Ronja: A Filha do Ladrão regressa com mais magia, perigos e alianças improváveis

Depois do sucesso da primeira temporada, a floresta encantada volta a abrir caminho para novas aventuras: Ronja: A Filha do Ladrão estreia a sua segunda temporada no próximo 20 de agosto, às 22h10, no TVCine Edition e TVCine+.

Inspirada no clássico de Astrid Lindgren — a mesma autora de Pipi das Meias Altas — a série sueca conquistou famílias inteiras com a sua mistura de fantasia, inocência e dilemas muito humanos. Agora, a história de Ronja e do seu mundo mágico entra numa fase mais intensa e madura.

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Amizade proibida, escolhas difíceis

Na nova temporada, a amizade entre Ronja (Kerstin Linden) e Birk, filho do líder de um clã rival, cresce apesar das rivalidades que os separam. Quando a relação é descoberta, o choque entre famílias explode em fúria e consequências: Ronja é expulsa da fortaleza pelo próprio pai, Mattis, e parte para a floresta com Birk.

Entre criaturas míticas, caçadores implacáveis e soldados à espreita, os dois aprendem a sobreviver por conta própria, enfrentando não só os perigos da natureza como as lealdades familiares que os perseguem. No meio da tensão, surge a hipótese de algo impensável: uma aliança entre clãs rivais para resistirem a ameaças maiores.

Magia, drama e imagens de cortar a respiração

Visualmente deslumbrante, a série mantém as paisagens verdejantes e a atmosfera de conto de fadas que encantaram o público, mas dá agora um passo além: o enredo mergulha em temas de perda, coragem e reconciliação, com destaque para a relação de Ronja com a mãe, Lovis, que ganha maior profundidade dramática.

O elenco, para além de Kerstin Linden, conta ainda com Christopher Wagelin, Krista Kosonen, Johan Ulveson e Sverrir Gudnason, numa produção que promete conquistar tanto os mais novos como os adultos.

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Onde ver

Ronja: A Filha do Ladrão T2 estreia dia 20 de agosto, e os episódios seguintes chegam todas as quartas-feiras às 22h10, em exclusivo no TVCine Edition e TVCine+.

James Bond em Tribunal: a batalha pelos direitos de 007 envolve alfaiates reais, chapéus históricos e fatos de ski “espião-pronto”

A vida de James Bond nunca foi fácil no grande ecrã, mas agora o famoso espião enfrenta uma missão digna de um thriller jurídico: salvar o seu próprio nome. A Danjaq — a empresa norte-americana que, em conjunto com a britânica Eon Productions, controla os direitos de merchandising da marca 007 — está a travar uma disputa legal para manter o domínio da identidade do agente secreto mais famoso do cinema.

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O inimigo: um magnata austríaco no Dubai

A ameaça vem de Josef Kleindienst, um promotor imobiliário austríaco que está a erguer o luxuoso resort Heart of Europeem ilhas artificiais no Dubai. Kleindienst argumenta que várias marcas registadas associadas a Bond — incluindo o nome, o código “007” e a frase icónica “Bond, James Bond” — têm sido subaproveitadas comercialmente e, por isso, deveriam ser consideradas caducas.

Se conseguir provar a “não utilização” durante cinco anos, poderá reclamar a posse destas marcas na União Europeia.

A defesa de 007: alfaiates reais, chapéus lendários e ski de ação

Para responder, os advogados da Danjaq reuniram um dossier de 227 páginas, que parece saído de um guião de espionagem. Entre as provas estão algumas das mais prestigiadas casas de moda e acessórios britânicas e internacionais que continuam a explorar o universo Bond:

  • Turnbull & Asser, alfaiate de Jermyn Street, fornecedor oficial de camisas para Sean Connery em Dr. No (1962) e, mais tarde, para Pierce Brosnan e Daniel Craig. Também é o camiseiro pessoal do rei Carlos III, que usou uma das suas peças na coroação em 2023.
  • Lock & Co. Hatters, a chapelaria mais antiga do mundo, fundada em 1676. Foi responsável pelo chapéu que surge na cena de abertura de Dr. No e pelo inseparável chapéu mortal de Odd Job em Goldfinger (1964). Hoje vende edições especiais como o trilby Dr. No (£537) ou o Vesper (£662).
  • Bogner, marca desportiva de luxo, que filmou as primeiras cenas de ski de ação em On Her Majesty’s Secret Service (1969) e criou momentos épicos em The Spy Who Loved Me e For Your Eyes Only. Em 2023 lançou a coleção “Bogner X 007”, com preços entre 290 e 2.300 dólares.
  • N.Peal, referência em caxemira desde 1936, que desenhou peças icónicas usadas em No Time to Die (2021), como as calças de combate vendidas a £245.

Este arsenal de marcas pretende provar que Bond continua a ser um nome vivo e altamente explorado no mercado.

Amazon ao leme da franquia

A batalha legal surge numa fase de transição delicada para a saga. Desde 2021, a Amazon detém a MGM e, recentemente, adquiriu também o controlo criativo da franquia, antes nas mãos de Barbara Broccoli e Michael G. Wilson.

O próximo filme terá realização de Denis Villeneuve (Dune) e argumento de Steven Knight, criador de Peaky Blinders. A produção está a cargo de Amy Pascal (Skyfall, Spider-Man) e David Heyman (Harry Potter, Barbie). A escolha do novo James Bond, no entanto, ainda não foi anunciada — prolongando a maior pausa entre filmes desde a fundação da saga.

O veredicto em suspense

Enquanto Kleindienst insiste que a sua luta pretende “garantir que Bond não morre” e continua relevante, a Danjaq fala num “ataque sem precedentes” à identidade multibilionária da franquia.

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Uma coisa é certa: entre tribunais, alfaiates reais e chapéus mortais, James Bond continua a ser tão cobiçado fora do ecrã quanto dentro dele.

Pierce Brosnan e Helen Mirren concordam: James Bond “tem de ser um homem”

O debate sobre quem deverá assumir o icónico papel de James Bond ganhou novo fôlego depois de duas figuras incontornáveis do cinema britânico — Pierce Brosnan e Helen Mirren — terem defendido que o espião criado por Ian Fleming deve continuar a ser interpretado por um homem.

Pierce Brosnan, que vestiu o fato de 007 em quatro filmes entre 1995 e 2002 (GoldenEye, Tomorrow Never Dies, The World Is Not Enough e Die Another Day), surpreendeu ao recuar em declarações que fizera em 2019, quando afirmara que seria “excitante” ver uma mulher no papel. Agora, aos 72 anos, o ator irlandês sublinha outra perspetiva:

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“Oh, acho que tem de ser um homem. Estou tão entusiasmado por ver o próximo homem a subir ao palco e a trazer nova vida a esta personagem”, disse em entrevista à revista Saga.

