Jennifer Lopez voltou a capturar a atenção do mundo ao surgir num ousado macacão rosa durante o Grande Prémio de Fórmula 1 da Arábia Saudita, realizado no circuito de Jeddah, no dia 19 de abril de 2025. A artista de 55 anos, convidada especial da Ferrari, combinou o estilo desportivo com o glamour característico da sua imagem pública.
O look de Lopez, descrito como uma fusão entre o estilo “Barbiecore” e a estética dos fatos de corrida, consistia num macacão de látex rosa-choque com detalhes em rosa mais escuro, fechos prateados e um cinto a marcar a cintura. A cantora complementou o conjunto com óculos de sol rosa com detalhes em forma de estrela, uma clutch metálica prateada e sapatos de salto transparente com base rosa-claro. O cabelo, apanhado num rabo de cavalo elegante, completava o visual arrojado .
🎤 Presença Marcante no Evento
Além da sua participação como convidada nos bastidores da Ferrari, onde interagiu com membros da equipa e pilotos, Lopez foi uma das atrações principais do evento, atuando ao lado de artistas como Usher e Major Lazer. A sua performance destacou-se não apenas pela energia, mas também pelo impacto visual do seu traje, que refletia a luz sob os holofotes, criando um efeito deslumbrante .
🌍 Moda, Cultura e Influência Global
A escolha de Lopez por um visual tão marcante num evento de grande visibilidade internacional sublinha a sua capacidade de influenciar tendências e de se manter relevante no panorama cultural global. O look “Barbiecore” adotado pela artista insere-se numa tendência mais ampla de revisitação de estilos nostálgicos com um toque contemporâneo, demonstrando a sua habilidade em fundir moda, música e cultura pop de forma inovadora .
Numa rara demonstração de unidade familiar em Hollywood, Ben Affleck surgiu na antestreia de O Contabilista 2 / O Contandor 2( BR), em Los Angeles, acompanhado não só pelos seus três filhos biológicos, mas também pelos gémeos de Jennifer Lopez, Max e Emme. O momento, captado pelas câmaras, rapidamente gerou comentários e aplausos pela forma madura e afetuosa como os filhos de ambos mantêm uma ligação próxima, mesmo após o fim da relação entre os dois artistas.
O casal, que se separou recentemente após uma fase mediaticamente intensa do casamento, tem demonstrado um esforço claro para manter as estruturas familiares coesas. A presença dos gémeos Max e Emme ao lado de Ben Affleck na passadeira vermelha não passou despercebida — e simboliza mais do que um gesto de apoio: revela uma convivência construída com respeito, proximidade e cuidado mútuo.
Affleck, visivelmente emocionado, agradeceu o apoio e deixou palavras elogiosas para Jennifer Lopez, referindo-se a ela como “uma mulher de integridade” e sublinhando a importância que desempenha na vida dos filhos — tanto dos seus como dos dela.
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The Accountant 2: um regresso esperado… com apoio à altura
Affleck regressa agora ao papel de Christian Wolff, o contabilista com habilidades letais que protagonizou o inesperado êxito de 2016. O novo filme retoma o universo tenso e cerebral do original, com Affleck no centro da ação — e, desta vez, com um novo tipo de apoio fora do ecrã.
A antestreia foi marcada por um ambiente caloroso e íntimo, com destaque para os momentos partilhados entre Affleck e os cinco jovens, que posaram juntos e trocaram sorrisos cúmplices.
💬 Uma lição de empatia em Hollywood
Num mundo mediático onde separações tendem a gerar polémica e distanciamento, este gesto público de proximidade familiar — sem pretensões, sem escândalos — vem recordar que há espaço para relações positivas mesmo após o fim de um casamento.
Ben Affleck e Jennifer Lopez mostram, cada um à sua maneira, que a verdadeira maturidade está em manter os afectos vivos, não apenas entre adultos, mas entre todos os membros de uma família moderna.
Ben Affleck voltou a abrir o jogo sobre os bastidores da indústria cinematográfica — e desta vez, com um tom particularmente amargo. À margem da antestreia de O Contador 2, o actor e realizador norte-americano teceu duras críticas ao atual modelo de produção de Hollywood, sublinhando que a meca do cinema está a perder cada vez mais terreno… dentro da própria Califórnia.
“Hollywood está a mudar de sítio”, afirmou Affleck aos jornalistas. E não se referia a uma tendência criativa, mas sim à geografia da produção. Segundo o ator, a indústria cinematográfica tem abandonado progressivamente Los Angeles, em parte devido à incapacidade do estado da Califórnia de competir com os incentivos fiscais oferecidos noutras regiões.
A comparação é clara: enquanto a Califórnia oferece um retorno médio de 20 a 25% em incentivos, o Reino Unido chega a oferecer 40%. Resultado? Blockbusters, séries de prestígio e até produções independentes rumam cada vez mais para outros territórios — incluindo Geórgia, Novo México, Texas e Nova Jérsia.
🎥 Uma indústria em deslocalização
A reflexão de Affleck não é isolada. Muitos profissionais do setor têm vindo a alertar para a perda de identidade cultural e comunitária que acompanha esta “deslocalização” da indústria. Ao abandonar os estúdios históricos de Los Angeles, não se perdem apenas empregos locais, mas também parte da história e da atmosfera que sempre definiu o cinema americano.
“Tínhamos orgulho em fazer cinema aqui. Agora, estamos a levar tudo para sítios onde é mais barato. Perde-se alguma coisa com isso”, lamenta Affleck.
🎞️ O futuro do cinema… ainda é em Hollywood?
Ben Affleck é uma das vozes mais respeitadas da sua geração — e também uma das mais críticas. Com uma carreira que combina êxitos de bilheteira, Óscares e fracassos públicos, sabe melhor do que ninguém como a indústria se reinventa… e se compromete.
