“Uma pantera com boas intenções”: Tennessee Williams sobre Paul Newman e o peso da beleza

Quando o talento luta contra o próprio mito

Poucos actores da história do cinema carregaram a sua beleza como Paul Newman. Idolatrado pelo público, desejado pelos estúdios e venerado pela crítica, Newman poderia facilmente ter seguido uma carreira confortável, feita de charme, sorrisos perfeitos e personagens seguras. Mas, como sublinhou Tennessee Williams, esse nunca foi o seu caminho.

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Numa entrevista conduzida por James Grissom, o autor de Um Eléctrico Chamado Desejo deixou um dos retratos mais lúcidos e profundos alguma vez escritos sobre Paul Newman. Um texto que não se limita a elogiar o actor, mas que revela a luta constante entre a aparência, o talento e a necessidade quase dolorosa de ir mais longe.

A beleza como dádiva… e como maldição

Para Tennessee Williams, Newman era “insaciavelmente curioso”, alguém com uma tendência quase masoquista para se testar e esticar os próprios limites. O dramaturgo não nega que o actor tivesse plena consciência da sua beleza — e do poder que ela lhe conferia — mas sublinha algo mais interessante: essa beleza era também o seu fardo, a sua “cruz estética”.

Segundo Williams, Newman combatia activamente a sua aparência em cena. Não a escondia, mas recusava deixar-se definir por ela. A luta não era física, mas expressiva: na voz, no rosto, nos silêncios e nas subtilezas emocionais. Era aí que desmontava o mito do galã para revelar personagens frágeis, gananciosas, contraditórias ou mesmo moralmente duvidosas.

Chance Wayne e o confronto com o eu mais jovem

Essa tensão atinge um ponto particularmente fascinante em Sweet Bird of Youth, adaptação cinematográfica da peça homónima de Tennessee Williams. Newman interpreta Chance Wayne, um homem obcecado com a juventude perdida, o sucesso que nunca chegou e o medo visceral do tempo.

Williams observa que, neste papel, Newman manteve o corpo belo e a apresentação física intacta, mas transformou completamente o interior da personagem. Através da voz e da expressão facial, revelou a chicana, a ambição vazia e a ganância emocional de Chance. E quando a personagem se confronta simbolicamente com o seu “eu” mais jovem — cheio de sonhos e ilusões — Newman adquire, nas palavras do autor, uma aparência quase angelical, luminosa, como se o passado ainda tivesse o poder de o redimir.

Um actor incapaz de “ir a meio gás”

Talvez o elogio mais poderoso de Tennessee Williams seja este: Paul Newman era incapaz de facilitar. Incapaz de “coasting”, de viver apenas do prestígio acumulado. Havia nele uma ética quase moral de trabalho, uma recusa em aceitar o caminho mais simples.

Descrito como silencioso e lacónico, Newman surge neste testemunho como alguém sempre presente para ajudar, elogiar ou apoiar — amigos e desconhecidos. Alguém que entra e sai das situações com naturalidade, sem alarido, mas com impacto real. Daí a imagem final, memorável e perfeita: “uma pantera com boas intenções”.

O retrato definitivo de um gigante do cinema

Este testemunho de Tennessee Williams não é apenas uma declaração de admiração. É um documento precioso sobre a natureza do verdadeiro talento: aquele que não se acomoda, que questiona os próprios privilégios e que transforma até a beleza numa ferramenta dramática, em vez de um atalho.

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Paul Newman foi muito mais do que um rosto inesquecível. Foi um actor que enfrentou o seu próprio mito — e venceu.

A audição que mudou A Lista de Schindler — e a carreira de um actor

Quando Ralph Fiennes entrou na sala de audições de A Lista de Schindler, em 1992, nada indicava que aquele momento ficaria gravado na história do cinema. Vindo do teatro clássico britânico, dono de uma voz suave e de uma postura contida, Fiennes parecia uma escolha improvável para interpretar um dos vilões mais aterradores alguma vez retratados no grande ecrã.

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Mas bastaram poucos minutos para o ambiente se transformar. À medida que começava a dar corpo ao comandante nazi Amon Goeth, algo mudou. O olhar endureceu, os movimentos tornaram-se calculados, a respiração mais lenta. O silêncio que se instalou não foi de concentração — foi de desconforto.

No final, Steven Spielberg não aplaudiu. Saiu da sala. Minutos depois regressou, visivelmente perturbado, e disse apenas: “Acho que acabei de me deparar com o mal”.

Um papel que ninguém queria — nem o próprio actor

Ironicamente, Ralph Fiennes não desejava aquele papel. Anos mais tarde confessaria que tinha medo de Amon Goeth. “Não queria habitar a mente daquele homem”, admitiu. Mas Spielberg viu algo raro: uma tranquilidade profundamente inquietante, aquela calma quase clínica que antecede os actos mais cruéis.

Durante as filmagens, Fiennes tomou uma decisão radical. Mantinha o uniforme nazi mesmo fora das cenas. Não por vaidade ou método performativo vazio, mas porque precisava “sentir o peso e a repulsa” da personagem. Era uma forma de não romantizar o horror — de o enfrentar.

