Christoph Waltz: O Ator Que Disse “Não” a Tarantino (E Ainda Assim Levou o Óscar 🎬)

O ator austríaco que transformou a relutância em arte

Christoph Waltz é uma dessas raras presenças que elevam qualquer filme em que entra. Seja como vilão calculista ou herói relutante, o ator austríaco domina a arte de transformar o diálogo mais simples num momento de puro magnetismo. E, curiosamente, foi precisamente a sua relutância em aceitar papéis que o levou a alguns dos maiores triunfos da carreira.

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Em entrevista, Waltz resumiu de forma deliciosa a sua visão sobre o sistema de Hollywood:

“Na Europa, dizem: ‘Eles só querem espremer-te como um limão.’ Pois claro! Mas, se eu tiver o sumo, porque não?” 🍋

É esta mistura de ironia e lucidez que o distingue. Waltz sabe exactamente o que pode dar — e não tenta ser mais do que isso. Como o próprio explica, “sei o que posso contribuir. E é uma unidade muito específica, muito limitada”.

O “não” que quase impediu Django Libertado

A relação entre Waltz e Quentin Tarantino é hoje lendária, mas começou de forma inesperada. Quando recebeu o argumento de Django Libertado (2012), o ator recusou o papel de Dr. King Schultz. Achava-o demasiado “feito à sua medida” e não queria cair na repetição após o sucesso de Sacanas sem Lei.

Tarantino, porém, não aceitou a recusa. Enviou-lhe uma carta escrita à mão com uma simples frase:

“Of course, Mein Herr! – Q.”

Waltz respondeu com o mesmo humor e formalidade germânica:

“Mein Herr, of course! – CW.”

Mas impôs uma condição: o personagem teria de ser moralmente puro — nunca cruel, nunca violento por prazer. Tarantino aceitou, e dessa exigência nasceu um dos personagens mais cativantes do cinema moderno.

Uma queda, uma carroça e uma sela com cinto de segurança

Durante os treinos para o papel, Waltz caiu do cavalo e deslocou a bacia. Mais tarde, brincou com o incidente no discurso dos Globos de Ouro:

“Andar a cavalo não foi o problema. Cair é que foi.” 😂

A lesão obrigou o realizador a adaptar as filmagens: Schultz passou a deslocar-se de carroça nas primeiras cenas. Para animar o colega, Jamie Foxx ofereceu-lhe um presente insólito — uma sela com cinto de segurança.

Um recorde digno de Hollywood

A sua performance em Django Libertado dura 1 hora, 6 minutos e 17 segundos — a mais longa de sempre a vencer o Óscar de Melhor Ator Secundário. O recorde só seria superado anos depois por Mahershala Ali em Green Book (2018), com mais 21 segundos de ecrã.

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De Sacanas sem Lei a Django Libertado, Christoph Waltz consolidou-se como um dos intérpretes mais elegantes, precisos e irresistivelmente perigosos de Hollywood — um ator que sabe que não precisa de gritar para dominar o ecrã.

Keanu Reeves e o Cão Que Lhe Lembrou o Significado da Lealdade 🐾

A história real por detrás do homem que perdeu um cão… e ganhou outro

Keanu Reeves pode ter encarnado assassinos implacáveis, guerreiros digitais e salvadores da humanidade — mas talvez o papel mais tocante da sua vida não tenha sido escrito por nenhum argumentista. Entre explosões e coreografias de luta, nasceu uma ligação silenciosa e comovente: a de um homem e o seu cão.

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Durante as filmagens de John Wick (2014), um filme construído sobre a dor e a vingança que nascem da perda de um animal de estimação, Keanu viveu algo mais profundo do que simples ficção. Nos intervalos das cenas, o ator sentava-se com a pequena cadela beagle que interpretava Daisy — a razão de toda a jornada emocional do protagonista. Fazia-lhe festas nas orelhas e murmurava:

“Tu és o coração desta história, sabias?” ❤️

Segundo membros da equipa, a cadelinha seguia-o para todo o lado, abanando a cauda com a confiança de quem se sentia em casa.

Da ficção à vida real

Quando as filmagens terminaram, Keanu não conseguiu desligar-se desse laço. Mais tarde, durante John Wick 2, acabou por adotar um dos pit bulls usados na rodagem. Não foi um gesto mediático, nem uma jogada de imagem. Foi apenas — e exatamente — aquilo que sempre foi: um ato de bondade.

“Os cães dão-nos honestidade”, disse ele numa entrevista. “Um cão não quer saber quem tu és. Quer apenas saber se és bom para ele.”

Palavras simples, mas que dizem tudo sobre o homem que há muito se tornou o símbolo da humildade em Hollywood.

O lado mais humano de um ícone

Em Los Angeles, há quem o veja à noite, a passear o seu cão pelas ruas vazias — sem segurança, sem câmaras, sem fãs. Apenas ele, o animal e o silêncio. Keanu não precisa de plateia: vive como representa — com autenticidade.

Quando um jornalista lhe perguntou porque gostava tanto de cães, o ator sorriu, com aquele ar calmo e quase tímido que todos reconhecem, e respondeu:

“Porque me lembram o que significa a verdadeira lealdade.” 🐶

Talvez esteja aí o segredo. As almas mais gentis acabam sempre por se encontrar — mesmo que uma delas ande de quatro patas.

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Trump Quer Impor Tarifas de 100% a Filmes Estrangeiros: Hollywood em Alerta

Uma medida inédita e polémica

Donald Trump voltou a lançar faíscas na indústria do entretenimento. O presidente norte-americano anunciou, na sua rede Truth Social, a intenção de impor uma tarifa de 100% sobre todos os filmes produzidos fora dos EUA. Caso se confirme, será a primeira vez que uma taxa deste género será aplicada ao setor audiovisual.

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Sem indicar prazos ou mecanismos concretos, Trump justificou a medida acusando outros países de “roubarem” a indústria cinematográfica americana:

“Foi como roubar doces a um bebé. A nossa indústria de cinema foi saqueada por outros países. Vou resolver este problema com uma tarifa de 100% sobre todo e qualquer filme feito fora dos EUA.”

A ofensiva contra a concorrência internacional

A proposta não surge do nada. Já em maio, Trump tinha avisado que pretendia combater os incentivos fiscais oferecidos por outros países para atrair produções de Hollywood. Reino Unido, Austrália, Nova Zelândia, Hungria, Canadá — e até Portugal, em menor escala — têm-se tornado destinos populares para grandes produções, desde Missão Impossível a Velocidade Furiosa, passando por Avatar e James Bond.

A Marvel, por exemplo, rodou grande parte dos seus filmes em Atlanta, mas transferiu o próximo Avengers para os estúdios Pinewood, em Londres, além de filmagens no Bahrain.

Uma indústria fragilizada

O anúncio surge num momento delicado. Hollywood ainda tenta recuperar de cinco anos turbulentos: pandemia, mudanças no consumo devido ao streaming e greves de atores e argumentistas em 2023 que paralisaram a produção.

