uma proposta moralmente devastadora: contrabandear ouro para conquistar a liberdade. Um filme duro, exigente e amplamente elogiado pela interpretação física e emocional de Hawke.

Carousel (2026)

O título mais “confortável” da lista, mas não menos digno. Esta comédia romântica delicada acompanha um médico divorciado que reencontra um amor do passado. Com Chris Pine e Jenny Slate, Carousel conquistou críticos pela sua sensibilidade, paciência narrativa e charme clássico, evocando romances cinematográficos de outra era.

Sundance continua a ditar tendências

A selecção da Rotten Tomatoes confirma que o Sundance 2026 foi tudo menos tímido: houve risco, diversidade e propostas que vão do desconforto absoluto ao puro aconchego emocional. Se este é o prenúncio do cinema que aí vem, então o futuro continua — felizmente — muito independente.

Muito Barulho Mediático, Poucos Bilhetes Vendidos: Melania  Falha Estreia no Reino Unido

O documentário sobre a primeira-dama americana passa quase despercebido nas salas britânicas

Apesar de toda a polémica, curiosidade mediática e ruído político que antecederam a sua estreia, Melania revelou-se um verdadeiro fiasco comercial no Reino Unido. O documentário centrado na primeira-dama dos Estados Unidos arrecadou apenas cerca de 38.600 euros no seu primeiro fim-de-semana em cartaz, valor que o colocou num discreto 29.º lugar do box office britânico — muito longe de qualquer impacto relevante junto do público.

ler também : Jimmy Kimmel promete “invadir” os Óscares se documentário sobre Melania Trump for nomeado 

Exibido em 155 salas, o filme registou uma média de apenas cerca de 249 euros por cinema, um número que ajuda a explicar o cenário descrito por vários jornalistas: sessões quase vazias e, nalguns casos, totalmente desertas.

Um investimento milionário… com retorno mínimo

O desempenho fraco torna-se ainda mais embaraçoso quando comparado com o investimento envolvido. A Amazon terá desembolsado aproximadamente 33,9 milhões de euros apenas para adquirir os direitos de distribuição e assegurar a promoção do documentário. O custo total do projecto — produção incluída — é estimado em cerca de 69 milhões de euros.

Um contraste brutal com a realidade das salas britânicas, onde Melania mal conseguiu justificar a sua presença em cartaz.

Sessões vazias… e jornalistas em maioria

Antes da estreia, os sinais já eram preocupantes. Tim Richards, director executivo da cadeia de cinemas Vue, descreveu as vendas antecipadas como “fracas”. No dia de estreia, essa previsão confirmou-se: várias sessões decorreram com menos de meia dúzia de espectadores.

Em Londres, uma projecção no Vue Westfield Stratford contou com apenas cinco pessoas na sala — duas das quais jornalistas. Algumas exibições, como no Vue Islington, estiveram mais compostas, mas quase exclusivamente por membros da imprensa, depois de a Amazon ter decidido não realizar sessões de antevisão.

Enquanto 

Melania

 cai, outros filmes sobem

O contraste com outros títulos em exibição é particularmente revelador. No topo do box office britânico da semana surge Hamnet, realizado por Chloé Zhao, que liderou com cerca de 1,64 milhões de euros no fim-de-semana, elevando o seu total acumulado para aproximadamente 17,3 milhões de euros.

Outro caso que sublinha o embaraço de Melania é Iron Lung, um filme de terror independente financiado pelo YouTuber Mark Fischbach (Markiplier). Produzido com um orçamento modesto de cerca de 2,8 milhões de euros, o filme já arrecadou mais de 19 milhões de euros a nível global. No Reino Unido, alcançou o 4.º lugar, com receitas na ordem dos 1,11 milhões de euros, superando inclusivamente Shelter, protagonizado por Jason Statham.

Crítica demolidora, apoio ideológico

A recepção crítica a Melania tem sido amplamente negativa, com avaliações a rondar os 10% de aprovação da críticaem plataformas especializadas. Curiosamente, o público apresenta uma taxa de aprovação próxima dos 99%, algo interpretado por muitos analistas como um gesto político de apoio a Donald Trump, mais do que uma apreciação cinematográfica genuína.

ler também : Cinema Independente vs. Gigante de Hollywood: Amazon Impede Exibição de Melania num Cinema de Portland

Numa crítica particularmente dura, o jornalista Nick Hilton descreveu o filme como “algo entre reality show encenado e ficção deliberada”, afirmando que Melania “não é, na verdade, um documentário”.

Muito ruído, pouco cinema

No final de contas, Melania confirma um fenómeno cada vez mais comum: a polémica gera cliques, mas não garante espectadores. No Reino Unido, o filme fez muito barulho fora das salas — mas dentro delas, o silêncio foi quase total.

Paixão, Vento e Carne Viva: As Primeiras Reacções a Wuthering Heights de Emerald Fennell

Um clássico literário regressa… mais intenso do que nunca

A nova adaptação de Wuthering Heights ainda nem chegou oficialmente às salas de cinema e já está a incendiar as redes sociais. O filme realizado por Emerald Fennell teve esta semana as suas primeiras exibições para a imprensa e, apesar do embargo às críticas completas se manter até mais perto da estreia, marcada para 13 de Fevereiro, a Warner Bros. Picturesautorizou a divulgação de reacções nas redes sociais. O veredicto inicial parece consensual: esta versão de Wuthering Heights é intensa, visceral… e assumidamente ardente.

ler também : Pergunta Demais? SmartLess Entra em Terreno Escorregadio com Charli XCX

Baseado no romance publicado em 1847 por Emily Brontë, o filme transporta-nos para os ventosos e inóspitos páramos de West Yorkshire, cenário de uma das histórias de amor mais tóxicas, obsessivas e trágicas da literatura inglesa. No centro da narrativa estão Catherine Earnshaw e Heathcliff, duas figuras condenadas a amar-se de forma destrutiva.

Margot Robbie e Jacob Elordi no olho do furacão

Nesta nova leitura cinematográfica, Catherine é interpretada por Margot Robbie, enquanto Heathcliff ganha corpo através de Jacob Elordi. As primeiras reacções destacam a química explosiva entre os dois protagonistas, sublinhando uma abordagem física, crua e emocionalmente intensa à relação central do filme — algo que parece alinhar-se perfeitamente com o estilo provocador de Fennell.

O elenco conta ainda com Hong Chau, Shazad Latif, Alison Oliver, Martin Clunes e Ewan Mitchell, compondo um conjunto que promete dar profundidade e tensão a um universo já de si carregado de conflito.

Um clássico revisitado… outra vez, mas com nova ferocidade

Wuthering Heights é, provavelmente, um dos romances mais adaptados da história do cinema. Desde a versão clássica de 1939 realizada por William Wyler, com Laurence Olivier, passando pela interpretação de Ralph Fiennes em 1992, até à leitura mais austera e naturalista de Andrea Arnold em 2011, o material de Brontë tem sido constantemente reinterpretado à luz de diferentes sensibilidades.

A expectativa em torno desta nova versão nasce precisamente do histórico recente de Emerald Fennell. Depois do impacto crítico e político de Promising Young Woman, vencedor do Óscar de Melhor Argumento Original, e do fenómeno cultural Saltburn, a realizadora construiu uma reputação assente na provocação, no desconforto e na exploração de dinâmicas de poder.

Expectativa elevada antes da estreia

Sem críticas formais ainda disponíveis, as reacções iniciais apontam para uma adaptação que não suaviza o material original — pelo contrário, parece amplificar a sua natureza obsessiva e carnal. Se Wuthering Heights sempre foi uma história de amor que dói, a versão de Fennell promete fazê-lo com ainda mais intensidade.

ler também : Sorriam, Está Tudo Sob Controlo: Um Sinal Secreto Chega ao TVCine Top

A estreia acontece a 13 de Fevereiro. Até lá, o vento já começou a uivar… que mais não sejam as campanhas de vá ao cinema no dia dos namorados.

Pergunta Demais? SmartLess Entra em Terreno Escorregadio com Charli XCX

Um momento desconfortável que incendiou as redes sociais

O popular podcast SmartLess está no centro de uma polémica depois de um momento considerado desconfortável por muitos ouvintes durante uma conversa entre Jason Bateman e a cantora Charli XCX. O episódio, emitido esta semana, tinha como objectivo promover o novo filme da artista, The Moment, mas acabou por gerar reacções negativas devido a uma troca de palavras sobre maternidade.

Jimmy Kimmel promete “invadir” os Óscares se documentário sobre Melania Trump for nomeado 

Durante a conversa, Charli XCX falou abertamente sobre a sua infância como filha única e sobre a forma como os pais sempre apoiaram a sua carreira musical, chegando a acompanhá-la em actuações ainda adolescente. A artista explicou que essa experiência moldou a sua relação com o conflito e a maturidade emocional. Foi nesse contexto que Bateman lhe perguntou se pensava ter um filho — ou vários.

