Fãs de Star Wars contratam avião para pedir o regresso de Ben Solo ✈️

Após Adam Driver revelar que o filme The Hunt for Ben Solo foi cancelado pela Disney, um grupo de fãs decidiu protestar… nos céus.

O universo de Star Wars continua a provar que nenhuma paixão é mais forte do que a dos seus fãs — nem mesmo a Força. Dias depois de Adam Driver confirmar que o filme The Hunt for Ben Solo foi rejeitado pela Disney, um avião sobrevoou os estúdios da empresa com uma faixa a dizer: “Save The Hunt for Ben Solo”.

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A iniciativa foi organizada pela fã Lianna Al Allaf, que pagou do próprio bolso o protesto aéreo, com o objectivo de sensibilizar os executivos da Disney e da Lucasfilm. “Espero que esta faixa mostre o quanto o personagem significa para nós”, explicou. “Queremos que saibam que o público realmente deseja este filme.”

O filme que nunca veremos

Segundo Adam Driver, o projecto — coescrito por Rebecca Blunt e Scott Z. Burns — exploraria a redenção de Ben Solo após os eventos de A Ascensão de Skywalker. Seria um drama introspectivo, mais próximo de O Império Contra-Ataca do que de uma aventura espacial explosiva.

“Queríamos algo mais contido, com menos efeitos e mais alma”, contou Driver. “Para mim, O Império Contra-Ataca é o padrão. O Steven [Soderbergh] entende esse tipo de cinema — ético, humano e sem concessões.”

O actor revelou ainda que passou dois anos a desenvolver o projecto com Steven Soderbergh, e que o argumento foi bem recebido internamente por Kathleen Kennedy, Cary Beck e Dave Filoni. Contudo, quando chegou às mãos de Bob Iger e Alan Bergman, a reacção foi fria: “Eles não conseguiam perceber como Ben Solo podia estar vivo. E acabou ali”, lamentou.

“Um dos melhores guiões em que participei”

Visivelmente desiludido, Adam Driver classificou o cancelamento como uma perda para o público. “Era um dos guiões mais incríveis em que já estive envolvido”, afirmou. Já Soderbergh, fiel ao seu humor irónico, comentou: “Adorei fazer o filme na minha cabeça. Só lamento que os fãs não o possam ver.”

A revolta dos fãs

O veto ao filme acendeu a faísca na galáxia dos fãs. As hashtags #SaveBenSolo e #TheHuntForBenSolo tornaram-se virais nas redes sociais, com milhares de publicações a pedir à Disney que reconsidere a decisão. Muitos fãs consideram que o estúdio sofre de “excesso de prudência corporativa”, que tem limitado a criatividade e a ousadia das novas produções.

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A Disney e a Lucasfilm, por sua vez, recusaram comentar o caso, mas a mensagem já foi entregue — literalmente, pelos céus. E se depender da determinação dos fãs, o filho de Han e Leia pode muito bem voltar a levantar voo um dia destes.

Adam Driver Quis Fazer um Filme Solo de Kylo Ren com Steven Soderbergh — Mas a Disney Disse “Não” 🚫🌌

O projecto rejeitado “The Hunt for Ben Solo” teria mostrado a redenção do vilão de Star Wars, mas ficou preso numa galáxia muito, muito distante

Poderia ter sido um dos filmes mais ousados do universo Star Wars, mas acabou por nunca sair do papel. Adam Driverrevelou que, durante dois anos, trabalhou com o realizador Steven Soderbergh (Traffic, Ocean’s Eleven) no desenvolvimento de um filme centrado em Kylo Ren / Ben Solo, o seu icónico personagem da nova trilogia. O título seria “The Hunt for Ben Solo” — e, segundo o actor, foi “um dos projectos mais fixes” da sua carreira.

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Uma nova esperança… que durou pouco

Em entrevista à Associated Press, Driver explicou que o filme teria lugar após os acontecimentos de The Rise of Skywalker (2019) e exploraria a busca de redenção de Ben Solo, depois de ter sido salvo por Rey no final da saga.

“Sempre estive interessado em fazer outro Star Wars. Falámos sobre isso desde 2021. A Kathleen [Kennedy] chegou a entrar em contacto comigo e eu disse-lhe: ‘Com um grande realizador e uma boa história, eu volto num segundo’. Adorei aquele personagem e adorei interpretá-lo.”

O projecto começou com Steven Soderbergh e a argumentista Rebecca Blunt (Logan Lucky), mais tarde com o envolvimento de Scott Z. Burns (Contagion, The Report). O resultado, segundo Driver, era um filme mais artesanal e centrado nas personagens, inspirado no espírito de O Império Contra-Ataca (1980).

