Mel Gibson: De Mad Max ao Grande Herói dos Anos 90

Antes de conquistar o estatuto de ícone absoluto nos anos 90, Mel Gibson já havia deixado uma marca indelével no cinema como Mad Max, o anti-herói pós-apocalíptico que o catapultou para a fama. A trilogia dirigida por George Miller, iniciada em 1979, foi o ponto de partida de Gibson, que rapidamente se tornou uma das caras mais reconhecidas do cinema de ação dos anos 80.

Mad Max: O Nascimento de um Ícone

Nos anos 80, Gibson tornou-se o rosto do apocalipse cinematográfico com a trilogia “Mad Max”:

• “Mad Max” (1979): Neste primeiro capítulo, Gibson interpreta Max Rockatansky, um policial numa Austrália distópica que perde tudo para uma gangue violenta. O filme destacou-se pela intensidade das cenas de perseguição e pelo tom cru, estabelecendo Gibson como um ator de ação promissor.

• “Mad Max 2: The Road Warrior” (1981): Aqui, Gibson solidificou o estatuto de estrela global. Max transforma-se no salvador relutante de uma comunidade que tenta sobreviver num deserto inóspito. Este filme definiu o género de ação pós-apocalíptico e serviu de inspiração para inúmeras produções posteriores.

• “Mad Max Beyond Thunderdome” (1985): A parceria entre Gibson e Tina Turner trouxe um elemento mais épico e polido à franquia. Embora menos visceral do que os capítulos anteriores, este filme consolidou Mad Max como uma das sagas mais influentes da época.

Com Mad Max, Gibson demonstrou uma capacidade única de combinar brutalidade com uma vulnerabilidade subjacente, criando um personagem que era tão humano quanto heróico.

ver também : Os 60 Melhores Filmes de Ação de Sempre segundo a Collider

A Transição para os Anos 90: O Herói de Todos os Géneros

Depois do sucesso como Mad Max, Mel Gibson começou a diversificar a sua carreira. Ele deixou o cenário pós-apocalíptico para se tornar o rosto do cinema de ação dos anos 90, com papéis mais complexos e emocionais. “Arma Mortífera” (Lethal Weapon) marcou o início dessa transição, mostrando uma nova faceta: o humor e a química de Gibson com Danny Glover transformaram a franquia num dos maiores sucessos da década.

Mas foi com “Braveheart” (1995) que ele transcendeu a ação para se afirmar como um contador de histórias. A intensidade de William Wallace ecoava os traços de Max: um homem em conflito, empurrado a liderar por circunstâncias que escapam ao seu controlo. No entanto, Wallace trouxe um novo nível de profundidade emocional à sua filmografia, marcando uma evolução significativa no seu percurso.

O Legado de Mad Max no Estilo de Gibson

Embora os seus papéis nos anos 90 fossem variados, muitos carregavam a essência de Mad Max:

• Riggs em “Arma Mortífera”: O humor autodepreciativo e a intensidade explosiva de Riggs tinham ecos de Max, um personagem complexo que escondia traumas profundos.

• William Wallace em “Braveheart”: Assim como Max, Wallace era um líder relutante, um homem que não buscava a glória, mas sim a sobrevivência e a justiça.

A influência de Mad Max na construção do estilo de Gibson como ator foi inegável, dando-lhe a habilidade de habitar personagens com camadas emocionais ricas enquanto dominava cenas de ação eletrizantes.

Gibson: Ator e Cineasta

Nos anos 90, Mel Gibson não só continuou a evoluir como ator, mas também mostrou talento como realizador. “O Homem sem Rosto” (The Man Without a Face, 1993) e “Braveheart” demonstraram o seu compromisso em criar narrativas viscerais e visuais deslumbrantes. O impacto de Mad Max como uma narrativa visualmente ousada pode ser sentido na forma como Gibson abordou a realização, especialmente nas cenas de batalha intensas de Braveheart.

De Max a Wallace: O Crescimento de um Ícone

Mad Max foi o alicerce da carreira de Gibson, mas foram os anos 90 que o estabeleceram como um dos maiores astros de Hollywood. Com uma transição perfeita do herói distópico para papéis históricos, policiais e dramáticos, Gibson mostrou uma versatilidade rara. Ele não era apenas um homem de ação; era um ator que trazia profundidade e humanidade a todos os seus personagens, enquanto liderava produções que moldaram o cinema da época.

ver também : Liam Neeson e Taken: O Homem Certo na Hora Certa

Os Filmes Favoritos de 2024 de Barack Obama: Timothée Chalamet em Destaque

Barack Obama continua a surpreender com as suas tradicionais listas de final de ano, desta vez destacando os seus filmes preferidos de 2024. Este ritual, que começou enquanto ainda era presidente dos EUA, é agora um marco cultural, oferecendo um vislumbre dos gostos do antigo estadista e, muitas vezes, alimentando debates sobre as tendências cinematográficas do momento.

ver também : Colin Jost é “Torturado” por Michael Che com Piadas Sobre Scarlett Johansson no SNL

Na lista de 2024, Obama colocou em destaque dois filmes estrelados por Timothée Chalamet, consolidando o ator como uma das figuras mais proeminentes da indústria. A seleção do ex-presidente também incluiu uma diversidade de géneros e culturas, desde ficção científica épica até dramas intimistas e documentários poderosos.

Os Destaques da Lista

Entre os dez filmes escolhidos, os seguintes chamam particularmente a atenção:

1. “Dune – Duna: Parte 2”, de Denis Villeneuve:

A aguardada continuação da saga épica baseada nos livros de Frank Herbert figura como um dos grandes favoritos de Obama. Com Timothée Chalamet e Zendaya nos papéis principais, o filme continua a explorar o destino de Paul Atreides e as intrigas em torno de Arrakis.

2. “A Complete Unknown”, de James Mangold:

Este drama biográfico sobre Bob Dylan, protagonizado por Timothée Chalamet, também impressionou Obama. O filme mergulha nos primeiros anos da carreira do lendário músico, com um elenco de luxo que inclui Edward Norton e Elle Fanning.

3. “Conclave”, de Edward Berger:

Este thriller político com um elenco notável — Ralph Fiennes, Stanley Tucci e Isabella Rossellini — explora os bastidores da eleição de um novo Papa. O tema atual e provocador garantiu o seu lugar na lista.

4. “The Seed of the Sacred Fig”, de Mohammad Rasoulof:

Este drama iraniano-alemão aborda questões políticas e sociais, refletindo o interesse de Obama por narrativas profundas e culturalmente relevantes.

5. “Sugarcane: Sombras de Um Colégio Interno”, de Julian Brave NoiseCat e Emily Kassie:

Este documentário, disponível na Disney+, oferece um olhar poderoso sobre desigualdades sociais e traumas no sistema educativo, mostrando o lado mais reflexivo das escolhas de Obama.

ver também : Oscars 2025: “Emilia Pérez” e “Wicked” Lideram Shortlists, com Destaques para “Dune 2” e “Gladiator 2”

Controvérsias e Omissões

Apesar da diversidade e profundidade da lista, a ausência de alguns títulos de destaque não passou despercebida. Filmes como “Wicked”, “Challengers” e o brasileiro “Ainda Estou Aqui” foram mencionados nas redes sociais como grandes omissões. Críticos apontam que estas escolhas refletem uma preferência por narrativas intimistas e dramas sociais, em detrimento de produções mais populares ou comerciais.

Um Ritual Cultural em Ascensão

Independentemente das críticas, as listas de Barack Obama continuam a ser uma referência cultural, atraindo fãs de cinema, música e literatura. Embora haja rumores de que os seus assessores ajudam a compilar estas listas, a seleção final demonstra sempre um cuidado em destacar produções inovadoras e temas relevantes.

Para os fãs de cinema, a lista de 2024 é um guia essencial, combinando nomes conhecidos como Timothée Chalamet e Denis Villeneuve com obras menos divulgadas, mas igualmente impactantes. E com títulos como “Dune – Duna: Parte 2” e “A Complete Unknown”, Obama reafirma o seu olhar atento às tendências culturais e ao poder transformador do cinema.