“Na verdade, não quero ter filhos”

A resposta da cantora foi directa e honesta: não sente vontade de ser mãe. Admitiu que a ideia pode mudar, mas reconheceu que o fascínio pela “fantasia” de ter um filho — como escolher um nome — lhe parece um sinal de que talvez ainda não esteja preparada. Uma reflexão pessoal, dita com leveza, que acabou por ganhar outro peso quando Bateman respondeu com uma história pessoal, sugerindo que Charli poderia “encontrar alguém” que a fizesse mudar de ideias.

A reacção da artista foi imediata: “Eu sou casada.” Bateman riu-se e respondeu que precisava de “ler um jornal de vez em quando”, assumindo o desconhecimento. O tom manteve-se cordial, mas nas redes sociais muitos fãs interpretaram o momento como pressão desnecessária sobre uma mulher em relação à maternidade, além de criticarem a falta de preparação do actor.

A filosofia do improviso… com riscos

O episódio reacendeu o debate em torno do formato do podcast, apresentado também por Will Arnett e Sean Hayes. Em SmartLess, apenas um dos anfitriões sabe quem será o convidado, enquanto os outros improvisam perguntas no momento. Esta abordagem espontânea é parte do charme do programa — e uma das razões do seu sucesso estrondoso, incluindo um contrato multimilionário com a SiriusXM.

No entanto, como ficou claro neste episódio, a improvisação também pode conduzir a momentos menos felizes. Ao longo da conversa, Bateman demonstrou desconhecer vários aspectos básicos da carreira de Charli XCX, incluindo o facto de a cantora ter popularizado o termo “brat”, algo que voltou a ser apontado como sinal de falta de pesquisa.

Sorriam, Está Tudo Sob Controlo: Um Sinal Secreto Chega ao TVCine Top

Sucesso, críticas e uma lição aprendida

Apesar da controvérsia, Charli XCX lidou com a situação com humor e serenidade, mostrando que aprendeu, ao longo dos anos, a gerir momentos de desconforto — mesmo sem irmãos para treinar em casa. Para SmartLess, fica o aviso: a informalidade pode ser uma virtude, mas nem sempre é inofensiva.

Um cerco real, uma arma ligada ao pescoço e a América em directo

Crime em Direto  (Dead Man’s Wire) estreia a 23 de Fevereiro e recupera um dos casos mais perturbadores dos anos 70

Inspirado num dos cercos mais mediáticos da história recente dos Estados Unidos, Crime em Direto — título nacional de Dead Man’s Wire — chega aos cinemas portugueses a 23 de Fevereiro, trazendo para o grande ecrã um episódio real que, em 1977, deixou um país inteiro colado à televisão. Mais do que um simples thriller baseado em factos verídicos, o filme revisita um caso que expôs de forma brutal as falhas do sistema financeiro, judicial e mediático norte-americano.

ler também : O fenómeno pop dos anos 90 regressa à televisão — mas desta vez sem filtros

Gus Van Sant e o regresso ao cinema da tensão moral

A realização pertence a Gus Van Sant, duas vezes nomeado aos Óscares da Academia por O Bom Rebelde e Milk. Conhecido pela sua abordagem contida e profundamente humana, Van Sant evita o sensacionalismo fácil e constrói um filme centrado na tensão psicológica, no desgaste emocional e na ambiguidade moral de todas as partes envolvidas.

O argumento é assinado por Austin Kolodney, que opta por uma reconstrução rigorosa dos acontecimentos, privilegiando o impacto humano do cerco e as questões éticas que dele emergem, em vez de uma dramatização excessiva.

Bill Skarsgård no centro do impasse

No papel de Tony Kiritsis surge Bill Skarsgård, numa interpretação intensa e desconfortável de um homem comum levado ao limite. Skarsgård afasta-se aqui de registos mais estilizados e mergulha numa personagem marcada pelo desespero, pela frustração acumulada e pela sensação de abandono por parte das instituições.

Ao seu lado, Dacre Montgomery assume um papel fundamental na dinâmica do cerco, acrescentando tensão emocional e conflito humano à narrativa, enquanto Coleman Domingo se destaca como uma das figuras-chave do sistema — seja ele judicial, policial ou mediático — oferecendo uma presença sólida e moralmente complexa, como já se tornou habitual na sua carreira.

Um acto extremo transmitido para todo o país

A 8 de Fevereiro de 1977, Tony Kiritsis entrou no escritório de Richard Hall, presidente da Meridian Mortgage Company, e tomou-o como refém de forma tão engenhosa quanto aterradora: uma caçadeira presa ao próprio pescoço, ligada por um fio — o “dead man’s wire” — que garantiria a morte de ambos caso o gatilho fosse libertado. O que começou como um acto isolado de desespero rapidamente se transformou num cerco policial prolongado, transmitido em directo pelas televisões norte-americanas.

À medida que as negociações se arrastavam, o caso deixava de ser apenas uma situação de reféns para se tornar um espelho de problemas estruturais: práticas financeiras abusivas, desigualdade de poder e um sistema judicial incapaz de responder eficazmente a quem se sente encurralado.

Um filme que recusa respostas fáceis

Crime em Direto não procura absolver nem condenar de forma simplista. Pelo contrário, coloca o espectador perante uma pergunta incómoda e actual: quando a lei falha em proteger os mais vulneráveis, onde começa — e acaba — a responsabilidade individual?

ler também : Christian Bale faz anos hoje — o actor que nunca se escondeu atrás do estrelato

Um filme tenso, sóbrio e profundamente inquietante, que prova que, por vezes, a realidade consegue ser mais perturbadora do que qualquer ficção.

Morreu Catherine O’Hara, actriz de culto entre a comédia absurda e o coração de Hollywood De Sozinho em Casa, uma carreira longa, singular e impossível de confundir

Morreu Catherine O’Hara, uma das grandes figuras da comédia norte-americana das últimas cinco décadas. A actriz tinha 71 anos e faleceu na sexta-feira, na sua casa em Los Angeles, na sequência de uma doença súbita, confirmou o seu agente à revista Variety. A notícia encerra uma carreira riquíssima, marcada por personagens excêntricas, um sentido de humor absolutamente próprio e uma rara capacidade para equilibrar o absurdo com a emoção mais genuína.

ler também : Melania: glamour em Washington, polémica internacional e estreia hoje em Portugal

Para o grande público, Catherine O’Hara será para sempre a mãe desesperada de Kevin McCallister em Sozinho em Casae Sozinho em Casa 2, mas o seu percurso vai muito além dessas comédias natalícias que se tornaram tradição televisiva. O’Hara foi uma actriz de actores, respeitada pelos pares e adorada por várias gerações de espectadores.

Uma carreira que começou na sátira — e nunca a largou

A carreira de Catherine O’Hara arrancou nos anos 70 com a mítica série canadiana Second City Television, onde se destacou pela versatilidade e pelo humor físico, conquistando o seu primeiro Emmy. Esse espírito irreverente acompanhá-la-ia por toda a vida, tanto no cinema como na televisão.

Nos anos 80, integrou filmes que hoje são considerados clássicos de culto, como Depois de Horas, Os Fantasmas Divertem-se e Best in Show. Tornou-se presença regular nos mockumentaries de Christopher Guest, participando também em À Espera de Guffman, Por Sua Consideração e A Mighty Wind, onde o improviso e o desconforto social eram levados ao limite com elegância rara.

O renascimento tardio com Moira Rose

Apesar de nunca ter desaparecido, foi já na casa dos 60 anos que Catherine O’Hara viveu uma inesperada e merecida segunda juventude artística. Aconteceu com Schitt’s Creek, onde interpretou a inesquecível Moira Rose, uma ex-socialite falida, dramática, extravagante e profundamente humana.

A personagem tornou-se um fenómeno cultural e valeu-lhe um segundo Emmy, além de a apresentar a uma nova geração de fãs. O sucesso da série abriu-lhe portas para novos projectos de relevo, incluindo The Last of Us e The Studio, cuja segunda temporada se encontrava em fase inicial de rodagem.

Vozes, regressos e despedidas discretas

Catherine O’Hara emprestou também a sua voz a filmes de animação marcantes, como O Estranho Mundo de Jack e Chicken Little. Nos últimos anos, regressou a personagens icónicas, nomeadamente Delia Deetz em Beetlejuice Beetlejuice, a sequela do clássico de Tim Burton, e integrou ainda o elenco de Argylle.