Hoje, menos de um em cada cinco filmes ou séries exibidos nos EUA é produzido na Califórnia, segundo dados da FilmLA.

Reações de Hollywood e pedidos de alternativa

A primeira vez que Trump lançou a ideia, em maio, gerou reuniões de emergência e uma carta conjunta da Motion Picture Association (que representa os cinco maiores estúdios), sindicatos e até atores como Jon Voight e Sylvester Stallone — dois aliados do presidente.

O apelo foi claro: em vez de tarifas, pediam um plano federal de benefícios fiscais para manter a produção no país. O governador da Califórnia, Gavin Newsom, chegou a admitir colaboração com Trump para um pacote de 7,5 mil milhões de dólares em créditos fiscais.

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O que está em jogo

A medida, se avançar, poderá provocar uma rutura no mercado global, encarecendo o acesso a produções estrangeiras e levantando dúvidas sobre a exibição de filmes não americanos nos EUA. Para Trump, é uma questão de “segurança nacional”. Para Hollywood, o receio é que a indústria fique ainda mais isolada e menos competitiva a nível mundial.

Leonardo DiCaprio Revela: “Quiseram que eu mudasse de nome para Lenny Williams”

O peso dos nomes em Hollywood

Leonardo DiCaprio pode hoje ser um dos nomes mais reconhecidos e respeitados do mundo, mas o início da sua carreira esteve longe de ser assim tão fácil. Numa recente entrevista no podcast New Heights, apresentado por Jason e Travis Kelce, o ator revelou que o seu primeiro agente lhe disse que nunca conseguiria trabalho em Hollywood por ter um nome “demasiado étnico”.

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A “solução” proposta foi radical: abandonar o apelido DiCaprio e adotar o nome artístico “Lenny Williams”. Segundo o próprio ator, o agente explicou:

“O teu nome é demasiado étnico, nunca vais ser contratado.”

O apoio decisivo do pai

A história podia ter tomado outro rumo se não fosse o pai do ator, George DiCaprio, que rejeitou imediatamente a ideia. Ao ver um headshot do filho já com o novo nome, rasgou a fotografia e disse:

“Por cima do meu cadáver.”

Esse gesto acabou por ser determinante. Poucos anos depois, Leonardo conquistava o público em Growing Pains, recebia a sua primeira nomeação ao Óscar aos 19 anos com What’s Eating Gilbert Grape e tornava-se estrela mundial com Romeo + Juliet e Titanic.

Um problema estrutural

DiCaprio sublinhou que não foi o único a enfrentar pressões para “americanizar” o seu nome. O ator Benicio Del Toro, seu colega no novo filme de Paul Thomas Anderson, One Battle After Another, contou que também lhe sugeriram mudar para “Benny Del”. Ambos rejeitaram.

Este tipo de recomendações reflete uma prática antiga em Hollywood, onde nomes considerados “difíceis” ou “étnicos” eram muitas vezes vistos como obstáculos. Daí surgiram inúmeros nomes artísticos — de Whoopi Goldberg a Jamie Foxx e Lady Gaga — escolhidos como estratégias de sobrevivência num sistema marcado por preconceitos.

Uma lição de persistência

Hoje, com uma carreira que inclui sucessos de bilheteira e um Óscar de Melhor Ator por The Revenant, Leonardo DiCaprio é prova de que o talento falou mais alto do que qualquer conselho de marketing. Ao recusar ser “Lenny Williams”, manteve a sua identidade e construiu um nome que é, ironicamente, impossível de esquecer.

Dakota Johnson Incendeia o Zurich Film Festival com Vestido Transparente e Recebe Prémio de Carreira

Ousadia em azul na passadeira vermelha

Dakota Johnson voltou a ser o centro das atenções — desta vez no Zurich Film Festival, onde brilhou na passadeira vermelha com um vestido azul rendado e repleto de transparências. A estrela de 50 Sombras de Grey mostrou mais uma vez que não tem medo de arriscar, combinando o visual ousado com um penteado descontraído e maquilhagem neutra.

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As câmaras captaram todos os ângulos do look que deu que falar, confirmando o estatuto de Dakota como um dos ícones de estilo mais comentados de Hollywood.

Golden Eye na Suíça

A ocasião não foi apenas de moda. Dakota Johnson subiu ainda ao palco para receber o Golden Eye, um prémio de carreira atribuído pelo festival suíço, consolidando o seu percurso como atriz de destaque internacional.

Moda como expressão pessoal

Esta não foi a primeira vez, neste mês, que a atriz fez notícia pelo seu guarda-roupa. Durante o jantar da Fundação Kering, em Nova Iorque, já tinha surpreendido com um vestido preto transparente da Gucci, combinado com lingerie a condizer.

Em entrevista à Vogue, durante o Festival de Cannes, Dakota revelou como encara a moda:

“Para mim, a moda sempre foi divertida e algo pessoal. O que me leva a escolher um vestido para a passadeira vermelha é sentir-me bem com ele.”

Coração (novamente) livre

Para além do brilho no cinema e na moda, Dakota Johnson também tem sido notícia pela sua vida pessoal. A atriz encontra-se solteira após o fim da relação de oito anos com Chris Martin, vocalista dos Coldplay. Apesar dos rumores de noivado, o casal manteve sempre a discrição ao longo dos anos.

Chris Martin, recorde-se, foi casado anteriormente com Gwyneth Paltrow, de quem tem dois filhos: Apple e Moses.

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Dakota, por sua vez, parece agora concentrada em novos projetos, tanto no cinema como na sua vida pessoal — e, claro, em continuar a dar que falar sempre que pisa uma passadeira vermelha.

Keanu Reeves e Alexandra Grant Casaram-se em Segredo na Europa 💍✨

Um casamento discreto para um casal reservado

Ele é um dos atores mais amados de Hollywood, ela uma artista plástica de renome. Keanu Reeves, de 61 anos, e Alexandra Grant, de 52, deram o nó neste verão numa cerimónia íntima e secreta na Europa. Segundo revelou uma fonte à RadarOnline, o casamento contou apenas com familiares e amigos muito próximos, em total sintonia com o estilo reservado do casal.

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“Falaram sobre isso durante anos, mas no fim quiseram algo que fosse só para eles”, explicou a mesma fonte. “O Keanu e a Alexandra valorizam muito a sua privacidade, por isso manter tudo em segredo encaixa perfeitamente com eles.”

Rumores que já se adivinhavam

Os boatos sobre um possível noivado surgiram quando Alexandra Grant foi fotografada com um anel sugestivo durante a estreia de Do Universo de John Wick: Ballerina. A imprensa internacional não tardou em levantar suspeitas, mas a confirmação oficial só agora chega, com a revelação do casamento secreto.