Brosnan, que chegou a acusar a saga de sexismo no passado, acrescentou que, apesar de se considerar feminista, Bond tem de manter-se fiel à sua essência: “Não se pode ter uma mulher. Simplesmente não resulta. James Bond tem de ser James Bond, caso contrário transforma-se noutra coisa.”

O apoio de Helen Mirren

A seu lado nesta opinião esteve Dame Helen Mirren, que contracena com Brosnan na adaptação cinematográfica de The Thursday Murder Club. A atriz de 80 anos, também entrevistada pela mesma publicação, reforçou o ponto de vista:

“Sou uma grande feminista, mas James Bond tem de ser um homem. Não funciona de outra forma. O conceito nasceu de um mundo profundamente sexista, sim, mas é precisamente isso que define a personagem. É divertido assim.”

Mirren reconheceu, no entanto, que muitas mulheres desempenharam papéis importantes no universo do espionagem real e ficcional, mas que Bond é, por natureza, uma figura masculina.

O futuro da saga nas mãos da Amazon

A franquia, que esteve mais de 60 anos sob o controlo da família Broccoli, passou recentemente para a alçada da Amazon-MGM Studios, num negócio avaliado em cerca de mil milhões de dólares. A nova etapa promete uma abordagem “fresca”, mas sem abdicar do “legado” de 007.

O próximo filme, o 26.º da saga oficial, terá argumento de Steven Knight, criador de Peaky Blinders, e realização de Denis Villeneuve (Dune), numa aposta clara em revitalizar o agente secreto para as novas gerações.

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Enquanto isso, a especulação sobre o sucessor de Daniel Craig continua intensa. Os nomes de Aaron Taylor-Johnson (Bullet Train) e Callum Turner (Masters of the Air) surgem como favoritos, embora James Norton também seja apontado como forte candidato.

🎬 Conclusão

Mais de seis décadas depois da estreia de Dr. No, a questão mantém-se: quem será o próximo James Bond? Uma coisa parece certa para Pierce Brosnan e Helen Mirren — 007 tem de continuar a ser um homem. O público, por sua vez, aguarda impaciente pelo anúncio oficial que definirá o futuro de uma das sagas mais lendárias da história do cinema

Box Office: A Hora do Desaparecimento  continua imparável, Nobody 2 estreia em terceiro e Americana com Sydney Sweeney é um desastre total

O fim de semana de bilheteiras nos Estados Unidos trouxe surpresas e confirmações: o terror Weapons mantém-se firme no primeiro lugar, Nobody 2 não passou de um arranque modesto e Americana, com Sydney Sweeney, revelou-se um autêntico naufrágio comercial.

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Weapons mantém o trono do terror 👑🔪

A produção da New Line e Warner Bros., realizada por Zach Cregger, mostrou que não é apenas mais um filme de terror a passar pelos cinemas. Com 25 milhões de dólares arrecadados no seu segundo fim de semana — uma descida de apenas 42% — Weapons cimenta-se como fenómeno cultural e título obrigatório nas conversas de corredor. Para um género habitualmente marcado por quedas abruptas após a estreia, este desempenho é notável.

Nobody 2: discreto mas com futuro

Bob Odenkirk regressa como o homem aparentemente banal que esconde uma vida dupla de operações secretas. Ainda que o filme tenha arrancado com apenas 9,4 milhões de dólares, posicionando-se em terceiro lugar, o desempenho não alarma a Universal. Afinal, a produção custou 26 milhões, valor relativamente modesto, e o estúdio já domina a estratégia de recuperar investimento rapidamente através de premium VOD.

O primeiro Nobody, lançado em plena pandemia, abriu com 6,8 milhões e acabou por acumular 68 milhões só no mercado doméstico. Por isso, ainda há espaço para que a sequela encontre o seu público.

O regresso de Freakier Friday diverte o público

A comédia familiar da Disney, que volta a reunir Jamie Lee Curtis e Lindsay Lohan, sorri no segundo fim de semana com 14 a 15 milhões de dólares, uma descida na ordem dos 50%. Nada mal para um filme que aposta na nostalgia e no público feminino como grandes trunfos.

Spike Lee e Denzel Washington: estreia tímida

O aguardado reencontro entre Spike Lee e Denzel Washington, em Highest 2 Lowest, ficou aquém das expectativas no arranque. Com estreia limitada em cerca de 220 salas, o filme soma perto de 894 mil dólares, média por sala considerada pouco entusiasmante para um projeto de prestígio da Apple Original Films e A24. Em breve, o título chegará à Apple TV+, onde deverá encontrar maior visibilidade.

Americana: o desastre de Sydney Sweeney

O grande fiasco do fim de semana foi mesmo Americana, thriller de assalto com Sydney Sweeney, Paul Walter Hauser e Halsey. Após dois anos de espera desde a estreia em SXSW 2023, o filme chegou a 1.100 salas mas não conseguiu atrair público: apenas 840 mil dólares, com uma média miserável de 460 dólares por sala, colocando-o em 16.º lugar.

Críticos elogiaram o filme, mas a receção comercial mostrou-se um desastre absoluto, um contraste gritante com o estatuto mediático de Sweeney, que parecia garantir maior atenção.

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Conclusão

Este fim de semana reforça duas ideias claras: o terror vive dias de glória nas bilheteiras, enquanto projetos de prestígio e até estrelas em ascensão não estão imunes a falhanços. Para já, Weapons continua a dominar, enquanto Nobody 2 espera recuperar terreno fora do circuito tradicional e Americana ficará lembrado como um dos maiores desastres de 2025.

“Duas Estações, Dois Estranhos”: Sho Miyake conquista o Leopardo de Ouro em Locarno

O Festival Internacional de Cinema de Locarno voltou a coroar o talento japonês. A 78.ª edição, que terminou este sábado na Suíça, atribuiu o Leopardo de Ouro a Duas Estações, Dois Estranhos, novo filme do realizador Sho Miyake. O drama, baseado na obra Mr. Ben and His Iglu, A View of the Seaside de Yoshiharu Tsuge, acompanha o encontro de duas personagens à beira-mar, num registo contemplativo e profundamente humano.

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Miyake torna-se, assim, o quarto cineasta japonês a conquistar o prémio máximo de Locarno, um festival que se tem afirmado como um dos mais importantes palcos para o cinema de autor.

Os outros premiados da edição

Além da vitória de Miyake, o júri distinguiu White Snail, de Elsa Kremser e Levin Peter, com o Prémio Especial do Júri, enquanto o Leopardo de Melhor Realização foi entregue a Abbas Fahdel por Tales of the Wounded Land.