Nascida em Toronto, mas adoptada por Los Angeles, O’Hara tornou-se uma figura querida da cidade, tendo sido nomeada presidente honorária do bairro de Brentwood em 2021. Manteve sempre uma relação próxima com colegas de trabalho, incluindo Macaulay Culkin, a quem prestou homenagem na cerimónia da Calçada da Fama em 2023.

Um legado de humor inteligente e personagens inesquecíveis

Catherine O’Hara nunca procurou o estrelato fácil. Preferiu personagens estranhas, exageradas, desconfortáveis — e foi precisamente aí que se tornou única. A sua morte representa uma perda enorme para a comédia, mas o seu legado permanece intacto: dezenas de personagens que continuam a fazer rir, pensar e emocionar.

ler também : Christian Bale faz anos hoje — o actor que nunca se escondeu atrás do estrelato

Uma actriz verdadeiramente irrepetível.

Melania: glamour em Washington, polémica internacional e estreia hoje em Portugal

O documentário da primeira-dama divide atenções antes de chegar às salas portuguesas

O documentário Melania, centrado na vida de Melania Trump, chega hoje às salas de cinema portuguesas, com exibição assegurada em grande parte dos complexos da NOS Audiovisuais. A estreia acontece num contexto particularmente tenso a nível internacional, depois de o filme ter sido retirado das salas sul-africanas ainda antes da sua estreia naquele país, invocando-se de forma vaga o “clima atual”.

ler também : Christian Bale faz anos hoje — o actor que nunca se escondeu atrás do estrelato

O contraste não podia ser maior: enquanto em Washington o documentário foi apresentado numa noite de luxo, poder político e celebridades, na África do Sul o mesmo filme foi afastado silenciosamente da programação, levantando questões sobre política, diplomacia e liberdade de exibição cultural.

Uma estreia de alto perfil no coração do poder americano

A estreia mundial de Melania decorreu no Trump Kennedy Center, em Washington, perante uma plateia onde se misturaram membros do Governo norte-americano, figuras da música, empresários e personalidades mediáticas. Donald Trump marcou presença e descreveu o documentário como “uma história moderna da Casa Branca”, elogiando o seu potencial de sucesso junto do público.

Melania Trump surgiu como anfitriã da noite, vestida com um conjunto preto da Dolce & Gabbana, e acompanhada pelo realizador Brett Ratner e pelos produtores Fernando Sulichin e Marc Beckman. A primeira-dama afirmou estar “muito orgulhosa” do trabalho desenvolvido, destacando a coesão da equipa criativa.

Entre os convidados estiveram Robert F. Kennedy Jr., Nicki Minaj, Gianni Infantino, Waka Flocka Flame, Dr. Phil McGraw e Jordan Belfort, numa lista que sublinha a dimensão simbólica e mediática do evento.

Um filme retirado das salas sul-africanas antes da estreia

Quase em simultâneo com o brilho da estreia em Washington, surgiu a notícia de que Melania tinha sido retirado das principais cadeias de cinema da África do Sul, a Nu Metro e a Ster Kinekor, poucas horas antes da sua estreia internacional, prevista para 30 de Janeiro.

Em declarações ao portal News24, Thobashan Govindarajulu, responsável de marketing da distribuidora Filmfinity, afirmou que “tendo em conta o clima atual, o filme não será mais exibido em salas no território”, sem especificar a que clima se referia. A agência France-Presse acrescenta que não foi possível obter esclarecimentos adicionais junto da empresa.

A decisão surge num momento de relações particularmente tensas entre o Governo sul-africano e a administração Trump, marcadas por divergências diplomáticas profundas, incluindo críticas de Washington à política externa de Pretória e à acusação apresentada pela África do Sul contra Israel no Tribunal Internacional de Justiça.

Cinema, imagem e política — tudo no mesmo ecrã

Melania apresenta-se como um retrato próximo de 20 dias decisivos antes da tomada de posse de Donald Trump, acompanhando a primeira-dama num momento de transição e reposicionamento político. Mais do que um simples documentário biográfico, o filme assume-se como um exercício de controlo narrativo e de afirmação pública, algo que ajuda a explicar tanto o aparato da estreia americana como o desconforto gerado noutros contextos internacionais.

ler também : Morreu João Canijo, uma voz incómoda e essencial do cinema português

A chegada do documentário às salas portuguesas acontece, assim, envolta em polémica e curiosidade. Entre glamour, diplomacia e cinema político, Melania promete não passar despercebido — nem dentro, nem fora do grande ecrã.

Christian Bale faz anos hoje — o actor que nunca se escondeu atrás do estrelato

Um aniversário que é também um bom pretexto para revisitar uma carreira singular

Hoje, 30 de Janeiro, Christian Bale celebra mais um aniversário. Nascido em 1974, no País de Gales, o actor completa 52 anos e continua a ser uma das figuras mais respeitadas, imprevisíveis e exigentes do cinema contemporâneo. A data serve de excelente pretexto para revisitar uma carreira construída à margem da vaidade fácil, marcada por escolhas difíceis, transformações físicas extremas e uma recusa persistente em se repetir.

ler também : Morreu João Canijo, uma voz incómoda e essencial do cinema português

Num tempo em que Hollywood valoriza cada vez mais a presença mediática, Bale optou pelo caminho inverso: desaparecer dentro das personagens e deixar que os filmes falem por si.

De criança-prodígio a actor adulto sem rede de segurança

Christian Bale chamou a atenção do mundo ainda criança, ao protagonizar Império do Sol (1987), de Steven Spielberg. Com apenas 13 anos, revelou uma maturidade emocional rara, interpretando um rapaz britânico separado da família num campo de prisioneiros japonês durante a Segunda Guerra Mundial. O filme dividiu a crítica, mas houve unanimidade quanto a um ponto: aquele jovem actor não era um acaso.

Ao contrário de muitos actores-mirins, Bale conseguiu atravessar a transição para a idade adulta sem perder relevância. Durante os anos 90, alternou cinema, teatro e televisão, surgindo em títulos como Adoráveis Mulheres, Velvet Goldmine e Sonho de Uma Noite de Verão. Foram escolhas menos comerciais, mas fundamentais para cimentar uma identidade artística própria.

Psicopata Americano e o nascimento de um ícone incómodo

O verdadeiro ponto de viragem chega em 2000, com Psicopata Americano. A sua interpretação de Patrick Bateman — um yuppie narcisista, violento e emocionalmente vazio — tornou-se imediatamente icónica. Bale construiu uma personagem perturbadora, simultaneamente grotesca e fascinante, que permanece até hoje como uma das grandes criações do cinema moderno.

O filme dividiu opiniões, gerou polémica e consolidou a reputação do actor como alguém disposto a arriscar tudo por um papel. A partir daí, Bale deixou de ser apenas “promissor” para se tornar um actor central na sua geração.

O corpo como ferramenta dramática

Se há algo que distingue Christian Bale da maioria dos seus pares é a forma como transforma o corpo em extensão da personagem. Em O Maquinista (2004), emagreceu de forma extrema para interpretar um homem consumido pela culpa e pela insónia, num dos exemplos mais radicais de transformação física da história do cinema.

Pouco depois, surpreendeu novamente ao assumir o papel de Bruce Wayne na trilogia Batman: O Início, O Cavaleiro das Trevas e O Cavaleiro das Trevas Renasce, realizadas por Christopher Nolan. O seu Batman afastou-se do herói estilizado e aproximou-se de uma figura trágica, marcada pelo trauma e pela obsessão, ajudando a redefinir o género dos super-heróis no cinema moderno.

O reconhecimento da Academia — e a consagração definitiva

Em 2011, Christian Bale recebeu o Óscar de Melhor Actor Secundário pela sua interpretação de Dicky Eklund em O Lutador. O papel valeu-lhe também um Globo de Ouro, um SAG Award e vários prémios da crítica, confirmando aquilo que já era evidente: Bale era um actor de primeira linha, capaz de elevar qualquer projecto.

Nos anos seguintes, voltou a impressionar em filmes como Guia para um Escândalo Americano, A Queda de Wall Street e Vice – O Segundo na Sombra. Neste último, transformou-se fisicamente para interpretar Dick Cheney, recusando qualquer caricatura fácil e optando por uma composição fria, meticulosa e profundamente inquietante.

Um actor que prefere desaparecer

Apesar da fama, Christian Bale sempre manteve uma relação distante com o estrelato. Evita redes sociais, raramente concede entrevistas promocionais e vive longe dos grandes centros de exposição mediática. Casado desde 2000 com Sibi Blažić, pai de dois filhos, construiu uma carreira longa e sólida sem depender de polémicas externas.

O que permanece é o trabalho — rigoroso, obsessivo e, muitas vezes, desconfortável. Bale não procura agradar; procura compreender as personagens que interpreta, mesmo quando estas são moralmente repulsivas ou emocionalmente opacas.