“Era um filme feito à mão, focado nas emoções e nas consequências. Para mim, O Império Contra-Ataca é o padrão do que um filme Star Wars devia ser.”

A aprovação da Lucasfilm… e o veto da Disney

O argumento foi apresentado à Lucasfilm, onde Kathleen Kennedy, Dave Filoni e Cary Beck “adoraram a ideia” e compreenderam a abordagem do actor e do realizador. No entanto, quando o projecto chegou à direção da Disney, a resposta foi fria.

“Levámos o guião a Bob Iger e Alan Bergman, e eles disseram que não. Disseram que não viam como o Ben Solo poderia estar vivo. E pronto. Ficou por aí.”

A Lucasfilm recusou comentar oficialmente o caso, mas Soderbergh confessou ao mesmo meio que a experiência lhe deixou um sabor agridoce:

“Diverti-me imenso a fazer o filme na minha cabeça. Só tenho pena que os fãs nunca o possam ver.”

Uma oportunidade perdida na galáxia

Driver, que interpretou Kylo Ren em The Force Awakens (2015), The Last Jedi (2017) e The Rise of Skywalker (2019), confessou que este guião era “um dos mais incríveis” em que já esteve envolvido.

“Era um dos argumentos mais fixes de que fiz parte. Tinha coração, tinha conflito, tinha propósito. Era Star Wars no seu estado mais puro.”

Embora a Disney pareça ter fechado a porta à ideia, a revelação reacendeu a discussão entre os fãs sobre o potencial desperdiçado de Ben Solo, um dos personagens mais complexos e trágicos da saga moderna.

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E quem sabe? Num universo tão vasto como o de Star Wars, a Força pode sempre encontrar um novo caminho. 🌠

🦈 Tubarão Faz 50 Anos: Spielberg e Soderbergh Celebram o Legado do Primeiro Blockbuster

Meio século depois, o clássico de Steven Spielberg continua a influenciar gerações de cineastas e espectadores

Em 2025, o icónico filme Tubarão (Jaws, no original) celebra o seu 50.º aniversário. Para assinalar a data, Steven Spielberg e Steven Soderbergh reuniram-se numa conversa especial, onde refletiram sobre o impacto duradouro do filme que redefiniu o conceito de blockbuster e marcou uma era no cinema. 

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🎬 Uma Produção Turbulenta que Fez História

Lançado em 1975, Tubarão enfrentou inúmeros desafios durante a sua produção. As filmagens no oceano aberto, uma novidade na altura, resultaram em atrasos e problemas técnicos, especialmente com o tubarão mecânico, apelidado de “Bruce”, que frequentemente avariava. Essas dificuldades levaram Spielberg a adotar uma abordagem mais sugestiva, utilizando a música inquietante de John Williams para insinuar a presença do predador, aumentando a tensão e o suspense. 

O resultado foi um sucesso estrondoso: Tubarão tornou-se o filme de maior bilheteira da época, arrecadando mais de 470 milhões de dólares mundialmente, e estabeleceu o padrão para os lançamentos de verão que se seguiram. 

🎥 Soderbergh: Uma Homenagem ao Processo Criativo

Fascinado pelo impacto de Tubarão, Steven Soderbergh revelou estar a trabalhar há 15 anos num livro que analisa detalhadamente o processo de realização do filme. Segundo o cineasta, a obra pretende ser uma ferramenta educativa para aspirantes a realizadores, explorando os desafios e soluções encontradas durante a produção. 

“Este livro não é para consumo geral. É para pessoas interessadas em filmes, seja como espectadores ou como profissionais. Se queres fazer este trabalho, precisas de entender o trabalho”, explicou Soderbergh. 

📺 Documentário Comemorativo: JAWS @ 50

Para celebrar o meio século de Tubarão, a National Geographic, em parceria com a Amblin Documentaries de Spielberg, está a produzir o documentário JAWS @ 50. Previsto para estrear no verão de 2025, o filme contará com imagens de arquivo, entrevistas inéditas e uma análise ao impacto cultural e científico do clássico. O documentário será transmitido na National Geographic e estará disponível nas plataformas Disney+ e Hulu. 

🏆 O Legado de Tubarão

Além de redefinir o género de suspense e estabelecer o modelo de blockbuster, Tubarão influenciou inúmeras obras e cineastas ao longo das décadas. O seu impacto é reconhecido não apenas pelo público, mas também por profissionais da indústria, que continuam a estudar e a inspirar-se na sua realização.

