O Melhor Filme de Sempre, Segundo Jim Carrey: “É Fenomenal” 🎬🔥

O ator de comédia mais imprevisível de Hollywood revela qual é o filme que considera uma verdadeira obra-prima — e não, não é uma comédia

Jim Carrey sempre foi um artista difícil de rotular. Para muitos, é o rei do humor físico e das expressões impossíveis; para outros, é um ator profundamente sensível que sabe explorar as fissuras da alma humana. E talvez por isso não surpreenda que o filme que ele considera “o melhor de todos os tempos” não seja uma comédia, mas sim uma das sátiras mais poderosas e visionárias da história do cinema: Network – Escândalo na TV (1976), realizado por Sidney Lumet

ver também: Voando Sobre um Ninho de Cucos: 50 Anos de Liberdade, Loucura e a Melhor Interpretação de Jack Nicholson 🪶🎬

“O meu filme favorito de todos os tempos é Network”

Carrey fez a revelação no seu livro Memoirs and Misinformation (2020), descrevendo o clássico de Lumet como “um espelho absurdo e profético da nossa sociedade moderna”.

“O meu filme favorito de todos os tempos é Network,” escreveu o ator. “Adoro o trabalho de Paddy Chayefsky [autor do argumento]. É como uma profecia do que aconteceu nos últimos 50 anos. Todos os atores estão brilhantes. É fenomenal.”

O filme, uma crítica feroz ao poder dos meios de comunicação e ao cinismo do capitalismo televisivo, marcou profundamente Carrey — um artista que sempre equilibrou o riso com uma visão crítica do mundo.

De Ace Ventura a The Truman Show: o ator que aprendeu a rir da própria realidade

Nos anos 90, Jim Carrey dominou o cinema de comédia com personagens icónicas como Ace Ventura, O Máskara, Lloyd Christmas em Doidos à Solta e o sinistro Cable Guy. Mas foi com dramas como The Truman Show, Man on the Moon e Eternal Sunshine of the Spotless Mind que o ator mostrou que havia muito mais por trás da caricatura — uma mente inquieta, filosófica e profundamente humana.

É precisamente essa dualidade — entre o humor e a melancolia — que explica a sua devoção a Network.

“Cada cena é um banquete”

Em conversa com o comediante Norm Macdonald, Carrey reforçou o seu entusiasmo pelo filme:

“O meu filme favorito? Network. É fantástico. Cada cena é um banquete.”

O filme, protagonizado por Faye Dunaway, William Holden, Peter Finch e Robert Duvall, conta a história de uma estação de televisão que decide explorar o colapso mental de um antigo pivô de notícias, transformando o seu desespero num espetáculo mediático. O resultado é uma espiral moral onde o lucro vence a empatia — uma previsão assustadoramente atual.

Carrey, hoje mais espiritual e crítico da cultura mediática, vê em Network um reflexo direto da sua própria visão sobre Hollywood e a sociedade moderna.

“Agora que estou mais velho, olho para aquela cena entre William Holden e Faye Dunaway na cozinha… e ele diz: ‘Estou mais perto do fim do que do início’. É devastador. Quem escreve assim? É incrível.”

O filme que previu o século XXI

Lançado em 1976, Network – Escândalo na TV foi nomeado para 10 Óscares e venceu quatro, incluindo Melhor Ator (Peter Finch) e Melhor Atriz (Faye Dunaway). Mais do que um retrato dos bastidores da televisão, o filme antecipou o culto do sensacionalismo e a transformação da informação em entretenimento — algo que Carrey considera “profético”.

ver também : Steven Spielberg Surpreende na Estreia de Hamnet e Elogia Chloé Zhao: “Ela Está Ligada ao Batimento Sísmico da Terra”

Jim Carrey e o espelho de Network

Para um ator que sempre procurou equilíbrio entre o absurdo e a verdade, Network representa o ponto perfeito entre comédia, tragédia e lucidez. Tal como o próprio Carrey, o filme ri-se do desespero, critica o sistema e convida-nos a pensar.

“Se procuras um filme que represente a comédia, a tragédia e a crítica social de Jim Carrey, Network é esse filme”, escreveu um crítico americano.

E talvez seja por isso que, depois de todos os risos, Jim Carrey escolheu justamente um drama como o seu filme preferido. Porque, como ele próprio ensinou, a linha entre rir e chorar é mais fina do que parece.

Steven Spielberg Surpreende na Estreia de Hamnet e Elogia Chloé Zhao: “Ela Está Ligada ao Batimento Sísmico da Terra” 🌍🎬

O lendário realizador apareceu de surpresa no Festival de Londres e emocionou o público com palavras de admiração pela cineasta de Nomadland

O público presente na estreia europeia de Hamnet, o novo filme de Chloé Zhao, não estava preparado para isto: Steven Spielberg subiu inesperadamente ao palco do Royal Festival Hall, em Londres, para prestar uma homenagem sentida à realizadora. O momento arrancou aplausos entusiasmados e deu o tom emocional de uma noite já especial para o cinema.

Spielberg, que é produtor do filme, descreveu Hamnet como “uma poderosa história de amor e perda que inspirou a criação da obra-prima intemporal de Shakespeare, Hamlet”. No filme, Paul Mescal interpreta William Shakespeare e Jessie Buckley dá vida à sua esposa, Agnes, numa narrativa que mistura dor, inspiração e o poder da arte para transformar o sofrimento em eternidade.

ver também : “Voando Sobre um Ninho de Cucos”: 50 Anos de Liberdade, Loucura e a Melhor Interpretação de Jack Nicholson 🪶🎬

“Chloé Zhao está ligada ao coração da Terra”

O realizador de E.T., A Lista de Schindler e Os Fabelmans começou por recordar o momento em que conheceu Zhao, em 2022, num jantar para realizadores nomeados aos Óscares, logo após a vitória dela com Nomadland.

“Tornámo-nos amigos, e passámos a almoçar juntos na Amblin. Fico sempre maravilhado com ela”, contou Spielberg. “Acredito que a Terra tem um batimento cardíaco — um ciclo sísmico constante, 24 horas por dia — e que todos estamos ligados a esse batimento. Mas a Chloé está ligada a ele de uma forma profunda, porque é daí que vem a sua arte.”

Com a eloquência de quem reconhece um talento raro, Spielberg acrescentou:

“É isso que ela leva para o set todos os dias, é o que partilha com os atores. Quando virem Hamnet, vão sentir o batimento sísmico da Terra — por causa de Chloé Zhao.”

Paul Mescal chama-lhe “uma das grandes bruxas do nosso tempo”

O protagonista Paul Mescal, que dá corpo ao jovem Shakespeare, também não poupou elogios à realizadora, descrevendo-a como “uma das grandes bruxas do nosso tempo”. O ator explicou que o ambiente criado por Zhao durante as filmagens foi “mágico” e “um dos principais motivos pelos quais o público está a reagir tão fortemente ao filme”.

A sua parceira em cena, Jessie Buckley, emocionou-se visivelmente durante a apresentação, tal como a própria Zhao, que confessou sentir uma “imensa gratidão” por finalmente poder mostrar o filme na terra onde ele nasceu — literalmente.

“Trouxemos Hamnet para casa”

Chloé Zhao, visivelmente comovida, dirigiu-se ao público com uma humildade que já se tornou a sua marca:

“Sinto uma enorme gratidão, porque hoje trouxemos Hamnet para casa. Fazer este filme nesta ilha e com esta comunidade deu-me um profundo sentimento de pertença e segurança que nunca tinha experimentado. Ajudou-me a ultrapassar um período muito difícil da minha vida.”

Antes da projeção, a realizadora conduziu a plateia num breve exercício de respiração, pedindo que “todas as emoções fossem bem-vindas” durante o visionamento do filme — um gesto simples, mas profundamente simbólico do tipo de cinema espiritual e humano que Zhao continua a cultivar.

Um dos grandes candidatos à temporada de prémios

Depois de vencer o People’s Choice Award em Toronto, Hamnet chega agora à Europa com estatuto de favorito aos Óscares 2025. O filme terá estreia limitada nos EUA e Canadá a 27 de novembro, pela Focus Features, e chega ao Reino Unido a 9 de janeiro, através da Universal Pictures.

ver também : Woody Allen Recorda Diane Keaton: “Fiz Filmes Apenas Para Uma Pessoa — Ela” 🎬❤️

Com a bênção de Spielberg e a assinatura sensível de Zhao, Hamnet promete ser muito mais do que um drama histórico — é uma experiência emocional, quase espiritual, sobre amor, perda e a pulsação invisível que nos liga a todos.

Voando Sobre um Ninho de Cucos: 50 Anos de Liberdade, Loucura e a Melhor Interpretação de Jack Nicholson 🪶🎬

Meio século depois, o clássico de Milos Forman continua a gritar contra a autoridade — e Jack Nicholson ainda brilha como um símbolo de rebeldia no cinema

Há filmes que envelhecem. E há outros que, mesmo 50 anos depois, continuam a falar connosco com a mesma força — ou talvez ainda com mais. Voando Sobre um Ninho de Cucos (One Flew Over the Cuckoo’s Nest), realizado por Milos Forman e lançado em 1975, pertence a essa raríssima segunda categoria: um retrato intemporal sobre liberdade, poder e o espírito humano.

ver também : Karen Allen Revela Como Teve de Lutar Para Regressar em Indiana Jones e o Marcador do Destino 🏺🎬

E, no centro de tudo, está Jack Nicholson, no papel que definiu para sempre o seu nome entre os gigantes da sétima arte.