Um aniversário com futuro pela frente

Ao celebrar mais um ano de vida, Christian Bale continua longe de qualquer ideia de acomodação. Cada novo projecto gera expectativa não pelo espectáculo exterior, mas pela curiosidade de descobrir que nova transformação, física ou emocional, irá surgir no ecrã.

ler também : Quando a maternidade se transforma num campo de batalha emocional: Se Eu Tivesse Pernas, Dava-te um Pontapé chega aos cinemas

Num cinema cada vez mais previsível, Bale permanece uma força inquieta. Um actor que faz do risco uma regra e da exigência uma ética. Hoje é dia de anos — mas o legado, esse, continua em construção.

Morreu João Canijo, uma voz incómoda e essencial do cinema português

Um cineasta que filmou o país sem filtros nem concessões

Morreu João Canijo, um dos realizadores mais importantes, coerentes e exigentes do cinema português das últimas décadas. Tinha 68 anos e faleceu esta quinta-feira, dia 29 de Janeiro, perto de Vila Viçosa, distrito de Évora, onde repartia residência com Lisboa. A notícia foi confirmada à agência Lusa por fonte da produtora Midas Filmes. Segundo informações avançadas pela CNN Portugal e pelo jornal Público, o cineasta terá sofrido um ataque cardíaco fulminante durante a noite, tendo o corpo sido encontrado pela empregada de limpeza.

ler também : Quando a maternidade se transforma num campo de batalha emocional: Se Eu Tivesse Pernas, Dava-te um Pontapé chega aos cinemas

Distinguido com o Urso de Prata no Festival de Berlim em 2023, João Canijo deixa uma obra marcada por uma visão implacável da sociedade portuguesa, quase sempre observada a partir do interior das famílias, dos conflitos domésticos e das tensões invisíveis que atravessam gerações. O seu cinema nunca foi confortável — e talvez por isso tenha sido tão necessário.

Do assistente ao autor: um percurso sólido e singular

Natural de Vinhais, no distrito de Bragança, João Canijo iniciou a sua carreira nos anos 1980 como assistente de realização, trabalhando com nomes fundamentais do cinema europeu como Manoel de Oliveira, Paulo Rocha e Wim Wenders. Em 1990 estreia-se na realização de longas-metragens com Filha da Mãe, assinando também a série televisiva Alentejo Sem Lei.

A partir daí construiu uma filmografia profundamente autoral, reconhecível pela forma como expõe feridas sociais raramente tratadas com complacência: machismo, imigração, prostituição, corrupção, marginalidade e dificuldades socioeconómicas. Como escreveu o investigador Daniel Ribas, trata-se de uma verdadeira “dramaturgia da violência”, onde o conflito é estrutural e raramente encontra redenção.

Filmes que ficaram — e que ficam

Entre os títulos mais marcantes da sua carreira contam-se Sapatos Pretos (1998), Ganhar a Vida (2001), Mal Nascida(2007) e, sobretudo, Sangue do Meu Sangue (2011), frequentemente apontado como uma das grandes obras do cinema português contemporâneo.

Em 2023, Canijo atinge um novo patamar de reconhecimento internacional com Mal Viver, vencedor do Urso de Prata em Berlim e candidato português aos Óscares. O filme acompanha uma família de mulheres que gere um hotel, vivendo num ambiente corroído por ressentimento e rancor, abalado pela chegada inesperada de uma neta. A obra dialoga directamente com Viver Mal, que observa a mesma realidade a partir do ponto de vista dos hóspedes.

Em 2024, esta dupla cinematográfica ganha uma nova dimensão com a série Hotel do Rio, exibida na RTP, apresentada como a “visão total” deste universo narrativo.

Um cinema feito de mulheres, tensão e verdade

Grande parte da força do cinema de João Canijo reside nas personagens femininas, complexas, contraditórias e centrais. Atrizes como Rita Blanco, Anabela Moreira, Beatriz Batarda, Madalena Almeida ou Cleia Almeida tornaram-se presenças recorrentes na sua obra, num trabalho continuado de cumplicidade artística raro no cinema português.

Outro momento relevante da sua carreira foi Fátima (2017), um filme rodado com 11 atrizes portuguesas numa peregrinação ao santuário, onde Canijo explorou não a fé, mas as dinâmicas de grupo entre mulheres. “As relações de grupo entre mulheres parecem-me muito mais interessantes do que com homens à mistura”, afirmou então à Lusa.

Projetos por concluir e um legado difícil de substituir

À data da sua morte, João Canijo encontrava-se a finalizar Encenação, longa-metragem protagonizada por Miguel Guilherme, centrada num encenador de teatro confrontado com a idade e com a relação com as suas atrizes. Deixa ainda por estrear o filme As Ucranianas.

ler também : De A Coisa a Inception: 25 filmes entram no Registo Nacional de Cinema dos Estados Unidos

Nas redes sociais, a Medeia Filmes recordou o cineasta com uma frase que resume bem a sua visão artística: “A verdade é a interpretação que cada um faz da realidade. E é uma escolha que cada um faz da realidade.” João Canijo fez essa escolha com frontalidade, rigor e uma recusa sistemática do facilitismo. O cinema português fica mais pobre sem ele — mas a sua obra permanece, incómoda, viva e indispensável.

Quando a maternidade se transforma num campo de batalha emocional: Se Eu Tivesse Pernas, Dava-te um Pontapé chega aos cinemas

Há filmes que se instalam lentamente no espectador e outros que entram sem pedir licença. Se Eu Tivesse Pernas, Dava‑te um Pontapé pertence claramente ao segundo grupo. O novo filme da realizadora Mary Bronstein estreia-se nas salas portuguesas a 19 de Fevereiro, trazendo consigo um retrato implacável do esgotamento emocional, da ansiedade e das pressões invisíveis associadas à maternidade contemporânea.

Protagonizado por Rose Byrne, o filme apoia-se quase integralmente numa interpretação intensa e sem rede de segurança, capaz de sustentar um drama psicológico que oscila entre o thriller emocional, o humor negro e uma sensação constante de colapso iminente.

Uma vida em queda livre

Linda é terapeuta, mãe e uma mulher que tenta desesperadamente manter o controlo quando tudo à sua volta começa a ruir. A filha desenvolve uma doença misteriosa e resistente a tratamentos, o marido está emocionalmente — e fisicamente — ausente, uma paciente desaparece sem explicação e a própria saúde mental de Linda começa a deteriorar-se a um ritmo alarmante.

O filme acompanha esta descida progressiva com um olhar próximo, quase claustrofóbico, recusando explicações fáceis ou soluções reconfortantes. A câmara insiste no desgaste, na repetição, na exaustão acumulada — como se o espectador fosse obrigado a partilhar o mesmo fôlego curto da protagonista.

Drama psicológico com nervo de thriller

Mary Bronstein constrói o filme com um ritmo tenso e nervoso, mais próximo de um thriller psicológico do que de um drama convencional. Cada situação quotidiana é tratada como um potencial detonador emocional, e o humor negro surge não como alívio, mas como mecanismo de sobrevivência.

Se Eu Tivesse Pernas, Dava-te um Pontapé fala de maternidade sem romantização, expondo as expectativas irreais, o isolamento silencioso e a culpa permanente que tantas vezes acompanham este papel. O resultado é um filme desconfortável, mas profundamente humano, que recusa suavizar a experiência feminina para consumo fácil.

Rose Byrne em estado de graça

O grande motor do filme é, sem dúvida, a prestação de Rose Byrne. A actriz — vencedora de um Globo de Ouro e nomeada para o Óscar, BAFTA e outros prémios de prestígio — entrega aqui uma das interpretações mais cruas e exigentes da sua carreira. A sua Linda é frágil, obsessiva, por vezes difícil de suportar, mas sempre reconhecível.

Esta performance valeu-lhe o Prémio de Melhor Atriz no Festival de Cinema de Berlim, consolidando o filme como uma das propostas mais intensas do cinema independente recente.

Uma estreia que não passa despercebida

Se Eu Tivesse Pernas, Dava-te um Pontapé chega aos cinemas como uma experiência imersiva, desconfortável e absolutamente contemporânea. Um filme que não procura agradar, mas sim confrontar — e que encontra na honestidade emocional a sua maior força.

Para quem procura cinema desafiante, centrado em personagens complexas e disposto a explorar zonas emocionalmente difíceis, esta é uma estreia a não ignorar.

Brian De Palma prepara novo regresso a Hollywood com talento brasileiro — e filmagens em Portugal

Aos 85 anos, Brian De Palma não mostra qualquer intenção de abrandar. Pelo contrário: o realizador norte-americano prepara-se para regressar aos sets com Sweet Vengeance, um novo projecto que marca o seu retorno ao cinema internacional e que conta com a participação de dois nomes centrais do cinema brasileiro contemporâneo.

