Harris Dickinson Estreia-se na Realização com Urchin e Fala Sobre Nicole Kidman, Kubrick e o Futuro do Cinema 🎥

No Festival de San Sebastián, Harris Dickinson não foi apenas o ator conhecido de Babygirl, Triangle of Sadness e The Iron Claw: foi também o jovem realizador que apresentou o seu primeiro filme, Urchin. Ao lado do produtor Archie Pearch, parceiro na recém-criada Devisio Pictures, Dickinson partilhou a experiência de se lançar atrás das câmaras e a ambição de continuar a construir histórias arriscadas e pessoais.

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Urchin, rodado com cerca de 3 milhões de dólares e apoiado pela BBC Film e pelo British Film Institute, conta a história de Mike (Frank Dillane), um sem-abrigo em Londres que tenta recompor a vida enquanto luta contra o vício. O filme já tinha estreado em Cannes, recebendo reações entusiásticas, e Dickinson espera que San Sebastián traga o mesmo impacto.

O ator britânico confessou, porém, que a experiência de realizar e atuar no mesmo projeto foi desgastante: “Houve momentos em que estava em dois mundos, a tentar confiar noutros para me dizerem o que não estava a funcionar — não apenas na minha interpretação, mas em todo o enquadramento. Admiro profundamente quem o consegue fazer, de Cassavetes a Fassbinder ou Bradley Cooper. Eu não o voltaria a fazer tão cedo.”

Apesar das dificuldades, Dickinson já tem outro guião em mãos. Mal terminou Urchin, partiu de férias, mas acabou apanhado pela companheira a escrever o próximo projeto. “Não consegui parar. Tenho de escrever. Agora vamos ver se o guião é bom”, disse com humor.

Durante a conversa, não faltaram referências a colegas de peso. Trabalhar com Nicole Kidman em Babygirl levou-o, ao fim de vinte dias de filmagens, a perguntar-lhe finalmente: “Então… como era o Stanley Kubrick?” — aludindo a Eyes Wide Shut, último filme do cineasta. “Não se pode começar por aí, tem de se chegar devagar”, brincou o ator.

Com Pearch, antigo produtor da Working Title e protegido de David Heyman (Harry Potter), Dickinson já soma mais de 20 projetos em desenvolvimento na Devisio Pictures. Ambos acreditam que o futuro do cinema independente vai passar por produções de médio orçamento. “Os financiadores até preferem arriscar em filmes de 7 ou 8 milhões com grandes nomes do que em projetos de 3 milhões sem garantias”, explicou Pearch.

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E quanto a géneros? O terror, pelo menos para já, não está no radar. “Não somos grandes fãs de horror. Claro que se fosse algo extraordinário, pensaríamos nisso, mas não é o que procuramos”, disse Dickinson, antes de sorrir e admitir que abriria exceção se Guillermo del Toro batesse à porta.

🐾 Flow – À Deriva  conquista o Prémio do Público LUX do Parlamento Europeu

A longa-metragem de animação Flow – À Deriva, realizada pelo letão Gints Zilbalodis, foi distinguida com o Prémio do Público LUX 2025, atribuído pelo Parlamento Europeu e pela Academia Europeia de Cinema. Este reconhecimento soma-se ao já conquistado Óscar de Melhor Filme de Animação no mesmo ano . 

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🌍 Uma jornada visual sem palavras

Flow narra a história de um gato solitário que, num mundo pós-apocalíptico sem humanos, embarca numa viagem de sobrevivência ao lado de outras espécies animais. Sem diálogos, o filme destaca-se pela sua narrativa visual envolvente e pela trilha sonora atmosférica, explorando temas como empatia, cooperação e resiliência.

O filme teve estreia mundial no Festival de Cinema de Cannes em maio de 2024 e chegou às salas de cinema portuguesas a 20 de fevereiro de 2025 . 

🏆 Reconhecimento internacional

Além do Óscar e do Prémio LUX, Flow foi também distinguido com o Globo de Ouro de Melhor Filme de Animação e recebeu nomeações para os Prémios Annie e para os BAFTA. O realizador Zilbalodis, ao receber o Óscar, enfatizou a importância da colaboração: “Estamos todos no mesmo barco. Temos de ultrapassar as nossas diferenças e encontrar formas de trabalhar juntos” . 