Quando a ficção se torna demasiado real

O impacto da sua presença foi tão intenso que sobreviventes do Holocausto que visitavam o set evitavam aproximar-se dele. Uma mulher chegou a chorar ao vê-lo. Disse-lhe: “Não é você… é ele. Você parece-se demasiado com ele”. Poucas validações são tão devastadoras quanto esta.

A interpretação foi amplamente elogiada e valeu-lhe uma nomeação para o Óscar. Mas deixou marcas profundas. “O que mais me assustou foi perceber o quão fácil a crueldade pode surgir”, contou Fiennes. Uma constatação que o acompanhou durante anos.

Recusar rótulos, preservar o mistério

Hollywood tentou empurrá-lo para o papel de vilão elegante e sofisticado. Ele recusou. Para Fiennes, o mistério é uma das últimas formas de poder de um actor. Assim, construiu uma carreira feita de contrastes: do monstro ao amante, do poeta ao assassino, do espião ao sacerdote.

Até que surgiu Lord Voldemort. A proposta arrancou-lhe uma gargalhada inicial. “Não gosto de fantasia”, disse. Só aceitou quando encontrou uma abordagem concreta e física. Estudou serpentes, trabalhou a voz como se respirasse através de vidro e decidiu que Voldemort não deveria ser uma caricatura, mas algo mais perturbador: “como se a morte tivesse aprendido a andar”.

Daniel Radcliffe resumiu melhor do que ninguém: quando Ralph Fiennes entrava no set, não eram precisos efeitos especiais — o ar gelava.

O silêncio como antídoto ao mal

Fora das câmaras, Fiennes é o oposto das figuras que interpreta. Escreve poesia, evita telemóveis e procura o silêncio. “A fama é barulho. Eu prefiro o silêncio”, diz.

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Ralph Fiennes não se limita a representar o mal. Ele desmonta-o, compreende-o e devolve-o ao público com algo ainda mais inquietante: humanidade. Porque o verdadeiro horror, como ele próprio demonstrou, não grita.

Sussurra.

Um Ano para a História dos Óscares: “Sinners” Arrasa Nomeações e Reescreve o Livro dos Recordes

A temporada de prémios aquece com a lista oficial de nomeados aos Óscares 2026

Preparem os smokings (ou, pelo menos, o pijama de gala): foram finalmente reveladas as nomeações para a 98.ª edição dos Óscares, promovida pela Academy of Motion Picture Arts and Sciences, e o ano de 2026 já entra directamente para a história do cinema. O grande protagonista chama-se Sinners, o ambicioso filme de Ryan Coogler, que soma impressionantes 16 nomeações — um novo recorde absoluto, ultrapassando clássicos como TitanicLa La Land e All About Eve, todos com “apenas” 14.

Lançado ainda em Abril de 2025, muito antes da habitual janela da temporada de prémios, Sinners conseguiu algo raríssimo: manter relevância, impacto crítico e entusiasmo durante quase um ano inteiro. O filme surge nomeado para Melhor Filme, Melhor Realização, Melhor Actor Principal para Michael B. Jordan (num duplo papel como os gémeos Smoke e Stack), Actor Secundário para Delroy Lindo, Actriz Secundária para Wunmi Mosaku, Argumento Original, Banda Sonora, Fotografia — e a lista continua. Um verdadeiro fenómeno.

Uma corrida renhida… apesar do domínio

Logo atrás surge One Battle After Another, de Paul Thomas Anderson, com 13 nomeações. Em qualquer outro ano lideraria confortavelmente a corrida, mas 2026 tem outro tipo de ambição. O filme marca presença nas categorias principais, incluindo Melhor Filme, Realização, Actor Principal para Leonardo DiCaprio, actores secundários para Benicio Del Toro e Sean Penn, e Actriz Secundária para Teyana Taylor.

Ambos os filmes concorrem ainda numa das novidades do ano: a nova categoria de Casting, uma adição há muito pedida pela indústria e que estreia com peso pesado logo à primeira edição.

Terror, autor europeu e cinema de género em grande forma

Um dos dados mais interessantes desta lista é a forte presença do cinema de terror e de propostas mais ousadas. Frankenstein, de Guillermo del Toro, arrecada nove nomeações, incluindo Melhor Filme, Argumento Adaptado, Caracterização e Actor Secundário para Jacob Elordi.

Já o perturbador Bugonia soma quatro nomeações, incluindo Melhor Filme e Actriz Principal para Emma Stone, confirmando que o cinema de género deixou definitivamente de ser tratado como parente pobre pela Academia.

O cinema europeu também marca forte presença, com Sentimental Value e Marty Supreme a arrecadarem nove nomeações cada. Joachim Trier e Josh Safdie surgem ambos nomeados para Melhor Realização, enquanto Timothée ChalametRenate Reinsve e Stellan Skarsgård reforçam o peso interpretativo destas produções.

Quem vai triunfar na grande noite?