Um amor que trouxe paz a Keanu

A relação entre Reeves e Grant não é apenas uma história de amor tardio; é também uma narrativa de resiliência. O ator viveu momentos extremamente difíceis no passado: em 1999 perdeu a filha, Ava, que nasceu sem vida aos oito meses de gestação, e pouco depois separou-se de Jennifer Syme, que acabaria por falecer em 2001, aos 28 anos, num acidente de carro.

Perante estas tragédias, Keanu Reeves tornou-se uma figura associada à solidão e à introspeção. Mas os amigos garantem que a chegada de Alexandra Grant mudou tudo. “Ela traz-lhe tranquilidade. Ele ri-se mais, está mais relaxado. Ela é realmente a sua âncora”, referiu a fonte próxima do casal.

Uma história que começou em 2009

O casal conheceu-se em 2009, fruto de uma colaboração artística. A amizade evoluiu discretamente ao longo dos anos, e só em 2019 assumiram publicamente a relação. Desde então, têm mostrado uma cumplicidade rara em Hollywood: longe dos holofotes, mas próximos um do outro.

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Keanu Reeves, o eterno herói de Matrix e John Wick, parece finalmente ter encontrado o equilíbrio e a serenidade ao lado de Alexandra Grant. E, tal como nos melhores romances, escolheram celebrar esse amor em segredo, longe das câmaras e do frenesim mediático.

Daniela Melchior junta-se ao Pai Natal mais letal do cinema em “Noite Violenta 2”

A carreira internacional de Daniela Melchior continua a somar capítulos de peso em Hollywood. A atriz portuguesa, que já brilhou em títulos como O Esquadrão Suicida (2021), Marlowe: O Caso da Loira Misteriosa (2022), Velocidade Furiosa X (2023) e Road House (2024), foi agora confirmada no elenco de “Noite Violenta 2” (Violent Night 2), a sequela da comédia de ação natalícia que conquistou o público em 2022.

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O filme volta a ter David Harbour (Stranger Things, Viúva Negra) como protagonista, retomando a sua versão inesperadamente brutal do Pai Natal. A primeira aventura mostrou um Nicolau nada santo, capaz de enfrentar uma equipa de mercenários para salvar uma família rica na véspera de Natal — um conceito que misturava espírito natalício com sangue e pancadaria, e que rapidamente se tornou um sucesso de culto nas salas de cinema.

Desta vez, Melchior junta-se ao elenco ao lado de Kristen Bell, que vive um momento de grande popularidade com a série da Netflix Ninguém Quer Isto. A realização volta a estar nas mãos do norueguês Tommy Wirkola, responsável por filmes como Hansel e Gretel: Caçadores de Bruxas e a saga Dead Snow (Os Mortos-Vivos Nazis), conhecido pela sua mistura de humor negro, ação descontrolada e violência estilizada.

Ainda não foram revelados detalhes sobre a nova história, mas as expetativas são elevadas: poderá o segundo filme repetir o equilíbrio improvável entre sátira natalícia e ação hardcore que fez do original um êxito-surpresa?

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Com estreia marcada para dezembro de 2026, Noite Violenta 2 promete ser um dos títulos mais curiosos da temporada natalícia de Hollywood. Para Daniela Melchior, é mais uma oportunidade de cimentar a sua posição como uma das atrizes portuguesas mais requisitadas no panorama internacional.

Caso Matthew Perry: “Ketamine Queen” assume culpa e arrisca décadas de prisão

A investigação em torno da morte de Matthew Perry, estrela de Friends, chega finalmente ao desfecho. Jasveen Sangha, conhecida como a “Ketamine Queen”, admitiu esta semana a sua culpa no processo judicial, assumindo envolvimento direto no fornecimento da dose fatal de ketamina que tirou a vida ao actor a 28 de outubro de 2023, em Los Angeles.

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O desfecho do caso

Sangha, que estava detida desde agosto de 2024, era a última suspeita a resistir a um acordo judicial. Agora, antes do julgamento marcado para o outono, aceitou declarar-se culpada de três acusações de distribuição da substância e de fornecimento da dose que levou à morte de Perry.

De acordo com o Departamento de Justiça norte-americano, Sangha e Erik Fleming venderam ao actor 51 frascos de ketamina, entregues ao seu assistente pessoal, Kenneth Iwamasa. Após a morte de Perry, a “Ketamine Queen” terá tentado encobrir as provas, pedindo a Fleming que apagasse mensagens trocadas entre ambos.

Com a confissão, Sangha enfrenta agora uma pena que pode chegar aos 20 anos de prisão pelo crime relacionado com a “premissa de droga”, até 10 anos por cada acusação de distribuição e até 15 anos pelo crime de distribuição com resultado em morte.

A rede desmantelada

Além de Sangha, outros quatro envolvidos já tinham admitido a culpa: Fleming, Iwamasa e dois médicos, Salvador Plasencia e Mark Chavez, acusados de prescrever ilegalmente a substância. Todos aguardam sentença, prevista para os próximos três meses.

O caso, investigado pela DEA, LAPD e pelo procurador federal da Califórnia, revelou um circuito de fornecimento de ketamina que expôs vulnerabilidades na forma como a droga circula entre clínicas, médicos e pacientes, sobretudo em contextos de abuso.

A tragédia de um ícone televisivo

O corpo de Matthew Perry foi encontrado no jacuzzi da sua casa, em Pacific Palisades, poucos dias antes do Halloween de 2023. O relatório da autópsia concluiu que o actor morreu devido aos “efeitos agudos da ketamina”, apontando também contributos de doença cardíaca e de buprenorfina, fármaco usado no tratamento da dependência de opiáceos.

Tinha 54 anos.

Conhecido mundialmente como Chandler Bing, Perry foi um dos rostos centrais de Friends, série que se tornou fenómeno global a partir de 1994. O actor construiu ainda uma carreira sólida na televisão, com papéis em The West Wing, Ally McBeal, The Good Wife e no telefilme The Kennedys: After Camelot, onde interpretou o senador Ted Kennedy.

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A morte prematura de Perry deixou marcas profundas não só nos fãs, mas também nos colegas e na indústria televisiva, que o reconheciam como um talento singular e uma figura que lutou corajosamente contra os demónios do vício ao longo de décadas.

Seth MacFarlane Critica o Pessimismo de Hollywood: “Precisamos de Dar Esperança às Pessoas” 🚀

O criador de Family Guy e The Orville, Seth MacFarlane, deixou uma mensagem clara à indústria televisiva e cinematográfica: está na hora de equilibrar o pessimismo com histórias que inspirem esperança.

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Em entrevista ao podcast Where Everybody Knows Your Name, o actor, realizador e produtor — nomeado para um Óscar — lamentou a predominância de narrativas distópicas e negativas, defendendo que Hollywood deveria voltar a oferecer ao público “planos para um futuro melhor”, tal como acontecia quando era criança.

“Tudo é distópico e pessimista”

MacFarlane apontou o contraste entre o entretenimento actual e as produções que marcaram o seu crescimento.