As suas declarações voltam a colocar em cima da mesa uma pergunta essencial: conseguirá Hollywood manter-se como capital simbólica do cinema global, se a sua produção continuar a ser sistematicamente desviada para outros pontos do globo?
Ela ficou conhecida mundialmente graças ao filme Erin Brockovich (2000), onde Julia Roberts interpretou a secretária legal destemida que levou uma gigante da energia a tribunal. Mas, como a própria Erin Brockovich continua a provar, a sua vida real é tão ou mais fascinante do que qualquer argumento de Hollywood.
Esta semana, a ativista ambiental revelou mais um episódio digno de guião: tudo começou com um salto alto sujo… e acabou com uma nova investigação sobre contaminação tóxica.
🦶 Lama num salto, sapos num campo… e um quiroprático curioso
Durante uma sessão com o seu quiroprático, o profissional notou vestígios de lama nos sapatos de Erin. Quando lhe perguntou o que tinha acontecido, a resposta foi tudo menos banal:
“Estive a recolher sapos mortos.”
O quiroprático ficou naturalmente intrigado — e Erin, como sempre, não resistiu a explicar. Os sapos estavam a morrer numa zona específica, e Brockovich, fiel ao seu instinto, começou a investigar. O que parecia um comportamento excêntrico revelou-se o início de mais uma batalha contra a poluição industrial e a negligência ambiental.
🧪 Quando o detalhe insignificante esconde uma catástrofe
O episódio, revelado numa entrevista recente à Sky News, é mais um exemplo da forma como Erin Brockovich vê o mundo: onde outros vêem lama, ela vê sinais. Onde outros ignoram a natureza, ela escuta. Foi esse olhar atento que, nos anos 90, a levou a desmontar a contaminação de água pela PG&E em Hinkley, Califórnia — e a inspirar um dos filmes mais icónicos do início do século XXI.
Desde então, Erin nunca parou. E continua, literalmente, de saltos altos, a perseguir pistas ambientais, muitas vezes iniciadas por pequenas conversas, comentários estranhos ou… sapos mortos.
🎬 Brockovich, versão 2025: a vigilância continua
Mais de duas décadas depois da estreia do filme, Erin Brockovich continua a ser uma figura relevante — e necessária — num mundo em que as alterações climáticas e a crise ambiental são cada vez mais urgentes. Com humor, resiliência e uma energia contagiante, ela continua a provar que o verdadeiro activismo não precisa de holofotes, mas de atenção aos detalhes.
Depois de voar alto em Top Gun: Maverick e de conquistar o público com o seu charme descontraído em Anyone But You, Glen Powell prepara-se agora para uma mudança de tom… e de registo. O actor texano vai protagonizar a próxima comédia produzida (e escrita) por Judd Apatow, numa colaboração que promete fazer faísca nos bastidores da Universal Pictures.
Embora ainda pouco se saiba sobre a trama — o enredo está a ser mantido em total segredo — o simples anúncio da parceria entre Powell e Apatow já chegou para gerar entusiasmo entre fãs de cinema e especialistas do género.
🤝 Um casamento improvável? Talvez. Mas com enorme potencial.
De um lado, Glen Powell: galã de nova geração, com formação académica e um instinto cómico que se tem revelado cada vez mais apurado (basta ver Set It Up, na Netflix). Do outro, Judd Apatow: criador de clássicos modernos como The 40-Year-Old Virgin, Knocked Up ou Trainwreck, conhecido por equilibrar humor escancarado com emoção genuína.
Esta será a primeira colaboração entre os dois — e também uma forma de Apatow, que nos últimos anos tem estado mais presente nos bastidores (como produtor de The King of Staten Island ou Bros), voltar ao centro criativo de um projecto original.
🏗️ Produção prevista para 2025… com altas expectativas
Segundo informações avançadas pelo The Hollywood Reporter, a Universal Pictures está em negociações finais para fechar o contrato de produção e distribuição do filme, que será desenvolvido através da Apatow Productions. A rodagem deverá começar ainda este ano.
Não há, para já, outros nomes confirmados no elenco, nem data oficial de estreia. Mas tudo indica que esta será uma das grandes apostas do estúdio para 2026 — e possivelmente um dos títulos que poderá redefinir o humor romântico ou meta-cómico desta nova década.
🌀 Glen Powell: o novo rosto da comédia inteligente?
Com este projecto, Powell poderá cimentar o seu estatuto como um dos actores mais versáteis da sua geração. Entre blockbusters, comédias e thrillers (Devotion, Hit Man), o actor tem-se reinventado com inteligência e ambição — e agora, sob a direcção criativa de Apatow, poderá encontrar o equilíbrio ideal entre graça e substância.
Antes de serem ícones do Universo Cinematográfico da Marvel, Jon Bernthal e Tom Holland cruzaram-se longe dos arranha-céus de Nova Iorque ou dos becos sombrios onde Frank Castle desfere a sua justiça. Foi durante as filmagens do filme medieval Pilgrimage (2017), numa Irlanda cinzenta e molhada, que os dois actores — então jovens promessas — partilharam um momento decisivo nas suas carreiras: gravaram juntos as audições que os levariam à Marvel.
O resto é história. Mas o que não sabíamos, até agora, é que Holland quase não fazia a acrobacia que mudou tudo.
Em entrevista recente, Bernthal revelou que foi ele quem encorajou Holland a dar um toque de ousadia à sua audição para Peter Parker. O jovem actor britânico, conhecido pelo seu treino em ginástica, hesitou em usar os seus dotes acrobáticos por receio de parecer “demasiado show-off”.