A cerimónia dos Óscares realiza-se a 15 de Março, e a pergunta impõe-se: conseguirá Sinners transformar este domínio esmagador em vitórias históricas? Ou haverá espaço para surpresas, divisões de prémios e aquele clássico “Oscar moment” que ninguém vê chegar? 🎬✨

Para já, fica a lista completa de nomeados, para análise, debates acesos e apostas de última hora.

Lista Completa de Nomeados aos Óscares 2026

Melhor Filme

Bugonia

F1

Frankenstein

Hamnet

Marty Supreme

One Battle After Another

The Secret Agent

Sentimental Value

Sinners

Train Dreams

Realização

Chloé Zhao – Hamnet

Josh Safdie – Marty Supreme

Paul Thomas Anderson – One Battle After Another

Joachim Trier – Sentimental Value

Ryan Coogler – Sinners

Actor Principal

Timothée Chalamet – Marty Supreme

Leonardo DiCaprio – One Battle After Another

Ethan Hawke – Blue Moon

Michael B. Jordan – Sinners

Wagner Moura – The Secret Agent

Actriz Principal

Jessie Buckley – Hamnet

Rose Byrne – If I Had Legs I’d Kick You

Kate Hudson – Song Sung Blue

Renate Reinsve – Sentimental Value

Emma Stone – Bugonia

Actor Secundário

Benicio Del Toro – One Battle After Another

Jacob Elordi – Frankenstein

Delroy Lindo – Sinners

Sean Penn – One Battle After Another

Stellan Skarsgård – Sentimental Value

Actriz Secundária

Elle Fanning – Sentimental Value

Inga Ibsdotter Lilleaas – Sentimental Value

Amy Madigan – Weapons

Wunmi Mosaku – Sinners

Teyana Taylor – One Battle After Another

Argumento Adaptado

Bugonia

Frankenstein

Hamnet

One Battle After Another

Train Dreams

Argumento Original

Blue Moon

It Was Just An Accident

Marty Supreme

Sentimental Value

Sinners

Fotografia

Frankenstein

Marty Supreme

One Battle After Another

Sinners

Train Dreams

Documentário

The Alabama Solution

Come See Me In The Good Light

Cutting Through Rocks

Mr. Nobody Against Putin

The Perfect Neighbour

Filme Internacional

The Secret Agent

It Was Just An Accident

Sentimental Value

Sirāt

The Voice Of Hind Rajab

Animação

Arco

Elio

KPop Demon Hunters

Little Amélie Or The Character Of Rain

Zootopia 2

Caracterização

Frankenstein

Kokuho

Sinners

The Smashing Machine

The Ugly Stepsister

Banda Sonora

Bugonia

Frankenstein

Hamnet

One Battle After Another

Sinners

Casting

Hamnet

Marty Supreme

One Battle After Another

The Secret Agent

Sinners

Figurinos

Avatar: Fire And Ash

Frankenstein

Hamnet

Marty Supreme

Sinners

Canção Original

‘Dear Me’ – Diane Warren: Relentless

‘Golden’ – KPop Demon Hunters

‘I Lied To You’ – Sinners

‘Sweet Dreams Of Joy’ – Viva Verdi!

‘Train Dreams’ – Train Dreams

Direcção Artística

Frankenstein

Hamnet

Marty Supreme

One Battle After Another

Sinners

Montagem

F1

Marty Supreme

One Battle After Another

Sentimental Value

Sinners

Som

F1

Frankenstein

One Battle After Another

Sinners

Sirāt

Efeitos Visuais

Avatar: Fire And Ash

F1

Jurassic World Rebirth

The Lost Bus

Sinners

Curta-Metragem – Ficção

Butcher’s Stain

A Friend Of Dorothy

Jane Austen’s Period Drama

The Singers

Two People Exchanging Saliva

Curta-Metragem – Animação

Butterfly

Forevergreen

The Girl Who Cried Pearls

Retirement Plan

The Three Sisters

Curta-Metragem – Documentário

All The Empty Rooms

Armed Only With A Camera

Children No More

The Devil Is Busy

Perfectly A Strangeness

Jimmy Kimmel satiriza Trump por “abraçar” Nobel Peace Prize como um biberão

O apresentador Jimmy Kimmel dedicou parte do seu monólogo no programa Jimmy Kimmel Live! a fazer uma crítica mordaz ao Donald Trump após este ter aceite, de forma simbólica, a medalha do Nobel Peace Prize de 2025 das mãos da líder da oposição venezuelana María Corina Machado.  

Machado tinha sido premiada pelo seu papel na resistência democrática no seu país, mas abraçou Trump com uma entrega de medalha durante uma visita à Casa Branca, gesto que rapidamente se tornou tema de debate público.  

Kimmel não poupou na ironia. Durante o segmento de abertura transmitido a 16 de janeiro, comparou a forma como Trump segurou a medalha à imagem de um bebé a chupar um biberão, sugerindo que o ex-presidente parecia mais interessado no troféu do que no reconhecimento ou no significado político do gesto.  

O apresentador também fez piada com a frustração alegada de Trump por não ter ganho o prémio oficialmente — um ponto que alimentou a sua sátira — e utilizou o momento para propor uma troca caricatural: ofereceu a Trump alguns dos seus próprios troféus, incluindo Emmys e outros prémios conquistados ao longo da carreira, em troca da retirada da agência federal ICE de Minneapolis, numa crítica bem-humorada mas cortante às políticas de imigração e à presença de agentes federais na cidade.  