“Quando eu era miúdo, Hollywood oferecia vozes de esperança. Agora, os pratos que estamos a servir são tão distópicos e pessimistas… Sim, há muito para estar pessimista, mas está tudo tão desequilibrado. Onde estão os planos para fazermos as coisas da forma certa?”, questionou.

O criador de The Orville — série que assumidamente presta tributo ao espírito optimista de Star Trek — comparou a actual avalanche de produções como The Handmaid’s Tale com a falta de histórias que, segundo ele, mostrem “o que podemos alcançar se mudarmos o nosso caminho”.

A era do anti-herói

Para MacFarlane, uma das mudanças mais visíveis começou com The Sopranos, quando Hollywood se apaixonou pelo conceito de anti-herói.

“Desde The Sopranos que tudo gira em torno do anti-herói, em vez de personagens que dão esperança.”

O criador sublinha que, num mundo em que “ninguém quer saber o que as celebridades pensam” sobre política ou temas sociais, a melhor forma de influenciar é através das histórias que se contam. E, neste momento, considera que a indústria “não está a fazer o melhor trabalho” nesse aspecto.

O futuro de The Orville

Apesar das críticas, MacFarlane mostrou algum optimismo quanto ao futuro da sua série de ficção científica. Embora a Disney “ainda não tenha confirmado uma quarta temporada”, o criador acredita que The Orville ainda poderá regressar. A produção estreou em 2017 na Fox e mudou-se para a Hulu na terceira temporada.

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Para MacFarlane, a missão mantém-se: criar ficção que não se limite a avisar sobre os perigos que nos esperam, mas que também ofereça visões do que pode ser alcançado quando as coisas são feitas da forma certa.

Jackie Chan Critica Hollywood: “Já Não São Cineastas, São Homens de Negócios” 🎬🐆


Jackie Chan Critica Hollywood: “Já Não São Cineastas, São Homens de Negócios” 🎬🐆

Durante uma sessão de perguntas e respostas no Festival de Locarno, Jackie Chan não poupou críticas à forma como os grandes estúdios de Hollywood fazem cinema actualmente. O veterano actor e realizador de Hong Kong, que recebeu no evento o Pardo alla Carriera pela sua trajectória, lamentou que as produções contemporâneas sejam demasiado condicionadas por questões financeiras.

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“Acho que os filmes antigos são melhores do que os de hoje. Neste momento, muitos grandes estúdios já não são formados por cineastas, mas sim por homens de negócios. Investem 40 milhões e pensam: ‘Como é que recuperamos o dinheiro?’ É muito difícil fazer um bom filme hoje”, afirmou Chan.

Um artesão do cinema

A conversa, conduzida pelo director artístico do festival, Giona Nazzaro, percorreu vários momentos da longa carreira de Chan, incluindo histórias sobre o início no cinema, os desafios em Hollywood e as acrobacias perigosas que marcaram o seu trabalho.

Orgulhoso da sua versatilidade, Chan sublinhou que sempre procurou dominar todas as áreas de uma produção, desde a escrita e realização até à coordenação de duplos e edição. “Em toda a Ásia, só há dois realizadores que sabem fazer tudo: Sammo Hung e Jackie Chan… e eu sou melhor porque sei cantar”, brincou.

Aprender a cantar para sobreviver

Chan contou que decidiu aprender a cantar quando percebeu que não poderia passar toda a vida como performer de acrobacias perigosas. Nos programas de televisão norte-americanos, pediam-lhe sempre para mostrar socos e pontapés. “Pensei: não posso fazer isto para sempre, é demasiado perigoso. Então comecei a aprender a cantar”, recordou, acrescentando que o seu mantra profissional passou a ser: “Quero ser o Robert De Niro asiático.”

A relação difícil com Hollywood

O actor revelou que, no início dos anos 2000, estava prestes a desistir dos projectos americanos devido à fraca qualidade dos guiões e à dificuldade em criar ligação com o público dos EUA. Decidiu tentar uma última vez com Rush Hour – Hora de Ponta. “Foi a última tentativa. Se não resultasse, acabava”, disse. O filme, apesar das limitações orçamentais, tornou-se um sucesso e, segundo Chan, “mudou a cultura”.

O seu objectivo sempre foi servir como uma ponte cultural entre os EUA e a China, e Rush Hour acabou por cimentar essa missão.

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Homenagem em Locarno

Para assinalar a carreira, o festival exibiu dois dos seus clássicos como realizador — Project A e Police Story. Jackie Chan subiu ao palco para receber o Pardo alla Carriera, numa edição de Locarno que decorre até 16 de Agosto.

O Mundo Continua Louco, 40 Anos Depois: Brazil, de Terry Gilliam, Ainda Nos Persegue

O clássico distópico celebra quatro décadas enquanto o seu criador tenta, mais uma vez, concretizar o impossível

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Foi há precisamente 40 anos que Terry Gilliam nos atirou de cabeça para um pesadelo burocrático tão delirante quanto profético. Brazil, lançado em 1985, continua a ser um dos filmes mais visionários de sempre — uma mistura explosiva de Kafka, Orwell e Monty Python — e, segundo o próprio realizador, continua dolorosamente actual. A propósito do aniversário do filme, Gilliam foi ao Umbria Film Festival em Itália, e o que devia ser apenas uma celebração nostálgica acabou por ser também um desabafo sobre os desafios do cinema actual… e do futuro (ou falta dele).

A luta contra o sistema… dentro e fora do ecrã

Na entrevista ao Deadline, Gilliam confessou que ainda hoje se lembra vividamente da guerra que travou com a Universal para que Brazil fosse lançado tal como o concebeu — sem finais felizes impostos nem cortes “amistosos”. O que parecia uma loucura tornou-se lenda: Gilliam desafiou os estúdios, venceu, e abriu uma brecha de liberdade criativa que durou… algumas semanas. “Depois voltou tudo ao mesmo”, admite, entre risos e resignação.

Mas talvez a maior ironia de todas é que o mundo retratado em Brazil, feito com metáforas carregadas e humor negro, parece ter envelhecido como um vinho amargo — cada vez mais real, cada vez mais próximo. “As pessoas perguntam como é que eu sabia que o mundo ia ser assim”, diz Gilliam. “Mas era só olhar à volta. Já era assim.”

A burocracia mudou de forma, mas o pesadelo mantém-se

Se nos anos 80 Gilliam lutava contra formulários em duplicado e departamentos de informação omnipresentes, hoje enfrenta um inimigo mais subtil mas igualmente castrador: a falta de coragem dos estúdios. O cineasta de 83 anos está a tentar tirar do papel Carnival at the End of Days, uma comédia apocalíptica em que Deus decide destruir a humanidade por ter arruinado o planeta. O elenco é de luxo — Johnny Depp, Adam Driver, Jeff Bridges, Jason Momoa, Tom Waits, Asa Butterfield — mas, ainda assim, ninguém quer pagar a conta.