Mas Bernthal — que na altura se preparava para o papel de Frank Castle, o Punisher — insistiu:
“Faz o salto. Corre contra a parede e dá o mortal. Mostra-lhes que és diferente.”
Holland acabou por ceder. Gravou um vídeo onde corre contra uma parede, faz um duplo mortal para trás e aterra com um sorriso de confiança. Resultado? O papel foi seu.
🧨 De um salto para o estrelato
Tom Holland estreou-se como Homem-Aranha em Captain America: Civil War (2016), tornando-se imediatamente um dos favoritos dos fãs. Seguiram-se três filmes a solo, presenças-chave em Avengers: Infinity War e Endgame, e o estatuto de estrela internacional.
Bernthal, por sua vez, assumiu com garra o papel de Punisher nas séries da Netflix — com uma intensidade que lhe valeu aclamação e um lugar garantido no regresso do personagem em Daredevil: Born Again, agora integrado oficialmente no MCU.
📼 Um momento de bastidor, uma viragem de carreira
Este episódio é mais do que uma curiosidade de bastidores — é um lembrete de como a generosidade entre actores pode mudar destinos. Bernthal não precisava de ajudar Holland. Estavam ambos a competir, de certo modo, por uma fatia do mesmo universo. Mas escolheu apoiar. E esse gesto moldou um dos castings mais bem-sucedidos da Marvel dos últimos anos.
Em 2026, Holland regressa em Spider-Man: Brand New Day, e Bernthal prepara um especial centrado no Punisher. Ambos continuam a deixar a sua marca num universo que começou, para eles, com uma simples câmara, um cenário improvisado… e um salto certeiro.
Mike Flanagan, conhecido pelas suas adaptações de terror como Gerald’s Game e Doctor Sleep, surpreende ao apresentar uma narrativa mais esperançosa em The Life of Chuck, baseado na novela de Stephen King. O filme, que estreou no Festival Internacional de Cinema de Toronto em setembro de 2024, conquistou o People’s Choice Award, destacando-se pela sua abordagem emocional e inovadora.
A história é contada em três atos em ordem cronológica inversa, explorando a vida de Charles “Chuck” Krantz, interpretado por Tom Hiddleston. O trailer, lançado recentemente, destaca uma sequência de dança de sete minutos entre Hiddleston e Annalise Basso, descrita pelo ator como espontânea e alegre.
O elenco inclui ainda Mark Hamill como Albie Krantz, Chiwetel Ejiofor, Karen Gillan, Jacob Tremblay e Mia Sara. A narrativa mistura elementos de drama, fantasia e ficção científica, oferecendo uma reflexão sobre a vida e a mortalidade.
Estreado a 17 de abril de 2025, Coastal é o mais recente documentário sobre Neil Young, realizado por Daryl Hannah, sua esposa e colaboradora criativa. O filme acompanha a digressão a solo de Young pela costa oeste dos EUA, oferecendo uma visão íntima do músico canadiano em palco e nos bastidores.
Descrito por Hannah como “uma janela para a alma de Neil”, Coastal destaca-se pela sua abordagem pessoal e contemplativa. O documentário apresenta performances de temas raramente tocados ao vivo, intercaladas com momentos de introspeção durante as viagens de autocarro entre concertos. A escolha estética do preto e branco confere-lhe um tom nostálgico, embora tenha gerado opiniões divergentes entre os críticos.
🚌 Entre a Estrada e o Palco
Grande parte do filme é dedicada às viagens de autocarro, onde Young partilha conversas descontraídas com o motorista Jerry Don Borden. Estas interações oferecem uma perspetiva única sobre o quotidiano do artista, embora alguns espectadores possam sentir falta de uma exploração mais aprofundada da relação entre Young e Hannah, que permanece atrás da câmara.
🎶 Música e Reflexão
As atuações ao vivo são o ponto alto de Coastal, com Young a demonstrar a sua autenticidade e paixão pela música. Momentos como a interpretação de “Mr. Soul” num órgão de tubos e uma versão instrumental de “Don’t Think Twice, It’s All Right” de Bob Dylan destacam-se pela sua intensidade emocional.
🗣️ Receção Crítica
A crítica tem sido mista. Enquanto alguns elogiam a sinceridade e o retrato íntimo de Young, outros consideram o ritmo do documentário demasiado lento e a ausência de uma narrativa mais estruturada como pontos fracos. Ainda assim, para os fãs de longa data, Coastal oferece uma experiência envolvente e pessoal.
David Mamet, vencedor do Prémio Pulitzer, regressa ao cinema com Henry Johnson, uma adaptação da sua peça homónima de 2023. O filme, que marca o primeiro trabalho de realização de Mamet desde 2013, estreia em salas selecionadas dos EUA a 9 de maio de 2025. Shia LaBeouf junta-se ao elenco, interpretando Gene, o enigmático companheiro de cela do protagonista.
A história segue Henry Johnson (Evan Jonigkeit), um homem cuja vida é virada do avesso após um ato de compaixão o levar à prisão. Lá, encontra Gene (LaBeouf), uma figura ambígua que o guia por um caminho de manipulação e dilemas éticos. O filme explora temas como poder, justiça e as consequências de permitir que outros determinem o nosso destino.
🎬 Elenco e Equipa Técnica
Evan Jonigkeit como Henry Johnson
Shia LaBeouf como Gene
Chris Bauer e Dominic Hoffman em papéis de apoio
Escrito e realizado por David Mamet, o filme é produzido por Evan Jonigkeit e Lije Sarki. A obra não foi exibida em festivais e terá uma distribuição limitada nos cinemas.