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Com estas celebrações, fica claro que, mesmo após 50 anos, Tubarão continua a ser uma referência incontornável no mundo do cinema.

Para mais informações sobre as comemorações do 50.º aniversário de Tubarão, consulte o artigo original na Deadline.

Como “Jackie Brown” Salvou o Romance de Elmore Leonard (e Porque Tarantino Quase Não o Realizou)

🎞️ Em 1994, com Pulp Fiction a incendiar os ecrãs de Cannes e os circuitos independentes de todo o mundo, Quentin Tarantino encontrava-se no auge da sua fama. Ao lado do seu parceiro criativo Roger Avary, comprou os direitos de três romances de Elmore Leonard: Rum Punch, Freaky Deaky e Killshot. Mas o caminho até ao ecrã para Jackie Brown — o filme que viria a nascer dessa decisão — foi tudo menos linear.

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Inicialmente, Tarantino não planeava realizar Rum Punch. A sua intenção era entregar o romance a outro realizador e escolher entre Freaky Deaky ou Killshot para adaptar ele próprio. Mas um detalhe mudou tudo: uma segunda leitura.

“Voltei a pegar em Rum Punch e apaixonei-me outra vez pelo livro. Percebi que tinha de ser eu a contá-lo”, confessou mais tarde o realizador.

De Burke a Brown: quando a mudança de etnia criou um ícone

Ao adaptar o romance, Tarantino fez uma alteração significativa — e arriscada. A protagonista, originalmente uma mulher branca chamada Jackie Burke, tornou-se Jackie Brown, uma mulher negra, dando origem a um dos papéis mais marcantes da carreira de Pam Grier.

A decisão, inspirada pelos filmes blaxploitation dos anos 70 (embora Tarantino rejeite que Jackie Brown pertença a esse género), trouxe uma nova dimensão à história. Durante algum tempo, Tarantino hesitou em contar a Elmore Leonard sobre esta mudança. Fê-lo apenas pouco antes do início das filmagens.

A resposta do autor? Entusiástica. Leonard não só aprovou a adaptação como afirmou que o guião de Tarantino era o melhor entre todas as 26 adaptações já feitas das suas obras. “Talvez o melhor argumento que alguma vez li”, disse, com a franqueza de quem raramente se impressionava.

Um cameo improvável… e a generosidade de Tarantino

Outro elemento curioso desta história envolve a personagem Ray Nicolette, interpretada por Michael Keaton. Nicolette, agente federal em Rum Punch, também aparece em Out of Sight, outro romance de Elmore Leonard adaptado por Steven Soderbergh em 1998.

Universal Pictures, estúdio responsável por Out of Sight, aguardou para ver quem Tarantino escolheria para interpretar Nicolette antes de avançar com o seu casting. Keaton, inicialmente reticente, aceitou o papel. E, num gesto raro em Hollywood, Tarantino permitiu que Keaton voltasse a interpretar a mesma personagem em Out of Sight, sem exigir compensação financeira por parte da Miramax, que detinha os direitos sobre a personagem — apenas para garantir a continuidade narrativa entre os dois filmes.

Entre a homenagem e a fidelidade

Apesar de incorporar o humor negro, os diálogos afiados e o ritmo típico de Tarantino, Jackie Brown é, em muitos aspectos, a sua adaptação mais fiel a uma obra literária. Diferente do estilo caótico e fragmentado de Pulp Fiction, aqui o realizador opta por uma narrativa mais linear e introspectiva — e por isso mesmo, é frequentemente considerada a sua obra mais “madura”.

Jackie Brown é mais do que uma adaptação: é uma carta de amor a Elmore Leonard e ao cinema americano dos anos 70, mas também uma peça singular na filmografia de Tarantino — onde o pastiche dá lugar à contenção e a violência estilizada é substituída por tensão emocional e despedidas silenciosas.

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🎭 Cate Blanchett Anuncia que Vai Abandonar a Representação: “Sou Profundamente Aborrecida”

É o tipo de frase que se espera de alguém em plena crise existencial ou de um artista a ensaiar um monólogo existencial num palco em Viena. Mas foi Cate Blanchett — a atriz de Tár, Blue Jasmine e O Aviador, duas vezes vencedora do Óscar — quem a disse, e sem ironia:

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“Estou a desistir. Quero fazer outras coisas com a minha vida.”

A revelação foi feita em entrevista à Radio Times, no contexto da estreia da sua primeira grande peça radiofónica na BBC Radio 4, uma adaptação de The Fever, de Wallace Shawn. A atriz interpreta uma mulher que atravessa um despertar político e espiritual. Não podia haver melhor metáfora.