Na interpretação, os prémios foram partilhados entre Manuela Martelli e Ana Marija Veselčić, protagonistas de Bog neće pomoći (Deus Não Ajudará), de Hana Jušić, e a dupla Marya Imbro e Mikhail Senkov, que brilham em White Snail.

O Leopardo de Ouro do Concurso de Cineastas Revelação foi atribuído a Cabelo, Papel, Água…, obra conjunta de Nicolas Graux e Trương Minh Quý, confirmando a aposta do festival em novas vozes do cinema contemporâneo.

Portugal em destaque

O cinema português também marcou presença com As Estações, realizado por Maureen Fazendeiro — cineasta francesa a viver em Lisboa. Filmada no Alentejo, a longa-metragem esteve não só em competição pelo prémio principal, como também pelo Leopardo Verde, destinado a produções que destacam questões ambientais e ecossistemas.

Um festival de grandes encontros

Para além das competições, Locarno voltou a ser um ponto de encontro privilegiado para estrelas e criadores de várias latitudes. A edição de 2025 contou com a presença de nomes como Emma Thompson, Jackie Chan, Willem Dafoe, Golshifteh Farahani, Alexander Payne, a lendária figurinista Milena Canonero e a atriz Lucy Liu.

Foram exibidos 224 filmes em mais de 300 sessões, incluindo 101 estreias mundiais, transformando a cidade suíça numa autêntica montra da diversidade e vitalidade do cinema internacional.

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Com o Leopardo de Ouro entregue a Duas Estações, Dois Estranhos, Sho Miyake confirma-se como uma das vozes mais relevantes do cinema japonês contemporâneo. Já a organização prepara-se para a próxima edição: a 79.ª, marcada entre 5 e 15 de agosto de 2026.

O Filme de Terror Mais Estranho do Ano… É Também uma História de Amor

Em Together, Alison Brie e Dave Franco levam a relação ao limite — até ao ponto de os seus corpos se fundirem.

No cinema de terror, já vimos monstros, fantasmas e criaturas de pesadelo. Mas em Together, o novo filme realizado por Michael Shanks, o horror surge como metáfora para a vida a dois: Alison Brie e Dave Franco interpretam um casal cujo corpo — literalmente — se transforma numa só entidade. O resultado é uma mistura inquietante de body horror à la Cronenberg (A Mosca) com ecos grotescos de The Thing, de John Carpenter.

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Amor, co-dependência e… horror físico

Na trama, Millie (Brie), professora, e Tim (Franco), músico desempregado e orgulhosamente citadino, mudam-se para uma zona remota devido ao novo trabalho dela. Um dia, explorando a área, encontram uma gruta com marcas misteriosas e um lago aparentemente puro. Tim bebe dessa água — e pouco depois, os seus corpos começam a fundir-se.

O argumento, escrito por Shanks, equilibra momentos de terror gráfico com uma leitura mais simbólica: a relação de Millie e Tim está longe de perfeita, marcada por frustrações, dependência mútua e rotinas difíceis de quebrar. Franco admite que a escolha do filme teve tudo a ver com o realismo que poderiam trazer: “A nossa relação de 13 anos ajudou a dar peso a estes personagens.”

Brie acrescenta: “O body horror é uma metáfora directa para os medos em torno da monogamia e da co-dependência tóxica.”

Colados… no trabalho e no ecrã

Este é o quinto projecto em conjunto do casal, depois de The Rental (2020) e Somebody I Used To Know (2023). Gravado em apenas 21 dias, Together exigiu que Brie e Franco passassem até 10 horas fisicamente colados para certas cenas. E, sim, há um momento — já muito comentado — que envolve um pormenor anatómico de Tim… em versão prostética.

Entre os momentos mais insólitos está uma cena em que Franco grita “MUSCLE RELAXANTS!” com intensidade digna de Nicolas Cage — algo que, segundo ele, deveria ser material obrigatório para se tornar meme.

Terror, humor e leitura pessoal

Para lá do grotesco, Together funciona como um espelho para o público: casais, solteiros, cépticos ou românticos, cada um verá o filme de forma diferente. Franco conta que um casal em crise disse ter feito as pazes depois de o ver; já alguns solteiros saíram da sala a dizer que foi “o melhor argumento para continuar solteiro”.

O elenco conta ainda com Jay Lycurgo, como Shy, um jovem problemático, e a dupla Tracey Ullman e Emily Watson.

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Estreia e recepção esperada

Together chega hoje (14 de Agosto) aos cinemas em Portugal, com distribuição da NOS Audiovisuais) e promete não só provocar desconforto e risos nervosos, mas também debates acesos sobre relações, intimidade e os limites do “até que a morte nos separe”.

Dois Filmes Portugueses Surpreendem ao Entrar na Seleção Especial do Festival de San Sebastián

Produções luso-espanholas conquistam lugar na prestigiada secção Made in Spain da 73.ª edição do evento.

O cinema português volta a brilhar além-fronteiras, desta vez no Festival Internacional de Cinema de San Sebastián, que decorre de 19 a 27 de setembro na cidade basca. Duas coproduções luso-espanholas integram a secção Made in Spain, uma montra não competitiva dedicada ao que de melhor se fez no cinema espanhol — e que, este ano, conta com forte presença nacional.

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O drama intimista de “Uma Quinta Portuguesa”

A primeira produção é Uma Quinta Portuguesa, de Avelina Prat, atualmente em exibição nos cinemas nacionais. Protagonizado por Manolo Solo, Maria de Medeiros e Branka Katić, o filme conta ainda com Rita Cabaço, Rui Morrison e Luísa Cruz no elenco.

A história segue Fernando, um professor de geografia devastado pelo desaparecimento da mulher. Sem rumo, assume a identidade de jardineiro numa quinta portuguesa, criando amizade com a proprietária e abraçando uma nova vida — que não lhe pertence. Filmado na Quinta da Aldeia, em Ponte de Lima, o drama teve estreia no Festival de Málaga 2025.

“San Simón”: a beleza cruel de uma ilha-prisão

A segunda coprodução é San Simón, estreia na ficção do artista visual Miguel Ángel Delgado. No elenco, nomes como Flako Estévez, Alexandro Bouzó, Guillermo Queiro e o português Nuno Preto dão vida a um episódio sombrio da história espanhola.

O filme recria o passado da ilha de San Simón, transformada pelo regime franquista, em 1936, de lazareto a campo de concentração, onde a repressão convivia com uma paisagem de beleza esmagadora.