🎥 Os finalistas do Prémio LUX 2025

Na corrida ao Prémio do Público LUX, Flow competiu com outras quatro obras europeias de destaque: 

  • Animal, de Sofia Exarchou (Grécia, Áustria, Roménia, Chipre e Bulgária)
  • Dahomey, de Mati Diop (França, Senegal e Benin)
  • Intercepted, de Oksana Karpovych (Canadá, França e Ucrânia)
  • O Silêncio de Julie, de Leonardo Van Dijl (Bélgica e Suécia) 

O Prémio LUX visa promover a diversidade cultural europeia e sensibilizar para questões sociais relevantes. Os filmes finalistas são legendados nas 24 línguas oficiais da União Europeia e exibidos gratuitamente em sessões por toda a Europa, permitindo que o público e os eurodeputados votem em igualdade de peso (50% cada) para determinar o vencedor . 

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Nanni Moretti em Cuidados Intensivos

O cinema europeu está em sobressalto. Nanni Moretti, o realizador italiano que nos habituou a pensar (e rir) com filmes de uma ternura provocadora, sofreu um ataque cardíaco e encontra-se internado nos cuidados intensivos em Roma, com prognóstico reservado. A notícia, avançada pelos media italianos, caiu como um balde de água fria no meio cinematográfico.

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Com 71 anos, Moretti foi levado de urgência na quarta-feira para o Hospital San Camillo, onde foi submetido de imediato a uma cirurgia de emergência. Segundo as primeiras informações, encontra-se estabilizado, mas continua em estado delicado.

Um cineasta com coração nas imagens… e agora o coração à prova

O incidente não é totalmente inesperado: em outubro de 2023, o autor de Querido Diário já tinha sofrido um pequeno enfarte, que o obrigou a cancelar uma apresentação em Nápoles. Foi também tratado no mesmo hospital onde agora permanece internado. Na altura, a situação foi encarada como um susto. Desta vez, porém, o silêncio à volta do seu estado de saúde é mais preocupante.

Moretti, frequentemente comparado a Woody Allen (com sotaque romano e scooter Vespa), construiu uma filmografia que é um verdadeiro espelho crítico da sociedade italiana — e não só. Do íntimo O Quarto do Filho (Palma de Ouro em Cannes, 2001) ao mordaz Habemus Papam, passando pelo frontalíssimo O Caimão, sobre o fenómeno Berlusconi, Nanni sempre foi uma voz desconcertante, subtilmente hilariante e com um faro extraordinário para o desconforto moderno.

O homem que filmava o mundo como quem escreve um diário

A sua carreira começou com uma câmara Super 8 e uma comédia minimalista chamada Io sono un autarchico (1976), que já prometia aquilo que se viria a confirmar: um talento único para usar o humor como arma e escudo. Mas foi com Querido Diário (1993) que Moretti conquistou definitivamente o público internacional — e o coração dos cinéfilos. A sua deambulação pela Roma vazia, a bordo de uma Vespa, enquanto reflecte sobre a vida, a arte e a condição humana, é hoje um clássico moderno e um hino à introspecção urbana.

Esse filme valeu-lhe o Prémio de Melhor Realização em Cannes, em 1994. E seria apenas o início de um percurso que se manteria coerente, surpreendente e, acima de tudo, pessoal. Moretti nunca teve medo de se colocar diante da câmara — fosse como alter ego neurótico, pai enlutado, cineasta em crise ou cidadão indignado. Sempre com uma estética depurada e um olhar clínico sobre o mundo que o rodeia.

Um realizador que não poupa ninguém (nem o Vaticano)

Ao longo das décadas, foi construindo uma carreira sem concessões ao facilitismo comercial. Filmes como O Caimão(2006), onde expôs com coragem o impacto do populismo mediático de Berlusconi, ou Habemus Papam (2011), uma reflexão delicada e provocadora sobre os bastidores da Santa Sé, confirmaram a sua reputação de criador independente e inconformado.

Mesmo O Sol do Futuro (2023), o seu filme mais recente e uma espécie de metanarrativa sobre um realizador em busca de sentido num mundo em transformação, competiu em Cannes e mostrou que, apesar da idade, Moretti continua a questionar tudo — a si próprio incluído.

Uma pausa indesejada… mas não definitiva?

Ainda não há actualizações oficiais sobre a evolução do seu estado de saúde, mas o meio cinematográfico — em Itália e no mundo — já reagiu com mensagens de solidariedade. A esperança é que este seja apenas mais um capítulo na sua longa narrativa pessoal, e que Nanni volte a fazer aquilo que melhor sabe: filmar o mundo com um misto de amor, ironia e coragem.

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Bertrand Blier: O Adeus ao Mestre do Humor Negro no Cinema Francês

O cinema francês despede-se de um dos seus grandes mestres. Bertrand Blier, realizador e argumentista aclamado, faleceu na passada segunda-feira, em Paris, aos 85 anos, conforme comunicado pela família à agência France-Presse. Autor de uma obra marcada pelo humor negro e pela comédia grotesca, Blier deixa um legado cinematográfico que atravessa gerações e redefiniu o cinema de autor francês.