O filme que libertou o cinema dos anos 70

Baseado no romance homónimo de Ken Kesey, Voando Sobre um Ninho de Cucos conta a história de Randle P. McMurphy, um criminoso que finge insanidade para escapar à prisão e é internado num hospital psiquiátrico. Mas, em vez de submissão, encontra ali um microcosmo da própria sociedade — controlado pela temível Enfermeira Ratched, interpretada de forma inesquecível por Louise Fletcher.

A partir desse confronto nasce uma das narrativas mais poderosas do cinema moderno: o homem livre contra a máquina institucional. Milos Forman filma a rebeldia de McMurphy com uma mistura de humor, desespero e poesia, transformando o hospital num campo de batalha entre o indivíduo e o sistema.

Jack Nicholson no auge do génio

Nicholson tinha 38 anos quando interpretou McMurphy — e nunca mais deixou de ser o “espírito livre” de Hollywood. A sua atuação é pura eletricidade: imprevisível, humana, por vezes hilariante, outras vezes profundamente trágica.

Com o seu sorriso travesso e olhar de loucura lúcida, Nicholson encarna um homem que desafia tudo — médicos, regras e até a própria sanidade — em nome da liberdade. Foi uma performance que lhe valeu o Óscar de Melhor Ator, num filme que arrebatou os cinco principais prémios da Academia: Melhor Filme, Realização, Ator, Atriz e Argumento Adaptado. Um feito que, até hoje, apenas outros dois filmes conseguiram igualar: Aconteceu naquela Noite (1934) e O Silêncio dos Inocentes (1991).

O legado de Milos Forman e a força de um grito coletivo

O realizador checo Milos Forman, que fugira à censura do regime comunista, encontrou nesta história o tema que o acompanharia ao longo da vida: o conflito entre a liberdade individual e as instituições opressivas. Filmado com um realismo quase documental, Voando Sobre um Ninho de Cucos combina delicadeza e brutalidade, humor e tragédia — um equilíbrio raríssimo que o mantém vibrante cinco décadas depois.

A escolha de rodar em locais reais, com pacientes e funcionários de um hospital psiquiátrico do Oregon, conferiu-lhe uma autenticidade desconcertante. O filme nunca se limita a julgar ou diagnosticar: observa, escuta e emociona.

Meio século depois, ainda sentimos o mesmo soco

Ver Voando Sobre um Ninho de Cucos hoje é perceber que o tempo não lhe tirou nada. Pelo contrário, o tornou ainda mais urgente. Num mundo onde as instituições continuam a esmagar o indivíduo e onde a empatia escasseia, o filme de Forman continua a ser um lembrete de que a rebeldia — e o riso — também são formas de resistência.

E Jack Nicholson, com o seu olhar de loucura luminosa, permanece o coração pulsante dessa revolução cinematográfica.

“Alguns não são loucos… apenas não conseguem adaptar-se.”

— Randle P. McMurphy

Cinquenta anos depois, talvez ainda seja disso que o mundo precisa: de mais loucos que se recusem a adaptar-se.

Woody Allen Recorda Diane Keaton: “Fiz Filmes Apenas Para Uma Pessoa — Ela” 🎬❤️

O realizador presta um comovente tributo à atriz, amiga e antiga companheira, após a sua morte aos 79 anos

Poucos pares definiram o cinema americano como Woody Allen e Diane Keaton. Agora, após a morte da atriz aos 79 anos, o realizador — que foi seu companheiro, cúmplice artístico e amigo de toda a vida — escreveu um texto de despedida profundamente pessoal, publicado no The Free Press, onde recorda uma mulher “única na história do planeta” e confessa que “fazia filmes apenas para ela”.

ver também : Karen Allen Revela Como Teve de Lutar Para Regressar em Indiana Jones e o Marcador do Destino 🏺🎬

“Diane Keaton era o meu público de uma pessoa só”

No ensaio, Allen, de 89 anos, relembra o momento em que a conheceu em 1969, durante os ensaios da peça Play It Again, Sam, e o início da relação que marcaria ambos para sempre. “À medida que o tempo passava, fazia filmes para um público de uma pessoa: Diane Keaton. Nunca li uma única crítica do meu trabalho — só me importava com o que ela tinha a dizer.”

O cineasta recorda ainda o riso inconfundível da atriz e o seu impacto imediato em qualquer ambiente. “Ela era diferente de qualquer pessoa que o planeta tenha conhecido — e é improvável que volte a existir alguém como ela. O seu rosto e o seu riso iluminavam qualquer espaço onde entrasse.”

Uma parceria para a eternidade

Allen e Keaton conheceram-se no final dos anos 60, viveram um romance de cinco anos e trabalharam juntos em oito filmes, incluindo Sonhos de um Sedutor, A Última Noite de Boris Grushenko, Manhattan e, claro, Annie Hall (1977), que valeu a Keaton o Óscar de Melhor Atriz. Mesmo depois da separação, mantiveram uma amizade sólida e cúmplice.

No texto, Allen escreve com pesar:

“Há poucos dias, o mundo era um lugar que incluía Diane Keaton. Agora, é um mundo que não a tem. E, por isso, é um mundo mais triste. Ainda assim, ficam os seus filmes. E o seu riso continua a ecoar na minha cabeça.”

Admiração que nunca cessou

Ao longo dos anos, Diane Keaton foi uma das vozes mais firmes em defesa de Allen, mesmo nos períodos mais controversos da carreira do realizador. Durante o movimento #MeToo, quando antigas acusações voltaram a ser discutidas, Keaton afirmou:

“Woody Allen é meu amigo, e continuo a acreditar nele. Vejam a entrevista dele no 60 Minutes de 1992 e tirem as vossas próprias conclusões.”

Allen, por sua vez, referia-se frequentemente a Keaton como a sua “estrela polar” — a pessoa cuja opinião mais valorizava.

“Ela deu-me tudo”

A própria Keaton, em entrevista ao The Guardian em 2023, descreveu o realizador como uma influência determinante:

“Foi sempre especial estar com o Woody. Ele era tudo para mim. Deu-me tudo. Woody tornou as coisas mais leves, e isso ajudou-me imenso.”

Um amor que evoluiu em amizade

No ensaio, Allen também recorda momentos íntimos do casal, como um memorável Dia de Ação de Graças passado a jogar póquer com a família de Keaton. “Tivemos alguns anos maravilhosos juntos. Depois, cada um seguiu o seu caminho — e só Deus e Freud saberão porquê”, escreve com ironia melancólica.

Em 2017, o realizador que raramente comparece a cerimónias de prémios quebrou o hábito para entregar a Keaton o AFI Life Achievement Award, dizendo:

“Desde o minuto em que a conheci, ela foi uma grande inspiração para mim. Muito do que alcancei devo-o, sem dúvida, a ela. Ver a vida pelos olhos da Diane foi uma dádiva. Ela é extraordinária — tudo o que faz, faz bem.”

O eco de uma risada imortal

Com a sua partida, Woody Allen despede-se não apenas de uma atriz, mas da mulher que marcou a sua arte e o seu coração. E como ele próprio escreve: “Ainda ouço o seu riso. Está gravado em mim — e em todos os que a amaram.”

ver também : “Sombras”: O Novo Terror Português Que Promete Deixar o Público em Suspenso 🌒🎬

Karen Allen Revela Como Teve de Lutar Para Regressar em Indiana Jones e o Marcador do Destino 🏺🎬

A eterna Marion não queria ficar de fora da despedida de Harrison Ford — e teve de convencer o estúdio de que deixá-la fora seria “um grande erro”

Nem todos os heróis usam chapéu — alguns usam a palavra certa no momento certo. Foi o caso de Karen Allen, a atriz que conquistou o público como Marion Ravenwood, o primeiro e mais marcante amor de Indiana Jones. Décadas depois da estreia de Os Salteadores da Arca Perdida (1981), Allen revelou que teve de lutar para voltar no mais recente e derradeiro capítulo da saga, Indiana Jones e o Marcador do Destino.

“Eles estavam a cometer um grande erro”

Numa recente entrevista, a atriz confessou que ficou surpreendida (e um pouco magoada) ao descobrir que o argumento inicial não incluía Marion. “Fiquei de coração partido. Achei que estavam a cometer um grande erro”, contou Allen. “Marion sempre foi uma parte essencial da vida de Indy — emocionalmente, espiritualmente e narrativamente.”

este: Hamnet”: O Filme Que Está a Partir Corações e a Rumo aos Óscares 💔🎭

Determinada a não deixar a personagem cair no esquecimento, a atriz contactou a produção e fez questão de explicar o valor da sua presença no filme. “Disse-lhes: ‘Ela é parte da alma do Indiana Jones. Não faz sentido terminar a história sem ela.’”