Uma seleção que respira prestígio

A secção Made in Spain também recupera títulos de renome como Sirāt, de Oliver Laxe, vencedor do Prémio do Júri ex-aequo em Cannes, Romería, de Carla Simón, e o multipremiado Sorda, de Eva Libertad. Entre outros destaques estão Los tortuga, de Belén Funes, documentários aclamados como The Sleeper. El Caravaggio perdido e Almudena, e o êxito de bilheteira La infiltrada, vencedor de dois Prémios Goya.

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Com duas produções na lista, Portugal marca presença num dos palcos mais respeitados do cinema internacional — e promete não passar despercebido.

Noah Centineo Vai Vestir a Bandana de Rambo na Prequela que Revelará as Origens do Ícone 🎥🔫

Preparem-se para ver um lado completamente novo de John Rambo. O ator Noah Centineo, conhecido por A Todos os Rapazes que Amei e pela série O Recruta, vai interpretar o papel que Sylvester Stallone imortalizou no grande ecrã, mas desta vez numa prequela que explorará os anos de juventude do personagem durante a Guerra do Vietname.

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“John Rambo”: muito antes de A Fúria do Herói

O novo filme, intitulado John Rambo, será realizado por Jalmari Helander e terá argumento de Rory Haines e Sohrab Noshirvan. A história vai mostrar como um jovem soldado se transformou no lendário guerreiro que conhecemos em A Fúria do Herói (First Blood, 1982).

Inspirado no romance de David Morrell, o filme original foi um fenómeno de bilheteira e ajudou a moldar a imagem do herói de ação dos anos 1980, com Stallone a criar um ícone que atravessou décadas.

Uma saga marcada por guerras, vinganças e sobrevivência

Após o sucesso do primeiro filme, a saga seguiu com:

  • Rambo II – A Vingança do Herói (1985), onde o veterano regressa ao Vietname para resgatar prisioneiros de guerra.
  • Rambo III (1988), que levou o personagem ao Afeganistão, para ajudar os mujahideen contra a ocupação soviética.

O terceiro filme teve fraca receção comercial, levando Stallone a afastar-se da personagem até ao brutal e aclamado John Rambo (2008), passado na Birmânia, e ao controverso Rambo – A Última Batalha (2019), onde o ex-soldado enfrenta um cartel mexicano para salvar a sobrinha adotiva.

Noah Centineo: do romance juvenil à guerra implacável

Conhecido por papéis românticos e pela ação leve de O Recruta, Centineo vai agora mergulhar no registo intenso e físico que a história exige. O desafio será enorme: dar credibilidade a um Rambo jovem, sem trair o espírito endurecido que Stallone construiu, mas oferecendo novas camadas à personagem.

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Com a promessa de mostrar o trauma, a lealdade e a brutalidade da guerra, John Rambo pretende não só expandir a mitologia da saga, como conquistar uma nova geração de fãs.

Bridget Jones está de volta – e mais atrevida do que nunca!

Preparem os corações (e o balde de pipocas): quase dez anos depois da sua última aventura, Bridget Jones regressa aos ecrãs para mais trapalhadas, gargalhadas e… romance! Bridget Jones 4: Louca Por Ele estreia a 15 de agosto, às 21h30, no TVCine Top e TVCine+, e promete mostrar que a vida não acaba aos 40… nem aos 50!

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Agora com 51 anos, Bridget (Renée Zellweger) continua a ser aquela mistura irresistível de charme, gafe e coração enorme – mas a vida não tem sido fácil. Depois da perda trágica de Mark (Colin Firth), o amor da sua vida, em plena missão humanitária, ela enfrenta o desafio de educar dois filhos, manter uma carreira exigente e sobreviver num mundo obcecado pela juventude. E claro… o caos do mundo dos encontros não poderia faltar.

E é aí que tudo se complica: Bridget vê-se no meio de um triângulo amoroso explosivo entre Roxster McDuff (Leo Woodall), um sedutor vinte anos mais novo, e Scott Wallaker (Chiwetel Ejiofor), o simpático professor de ciências do filho. Resultado? Situações hilariantes, momentos ternurentos e aquela boa dose de drama romântico que só ela sabe viver.

Renée Zellweger volta a vestir a pele da eterna solteira mais famosa do cinema, ao lado de Hugh Grant, Emma Thompson e novas caras que vão surpreender. A realização fica a cargo de Michael Morris, que traz frescura a este regresso tão esperado.

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E para aquecer motores, o TVCine Emotion vai exibir os três filmes anteriores nos dias 12, 13 e 14 de agosto. Uma verdadeira maratona para rever todas as aventuras (e desventuras) de Bridget antes do grande dia.

Marquem na agenda: 15 de agosto, 21h30. Bridget está de volta – e, spoiler alert, continua absolutamente irresistível.

Colin Farrell Vai Receber o Prestigiado “Golden Icon Award” no Festival de Cinema de Zurique 🎬✨

O actor irlandês Colin Farrell, nomeado para um Óscar e um dos intérpretes mais respeitados do cinema contemporâneo, será homenageado no Festival de Cinema de Zurique com o Golden Icon Award. A 20.ª edição do evento decorre de 25 de Setembro a 5 de Outubro, e Farrell receberá o prémio a 27 de Setembro, numa gala que incluirá a estreia do seu mais recente filme, Ballad of a Small Player, realizado por Edward Berger.

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Uma carreira recheada de papéis marcantes

Farrell construiu uma filmografia diversificada, com papéis que vão do cinema de autor ao blockbuster de Hollywood. Entre os seus filmes mais conhecidos estão Miami Vice, Minority Report, In Bruges, The Batman, The Lobster, The Killing of a Sacred Deer e The Banshees of Inisherin.

No dia seguinte à homenagem, o actor dará ainda uma masterclass no festival, partilhando experiências e reflexões sobre mais de duas décadas de carreira.

Um prémio para um desempenho de alto nível

A distinção surge como reconhecimento pelo trabalho de Farrell no thriller psicológico Ballad of a Small Player, além do contributo para o cinema de autor. O filme, adaptação do romance de Lawrence Osborne, segue a história de um apostador de alto risco que, enquanto se esconde em Macau para escapar a dívidas e fantasmas do passado, encontra uma alma gémea que poderá ser a sua salvação.

O director artístico do festival, Christian Jungen, elogiou o actor:

“Colin Farrell é um dos actores mais carismáticos e apaixonados do cinema de autor. Convence tanto como vilão, herói romântico ou em papéis complexos. Sob a direcção de Edward Berger, atinge novos patamares e conduz-nos numa montanha-russa emocional.”

Primeira visita a Zurique

Farrell mostrou-se entusiasmado com a distinção e com a oportunidade de conhecer a cidade:

“Será a minha primeira vez em Zurique e estou ansioso por percorrer as suas ruas, beber o seu café e conviver com o seu povo. É generoso e humilde ver o meu trabalho reconhecido por um festival tão prestigiado.”