Kimmel explorou ainda essa “troca de prémios” com humor adicional, lembrando que, se Trump gosta tanto de troféus, oferecer-lhe algo que ele valorize poderia, ironicamente, incentivá-lo a agir politicamente de acordo com os desejos do apresentador.  

A abordagem de Kimmel insere-se numa tradição de comédia política em que figuras da política são alvo de sátira no palco de programas late night, misturando crítica social com humor popular. 

George R.R. Martin tem um trunfo escondido para o novo Game of Thrones — e pode mudar tudo

O prequel mais discreto de Westeros guarda um segredo inesperado

Quando se fala em novos projectos no universo de Game of Thrones, a expectativa costuma girar em torno de dragões, intrigas políticas sangrentas e batalhas épicas. A Knight of the Seven Kingdoms segue por um caminho bem diferente — e é precisamente aí que reside a sua maior força. A nova série da HBO, centrada nas aventuras de Dunk e Egg, é mais pequena em escala, mais leve no tom… mas pode ter um futuro muito maior do que se imaginava.

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O responsável pela série, Ira Parker, revelou que George R. R. Martin lhe confiou 12 histórias inéditas de Dunk e Egg — narrativas que nunca foram publicadas e que acompanham as personagens ao longo de toda a vida. Um detalhe que pode transformar um projecto inicialmente pensado para três temporadas numa saga de longo fôlego dentro de Westeros.

Dunk e Egg: heróis sem dragões nem feitiços

A Knight of the Seven Kingdoms acompanha Ser Duncan, o Alto, um cavaleiro errante sem fortuna, interpretado por Peter Claffey, e o seu jovem escudeiro Egg, vivido por Dexter Sol Ansell — uma criança com um segredo que os fãs do universo criado por Martin rapidamente reconhecerão. A série passa-se cerca de 90 anos antes dos acontecimentos de Game of Thrones e abdica propositadamente de magia, dragões e grandes exércitos.

O resultado é uma narrativa mais intimista, construída a partir de diálogos, relações humanas e pequenos conflitos morais. A primeira temporada conta apenas com seis episódios, muitos deles com menos de 40 minutos, numa decisão que Parker considera essencial para manter a história coesa e fiel às novelas originais, começando por The Hedge Knight.

Uma adaptação fiel — com Martin sempre por perto

Ao contrário do que aconteceu nas últimas temporadas de Game of Thrones, George R. R. Martin esteve profundamente envolvido neste projecto. Leu versões iniciais de todos os episódios, deu feedback directo — e nem sempre gentil — e participou em reuniões criativas desde a fase embrionária da série.

Segundo Parker, Martin não só aprovou as alterações necessárias à adaptação televisiva como ajudou a preencher os espaços entre as histórias, oferecendo contexto e ideias que nunca chegaram ao papel. É aqui que entram as tais 12 histórias secretas: algumas resumidas em poucos parágrafos, outras mais desenvolvidas, mas todas traçando o percurso completo de Dunk e Egg ao longo dos anos.

Um futuro aberto… se o público quiser

Oficialmente, o plano da HBO passa por adaptar apenas as três novelas publicadas por Martin. No entanto, Parker não esconde a ambição: faria 12 temporadas, espaçadas ao longo de décadas, acompanhando o envelhecimento natural das personagens — à semelhança de Boyhood, de Richard Linklater.

A grande incógnita continua a ser a reacção do público. Sem dragões, sem grandes reviravoltas chocantes logo no primeiro episódio e com um ritmo assumidamente paciente, A Knight of the Seven Kingdoms aposta no charme, na química entre personagens e numa visão mais humana de Westeros.

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Se isso for suficiente para conquistar os fãs, George R. R. Martin já garantiu que há histórias de sobra para muitos anos.

Jennifer Lawrence Diz que Perdeu Papel em Filme de Tarantino por “Não Ser Bonita o Suficiente”

Uma confissão desconcertante sobre Hollywood, aparência e oportunidades perdidas

Jennifer Lawrence é uma das actrizes mais bem-sucedidas da sua geração, vencedora de um Óscar e protagonista de algumas das maiores sagas do cinema moderno. Ainda assim, nem o estatuto de estrela global a livrou de ouvir uma das frases mais cruéis que Hollywood continua a saber repetir: “não és bonita o suficiente”.

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A revelação surgiu durante uma conversa no podcast Happy Sad Confused, apresentado por Josh Horowitz, onde Lawrence falou abertamente sobre realizadores com quem gostaria de trabalhar — e sobre papéis que lhe escaparam. Entre eles, um em particular: Once Upon a Time… in Hollywood, de Quentin Tarantino.

Segundo a actriz, o seu nome chegou a ser considerado para interpretar Sharon Tate, mas a ideia acabou descartada com um argumento devastador. “Disseram que eu não era bonita o suficiente”, afirmou, entre o sarcasmo e a incredulidade, perante a reacção solidária do público.