Uma presença breve, mas simbólica

Apesar da persistência, a sua participação acabou por ser pequena — uma breve, mas tocante aparição que encerra a saga com emoção e nostalgia. Marion surge no final do filme, numa cena carregada de simbolismo e ternura, que ecoa o final do primeiro capítulo da saga.

“Foi curto, mas significativo”, disse Allen. “Senti que a nossa história ficou completa. Depois de tudo o que partilharam, havia algo de profundamente bonito naquele reencontro.”

Uma despedida à altura da lenda

Ao lado de Harrison Ford — que se despediu oficialmente do icónico arqueólogo após mais de quatro décadas —, Karen Allen trouxe um fecho emocional que muitos fãs consideraram indispensável. A sua presença é, afinal, o elo entre o início e o fim da aventura.

E embora a atriz admita que gostaria de ter tido um papel maior, não esconde o orgulho de ter defendido a sua personagem. “Marion foi uma mulher forte, independente, muito à frente do seu tempo. Ela não esperava ser salva — ela salvava-se a si própria. Quis garantir que isso fosse lembrado.”

ver também : Keira Knightley Entra a Bordo — E o Navio Muda de Rumo: The Woman in Cabin 10 🚢🕵️‍♀️

No fim, tal como Indy, Karen Allen provou que algumas batalhas valem mesmo a pena — especialmente quando se luta pelo coração da história. ❤️

O Indiana Jones e o Marcador do Destino, está disponível para Streaming no Disney + e para aluguer na Prime Video e Apple TV

“Sombras”: O Novo Terror Português Que Promete Deixar o Público em Suspenso 🌒🎬

O filme de Jorge Cramez, protagonizado por Vitória Guerra e Pedro Lacerda, chega agora aos cinemas depois de causar sensação no Motelx

Depois de uma estreia arrepiantemente bem recebida no Motelx – Festival Internacional de Cinema de Terror de Lisboa, o novo filme de Jorge Cramez, intitulado Sombras, chega finalmente às salas de cinema em todo o país. O realizador, conhecido por obras de registo intimista, mergulha agora no território do terror psicológico, com uma história que mistura o drama emocional com o sobrenatural.

ver também: “Mortal Kombat 3” Anunciado Antes Mesmo da Estreia do Segundo Filme 💥🎮

Um casal, uma casa isolada e o peso do desconhecido

Em Sombras, Vitória Guerra e Pedro Lacerda dão vida a um casal que decide abandonar a vida urbana e mudar-se para o campo, em busca de tranquilidade. Mas, como em tantas histórias do género, a paz depressa se transforma em inquietação. No isolamento rural, começam a surgir presenças inexplicáveis, memórias distorcidas e silêncios que se tornam ameaçadores.

O filme não aposta no susto fácil: prefere a tensão lenta, o desconforto crescente e a dúvida constante sobre o que é real e o que nasce da mente das personagens.

Jorge Cramez entre o drama e o fantástico

Conhecido por obras como O Capacete Dourado e Amor Amor, Cramez sempre demonstrou interesse pelas zonas cinzentas da emoção humana. Em Sombras, leva essa sensibilidade para um terreno mais sombrio, onde o terror serve de espelho à fragilidade psicológica das personagens.

A atmosfera densa, os enquadramentos meticulosos e a fotografia que oscila entre a luz natural e o negrume da noite rural reforçam a sensação de que algo se esconde fora de campo — ou talvez dentro de nós.

ver também . O Novo Filme de Hilary Swank Tornou-se o Fenómeno Emocional da Netflix – Preparem os lenços!

O terror português em expansão

Com a estreia de Sombras, o cinema português continua a explorar o género do terror psicológico, uma vertente que tem vindo a ganhar força nos últimos anos. Depois de títulos como Mutant Blast e O Pior Homem de Londres, Jorge Cramez traz uma abordagem mais introspectiva e emocional — uma que aposta na sugestão em vez do choque.

Se gosta de terror com alma e significado, Sombras promete ser uma experiência inquietante e, talvez, profundamente humana.

“Mortal Kombat 3” Anunciado Antes Mesmo da Estreia do Segundo Filme 💥🎮

O anúncio-surpresa foi feito na Comic Con de Nova Iorque e confirma que a Warner Bros. aposta tudo na franquia

Os fãs de Mortal Kombat mal tiveram tempo para respirar entre um fatality e outro. Durante o painel da New York Comic Con, o argumentista e produtor executivo Jeremy Slater deixou o público em choque ao revelar que “Mortal Kombat 3” já está confirmado — mesmo antes da estreia do segundo filme!

ver também : Sigourney Weaver Pode Estar de Volta ao Espaço: Ellen Ripley Pode Ressurgir no Universo Alien

A notícia caiu como um raio no meio da plateia e confirma o voto de confiança da Warner Bros., que parece acreditar que Mortal Kombat 2 será um sucesso colossal. A convicção não é infundada: o primeiro trailer da sequela somou 107 milhões de visualizações em apenas 24 horas, um número digno de superproduções da Marvel.

A aposta continua — e com a mesma equipa

Segundo Slater, o objetivo é manter toda a equipa criativa do segundo filme, incluindo o próprio e o realizador Simon McQuoid, que também dirigiu o primeiro capítulo em 2021. Regressam ainda James Wan, Todd Garner, Toby Emmerich, E. Bennett Walsh e o próprio McQuoid na produção.

Ainda não há detalhes sobre a história do terceiro filme, mas a promessa é clara: mais lutas brutais, mais sangue e mais nostalgia para os fãs que cresceram a ouvir “Finish him!”.

O que esperar de 

Mortal Kombat 2

Com estreia marcada para 14 de maio de 2026, Mortal Kombat 2 dá continuidade à adaptação da lendária série de videojogos da NetherRealm Studios, conhecida pela sua violência estilizada e personagens icónicas.

O novo capítulo volta a acompanhar Cole Young (Lewis Tan), lutador de MMA destinado a enfrentar as forças do mal lideradas pelo imperador Shang Tsung (Chin Han) e pelo guerreiro Sub-Zero (Joe Taslim).

Entre os aliados, estão Sonya Blade (Jessica McNamee), Jax (Mehcad Brooks), Kung Lao (Max Huang), Liu Kang(Ludi Lin) e o irreverente Kano (Josh Lawson). Mas há novos rostos a bordo: Tati Gabrielle entra como Jade, Martyn Ford assume o papel de Shao Kahn, e Karl Urban — o carismático Billy Butcher de The Boys — será o icónico Johnny Cage.

Desta vez, o enredo deverá focar-se no torneio de artes marciais que dá nome à saga, prometendo combates ainda mais intensos e coreografias de tirar o fôlego.

De clássico “trash” a fenómeno moderno

A saga cinematográfica Mortal Kombat começou em 1995, com o filme de Paul W. S. Anderson, que hoje é visto como um clássico cult do género “tão mau que é bom”. A nova trilogia, contudo, procura equilibrar a brutalidade dos jogos com uma estética moderna e efeitos de última geração.

ver também : O Novo Filme de Hilary Swank Tornou-se o Fenómeno Emocional da Netflix – Preparem os lenços!

Com Mortal Kombat 2 prestes a chegar aos cinemas e o terceiro filme já confirmado, a mensagem é clara: a luta está longe de terminar. Preparem-se para mais sangue, trovões e fatalities em grande ecrã.

O Novo Filme de Hilary Swank Tornou-se o Fenómeno Emocional da Netflix – Preparem os lenços!

“Anjos na Terra” chegou ao streaming e conquistou o público português em tempo recorde

Há histórias que nos lembram porque é que o cinema ainda consegue tocar o coração — e Anjos na Terra é uma delas. O novo filme protagonizado por Hilary Swank estreou-se na Netflix a 1 de outubro e bastaram dois dias para alcançar o primeiro lugar do top nacional da plataforma. Depois de emocionar plateias nos cinemas em março, o drama tornou-se agora num verdadeiro fenómeno de streaming.

ver também : Hamnet”: O Filme Que Está a Partir Corações e a Rumo aos Óscares 💔🎭

Uma história real que aquece o coração

Baseado em factos verídicos, Anjos na Terra segue Sharon Stevens (Hilary Swank), uma cabeleireira de Louisville com uma energia contagiante e um coração do tamanho do Kentucky. Quando descobre a história de Michelle, uma menina de apenas cinco anos que precisa urgentemente de um transplante de fígado, Sharon decide agir — e acaba por mobilizar toda a comunidade numa corrida contra o tempo.

O pai da criança, Ed Schmitt (interpretado por Alan Ritchson), é um viúvo com sérias dificuldades financeiras que tenta desesperadamente salvar a filha. A história decorre durante uma histórica vaga de frio, no inverno de 1994, o que acrescenta ainda mais urgência e dramatismo à missão de Sharon.

Hilary Swank: um regresso carregado de emoção

A vencedora de dois Óscares — por Menina de Ouro e Os Rapazes Não Choram — regressa aqui em plena forma. Mas, para Swank, esta não é apenas mais uma personagem: é uma história profundamente pessoal. A atriz perdeu o pai, que também precisava de um transplante, cinco meses antes das filmagens, e chegou mesmo a interromper a carreira durante três anos para cuidar dele.