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Entre o cinema e a televisão

Recentemente, Farrell brilhou na série da HBO The Penguin, regressando ao papel de Oswald Cobblepot — interpretação que lhe valeu um Globo de Ouro, um Screen Actors Guild Award e um Critics Choice Award. Actualmente, encontra-se a rodar a segunda temporada de Sugar para a Apple TV+, retomando o papel de detective privado John Sugar.

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Dupla improvável, missão impossível

A Netflix garantiu os direitos para The Leading Man, uma comédia de acção baseada na banda desenhada de Jeremy Haun e B. Clay Moore, que vai juntar — e colocar em apuros — Kevin Hart e John Cena. Além de protagonizarem, ambos serão também produtores do projecto, escrito por Jon e Erich Hoeber, argumentistas responsáveis por sucessos como RED e The Meg.

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Do ecrã para o perigo real

A premissa promete gargalhadas: um astro de cinema egocêntrico (Cena) descobre que o seu parceiro no filme e “homem na cadeira” (Hart) é, na realidade, um agente secreto. Resultado? É obrigado a engolir o orgulho e a perceber que estrelas de acção não são necessariamente heróis de verdade… tudo isto enquanto tentam salvar o mundo.

Produção recheada de nomes de peso

Hart vai produzir através da sua empresa Hartbeat, com Luke Kelly-Clyne e Bryan Smiley, no âmbito de um acordo de vários filmes com a Netflix. Também estão envolvidos Joe Roth e Jeff Kirschenbaum (RK Films), Eric Gitter e Peter Schwerin (Ignition Productions), além do próprio Cena e Dan Baime.

Carreiras ao rubro

Kevin Hart está actualmente a trabalhar em 72 Hours, comédia realizada por Tim Story para a Netflix, onde contracena com Marcello Hernández e Mason Gooding. O actor já colaborou várias vezes com o gigante do streaming em títulos como Fatherhood, Me Time, The Man from Toronto, Lift e a minissérie True Story.

John Cena, por sua vez, acabou de protagonizar Heads of State ao lado de Idris Elba para a Amazon MGM, filme que se tornou um dos mais vistos da plataforma. No futuro próximo, tem na agenda Coyote vs. Acme, o filme live-action de Matchbox, e a segunda temporada de Peacemaker na HBO Max.

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Uma aposta segura para a Netflix

Ainda em fase inicial de desenvolvimento, The Leading Man promete reunir acção, humor e química entre dois dos actores mais carismáticos do género. E, se a premissa cumprir o que promete, os fãs podem esperar tanto cenas de adrenalina como diálogos rápidos e sarcásticos.

Michael Bay Provavelmente Nunca Voltará a Realizar um Filme de Bad Boys

O regresso que parecia possível… mas já não

Michael Bay, um dos realizadores de acção mais conhecidos do cinema, passou quase uma década a trabalhar na saga Transformers e não descarta regressar à franquia da Hasbro no futuro. Mas, quando se fala de regressos, há outra série que muitos fãs gostariam de o ver voltar a liderar: Bad Boys.

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Bay estreou-se na realização de longas-metragens precisamente com Bad Boys (1995), o filme de acção policial que juntou Will Smith e Martin Lawrence, arrecadou 141,4 milhões de dólares e lançou a carreira cinematográfica de Smith e do próprio realizador. A sequela, Bad Boys II (2003), consolidou o sucesso, mas desde então Bay não voltou a sentar-se na cadeira de realizador da saga, limitando-se a funções de produção enquanto Adil El Arbi e Bilall Fallah assumiam a direcção dos filmes mais recentes.

“Fast and Loose” estraga a hipótese de reencontro com Will Smith

A esperança de um regresso reacendeu-se quando foi anunciado que Bay voltaria a trabalhar com Will Smith no filme da Netflix Fast and Loose. A trama seguia um homem que acorda em Tijuana sem memória e descobre ter vivido uma dupla vida como agente da CIA e chefe do crime.

Este seria o primeiro projecto conjunto da dupla desde Bad Boys II e, se tudo corresse bem, poderia até abrir portas para um novo capítulo da saga. No entanto, Bay acabou por abandonar Fast and Loose devido a diferenças criativas: o realizador queria apostar mais na acção, enquanto Smith preferia reforçar o tom cómico do argumento.

Um futuro improvável para Bad Boys 5

Depois da saída de Bay de Fast and Loose, as hipóteses de o vermos de volta a Bad Boys parecem muito reduzidas. Se não houve consenso sobre o tom de um novo projecto, seria difícil chegar a um entendimento para um quinto filme da saga — sobretudo quando esta já evoluiu sem ele ao leme nos dois últimos títulos.

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Claro que é possível que a separação tenha sido amigável e que, no futuro, possam reencontrar-se. Mas, por agora, tudo indica que Michael Bay não deverá voltar a realizar um Bad Boys com Will Smith como protagonista.

Como Brick Tamland Abriu Caminho Para Andy Stitzer: A História de Como “Anchorman” Levou a “Virgem aos 40” 😂🎬

Quando um papel secundário roubou todas as atenções

Judd Apatow, mestre das comédias que misturam gargalhadas com momentos de ternura, revelou recentemente que a hilariante interpretação de Steve Carell em Anchorman: The Legend of Ron Burgundy foi tão surpreendente que acabou por abrir a porta ao seu primeiro grande papel como protagonista.

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Em conversa com Lamorne Morris no The Lamorning After Podcast, Apatow contou que, no set de Anchorman, “toda a gente estava em grande forma, mas as pessoas estavam especialmente impressionadas com a forma como Steve improvisava loucuras o dia todo. Era algo mágico no que ele estava a fazer com o Brick”.

Brick Tamland, o meteorologista ingénuo e excêntrico interpretado por Carell, tornou-se um ícone instantâneo — e Apatow sabia que havia ali material para muito mais do que um papel secundário.

Do improviso ao argumento

O produtor, conhecido por identificar e promover talentos emergentes (como fez com Jason Segel em Forgetting Sarah Marshall ou Seth Rogen em Knocked Up), perguntou diretamente a Carell se tinha alguma ideia para um filme onde pudesse brilhar como protagonista.

Carell foi buscar a inspiração a um sketch que tinha criado no grupo de improviso Second City. A cena mostrava um homem, durante um jogo de poker, a tentar inventar uma história sexual para impressionar os amigos, até que se torna óbvio que ele… nunca teve relações. Essa base deu origem ao conceito de The 40-Year-Old Virgin (Virgem aos 40), com uma versão dessa mesma cena a entrar no filme final.