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Uma Carreira Brilhante e Provocadora

Bertrand Blier iniciou a sua filmografia nos anos 1960, com obras como Hitler, connais pas (1963), que lhe valeu o prémio de primeiras obras no Festival de Locarno. Seguiram-se títulos emblemáticos como Como se eu fosse um espião (1967), que contou com a participação do seu pai, o ator Bernard Blier, e As bailarinas (1974), que se tornou um filme de culto, apesar de ter gerado polémica devido às críticas de misoginia.

Blier conquistou o Óscar de Melhor Filme Internacional em 1979 com Uma mulher para dois, protagonizado por Carole Laure, Gérard Depardieu e Patrick Dewaere. Este último, juntamente com Depardieu, tornou-se um dos rostos mais frequentes na obra do realizador, contribuindo para o sucesso de filmes como Crimes a sangue frio (1979), Bela demais para ti (1989) — vencedor do Grande Prémio do Júri em Cannes — e Quanto me amas (2005).

O Humor Negro e a Subversão como Marcas de Estilo

A obra de Bertrand Blier distingue-se pela sua ousadia narrativa e pela capacidade de transformar temas controversos em histórias comoventes e provocadoras. Filmes como As bailarinas desafiaram convenções sociais e trouxeram para o grande ecrã uma visão singular, repleta de ironia e crítica às estruturas de poder. A sua abordagem inovadora e, por vezes, desconcertante marcou profundamente o cinema francês e internacional.

Um Legado de Colaborações Memoráveis

Gérard Depardieu, figura central na filmografia de Blier, destacou-se como parceiro criativo do realizador, protagonizando alguns dos seus maiores sucessos. A relação artística entre os dois tornou-se uma marca distintiva do cinema francês nas décadas de 1970 e 1980, reforçando o impacto cultural das suas colaborações.

O Último Adeus

Com a sua partida, Bertrand Blier deixa para trás um universo cinematográfico único, repleto de histórias que desafiaram as normas e inspiraram gerações de cineastas e cinéfilos. Para o jornal Le Figaro, Blier foi “um dos últimos gigantes do cinema francês” que, com a sua genialidade, criou filmes inesquecíveis que continuarão a ser celebrados.

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Que descanse em paz, Bertrand Blier, o mestre que ousou rir do mundo.

François Truffaut homenageado com documentário comovente no 40º aniversário da sua morte

No 40.º aniversário da morte de François Truffaut, um dos mais importantes realizadores da Nouvelle Vague francesa, a televisão francesa presta-lhe uma emocionante homenagem com a exibição de um documentário inédito, intitulado “François Truffaut, a história da minha vida”. O filme foi apresentado em maio no Festival de Cannes, na secção Clássicos de Cannes, e estreia agora na televisão francesa, no canal France 5.

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O documentário, realizado por David Teboul, é baseado em material inédito e cartas pessoais de Truffaut, incluindo correspondência com a sua mãe, o pai adotivo e o pai biológico, cuja identidade o realizador procurou durante grande parte da sua vida. A obra destaca os traumas da infância e adolescência do cineasta, temas recorrentes nos seus filmes mais conhecidos, como “Os 400 Golpes” (1959), que retrata de forma semi-autobiográfica as experiências difíceis que viveu com os pais.

A produção foi possibilitada pela colaboração de Serge Toubiana, biógrafo de Truffaut, que facilitou o acesso aos arquivos pessoais do realizador. O filme é particularmente tocante nas suas revelações sobre a infância solitária e a relação distante que o realizador tinha com a mãe. Truffaut descobriu, durante a adolescência, que o homem que o criara não era o seu pai biológico, um evento que teve um grande impacto emocional no jovem e que viria a ser transposto para a sua obra cinematográfica.

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Além das trocas epistolares e entrevistas raras com o próprio Truffaut, o documentário conta com a leitura de cartas por parte de atores como Isabelle Huppert e Pascal Greggory, conferindo um tom ainda mais pessoal e comovente à obra. O documentário será seguido pela exibição de “Os 400 Golpes”, considerado por muitos como o grande marco da carreira do realizador.

“Pulp Fiction” celebra 30 anos: o filme que revolucionou o cinema moderno

A 14 de outubro de 1994, o mundo do cinema mudou para sempre com a estreia de “Pulp Fiction”, uma obra que não só revitalizou carreiras como também redefiniu o género de filmes independentes. Realizado por Quentin Tarantino, o filme tornou-se rapidamente num clássico de culto, sendo amplamente aclamado pela sua narrativa não linear, diálogos afiados e personagens memoráveis.