“Foi uma bênção poder fazer este filme”, confessou Swank numa entrevista à CBS. “Tenho saudades dele todos os dias.” É difícil não sentir o peso dessas palavras quando a vemos no ecrã — a sua Sharon carrega uma força e uma vulnerabilidade que só alguém que viveu algo semelhante poderia transmitir.

Um elenco que emociona e uma realização sentida

Realizado por Jon Gunn, o filme conta também com Alan Ritchson, Emily Mitchell, Nancy Travis e Tamala Jones. O resultado é um drama sincero, feito à moda antiga, onde a empatia e a humanidade valem mais do que qualquer efeito especial.

ver também . Keira Knightley Entra a Bordo — E o Navio Muda de Rumo: The Woman in Cabin 10 🚢🕵️‍♀️

Com uma fotografia quente e uma narrativa que nunca força as lágrimas, Anjos na Terra conquista pela sua autenticidade — e já está a fazer chorar meio mundo (Portugal incluído).

Se ainda não viu, prepare os lenços. É impossível não se comover. 💔

Hamnet”: O Filme Que Está a Partir Corações e a Rumo aos Óscares 💔🎭

Chloé Zhao regressa com Paul Mescal e Jessie Buckley num drama sobre Shakespeare, a perda e o poder do amor que sobrevive à morte

Prepare os lenços: o novo filme de Chloé Zhao, Hamnet, está a ser descrito como “o melhor filme do ano” — e o trailer agora divulgado confirma que vem aí uma verdadeira torrente de emoções. Depois de conquistar o público com Nomadland (que lhe valeu o Óscar de Melhor Realização), Zhao volta a mergulhar na dor humana com uma história de amor, perda e inspiração, centrada na figura do filho de William Shakespeare.

Antes de Hamlet, houve Hamnet

Baseado no romance homónimo de Maggie O’Farrell, Hamnet leva-nos à Inglaterra do século XVI, onde William Shakespeare (Paul Mescal) ainda luta por afirmar-se enquanto dramaturgo. Quando o seu filho Hamnet morre aos 11 anos, a tragédia transforma-se num ponto de viragem na vida do autor — um trauma que muitos acreditam ter dado origem à escrita de Hamlet, uma das maiores obras da literatura mundial.

ver também : Diane Keaton: A Última Publicação, o Amor pelos Animais e a Maternidade aos 50 🕊️

Mas a verdadeira alma do filme é Agnes (interpretada por Jessie Buckley), a esposa de Shakespeare, retratada como uma mulher intuitiva, ligada à natureza e consumida pelo luto. A relação entre ambos, filmada com a sensibilidade que Zhao já nos habituou, promete ser o coração emocional da narrativa.

Uma dor que ilumina

Apontado como um dos grandes candidatos à temporada de prémios, Hamnet já conquistou o People’s Choice Award no Festival de Toronto — distinção que, nos últimos anos, antecipou vários vencedores do Óscar de Melhor Filme. A estreia mundial deu-se em Telluride, onde foi recebido com aplausos de pé e críticas entusiasmadas.

A fotografia de Łukasz Żal (Ida, Cold War) envolve o filme numa aura etérea: campos verdejantes do País de Gales banhados por luz dourada, contrastando com o peso da dor e a serenidade de quem aprende a aceitar a perda.

Paul Mescal e Jessie Buckley: química e devastação

Depois de Aftersun, Paul Mescal confirma-se como um dos atores mais intensos da sua geração. Aqui, o seu Shakespeare é um homem dividido entre o génio criativo e a culpa pela ausência. Jessie Buckley, por sua vez, oferece uma performance descrita pela crítica como “mística e arrebatadora”, tornando Agnes numa das personagens femininas mais comoventes do cinema recente.

O cinema como elegia

Com argumento coescrito por Zhao e Maggie O’Farrell, Hamnet promete uma reflexão profunda sobre o amor, a morte e a arte como forma de eternizar a dor. Não é apenas um filme sobre Shakespeare — é sobre o que nos resta quando perdemos tudo.

ver também : Sigourney Weaver Pode Estar de Volta ao Espaço: Ellen Ripley Pode Ressurgir no Universo Alien

E se o trailer é alguma indicação, prepare-se: Hamnet não será apenas um dos filmes mais belos do ano — será também um dos mais tristes.

Keira Knightley Entra a Bordo — E o Navio Muda de Rumo: The Woman in Cabin 10 🚢🕵️‍♀️

Simon Stone reescreve a bússola do ‘thriller’: de Ruth Ware a Hitchcock, porque pediu à atriz que não lesse o livro e como Lo Blacklock se torna “o que um bom jornalista deve ser”

A bordo de um iate de luxo no Mar do Norte, uma jornalista diz ter visto uma mulher ser atirada borda fora. Todos juram que ela está enganada. É neste vórtice de descrédito e paranoia que The Woman in Cabin 10 regressa — agora em longa-metragem para a Netflix — com Keira Knightley no leme e Simon Stone (o aclamado The Dig) a afinar o curso da adaptação do best-seller de Ruth Ware.

Não ler o livro? Ordem do capitão

Keira Knightley revelou que não leu o romance antes das filmagens — por pedido directo de Simon Stone. O realizador/argumentista quis libertar a actriz de “amarrações” ao texto original porque “fez alterações” na transposição para ecrã. A ideia: criar um thriller que respira cinema desde o primeiro plano, sem que a protagonista carregue a sombra de como certas cenas “deviam” soar no papel.

ver também : Sigourney Weaver Pode Estar de Volta ao Espaço: Ellen Ripley Pode Ressurgir no Universo Alien

De Ruth Ware a Alfred Hitchcock: a pista que redefine o mistério

Stone aponta The Lady Vanishes (Alfred Hitchcock) como farol criativo: alguém desaparece, todos negam a sua existência, e o espectador é empurrado para a dúvida. A matriz hitchcockiana é clara — tensão elegante, espaço fechado, psicologia em ebulição — mas esticada para um presente ultra-contemporâneo, com ritmo, ironia seca e uma protagonista que recusa “baixar a cabeça”.

Lo Blacklock, repórter até ao osso: “um cão com um osso”

Na visão de Knightley, Lo é “um cão com um osso”: não larga a verdade. A personagem é jornalista de viagens e é nesse ofício — curiosidade, método, teimosia ética — que o filme ancora a nossa percepção. Se a gaslighting a cerca, Lo redobra a persistência. Nada de voice-over condescendente; Stone trabalha por fora aquilo que o livro exprime por dentro, e deixa a actriz conduzir a obsessão com olhar, corpo e silêncio.

As grandes diferenças para o livro (sem panos quentes)

Ruth Ware confirmou que o filme assume mudanças musculadas, sobretudo no desfecho: aqui, Lo tem finalmente um confronto directo com o antagonista — um acerto de contas “em cena”, que o romance deixa “fora de campo”. É uma opção assumidamente cinematográfica: dá catarse, fecha arcos e transforma suspeita em choque frontal.

Um convés cheio de estrelas (e segredos)

O elenco é daqueles que fazem o iate adernar: Keira Knightley lidera, com Guy Pearce, Gugu Mbatha-Raw, Kaya Scodelario, Hannah Waddingham, Art Malik, Daniel Ings e David Ajala a povoarem corredores e camarotes onde todos têm algo a esconder. A dinâmica entre Lo e Ben (Ajala) condensa a claustrofobia moral do filme: confiança, ambição e o dilema de “ver” ou fingir que não viu.

Duração enxuta, tensão alta, género ao rubro

Com cerca de 1h32 de duração, The Woman in Cabin 10 abraça a tradição do thriller compacto: cenário limitado, tempo a encurtar, cada detalhe a contar. Em plena maré de adaptações com protagonistas femininas (de Gone Girl a Sharp Objects), Stone procura mais o suspense nervoso e menos o puro “twist de virar a mesa”. O que interessa é a pressão: quem fala verdade quando todos juram que mentimos?

ver também : Diane Keaton: A Última Publicação, o Amor pelos Animais e a Maternidade aos 50 🕊️

Porque este regresso importa

Ao pedir a Knightley que não lesse o livro, Stone transporta a narrativa para a sua própria gramática: imagem, montagem e encenação em vez de monólogo interior. O resultado promete ser um Hitchcock moderno com o coração no jornalismo — sobre acreditar nos seus olhos quando o mundo inteiro diz que não viu nada.