Criar um protagonista com mais do que piadas

Apatow e Carell escreveram o argumento durante um verão inteiro, com o objetivo de dar a Andy Stitzer — o protagonista interpretado por Carell — “profundidade e complexidade”. O casting revelou-se um desfile de surpresas: nomes como Jane Lynch e Elizabeth Banks, que o realizador descreveu como “verdadeiras estrelas”, entraram no projeto não apenas porque se encaixavam bem nos papéis, mas porque transbordavam talento.

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O resto, claro, é história. Virgem aos 40 não só se tornou um sucesso de bilheteira e crítica, como cimentou Carell como um dos maiores nomes da comédia moderna. Tudo graças a um meteorologista de ficção que adorava… lâmpadas.

10 Frases de Cinema Que São Pura Genialidade 🎬🖋️

Quando uma linha de diálogo se torna eterna

Algumas frases de cinema não são apenas boas — tornam-se parte do nosso vocabulário, da cultura popular e até da nossa forma de ver o mundo. Há diálogos que atravessam décadas, saltam de geração em geração e são citados em momentos tão aleatórios como um jantar de amigos ou uma discussão acesa no trabalho.

A pensar nisso, o site Screen Rant reuniu uma seleção de dez frases absolutamente geniais que marcaram o grande ecrã. São linhas que, pelo seu impacto, improviso ou pura inteligência, ganharam vida própria e continuam a ser citadas muito para lá das salas de cinema. Aqui estão os exemplos perfeitos de como uma única frase pode ser tão poderosa como todo o filme que a envolve.

10. 

“Forget it, Jake. It’s Chinatown”

 — 

Chinatown

 (1974)

O cinema noir já é conhecido pelo seu pessimismo, mas aqui Roman Polanski foi além. No final amargo, Jake Gittes (Jack Nicholson) vê a sua cliente morrer às mãos da polícia e ouve do parceiro que deve “esquecer” — porque aquilo era inevitável. Uma frase curta que condensa um murro no estômago.

9. 

“It was beauty killed the beast”

 — 

King Kong

 (1933)

Uma reinterpretação sombria de A Bela e o Monstro. No desfecho, o realizador do filme dentro do filme declara que não foram os aviões a matar Kong, mas sim a sua paixão pela bela atriz. Cínico, com um toque poético, e impossível de esquecer.

8. 

“I’m not bad, I’m just drawn that way”

 — 

Who Framed Roger Rabbit

 (1988)

Jessica Rabbit, voz de Kathleen Turner, desconstrói a sua imagem de femme fatale. Não é má, apenas foi desenhada assim. É humor meta, charme e autodefesa num só sopro de ironia.

7. 

“The greatest trick the Devil ever pulled was convincing the world he didn’t exist”

 — 

The Usual Suspects

 (1995)

Enquanto a revelação final de Keyser Söze apanha todos desprevenidos, esta frase é uma lição sobre ilusão e ingenuidade humana. Uma linha tão inteligente que funciona dentro e fora do cinema.

6. 

“Say hello to my little friend!”

 — 

Scarface

 (1983)

Tony Montana (Al Pacino), em plena queda, dispara a frase mais icónica da sua carreira criminosa antes de abrir fogo com um lança-granadas. É puro excesso, puro cinema e pura memória coletiva.

5. 

“I am serious. And don’t call me Shirley”

 — 

Airplane!

 (1980)

Leslie Nielsen, mestre do humor deadpan, solta esta pérola com a mesma seriedade de um discurso político. Um jogo de palavras simples, mas que sobreviveu décadas como uma das piadas mais citadas do cinema.

4. 

“You’re gonna need a bigger boat”

 — 

Jaws

 (1975)

Improvisada por Roy Scheider, nasceu de uma piada interna no set sobre o tamanho do barco para as filmagens. Tornou-se a frase que simboliza todos os momentos em que percebemos… que subestimámos o problema.

3. 

“I’m having an old friend for dinner”

 — 

The Silence of the Lambs

 (1991)

Hannibal Lecter, mestre do requinte macabro, transforma um convite banal num trocadilho canibal. Anthony Hopkins precisou de 16 minutos em cena para criar um dos vilões mais memoráveis de sempre, e esta frase é a cereja no topo do bolo — ou no prato principal.

2. 

“I’m just one stomach flu away from my goal weight”

 — 

The Devil Wears Prada

 (2006)

Emily Blunt, com humor ácido, captura a obsessão do mundo da moda pelos corpos magros. Uma linha que, mesmo dita como piada, expõe a pressão e distorção de ideais ainda tão presentes.

1. 

“I know”

 — 

The Empire Strikes Back

 (1980)

O guião pedia “I love you, too”, mas Harrison Ford improvisou “I know”. Han Solo, prestes a ser congelado em carbonite, responde a Leia com a confiança e vulnerabilidade que definem o personagem. Simples, perfeito e imortal.

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Emma Thompson Revela o Que Realmente Pensa do Seu Papel em “Harry Potter” 🪄🎥

Uma opinião que pode surpreender os fãs

Emma Thompson, vencedora de dois Óscares e uma das atrizes mais respeitadas do cinema britânico, confessou recentemente que o seu papel como Professora Sybil Trelawney na saga Harry Potter não ocupa um lugar de destaque no seu coração artístico.

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Durante o Festival de Locarno, citado pelo Deadline, Thompson, de 66 anos, foi direta: “Não é realmente uma parte importante dos meus empreendimentos criativos. Lamento. Não quero ser rude com os fãs de ‘Harry Potter’, mas sabem… entrei, fiz um pouco com uns óculos e muito cabelo, e depois fui-me embora tendo sido bastante bem paga.”

Apesar do carinho do público pela excêntrica professora de Adivinhação, a atriz não esconde que a experiência foi, para si, mais um trabalho pontual do que um projeto com significado pessoal.

Não é a primeira vez que Thompson se pronuncia

Esta não é a primeira declaração de Thompson sobre o assunto. Já em 2008, numa entrevista ao MovieWeb, a atriz tinha explicado que não regressaria à saga por estar envolvida em Nanny McPhee. E aí foi ainda mais clara sobre a diferença entre os dois universos: “Os ‘Harry Potter’ são grandes franquias às quais não estou emocionalmente ou criativamente ligada. É mais como fazer uma participação, enquanto os ‘Nanny McPhee’ são algo que escrevi. A arte está nesses filmes, são muito feitos à mão, algo muito próximo de mim. São esses que realmente me importam.”

Um papel breve, mas memorável

Thompson deu vida a Trelawney em O Prisioneiro de Azkaban (2004) e regressou brevemente em A Ordem da Fénix(2007) e Os Talismãs da Morte – Parte 2 (2011). Comparado com o envolvimento de outros atores da saga, o seu tempo em cena foi relativamente curto, o que pode explicar a falta de ligação emocional ao papel.