A informação foi confirmada pelo produtor Rodrigo Teixeira, da RT Features, durante uma mesa-redonda da Mostra de Cinema de Tiradentes dedicada à internacionalização do audiovisual brasileiro. Segundo Teixeira, Sweet Vengeance terá direcção de fotografia de Pedro Sotero e figurinos de Cláudia Kopke.

Talento brasileiro ao serviço de um mestre do cinema

Pedro Sotero é amplamente reconhecido pelo seu trabalho em Bacurau e Aquarius, ambos realizados por Kleber Mendonça Filho, bem como em títulos mais recentes como Propriedade (2022) e Baby (2024). A sua fotografia, marcada por uma atenção rigorosa ao espaço e à textura da imagem, tornou-se uma referência no cinema brasileiro contemporâneo.

Já Cláudia Kopke chega a este projecto depois de assinar os figurinos de filmes emblemáticos como Que Horas Ela Volta? e Ainda Estou Aqui, este último distinguido com o primeiro Óscar da história do cinema brasileiro. O seu trabalho é frequentemente elogiado pela forma como contribui para a construção psicológica das personagens, sem nunca se impor de forma gratuita.

Um regresso aguardado de Brian De Palma

Sweet Vengeance será o primeiro filme de Brian De Palma desde Domino – A Hora da Vingança (2019). O realizador é responsável por uma filmografia fundamental do cinema norte-americano, que inclui títulos como Carrie, a Estranha, Vestida para Matar, Um Tiro na Noite, O Duplo e Os Intocáveis — obras que continuam a influenciar cineastas e espectadores décadas depois da sua estreia.

Embora os detalhes do enredo permaneçam em segredo, sabe-se que o filme será inspirado em dois homicídios reais, o que sugere um regresso a um território mais sombrio e próximo do thriller psicológico, género onde De Palma sempre se moveu com particular mestria.

Filmagens em Portugal e ambições internacionais

As filmagens de Sweet Vengeance deverão arrancar em Maio, em Portugal, reforçando a crescente atractividade do país como palco de produções internacionais de grande escala. A escolha sublinha também a vocação cada vez mais global da RT Features, produtora que tem no seu currículo filmes como Chama‑me Pelo Teu Nome, de Luca Guadagnino, e A Bruxa, de Robert Eggers.

Sem data de estreia definida e com o elenco ainda por anunciar, Sweet Vengeance começa desde já a gerar expectativa, não apenas pelo regresso de Brian De Palma, mas pela forma como cruza talento brasileiro, produção internacional e uma filmografia lendária que continua longe de dizer a última palavra.

Paul Dano reage às críticas de Tarantino — com classe, gratidão e o apoio de Hollywood

Nem todos os dias um actor é publicamente “arrasado” por Quentin Tarantino, muito menos por alguém conhecido por opiniões fortes e língua afiada. Mas foi exactamente isso que aconteceu com Paul Dano, alvo recente de comentários particularmente duros do realizador durante uma conversa no podcast de Bret Easton Ellis. A resposta de Dano? Elegância, contenção… e uma dose inesperada de gratidão.

ler também : Anos de Inquietude: quatro filmes, quatro olhares sobre a juventude em ebulição no TVCine Edition

“O mundo falou por mim”

Paul Dano abordou o tema esta semana no Festival de Sundance, onde marcou presença para celebrar os 20 anos de Little Miss Sunshine, filme que ajudou a consolidar o seu estatuto em Hollywood. Questionado pela Variety sobre a polémica, o actor optou por uma resposta desarmante:

“Foi mesmo muito bonito. Fiquei incrivelmente grato por o mundo ter falado por mim, para que eu não tivesse de o fazer.”

Uma frase simples, mas reveladora de alguém que prefere deixar o trabalho — e os colegas — falarem mais alto.

O ataque de Tarantino

A polémica teve origem em Dezembro, quando Tarantino afirmou que a presença de Dano em There Will Be Blood foi suficiente para fazer o filme cair do topo da sua lista pessoal de melhores filmes de sempre para o quinto lugar. O realizador descreveu a prestação de Dano como o “defeito” do filme, recorrendo a expressões como “weak sauce” e “weak sister”, e acrescentando que o actor lhe parecia uma “não-entidade” em cena.

Apesar de Tarantino ter clarificado que não considerava a performance “terrível”, a agressividade da crítica gerou reacções imediatas — não tanto pela opinião em si, mas pelo tom utilizado.

Hollywood fecha fileiras

A resposta da indústria foi rápida e praticamente unânime. Várias figuras de peso saíram em defesa de Paul Dano, sublinhando o seu talento e consistência ao longo da carreira. Entre os nomes que manifestaram apoio estiveram Ethan Hawke, Ben Stiller, Simu Liu e Reese Witherspoon, todos apontando Dano como um actor “brilhante” e “profundamente talentoso”.

Esta onda de solidariedade acabou por transformar um ataque isolado num raro momento de consenso em Hollywood — algo que, convenhamos, não acontece todos os dias.

Toni Collette não poupou palavras

Durante a celebração de Little Miss Sunshine em Sundance, houve ainda espaço para reacções menos diplomáticas. Toni Collette, colega de Dano no filme, foi directa ao assunto quando questionada sobre Tarantino:

“F*** that guy! Ele devia estar pedrado… Foi tudo muito confuso. Quem é que faz uma coisa dessas?”

Uma resposta crua, espontânea e muito alinhada com o espírito independente que sempre marcou o filme.

Um actor que não precisa de defesa

A ironia de toda esta situação é que Paul Dano nunca precisou verdadeiramente de ser defendido. A sua carreira fala por si: de Little Miss Sunshine a There Will Be Blood, passando por Love & Mercy, 12 Years a Slave ou mais recentemente The Batman, Dano construiu um percurso sólido, discreto e respeitado — precisamente o oposto do ruído mediático que agora o rodeia.

ler também : Muito Para Além do Mito: o retrato definitivo de Liza Minnelli chega finalmente ao cinema

No fim de contas, enquanto Tarantino continua fiel ao seu estilo incendiário, Paul Dano mostrou que há outras formas de lidar com a crítica: silêncio, gratidão e um reconhecimento sereno de que, às vezes, a melhor resposta vem dos outros.

Matt Damon escolhe o maior actor cómico de sempre – e não é quem está a pensar

Ao longo de uma carreira marcada por thrillers, dramas intensos e blockbusters de grande escala, Matt Damon nunca foi exactamente catalogado como um actor de comédia. Ainda assim, quem acompanha o seu percurso sabe que o actor sempre revelou um apurado sentido de tempo cómico, mesmo quando o riso não era o objectivo principal.

ler também: Depois de longa espera, o novo thriller de acção de Guy Ritchie com Henry Cavill já tem data marcada

Uma carreira onde a comédia aparece de surpresa

Nos anos 90, Damon mostrou essa faceta em filmes como Chasing Amy e Dogma, de Kevin Smith, onde provou que sabia lidar com diálogos rápidos e humor mordaz. Mais tarde, voltou a surpreender em Stuck on You, dos irmãos Farrelly, uma comédia hoje impensável em muitos aspectos, mas que na altura funcionou como um produto típico do início dos anos 2000.

Apesar de nunca se ter dedicado de corpo e alma ao género, Damon continuou a espalhar pequenos momentos cómicos ao longo da sua filmografia. A trilogia Ocean’s Eleven, Ocean’s Twelve e Ocean’s Thirteen, realizada por Steven Soderbergh, The Informant!, de Tom McCarthy, ou até as suas participações nos filmes de Thor realizados por Taika Waititi demonstram uma versatilidade rara. E sim, EuroTrip continua a ser citado com carinho por toda uma geração.

O génio que todos admiram, mesmo fora da comédia

Naturalmente, alguém com esta sensibilidade não deixa de reconhecer o verdadeiro génio quando o vê. Numa conversa com a Rotten Tomatoes, Matt Damon foi claro ao apontar quem considera ser o maior actor cómico de todos os tempos: Peter Sellers.

A escolha não é inocente. Sellers é o protagonista de Dr. Strangelove, de Stanley Kubrick, um dos filmes preferidos de Damon. No clássico de 1964, o actor britânico interpreta várias personagens com uma mestria que continua a surpreender décadas depois. Para Damon, a dúvida nem sequer se colocava entre vários títulos: o importante era garantir que Peter Sellers estava presente.

“Ele é absolutamente brilhante e terrivelmente engraçado”, afirmou o actor, resumindo uma opinião partilhada por nomes como Jim Carrey, Steve Martin, Mike Myers ou Will Ferrell, todos assumidamente influenciados pelo trabalho de Sellers.