🎥 Trailer Oficial
O trailer oficial de Henry Johnson foi lançado recentemente, oferecendo um vislumbre da atmosfera tensa e das performances intensas que caracterizam o filme. A estética minimalista e os diálogos incisivos são marcas registadas de Mamet, prometendo uma experiência cinematográfica envolvente.
O clássico de culto dos anos 80, The Toxic Avenger, regressa aos cinemas numa versão renovada e ainda mais provocadora. Realizado por Macon Blair, o filme estreia a 29 de agosto de 2025 e conta com Peter Dinklage no papel principal, acompanhado por Kevin Bacon, Elijah Wood e Jacob Tremblay.
Winston Gooze (Peter Dinklage), um humilde zelador, enfrenta uma doença terminal e descobre que o tratamento necessário é financeiramente inacessível. Ao solicitar ajuda ao seu patrão (Kevin Bacon), é traído e atirado para um tanque de resíduos tóxicos. Sobrevivendo à experiência, renasce como o Toxic Avenger, um ser deformado com sede de justiça contra aqueles que o prejudicaram.
🎭 Elenco de Destaque
Peter Dinklage como Winston Gooze / Toxic Avenger
Kevin Bacon como o chefe impiedoso
Elijah Wood em papel ainda não revelado
Jacob Tremblay como Wade, o enteado de Winston
🎬 Estilo e Temática
O filme mantém o espírito irreverente do original, combinando humor negro, crítica social e cenas de ação grotescas. A nova versão satiriza o sistema de saúde americano, destacando as dificuldades enfrentadas por aqueles que não podem pagar por cuidados médicos adequados. O trailer recente apresenta cenas intensas, incluindo uma paródia de infomercial médico e confrontos sangrentos que refletem a frustração do protagonista.
🗓️ Estreia
The Toxic Avenger chega aos cinemas a 29 de agosto de 2025. Para os fãs de cinema de culto e sátiras sociais, esta é uma estreia a não perder.
🎭 Sleuth (1972), realizado por Joseph L. Mankiewicz, é um daqueles raros filmes que coloca duas potências actorais frente a frente — e em pleno duelo psicológico. Mas o que se passou nos bastidores foi tão fascinante quanto o jogo de manipulações entre os personagens na tela. E para Michael Caine, contracenar com Laurence Olivier foi mais do que um marco na sua carreira — foi um momento de transformação pessoal.
O jovem Caine, já conhecido por The Ipcress File e Alfie, ficou sem saber como se dirigir ao lendário Olivier quando começaram a rodar o filme. A reverência era compreensível. Afinal, estava perante o homem que era não só um ícone do teatro britânico como também… um lorde.
“Como devo tratá-lo?”, perguntou Caine, nervoso.
Olivier respondeu com a elegância descontraída que o caracterizava:
“Bem, sou o Lord Olivier e tu és o Mr. Michael Caine. Claro que isso é só na primeira vez. A seguir, sou o Larry e tu és o Mike.”
De terceira escolha a parceiro de cena
Curiosamente, Caine foi a terceira escolha para o papel de Milo Tindle. Albert Finney foi inicialmente considerado, mas foi descartado por estar “um pouco roliço” para o papel. Alan Bates recusou o convite. E assim, o papel acabou nas mãos de Caine — e que escolha acertada!
Durante uma das cenas mais intensas, na qual o personagem de Caine entra em colapso e chora descontroladamente, Olivier ficou tão impressionado que interrompeu a gravação para fazer um comentário inesperado:
“Pensei que tinha um assistente, Michael. Mas vejo que tenho um parceiro.”
Para Caine, que sempre teve o hábito de guardar elogios com modéstia, este foi “o maior elogio que recebi desde que me tornei actor profissional.”
Quando os papéis se invertem: o remake de
Sleuth
Décadas mais tarde, em 2007, Caine regressou ao mundo de Sleuth, mas desta vez do outro lado do tabuleiro. No remake realizado por Kenneth Branagh, Caine interpretou o papel que outrora fora de Olivier, enquanto Jude Law assumia o seu antigo papel. Curiosamente, foi a segunda vez que Jude Law herdou um papel de Michael Caine — a primeira foi na reinvenção de Alfie (2004).
O Sleuth de 2007, escrito por Harold Pinter, é uma versão muito mais minimalista e cerebral do original. Embora tenha dividido opiniões, foi uma homenagem inteligente ao confronto de egos e à arte da representação — temas centrais do filme original.
Um jogo de inteligência, ego e respeito
Sleuth não é apenas um thriller engenhoso. É uma aula de representação, onde dois actores — um no auge da juventude, outro já imortal — se desafiam mutuamente em cena com inteligência, subtileza e camadas de emoção. Mas é também um testemunho de respeito: o respeito que Michael Caine tinha por Laurence Olivier… e o respeito que Olivier rapidamente desenvolveu por aquele jovem actor que, de “Mike”, se tornou um igual.
🌌 Depois de conquistar os ecrãs da televisão, Grogu — ou, para os amigos, Baby Yoda — prepara-se para invadir os cinemas numa aventura em grande escala. The Mandalorian & Grogu, o novo filme da saga Star Wars realizado por Jon Favreau, foi apresentado pela primeira vez durante a Star Wars Celebration, em Tóquio, com um primeiro vislumbre repleto de acção, combates galácticos e o regresso de personagens muito queridos.
É o primeiro filme Star Wars desde The Rise of Skywalker (2019), e marca também uma nova tentativa da Disney de inverter o caminho traçado pela saga: depois de expandir com sucesso o universo de Star Wars para a televisão através de séries como The Mandalorian, Ahsoka ou Andor, a Casa do Rato quer agora testar se o sucesso televisivo se pode traduzir em êxito cinematográfico.