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Ainda assim, para muitos fãs, a sua interpretação excêntrica — feita de visões dramáticas, olhos arregalados e uma aura de mistério — continua a ser um dos momentos mais deliciosos do universo cinematográfico de Harry Potter.

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Entre Óscares e Razzies

A carreira de Eddie Murphy é uma montanha-russa de êxitos e… alguns desastres cinematográficos. Entre Beverly Hills Cop, Coming to America e Dreamgirls, há também produções que o próprio ator reconhece não terem corrido bem. Mas atenção: quando o assunto é Norbit (2007), Murphy não aceita que se fale mal — mesmo que o filme tenha sido arrasado pela crítica e acusado de lhe ter custado o Óscar que parecia certo depois do sucesso de Dreamgirls.

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Numa entrevista à Complex, Murphy foi desafiado a escolher o seu “Monte Rushmore” de filmes… mas preferiu falar dos quatro piores. Acabou por nomear apenas dois: The Adventures of Pluto Nash (2002) e Holy Man (1998). Foi então que defendeu com unhas e dentes Norbit:

“Eu adoro Norbit. Eu escrevi o filme com o meu irmão Charlie, e nós achamos que é engraçado. Recebi nomeações para pior ator da década, pior ator e pior atriz… vá lá, o filme não é assim tão mau!”

A escolha errada… em nome do conforto

Murphy confessou ainda um dos grandes “ses” da sua carreira: podia ter feito Rush Hour com Jackie Chan, mas preferiu Holy Man. A razão?

“Tinha dois guiões: Rush Hour, cheio de ação e correria, e outro em que estaria de robe, em Miami. Pensei: isto é óbvio! E fomos para Miami fazer um filme horrível, mas que foi fácil.”

Os preferidos do próprio

Quando o tema são os melhores filmes que já fez, Murphy não hesita: The Nutty Professor, Coming to America, Shrek e Dreamgirls. Um alinhamento que mistura comédia física, animação, romance e até drama musical — prova de que a sua versatilidade é tão grande quanto a sua propensão para arriscar… mesmo que nem sempre acerte.

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Seja como for, para Murphy, Norbit nunca será um erro. Talvez uma incompreensão. E quem sabe, daqui a uns anos, não ganhe até estatuto de “clássico kitsch”.

Margaret Cho Ataca Dean Cain: “Nunca Vais Ser Branco” — A Nova Polémica do Superman Conservador 🦸🇺🇸

O “Superman” que trocou a capa por farda da ICE

Dean Cain, eternamente associado ao papel de Clark Kent na série dos anos 90 Lois & Clark, voltou a ser notícia — e não pelo cinema. Depois de se assumir como fervoroso apoiador de Donald Trump e de criticar abertamente a nova versão de Superman de James Gunn por considerar “anti-Trump” o facto de o herói ser descrito como um “imigrante”, Cain mergulhou de cabeça noutra polémica: protagonizou um vídeo de recrutamento para o ICE (Immigration and Customs Enforcement), a agência norte-americana responsável pela detenção e deportação de imigrantes.

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No vídeo, o ator apela a que os americanos se juntem à agência para prender “centenas de milhares de criminosos perigosos”, incluindo “terroristas, violadores, assassinos, pedófilos, membros da MS-13, traficantes de droga…”. Porém, segundo dados da TRAC, cerca de sete em cada dez migrantes detidos pelo ICE não têm registo criminal nos EUA.

A resposta de Margaret Cho — e é tudo menos suave

A comediante Margaret Cho, conhecida pelo seu humor ácido e ativismo político, não poupou críticas. Num vídeo no Instagram, dirigiu-se diretamente a Cain:

“Porque é que te juntarias ao ICE e incentivarias outros a fazê-lo quando os teus antepassados foram internados durante a Segunda Guerra Mundial? Tu és japonês, nem sequer és branco… Eu conheço-te, e tu não és branco.”

Cho recordou que Cain nasceu Dean Tanaka (o pai é de ascendência japonesa) e ironizou sobre a tentativa de “participar em atividades de brancos” para ganhar aceitação:

“Nunca vais ser branco, por mais racista que sejas… Sempre Wong, nunca white.”

Cain mantém-se firme

O ator, que também se apresenta como agente da autoridade e vai ser nomeado “agente honorário” do ICE, afirma não ter qualquer vergonha das suas origens e rejeita a ideia de reparações históricas pelo internamento de cidadãos nipónicos nos EUA durante a Segunda Guerra Mundial. Cain é também presença habitual na Fox News, onde reforça a sua posição contra políticas “woke” e a favor de medidas duras contra imigração ilegal.

De herói ficcional a figura controversa

Esta não é a primeira vez que Dean Cain troca o universo dos super-heróis pela arena política. As suas críticas ao Superman de James Gunn — que elogiou a herança imigrante da personagem — já tinham provocado divisões entre fãs. Agora, com a colaboração pró-ICE e o apoio público a Trump, Cain parece determinado a consolidar uma imagem de “Superman MAGA”, mesmo que isso lhe valha ataques diretos de figuras públicas como Margaret Cho.

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Se na ficção Clark Kent lutava pela “verdade e justiça”, na vida real Dean Cain parece ter escolhido uma batalha bem diferente — e com muito mais pólvora ideológica.

James Marsden Regressa Como Cyclops em Avengers:  — “Foi um Regresso a Casa” 🔵✨Doomsday

Vinte anos à espera… e a pergunta que nunca parou

Depois de duas décadas a ouvir fãs perguntarem “Quando é que voltas?”, James Marsden está finalmente de regresso ao papel que o lançou para o estrelato: Scott Summers, mais conhecido como Cyclops. O ator vai integrar o elenco de Avengers: Doomsday, próximo grande evento da Marvel Studios, que reunirá vários nomes da icónica saga X-Men da era 20th Century Fox.

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Em entrevista à Vanity Fair, Marsden descreveu a experiência como um “prazer” e um verdadeiro “regresso a casa”:

“Foi o primeiro grande projeto em que participei e deu vida a uma personagem muito amada dos comics. Voltar a vestir este papel foi especial.”

O passado de Cyclops no cinema

Marsden estreou-se como Cyclops no primeiro X-Men (2000), regressando em X2 (2003) e X-Men: The Last Stand (2006) — onde a personagem foi dada como morta, enquanto o ator rumava a Superman Returns. Agora, quase 20 anos depois, Cyclops está de volta, embora os detalhes sobre como regressa sejam mantidos em segredo.