Brandon Thomas Lee e a Missão de Redefinir a Carreira de Pamela Anderson

Brandon Thomas Lee, filho mais velho de Pamela Anderson, tem sido peça-chave na transformação da imagem da sua mãe em Hollywood. Após décadas marcada por rótulos associados à sua figura pública e aos escândalos mediáticos, Pamela começa a receber o reconhecimento merecido pelo seu talento, com destaque para a sua nomeação ao Globo de Ouro de Melhor Atriz pelo papel em “The Last Showgirl”.

ver também : Kate Beckinsale Apoia Gisèle Pelicot: “Dignidade, Coragem e Heroísmo”

O Papel Transformador em “The Last Showgirl”

Dirigido por Gia Coppola, o filme apresenta Pamela Anderson no papel de Shelly, uma dançarina veterana de Las Vegas que enfrenta uma crise pessoal e profissional após o encerramento inesperado do espetáculo onde atuava há 30 anos. Paralelamente, Shelly tenta reconectar-se com a sua filha biológica, interpretada por Billie Lourd. A performance de Anderson tem sido amplamente elogiada, tanto por críticos quanto pelo público, marcando um ponto de viragem na sua carreira.

Brandon, que atuou como produtor executivo no filme, descreve a experiência como o culminar de um longo caminho:

“É o crescendo de um momento incrível que marca apenas o início de uma nova fase para ela.”

Uma Nova Narrativa para Pamela Anderson

A carreira de Pamela sempre esteve associada à sua imagem de sex symbol, desde os tempos de “Baywatch” e Playboy, até ao escândalo da sex tape com Tommy Lee. Mas, para Brandon, essa visão reducionista precisava de ser desafiada. Ele acredita que o lançamento do documentário da Netflix, “Pamela, a Love Story”, e da sua autobiografia, “Love, Pamela”, foram cruciais para humanizar a sua mãe perante o público:

“O objetivo desses projetos não era trazer oportunidades, mas permitir que as pessoas entendessem quem ela realmente é.”

ver também : “Canina”: Amy Adams Explora a Maternidade com um Toque Surreal

A Escolha de “The Last Showgirl”

Brandon conta que o guião de “The Last Showgirl” foi inicialmente rejeitado pelo antigo agente de Pamela, mas ele viu nele uma oportunidade única. Após ler a história, Pamela aceitou o papel imediatamente, sem qualquer hesitação. Apesar do orçamento modesto de um milhão de dólares e uma produção realizada em apenas 18 dias, o filme destacou-se pela força coletiva de todos os envolvidos, incluindo Jamie Lee Curtis, que se juntou ao elenco por admirar Pamela.

“Este filme representa o que acontece quando egos são postos de lado e o foco está na arte e na narrativa”, explica Brandon.

O Futuro de Pamela Anderson

Com a aclamação por “The Last Showgirl”, Pamela começa a receber propostas que, segundo Brandon, refletem finalmente o respeito que ela merece enquanto atriz.

“Agora há um mundo de oportunidades incríveis para ela, e onde ela irá daqui é simplesmente fantástico.”

Sobre o futuro, Brandon é categórico:

“É seguro dizer que a veremos no grande ecrã durante algum tempo.”

Um Protetor e Um Visionário

Para Brandon, apoiar a mãe foi mais do que um gesto profissional; foi uma missão pessoal de retribuição por tudo o que ela fez por ele. Ele assumiu o controlo dos negócios da família e optou por caminhos que preservassem a integridade de Pamela, mesmo recusando ofertas lucrativas que perpetuariam os estereótipos do passado.

“Queria que ela tivesse a oportunidade de alcançar o sucesso naquilo que realmente deseja fazer. E agora vejo que ela conseguiu.”

Pamela Além do Estereótipo

Hoje, Pamela Anderson não é apenas uma atriz reconhecida, mas também uma mulher redescoberta. O apoio do público e a aceitação de que ela é mais do que a imagem que foi projetada por anos têm marcado uma mudança profunda na forma como Hollywood e o mundo a percebem.

Com “The Last Showgirl” como catalisador, Pamela parece pronta para continuar a desafiar expectativas e mostrar que nunca é tarde para reescrever a narrativa.

Jared Leto Será Skeletor em “Masters of the Universe”; Elenco de Vilões Inclui Trap Jaw, Tri-Klops e Goat Man

Pelo poder de Grayskull, Jared Leto foi confirmado como o icónico vilão Skeletor na próxima adaptação live-action de “Masters of the Universe”, produzida pela Amazon MGM. Este será mais um papel marcante na carreira do ator vencedor do Óscar, conhecido pelas suas performances excêntricas e transformadoras.

ver também : Super-Homem regressa ao grande ecrã: trailer do aguardado filme de 2025 já disponível

O Elenco dos Vilões

A direção do filme está a cargo de Travis Knight, conhecido por “Bumblebee”, e promete uma abordagem ambiciosa à mitologia dos Masters of the Universe. Ao lado de Jared Leto como Skeletor, foram escalados vários atores para interpretar os seus leais lacaios:

• Sam C. Wilson (House of the Dragon) como Trap Jaw;

• Kojo Attah (The Beekeeper) como Tri-Klops;

• Hafthor Bjornsson (Game of Thrones) como Goat Man.

O elenco já inclui outras estrelas como Alison Brie (Promising Young Woman) no papel de Evil-Lyn, fiel aliada de Skeletor; Camila Mendes (Riverdale) como Teela, a aliada de confiança de He-Man; e Idris Elba (Hijack) como Man-at-Arms, pai de Teela.

He-Man e a Batalha pelo Universo

O filme apresentará Nicholas Galitzine (Purple Hearts) como He-Man, o herói lendário de Eternia que enfrenta Skeletor e o seu exército de vilões. A produção, com estreia marcada para 5 de junho de 2026, será uma das grandes apostas de Mattel Films e Escape Artists, destacando-se como uma das adaptações mais aguardadas dos próximos anos.

Jared Leto: O Vilão por Excelência

Jared Leto continua a explorar personagens marcantes, muitas vezes no papel de antagonistas. Depois do Joker em “Suicide Squad”(2016), o CEO nefasto de “Blade Runner 2049” (2017) e o anti-herói de “Morbius” (2022), Leto agora assume Skeletor, um dos vilões mais icónicos da cultura pop. A escolha é uma promessa de intensidade e teatralidade, características que têm definido a sua carreira.

Fantasia e Tecnologia

Dada a natureza fantástica do universo de Masters of the Universe, é provável que Leto e o restante elenco utilizem tecnologia de motion-capture CGI para dar vida às suas personagens. Esta abordagem permite recriar com maior fidelidade os elementos visuais exagerados e o mundo épico de Eternia, contrastando com a última adaptação live-action de 1987, onde Frank Langella interpretou Skeletor com maquilhagem.

ver também: O Primeiro Trailer de “Karate Kid: Legends” Traz de Volta Jackie Chan e Ralph Macchio

Uma História Clássica Reimaginada

Baseado na linha de figuras de ação lançada em 1982 e na adorada série animada de 1983, “He-Man and the Masters of the Universe”, o filme procura modernizar a narrativa enquanto mantém o seu espírito original. O argumento, revisado por Chris Butler (ParaNorman), promete equilibrar nostalgia com inovação, trazendo um novo capítulo a este universo lendário.

Billy Bob Thornton Disse Não a “Missão: Impossível” e “Homem-Aranha”

Billy Bob Thornton, vencedor do Óscar de Melhor Argumento Original por “O Arremesso” (Sling Blade, 1996), é conhecido por ser um ator, realizador e argumentista que segue a sua própria bússola criativa. Apesar do sucesso e do reconhecimento em Hollywood, Thornton revelou recentemente ter recusado dois papéis icónicos nas sagas “Missão: Impossível” e “Homem-Aranha”, por razões bastante distintas.

ver também : Super-Homem regressa ao grande ecrã: trailer do aguardado filme de 2025 já disponível

Vilão em “Missão: Impossível III”? Não, Obrigado

Thornton foi abordado para interpretar Owen Davian, o traficante de armamento em “Missão: Impossível III” (2006), papel que acabou por ir para o lendário Philip Seymour Hoffman. No entanto, o ator revelou que recusou o convite porque não queria ser associado a um vilão que tentava matar a superestrela do filme, Tom Cruise.

“Quando se é o vilão de um grande filme como esse, o público lembrar-se-á disso para sempre”, explicou Thornton numa entrevista recente ao podcast “Bingeworthy” (citado pela Variety). “Prefiro manter as coisas mais soltas e menos previsíveis.”

O Duende Verde em “Homem-Aranha”? Nem Pensar

Antes disso, Thornton teve a oportunidade de interpretar Norman Osborn/Duende Verde, o emblemático vilão no primeiro “Homem-Aranha” (2002) de Sam Raimi. O papel acabou por ser desempenhado por Willem Dafoe, que foi amplamente aclamado pela sua interpretação. Thornton, contudo, justificou a sua decisão com motivos mais práticos do que artísticos.

“Não tinha vontade de acordar às quatro da manhã para cinco ou seis horas de caracterização”, confessou. Este detalhe técnico bastou para afastar o ator do universo da Marvel, na altura ainda em fase inicial de construção no grande ecrã.