Um trailer com tudo: lutas, sabres, neve e… pipocas espaciais
A estreia do footage exclusivo arrancou aplausos: snowtroopers, AT-ATs, batalhas em plano sequência com Din Djarin a abrir caminho a tiro e a fogo, e até um cliffhanger nostálgico ao estilo de 1977. A sequência central mostrava o Mandaloriano (Pedro Pascal) a abrir à força o casco de um AT-AT e a atravessá-lo num movimento contínuo que lembrava o primeiro Star Wars, com stormtroopers a invadir e rebeldes em pânico.
A surpresa? Grogu a usar os seus poderes, a nadar debaixo de água (!), e uma arena onde Rotta, o filho de Jabba the Hutt — aqui interpretado por Jeremy Allen White — se ergue em triunfo. Nas bancadas? Grogu, comendo a versão galáctica de pipocas. Como resistir?
Sigourney Weaver junta-se ao universo… e manda no Mandaloriano
Entre as novidades do elenco, destaca-se Sigourney Weaver, que interpreta uma misteriosa figura de autoridade que lembra a Moff Gideon — mas com mais elegância e menos explosões (por agora). “Lembras-te de que trabalhas para mim?”, diz ela a Din Djarin, num tom tão gélido quanto autoritário.
A actriz revelou que a sua ligação ao projecto começou com uma videochamada com Favreau e Dave Filoni, que lhe deram uma missão: ver The Mandalorian do início ao fim. “Apaixonei-me por todos os personagens, mas sobretudo por este homem”, disse, pousando a mão no ombro de Pedro Pascal. “E claro… o Grogu roubou-me o coração.”
Grogu, claro, apareceu em palco — uma versão animatrónica de cortar a respiração, que acenou à audiência japonesa. O público respondeu com gritos emocionados e palmas ininterruptas.
O cinema volta a ser casa para a Força
Pedro Pascal confessou que tudo começou com uma visita à sala dos argumentistas, onde viu as ilustrações da primeira temporada coladas nas paredes. “Nunca me vou esquecer desse dia”, disse. “Foi como ver a melhor banda desenhada de ficção científica que alguma vez me tinham mostrado.”
Favreau, por seu lado, sublinhou a importância de apresentar o filme no Japão: “A influência do cinema japonês em Star Wars é profunda. Vir aqui é como um regresso às origens.”
O futuro da saga… e o que vem a seguir
The Mandalorian & Grogu será o primeiro filme da nova vaga de cinema Star Wars. Outros projectos em desenvolvimento incluem o filme Dawn of the Jedi, de James Mangold (Ford v Ferrari), uma nova trilogia escrita por Simon Kinberg (X-Men), e um filme standalone de Shawn Levy (Deadpool & Wolverine).
Quanto ao filme de Favreau, ainda não há data oficial de estreia, nem confirmação de quando o trailer será lançado online. Mas a expectativa é alta — especialmente porque a história deverá unir personagens das séries The Mandalorian, Ahsokae Rebels, numa teia narrativa que recompensa os fãs antigos sem esquecer os novos.
Para já, sabemos que o elenco inclui também Jonny Coyne como um líder imperial, e rumores apontam para cameos de personagens muito conhecidos.
🎬 Brad Pitt foi Cliff Booth, o duplo silencioso e imperturbável em Once Upon a Time… in Hollywood (2019). Mas por detrás da personagem, existe uma história digna de um filme à parte — recheada de reviravoltas, improvisos que se tornaram icónicos e até carros emprestados por velhos amigos de Quentin Tarantino.
Neste artigo, abrimos os bastidores do nono filme de Tarantino para revelar curiosidades e momentos insólitos que ajudam a perceber como nasceu esta performance que valeu a Pitt o seu primeiro Óscar de actor.
“You’re Rick f**king Dalton!” — A frase improvisada que veio do passado
A frase que Cliff grita a Rick Dalton (Leonardo DiCaprio) num momento de crise — “You’re Rick f**king Dalton! Don’t you forget that.” — foi completamente improvisada por Brad Pitt.
Segundo o próprio actor, a inspiração veio de um momento marcante da sua juventude. Nos anos 90, quando ainda era um actor em início de carreira e cheio de dúvidas, um veterano disse-lhe exatamente essa frase, substituindo o nome. Foi um daqueles conselhos à antiga, meio rudes, mas sinceros. Pitt guardou a frase consigo — e entregou-a a Cliff Booth.
O papel que quase foi de Tom Cruise… e quase não foi de ninguém
O mais curioso? Brad Pitt quase nem fez parte do filme. Tarantino queria-o para um papel misterioso — segundo rumores, um detective a investigar os assassinatos. Pitt rejeitou. As negociações caíram. Quentin considerou Tom Cruise. Também não avançou.
Meses depois, Tarantino voltou à carga. Só que desta vez o convite foi para um papel diferente: o do duplo Cliff Booth. Pitt disse que sim. E ainda bem. A química entre ele e DiCaprio tornou-se um dos grandes trunfos do filme.
O Cadillac de Reservoir Dogse o elogio que Brad (quase) censurava
Atenção aos olhos mais atentos: o Cadillac creme que Cliff Booth conduz ao longo do filme não foi alugado por produção. É o carro de Michael Madsen, actor-fétiche de Tarantino, e o mesmo que aparece conduzido por ele em Reservoir Dogs (1992). Um pequeno grande detalhe que só os mais fanáticos notaram.
E há mais: aquele momento em que Bruce Lee (Mike Moh) comenta que Cliff “é demasiado bonito para ser duplo”? Essa linha foi sugerida por Burt Reynolds durante uma leitura de guião. Reynolds ia interpretar George Spahn, o dono do rancho, mas faleceu antes das filmagens — tendo sido substituído por Bruce Dern.