“O problema é que os produtores estão todos com medo”, explica. “Ninguém quer arriscar com ideias fortes ou provocadoras.” Gilliam lamenta que o cinema de hoje seja tecnicamente perfeito, mas sem alma. “Vejo filmes bem feitos, mas que não me fazem pensar. Não me chocam. Não me mudam.”

Satirizar o mundo já não chega — o mundo ultrapassou a sátira

Um dos maiores obstáculos? Donald Trump. Literalmente. O argumento de Carnival at the End of Days foi escrito em 2020, mas Gilliam confessa que o regresso do ex-presidente baralhou-lhe os planos. “Trump tornou-se o próprio carnaval. É difícil satirizar o mundo quando ele próprio se tornou uma sátira.”

Mesmo assim, não desiste. “Tenho saudades de filmar”, admite. “Até pensaria em trabalhar com a Netflix… mas continuo a sonhar com ecrãs gigantes, som a rebentar e aquela experiência quase religiosa de entrar numa sala escura para ver cinema.”

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E o legado de Brazil?

Para Gilliam, o filme continua a viver não dentro dele, mas nas reacções do público. “Não vejo os meus filmes depois de os acabar”, diz. “Mas há dois anos vi As Aventuras do Barão Munchausen em 4K e pensei: ‘Isto é mesmo bom! Gostava de ter feito isto.’” E talvez essa seja a verdadeira magia dos filmes de Terry Gilliam: mesmo que ele já não se reconheça neles, nós reconhecemo-nos. E precisamos deles mais do que nunca.

“Parasitas” é eleito o melhor filme do século XXI por centenas de profissionais de cinema

Inquérito conduzido pelo New York Times reúne mais de 500 realizadores, actores e produtores para eleger os 100 filmes mais marcantes deste século

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Parasitas, de Bong Joon Ho, foi eleito o melhor filme do século XXI por um extenso painel de mais de 500 profissionais da indústria cinematográfica, entre os quais se encontram realizadores, actores, argumentistas, críticos e produtores. A iniciativa foi promovida pelo The New York Times, que publicou ao longo da última semana os resultados do inquérito, culminando com a revelação do Top 20 esta sexta-feira.

O galardoado filme sul-coreano, vencedor dos Óscares de Melhor Filme e Melhor Filme Internacional, superou obras de mestres como David Lynch (Mulholland Drive, 2.º lugar), Paul Thomas Anderson (Haverá Sangue, 3.º lugar) e Wong Kar Wai (Disponível para Amar, 4.º lugar).

O Top 10 apresenta uma diversidade notável de estilos, géneros e origens geográficas, destacando também o impacto contínuo de obras como Moonlight, Este País Não É Para Velhos, A Viagem de Chihiro e A Rede Social.

Uma lista eclética, com surpresas e confirmações

Ao todo, o Top 100 inclui 25 filmes “internacionais” — cuja língua principal não é o inglês — e 12 realizados ou correalizados por mulheres, revelando uma crescente abertura da indústria a novas vozes e linguagens cinematográficas.

O cinema lusófono marca presença com Cidade de Deus, dos brasileiros Fernando Meirelles e Kátia Lund, colocado em 15.º lugar. Na animação, apenas quatro títulos marcaram presença: A Viagem de Chihiro (9.º), WALL-E (34.º), Up! – Altamente (50.º) e Ratatui (73.º).

Os grandes nomes de Hollywood também marcaram território: Paul Thomas Anderson é o realizador mais representado com seis filmes, seguido por Christopher Nolan com cinco. Os irmãos Coen e Alfonso Cuarón surgem com quatro títulos cada, enquanto Quentin Tarantino e David Fincher marcam presença com três.

Representações notáveis e ausências curiosas

Entre os veteranos, Martin Scorsese garantiu dois títulos (The Departed e O Lobo de Wall Street), enquanto Steven Spielberg surge apenas com Relatório Minoritário. Clint Eastwood não teve qualquer filme mencionado no Top 100.

Curiosamente, só um filme da trilogia O Senhor dos Anéis — A Irmandade do Anel — entrou para a lista, e a única entrada do universo Marvel foi Black Panther, na 96.ª posição. Da parte das plataformas de streaming, apenas ROMA, de Alfonso Cuarón, lançado pela Netflix, foi considerado (46.º lugar).

Os favoritos dos favoritos

As listas individuais, algumas também divulgadas, incluíram nomes tão diversos como Pedro Almodóvar, Bong Joon Ho, Sofia Coppola, Ava DuVernay, Barry Jenkins, Mel Brooks, Celine Song, Edgar Wright e até o escritor Stephen King.

Estas contribuições revelaram um amplo leque de sensibilidades artísticas e confirmaram o poder da cinefilia como elemento agregador numa indústria cada vez mais fragmentada.

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Top 10 dos melhores filmes do século XXI segundo os profissionais de Hollywood:

  1. Parasitas (Bong Joon Ho)
  2. Mulholland Drive (David Lynch)
  3. Haverá Sangue (Paul Thomas Anderson)
  4. Disponível para Amar (Wong Kar Wai)
  5. Moonlight (Barry Jenkins)
  6. Este País Não é Para Velhos (Joel & Ethan Coen)
  7. O Despertar da Mente (Michel Gondry)
  8. Foge (Jordan Peele)
  9. A Viagem de Chihiro (Hayao Miyazaki)
  10. A Rede Social (David Fincher)

Tom Cruise e Brad Pitt reencontram-se em Londres… três décadas depois de Entrevista com o Vampiro

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Trinta e um anos após o tenso encontro em Entrevista com o Vampiro, Tom Cruise e Brad Pitt voltam a aparecer juntos em público, desta vez na antestreia europeia de F1 – O Filme.

Foi um momento inesperado e simbólico para os fãs de cinema: Tom Cruise e Brad Pitt, que partilharam o ecrã em Entrevista com o Vampiro (1994), reencontraram-se esta segunda-feira na antestreia europeia de F1 – O Filme, em Londres. O novo filme protagonizado por Brad Pitt e realizado por Joseph Kosinski, com produção de Jerry Bruckheimer, junta nomes que também estiveram envolvidos em Top Gun: Maverick, de Cruise.

Cruise, cuja presença não tinha sido anunciada, surpreendeu ao aparecer no evento e posar com Pitt, Kosinski, Bruckheimer e o CEO da Fórmula 1, Stefano Domenicali. Num vídeo amplamente divulgado nas redes sociais, os dois atores surgem a conversar de forma calorosa, trocando sorrisos, palavras e até abraços, num clima bem mais amistoso do que aquele que marcou a única colaboração cinematográfica que tiveram.

“Grande noite no cinema com os meus amigos. Vocês arrasaram!”, escreveu Cruise no X (antigo Twitter), celebrando o momento.

Recordar Entrevista com o Vampiro: um clássico e um conflito

A relação entre os dois astros de Hollywood nem sempre foi pacífica. A adaptação do romance gótico de Anne Rice, realizada por Neil Jordan, foi marcada por fricções nos bastidores. Enquanto Cruise interpretava o vampiro carismático Lestat, Pitt assumia o papel de Louis, o protagonista atormentado.