A Escolha pelo Inesperado

Billy Bob Thornton é conhecido por fugir de papéis convencionais ou previsíveis. Desde dramas intensos como “O Homem que Nunca Esteve Lá” até comédias irreverentes como “O Pai Natal Das Cavernas”, a sua carreira reflete a preferência por personagens que desafiam normas e expectativas.

A sua decisão de evitar blockbusters de ação como “Missão: Impossível” e “Homem-Aranha” não surpreende, considerando a sua filosofia de trabalho. Thornton é um ator que privilegia o controlo criativo e a liberdade de explorar narrativas menos óbvias, mesmo que isso signifique recusar oportunidades em sagas que marcaram a história do cinema.

ver também : Tom Cruise Recebe a Maior Honra da Marinha dos EUA para Civis

E se… Thornton Tivesse Aceitado?

É curioso imaginar como estas sagas poderiam ter mudado com Thornton no lugar de Hoffman ou Dafoe. Enquanto Hoffman trouxe uma intensidade calculista ao papel de Owen Davian e Dafoe entregou uma performance inesquecivelmente excêntrica como Norman Osborn, Thornton teria certamente dado um toque único a ambas as personagens.

Apesar disso, as suas escolhas refletem uma autenticidade que poucos em Hollywood conseguem manter, mesmo com papéis tentadores à porta.

O Dia Mais Curto do Ano Celebra o Formato da Curta-Metragem

Hoje, dia 21 de dezembro, marca o solstício de inverno no hemisfério norte, o dia mais curto do ano. Em Portugal, este fenómeno astronómico é celebrado de forma especial há mais de uma década com uma programação dedicada ao formato da curta-metragem. Promovida pela Agência da Curta-Metragem, a iniciativa envolve mais de uma centena de sessões temáticas em 44 localidades, convidando todos os públicos a explorar este formato único de contar histórias através do cinema.

ver também : Os 60 Melhores Filmes de Ação de Sempre segundo a Collider

Uma Celebração Mundial

O evento, que tem como ponto alto o próprio dia do solstício, inspira-se na relação simbólica entre o tempo curto de luz diurna e o formato breve das curtas-metragens. Esta celebração não é exclusiva de Portugal; iniciativas semelhantes ocorrem em várias partes do mundo, promovendo a curta-metragem como uma forma de arte rica em criatividade e impacto.

“A curta-metragem é um formato que condensa emoções, ideias e histórias num curto espaço de tempo. É o cinema em estado puro, onde cada segundo conta”, explica a Agência da Curta-Metragem.

Destaques da Programação

Em 2023, a programação de “O Dia Mais Curto” inclui sessões diversificadas, adaptadas a diferentes públicos e gostos cinematográficos. Entre os destaques de hoje:

• Centro de Ciência Viva de Vila do Conde e Quartel da Imagem na Figueira da Foz: Sessões matinais dedicadas ao público infantil, com animações como “Éter”, de Jorge García Velayos, e “Corvo Branco”, de Miran Miosic.

• Incubadora do Centro Histórico de Viseu e Casa do Cinema de Coimbra: Apresentação de “Curtas do Mundo”, uma coleção de filmes que explora histórias do presente e do passado, oferecendo uma visão global e multifacetada.

• Cinema Trindade, no Porto: Sessão especial dedicada à produtora Olhar de Ulisses, com filmes de realizadores como Margarida Assis e Luís Costa.

• Cinemateca Portuguesa, em Lisboa: Exibição de obras de cineastas como Alexandra Ramires e Laura Gonçalves, destacando a vitalidade da curta-metragem em Portugal.

ver também : Jackie Chan e Ralph Macchio Juntos em “Karate Kid: Os Campeões”

Sessões Solidárias

Além das projeções regulares, a iniciativa destaca-se pelas sessões solidárias, que levam o cinema a públicos muitas vezes esquecidos. Este ano, “O Dia Mais Curto” incluiu projeções em estabelecimentos prisionais, hospitais pediátricos e unidades de apoio social, garantindo que a magia do cinema chega a todos.

O Formato da Curta-Metragem

Embora muitas vezes visto como um género secundário, o formato da curta-metragem tem ganho cada vez mais destaque pela sua capacidade de transmitir mensagens poderosas em poucos minutos. Estas pequenas pérolas do cinema são frequentemente o ponto de partida para grandes realizadores e servem como uma plataforma de experimentação e inovação.

Com iniciativas como esta, a Agência da Curta-Metragem demonstra o impacto e a relevância deste formato, celebrando-o como uma forma única de expressão artística.

Kate Beckinsale Apoia Gisèle Pelicot: “Dignidade, Coragem e Heroísmo”

A atriz britânica Kate Beckinsale usou a sua plataforma nas redes sociais para destacar o caso trágico e revoltante de Gisèle Pelicot, uma mulher que foi vítima de violência sexual às mãos do próprio marido durante uma década. Num extenso e emocionado texto publicado no seu Instagram, Kate elogiou a coragem de Gisèle, ao mesmo tempo que criticou as penas aplicadas aos culpados e apelou a uma maior consciência global sobre a violência contra as mulheres.

Um Caso de Traição e Horror

Gisèle Pelicot viveu um dos casos mais chocantes de violência sexual documentados nos últimos tempos. Durante dez anos, foi drogada pelo marido, Dominique Pelicot, que a submeteu a abusos repetidos, envolvendo dezenas de homens que ele recrutava na internet. As consequências devastadoras desta traição abalaram Gisèle e a sua família, incluindo a filha e a nora, que também se viram afetadas pelo comportamento monstruoso deste homem.

ver também : Os 60 Melhores Filmes de Ação de Sempre segundo a Collider

Dominique Pelicot foi condenado a 20 anos de prisão, enquanto os outros envolvidos receberam penas entre três e 15 anos. Apesar disso, Kate Beckinsale criticou duramente a duração das sentenças, considerando-as “chocantemente curtas” face à magnitude dos crimes cometidos.

Uma Homenagem de Kate Beckinsale

Na sua publicação, Kate Beckinsale destacou a “dignidade, coragem e heroísmo” de Gisèle Pelicot, que teve a força de enfrentar traumas profundos e uma traição inimaginável por parte de alguém em quem confiava. A atriz expressou solidariedade não apenas com Gisèle, mas também com a sua filha, a sua nora e todas as outras mulheres afetadas pela monstruosidade de Dominique Pelicot.

“Espero e rezo pela sua cura: o peso que ela carrega deve ser extraordinariamente pesado”, escreveu Kate, mostrando empatia pelas vítimas e condenando a violência que continua a afetar mulheres em todo o mundo.

Um Apelo à Mudança

Além de prestar homenagem a Gisèle, Kate Beckinsale apelou à necessidade de ação, especialmente por parte dos homens. Sublinhou que a violência sexual contra mulheres e meninas está em níveis alarmantes e que a mudança só será possível com a participação ativa de toda a sociedade.

“É imperativo que não sejam apenas sobreviventes, amigos e familiares de sobreviventes e mulheres a falarem sobre isto. Homens, mostrem o vosso apoio e partilhem uma homenagem e o vosso desejo por mudança”, escreveu a atriz, incentivando a união contra a violência de género.

ver também : Ex-duplo de Brad Pitt condenado por crimes sexuais “inéditos” na Escócia: 12 anos de terror

Uma Luta Global pela Justiça

O caso de Gisèle Pelicot é um doloroso lembrete da necessidade de sistemas legais mais rigorosos e de uma maior atenção à violência de género. As palavras de Kate Beckinsale ecoam uma realidade que não pode ser ignorada: é preciso dar voz às vítimas, responsabilizar os culpados e lutar por um futuro onde a dignidade humana seja protegida acima de tudo.

Super-Homem regressa ao grande ecrã: trailer do aguardado filme de 2025 já disponível

O Super-Homem está de volta aos cinemas, e o primeiro trailer do tão aguardado filme de 2025 já foi lançado, prometendo ser um marco no universo cinematográfico da DC. Após uma década dominada por atores como Henry Cavill, Ben Affleck e Gal Gadot, este novo capítulo marca um ‘reset’ completo da narrativa da DC Studios, liderado por James Gunn e Peter Safran. A estreia do filme em Portugal está marcada para 10 de julho de 2025.

ver também : “Minority Report” e os Bastidores que Quase Redefiniram a Ficção Científica

James Gunn, conhecido pela aclamada saga Guardiões da Galáxia, assume a responsabilidade de escrever e realizar este reboot que se centra na complexa jornada do Super-Homem para equilibrar a sua herança kryptoniana com a sua humanidade como Clark Kent. O protagonista, interpretado por David Corenswet (The Politician, Pearl), traz uma nova abordagem ao icónico herói. Ao seu lado, Rachel Brosnahan (A Maravilhosa Sra. Maisel) assume o papel de Lois Lane, enquanto Nicholas Hoult (Mad Max: Estrada da Fúria, saga X-Men) dá vida ao carismático vilão Lex Luthor.