Curiosamente, Brad Pitt não gosta de falas que aludem à sua aparência — e teria vetado a frase. Mas como veio de Burt Reynolds, uma lenda, não teve coragem de a cortar. Tarantino confirmou: “Se a linha não fosse do Burt, nunca teria entrado.”
Cannes, a t-shirt que desaparece… e os aplausos
Na estreia mundial de Once Upon a Time… in Hollywood, no Festival de Cannes, houve um momento que ficou na memória de quem assistiu: a cena em que Cliff Booth, já com 55 anos, tira a t-shirt no telhado para arranjar uma antena de televisão. O público reagiu com um misto de assobios, aplausos e risos nervosos. Pitt, sem esforço, mostrou que continua a ser um dos grandes ícones do cinema — mesmo quando não quer que se fale nisso.
O que torna Cliff Booth tão memorável?
Talvez seja o mistério. Ou a lealdade cega ao seu amigo. Ou a tranquilidade perigosa que faz dele tão carismático quanto inquietante. Mas uma coisa é certa: Cliff Booth nasceu de improvisos, recusas, homenagens a ídolos perdidos e muita intuição. É Tarantino no seu melhor — e Brad Pitt no auge da sua confiança.
David Cronenberg regressa ao grande ecrã com The Shrouds, um thriller psicológico profundamente pessoal que explora o luto e a ligação entre os vivos e os mortos. O filme, protagonizado por Vincent Cassel, Diane Kruger, Guy Pearce e Sandrine Holt, estreou no Festival de Cannes de 2024 e tem gerado grande expectativa entre os fãs do realizador canadiano.
Uma narrativa sobre luto e tecnologia
Em The Shrouds, Cassel interpreta Karsh, um empresário inovador que, após a morte da esposa, desenvolve uma tecnologia controversa que permite aos enlutados observar em tempo real a decomposição dos seus entes queridos através de mortalhas funerárias. A trama intensifica-se quando várias sepulturas, incluindo a da sua esposa, são vandalizadas, levando Karsh a questionar as suas motivações e a natureza da sua invenção.
Cronenberg descreve The Shrouds como um projeto profundamente pessoal, inspirado pela perda da sua própria esposa. Em entrevistas, o realizador revelou que o filme serve como uma forma de processar o seu luto, utilizando a ficção para explorar emoções reais e complexas.
Estreia e distribuição
O filme estreou no Festival de Cannes em 2024 e tem sido apresentado em diversos festivais internacionais desde então. A distribuição comercial está prevista para 2025, embora as datas específicas de lançamento em Portugal e no Brasil ainda não tenham sido confirmadas.
🎬 A ilha de São Miguel, nos Açores, volta a servir de cenário cinematográfico, desta vez pelas mãos da realizadora norte-americana Lilian T. Mehrel. A sua primeira longa-metragem, Honeyjoon, estreia mundialmente em junho no prestigiado Festival de Tribeca — e promete juntar paisagens deslumbrantes com uma história íntima e comovente sobre perda, identidade e reconciliação.
Mais do que um simples filme rodado em Portugal, Honeyjoon representa uma afirmação criativa de duas vozes femininas: a da realizadora Mehrel, filha de refugiados judeus iranianos, e a da produtora portuguesa Andreia Nunes, fundadora da Wonder Maria Filmes, que continua a colocar o cinema português em destaque no circuito internacional.
Uma história sobre mães, filhas… e começos difíceis
Honeyjoon acompanha Lela, uma mulher curdo-iraniana que, após a morte do marido, embarca numa viagem com a filha adolescente, June. As duas viajam até aos Açores — num misto de fuga e tentativa de recomeço — e aquilo que parecia uma simples escapadinha transforma-se rapidamente numa jornada emocional intensa.
É nos campos verdejantes, crateras vulcânicas e nas falésias da ilha de São Miguel que mãe e filha vão confrontar o passado, reconstruir a relação e redescobrir-se a si próprias. Segundo Mehrel, o filme é “um retrato multigeracional com humor, dor e esperança”, com claras inspirações autobiográficas.
Um elenco internacional com talento português
A protagonista é interpretada por Ayden Mayeri (Somebody I Used to Know), enquanto a mãe, Lela, é vivida por Amira Casar, conhecida por filmes como Call Me by Your Name. O elenco conta ainda com a participação do actor português José Condessa, que continua a cimentar a sua presença em produções internacionais.
A escolha dos Açores não foi apenas estética — foi também emocional. Mehrel descreveu a ilha como um “espaço de cura”, referindo que a ligação com a natureza e o isolamento do arquipélago foram determinantes para a carga simbólica do filme. Para a realizadora, o contraste entre a imensidão da paisagem e o drama íntimo das personagens é essencial para a narrativa.
Do Tribeca para o mundo
Honeyjoon foi o grande vencedor do programa “Untold Stories” do Tribeca Festival, que oferece um milhão de dólares de financiamento a projectos promissores com enfoque em diversidade e novas vozes. Para Lilian T. Mehrel, foi a oportunidade de tornar real um projecto que conjuga herança pessoal com ambição cinematográfica.
A estreia oficial está marcada para junho de 2025 no Festival de Tribeca, em Nova Iorque, e será acompanhada por exibições internacionais. A Wonder Maria Filmes assume a coprodução portuguesa, reforçando a sua missão de contar histórias que cruzam fronteiras, geografias e culturas.
Açores: cada vez mais no mapa do cinema mundial
Depois de obras como Azor (2021) e produções internacionais que escolheram os Açores como cenário, Honeyjoon volta a confirmar o potencial cinematográfico do arquipélago. As paisagens naturais, a luz singular e a riqueza simbólica dos lugares tornam os Açores num palco privilegiado para narrativas que procuram mais do que beleza — procuram alma.