Tarantino, Lawrence e uma relação cheia de “quase”

Esta não foi a primeira vez que Jennifer Lawrence esteve perto de colaborar com Quentin Tarantino. Em 2015, o realizador revelou ser um “grande fã” da actriz e confirmou que lhe propôs o papel de Daisy Domergue em The Hateful Eight. Na altura, Lawrence recusou — decisão que hoje admite ter sido um erro — devido ao intenso ciclo promocional de The Hunger Games.

Mais tarde, já durante o desenvolvimento de Once Upon a Time… in Hollywood, Tarantino voltou a ponderar trabalhar com a actriz, ainda que não como Sharon Tate. Em 2021, no podcast WTF with Marc Maron, o realizador revelou ter considerado Lawrence para o papel de “Squeaky”, seguidora de Charles Manson. A actriz chegou a ler o guião em sua casa, mas o papel acabaria por ir para Dakota Fanning.

O peso da comparação e o veredicto público

O papel de Sharon Tate acabou, como se sabe, por ser interpretado por Margot Robbie. Meses antes da estreia do filme, Debra Tate chegou a afirmar publicamente que preferia Robbie a Lawrence, elogiando a “beleza física” e a forma como esta se movimentava, acrescentando que Lawrence “não era bonita o suficiente”. Uma declaração que gerou polémica, mas que ilustra bem a lógica implacável da indústria.

Lawrence, com o seu humor característico, não deixou de ironizar a situação, chegando mesmo a dizer — em tom morto — que também não ficou com um papel em Twilight porque “era demasiado feia”. A piada funciona precisamente porque toca num nervo real.

Um problema que Hollywood insiste em não resolver

O episódio revela algo mais profundo do que um simples casting falhado. Mostra como, mesmo em 2026, a aparência física continua a ser usada como critério absoluto — sobretudo para mulheres — independentemente do talento, currículo ou reconhecimento crítico.

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Jennifer Lawrence pode rir-se da situação, mas a história levanta uma questão incómoda: quantas carreiras menos consolidadas não ficam pelo caminho por razões semelhantes? Em Hollywood, nem um Óscar garante imunidade.

O Futuro de Star Wars Começa a Ganhar Forma: Taika Waititi, Filmes Independentes e Personagens-Chave em Jogo

Kathleen Kennedy revela o que avança, o que espera… e o que ainda mete respeito em Hollywood

Numa altura de profunda reorganização criativa na Lucasfilm, Kathleen Kennedy decidiu levantar um pouco o véu sobre o futuro imediato (e menos imediato) de Star Wars. Em declarações à Deadline, a histórica presidente do estúdio — agora em transição para um papel focado na produção — confirmou avanços concretos em vários projectos, esclareceu dúvidas antigas e admitiu, sem rodeios, que o clima à volta da saga continua a intimidar criadores.

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Star Wars: Starfighter: um filme pensado para ser… só um filme

Uma das confirmações mais relevantes prende-se com Star Wars: Starfighter, realizado por Shawn Levy e protagonizado por Ryan Gosling, ao lado do jovem Flynn Gray. Segundo Kennedy, o projecto foi concebido desde início como uma história totalmente independente do resto da saga.

“Foi pensado como um verdadeiro filme stand-alone. Podemos simplesmente fazer um filme e contar uma história”, explicou. Ainda assim, deixou a porta aberta a possíveis continuações, elogiando o desempenho de Gray e admitindo que seria difícil ignorar o potencial do actor se o público responder positivamente.

O próximo passo no cinema: 

The Mandalorian and Grogu

Antes disso, o próximo lançamento cinematográfico de Star Wars já está fechado: The Mandalorian and Grogu, realizado por Jon Favreau, chega aos cinemas em Maio de 2026. O filme terminou as filmagens em Novembro e encontra-se agora em pós-produção, com Kathleen Kennedy a acompanhar de perto o trabalho de efeitos visuais.

Este projecto representa um passo simbólico importante: a transição de personagens nascidas no streaming para o grande ecrã, algo que poderá definir o futuro modelo da saga.

Taika Waititi, Lando e outros guiões… todos em cima da mesa

Depois de anos envolto em incerteza, o filme de Taika Waititi parece finalmente ganhar tração. Kennedy confirmou que o realizador já entregou um guião completo — e que a sua reacção foi bastante clara: “é hilariante e óptimo”. Um comentário que sugere que o tom irreverente de Waititi continua intacto.

Também Donald Glover entregou um guião relacionado com Lando, enquanto um projecto inesperado envolvendo Steve SoderberghAdam Driver e o argumentista Scott Burns foi igualmente elogiado. No entanto, Kennedy fez questão de sublinhar que as decisões finais não dependerão apenas dela, sobretudo nesta fase de transição.

O peso dos fãs… e o medo de criar Star Wars

Talvez a parte mais reveladora da entrevista tenha sido a reflexão sobre o impacto da reacção online nos criadores. Kennedy admitiu que Rian Johnson terá ficado “assustado” com a negatividade gerada após The Last Jedi, algo que, segundo ela, não é caso único.