O trailer não só revela a tensão entre estas personagens principais como também apresenta figuras icónicas do universo DC que fazem a sua estreia no cinema de imagem real. Entre os destaques estão Guy Gardner, o Lanterna Verde, interpretado por Nathan Fillion; Mister Terrific, de Edi Gathegi; Hawkgirl, encarnada por Isabela Merced; e Krypto, o leal cão kryptoniano de Clark. Portugal também está representado no elenco, com a modelo Sara Sampaio no papel de Eve Teschmacher, cúmplice de Lex Luthor.

ver também : “The Old Man” é Cancelada Após Duas Temporadas: O Fim de uma Série Promissora

A música do trailer é uma homenagem à lendária banda sonora do filme de 1978 protagonizado por Christopher Reeve, com uma nova versão em guitarra elétrica da composição original de John Williams, reimaginada por John Murphy. Este detalhe, cuidadosamente trabalhado por James Gunn, sublinha a ligação entre a nostalgia e a nova direção que o Super-Homem tomará neste filme.

Com um elenco de luxo e uma história que promete explorar as profundezas da dualidade do herói mais reconhecido da DC, Superman está destinado a ser um dos maiores eventos cinematográficos de 2025.

Ex-duplo de Brad Pitt condenado por crimes sexuais “inéditos” na Escócia: 12 anos de terror

Luke Ford, ator britânico de 35 anos que alegava ter sido duplo de Brad Pitt no filme WWZ – Guerra Mundial (2013), foi condenado a 16 anos de prisão, seguidos de cinco anos de liberdade condicional, pelo Tribunal Superior de Glasgow. Ford foi considerado culpado de 19 acusações de abuso físico, sexual e mental, num padrão de crimes que se estendeu por 12 anos, entre 2008 e 2020.

As acusações incluem violação, tentativa de violação e o crime de “stealthing”, a remoção do preservativo sem consentimento durante relações sexuais, classificado como violação pela legislação escocesa. Segundo o The Guardian, este é o primeiro caso de condenação por “stealthing” no país, marcando um precedente legal significativo.

Uma série de abusos e ameaças

As nove vítimas de Luke Ford relataram um padrão de manipulação e violência. O tribunal ouviu testemunhos de como o ator conhecia as mulheres, muitas vezes em aplicações de encontros, antes de iniciar um ciclo de abusos. Uma das vítimas, que o conheceu através do Tinder em 2017, descreveu o episódio de “stealthing”:

ver também : Keanu Reeves Junta-se a Kirsten Dunst e Ruben Östlund no Filme “The Entertainment System Is Down”

“Fiquei chocada e perturbada. Não teria tido relações sexuais com ele sem preservativo. Pedi-lhe que se fosse embora. Senti-me completamente violada”, afirmou ao News Sky.

Além deste crime, Ford foi condenado por agressões graves, como estrangulamento, bater violentamente na cabeça de uma companheira contra a janela de um carro e dar uma bofetada forte no rosto de outra. Entre os métodos de controlo, Ford utilizava fotografias e vídeos íntimos, muitas vezes captados sem consentimento, para chantagear as vítimas e ameaçá-las, forçando-as a cumprir as suas exigências.

Precedente legal e impacto

O julgamento e a condenação de Ford destacam o impacto devastador dos seus atos. O uso do “stealthing” no caso chama a atenção para uma prática que, apesar de reconhecida como violação em várias jurisdições, raramente resulta em condenações devido à dificuldade em provar intenção e falta de consentimento.

O caso sublinha ainda a necessidade de maior fiscalização nas interações em plataformas de encontros e no uso de material íntimo para fins de chantagem. O sistema legal escocês, ao estabelecer um precedente com esta condenação, pode inspirar outras vítimas a apresentarem denúncias semelhantes, contribuindo para aumentar a responsabilização por este tipo de crimes.

Luke Ford, que alegava uma ligação ao mundo do cinema como duplo de uma das maiores estrelas de Hollywood, revelou-se, nas palavras do tribunal, um “predador violento”. A sentença reflete a gravidade dos crimes e envia uma mensagem clara de que abusos desta natureza não serão tolerados.

Reflexão final

O caso de Luke Ford destaca a importância da educação sobre consentimento e respeito nas relações, além da necessidade de dar maior visibilidade às questões legais em torno de práticas como o “stealthing”. Enquanto o tribunal aplicou justiça neste caso, o impacto nas vítimas permanecerá para além da sentença.

ver também : Jude Law Reflete Sobre a Decisão de Fazer “Alfie” e Admite: “Foi um Erro”

Tom Cruise Recebe a Maior Honra da Marinha dos EUA para Civis

Tom Cruise, conhecido tanto pela sua carreira cinematográfica como pelo seu compromisso em retratar o heroísmo no ecrã, foi distinguido com o US Navy Distinguished Public Service Award, a mais alta honraria que a Marinha dos Estados Unidos concede a civis. Este reconhecimento enaltece indivíduos que demonstraram “valentia ou heroísmo” e um “serviço extraordinário em nome da Marinha” ao longo de um período significativo.

ver também : Jackie Chan e Ralph Macchio Juntos em “Karate Kid: Os Campeões”

Cerimónia em Território Britânico

A distinção foi entregue a Cruise por Carlos Del Toro, Secretário da Marinha dos EUA, durante uma cerimónia realizada nos Long Cross Studios, em Surrey, Inglaterra. Este estúdio é um local relevante para a indústria cinematográfica, tendo sido palco de várias produções de destaque, incluindo filmes em que o ator participou.

O Reconhecimento Oficial

Carlos Del Toro usou a rede social X para expressar o orgulho em homenagear Cruise. Segundo o Secretário, o ator “apoia continuamente a Marinha e o Corpo de Fuzileiros Navais dos Estados Unidos”. Além disso, destacou como os papéis desempenhados por Cruise têm “inspirado gerações a prosseguir carreiras de serviço ao país”. Entre os filmes que reforçaram esta conexão estão os icónicos Top Gun(1986) e Top Gun: Maverick (2022), onde Cruise interpreta o intrépido piloto Pete “Maverick” Mitchell, exaltando o espírito da aviação militar.

Uma Carreira que Faz a Diferença

Ao longo da sua carreira, Tom Cruise tem sido mais do que um ator. Ele é uma figura que promove valores de coragem, disciplina e dedicação. Com esta homenagem, o impacto de Cruise ultrapassa o cinema, consolidando-se como uma influência positiva para aqueles que servem ou desejam servir o país.

ver também : “Bookie”: Segunda Temporada Já Disponível na Max com Mais Humor Negro e Novos Desafios

Esta distinção reforça o legado de Cruise não apenas como um dos maiores atores de Hollywood, mas também como um exemplo de dedicação aos ideais que a Marinha dos Estados Unidos valoriza profundamente.

Animação Portuguesa Volta a Brilhar: “Percebes” Entra na Shortlist dos Óscares 2025

Portugal volta a destacar-se no panorama internacional do cinema com a curta-metragem de animação “Percebes”, de Alexandra Ramires e Laura Gonçalves, a conquistar um lugar na shortlist para a categoria de Melhor Curta-Metragem de Animação nos Óscares 2025. Este é um marco significativo para a animação nacional, que já alcançou reconhecimento internacional em anos anteriores.

“Percebes”: Uma Obra de Sensibilidade e Originalidade

Produzido pela cooperativa BAP Animation, com coprodução francesa, “Percebes” é um retrato poético e visualmente impressionante sobre o ciclo de vida do molusco que dá nome ao filme. A obra aborda também a dinâmica comunitária do barlavento algarvio, explorando a ligação entre os elementos naturais e culturais desta região. Premiado em festivais de renome como Annecy e Cinanima, “Percebes”reafirma a capacidade do cinema português de contar histórias universais através de uma lente profundamente local.

Este é o quinto filme português de animação a integrar a shortlist dos Óscares, seguindo os passos de títulos como “História Trágica com Final Feliz” (2006) e “Ice Merchants” (2023), este último o primeiro a ser efetivamente nomeado.

ver também: “The Old Man” é Cancelada Após Duas Temporadas: O Fim de uma Série Promissora

Animação Nacional: O Orgulho de Portugal nos Óscares

A presença de “Percebes” na shortlist mantém viva a esperança de Portugal conquistar uma estatueta dourada. Desde que as shortlists são divulgadas, a categoria de animação tem sido uma das áreas onde o talento nacional mais se destaca. Em contraste, a categoria de Melhor Filme Internacional permanece como um objetivo ainda por alcançar, com Portugal a estender o recorde de maior número de candidaturas sem nomeação, agora com 41 submissões.