Uma decisão (aparentemente) séria

Apesar de continuar envolvida em vários projetos — no cinema, no teatro, na rádio — Blanchett afirma que a sua decisão é para levar a sério. “A minha família revira os olhos sempre que digo isto, mas falo a sério”, acrescentou.

É verdade que Blanchett já tinha deixado escapar esta ideia em outras ocasiões, mas desta vez o contexto e o tom mudaram. Não se trata de uma pausa. Trata-se de uma vontade real de deixar de representar.

O que a espera do outro lado? A atriz não foi clara, mas referiu que há “muitas outras coisas” que quer fazer com a sua vida.

No auge, mas com desconforto

Curiosamente, Blanchett continua no auge da sua carreira artística. Recentemente terminou uma temporada de cinco semanas no Barbican Theatre em Londres, onde interpretou Arkadina em A Gaivota, de Tchékhov. Em março, estreou-se no cinema ao lado de Michael Fassbender no thriller Black Bag, realizado por Steven Soderbergh.

Está também envolvida em Father, Mother, Sister, Brother, de Jim Jarmusch, com estreia marcada para 2025, embora o filme tenha ficado de fora da seleção oficial do Festival de Cannes — um detalhe que causou alguma surpresa.

Além disso, está atualmente a filmar Alpha Gang, uma comédia de ficção científica dos irmãos David e Nathan Zellner, onde atua e produz. E prepara ainda The Champions, realizado por Ben Stiller, igualmente como atriz e produtora, através da sua empresa Dirty Films.

Uma estrela que não gosta do brilho

Cate Blanchett, que já conquistou todos os prémios possíveis — de dois Óscares a troféus em Veneza, Cannes e BAFTA — diz sentir-se deslocada na pele de estrela de cinema.

“Nunca me senti no centro de nada. Entro em cada ambiente com curiosidade, sem esperar ser aceite. Passei a vida a habituar-me a sentir-me desconfortável.”

E, talvez mais surpreendente ainda:

“Ninguém me aborrece mais do que eu própria. Acho-me profundamente aborrecida. Os outros são sempre mais interessantes.”

É uma afirmação desconcertante, vinda de alguém que interpretou personagens com camadas psicológicas tão densas e arrebatadoras. Mas talvez seja esse o segredo da sua arte: a capacidade de se apagar para dar lugar a algo maior. O problema é que, agora, ela quer mesmo apagar-se de vez do ecrã.

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🎬 Se esta for mesmo a despedida de Cate Blanchett do cinema, então é uma das saídas mais discretas e, paradoxalmente, mais profundas da história recente de Hollywood. E como qualquer grande artista, mesmo a sua saída é uma performance inesquecível.

🎬 Crítica – Black Bag: Espionagem, Ironia e o Casamento como Campo de Batalha

Black Bag, de Steven Soderbergh, é um thriller de espionagem que se move ao ritmo de uma dança elegante entre o suspense e a sátira, com Michael Fassbender e Cate Blanchett como protagonistas de uma história onde o maior inimigo pode estar mesmo à mesa do jantar — ou até no lado da cama.

Num contexto cinematográfico sedento por substitutos convincentes para o universo Bond, Black Bag surge como uma alternativa refrescante. Não tenta competir com os 007 do passado, mas antes propõe-se a subverter o género com inteligência e um sentido de humor seco e peculiar, bem ao estilo de Soderbergh. O argumento de David Koepp parece feito de bisturi na mão, cortando os clichés do género e expondo os seus nervos com ironia — mas sem nunca cair no puro pastiche.

📁 Espiões e Cônjuges: o Casamento como Enigma

A premissa é simultaneamente clássica e deliciosamente moderna: George e Kathryn (Fassbender e Blanchett) são agentes secretos e casados. Estão, aparentemente, do mesmo lado — até que uma fuga de informação coloca tudo em causa. A partir daqui, Black Bag mistura paranoia conjugal com operações secretas e pequenos gestos do quotidiano que adquirem carga simbólica: um crachá trocado no saco do pequeno-almoço, um olhar de desconfiança durante uma conversa trivial.

Soderbergh não filma com pirotecnia, mas sim com contenção elegante. Os seus ambientes — gabinetes cinzentos com vidros que se tornam opacos por controlo remoto, reuniões discretas em casas de campo luxuosas, chamadas telefónicas feitas à beira do lago — criam um tom onde o realismo tecnológico do espionagem moderna se cruza com a teatralidade dos relacionamentos secretos.