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Originalmente concebido como uma antologia por Tarantino e Roger Avary, o filme acabou por evoluir para uma odisseia de humor, violência e criatividade desmedida. “Pulp Fiction” não só ressuscitou a carreira de John Travolta, como também consagrou Samuel L. Jackson como uma das grandes estrelas de Hollywood. A película ainda deu origem a uma onda de imitadores, mas nenhum deles conseguiu replicar o impacto ou a originalidade da obra.

Em termos de reconhecimento, “Pulp Fiction” não ficou aquém das expectativas. No Festival de Cannes de 1994, o filme recebeu a Palma de Ouro, uma das mais prestigiadas honras do mundo do cinema. Além disso, foi nomeado para sete Óscares, incluindo Melhor Filme, Melhor Realizador e Melhor Argumento Original, com este último a conquistar a estatueta dourada para Tarantino e Avary. Comercialmente, o filme também foi um sucesso, arrecadando 213 milhões de dólares a nível mundial, a partir de um orçamento modesto de 8,5 milhões.

A estrutura inovadora de “Pulp Fiction”, que rompeu com as normas convencionais da narrativa linear, tornou-se num marco estilístico que influenciou cineastas de todo o mundo. Desde a sua sequência inicial, marcada pela icónica música de surf rock de Dick Dale, até ao famoso discurso de Ezekiel 25:17 proferido por Samuel L. Jackson, o filme está recheado de momentos que ficaram gravados na história do cinema.

O impacto cultural de “Pulp Fiction” foi tão significativo que, para muitos, se tornou um símbolo de uma nova era no cinema. Ao misturar géneros, referências pop e um humor negro inconfundível, Tarantino mostrou ao mundo que os filmes independentes podiam ser financeiramente viáveis e artisticamente inovadores. Mais de duas décadas depois, o filme continua a ser amplamente discutido, citado e reverenciado, e é regularmente incluído em listas dos melhores filmes de todos os tempos.

Para muitos dos envolvidos no filme, “Pulp Fiction” foi mais do que uma experiência cinematográfica — foi um fenómeno cultural que alterou as suas vidas. John Travolta, por exemplo, viu a sua carreira renascer, após alguns anos de menor destaque. Tarantino, por sua vez, consolidou-se como um dos realizadores mais originais e influentes de Hollywood, com uma assinatura estilística que inspirou gerações de cineastas.

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Hoje, com 30 anos passados desde a sua estreia, “Pulp Fiction” continua a ser uma referência essencial no cinema contemporâneo, tendo provado que a ousadia, a criatividade e a subversão das expectativas podem gerar um impacto duradouro e transformador. A sua influência ainda se faz sentir em inúmeros filmes que seguiram, mas poucos conseguiram alcançar a mistura perfeita de irreverência, inovação e profundidade que “Pulp Fiction” trouxe ao mundo.

Costa-Gavras será homenageado com o César Honorário na 50ª edição dos prémios

O realizador franco-grego Costa-Gavras, conhecido por ser um mestre do suspense político, será distinguido com um César Honorário durante a 50ª cerimónia dos prémios César, marcada para 28 de fevereiro de 2025, no Olympia de Paris. Esta homenagem reconhece a sua longa e ilustre carreira, que influenciou gerações de cineastas e deixou uma marca profunda no cinema mundial.

Nascido na Grécia e exilado em França, Costa-Gavras tornou-se uma figura incontornável do cinema político, abordando temas controversos e de grande relevância social. Entre os seus filmes mais conhecidos estão “Z – A Orgia do Poder” (1969), que lhe valeu o Óscar de Melhor Filme Estrangeiro, e “Missing – Desaparecido” (1982), que lhe rendeu a Palma de Ouro em Cannes e um Óscar pelo argumento, focado no golpe de Estado no Chile em 1973. Ambos os filmes continuam a ser referências incontornáveis no que toca à crítica política através do cinema.

Além destas conquistas, Costa-Gavras também recebeu dois prémios César em 2002, com “Amen”, uma dura crítica ao silêncio do Vaticano durante o Holocausto. O realizador, hoje com 91 anos, é presidente da Cinemateca Francesa, e continua a influenciar a indústria cinematográfica, não apenas com os seus filmes, mas também com o seu papel na preservação e promoção do cinema.