Outros Destaques das Shortlists dos Óscares 2025

Além de “Percebes”, a categoria de Melhor Curta-Metragem de Animação conta com outros 14 candidatos de alto nível, reafirmando a competitividade desta edição. Na categoria de Melhor Filme Internacional, filmes como “Ainda Estou Aqui” (Brasil), “Emilia Pérez”(França) e “The Girl with the Needle” (Dinamarca) dominam a disputa.

A categoria de Documentário de Longa-Metragem também apresenta fortes concorrentes, incluindo o aclamado “Dahomey”, atualmente em exibição em Portugal. Outros títulos de destaque incluem “Sugarcane” (Disney+), “No Other Land” (Filmin) e “Will & Harper”(Netflix).

Grandes Favoritos e Categorias Técnicas

Entre os títulos mais populares do ano, destaca-se “Emilia Pérez”, que lidera com seis possíveis nomeações em categorias como Melhor Filme Internacional, Caracterização, Banda Sonora e Canção Original. “Wicked” e “Dune – Parte II” também são presença constante em categorias técnicas, consolidando-se como grandes candidatos à cerimónia de 2 de março de 2025.

ver também: “Yellowstone” Encerra com Recorde de Audiência Mesmo Sem Kevin Costner

Rumo aos Óscares

A revelação das nomeações finais a 17 de janeiro de 2025 determinará se “Percebes” poderá seguir os passos de “Ice Merchants” e conquistar uma nomeação histórica. Independentemente do resultado, esta conquista reforça o lugar da animação portuguesa no panorama global e a capacidade do cinema nacional de emocionar e inspirar audiências internacionais.

Werner Herzog: “A Inteligência Artificial Nunca Será Tão Boa Como Eu”

O lendário cineasta alemão Werner Herzog, conhecido pelas suas produções ousadas e por uma personalidade desafiadora, deixou clara a sua posição em relação à Inteligência Artificial (IA). Durante a apresentação de uma retrospetiva da sua obra no Centro Georges Pompidou, em Paris, Herzog não poupou ironia: “A IA é uma ferramenta fantástica… mas para agentes imobiliários.”

Uma Ferramenta, Não um Criador de Histórias

Aos 82 anos, Herzog continua ativo e irreverente. Além de apresentar a retrospetiva “Aventuras dos Anos 2010 e 2020”, o realizador está também a lançar um filme baseado nos arquivos dos vulcanólogos Katia e Maurice Krafft e a promover as suas memórias, agora disponíveis em francês com o título “Chacun pour soi et Dieu contre tous” (Cada Um por Si e Deus Contra Todos, em tradução literal).

ver também : “Fogo do Vento”, de Marta Mateus, Premiado no Festival de Cinema Avant-Garde na Grécia

Sobre o papel da IA no cinema, Herzog é categórico:

“A IA tenta escrever guiões. Pode fazer isso. Se forem estereótipos, pode conseguir. Até fazer filmes, mas nunca conseguirá fazer filmes tão bons como os meus. A IA é demasiado estúpida para isso!”

Herzog acredita que, apesar das tentativas de utilização da IA para criar histórias, todas acabarão por falhar. Para ele, a narrativa humana, com toda a sua complexidade e sensibilidade, está fora do alcance da tecnologia:

“A IA é perfeita para nos vender casas, mostrar uma visita virtual com uma cozinha atrás e o oceano pela janela. Mas não é uma ferramenta para contar histórias.”

Um Realizador de Obra Incomparável

Herzog tornou-se uma lenda do cinema por obras monumentais como “Aguirre, o Aventureiro” (1972), filmado em condições extremas na selva, e “Fitzcarraldo” (1982), onde fez subir um navio de 300 toneladas por uma montanha. Estes projetos, frequentemente considerados excêntricos ou loucos, definiram a sua reputação como um dos grandes nomes do Novo Cinema Alemão.

Mesmo com uma filmografia tão vasta, Herzog lamenta que muitos desconheçam os seus trabalhos mais recentes:

“Às vezes, as pessoas acreditam que não filmei nada desde ‘Fitzcarraldo’, mas fiz pelo menos 27 filmes desde então!”

Entre esses trabalhos, destaca-se o documentário em 3D “A Gruta dos Sonhos Perdidos” (2010), uma homenagem à descoberta das pinturas rupestres da gruta de Chauvet, que Herzog descreve como o momento em que “a alma humana acordou”.

ver também : Morreu Marisa Paredes, a Icónica Atriz dos Filmes de Pedro Almodóvar

O Legado e a Posteridade

Ao longo de toda a carreira, Herzog manteve um interesse pelos marginalizados, pelos temas existenciais e pela busca por imagens inéditas que desafiam a perceção humana. Questionado sobre o seu legado, o realizador refuta qualquer ambição de imortalidade:

“Não me preocupo muito com a posteridade. Não há vaidade nem ambição em mim.”

Ainda assim, criou recentemente uma fundação para preservar os seus filmes, assumindo que esta é uma responsabilidade que transcende a sua própria existência:

“Isto durará muito para além da minha própria existência, e aceitei isso. Faz parte do meu dever como cineasta.”

Um Cineasta Contra o Tempo Moderno

Herzog reafirma o seu lugar como um artista singular, que resiste às tendências tecnológicas e defende a autenticidade do cinema enquanto expressão humana. Enquanto muitos debatem o impacto da IA na sétima arte, Herzog, fiel à sua visão irreverente e provocadora, conclui com confiança:

“A IA nunca será tão boa como eu.”

O seu trabalho, marcado por uma dedicação à experiência humana e à imprevisibilidade do real, permanece uma referência incontornável no cinema mundial.

Morreu Marisa Paredes, a Icónica Atriz dos Filmes de Pedro Almodóvar

Marisa Paredes, uma das atrizes mais emblemáticas do cinema espanhol e colaboradora de longa data do realizador Pedro Almodóvar, faleceu aos 78 anos. Conhecida pela sua presença magnética no grande ecrã, Paredes tornou-se uma figura icónica, deixando um legado imenso na história do cinema europeu.

Uma Carreira Marcada pelo Cinema de Almodóvar

Nascida em Madrid, a 3 de abril de 1946, Marisa Paredes construiu uma carreira sólida e internacional ao longo de seis décadas. Embora tenha começado a sua jornada artística no teatro e televisão espanhola nos anos 60, foi o seu trabalho com Pedro Almodóvar que lhe trouxe fama mundial. A colaboração entre os dois tornou-se histórica, criando alguns dos filmes mais icónicos do cinema contemporâneo.

Tudo Sobre a Minha Mãe

Paredes destacou-se em papéis memoráveis, como em:

• “De Salto Alto” (1991), onde interpretou a mãe glamorosa e complicada de Victoria Abril.

• “A Flor do Meu Segredo” (1995), protagonizando uma escritora em crise, um papel que consolidou o seu estatuto como musa de Almodóvar.

• “Tudo Sobre a Minha Mãe” (1999), vencedor do Óscar de Melhor Filme Estrangeiro, onde brilhou num papel mais secundário, mas essencial para a narrativa.

Os filmes de Almodóvar proporcionaram a Paredes a oportunidade de explorar personagens intensas, complexas e muitas vezes à beira da autodescoberta, características que se tornaram a sua assinatura artística. A elegância e a força emocional que trouxe a cada papel fizeram dela uma das grandes damas do cinema espanhol.

ver também : Pedro Almodóvar Triunfa com “The Room Next Door” no Festival de Veneza

Uma Atriz de Reconhecimento Internacional

Além da parceria com Almodóvar, Marisa Paredes trabalhou com outros realizadores de renome, incluindo Roberto Benigni em “A Vida é Bela” (1997), onde teve uma participação especial. O seu talento foi igualmente celebrado em França e Itália, mercados onde a atriz manteve uma presença constante.

Paredes foi nomeada presidente da Academia de Cinema Espanhol entre 2000 e 2003, um papel em que lutou pela valorização do cinema ibérico no contexto internacional. A sua voz firme e apaixonada fez dela não apenas uma artista, mas também uma defensora das artes e dos direitos dos artistas.