Sigourney Weaver Pode Estar de Volta ao Espaço: Ellen Ripley Pode Ressurgir no Universo Alien

A lendária atriz revelou ter-se reunido com a Disney para discutir um possível regresso ao papel que a eternizou

Os fãs da saga Alien podem começar a sonhar: Sigourney Weaver, a eterna Ellen Ripley, admitiu que há conversas em curso sobre um possível regresso ao universo criado por Ridley Scott. A revelação foi feita durante um painel da Comic Con de Nova Iorque, onde a atriz de 76 anos surpreendeu o público ao confirmar que se reuniu com a Disney — actual detentora da franquia — para discutir a ideia.

ver também : Diane Keaton: A Última Publicação, o Amor pelos Animais e a Maternidade aos 50 🕊️

Segundo Weaver, o impulso para regressar veio depois de ler 50 novas páginas de argumento escritas pelo produtor e argumentista Walter Hill, veterano da série. “Fiquei impressionada”, confessou. “Nunca senti necessidade de regressar. Sempre pensei: ‘Deixem-na descansar, deixem-na recuperar’. Mas o que o Walter escreveu pareceu-me extraordinário — é profundamente verdadeiro, especialmente sobre a sociedade que castigaria alguém que apenas tentou ajudar a humanidade.”

Um possível regresso… mas ainda longe de ser certo

Apesar do entusiasmo, a atriz manteve os pés assentes na terra. “Não sei se vai acontecer”, avisou. “Mas estou a pensar em trabalhar com o Walter para ver como o resto da história se poderia desenrolar.”

Se o projeto avançar, será o reencontro de Weaver com um dos papéis mais icónicos do cinema de ficção científica. Ellen Ripley surgiu pela primeira vez em Alien – O Oitavo Passageiro (1979), de Ridley Scott, transformando uma história de terror espacial num marco cultural e num símbolo de força feminina.

Weaver regressou em Aliens: O Recontro Final (1986), de James Cameron — interpretação que lhe valeu uma nomeação ao Óscar de Melhor Atriz, feito raríssimo para um filme de ação e ficção científica. Mais tarde, participou em Alien³(1992), de David Fincher, e em Alien: Ressurreição (1997), onde deu vida a um clone da personagem, já que Ripley morre no final do terceiro filme.

O legado de uma heroína imortal

Ao longo de mais de 70 filmes, Sigourney Weaver construiu uma das carreiras mais respeitadas de Hollywood. De Caça-Fantasmas a Avatar, passando por dramas e comédias, a atriz provou ser uma das intérpretes mais versáteis da sua geração. No entanto, para milhões de fãs, será sempre a comandante Ripley — a mulher que enfrentou o terror absoluto no espaço e sobreviveu para contar a história.

ver também : ohn Candy: A Verdade Dura por Trás do Riso — Os Filhos Revelam a Fatfobia Que o Ator Sofreu em Hollywood

Com a série Alien: Earth a conquistar o público e a crítica na FX, o momento parece perfeito para revisitar as origens e, quem sabe, dar a Ripley uma nova missão — talvez a mais importante de todas: encerrar o ciclo que começou há quase meio século.

Até lá, os fãs aguardam em suspenso. E se há algo que Alien nos ensinou, é que no espaço, ninguém nos ouve gritar… mas o entusiasmo é audível em toda a galáxia. 👽

John Candy: A Verdade Dura por Trás do Riso — Os Filhos Revelam a Fatfobia Que o Ator Sofreu em Hollywood

No novo documentário I Like Me, os filhos do lendário comediante falam sobre o lado sombrio da fama e o preconceito que marcou a sua vida

John Candy foi um dos rostos mais amados da comédia dos anos 80 e 90 — uma presença calorosa, generosa e hilariante que conquistou o público em filmes como Uncle Buck, Planes, Trains & Automobiles e Splash. Mas por trás do sorriso e do humor contagiante, havia dor, ansiedade e uma batalha constante contra o preconceito.

ver também : Diane Keaton: A Última Publicação, o Amor pelos Animais e a Maternidade aos 50 🕊️

No novo documentário John Candy: I Like Me, agora disponível na Prime Video, os filhos do ator, Jennifer e Christopher Candy, partilham o choque e a tristeza de descobrirem a extensão da fatfobia que o pai enfrentou ao longo da carreira.

“Foi revoltante ver o que ele passou”

Em entrevista à Us Weekly, os filhos revelaram que só agora, ao verem as gravações de bastidores e entrevistas antigas, perceberam o quanto o pai foi alvo de comentários cruéis sobre o peso. “Foi mesmo revoltante”, confessou Christopher, de 41 anos. “Ver o que ele suportou é doloroso. Descobrimos que ele, às vezes, evitava comer em público por causa dos paparazzi — acabava por ficar sem comer o dia todo, bebia ou fumava, e só comia quando chegava ao quarto de hotel. Isso é terrível para o corpo.”

Jennifer, de 45 anos, disse que a experiência foi igualmente dura: “Foi chocante ver jornalistas a comentar o peso dele, a tratá-lo como se fosse uma piada. As pessoas sabem que isso é errado — não se fala assim do que é claramente uma luta pessoal.”

O homem por trás da lenda

O documentário, realizado por Colin Hanks e produzido por Ryan Reynolds, mostra um John Candy mais humano — vulnerável, ansioso e por vezes em conflito com a sua própria imagem pública. O filme não foge das dificuldades: aborda os ataques de pânico, o medo constante de ser julgado e o peso (literal e simbólico) de ter de corresponder às expectativas de Hollywood.

Segundo Eugene Levy, amigo e colega do ator, Candy chegou a cortar relações com alguém que lhe escreveu uma carta a criticar o peso. Ainda assim, o ator esforçava-se para cuidar de si — frequentava um centro de perda de peso, tinha nutricionista e treinador pessoal, e tentava adotar hábitos mais saudáveis.

Mas, como revela o filme, o sistema parecia querer o contrário. “Sentia que queriam que ele fosse grande — que ele fosse o ‘John Candy’ que todos esperavam. E por isso, manteve-se assim”, explicou Christopher.

Um legado de empatia e vulnerabilidade

Os filhos garantem que não quiseram fazer um documentário “fofinho”, mas sim um retrato real. “Não queríamos uma versão polida ou um simples resumo de carreira. Queríamos mostrar o trauma, o que ele estava a tentar resolver antes de morrer”, disse Christopher. Jennifer acrescenta: “Não queríamos adoçar a história. Queríamos que as pessoas aprendessem algo e sentissem algo.”

Ambos partilham como a morte precoce do pai — vítima de ataque cardíaco aos 43 anos, em 1994 — os marcou profundamente. Jennifer continua a monitorizar a própria saúde cardíaca, enquanto Christopher mantém acompanhamento médico regular desde os 24 anos. “Hoje percebo que nem tudo era genética — muito era comportamento. E isso dá-me força para seguir em frente sem medo de envelhecer”, disse o filho.

O comediante que inspirou gerações

Apesar da dor, I Like Me é também uma celebração. O documentário reúne depoimentos emocionados de amigos e fãs como Tom Hanks, Martin Short e Conan O’Brien, que reconhecem a influência profunda de Candy na comédia moderna.

“Às vezes esquecemo-nos do quão grande ele era até vermos pessoas como o Tom Hanks a falar dele com tanto carinho”, confessou Christopher. “É surreal. O nosso pai inspirou-os — e eles inspiraram-nos a nós.”

ver também : Jim Caviezel Recusa Reencarnar: “A Ressurreição de Cristo” Avança Sem o Seu Jesus Original

John Candy pode ter partido cedo demais, mas o seu riso, a sua humanidade e o seu coração continuam a ecoar nas gerações que se seguiram.

Jim Caviezel Recusa Reencarnar: “A Ressurreição de Cristo” Avança Sem o Seu Jesus Original

Mel Gibson prepara duas partes da aguardada sequela de A Paixão de Cristo, mas com um novo protagonista no papel central

Depois de anos de rumores, confirma-se: Jim Caviezel não voltará a interpretar Jesus Cristo nas novas produções de Mel Gibson, intituladas The Resurrection of the Christ. A informação foi confirmada pela The Hollywood Reporter, que revela também que a Lionsgate planeia lançar o projeto em duas partes, com estreia marcada para 2027.

ver também : Diane Keaton: A Última Publicação, o Amor pelos Animais e a Maternidade aos 50 🕊️

A produção, que começará brevemente em Roma, assinala o regresso de Gibson à história que chocou o mundo em 2004. No entanto, a ausência de Caviezel — cuja interpretação de Cristo marcou profundamente o público — representa uma mudança significativa. Monica Bellucci, que interpretou Maria Madalena, também não regressará. Ambos os papéis serão agora entregues a novos atores.

Um fenómeno que mudou Hollywood

Quando estreou a 25 de fevereiro de 2004, A Paixão de Cristo tornou-se um fenómeno mundial, ultrapassando os 600 milhões de dólares de receita global. Só na América do Norte, arrecadou 370 milhões, mantendo durante anos o título de filme com classificação R (para maiores de 17 anos) mais lucrativo da história.

O sucesso foi tanto que catapultou Mel Gibson — então já conhecido pelo seu trabalho em Braveheart — para uma posição singular em Hollywood: a de um realizador que provou que o cinema religioso podia ser um negócio monumental.

A nova visão de Mel Gibson

Duas décadas depois, Gibson prepara o regresso com uma ambição épica: The Resurrection of the Christ será lançada em duas partes. A primeira chega aos cinemas a 26 de março de 2027, coincidindo com a Sexta-Feira Santa. A segunda estreia 40 dias depois, a 6 de maio, simbolicamente no Dia da Ascensão.