Um legado impossível de ignorar

Apesar da fama de difícil nos bastidores, poucos negam o impacto duradouro de Peter Sellers na história do cinema. A sua capacidade camaleónica, o risco constante e a inteligência do seu humor fizeram dele uma referência transversal, respeitada tanto por actores de comédia como por intérpretes mais associados ao drama.

ler também : De McDreamy a assassino: Patrick Dempsey estreia-se na acção numa série que está a dividir a crítica

Será Peter Sellers o maior actor cómico de sempre? A resposta continua aberta, mas quando um actor como Matt Damon o coloca nesse pedestal, é difícil discordar. Pelo menos, no panteão dos grandes, o seu lugar está mais do que garantido.

Depois de longa espera, o novo thriller de acção de Guy Ritchie com Henry Cavill já tem data marcada

Demorou mais do que o previsto, alimentou rumores e levantou dúvidas, mas agora é oficial: Guy Ritchie está finalmente pronto para regressar ao grande ecrã com In the Grey. O aguardado thriller de acção protagonizado por Henry Cavillestreia a 10 de Abril de 2026, mais de um ano depois da data inicialmente anunciada.

Um regresso à acção com assinatura Ritchie

In the Grey acompanha uma equipa secreta de operacionais de elite que vive nas sombras do sistema global. São tão eficazes a manipular poder e influência como a manusear armas automáticas e explosivos de alto calibre. Quando um déspota implacável se apodera de uma fortuna avaliada em mil milhões de dólares, a equipa é enviada para a recuperar numa missão que, para qualquer outra pessoa, seria puro suicídio.

ler também: Um homem armado de canções: Bob Marley: One Love chega à televisão portuguesa

Aquilo que começa como um golpe aparentemente impossível rapidamente se transforma num conflito total, onde estratégia, engano e sobrevivência se misturam num cenário de guerra aberta. Tudo elementos familiares para quem conhece o cinema de Guy Ritchie, aqui novamente a escrever e a realizar, prometendo ritmo acelerado, diálogos afiados e personagens maiores do que a vida.

Um elenco de luxo e um adiamento estratégico

Além de Henry Cavill, o filme conta com Jake Gyllenhaal, Eiza González, Kristofer Hivju, Fisher Stevens e Rosamund Pike. Um elenco claramente pensado para dar músculo dramático e carisma a um projecto ambicioso.

Originalmente previsto para Janeiro de 2025, poucos meses após The Ministry of Ungentlemanly Warfare, o filme acabou por ser retirado do calendário no final de 2024. Na altura, a Lionsgate justificou a decisão afirmando que o projecto “ainda não estava pronto”. Houve quem especulasse que o adiamento estaria ligado ao desempenho modesto do anterior filme da dupla nas salas de cinema — algo que acabou por ser parcialmente compensado pelo sucesso posterior em streaming.

Confiança total no projecto

Benjamin Kramer, responsável pela distribuição nos EUA da Black Bear, não esconde o entusiasmo: elogia Guy Ritchie como um dos grandes mestres do cinema de acção moderno e garante que In the Grey concentra “cada grama do seu estilo e humor característicos”, sublinhando ainda a importância da colaboração com a Lionsgate para tornar o lançamento possível.

Ritchie e Cavill: dois nomes sempre em movimento

Desde a última colaboração, ambos têm mantido agendas recheadas. Ritchie lançou Fountain of Youth na Apple TV+, com John Krasinski, e prepara ainda a comédia negra Wife & Dog. Pelo caminho, esteve envolvido em séries como The Gentlemen, Mobland e Young Sherlock, além de vários documentários.

Já Henry Cavill, após uma participação especial em Deadpool & Wolverine, prepara um futuro igualmente intenso, que inclui Enola Holmes 3, Voltron, o aguardado remake de Highlander e uma ambiciosa série de Warhammer 40,000 para a Prime Video.

ler também : “Uma pantera com boas intenções”: Tennessee Williams sobre Paul Newman e o peso da beleza

Depois de tanta espera, In the Grey começa finalmente a ganhar forma concreta. Resta agora saber se o filme vai corresponder às expectativas… mas com Guy Ritchie e Henry Cavill no comando, pelo menos matéria-prima não falta.

O “Não” Que Mudou Hollywood: Don Johnson Recusou o Filme Que Transformou Kevin Costner numa Estrela

Uma decisão improvável nos anos 80 que continua a intrigar cinéfilos

Há decisões em Hollywood que parecem inexplicáveis à distância. Uma delas aconteceu em 1986, quando Don Johnson, então no auge da popularidade graças a Miami Vice, recusou o papel principal em Os Intocáveis, de Brian De Palma. O filme viria a tornar-se um clássico do cinema de gangsters… e a lançar definitivamente Kevin Costner para o estrelato.

ler também : Wesley Snipes faz 74 anos: o legado de um ícone que redefiniu o cinema de acção

À primeira vista, parecia dinheiro fácil e prestígio garantido. Um grande realizador, um argumento ambicioso e um lugar de destaque num épico criminal sobre Eliot Ness e Al Capone. Mas Johnson viu exactamente o contrário: um risco sério de ficar preso para sempre ao mesmo tipo de personagem.

Quando Miami Vice era o centro do mundo

Entre 1984 e 1989, Miami Vice foi um fenómeno cultural. Carros desportivos, fatos italianos, cores pastel e música pop definiram uma estética que marcou toda uma década. Don Johnson, no papel do detective Sonny Crockett, tornou-se um ícone global quase da noite para o dia.

Curiosamente, esse sucesso absoluto não lhe trouxe conforto. Pelo contrário. Johnson sentia-se sufocado pela imagem do “polícia estiloso” e receava tornar-se um actor de um só registo. Num meio onde o rótulo pode ser uma sentença, decidiu travar antes que fosse tarde demais.

O convite de Brian De Palma — e a recusa imediata

Quando Brian De Palma lhe apresentou o projecto de Os Intocáveis, Johnson não ficou impressionado. O argumento que leu pareceu-lhe superficial, excessivamente decorativo e pouco desafiante. Eliot Ness, aos seus olhos, era apenas mais um polícia bem-apessoado, sem margem para crescimento dramático.

Anos mais tarde, numa conversa no podcast WTF with Marc Maron, Johnson explicou o seu raciocínio com franqueza: precisava de separar Don Johnson de Sonny Crockett “o mais depressa possível” e escolher projectos diametralmente opostos para evitar o temido typecasting. Recusar Os Intocáveis foi, para ele, um acto consciente de sobrevivência artística.

O actor admitiu ainda que desconhecia um detalhe crucial: Robert De Niro iria interpretar Al Capone. Se soubesse, garante que a decisão teria sido outra.

Kevin Costner: o homem certo, na hora certa

Sem Don Johnson, o papel acabou nas mãos de Kevin Costner, então um actor praticamente desconhecido. O timing foi perfeito. Os Intocáveis não só foi um sucesso comercial e crítico, como abriu caminho a uma carreira fulgurante, que incluiria Dances with Wolves, JFK e The Bodyguard.

Curiosamente, Costner não era o primeiro nome numa longa lista de actores abordados — Gene Hackman, Harrison Ford e Mickey Rourke também terão recusado. Às vezes, Hollywood funciona mesmo assim: quem aceita o papel que ninguém quer acaba por ganhar tudo.

Vida depois da recusa (e depois do Vice)

Após dizer “não” ao filme que podia tê-lo tornado uma estrela de cinema, Don Johnson seguiu outros caminhos — nem sempre felizes. Fez uma comédia romântica discreta (Sweet Hearts Dance), arriscou em projectos menores e acabou por perder o embalo enquanto protagonista de grandes produções.

Ironia das ironias, regressou ao papel de polícia nos anos 90 com Nash Bridges, voltando a patrulhar as ruas — desta vez sem fatos Armani, mas com o mesmo carisma. Mais tarde, reinventou-se como actor de carácter em filmes como Django Unchained e Knives Out.

Arrependimento? Nem pensar

Apesar de tudo, Don Johnson garante que nunca se arrependeu da decisão. Na altura, estava envolvido em música, corridas de lanchas rápidas e múltiplos projectos. Recentemente, participou na série Doctor Odyssey, entretanto cancelada, mostrando que continua activo e selectivo.

ler também : “Uma pantera com boas intenções”: Tennessee Williams sobre Paul Newman e o peso da beleza

Recusar Os Intocáveis pode ter custado uma carreira de blockbusters. Mas, para Johnson, foi o preço justo por manter controlo sobre quem queria ser — dentro e fora do ecrã.