Reações e Homenagens

A morte de Marisa Paredes deixou um vazio no coração do cinema espanhol. Personalidades do cinema e teatro manifestaram o seu pesar e admiração pela atriz. Pedro Almodóvar, com quem partilhou uma relação artística e de amizade ao longo de décadas, declarou:

“Marisa era o rosto da elegância e da dor em simultâneo. Uma atriz que podia expressar tudo com um olhar. Uma perda irreparável.”

Outros nomes como Penélope Cruz, Carmen Maura e Antonio Banderas também prestaram homenagem, recordando o impacto profundo de Marisa Paredes no cinema europeu e na vida das gerações futuras de atores e atrizes.

O Legado de Marisa Paredes

Com a sua partida, Marisa Paredes deixa um legado de talento e autenticidade que transcende o tempo. As suas performances, cheias de emoção e profundidade, permanecerão como um testemunho eterno do seu amor pela arte. Mais do que uma atriz, Paredes foi uma musa, uma voz e um símbolo da força feminina no cinema.

Simon Baker Assina com Gersh e Reforça a Sua Presença em Grandes Projetos Cinematográficos e Televisivos

Simon Baker, ator amplamente reconhecido pelo seu papel icónico na série The Mentalist, assinou recentemente com a agência Gersh para representação, um passo significativo numa carreira que continua a prosperar tanto no cinema quanto na televisão. O ator e realizador australiano, que ganhou aclamação internacional com o papel de Patrick Jane, promete um 2025 cheio de projetos de alto nível, solidificando ainda mais a sua posição como um dos talentos mais versáteis da indústria.

ver também : James Gunn Revela Primeiro Poster de “Superman” com Homenagem ao Clássico de Christopher Reeve

Um Palmarés de Sucesso

Baker destacou-se inicialmente em The Mentalist, série que foi transmitida em mais de 130 países e lhe rendeu nomeações ao SAG, Emmy e Globo de Ouro na categoria de Melhor Ator. No cinema, participou em grandes produções como L.A. Confidential (vencedor de um Óscar), The Devil Wears Prada e Margin Call. Nos últimos anos, Baker tem expandido os seus horizontes, conquistando prêmios como Melhor Ator no Australian Film Critics Association Awards e no Film Critics Circle Awards de 2024, graças ao seu desempenho no filme Limbo, realizado por Ivan Sen.

Projetos Atuais e Futuros

Cinema

Simon Baker está envolvido em vários projetos de destaque. Atualmente, encontra-se a filmar a série da Amazon Scarpetta, onde contracena com nomes de peso como Nicole Kidman, Jamie Lee Curtis e Ariana DeBose. Outro projeto aguardado é Klara and the Sun, uma colaboração com Taika Waititi para a Sony, que inclui um elenco impressionante liderado por Jenna Ortega, Amy Adams e Natasha Lyonne. Além disso, Baker irá brilhar na série limitada The Narrow Road to the Deep North, da Sony, ao lado de Jacob Elordi, com realização de Justin Kurzel.

ver também: Steven Spielberg Regressa à Ficção Científica com “The Dish”: O Que Sabemos Até Agora

Televisão

No campo televisivo, Baker destacou-se recentemente em Boy Swallows Universe, uma série australiana da Netflix baseada no romance semi-autobiográfico de Trent Dalton. A produção alcançou enorme sucesso, tornando-se a série australiana mais vista na plataforma, com 8 milhões de visualizações globais nas primeiras duas semanas.

Produção

Demonstrando a sua faceta de criador, Baker associou-se à Made Up Stories e Lee-Anne Higgins para desenvolver uma adaptação do romance Lioness, de Emily Perkins. Este projeto reforça o seu compromisso em explorar histórias impactantes e diversificadas.

Um Novo Capítulo com Gersh

A decisão de Simon Baker de assinar com Gersh abre novas possibilidades de colaboração com grandes estúdios e realizadores. Conhecida pela sua expertise em representar talentos multifacetados, a Gersh permitirá a Baker ampliar a sua já notável presença na indústria global.

James Gunn Revela Primeiro Poster de “Superman” com Homenagem ao Clássico de Christopher Reeve

O aguardado regresso de Superman ao grande ecrã já começa a ganhar forma, com o realizador James Gunn a divulgar o primeiro poster do filme, que tem David Corenswet como o novo Homem de Aço. Intitulado provisoriamente Superman: Legacy, o filme estreia a 11 de julho de 2025 e marca o início de uma nova era no universo DC Studios, agora sob a liderança de Gunn e Peter Safran.

Um Olhar ao Passado e ao Futuro

O poster revelado traz referências claras à versão icónica de Christopher Reeve em Superman (1978). A imagem apresenta Corenswet como Superman a olhar para o céu enquanto levita, com o traje clássico em tons de vermelho, azul e amarelo a misturar-se num fundo dinâmico, sugerindo o movimento veloz e épico do herói em direção ao infinito. O slogan “Look up” (Olha para cima) reforça o tom aspiracional e heróico, característica central da lenda do Superman.

ver também : Steven Spielberg Regressa à Ficção Científica com “The Dish”: O Que Sabemos Até Agora

Além disso, a componente sonora do poster presta uma homenagem subtil ao compositor John Williams, responsável pelo tema inesquecível do filme de 1978. Nesta nova versão, a música emblemática foi reinterpretada, com uma abordagem mais tranquila e introspectiva. Os instrumentos de sopro e metais foram substituídos por cordas suaves, enquanto uma voz feminina canta o tema com delicadeza, dando uma nova perspetiva ao legado musical do herói.

Primeiro Trailer em Contagem Decrescente

A Warner Bros. anunciou que o primeiro trailer será lançado na quinta-feira, 14 de dezembro, às 14h (horário de Lisboa). Num curto vídeo promocional com o logótipo do Superman, o estúdio repete a frase “Look up”, criando ainda mais expectativa para a chegada da nova visão de James Gunn sobre o Homem de Aço.

Um Elenco Estelar e Novos Horizontes

Com David Corenswet no papel principal, Superman traz um elenco diversificado e repleto de nomes de destaque. Rachel Brosnahan interpretará Lois Lane, enquanto Nicholas Hoult será o icónico vilão Lex Luthor. O filme conta ainda com Isabela Merced como Hawkgirl, Edi Gathegi como Mister Terrific, Nathan Fillion como Guy Gardner (o Lanterna Verde), Anthony Carrigan como Metamorpho, Skyler Gisondo como Jimmy Olsen e outros.

Este filme é o primeiro lançamento da nova DC Studios, com Gunn e Safran a prometerem uma abordagem revitalizada e coerente ao universo cinematográfico da DC. Ao mesmo tempo, o filme carrega o peso de manter o equilíbrio entre inovação e respeito pelo legado, especialmente ao fazer referência direta à era de Christopher Reeve, que moldou a imagem do Superman para gerações.

Expectativa e Renovação

James Gunn, conhecido pelo seu talento em equilibrar humor, ação e profundidade emocional, terá agora a responsabilidade de devolver ao Superman o papel central que sempre ocupou como o mais icónico dos super-heróis. A escolha de Corenswet para o papel reflete uma aposta num ator capaz de trazer uma nova energia ao personagem, ao mesmo tempo que honra os traços fundamentais de esperança, compaixão e heroísmo que definem o Homem de Aço.

ver também: Cinemateca Francesa Cancela Exibição de “O Último Tango em Paris” Após Protestos e Preocupações com Segurança

Com o slogan “Look up” e uma promessa de reinterpretação visual e narrativa, Gunn deixa claro que a nova abordagem será tanto um tributo ao passado quanto uma visão ousada para o futuro.

Cinemateca Francesa Cancela Exibição de “O Último Tango em Paris” Após Protestos e Preocupações com Segurança

A Cinemateca Francesa tomou a decisão controversa de cancelar a exibição de O Último Tango em Paris (1972), uma obra icónica mas também profundamente polémica. O filme, realizado por Bernardo Bertolucci e protagonizado por Marlon Brando e Maria Schneider, estava agendado para ser exibido a 15 de dezembro como parte de uma retrospetiva dedicada a Brando. Contudo, protestos de associações feministas e preocupações de segurança levaram à suspensão da sessão, que incluiria também um debate sobre as controvérsias em torno da produção.

Uma Decisão Marcada por Protestos e Controvérsia

A cena mais polémica do filme — uma sequência de violação simulada, gravada sem o consentimento prévio de Maria Schneider — tem sido amplamente criticada ao longo dos anos, especialmente após o surgimento do movimento #MeToo. Schneider, que tinha apenas 19 anos na altura das filmagens, revelou mais tarde que a cena foi planeada pelo realizador e por Brando sem o seu conhecimento. “Eu senti-me violada, tanto por Marlon como por Bertolucci”, afirmou Schneider numa entrevista antes de falecer em 2011.