Um elenco que é pura nostalgia

Além de Marsden, Avengers: Doomsday contará com outros veteranos da saga mutante:

  • Patrick Stewart como Charles Xavier
  • Ian McKellen como Magneto
  • Kelsey Grammer como Beast
  • Alan Cumming como Nightcrawler
  • Rebecca Romijn como Mystique

Ainda não se sabe se todos estarão também na sequela Avengers: Secret Wars, mas a Marvel já confirmou que, após estes filmes, haverá um reboot dos X-Men com um elenco mais jovem, realizado por Jake Schreier (Thunderbolts).

O futuro dos mutantes na Marvel

Schreier adiantou recentemente ao The Playlist que a nova versão será “claramente diferente” das anteriores — embora tenha brincado com o “perigo” de revelar mais detalhes.

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Já Avengers: Doomsday, com estreia marcada para 18 de dezembro de 2026, promete não só juntar heróis e vilões numa escala colossal, mas também oferecer aos fãs de longa data um momento de pura nostalgia.

Depois de anos de espera e rumores, os óculos de rubi de Cyclops estão de volta — e James Marsden não podia estar mais satisfeito.

Dave Bautista Vai Enfrentar Henry Cavill em Highlander e Junta-se a Jake Gyllenhaal em Road House 2 ⚔️🥊

Estrela de Dune e Guardiões da Galáxia fecha acordos para dois dos grandes blockbusters da Amazon MGM — e promete dar que falar

Dave Bautista está imparável — e a sua carreira pós-WWE continua a surpreender. Segundo fontes próximas da Amazon MGM Studios, o actor está prestes a oficializar dois novos papéis de peso: um como o temível vilão Kurgan na aguardada nova versão de Highlander, ao lado de Henry Cavill, e outro como protagonista em Road House 2, com Jake Gyllenhaal.

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Ambos os filmes são apostas ambiciosas do estúdio, e tudo indica que Bautista vai estar em grande nos próximos anos— tanto nas espadas como nos socos.

Em Highlander, só pode haver um (e Bautista quer ser o último)

O clássico Highlander – O Imortal, de 1986, ganha nova vida pelas mãos de Chad Stahelski (John Wick), com Henry Cavill como o novo Connor MacLeod e Bautista no papel do vilão lendário Kurgan — personagem imortalizado por Clancy Brown no original.

Na nova versão, Bautista interpreta um guerreiro imortal sedento de poder e violência, numa batalha milenar pelo “Prémio” — o dom supremo reservado ao último sobrevivente entre os Imortais.

O filme está a ser desenvolvido pela UA e 87Eleven Entertainment, e o estúdio já pensa em expandir o universo com novas sequelas e até uma série. Ainda sem data de estreia, Highlander promete recuperar a essência épica e cult da saga original, agora com um elenco que mistura carisma, físico e talento.

Em Road House 2, o caos volta ao bar mais perigoso da América

Depois do sucesso surpreendente do remake de Road House (disponível no Prime Video, com 80 milhões de visualizações nas primeiras oito semanas), a sequela está em marcha — e Dave Bautista vai dividir o ecrã com Jake Gyllenhaal.

Gyllenhaal regressa como Dalton, o ex-lutador de UFC que agora parece ter nova companhia à altura. Embora os detalhes da história estejam ainda guardados a sete chaves, sabe-se que o realizador será agora Ilya Naishuller (Nobody), substituindo Guy Ritchie, que abandonou o projecto.

O argumento é de Will Beall (Bad Boys: Ride or Die) e a produção está nas mãos de Atlas Entertainment, em colaboração com a produtora de Gyllenhaal.

Dave Bautista: de lutador a actor versátil (e requisitado)

Para além destes dois projectos, Bautista tem a agenda recheada: participa em The Wrecking Crew, uma comédia de acção ao lado de Jason Momoa, protagoniza o filme de assalto Trap House e ainda vai entrar na comédia alienígena Alpha Gang, dos irmãos Zellner.

Depois de uma elogiada prestação em The Last Showgirl, de Gia Coppola, e uma breve participação em The Naked Guncom Liam Neeson, Bautista tem vindo a cimentar a sua imagem como actor sério, capaz de equilibrar músculo e sensibilidade.

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E com o possível duelo entre Henry Cavill e Dave Bautista em Highlander, os fãs de acção épica já têm mais um combate cinematográfico para marcar no calendário.

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A nova série no universo de Scranton estreia-se em Setembro nos EUA — mas os fãs portugueses terão de esperar (pelo menos para já)

Os fãs de The Office têm razões para festejar — e talvez também para suspirar. A muito aguardada série The Paper, que se passa no mesmo universo da icónica comédia de escritório, tem estreia marcada para 4 de Setembro no Peacock, a plataforma de streaming da NBCUniversal. Mas há um pequeno (grande) problema: o Peacock não está disponível em Portugal.

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Ou seja, para já, não há data de estreia confirmada para o público português, nem qualquer informação oficial sobre transmissão na televisão ou noutro serviço de streaming acessível em território nacional.

Do escritório à redacção: uma nova comédia à medida dos fãs de The Office

Criada por Greg Daniels (o mesmo da versão americana de The Office) e Michael Koman, The Paper mantém o formato mockumentary e transporta-nos agora para a redacção de um jornal local em dificuldades, o The Truth Teller, na cidade de Toledo.

O protagonista é Domhnall Gleeson, que interpreta Ned Sampson, um novo editor-chefe cheio de boas intenções mas rodeado de uma equipa… pouco qualificada. Entre jornalistas cuja experiência se resume a redacções escolares ou posts nas redes sociais, o caos está garantido. Tudo filmado pelo mesmo grupo documental que acompanhou os funcionários da Dunder Mifflin em Scranton durante nove temporadas.

E sim — os fãs vão reconhecer uma cara familiar: Oscar Nuñez regressa como Oscar Martinez, agora a tentar manter alguma dignidade enquanto volta a ser seguido por câmaras.

Estreia em Portugal? Ainda não há confirmações

Até ao momento, a NBCUniversal não anunciou qualquer parceiro de distribuição para Portugal. Em casos anteriores, algumas séries do Peacock acabaram por chegar ao país via SkyShowtime ou TVCine, mas The Paper ainda não consta nos catálogos anunciados para Setembro.

Isto significa que, a menos que haja um acordo de última hora, a série não estará disponível legalmente em Portugal no momento da sua estreia nos EUA.

Vale a pena esperar?

Se gostaste de The Office, há boas razões para ficares atento a The Paper. O humor desconfortável, os personagens desajustados e a crítica social subtil estão todos lá. Com um elenco renovado, mas a mesma alma, esta série pode ser o sucessor espiritual que os fãs estavam à espera.

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Agora só falta um pequeno detalhe: alguém a trazer para cá.