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“Todos os realizadores e actores perguntam: ‘o que vai acontecer?’ Estão um pouco assustados”, confessou, acrescentando que as mulheres são frequentemente alvo de ataques injustos. Uma realidade que ajuda a explicar porque tantos projectos Star Wars demoram anos a sair do papel — ou nunca chegam a fazê-lo.

Um futuro aberto… mas cauteloso

Entre filmes independentes, regressos aguardados e criadores de peso à espera de luz verde, Star Wars continua a avançar — mas com mais prudência do que nunca. O próximo capítulo da saga será, ao que tudo indica, menos sobre quantos filmes serão feitos… e mais sobre como contar histórias sem medo.

Mudança Histórica na Lucasfilm: Dave Filoni Assume o Comando Criativo Após Saída de Kathleen Kennedy

Uma nova era começa numa das casas mais icónicas da história do cinema

A Lucasfilm entra oficialmente numa nova fase da sua história. Após 14 anos à frente do estúdio, Kathleen Kennedydeixa o cargo de presidente da Lucasfilm para regressar em exclusivo à produção, abrindo caminho a uma nova liderança que promete moldar o futuro de Star Wars e muito mais. A transição foi anunciada pela própria Lucasfilm em conjunto com The Walt Disney Studios, confirmando Dave Filoni como Presidente e Chief Creative Officer, ao lado de Lynwen Brennan, que assume o cargo de Co-Presidente.

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Não se trata apenas de uma mudança administrativa. É, acima de tudo, uma redefinição criativa num estúdio que gere um dos universos mais influentes da cultura popular contemporânea.

Kathleen Kennedy: o fim de um ciclo decisivo

Kathleen Kennedy assumiu a presidência da Lucasfilm em 2012, no mesmo ano em que a Disney adquiriu o estúdio fundado por George Lucas. Ao longo de mais de uma década, liderou uma expansão sem precedentes do universo Star Wars, tanto no cinema como na televisão, enfrentando elogios, polémicas e expectativas colossais.

Sob a sua liderança nasceram fenómenos como Star Wars: The Force Awakens, que quebrou recordes de bilheteira, e Rogue One: A Star Wars Story, que não só superou mil milhões de dólares como deu origem à aclamada série Andor. Kennedy foi também a grande impulsionadora da aposta em séries de imagem real para o streaming, abrindo caminho a títulos como The MandalorianObi-Wan Kenobi e Ahsoka.

Agora, regressa à produção a tempo inteiro, mantendo-se ligada a projectos-chave como The Mandalorian and Grogu e Star Wars: Starfighter, realizado por Shawn Levy.

Dave Filoni: o discípulo assume o legado

A escolha de Dave Filoni para liderar criativamente a Lucasfilm é tudo menos surpreendente. Presença central no estúdio desde 2005, Filoni trabalhou directamente com George Lucas em Star Wars: The Clone Wars, ajudando a definir o tom moderno da saga. Mais tarde, foi uma peça-chave na transição para a televisão de imagem real, ao lado de Jon Favreau, com The Mandalorian.

Filoni tornou-se, aos olhos de muitos fãs, o grande guardião do espírito de Star Wars, equilibrando mitologia, emoção e coerência narrativa. Actualmente, é showrunner de Ahsoka, cuja segunda temporada já se encontra em produção, e prepara-se para estrear o filme The Mandalorian and Grogu nos cinemas a 22 de Maio de 2026.

Nas suas primeiras declarações, Filoni fez questão de sublinhar a influência determinante de Kathleen Kennedy e George Lucas na sua formação, assumindo o novo cargo com um tom de humildade pouco comum em posições desta dimensão.

Lynwen Brennan: estabilidade e inovação nos bastidores

Se Filoni representa a visão criativa, Lynwen Brennan simboliza a continuidade operacional e tecnológica. Na Lucasfilm desde 1999, começou na Industrial Light & Magic, onde chegou à liderança em 2009. Mais tarde, assumiu funções executivas centrais no grupo Lucasfilm, guiando o estúdio por profundas transformações tecnológicas.

O seu percurso foi reconhecido com distinções como o Lifetime Achievement Award da Visual Effects Society e o título de Comendadora da Ordem do Império Britânico. A sua nomeação como Co-Presidente garante equilíbrio entre criatividade, inovação e gestão — uma combinação essencial num estúdio com esta dimensão.

Um legado que atravessa gerações

Para lá da Lucasfilm, o nome de Kathleen Kennedy confunde-se com a própria história do cinema moderno. Co-fundadora da Amblin Entertainment ao lado de Steven Spielberg e Frank Marshall, esteve ligada a clássicos absolutos como E.T.Jurassic ParkBack to the Future e Schindler’s List. Ao longo de uma carreira de 50 anos, produziu mais de 70 filmes, responsáveis por 25 Óscares e centenas de nomeações.

A sua saída da liderança da Lucasfilm não representa um adeus, mas antes uma passagem de testemunho cuidadosamente preparada.

O futuro da Força

Com Dave Filoni e Lynwen Brennan ao leme, a Lucasfilm entra num novo capítulo com uma promessa clara: respeitar o legado, mas olhar em frente. Entre novos filmes, séries e abordagens narrativas mais coesas, a expectativa é elevada — e a responsabilidade também.