Associações feministas, atrizes e figuras públicas apelaram à Cinemateca para cancelar ou, pelo menos, contextualizar a exibição do filme, denunciando a falta de respeito para com Schneider. Judith Godrèche, uma figura de destaque do movimento #MeToo em França, criticou duramente a instituição, apelando à inclusão de uma mediação que abordasse o trauma vivido pela atriz.

A Cinemateca e a Responsabilidade de Contextualizar

Inicialmente, a Cinemateca planeava acompanhar a exibição de O Último Tango em Paris com um debate sobre as questões éticas e sociais que o filme levanta. Contudo, Frédéric Bonnaud, diretor da Cinemateca, anunciou o cancelamento da sessão numa declaração oficial, citando preocupações de segurança. “Somos uma cinemateca, não um acampamento entrincheirado”, afirmou, referindo-se à crescente hostilidade e à potencial ameaça à segurança dos funcionários e do público.

A decisão surge numa altura sensível, em que o julgamento de Christophe Ruggia, acusado de agressão sexual à atriz Adèle Haenel quando esta era menor, está em andamento, reacendendo debates sobre a violência e o abuso no meio cinematográfico.

O Legado Polémico de O Último Tango em Paris

Lançado em 1972, O Último Tango em Paris foi imediatamente recebido com reações extremas, desde aclamação como obra-prima artística até repúdio devido à sua representação explícita de sexualidade e violência. A cena em questão levou a que o filme fosse classificado como pornográfico e condenado por diversas instituições, incluindo o Vaticano. Décadas depois, a sequência tornou-se um símbolo das práticas abusivas de algumas produções cinematográficas.

Jessica Chastain, uma das figuras de destaque do movimento #MeToo, criticou o filme em 2017: “Ver uma jovem de 19 anos a ser violada por um homem de 48 anos e saber que isso foi planeado deixa-me doente.” Estas palavras refletem um sentimento generalizado de que as práticas de rodagem da época muitas vezes ignoravam os direitos e a dignidade das mulheres.

A Reação da Indústria e o Debate Contínuo

A Cinemateca Francesa já tinha enfrentado situações semelhantes no passado. Em 2017, cancelou uma retrospetiva dedicada a Jean-Claude Brisseau, condenado por assédio sexual. Desta vez, a instituição encontrou-se novamente no centro de uma tempestade mediática, com críticos divididos entre a defesa da liberdade de expressão artística e a necessidade de abordar a violência histórica contra mulheres no cinema.

Por um lado, sindicatos como o SFA-CGT afirmaram que “filmar e transmitir violações continua a ser condenável”. Por outro, defensores da exibição do filme argumentaram que a obra deveria ser apresentada num contexto que permitisse a discussão informada sobre o seu impacto e significado histórico.

Conclusão

O cancelamento de O Último Tango em Paris na Cinemateca Francesa é mais do que uma decisão administrativa; é um reflexo das tensões em curso na indústria cinematográfica, onde a necessidade de reavaliar práticas passadas colide com a preservação do legado artístico. À medida que o cinema continua a enfrentar os desafios do movimento #MeToo, o caso deste filme serve como um lembrete de que, por vezes, a arte e a ética podem entrar em conflito de maneiras difíceis de resolver.

Steven Spielberg Regressa à Ficção Científica com “The Dish”: O Que Sabemos Até Agora

Steven Spielberg, o visionário realizador que definiu o cinema de ficção científica com obras-primas como E.T. – O Extraterrestre e Encontros Imediatos do Terceiro Grau, está oficialmente de volta ao género que ajudou a moldar. O seu próximo projeto, intitulado The Dish, marca um regresso às origens, com uma narrativa que promete explorar novamente o território sci-fi, depois de uma década dedicada a outros géneros.

ver também : “Kraven, o Caçador” Tem Abertura Fraca nas Bilheteiras: O Que Correu Mal no Novo Filme da Sony/Marvel

O Regresso à Ficção Científica

Nos últimos anos, Spielberg dedicou-se a projetos diversificados como Bridge of Spies, The Post, West Side Story e The Fabelmans, uma autobiografia cinematográfica profundamente pessoal. Contudo, o argumento de The Dish, escrito por David Koepp, sinaliza um retorno ao género que lhe valeu aclamação global.

Durante uma entrevista ao podcast da The Playlist, David Koepp revelou que o filme será um regresso ao sci-fi clássico. “É ficção científica. Eu não devia estar a dizer isto, mas sim, é. Será um género diferente do que ele tem feito ultimamente. Algo que costumava fazer e já não faz há algum tempo”, comentou Koepp.

A Parceria Spielberg-Koepp

David Koepp é um nome familiar entre os fãs de Spielberg. O argumentista já colaborou com o realizador em dois projetos icónicos: Jurassic Park (1993), que revolucionou os efeitos visuais e arrecadou mais de 900 milhões de dólares, e War of the Worlds (2005), uma interpretação intensa do clássico de H.G. Wells. Ambos os filmes foram sucessos críticos e comerciais, cimentando Koepp como um dos colaboradores mais confiáveis de Spielberg.

O Elenco e a Produção

The Dish contará com um elenco de luxo. Emily Blunt, nomeada aos BAFTA pelo seu papel em Oppenheimer, lidera o grupo, que inclui ainda Josh O’Connor (The Crown), Colin Firth (O Discurso do Rei) e Colman Domingo (The Color Purple). A direção de fotografia estará novamente a cargo de Janusz Kamiński, parceiro habitual de Spielberg desde A Lista de Schindler.

A produção terá início em fevereiro de 2025, com filmagens programadas para Nova Jérsia e Atlanta. Ainda não foram revelados detalhes sobre a trama, mas, conhecendo Spielberg, é provável que combine narrativas humanas envolventes com espetáculos visuais impressionantes.

Expectativa dos Fãs e o Legado Sci-Fi de Spielberg

Com The Dish, Spielberg enfrenta o desafio de estar à altura do seu próprio legado. Filmes como E.T., Encontros Imediatos do Terceiro Grau e Minority Report definiram o padrão para o género, misturando tecnologia futurista com reflexões emocionais sobre a humanidade. Se este novo projeto seguir essa tradição, promete tornar-se mais uma peça essencial na sua vasta filmografia.

ver também : “Emília Pérez” e “The Bear” Lideram Nomeações aos Globos de Ouro 2024

“Emília Pérez” e “The Bear” Lideram Nomeações aos Globos de Ouro 2024

A temporada de prémios de Hollywood começou oficialmente com o anúncio das nomeações para os Globos de Ouro 2024. Sob nova gestão e com regras reformuladas, a cerimónia deste ano promete mais diversidade e representatividade, destacando o talento de cineastas e atores de todo o mundo. As nomeações foram reveladas esta segunda-feira por Morris Chestnut e Mindy Kaling em Los Angeles, com “Emília Pérez” e “The Bear” a dominarem as listas de cinema e televisão, respetivamente.

Emilia Perez

Cinema: O Triunfo de “Emília Pérez”

A produção franco-espanhola Emília Pérez, realizada por Jacques Audiard, destacou-se como a grande favorita ao conquistar dez nomeações, incluindo Melhor Filme (Comédia ou Musical), Melhor Realização, Melhor Argumento e Melhor Canção Original. Este musical ousado já era apontado como um dos principais candidatos à temporada de prémios, e os Globos de Ouro consolidaram esse estatuto.

ver também : “Manhunter”: O Clássico Visionário que Redefiniu o Thriller Psicológico

Outros títulos como O Brutalista e A Complete Unknown também brilharam, mostrando a força do cinema independente. Já obras de grande orçamento, como Dune: Parte II e Wicked, mantiveram uma presença sólida, com múltiplas nomeações, enquanto Gladiador II, de Ridley Scott, surpreendeu com uma única indicação.

A corrida pela Melhor Atriz (Drama) promete ser acirrada, com Pamela Anderson (The Last Showgirl), Fernanda Torres (Ainda Estou Aqui) e Kate Winslet (Lee Miller: Na Linha da Frente) entre as destacadas. No lado masculino, Adrien Brody (O Brutalista) e Timothée Chalamet (A Complete Unknown) lideram as apostas para Melhor Ator (Drama).

Televisão: “The Bear” em Destaque

Na frente televisiva, The Bear lidera com cinco nomeações, incluindo Melhor Série de Comédia e indicações para quatro dos seus atores, como Jeremy Allen White e Ayo Edebiri. O sucesso da série reflete a sua capacidade de misturar drama e comédia numa narrativa cativante.