Durante anos, circularam relatos de tensões no set. O próprio Pitt confessou o desconforto com a escolha de Cruise para o papel de Lestat e descreveu a dinâmica entre os dois com a frase que se tornou célebre: “Ele é o Polo Norte, eu sou o Polo Sul”. Acrescentou ainda que havia “uma competição latente que atrapalhava qualquer conversa a sério”.

O realizador Neil Jordan confirmou publicamente que Pitt torceu o nariz à escolha de Cruise. E, apesar das tentativas de ambos em minimizar publicamente o distanciamento, uma fonte citada pela revista Closer em 2024 referia que “não se suportam” e que “há um motivo para não trabalharem juntos há 30 anos”.

Um reencontro… e uma oportunidade perdida

A recente antestreia de F1 – O Filme marca assim não só um reencontro simbólico, mas também um possível reatar de relações profissionais que esteve quase a acontecer. O realizador Joseph Kosinski revelou há pouco tempo que tentou juntar Pitt e Cruise numa versão anterior de Le Mans ’66: O Duelo, filme que acabaria por estrear em 2019 realizado por James Mangold, com Matt Damon e Christian Bale nos papéis principais.

Segundo Kosinski, o projeto com Cruise e Pitt não avançou devido a limitações orçamentais. Ainda assim, a intenção esteve em cima da mesa, mostrando que o regresso da dupla não era totalmente impensável.

Mais do que um reencontro

Seja apenas um momento de cortesia ou o prenúncio de uma futura colaboração, o reencontro de Tom Cruise e Brad Pitt está já a marcar 2024 como um dos acontecimentos mais simbólicos de Hollywood. Três décadas depois de um filme que se tornou culto e de um conflito que marcou o imaginário dos fãs, a imagem dos dois juntos em Londres faz sonhar os cinéfilos com um novo capítulo — agora talvez mais pacífico — entre duas das maiores estrelas do cinema contemporâneo.

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“Porque Não Ganhaste um Óscar”: Robin Wright Revela a Verdade Crua Sobre House of Cards

Igualdade salarial? Só quando fores premiada — mesmo numa série “revolucionária”

Foi a série que mudou tudo. House of Cards não só lançou a Netflix para o mundo da produção de conteúdo original, como marcou o início de uma nova era para o streaming. Mas para Robin Wright, que protagonizou a série ao lado de Kevin Spacey, nem tudo foi revolução. Sobretudo no que toca ao salário.

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Durante o Festival de Televisão de Monte Carlo, a atriz revelou que teve de travar uma verdadeira batalha por igualdade salarial com o colega de elenco — e a resposta que recebeu dos produtores é digna de um episódio sombrio da própria série.

“Quando disse: ‘Acho que é justo [ganhar o mesmo que o Kevin Spacey], porque a minha personagem se tornou tão popular como a dele’, eles responderam literalmente: ‘Bem, não podemos pagar-te o mesmo enquanto atriz’”, contou Wright, citada pela Variety e pela Deadline.

A desculpa? Não tens um Óscar na estante

Robin Wright interpretava Claire Underwood, uma das personagens mais fascinantes da série, cuja ascensão ao poder foi tão impactante como a do próprio Frank Underwood. Mas, aparentemente, o impacto no ecrã não era suficiente para equilibrar os salários fora dele.

“Porque não ganhaste um Óscar”, foi a resposta que lhe deram.

Para contornar a situação sem, claro, pagar-lhe o mesmo, a proposta foi criativa: três salários diferentes — atriz, produtora executiva e realizadora de alguns episódios.

“Vamos dividir para igualar”, disseram-lhe. Uma frase que soa a justiça, mas que, no fundo, é um truque para evitar confrontar o verdadeiro problema.

Robin Wright reconhece que ficar zangada “não mudaria nada”. O protocolo — esse ente invisível que tudo justifica — continua a imperar.

“Se perguntarem: ‘Por que é que esta ou aquela atriz não recebeu o mesmo que o Will Smith?’, eles dizem: ‘Vai subir depois de ganhares [o Óscar]’.”

Nomeações? Isso não paga contas

A atriz mostrou-se pragmática ao relatar o absurdo da situação: nem uma nomeação servia de argumento para subir o salário. O mundo de Hollywood (e agora o do streaming) continua preso a critérios antiquados, onde o prestígio de uma estatueta dourada vale mais do que o sucesso da personagem, a popularidade da série ou o impacto cultural.

“Nomeação, nem tanto. O que é que isto tem a ver com receber um aumento?”, questionou com ironia.

A revolução foi só para alguns

House of Cards foi, sem dúvida, um marco na história da televisão — e uma aposta visionária de David Fincher, que lhe apresentou o projeto com entusiasmo: “Este será o futuro, será revolucionário”, disse-lhe.

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A revolução aconteceu, sim. Mas, como em tantas outras, nem todos ficaram do mesmo lado da barricada.

✈️ “Top Gun 3”: História Definida e Pronta para Descolar

Christopher McQuarrie, colaborador de longa data de Tom Cruise, revelou que a história de “Top Gun 3” já está delineada. Em entrevista ao podcast “Happy Sad Confused”, McQuarrie mencionou que a ideia surgiu rapidamente após uma proposta do coargumentista Ehren Kruger. Embora ainda não esteja confirmado como realizador, McQuarrie expressou interesse em capturar o estilo visual de Tony Scott, diretor do filme original de 1986.  

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🕺 Les Grossman: O Retorno do Produtor Mais Excêntrico de Hollywood

Tom Cruise está em conversações para reprisar o papel de Les Grossman, o produtor irreverente de “Tropic Thunder”. McQuarrie confirmou que ambos estão a desenvolver ideias para um possível spin-off centrado neste personagem, destacando que as discussões têm sido criativas e promissoras.  

🏁 “Dias de Tempestade 2”: Acelerando para uma Nova Corrida

Após o sucesso de “Top Gun: Maverick”, Cruise e McQuarrie estão a considerar uma sequela para “Dias de Tempestade” (1990). McQuarrie revelou que a premissa surgiu quase instantaneamente após refletir sobre a receção positiva de “Maverick”, indicando que o projeto está em fase de desenvolvimento.

🔥 Cruise e McQuarrie: Uma Parceria em Alta Velocidade

Com “Missão: Impossível – A Sentença Final” a marcar o possível fim da jornada de Cruise como Ethan Hunt, o ator parece focado em revitalizar personagens icónicos do seu repertório. A colaboração contínua com McQuarrie promete trazer novas emoções aos fãs, combinando ação intensa com narrativas envolventes. 