📦 Jantar com Verdade no Prato

Um dos pontos altos é um jantar de suspeitos com chana masala adulterado com um soro da verdade, onde os diálogos rapidamente se tornam surtos de culpa e confissão. O elenco secundário brilha: Marisa Abela, Naomie Harris, Regé-Jean Page e um Tom Burke absolutamente fiel ao arquétipo do espião desleixado mas arguto — como uma reencarnação londrina de Roy Bland ou Jackson Lamb. São cenas como esta que fazem o filme respirar, alternando entre o cômico e o inquietante com naturalidade.

🎭 Blanchett, Fassbender e a Força do Subtexto

Cate Blanchett, que raramente falha, entrega aqui uma performance contida e ambígua, sempre com algo por revelar sob o olhar penetrante. Fassbender, mais soturno e introspectivo, equilibra bem a frieza exterior com as hesitações internas. A dinâmica entre ambos é a verdadeira alma do filme: um casamento onde a confiança é tão fluida quanto as fronteiras nacionais.

Embora o filme se possa acusar de “cartoonish” em alguns momentos — há uma estilização algo exagerada, por vezes quase teatral —, isso parece ser parte do ponto. Black Bag não pretende um realismo exaustivo, mas antes um olhar irónico sobre a forma como a espionagem (e os casamentos) são palcos de performance constante, onde a verdade é tão rara como um agente reformado.

🎥 Conclusão: Um Thriller Inusitado com Carácter Próprio

Apesar de alguns críticos apontarem falhas na profundidade emocional ou na consistência do tom, Black Bag é um thriller elegante, divertido e, em última análise, surpreendentemente eficaz. Soderbergh não está interessado em fazer Skyfall. Está mais interessado em brincar com as ferramentas do género, desmontá-las com elegância, e oferecer-nos algo entre o rom-com neurótico e o drama de espionagem.

A verdade é que, por detrás da frieza calculada da mise-en-scène e da contenção britânica dos diálogos, Black Bagconsegue extrair o melhor de Tarantino (o humor negro, os diálogos carregados de subtexto, a tensão acumulada numa única divisão) e injectá-lo numa visão que é inequivocamente de Soderbergh. É, por isso, um dos seus filmes mais singulares dos últimos anos — e um dos mais deliciosamente enigmáticos.

Steven Soderbergh e a sua Jornada Cinematográfica

Steven Soderbergh é conhecido por ser a primeira câmara em muitos dos seus filmes; como resultado, ele operou a câmara na maior parte das filmagens de “Traffic” (2000), incluindo a cena em que Michael Douglas viaja até a fronteira da Califórnia para discutir a interdição de drogas, que foi realmente filmada na travessia de Tijuana. A qualidade de vídeo e som é tão baixa em parte porque não era para fazer parte do filme. Douglas, fora do personagem, começou a perguntar a Rudy M. Camacho sobre o tráfico de drogas na fronteira. Na época, Camacho era o chefe da Alfândega na vida real responsável pelas travessias da fronteira da Califórnia. Soderbergh começou a filmar com uma câmara de mão, rezando para que Camacho não se dirigisse ao ator como “Sr. Douglas”.

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Para conseguir um visual distinto para cada vinheta diferente na história, Soderbergh usou três tipos diferentes de película (e técnicas de pós-produção), cada uma com o seu próprio tratamento de cor e grão para a impressão. A história “Wakefield” apresenta um tom mais frio e azulado para combinar com a emoção triste e depressiva. A história “Ayala” é brilhante, cintilante e saturada em cores primárias, especialmente vermelho, para combinar com a superfície glamorosa da vida de Helena. A história “Mexicana” parece granulada, áspera e quente para acompanhar a paisagem mexicana robusta e cidades congestionadas.

O primeiro dia de filmagens teve de ser regravado inteiramente: Soderbergh usou o método conhecido como “flashing the negative” (expor o filme a uma pequena quantidade de luz branca e depois desenvolvê-lo). Alguém no laboratório cometeu um erro e executou o processo em todos os rolos de negativos completamente.

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No primeiro dia de produção de “Sex, Lies, and Videotape” (1989), o primeiro filme de Soderbergh, os produtores enviaram um telegrama a Soderbergh. Eles provocaram-no de forma bem-humorada, dizendo que tinham ouvido dizer que ele “não conseguia dirigir o trânsito”. Doze anos depois, Soderbergh ganhou um Oscar por dirigir “Traffic”. Com este filme e “Erin Brockovich” (2000), Soderbergh tornou-se a décima pessoa a dirigir múltiplos filmes indicados ao Oscar de Melhor Filme no mesmo ano.