O projeto, desenvolvido em parceria com Bruce Davey através da Icon Productions, pretende explorar os eventos posteriores à crucificação de Cristo — a ressurreição e as primeiras aparições aos discípulos —, temas que Gibson tem vindo a desenvolver há mais de uma década.

O adeus de Caviezel ao papel que o definiu

Para Jim Caviezel, interpretar Jesus foi um papel transformador e, para muitos, o mais marcante da sua carreira. Conhecido também pela série Person of Interest e pelo polémico Sound of Freedom, o ator mostrou-se entusiasmado em abril, numa entrevista ao Arroyo Grande Podcast, onde afirmou:

“Demora tempo a fazer estas coisas, mas só Deus sabe qual é o momento certo. Estou com medo? Sim. Mas se não estivesse, não queria trabalhar com esse ator, porque ele não estaria preparado.”

Apesar da fé e da ligação emocional ao papel, parece que os caminhos de Caviezel e de Gibson seguem agora direções diferentes.

O legado e a controvérsia

A Paixão de Cristo ficou conhecida não apenas pelo sucesso, mas também pela polémica. Na altura, o The Hollywood Reporter descreveu o filme como “de uma violência quase pornográfica” e um “auto de fé medieval com melhores efeitos especiais”. Mesmo assim, o impacto cultural foi inegável — e a expectativa em torno da sequela é enorme.

ver também : Elijah Wood Já Leu o Guião de The Hunt for Gollum — e Diz Que É “Mesmo Muito Bom” 🧙‍♂️💍

Com ou sem Caviezel, Mel Gibson prepara-se para reviver um dos fenómenos mais controversos e influentes do cinema moderno.

Diane Keaton: A Última Publicação, o Amor pelos Animais e a Maternidade aos 50 🕊️

A Despedida Discreta de uma Estrela

A última publicação de Diane Keaton no Instagram, feita meses antes da sua morte, é um reflexo perfeito da mulher que sempre foi — carinhosa, simples e de bom humor. A atriz, que nos deixou no sábado, 11 de outubro, aos 79 anos, celebrou o National Pet Day (Dia Nacional dos Animais de Estimação) com a ajuda da marca Hudson Grace e do seu fiel companheiro, Reggie, um golden retriever que a acompanhou nos últimos anos.

ver também : Elijah Wood Já Leu o Guião de The Hunt for Gollum — e Diz Que É “Mesmo Muito Bom” 🧙‍♂️

“A prova de que os nossos animais de estimação também têm um ótimo gosto! Feliz Dia Nacional dos Animais de Estimação da HG e Diane Keaton”, lia-se na legenda partilhada pela marca — e replicada pela atriz, que não escondia o amor pelos seus amigos de quatro patas.

Em 2020, Diane apresentou Reggie aos fãs com entusiasmo, partilhando vídeos dele a correr e saltar pelo quintal. Um pequeno vislumbre da serenidade que encontrou longe dos estúdios de Hollywood.

Uma Vida Amorosa Sem Alianças

Apesar de ter vivido intensas histórias de amor com nomes lendários como Al Pacino, Warren Beatty e Woody Allen, Diane Keaton manteve-se fiel a si mesma — e solteira até ao fim.

“Tenho 73 anos e acho que sou a única da minha geração que foi solteira a vida toda”, confessou em 2019 à People. A atriz explicou que o casamento nunca foi um objetivo: “Não teria sido uma boa ideia casar-me. Estou muito feliz por não o ter feito, e tenho a certeza de que eles também estão felizes com isso.”

Desde jovem, já parecia saber o que queria: “Lembro-me de um rapaz dizer-me na escola: ‘Um dia vais ser uma boa esposa’. E eu pensei: ‘Não quero ser esposa.’”

Mãe a Meio Caminho da Vida

A maternidade chegou tarde, mas trouxe-lhe um novo propósito. Aos 50 anos, Diane Keaton adotou dois filhos — Dexter e Duke — que, discretamente, a acompanharam nos bastidores da fama.

“Não achava que algum dia estaria preparada para ser mãe. A maternidade não era um desejo, era um pensamento que vinha a ter há algum tempo. Por isso, atirei-me de cabeça”, contou a atriz.

Hoje, Dexter tem 29 anos e Duke 25, e ambos preferiram manter-se longe das câmaras. “Eles não estão interessados no que eu faço, o que acho muito saudável. Vivemos uma vida mesmo normal — quer dizer, mais ou menos normal”, brincou Keaton em 2007.

Um Legado de Carisma e Liberdade

Após a notícia da sua morte, estrelas como Leonardo DiCaprio, Mia Farrow e Jane Fonda prestaram emocionantes homenagens à mulher que redefiniu o papel feminino em Hollywood — tanto nos ecrãs como fora deles.

ver também : “Harry Potter”: Primeira Imagem de Hogwarts na Nova Série da HBO Deixa Fãs em Êxtase 🏰✨

Com um estilo inconfundível, humor irreverente e uma independência que inspirou gerações, Diane Keaton despede-se como viveu: fiel a si mesma, rodeada de amor, e com um cão feliz a seu lado. ❤️

Elijah Wood Já Leu o Guião de The Hunt for Gollum — e Diz Que É “Mesmo Muito Bom” 🧙‍♂️💍

O eterno Frodo Baggins garante que o novo filme da Terra-média está em excelentes mãos — e confirma que Peter Jackson e a equipa original voltaram a reunir-se. Bons sinais para os fãs.

ver também :O Final de Tron: Ares Vai Deixar os Fãs em Choque — e a Cena Após os Créditos Revela um Regresso Inesperado ⚡

A viagem de volta à Terra-média continua a ganhar forma — e com boas notícias para quem anda de pé atrás. Elijah Wood, o eterno Frodo Baggins de O Senhor dos Anéis, revelou que já leu o guião de The Hunt for Gollum e que o texto “é mesmo muito bom”.

Durante uma convenção de fãs no último fim-de-semana, o actor deixou claro que o projecto está em excelentes mãos e que há motivos para os fãs voltarem a acreditar na magia de Tolkien no grande ecrã.

“Sei muito sobre o assunto. Já o li. É mesmo muito bom”, garantiu Wood. “O que é tão entusiasmante é que estamos mesmo a juntar a banda criativa outra vez.”

🧝‍♂️ O regresso da velha guarda da Terra-média

Segundo Elijah Wood, o novo filme conta com o envolvimento directo de Peter Jackson, Fran Walsh e Philippa Boyens, o trio criativo responsável pela trilogia original de O Senhor dos Anéis, vencedora de 17 Óscares.

Mas as boas notícias não ficam por aqui: os mesmos designers de produção também estão de volta, e as filmagens decorrem, uma vez mais, na Nova Zelândia, o que reforça o sentimento de que “a velha máquina está novamente a funcionar com todas as pessoas certas”, como disse o actor.

“Parece que estamos a pôr a velha máquina a funcionar outra vez com todas as pessoas certas”, resumiu Wood, visivelmente entusiasmado.

🧙‍♀️ Gandalf e Frodo voltam a cruzar caminhos

Embora Elijah Wood ainda não tenha confirmado oficialmente o seu regresso como Frodo, as suas declarações aumentam a expectativa — especialmente depois de Sir Ian McKellen ter revelado que Gandalf e Frodo aparecem no filme.

Com ambos os actores mais de 20 anos mais velhos e a história de The Hunt for Gollum a decorrer antes dos eventos de O Senhor dos Anéis, permanece a dúvida sobre se será utilizado algum tipo de rejuvenescimento digital para manter a coerência visual.

🕳️ O que esperar de The Hunt for Gollum

Realizado e protagonizado por Andy Serkis, o homem por detrás da icónica criatura Gollum, o filme decorre entre os acontecimentos de O Hobbit e O Senhor dos Anéis. A trama acompanhará a busca de várias personagens — incluindo Gandalf e Aragorn — por Gollum, numa tentativa desesperada de descobrir o paradeiro do Anel, antes que Sauron o encontre.

Com estreia marcada para 17 de Dezembro de 2027, The Hunt for Gollum promete ser um verdadeiro regresso às origens, com o mesmo espírito épico e emocional que fez da trilogia original um marco na história do cinema.

ver também : Chuck Norris Faz 86 Anos: O Homem, o Mito e as Lendas Que Nunca Envelhecem 🥋💥

E se o entusiasmo de Elijah Wood servir de barómetro, os fãs da Terra-média podem respirar de alívio: a magia está de volta.

O Final de Tron: Ares Vai Deixar os Fãs em Choque — e a Cena Após os Créditos Revela um Regresso Inesperado ⚡👾

Atenção, contém spoilers! O novo filme com Jared Leto esconde um segredo explosivo depois dos créditos — e traz de volta um dos vilões mais temidos da história da saga Tron.

O universo digital de Tron está de volta aos cinemas com Tron: Ares, uma continuação ambiciosa e visualmente arrebatadora realizada por Joachim Rønning (Malévola: Dona do Mal, Piratas das Caraíbas: A Vingança de Salazar). O filme traz Jared Leto no papel principal e marca o regresso de Jeff Bridges, o eterno Kevin Flynn, ao mundo da “Grade”.

ver também: Wonder Man: Marvel Apresenta o Herói Mais Inusitado do Seu Universo — e o Trailer é Uma Sátira Brilhante ao Próprio Mundo dos Super-Heróis 🎬🦸‍♂️

E sim, há cena pós-créditos — e ela muda por completo o futuro da franquia.