Wesley Snipes faz 63 anos: o legado de um ícone que redefiniu o cinema de acção

Estilo, intensidade e uma presença impossível de ignorar

Há actores que atravessam décadas sem nunca perderem identidade. Wesley Snipes é um desses casos raros. Aos 63 anos, celebrados hoje, o actor continua a ser uma referência incontornável do cinema de acção — não apenas pelo impacto físico dos seus papéis, mas pela forma como elevou o género, trazendo-lhe carisma, técnica e uma intensidade muito própria.

ler também : A audição que mudou A Lista de Schindler — e a carreira de um actor

Falar de Wesley Snipes é falar de presença. Daquele tipo de magnetismo que prende o olhar do espectador mesmo quando não é o protagonista absoluto da cena. Desde cedo, Snipes mostrou que não queria ser apenas “mais um”. Queria deixar marca. E deixou.

Blade e a revolução silenciosa do género

É impossível não começar por Blade. Lançado numa altura em que o cinema de super-heróis ainda procurava o seu tom, o filme não só foi um sucesso comercial como redefiniu o que era possível fazer dentro do género. Snipes deu corpo a um herói sombrio, letal e profundamente cool, combinando artes marciais de alto nível com uma atitude que se tornaria icónica.

Muito antes do domínio absoluto da Marvel nos cinemas, Blade provou que personagens de banda desenhada podiam resultar em filmes adultos, violentos e esteticamente marcantes. E fê-lo graças, em grande parte, à entrega total do seu protagonista.

Muito mais do que um herói de acção

Reduzir Wesley Snipes ao cinema de acção seria profundamente injusto. Ao longo da carreira, mostrou uma versatilidade notável, tanto em dramas como em comédias. Filmes como White Men Can’t Jump revelaram um talento natural para o humor e o ritmo de comédia, enquanto Jungle Fever, de Spike Lee, expôs uma faceta mais crua e emocionalmente complexa.

Snipes nunca teve medo de arriscar. Escolheu projectos desconfortáveis, personagens ambíguas e histórias que nem sempre seguiam o caminho mais seguro. Essa coragem artística é parte essencial do seu legado.

Disciplina, artes marciais e respeito pelo ofício

Outro elemento que distingue Wesley Snipes é a sua impressionante formação em artes marciais. Praticante de várias disciplinas, o actor trouxe uma autenticidade física raramente vista em Hollywood. Cada movimento, cada combate, cada gesto tinha peso real — não era apenas coreografia, era linguagem corporal.

Essa disciplina reflecte-se também na forma como encara o trabalho de actor: com respeito, entrega e uma ética profissional que sempre falou mais alto do que modas ou tendências passageiras.

Celebrar 63 anos é celebrar uma carreira com impacto

Este aniversário não é apenas uma data simbólica. É a celebração de uma carreira construída com persistência, talento e uma vontade constante de ir mais longe. Wesley Snipes influenciou gerações de actores, abriu portas e ajudou a redefinir o que significa ser uma estrela de cinema de acção.

ler também : “Uma pantera com boas intenções”: Tennessee Williams sobre Paul Newman e o peso da beleza

Hoje, celebramos 63 anos de um percurso extraordinário — e de um impacto que continua bem vivo. 🎬

(corrigido no dia 29 de Janeiro de 2026)

“Isto não estava no meu bingo”: O trailer de The Odyssey de Christopher Nolan apanha fãs de surpresa

Travis Scott surge no épico histórico e a Internet entrou em curto-circuito

Os fãs de Christopher Nolan estão todos a dizer a mesma coisa — e, desta vez, não é sobre cronologias complexas ou teorias mirabolantes. O mais recente teaser de The Odyssey, adaptação ambiciosa do poema épico de Homero, deixou o público genuinamente surpreendido ao revelar uma presença inesperada: Travis Scott.

O teaser, com cerca de um minuto, foi exibido durante um intervalo publicitário da transmissão do jogo do Campeonato AFC da NFL, entre os New England Patriots e os Denver Broncos. Bastou isso para incendiar as redes sociais. Não por causa das imagens grandiosas, nem do tom épico habitual de Nolan — mas porque, no meio da cena, surge Travis Scott, num papel que parece marcar a sua estreia num grande filme de estúdio.

Um bardo, um aviso… e um choque colectivo

No excerto revelado, vemos Jon Bernthal no papel de Menelau e Tom Holland como Telémaco, reunidos numa espécie de refeitório militar. A tensão é palpável. De repente, a personagem interpretada por Travis Scott levanta-se, bate com um bastão no chão e profere um aviso solene sobre uma guerra iminente e um estratagema destinado a destruir Tróia.

O momento é curto, mas suficiente para provocar uma reacção em cadeia. “Travis Scott num filme do Christopher Nolan não estava no meu bingo”, escreveu um utilizador na rede social X. Outros seguiram o mesmo tom de incredulidade: “Nunca pensei ler esta frase” ou “Nem sabia que ele entrava no filme”.

Rappers no cinema: moda passageira ou aposta séria?

Como é habitual nestes casos, nem todas as reacções foram entusiastas. Houve quem questionasse porque razão tantos rappers estão a tentar a sorte na representação. A comparação surgiu rapidamente com A$AP Rocky, que recentemente entrou no drama If I Had Legs I’d Kick You, ao lado da actriz Rose Byrne.

Ainda assim, muitos fãs mostraram curiosidade e até optimismo. Para alguns, Nolan é precisamente o realizador certo para testar este tipo de escolha improvável. “Se há alguém que consegue tirar algo interessante daqui, é o Nolan”, lia-se noutro comentário.

Um épico de luxo com um elenco impressionante

The Odyssey tem estreia marcada para 17 de Julho e apresenta Matt Damon no papel de Ulisses (Odysseus), rei de Ítaca, acompanhando a sua longa e atribulada viagem de regresso a casa após a Guerra de Tróia. O elenco é, sem exagero, de luxo: Robert Pattinson, Zendaya, Charlize Theron, Anne Hathaway, Mia Goth e Benny Safdie completam o grupo.

Uma colaboração que não é totalmente inédita

Apesar de ser a sua estreia num grande épico cinematográfico, Travis Scott já tinha trabalhado com Nolan. O rapper assinou a música “The Plan”, incluída na banda sonora de Tenet. Ainda assim, vê-lo agora em frente à câmara, num universo tão distante do seu habitat musical, é outra conversa.

Se esta escolha vai resultar ou não, só o filme o dirá. Para já, uma coisa é certa: The Odyssey conseguiu aquilo que Nolan raramente falha — pôr toda a gente a falar.

Surpresa, política e ausências sonantes: One Battle After Another lidera as nomeações para os BAFTA

Thriller de Leonardo DiCaprio destaca-se numa edição marcada por diferenças face aos Óscares

As nomeações para os BAFTA Film Awards deste ano confirmam aquilo que já se vinha a desenhar nas últimas semanas: o cinema britânico e internacional segue caminhos próprios, nem sempre alinhados com Hollywood. O grande destaque vai para One Battle After Another, thriller político protagonizado por Leonardo DiCaprio, que lidera a corrida com 14 nomeações, tornando-se o filme mais nomeado desta edição.

ler também: Quando a Exaustão Ganha Forma de Thriller: Se Eu Tivesse Pernas, Dava-te Um Pontapé Chega aos Cinemas

Logo atrás surge o vampírico Sinners, com 13 nomeações, enquanto Hamnet e a inesperada biografia desportiva Marty Supreme arrecadam 11 nomeações cada. Apesar do forte desempenho, nenhum destes títulos conseguiu igualar o recorde absoluto dos BAFTA, fixado nas 16 nomeações por Gandhi (1982).

DiCaprio, Infiniti e Taylor em destaque

Para além de DiCaprio, One Battle After Another valeu nomeações a Chase Infiniti e Teyana Taylor, consolidando o filme como um dos fenómenos críticos do ano. Curiosamente, Infiniti é um dos actores que ficaram de fora das nomeações aos Óscares, mas que aqui encontra reconhecimento — uma tendência que se repete noutras categorias.

Os BAFTA, ao disporem de seis nomeados por categoria (em vez dos cinco habituais nos Óscares), permitem uma maior diversidade de escolhas e dão espaço a desempenhos que ficaram à margem da corrida norte-americana.

Paul Mescal, Jessie Buckley e o peso britânico

13/12/2025 Dublin Ireland. Photo shows actor Paul Mescal and actress Jessie Buckley at the irish premiere of the film Hamnet at the Light House Cinema. Photo: Leah Farrell/© RollingNews.ie

Entre os actores, Paul Mescal e Jessie Buckley surgem nomeados por Hamnet, reforçando a forte presença de talento britânico e irlandês nesta edição. Buckley é, de resto, considerada uma das favoritas também na corrida aos Óscares, ao lado de Timothée Chalamet, que repete igualmente a sua nomeação nos BAFTA.

A lista inclui ainda vários nomes britânicos em evidência, como Carey Mulligan, Emily Watson, Robert Aramayo e Peter Mullan, sublinhando a missão dos BAFTA em promover o cinema produzido no Reino Unido.