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🎬 Tom Cruise quer filmar até aos 100 anos — e não vai parar por aqui

Aos 62, o ator recusa a reforma e promete continuar a fazer cinema — ação, drama, comédia e, quem sabe, até musicais

Tom Cruise não tem planos para abrandar. Aos 62 anos, o ator declarou recentemente que pretende continuar a fazer filmes até aos 100 anos, afirmando:

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“Nunca vou parar. Nunca vou deixar de fazer ação, nunca vou deixar de fazer drama, filmes de comédia — estou entusiasmado” . 

Estas declarações foram feitas durante a estreia de Missão: Impossível – O Acerto Final em Nova Iorque, onde Cruise enfatizou a sua paixão contínua pelo cinema. 

🏃‍♂️ O segredo da longevidade cinematográfica

Conhecido por realizar as suas próprias acrobacias, Cruise mantém uma rotina rigorosa de treino físico e dieta equilibrada, o que lhe permite continuar a desempenhar papéis exigentes fisicamente. Atualmente, está envolvido em vários projetos, incluindo possíveis sequelas de Top Gun, Dias de Tempestade e No Limite do Amanhã, bem como uma colaboração com o realizador Alejandro G. Iñárritu . 

🎭 Mais do que um herói de ação

Embora seja amplamente reconhecido pelos seus papéis em filmes de ação, Cruise expressou interesse em explorar outros géneros, incluindo musicais. Em 2012, demonstrou as suas capacidades vocais em Rock of Ages, e recentemente manifestou vontade de voltar a esse tipo de projetos . 

🌟 Inspirado, mas não insubstituível

Apesar de ser uma das últimas grandes estrelas de cinema, Cruise rejeita essa designação, afirmando:

“Há tantos outros atores talentosos por aí, e quero vê-los brilhar” . 

Demonstrando apoio a colegas mais jovens, expressou entusiasmo por trabalhar com talentos emergentes como Michael B. Jordan e o realizador Ryan Coogler. 

🎥 O legado continua

Com Missão: Impossível – O Acerto Final a estrear nos cinemas a 23 de maio de 2025, Cruise encerra uma era, mas não a sua carreira. O filme, que marca o seu último desempenho como Ethan Hunt, é apenas mais um capítulo na sua trajetória cinematográfica . 

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🎭 Paul Rudd recorda os anos 90: “A fama era mais lenta e menos intensa — e eu ainda fazia casamentos como DJ”

Paul Rudd, um dos rostos mais acarinhados de Hollywood, abriu recentemente o coração numa entrevista onde refletiu sobre a evolução da fama desde os anos 90 até aos dias de hoje.

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Apesar de hoje ser um nome incontornável graças a filmes como Clueless, Ant-Man e Ghostbusters, o próprio Rudd confessa que no início da carreira nem sequer se sentia famoso.

🎬 Clueless, empregos paralelos e a vida antes da fama

Paul Rudd estreou-se no grande ecrã nos anos 90 e alcançou um primeiro pico de popularidade com o filme Clueless(1995), onde interpretava Josh, o charmoso ex-enteado da protagonista Cher (Alicia Silverstone).

Ainda assim, o sucesso imediato não se traduziu numa mudança instantânea na sua vida quotidiana:

🗣️ “Eu não me sentia realmente famoso,” contou Rudd. “Tinha acabado de fazer um anúncio para uma empresa de seguros. E continuava a servir mesas, a trabalhar em bares, a ser DJ em casamentos.”

Mesmo após o lançamento de Clueless, que se tornou um ícone cultural, Rudd manteve empregos paralelos para pagar as contas — um contraste gritante com a rapidez com que hoje em dia muitos atores ascendem ao estrelato.

🌐 Como a internet e as redes sociais mudaram tudo

Segundo Paul Rudd, o panorama da fama mudou radicalmente com o advento da internet e, mais tarde, das redes sociais.

Nos anos 90, o crescimento da notoriedade era mais orgânico e gradual:

🗣️ “Sem redes sociais e com uma internet ainda incipiente, tudo acontecia mais devagar. Podíamos crescer como atores sem uma lupa constante sobre cada movimento.”

Hoje, uma única participação viral ou um rumor pode projetar alguém para o centro das atenções globais da noite para o dia — um fenómeno que Rudd admite não ter vivido na altura.

🦸 De Clueless a super-herói da Marvel

Com uma carreira que hoje ultrapassa três décadas, Paul Rudd transformou-se num dos atores mais versáteis e consistentes da sua geração.

De filmes de comédia como Anchorman e This Is 40 a blockbusters como Ant-Man e Avengers: Endgame, o seu percurso é marcado por uma combinação de carisma, timing cómico e humanidade.

Em 2024, regressou ao universo Ghostbusters com Ghostbusters: Frozen Empire e já tem novos projetos no horizonte, incluindo a aguardada comédia negra Death of a Unicorn.

🎂 Um ator que continua a surpreender

Aos 55 anos, Paul Rudd mantém a mesma simplicidade e bom humor que o tornaram tão querido do público.

Num mundo onde a fama é cada vez mais efémera e agressiva, o ator parece representar uma era onde o talento e a perseverança ainda eram os verdadeiros motores da carreira artística.

E se dúvidas houvesse, basta lembrar que em 2021 foi eleito pela People Magazine como o Homem Mais Sexy do Mundo — prova de que, às vezes, a paciência e a humildade compensam a longo prazo.

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🎥 Ben Affleck em Família: Filhos de Jennifer Lopez Apoiam o Ator na Antestreia de The Accountant 2

Numa rara demonstração de unidade familiar em Hollywood, Ben Affleck surgiu na antestreia de O Contabilista 2 / O Contandor 2( BR), em Los Angeles, acompanhado não só pelos seus três filhos biológicos, mas também pelos gémeos de Jennifer Lopez, Max e Emme. O momento, captado pelas câmaras, rapidamente gerou comentários e aplausos pela forma madura e afetuosa como os filhos de ambos mantêm uma ligação próxima, mesmo após o fim da relação entre os dois artistas.

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👨‍👧‍👦 Uma família (re)composta, mas coesa

O casal, que se separou recentemente após uma fase mediaticamente intensa do casamento, tem demonstrado um esforço claro para manter as estruturas familiares coesas. A presença dos gémeos Max e Emme ao lado de Ben Affleck na passadeira vermelha não passou despercebida — e simboliza mais do que um gesto de apoio: revela uma convivência construída com respeito, proximidade e cuidado mútuo.

Affleck, visivelmente emocionado, agradeceu o apoio e deixou palavras elogiosas para Jennifer Lopez, referindo-se a ela como “uma mulher de integridade” e sublinhando a importância que desempenha na vida dos filhos — tanto dos seus como dos dela.

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The Accountant 2: um regresso esperado… com apoio à altura

Affleck regressa agora ao papel de Christian Wolff, o contabilista com habilidades letais que protagonizou o inesperado êxito de 2016. O novo filme retoma o universo tenso e cerebral do original, com Affleck no centro da ação — e, desta vez, com um novo tipo de apoio fora do ecrã.