💾 O que acontece no final de Tron: Ares

No desfecho do filme, Ares (Jared Leto) obtém o enigmático Código da Permanência de Kevin Flynn (Jeff Bridges), permitindo-lhe atravessar para o mundo real sem se desintegrar. Este código é a chave para existir fora do universo digital, algo impossível para os restantes programas.

A vilã Athena (Jodie Turner-Smith) tenta escapar sem o código e acaba por se desintegrar ao fim de 29 minutos, enquanto Ares sobrevive e passa a viver entre os humanos.

Entretanto, descobre-se que Julian Dillinger (Evan Peters) — o poderoso CEO da Dillinger System — era o responsável pelos ataques à Encom. Antes de ser capturado, Julian foge para dentro da Grade, desaparecendo no mundo digital.

Algum tempo depois, Ares encontra-se com Eve (Greta Lee), que reassume a liderança da Encom. Durante a conversa, ele fala sobre procurar um novo propósito — e, nas suas mãos, vemos fotografias de Sam Flynn (Garrett Hedlund) e Quorra (Olivia Wilde), desaparecidos desde os acontecimentos de Tron: O Legado. O filme termina com a sugestão clara de que a próxima missão de Ares será encontrá-los.

👾 A cena pós-créditos: o regresso do Master Control

A cena adicional surge após os créditos finais.

Vemos Julian Dillinger a materializar-se dentro da Grade — a primeira vez que o vilão entra fisicamente no universo digital. Um disco de programa aproxima-se lentamente, enquanto uma voz misteriosa o saúda com uma palavra: “Sark.”

Os fãs veteranos reconhecerão de imediato a referência: Sark era o vilão original de Tron: Uma Odisseia Electrónica(1982), interpretado por David Warner.

A voz que o chama é, segundo tudo indica, a do Master Control Program (MCP) — o temível sistema central que dominava o mundo digital no primeiro filme. O momento sugere que o MCP regressará como o grande vilão de uma futura sequela, agora em aliança com Julian.

🌐 O futuro de Tron

Com esta cena, Tron: Ares deixa claro que o jogo está longe de terminar. O filme liga o passado e o futuro da franquia, preparando terreno para uma nova etapa onde o mundo real e o digital colidem.

O elenco conta ainda com Gillian Anderson, Hasan Minhaj, Arturo Castro, Sarah Desjardins e Cameron Monaghan, num espetáculo visual que mistura neon, filosofia e nostalgia em doses generosas.

ver também : Ethan Hawke Regressa Como o Terrível “The Grabber” em Black Phone 2 — e Desta Vez o Horror é Ainda Mais Profundo 📞😱

Mais do que um simples regresso, Tron: Ares é uma reinicialização emocional e estética que devolve à saga o seu brilho original — e promete que o Master Control ainda não disse a sua última palavra.

Wonder Man: Marvel Apresenta o Herói Mais Inusitado do Seu Universo — e o Trailer é Uma Sátira Brilhante ao Próprio Mundo dos Super-Heróis 🎬🦸‍♂️

Título: Wonder Man: Marvel Apresenta o Herói Mais Inusitado do Seu Universo — e o Trailer é Uma Sátira Brilhante ao Próprio Mundo dos Super-Heróis 🎬🦸‍♂️

Subtítulo: Yahya Abdul-Mateen II dá vida a um ator com superpoderes numa série que promete rir-se da fama, do ego e dos bastidores de Hollywood — com Ben Kingsley de regresso ao caos.

ver também : James Gunn Revela Que Quase Colocou Deadpool no Final de Peacemaker — e Confirma o Futuro da Série no DCU 🌀💥

A Marvel voltou a surpreender — e desta vez com uma piscadela de olho ao próprio espelho. O primeiro trailer de Wonder Man acaba de ser revelado, apresentando uma série que mistura ação, humor e metalinguagem num dos projetos mais excêntricos do estúdio até à data.

Protagonizada por Yahya Abdul-Mateen II (Aquaman, Watchmen), a produção chega ao Disney+ em janeiro de 2026, depois de ter sido adiada para escapar à avalanche de estreias do final de 2025.

🎭 Um ator… e um super-herói

Em Wonder Man, Simon Williams é um ator de Hollywood a tentar construir uma carreira num mundo onde os super-heróis são as verdadeiras estrelas. O problema? Ele próprio tem superpoderes — e a fronteira entre o palco e a realidade começa a desvanecer-se.

O trailer revela um tom mais leve e satírico do que o habitual no universo Marvel, com piadas sobre a cultura da celebridade, o narcisismo e o excesso de dramatismo de quem vive entre luzes e capas. É quase como se a Marvel estivesse a rir de si mesma — e a fazê-lo com estilo.

🎬 O regresso de Ben Kingsley e um elenco de luxo

Um dos grandes destaques é o regresso de Ben Kingsley como Trevor Slattery, o ator excêntrico introduzido em Iron Man 3 e visto novamente em Shang-Chi e a Lenda dos Dez Anéis. Desta vez, Slattery contracena diretamente com Simon Williams, prometendo momentos de puro humor entre os dois artistas egocêntricos — um verdadeiro duelo de egos com superpoderes.

No elenco figuram ainda Ed Harris, Demetrius Grosse e outras caras conhecidas, sob a realização de Destin Daniel Cretton (Shang-Chi and the Legend of the Ten Rings) e argumento de Andrew Guest (Brooklyn Nine-Nine).

🦸‍♂️ Um novo tipo de herói Marvel

Mais do que uma simples história de origem, Wonder Man pretende explorar o lado humano — e por vezes ridículo — da fama num universo onde salvar o mundo pode ser apenas mais um espetáculo mediático.

A série contará com oito episódios, com durações variáveis, e tudo indica que será uma das apostas mais ousadas da Marvel para a nova fase do estúdio, apostando na ironia e no humor inteligente em vez da grandiosidade típica das sagas cósmicas.

ver também : Kathryn Bigelow Lança “Casa de Dinamite”: O Thriller Que Faz o Mundo Perguntar-se se Está Prestes a Explodir 💣

Se She-Hulk já tinha brincado com as convenções dos super-heróis, Wonder Man parece querer elevar essa irreverência ao próximo nível — provando que, mesmo com toda a pompa e poder, o maior desafio de um herói pode ser lidar com o próprio reflexo.

James Gunn Revela Que Quase Colocou Deadpool no Final de Peacemaker — e Confirma o Futuro da Série no DCU 🌀💥

O realizador mais imprevisível de Hollywood admite que Ryan Reynolds quase invadiu o universo da DC — mas explica porque é que a Terceira Temporada de Pacificador (ainda) não vai acontecer.

James Gunn não pára de surpreender. O episódio final da segunda temporada de Peacemaker (ou Pacificador, como é conhecido em Portugal), intitulado “Full Nelson”, já estreou na HBO Max e trouxe consigo o habitual cocktail de loucura, humor e caos existencial. Mas, segundo o próprio realizador, o episódio podia ter ido ainda mais longe — com uma aparição de ninguém menos do que Deadpool, o anti-herói mais irreverente da Marvel.

ver também : Chuck Norris Faz 86 Anos: O Homem, o Mito e as Lendas Que Nunca Envelhecem 🥋💥

🕹️ “Peace-pool”? O crossover que quase aconteceu

Durante uma conferência de imprensa virtual, Gunn confessou que chegou a discutir com Ryan Reynolds a ideia de um cameo do Merc with a Mouth no episódio final.

“Queria que eles abrissem uma porta e vissem o Deadpool numa sala”, contou o realizador, referindo-se ao dispositivo Quantum Unfolding Chamber, responsável por abrir portais entre dimensões.

“Até falei com o Ryan sobre isso. Ele queria fazê-lo, mas havia muitos obstáculos legais. Ainda assim, ele estava dentro.”

O momento teria implicações colossais: um crossover entre o Universo DC e o Universo Cinematográfico Marvel — algo nunca visto em ecrã. Mas, como o próprio Gunn reconhece entre risos, “as manobras jurídicas seriam praticamente impossíveis”.

“Agora é só disso que toda a gente vai falar. ‘O Deadpool está na outra sala?’ Devia ter ficado calado!”, brincou o cineasta.

Mesmo sem o cameo, o final da temporada manteve o tom provocador e imprevisível que tornou Peacemaker uma das séries mais populares da DC.

🚫 E a Terceira Temporada? Gunn responde sem rodeios

Logo após o final explosivo, os fãs começaram a questionar-se sobre o destino de Chris Smith (John Cena), que termina a segunda temporada encalhado no planeta-prisão Salvation — um gancho épico para uma eventual continuação.

Mas Gunn foi direto:

“Não. Isto agora é sobre o DCU mais amplo e outras histórias nas quais isso se desenrolará”, afirmou o realizador durante uma sessão de perguntas e respostas com a imprensa.