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Como o próprio Filoni diria: a Força continua a estar presente. Resta saber como será usada.

A Jogada de Mestre Que Hollywood Não Viu a Chegar: Como Timothée Chalamet Transformou “Marty Supreme” Num Fenómeno

Marketing agressivo, criatividade sem rede e um sucesso que já bate recordes

Há campanhas de marketing eficazes… e depois há aquelas que entram directamente para o manual de estudo da indústria. Marty Supreme é, neste momento, o exemplo mais citado de como a criatividade bem pensada pode transformar um filme original num verdadeiro fenómeno de bilheteira. Protagonizado por Timothée Chalamet, realizado por Josh Safdie e produzido pela A24, o filme já ultrapassou One Battle After Another no box office norte-americano — e fê-lo com uma estratégia tão arrojada quanto pouco convencional.

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Desde a estreia nacional no Dia de Natal, Marty Supreme não tem parado de quebrar recordes para um filme independente. Mas o verdadeiro motor deste sucesso não está apenas no ecrã: está na forma como Chalamet decidiu assumir um papel activo, quase autoral, na promoção do filme.

Um Zoom que parecia loucura… e era genial

Tudo começou com algo aparentemente impensável: Timothée Chalamet publicou nas redes sociais um link para uma reunião de Zoom com executivos de marketing da A24. Durante 18 minutos, o actor surge inflamado, quase caricatural, a exigir uma campanha “intencional, implacável e agressiva”, descrevendo Marty Supreme como “uma das coisas mais importantes a acontecer no planeta Terra este ano”.

A conversa rapidamente descamba para ideias absurdas — dirigíveis laranja a cruzar os Estados Unidos, ping-pongs a cair do céu num festival de Tyler, The Creator, referências ao desastre do Hindenburg e até comentários sobre alguém “perder um braço, mas ganhar um braço intelectual”. Tudo demasiado exagerado para ser real. E não era. O Zoom era um guião cuidadosamente encenado, pensado para se tornar viral. Resultado? Tornou-se exactamente isso.

Mais do que um truque publicitário, o vídeo expôs algo raro em Hollywood: um actor com verdadeira literacia de marketing, consciente da sua imagem, do seu público e da cultura digital em que se move.

O laranja de “Marty Supreme” contra o rosa da Barbie

Chalamet percebeu desde cedo que não podia repetir fórmulas. Citou Barbie como a campanha de referência, mas rejeitou copiar-lhe a identidade cromática. Em vez disso, apresentou um tom de laranja “corroído, enferrujado, em decomposição”, desenvolvido por um designer ao longo de seis meses. Um detalhe aparentemente menor, mas que acabou por se tornar central na identidade visual do filme — do merchandising aos eventos pop-up, passando pela icónica transformação da Sphere de Las Vegas numa bola gigante de ping-pong.

Esta abordagem lembra inevitavelmente o caso Ryan Reynolds com Deadpool, outro exemplo de actor que moldou activamente a campanha do seu próprio filme. A diferença é que Marty Supreme não pertence a uma franquia multimilionária: é um drama desportivo sobre um hustler dos anos 50 obcecado em tornar-se campeão mundial de ténis de mesa.

Números que falam mais alto do que o ruído

Até ao momento, Marty Supreme já arrecadou cerca de 72,27 milhões de dólares nos Estados Unidos, ultrapassando One Battle After Another, protagonizado por Leonardo DiCaprio, que soma 71,6 milhões no mercado doméstico. Internacionalmente, o filme da Warner Bros. continua à frente, mas Marty Supreme está apenas a iniciar a sua expansão global, com resultados impressionantes no Reino Unido — o melhor arranque de sempre de um filme da A24 naquele território.

As previsões apontam para um total mundial entre 170 e 180 milhões de dólares, um número extraordinário para um filme original com um orçamento estimado entre 60 e 70 milhões. Está também prestes a tornar-se o maior sucesso doméstico da história da A24, ultrapassando Everything Everywhere All At Once.

Um actor que entende o seu tempo

Chalamet já tinha mostrado interesse pelo marketing em Wonka e A Complete Unknown, mas aqui levou o conceito ao limite. Evitou entrevistas tradicionais, apostou em momentos virais cuidadosamente coreografados e tratou a campanha “como um atleta trata uma competição”. A vitória no Globo de Ouro de Melhor Actor veio apenas reforçar o momento e promete um novo impulso rumo aos Óscares.

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No final, Marty Supreme não é apenas um sucesso de bilheteira. É uma demonstração clara de que, num mercado saturado de sequelas e IPs reciclados, ainda há espaço para filmes originais — desde que alguém tenha a audácia de os vender como se o mundo estivesse a olhar.

“Go Ahead, Make My Day”: A Frase de Clint Eastwood Que Nunca Envelheceu 🎬

Quando uma linha de diálogo vale mais do que uma explosão

O cinema de acção sempre viveu de excessos: explosões, perseguições impossíveis, murros, tiros e corpos a voar em câmara lenta. Mas quem cresceu a ver filmes protagonizados por Stallone, Schwarzenegger, Van Damme ou Clint Eastwood sabe que, muitas vezes, o momento mais memorável não envolve efeitos especiais nem coreografias elaboradas. Basta uma frase bem colocada. Um one-liner perfeito.