A antestreia foi marcada por um ambiente caloroso e íntimo, com destaque para os momentos partilhados entre Affleck e os cinco jovens, que posaram juntos e trocaram sorrisos cúmplices.

💬 Uma lição de empatia em Hollywood

Num mundo mediático onde separações tendem a gerar polémica e distanciamento, este gesto público de proximidade familiar — sem pretensões, sem escândalos — vem recordar que há espaço para relações positivas mesmo após o fim de um casamento.

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Ben Affleck e Jennifer Lopez mostram, cada um à sua maneira, que a verdadeira maturidade está em manter os afectos vivos, não apenas entre adultos, mas entre todos os membros de uma família moderna.

🎬 Ben Affleck Critica Hollywood: “Estamos a Deixar a Nossa Casa para Trás”

Ben Affleck voltou a abrir o jogo sobre os bastidores da indústria cinematográfica — e desta vez, com um tom particularmente amargo. À margem da antestreia de O Contador 2, o actor e realizador norte-americano teceu duras críticas ao atual modelo de produção de Hollywood, sublinhando que a meca do cinema está a perder cada vez mais terreno… dentro da própria Califórnia.

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🏭 A desertificação cultural de Los Angeles

“Hollywood está a mudar de sítio”, afirmou Affleck aos jornalistas. E não se referia a uma tendência criativa, mas sim à geografia da produção. Segundo o ator, a indústria cinematográfica tem abandonado progressivamente Los Angeles, em parte devido à incapacidade do estado da Califórnia de competir com os incentivos fiscais oferecidos noutras regiões.

A comparação é clara: enquanto a Califórnia oferece um retorno médio de 20 a 25% em incentivos, o Reino Unido chega a oferecer 40%. Resultado? Blockbusters, séries de prestígio e até produções independentes rumam cada vez mais para outros territórios — incluindo Geórgia, Novo México, Texas e Nova Jérsia.

🎥 Uma indústria em deslocalização

A reflexão de Affleck não é isolada. Muitos profissionais do setor têm vindo a alertar para a perda de identidade cultural e comunitária que acompanha esta “deslocalização” da indústria. Ao abandonar os estúdios históricos de Los Angeles, não se perdem apenas empregos locais, mas também parte da história e da atmosfera que sempre definiu o cinema americano.

“Tínhamos orgulho em fazer cinema aqui. Agora, estamos a levar tudo para sítios onde é mais barato. Perde-se alguma coisa com isso”, lamenta Affleck.

🎞️ O futuro do cinema… ainda é em Hollywood?

Ben Affleck é uma das vozes mais respeitadas da sua geração — e também uma das mais críticas. Com uma carreira que combina êxitos de bilheteira, Óscares e fracassos públicos, sabe melhor do que ninguém como a indústria se reinventa… e se compromete.

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As suas declarações voltam a colocar em cima da mesa uma pergunta essencial: conseguirá Hollywood manter-se como capital simbólica do cinema global, se a sua produção continuar a ser sistematicamente desviada para outros pontos do globo?

Courtney Henggeler Despede-se de Hollywood: “Estava Faminta e Cansada de Sobreviver com Migalhas”

🎬 Courtney Henggeler, conhecida do grande público como Amanda LaRusso na série Cobra Kai, decidiu abandonar definitivamente a carreira de atriz — e fê-lo com uma carta de despedida tão sincera quanto amarga. Mais do que um adeus, o seu testemunho tornou-se uma reflexão sobre as exigências da indústria, os sacrifícios silenciosos e o peso da desilusão.

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A decisão chegou pouco depois de terminar as gravações da sexta e última temporada de Cobra Kai, e foi partilhada com os fãs numa publicação pessoal na plataforma Substack. A atriz, que conta hoje com 46 anos, encerra assim uma carreira de duas décadas marcadas por papéis secundários, lutas persistentes e uma constante sensação de instabilidade.

Um percurso que nunca se tornou confortável

Henggeler entrou no mundo da representação em 2005, com uma breve aparição em House. Seguiram-se participações pontuais em séries como The Big Bang Theory, NCIS, Criminal Minds ou Mom, onde a sua presença passava frequentemente despercebida ao grande público.

O reconhecimento só chegou com Cobra Kai, quando assumiu o papel da esposa de Daniel LaRusso (Ralph Macchio) numa das séries revivalistas mais populares da última década. Ainda assim, e apesar da visibilidade, a atriz revela que a experiência não foi suficiente para preencher o vazio de uma carreira sempre em suspenso.

“Depois de mais de 20 anos a lutar a boa causa na indústria da representação, pendurei as luvas. Liguei aos meus agentes e disse que ia desistir. Não queria mais ser uma engrenagem na roda da máquina”, escreveu. O desabafo ressoou entre muitos artistas que vivem precisamente na mesma corda bamba emocional e financeira.

O sonho de Hollywood… e a realidade dos bastidores

A indústria do entretenimento está repleta de histórias de sucesso meteórico. Mas há uma realidade muito menos falada: a dos atores que vivem entre castings falhados, contratos temporários e promessas que nunca se concretizam. Henggeler descreve essa vivência com palavras duras, mas honestas:

“Sobrevivemos das migalhas. Enchemos a nossa chávena com a possibilidade; as nossas canecas com ilusão. Os nossos pratos estavam vazios, mas uma galinha dos ovos de ouro pairava sobre as nossas cabeças.”

Estas palavras descrevem uma vivência emocional de frustração permanente, na qual o reconhecimento tarda e o trabalho árduo raramente compensa. Mesmo após trabalhar com nomes como George Clooney, a atriz revela nunca ter sentido segurança ou verdadeira realização na carreira que abraçou por paixão.

O valor de parar para recomeçar

O que mais impressiona no testemunho de Courtney Henggeler é a coragem de parar — não por falta de talento, mas por excesso de lucidez. Num momento em que o sucesso parece medido em seguidores e contratos com plataformas de streaming, a atriz escolheu afastar-se para procurar algo que a preencha de forma mais autêntica.

Não são conhecidos, para já, os seus próximos passos. Mas a despedida, publicada com tom sereno e firme, aponta para uma fase de reinvenção. “Estava faminta. E não era por comida”, confessou.

O seu percurso, embora marcado por altos e baixos, oferece uma visão crua e necessária daquilo que é viver da representação sem nunca ter verdadeiramente “chegado lá” — mesmo quando se alcança o ecrã.

Uma saída que é também um espelho

A despedida de Courtney Henggeler surge num momento em que muitas figuras da indústria estão a reavaliar o equilíbrio entre vida pessoal e profissional, especialmente após a pandemia e as recentes greves de actores e argumentistas. O caso de Henggeler não é isolado — mas é um lembrete forte de que nem sempre o sucesso visível representa bem-estar real.

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Para os fãs de Cobra Kai, é o fim de uma era. Para a própria atriz, é talvez o início de algo mais profundo. Como ela própria diz: “Já não quero ser apenas mais uma peça na engrenagem”.