Após o sucesso estrondoso de Godzilla Minus One, vencedor do Óscar de Melhores Efeitos Visuais, a Toho Studios confirmou oficialmente o desenvolvimento de uma sequela, com Takashi Yamazaki a regressar como argumentista, realizador e supervisor de efeitos visuais .
Embora o título e a data de estreia ainda não tenham sido revelados, Yamazaki já iniciou o trabalho no argumento e nos storyboards da nova produção . A sequela contará com um orçamento significativamente superior ao do filme anterior, que foi produzido com cerca de 15 milhões de dólares .
A Toho Studios anunciou um investimento de 1,2 mil milhões de dólares numa iniciativa de expansão global do universo Godzilla, com a sequela de Godzilla Minus One a ser uma das prioridades deste plano .
Expectativas Elevadas
Com a confirmação de Yamazaki no comando, os fãs podem esperar uma continuação que mantenha a qualidade e profundidade emocional do filme original. A sequela promete explorar novas dimensões do universo Godzilla, possivelmente introduzindo novos kaiju e expandindo a mitologia da franquia.
O clássico da comédia negra “A Guerra das Rosas” (1989) ganha uma nova vida em 2025 com “The Roses”, protagonizado por Olivia Colman e Benedict Cumberbatch. Realizado por Jay Roach e com argumento de Tony McNamara, o filme promete uma abordagem contemporânea e satírica sobre o colapso de um casamento aparentemente perfeito.
Baseado no romance de Warren Adler, “The Roses” apresenta Ivy (Colman) e Theo (Cumberbatch), um casal com carreiras de sucesso e uma vida familiar invejável. No entanto, quando a carreira de Theo entra em declínio e Ivy vê as suas ambições florescerem, a relação transforma-se numa batalha marcada por manipulações e ressentimentos. O trailer revela momentos intensos, incluindo confrontos físicos e psicológicos entre os protagonistas .
Elenco e Produção
Além de Colman e Cumberbatch, o elenco conta com Andy Samberg, Kate McKinnon, Allison Janney, Ncuti Gatwa, Jamie Demetriou, Zoë Chao, Belinda Bromilow e Sunita Mani. A produção é uma colaboração entre as empresas SunnyMarch, South of the River Pictures e Searchlight Pictures .
Haley Joel Osment, o ator que encantou o mundo com a sua interpretação em O Sexto Sentido (1999), foi detido a 8 de abril de 2025 no resort de esqui Mammoth Mountain, na Califórnia. As autoridades responderam a uma chamada sobre um esquiador desordeiro e encontraram Osment, de 37 anos, sob custódia da patrulha de esqui do resort. Foi posteriormente detido por alegada embriaguez em público e posse de uma substância controlada, presumivelmente cocaína, embora a substância esteja ainda a ser analisada em laboratório .
Esta não é a primeira vez que Osment enfrenta problemas com a justiça. Em 2006, aos 18 anos, sofreu um acidente de viação enquanto conduzia embriagado, resultando em ferimentos e acusações de condução sob influência de álcool e posse de marijuana. Foi condenado a três anos de liberdade condicional, reabilitação e participação em reuniões dos Alcoólicos Anónimos .
Dificuldades Pessoais Recentes
Recentemente, Osment perdeu a sua casa num incêndio florestal em Altadena, Califórnia, e enfrentou desafios com a seguradora para obter compensação. A sua irmã, a atriz Emily Osment, partilhou nas redes sociais o impacto devastador que o incêndio teve na família, apelando à solidariedade do público .
Apesar dos contratempos, Osment tem mantido uma carreira ativa, com participações recentes no filme Blink Twice, realizado por Zoë Kravitz, e na série de comédia What We Do In the Shadows. Está também previsto o seu regresso na segunda temporada de Wednesday, da Netflix .
🧟♂️ Está oficialmente aberta a nova era do terror: 28 Years Later, a sequela direta do clássico 28 Days Later (2002), já tem trailer — e promete voltar a deixar-nos agarrados ao sofá. Realizado por Danny Boyle e com argumento de Alex Garland, o filme estreia nos cinemas a 20 de junho de 2025 e assinala o início de uma nova trilogia que dará continuidade ao universo sombrio onde o vírus da raiva viralizou muito mais do que se esperava.
Passaram quase trinta anos desde que o vírus escapou de um laboratório de armamento biológico. A sociedade colapsou. O mundo, agora em ruínas, continua dividido entre zonas de quarentena, pequenos focos de sobreviventes… e legiões de infetados que não conhecem piedade.
Segundo a sinopse oficial, 28 Years Later acompanha um grupo de sobreviventes que vive numa pequena ilha, ligada ao continente apenas por uma ponte fortemente vigiada. Mas a relativa segurança não dura: um deles parte numa missão para o coração do território infetado e descobre que os horrores não se limitam aos que foram contaminados. Os próprios humanos mudaram — e talvez tenham evoluído para algo ainda mais perigoso.
Trailer: tensão, caos e acção visceral
O trailer — recentemente divulgado pela Sony Pictures — mergulha-nos de imediato num cenário de desespero. A estética é crua, suja, frenética. As sequências de ação surgem ao ritmo de um batimento cardíaco acelerado, com destaque para a personagem interpretada por Aaron Taylor-Johnson, que assume o papel central neste novo capítulo.
Embora ainda pouco se saiba sobre a sua personagem, o trailer confirma que ele será o fio condutor da história, liderando missões de risco e confrontando infetados em confrontos brutais. No elenco estão ainda nomes de peso como Jodie Comer, Ralph Fiennes, Jack O’Connell e Erin Kellyman — numa combinação de talentos que promete elevar a fasquia do terror psicológico e físico.