As grandes ausências e as escolhas polémicas

Nem tudo são boas notícias. Quatro actores nomeados aos Óscares ficaram de fora dos BAFTA: Amy Madigan, Delroy Lindo, Wagner Moura e Elle Fanning — sendo que Moura e Fanning nem sequer integraram as longlists da academia britânica.

Em contrapartida, Jesse Plemons e Odessa A’Zion, ignorados pelos Óscares, surgem aqui nomeados.

Outro caso curioso é Wicked: For Good, que falhou completamente os Óscares mas conseguiu duas nomeações técnicas nos BAFTA, enquanto o thriller brasileiro The Secret Agent vê reduzido para metade o número de nomeações face à Academia de Hollywood.

A ausência mais notada é, talvez, KPop Demon Hunters, o fenómeno viral da Netflix, que ficou de fora por não ter tido estreia em sala no Reino Unido — um lembrete de que, para os BAFTA, o cinema continua a começar no grande ecrã.

ler também : Send Help: Sam Raimi volta ao terror com um thriller de sobrevivência feroz protagonizado por Rachel McAdams

Cerimónia marcada para Fevereiro

Os BAFTA Film Awards realizam-se no próximo 22 de Fevereiro, no Royal Festival Hall, em Londres, com apresentação de Alan Cumming. Até lá, One Battle After Another parte na dianteira — mas, como sempre, a noite promete surpresas.

Quando a Exaustão Ganha Forma de Thriller: Se Eu Tivesse Pernas, Dava-te Um Pontapé Chega aos Cinemas

Um drama psicológico intenso que promete deixar marcas no espectador

Há filmes que não se limitam a contar uma história — instalam-se no corpo e na cabeça de quem os vê. Se Eu Tivesse Pernas, Dava-te Um Pontapé pertence claramente a essa categoria. O novo filme escrito e realizado por Mary Bronsteinestreia nas salas de cinema portuguesas a 19 de Fevereiro, trazendo consigo uma das interpretações mais comentadas, exigentes e perturbadoras do ano, assinada por Rose Byrne  .

ler também: Eric Dane ausente de gala sobre ELA devido à doença, mas emociona com mensagem poderosa

Rose Byrne num registo cru, físico e emocionalmente devastador

Conhecida sobretudo pelo seu talento para a comédia e por personagens carismáticas, Rose Byrne apresenta aqui uma viragem radical. A actriz interpreta Linda, terapeuta e mãe, cuja vida entra num processo acelerado de implosão quando a filha desenvolve uma doença misteriosa e resistente a qualquer tratamento. A partir desse ponto, tudo parece contribuir para o colapso: um marido emocionalmente ausente, uma paciente que desaparece sem explicação e uma relação profissional cada vez mais tóxica com o seu próprio psicólogo.

Não é por acaso que esta interpretação já foi distinguida com um Globo de Ouro e com o prémio de Melhor Actriz no Festival de Berlim, além de ter garantido nomeações para os BAFTA e para os Óscares. Byrne está presente em praticamente todos os planos do filme, numa entrega física e emocional que não concede descanso ao espectador.

Um thriller emocional sem banda sonora — e por isso ainda mais inquietante

Apesar de se apresentar como um drama psicológico, Se Eu Tivesse Pernas, Dava-te Um Pontapé assume muitas das características de um thriller. O ritmo é tenso, claustrofóbico, e a sensação de ameaça nunca desaparece verdadeiramente — mesmo quando nada de “objectivamente” perigoso parece acontecer.

Um dos elementos mais interessantes da proposta de Mary Bronstein é a ausência de uma banda sonora tradicional. Em vez disso, o filme aposta num desenho sonoro imersivo, que amplifica ruídos, silêncios e sons ambientes. Hospitais, consultórios e quartos de motel transformam-se em extensões da mente de Linda, lugares onde o desgaste emocional se manifesta de forma quase física.

A realizadora descreve o filme como uma tentativa de capturar aquele estado mental específico em que sentimos que tudo está a ruir e que, de alguma forma, a culpa é exclusivamente nossa. É uma abordagem pouco romantizada da maternidade, do cuidar e da responsabilidade emocional — temas raramente tratados com esta frontalidade no cinema contemporâneo.

Um elenco inesperado e uma estreia portuguesa aguardada

Para além de Rose Byrne, o elenco inclui escolhas surpreendentes. Conan O’Brien surge aqui na sua estreia em cinema dramático, enquanto A$AP Rocky integra também o elenco, contribuindo para um conjunto de personagens que reforçam a estranheza e a instabilidade emocional do universo do filme.

Depois de uma recepção muito positiva nos festivais internacionais, o filme chega finalmente ao público português, com uma duração de 113 minutos e a promessa de ser uma das experiências cinematográficas mais intensas do início do ano.

ler também : Send Help: Sam Raimi volta ao terror com um thriller de sobrevivência feroz protagonizado por Rachel McAdams

Se Eu Tivesse Pernas, Dava-te Um Pontapé não é um filme confortável — e ainda bem. É cinema que arrisca, que provoca e que permanece muito depois de as luzes da sala se acenderem.

Eric Dane ausente de gala sobre ELA devido à doença, mas emociona com mensagem poderosa

Actor distinguido pela ALS Network apesar das limitações físicas

A luta de Eric Dane contra a Esclerose Lateral Amiotrófica voltou a ganhar destaque público este fim-de-semana, depois de o actor ter sido forçado a cancelar, à última hora, a sua presença na Champions for Cures and Care Gala, organizada pela ALS Network. A ausência foi motivada pelas limitações físicas impostas pela doença, diagnosticada em Abril de 2025.

ler também : Send Help: Sam Raimi volta ao terror com um thriller de sobrevivência feroz protagonizado por Rachel McAdams

Apesar de não ter conseguido marcar presença na cerimónia, Eric Dane foi homenageado com o prémio Advocate of the Year, distinção que reconhece o seu envolvimento activo na sensibilização e defesa da causa da ELA. O galardão foi recebido em seu nome por Aaron Lazar, também ele diagnosticado com a mesma doença.

“Não me senti bem o suficiente para comparecer”

Em comunicado, a organização explicou que o actor cancelou a participação poucas horas antes do evento, devido às “realidades físicas” da Esclerose Lateral Amiotrófica. Ainda assim, a ALS Network fez questão de sublinhar o impacto do seu trabalho: “Continuamos profundamente gratos pela sua coragem, defesa da causa e compromisso contínuo com a comunidade ELA, e homenageamo-lo esta noite com o nosso mais profundo respeito e apoio.”

Mesmo ausente fisicamente, Dane fez-se ouvir através de uma mensagem pré-gravada, exibida durante a gala, que acabou por ser um dos momentos mais emocionantes da noite.

Uma mensagem de gratidão e esperança

No vídeo, o actor deixou claro que o prémio ultrapassa a sua própria história pessoal. “Este prémio não é apenas para mim. É para a minha bela família e entes queridos, para cada pessoa que enfrentou a ELA com coragem, para cada cuidador que dá o coração todos os dias e para cada defensor que se torna uma voz pelo progresso”, afirmou.

Eric Dane destacou ainda o papel fundamental da ALS Network na articulação entre cuidados médicos e investigação científica, reforçando uma mensagem de esperança: “Com a ajuda da ALS Network, finalmente vamos derrotar esta doença.”

A luta diária contra a ELA

Conhecido mundialmente pelo papel de Mark Sloan na série Anatomia de Grey, Eric Dane falou publicamente sobre o impacto do diagnóstico numa entrevista a Diane Sawyer, no Good Morning America. “Acordo todos os dias e sou imediatamente lembrado de que isto está a acontecer. Não é um sonho”, confessou, num testemunho marcado pela frontalidade.

O actor é pai de duas filhas, Billie e Georgia, fruto do casamento com a actriz Rebecca Gayheart. Apesar de um pedido de divórcio em 2018, o casal reconciliou-se anos mais tarde e tem enfrentado a doença em conjunto. Em declarações anteriores, Gayheart explicou que a família vive o processo “dia a dia”, com apoio profissional, procurando lidar com a situação com “esperança, dignidade, graça e amor”.

Uma carreira celebrada, uma causa reforçada

A gala incluiu ainda um vídeo emotivo com momentos marcantes da carreira de Eric Dane, bem como depoimentos de colegas como Ellen Pompeo e Jacob Elordi, celebrando não apenas o percurso artístico do actor, mas também o seu compromisso humano e social.

ler também : Protestos contra o ICE marcam Sundance: estrelas de Hollywood denunciam “o pior da humanidade”

Mesmo longe dos holofotes nessa noite, Eric Dane voltou a provar que a sua voz continua presente — e profundamente relevante.