Ainda assim, deixou uma porta aberta:

“Isso não significa que não haverá. Nunca digas nunca. Mas, por agora, não — isto é sobre o futuro do DCU.”

A decisão faz parte do plano maior que Gunn está a traçar como chefe do novo DC Universe, transformando personagens outrora secundários em figuras centrais.

“O Pacificador é importante, muito importante”, explicou. “Ele vai desempenhar um papel mais amplo no DCU daqui para a frente.”

🦅 O anti-herói que não desiste

Para os que ainda não mergulharam no universo de Pacificador, a série acompanha Christopher Smith, o homem que acredita na paz a qualquer custo — mesmo que tenha de matar meio mundo para a alcançar.

Na segunda temporada, Smith tenta finalmente tornar-se um herói “de verdade”, mas acaba preso numa realidade alternativa onde tudo parece perfeito… até Rick Flag Sr. (Frank Grillo) surgir em busca de vingança pela morte do filho, Rick Flag (Joel Kinnaman).

É violento, é satírico, é absurdamente divertido — e é puro James Gunn.

🦸‍♂️ Marvel e DC na mesma sala? Talvez um dia

Entre portas interdimensionais, finais cósmicos e a promessa de um novo DCU, uma coisa é certa: Gunn continua a brincar com as fronteiras entre universos e géneros como poucos conseguem.

E embora o tão desejado “Peace-pool” não tenha acontecido, a simples ideia de Deadpool e Peacemaker partilharem o ecrã já é suficiente para incendiar a imaginação dos fãs.

Se depender de Gunn, o impossível é só uma questão de tempo.

ver também : Kathryn Bigelow Lança “Casa de Dinamite”: O Thriller Que Faz o Mundo Perguntar-se se Está Prestes a Explodir 💣

“Kiss of the Spider Woman”: Jennifer Lopez Encanta em Novo Musical Que Mistura Glamour, Paixão e Prisão 🎭🕷️

Bill Condon reinventa o clássico de Manuel Puig com um elenco irresistível e números musicais de cortar a respiração — um hino ao poder do escapismo em tempos sombrios.

Os tempos são duros, o mundo parece cinzento — e talvez por isso Kiss of the Spider Woman chegue no momento perfeito. A nova adaptação do romance de Manuel Puig, realizada por Bill Condon (Dreamgirls, Chicago), é uma homenagem vibrante à força da arte como refúgio, ao poder da imaginação e à necessidade de sonhar, mesmo quando a realidade é uma cela escura.

ver também : “Harry Potter”: Primeira Imagem de Hogwarts na Nova Série da HBO Deixa Fãs em Êxtase 🏰✨

Entre o real e o imaginário

A história passa-se em 1983, na Argentina, em plena Guerra Suja, quando cerca de 30 mil pessoas foram mortas ou presas. Entre elas estão Valentín (interpretado por Diego Luna), um prisioneiro político, e Luis Molina (Tonatiuh), encarcerado por causa da sua sexualidade.

Para escapar ao horror do quotidiano, Molina recorre à fantasia: descreve ao seu companheiro de cela o enredo de um dos seus filmes favoritos — Kiss of the Spider Woman, um musical protagonizado pela deslumbrante Ingrid Luna (Jennifer Lopez), onde há dança, intriga, romance e uma pitada de feitiço mortal.

Mas enquanto o diretor da prisão o pressiona para extrair informações de Valentín, Molina vê-se dividido entre a lealdade e o amor nascente que floresce dentro das paredes frias da prisão.

Glamour à moda antiga com alma latina

Baseado no livro e no musical da Broadway de Terrence McNally, este novo Kiss of the Spider Woman aposta em pleno na vertente musical — uma explosão de cores, ritmo e emoção.

Bill Condon recria a magia dos musicais clássicos, evocando o espírito de An American in Paris e Singin’ in the Rain, com um toque exuberante digno de Pedro Almodóvar. A fotografia de Tobias Schliessler alterna entre o tom sombrio da prisão e os mundos coloridos da fantasia cinematográfica que Molina inventa para sobreviver.

Para os fãs dos musicais clássicos, o filme é um banquete de referências: há ecos de Gentlemen Prefer Blondes, Top Hat, The Band Wagon, Summer Stock e até uma piscadela a Cat People de Paul Schrader.

Jennifer Lopez como nunca a vimos

Vestida com vestidos bordados à mão, ondas loiras ao estilo de Veronica Lake e batom vermelho que combina com o esmalte, Jennifer Lopez domina cada momento em que surge no ecrã. A sua Ingrid Luna é simultaneamente musa e espectro, mistura de glamour e melancolia.

Lopez ilumina o filme com energia, humor e um magnetismo irresistível. O seu papel é também simbólico: representa o escape de Molina — tanto para um mundo de fantasia como para a aceitação da sua identidade.

Diego Luna, mais contido, equilibra a narrativa com uma interpretação delicada e emocional, enquanto Tonatiuh é a revelação — um Molina encantador e vulnerável, capaz de alternar entre o riso e a dor num piscar de olhos.

Um musical de resistência

Diferente da versão de Héctor Babenco (1985), protagonizada por Raul Julia e William Hurt, esta nova leitura é mais ousada e mais política. Ao regressar a Buenos Aires e transformar o enredo num musical latino-americano, Condon devolve à história o seu contexto original e um sabor autenticamente emocional.

ver também : Kathryn Bigelow Lança “Casa de Dinamite”: O Thriller Que Faz o Mundo Perguntar-se se Está Prestes a Explodir 💣

É kitsch, sim — mas de um kitsch glorioso, cheio de alma e nostalgia. Kiss of the Spider Woman (2025) lembra-nos que o escapismo não é fraqueza, é sobrevivência.

E, como Molina e Valentín descobrem entre danças e silêncios, até na escuridão há espaço para o amor e para a arte.

Kathryn Bigelow Lança “Casa de Dinamite”: O Thriller Que Faz o Mundo Perguntar-se se Está Prestes a Explodir 💣

A realizadora de The Hurt Locker regressa com um filme que mistura suspense político e terror nuclear — e que quer deixar o público a pensar no poder de um botão vermelho.

Kathryn Bigelow está de volta — e, desta vez, quer que o público saia do cinema com o coração aos pulos e a mente em ebulição. Casa de Dinamite, o seu novo filme, mergulha no cenário mais temido da era moderna: a iminência de uma guerra nuclear.

Durante a antestreia em Los Angeles, a realizadora — que já fez história como a primeira mulher a vencer o Óscar de Melhor Realização, em 2010, com The Hurt Locker — confessou que este é um filme “de aviso”, uma espécie de espelho para um mundo “muito combustível”.

“Um mundo onde há mais de 12 mil armas nucleares, se a contagem estiver correta, é muito combustível”, afirmou Bigelow. “Isto tornou-se normalizado, não nos choca. E a minha questão é se esse é o mundo em que queremos viver.”

ver também: “Harry Potter”: Primeira Imagem de Hogwarts na Nova Série da HBO Deixa Fãs em Êxtase 🏰✨

18 minutos para o fim do mundo

Com argumento de Noah Oppenheim, Casa de Dinamite coloca a Casa Branca sob pressão quando um míssil balístico intercontinental é lançado contra uma cidade norte-americana — e ninguém sabe quem o disparou. O relógio marca 18 minutos até ao impacto.

O filme desenrola-se em tempo real, levando o público para dentro das salas onde as decisões são tomadas — e onde a humanidade parece pender por um fio.

O elenco é de luxo: Rebecca Ferguson, Idris Elba, Anthony Ramos, Greta Lee e Gabriel Basso dão corpo a personagens que, segundo Bigelow, entregam interpretações “transcendentes” e “muito realistas”.

Mas Casa de Dinamite não é um típico filme de catástrofe. Aqui, não há respostas fáceis nem vilões de manual.

“Se tivermos um vilão, podemos apontar-lhe o dedo e isso absolve-nos de responsabilidade”, explica a cineasta. “A ambiguidade é crítica porque temos de nos responsabilizar por isto. O filme é basicamente uma pergunta.”

Um espelho político — e uma bomba emocional

Bigelow quer que Casa de Dinamite seja visto não apenas como entretenimento, mas como uma reflexão sobre o poder e a responsabilidade de quem o detém.

“Queremos viver num mundo que é tão combustível? Essa é a minha pergunta”, diz a realizadora, apelando a que as pessoas pensem nesta questão no momento de votar, recordando que “quem se senta na Sala Oval tem autoridade absoluta sobre as armas nucleares dos Estados Unidos.”

O filme estreia hoje nos cinemas dos EUA e chega à Netflix Portugal a 24 de outubro. E já há quem aposte que será um dos grandes candidatos aos Óscares de 2026, estando nas primeiras listas de previsões da Academia publicadas pelas revistas especializadas.

ver também : Chuck Norris Faz 86 Anos: O Homem, o Mito e as Lendas Que Nunca Envelhecem 🥋💥

Kathryn Bigelow volta assim a provar que é uma das vozes mais ousadas do cinema contemporâneo — uma realizadora que não teme o perigo, nem o faz parecer ficção.