A 50ª edição dos prémios César, organizada pela Academia Francesa de Cinema, será transmitida pelo Canal+ e terá Catherine Deneuve como presidente. Esta edição especial promete ser uma celebração da carreira de Costa-Gavras, uma figura que transcendeu fronteiras, tanto geográficas como artísticas, para se tornar num dos mais importantes realizadores do nosso tempo.

“Grand Tour”, de Miguel Gomes, Representa Portugal na Corrida aos Óscares

O filme Grand Tour, de Miguel Gomes, foi oficialmente escolhido como o candidato de Portugal para uma nomeação ao Óscar de Melhor Filme Internacional em 2025. Esta revelação foi feita pela Academia Portuguesa de Cinema, que destacou o longa-metragem entre cinco finalistas, todos eles exemplares notáveis da cinematografia portuguesa contemporânea. A obra chega às salas de cinema portuguesas no dia 19 de setembro, depois de ter conquistado o prémio de Melhor Realização no prestigiado Festival de Cinema de Cannes, em maio deste ano. Este prémio marcou um feito inédito para o cinema nacional, afirmando ainda mais o talento de Miguel Gomes a nível internacional.

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Entre as obras finalistas escolhidas pela Academia Portuguesa de Cinema, além de Grand Tour, encontravam-se A Flor do Buriti, de João Salaviza e Renée Nader Messora, Manga d’Terra, de Basil da Cunha, O Teu Rosto Será o Último, de Luís Filipe Rocha, e O Vento Assobiando nas Gruas, de Jeanne Waltz. No entanto, foi a visão singular de Miguel Gomes e a sua abordagem inovadora ao cinema que captaram a atenção dos membros da Academia.

A história de Grand Tour desenrola-se no início do século XX, acompanhando Edward, interpretado por Gonçalo Waddington, um funcionário público britânico que foge da sua noiva, Molly (Crista Alfaiate), no dia da chegada desta para o casamento. Edward embarca numa viagem solitária pela Ásia, numa tentativa de escapar não só ao matrimónio, mas também aos dilemas existenciais que o atormentam. Molly, por sua vez, decide persegui-lo, determinada a cumprir o seu destino conjugal, enquanto atravessa o continente asiático. O filme, assim, explora temas como a fuga, o medo do compromisso e a busca pela identidade, tudo num cenário que combina exotismo e introspeção.

Este longa-metragem foi produzido pela produtora portuguesa Uma Pedra no Sapato, em coprodução com países como Itália, França, Alemanha, China e Japão. A produção foi feita em duas fases distintas: a primeira envolveu uma equipa reduzida que acompanhou o realizador em várias localizações do Oriente; a segunda, mais tradicional, teve lugar em estúdios em Roma e Lisboa, onde se realizaram as filmagens com os atores principais.

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A 97.ª edição dos Óscares, marcada para 2 de março de 2025, será um momento crucial para o cinema português. As nomeações serão reveladas a 17 de janeiro, e Portugal, desde 1980, tem submetido candidatos à categoria de Melhor Filme Internacional. Apesar de nunca ter conseguido uma nomeação nesta categoria, a expectativa cresce em torno de Grand Tour, um filme que já provou o seu valor nos palcos internacionais.

É importante sublinhar que este é o segundo filme de Miguel Gomes a ser escolhido pela Academia Portuguesa de Cinema. Em 2016, a academia submeteu o tríptico As Mil e Uma Noites, também realizado por Gomes, à consideração para os Óscares. Contudo, tal como em anos anteriores, a obra não foi selecionada entre os nomeados. Para além deste processo de seleção da Academia, o cinema português pode ainda ser considerado noutras categorias dos Óscares, dependendo de critérios como a premiação em festivais internacionais de prestígio.

A nível internacional, outros países também já começaram a revelar os seus candidatos à corrida pelo Óscar de Melhor Filme Internacional. A Alemanha escolheu Les Graines du Figuier Sauvage, do realizador iraniano Mohammad Rasoulof, uma coprodução franco-alemã premiada em Cannes. A Letónia, por sua vez, aposta em Flow, uma obra de animação sem diálogos realizada por Gints Zilbalodis, que foi galardoada no Festival de Annecy. Já a Palestina submeteu From Ground Zero, um projeto que junta 22 curtas-metragens de novos realizadores oriundos de Gaza.

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Com uma forte tradição de cinema de autor e obras que frequentemente desafiam convenções, Portugal continua a procurar o seu lugar entre os nomeados para os Óscares. Grand Tour poderá ser a chave que finalmente abre as portas de Hollywood ao cinema português, mas até ao anúncio das nomeações, resta apenas aguardar e torcer para que a visão única de Miguel Gomes seja reconhecida pela Academia de Hollywood.