E sim, fãs atentos: Cillian Murphy irá regressar! Embora não apareça no trailer, está confirmado que retomará o seu papel icónico de Jim, “de forma surpreendente e com impacto narrativo”, segundo o presidente da Sony Pictures. Murphy, aliás, é também produtor executivo deste novo filme — uma clara demonstração do seu envolvimento criativo na expansão do universo.
Danny Boyle e Alex Garland: o regresso da dupla infernal
28 Years Later marca o reencontro de dois nomes incontornáveis do cinema britânico contemporâneo. Danny Boyle, realizador de obras como Trainspotting, Slumdog Millionaire e Sunshine, volta à cadeira de realizador 22 anos depois de ter criado uma das visões mais perturbadoras do apocalipse moderno. Alex Garland, autor do argumento original e mais recentemente responsável por Ex Machina, Annihilation e Civil War, assina o guião desta nova incursão no mundo dos infetados.
Ambos são mestres em conjugar horror com crítica social, adrenalina com filosofia existencial. E tudo indica que esta nova trilogia seguirá essa tradição. O segundo filme da série já tem título confirmado — The Bone Temple — e será realizado por Nia DaCosta (The Marvels), mantendo Garland como argumentista.
O regresso de uma lenda… com sede de sangue
28 Days Later é considerado um dos marcos do cinema de terror moderno, tendo reinventado a figura do “zombie” com infetados rápidos, furiosos e quase animalescos. A sua sequela, 28 Weeks Later (2007), embora mais convencional, consolidou o universo. Agora, com 28 Years Later, a saga ganha nova vida — e novo fôlego para aterrorizar toda uma nova geração de espectadores.
Será este o início de uma nova trilogia à altura do legado? Se o trailer for indicativo, o terror vai regressar mais agressivo, mais inteligente e mais humano do que nunca.
🎬 Courtney Henggeler, conhecida do grande público como Amanda LaRusso na série Cobra Kai, decidiu abandonar definitivamente a carreira de atriz — e fê-lo com uma carta de despedida tão sincera quanto amarga. Mais do que um adeus, o seu testemunho tornou-se uma reflexão sobre as exigências da indústria, os sacrifícios silenciosos e o peso da desilusão.
A decisão chegou pouco depois de terminar as gravações da sexta e última temporada de Cobra Kai, e foi partilhada com os fãs numa publicação pessoal na plataforma Substack. A atriz, que conta hoje com 46 anos, encerra assim uma carreira de duas décadas marcadas por papéis secundários, lutas persistentes e uma constante sensação de instabilidade.
Um percurso que nunca se tornou confortável
Henggeler entrou no mundo da representação em 2005, com uma breve aparição em House. Seguiram-se participações pontuais em séries como The Big Bang Theory, NCIS, Criminal Minds ou Mom, onde a sua presença passava frequentemente despercebida ao grande público.
O reconhecimento só chegou com Cobra Kai, quando assumiu o papel da esposa de Daniel LaRusso (Ralph Macchio) numa das séries revivalistas mais populares da última década. Ainda assim, e apesar da visibilidade, a atriz revela que a experiência não foi suficiente para preencher o vazio de uma carreira sempre em suspenso.
“Depois de mais de 20 anos a lutar a boa causa na indústria da representação, pendurei as luvas. Liguei aos meus agentes e disse que ia desistir. Não queria mais ser uma engrenagem na roda da máquina”, escreveu. O desabafo ressoou entre muitos artistas que vivem precisamente na mesma corda bamba emocional e financeira.
O sonho de Hollywood… e a realidade dos bastidores
A indústria do entretenimento está repleta de histórias de sucesso meteórico. Mas há uma realidade muito menos falada: a dos atores que vivem entre castings falhados, contratos temporários e promessas que nunca se concretizam. Henggeler descreve essa vivência com palavras duras, mas honestas:
“Sobrevivemos das migalhas. Enchemos a nossa chávena com a possibilidade; as nossas canecas com ilusão. Os nossos pratos estavam vazios, mas uma galinha dos ovos de ouro pairava sobre as nossas cabeças.”
Estas palavras descrevem uma vivência emocional de frustração permanente, na qual o reconhecimento tarda e o trabalho árduo raramente compensa. Mesmo após trabalhar com nomes como George Clooney, a atriz revela nunca ter sentido segurança ou verdadeira realização na carreira que abraçou por paixão.
O valor de parar para recomeçar
O que mais impressiona no testemunho de Courtney Henggeler é a coragem de parar — não por falta de talento, mas por excesso de lucidez. Num momento em que o sucesso parece medido em seguidores e contratos com plataformas de streaming, a atriz escolheu afastar-se para procurar algo que a preencha de forma mais autêntica.
Não são conhecidos, para já, os seus próximos passos. Mas a despedida, publicada com tom sereno e firme, aponta para uma fase de reinvenção. “Estava faminta. E não era por comida”, confessou.
O seu percurso, embora marcado por altos e baixos, oferece uma visão crua e necessária daquilo que é viver da representação sem nunca ter verdadeiramente “chegado lá” — mesmo quando se alcança o ecrã.
Uma saída que é também um espelho
A despedida de Courtney Henggeler surge num momento em que muitas figuras da indústria estão a reavaliar o equilíbrio entre vida pessoal e profissional, especialmente após a pandemia e as recentes greves de actores e argumentistas. O caso de Henggeler não é isolado — mas é um lembrete forte de que nem sempre o sucesso visível representa bem-estar real.
Para os fãs de Cobra Kai, é o fim de uma era. Para a própria atriz, é talvez o início de algo mais profundo. Como ela própria diz: “Já não quero ser apenas mais uma peça na engrenagem”.