Entre as surpresas, Ninguém Quer Isto, da Netflix, destacou-se com três nomeações, incluindo Melhor Série de Comédia, enquanto Squid Game conseguiu uma inesperada nomeação na categoria de Melhor Série de Drama, apesar de a nova temporada ainda não ter estreado.

Na categoria de Minissérie, The Penguin trouxe Colin Farrell de volta à ribalta, enquanto True Detective: Night Country e Ripleyreforçaram a diversidade de histórias e estilos. Jodie Foster, Cate Blanchett e Cristin Milioti lideram as nomeações entre as atrizes.

Uma Nova Era para os Globos de Ouro

Após as polémicas sobre diversidade e ética que mancharam as edições anteriores, os Globos de Ouro têm procurado recuperar credibilidade. Este ano, o aumento do número de nomeados em cada categoria, a inclusão de votantes de mais de 75 países e a proibição de aceitar presentes destacam-se como mudanças significativas.

ver também : “A Vida de David Gale”: Um Drama Provocador Sobre a Pena de Morte

A cerimónia, marcada para 5 de janeiro de 2024, será transmitida pela CBS e promete ser uma celebração do talento global, com grandes estrelas e momentos inesperados.

Cynthia Erivo e os Desafios Transformadores de “Wicked”

Cynthia Erivo, aclamada atriz e cantora, tem partilhado os bastidores da sua exigente preparação para dar vida a Elphaba em Wicked. Durante uma sessão de perguntas realizada a 12 de dezembro em Los Angeles, Erivo, de 37 anos, revelou o impacto físico e emocional deste projeto ambicioso, detalhando como enfrentou os desafios com uma dedicação implacável e uma rotina quase sobre-humana.

ver também : “Manhunter”: O Clássico Visionário que Redefiniu o Thriller Psicológico

Compromisso Total com o Papel

Interpretar Elphaba não foi apenas um exercício de talento vocal e expressividade emocional para Erivo; foi um teste rigoroso de resistência física. A atriz confessou que, durante as filmagens, dormia apenas entre duas a três horas por noite, devido à intensidade da sua rotina. “Acredito que o corpo e a mente estão intrinsecamente ligados”, afirmou. “Quero que ambos sejam usados. Quero que estejam em ação.”

A sua jornada começava com um treino de duas horas logo pela manhã, seguido por uma longa sessão de maquilhagem para a transformar na icónica bruxa verde. Erivo explicou que o exercício físico constante não era apenas uma escolha estética, mas uma necessidade funcional: “Nunca tinha ‘voado’ antes. […] Isso requer que estejas o mais forte possível, porque os fios vão levar-te de um lado para o outro.”

Adaptação ao Desgaste Físico

A atriz também revelou as estratégias que utilizou para lidar com as exigências físicas de Wicked. Além dos hematomas causados pelos equipamentos de suspensão usados para as cenas de voo, Erivo recorreu a uma manta sauna de calor infravermelho para ajudar na recuperação muscular. “Vivo um pouco como um monge quando faço estas coisas. Fico em ambientes fechados e tento aproveitar aqueles momentos em que posso realmente descansar”, partilhou. Apesar das noites curtas, fazia questão de garantir que as poucas horas de sono fossem de qualidade.

Uma Abordagem Inspiradora ao Desafio

A dedicação de Cynthia Erivo ao papel de Elphaba é um reflexo da sua abordagem rigorosa e apaixonada ao ofício. Como destacou na conversa, procura desafios que a “usem” tanto física quanto mentalmente, abraçando as exigências extremas como parte do processo artístico.

ver também : Brian De Palma e o Legado de Scarface: Do Desprezo Inicial ao Status de Clássico

“Wicked”, um dos musicais mais aguardados dos últimos anos, tem tudo para se tornar um marco na carreira de Erivo, que já conquistou audiências com interpretações arrebatadoras em obras como Harriet e The Color Purple. A sua entrega total ao papel de Elphaba promete dar uma nova dimensão à personagem e, sem dúvida, cativar o público quando o filme estrear.

Roger Corman: O Homem por Trás das Lendas do Cinema e o Rei do Cinema Independente

Roger Corman, uma figura ímpar no panorama cinematográfico, consolidou-se como o rei do cinema independente americano. Com quase 500 créditos no currículo, Corman navegou habilmente pelas marés do cinema durante mais de sete décadas. Ele não só moldou o mundo dos filmes de baixo orçamento, mas também lançou as carreiras de algumas das maiores lendas de Hollywood, como Francis Ford Coppola, Martin Scorsese, Jack Nicholson e Jonathan Demme.

O Legado de um Mestre dos Filmes de Baixo Orçamento

Corman começou nos anos 1950, numa era em que filmes de baixo e médio orçamento ainda tinham espaço nas salas de cinema em todo o mundo. Ele recorda com nostalgia esses tempos: “Podíamos abrir um pequeno filme e sabíamos que iríamos passar nas principais redes de cinemas nos EUA e em muitos outros países.” Hoje, lamenta a falta de oportunidades para este tipo de produções no circuito comercial, embora reconheça que as plataformas de streaming abriram novas possibilidades.

ver também : Brian De Palma e o Legado de Scarface: Do Desprezo Inicial ao Status de Clássico

Mesmo enfrentando limitações orçamentais, Corman sempre demonstrou uma notável habilidade para maximizar recursos, criando filmes que misturavam criatividade e eficiência. Ele é frequentemente descrito como alguém que poderia “fechar um negócio, filmar e financiar o filme com as moedas de uma cabine telefónica.”

Uma Nova Hollywood: A Geração que Ele Inspirou

Ao longo de sua carreira, Corman tornou-se uma espécie de padrinho da Nova Hollywood, não apenas incentivando jovens realizadores, mas também promovendo a liberdade criativa, desde que respeitassem uma regra de ouro: manter-se dentro do orçamento. Filmes como The Wild Angels (1966) e The Trip (1967) abriram caminho para o movimento contracultural dos anos 60. Sobre esta época, Corman reflete: “Era um tempo excitante. Esses filmes eram uma nova forma de expressão, e eu fazia parte disso.”

Francis Ford Coppola, Martin Scorsese e outros nomes de peso começaram sob a tutela de Corman. Coppola, por exemplo, dirigiu seu primeiro filme com base em material russo modificado para audiências americanas. Scorsese recebeu instruções específicas para adicionar cenas mais apelativas em Boxcar Bertha (1972), embora Corman ria hoje de mitos exagerados sobre as suas exigências.

Explorando o Cinema de Terror e Poe

Corman é talvez mais conhecido por suas adaptações dos contos de Edgar Allan Poe. The Fall of the House of Usher (1960) marcou o início de uma série de filmes góticos que se tornaram clássicos. Vincent Price, que estrelou muitos desses filmes, foi uma escolha óbvia para Corman, que admirava sua inteligência e sensibilidade artística.

Apesar de seu sucesso com Poe, Corman também é lembrado por projetos inusitados, como The Terror (1963), que envolveu uma série de realizadores — incluindo Coppola, Nicholson e o próprio Corman — trabalhando em diferentes partes da produção. “Foi um dos filmes mais estranhos que já fiz. Cada diretor adicionou algo, e tivemos que filmar uma cena final para dar sentido à história.”

Uma Abordagem Singular à Produção

Enquanto produtor, Corman manteve-se profundamente envolvido em todas as fases criativas, desde o desenvolvimento do argumento até a montagem final. No entanto, ele dava espaço aos realizadores durante as filmagens: “Entendo que, nesse ponto, preciso entregar o controlo ao diretor.” Este equilíbrio entre controlo criativo e confiança nos seus colaboradores foi essencial para o seu sucesso.

A Filosofia de Corman sobre o Cinema

Para Corman, o cinema é “a forma de arte contemporânea mais importante” por capturar movimento e envolver equipas criativas inteiras. No entanto, ele reconhece que é uma arte comprometida pela sua ligação inerente ao negócio: “Um realizador precisa de uma equipa, e uma equipa precisa ser paga. É uma combinação de arte e negócios.”

O Legado de uma Vida no Cinema

Mesmo na casa dos 90 anos, Corman continua a ser uma inspiração para realizadores em todo o mundo. Muitos dos filmes que dirigiu ou produziu foram revisitados, mas ele não é um grande fã de remakes, acreditando que “é difícil recriar a química que fez o original funcionar.”

Roger Corman não só moldou a história do cinema com a sua resiliência e engenhosidade, mas também demonstrou que o verdadeiro talento transcende orçamentos e barreiras. Sua obra continua a inspirar novas gerações, garantindo seu lugar como um dos gigantes do cinema.

ver também : Viggo Mortensen Reflete Sobre “A History of Violence”: Um Clássico do Cinema Noir