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Do lendário “Yippee-ki-yay” de John McClane às tiradas musculadas de Arnold Schwarzenegger, a história do género está repleta de frases que ficaram gravadas na cultura popular. Ainda assim, há uma que continua a destacar-se pela sua simplicidade, frieza e poder absoluto. Uma ameaça dita sem levantar a voz. Um convite carregado de destino: “Go ahead, make my day.”

Sudden Impact: o momento em que Dirty Harry se torna eterno

Lançado em 1983, Sudden Impact foi o quarto capítulo da saga Dirty Harry. Quando o filme chegou às salas, o inspector Harry Callahan já não precisava de apresentações. Desde Dirty Harry (1971), passando por Magnum Force e The Enforcer, o público conhecia bem o olhar gelado, a moral inflexível e a relação nada romântica com a lei.

Mas é em Sudden Impact que tudo se cristaliza num único instante. Numa cena quase silenciosa, sem música sublinhadora ou montagem frenética, Harry confronta um criminoso. Não grita. Não gesticula. Limita-se a dizer a frase. E nesse exacto momento, o poder muda de lado.

A genialidade da cena está na contenção. Eastwood não precisa de teatralidade. A frase surge limpa, directa, quase casual. É precisamente isso que a torna devastadora. Harry não ameaça — constata. Ele sabe que já ganhou. E o espectador também.

Confiança como arma letal

Há algo de profundamente cinematográfico na forma como Clint Eastwood entrega esta fala. Não há raiva descontrolada nem heroísmo inflamado. Existe apenas certeza. Uma convicção inabalável de que está do lado certo — moral, legal e narrativamente.

Esta confiança “armada” resume tudo o que Dirty Harry representa: a fantasia de uma justiça simples, imediata e sem ambiguidades, num mundo cada vez mais complexo. A frase tornou-se um símbolo dessa visão romântica e polémica da autoridade, ecoando muito para lá do ecrã.

Importa lembrar que a linha foi escrita por Joseph Stinson, num raro momento de alquimia perfeita entre texto e intérprete. Sem Eastwood, talvez fosse apenas mais uma frase. Com ele, tornou-se História.

Quarenta anos depois, continua a funcionar

Mais de quatro décadas após a estreia, Sudden Impact mantém uma força curiosamente intacta. Entre os anti-heróis moralmente cinzentos dos anos 70 e os heróis hiperbólicos dos anos 80, Clint Eastwood ocupou um espaço único. Provou que o silêncio podia ser mais ameaçador do que um lança-foguetes.

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Hoje, “Go ahead, make my day” continua a ser citada, parodiada e reverenciada. Não apenas como uma frase icónica, mas como um lembrete de que o verdadeiro cool no cinema não precisa de barulho. Basta presença. E nisso, Clint Eastwood continua a não ter concorrência

Timothée Chalamet bate DiCaprio e conquista o Globo de Ouro numa noite cheia de surpresas Marty Supreme dá a vitória ao actor, enquanto One Battle After Another domina a cerimónia

A 83.ª edição dos Globos de Ouro confirmou aquilo que Hollywood já vinha a sussurrar: Timothée Chalamet está cada vez mais perto de se afirmar como um dos grandes nomes da sua geração. O actor venceu o prémio de Melhor Actor em Filme de Musical ou Comédia pela sua prestação em Marty Supreme, batendo uma concorrência de luxo que incluía Leonardo DiCaprio e George Clooney.

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A vitória representa um momento simbólico na carreira de Chalamet: depois de cinco nomeações, foi a primeira vez que subiu ao palco para receber um Globo de Ouro. No discurso, sublinhou a importância da gratidão, recordando os ensinamentos do pai, e admitiu que as derrotas passadas tornaram este triunfo “ainda mais doce”. O actor aproveitou ainda para agradecer aos pais e à companheira, Kylie Jenner, presente na plateia.

DiCaprio perde o actor, mas vence o filme

Apesar de Leonardo DiCaprio ter saído de mãos a abanar na categoria de interpretação, o seu filme One Battle After Another foi o grande vencedor da noite em termos absolutos. A produção arrecadou quatro estatuetas, incluindo Melhor Filme de Musical ou Comédia, Melhor Realização e Melhor Argumento para Paul Thomas Anderson.

Visivelmente emocionado, Anderson agradeceu o carinho demonstrado pela indústria, sublinhando o privilégio de continuar a fazer cinema com liberdade criativa. O filme confirmou-se, assim, como um dos pesos pesados da actual temporada de prémios.

Hamnet surpreende no drama

Uma das maiores surpresas da noite foi a vitória de Hamnet na categoria de Melhor Filme Dramático, numa corrida onde Sinners era apontado como favorito. A protagonista Jessie Buckley venceu também o prémio de Melhor Actriz em Drama, agradecendo a oportunidade de participar numa produção internacional que cruzou culturas, equipas e sensibilidades.

A realizadora Chloé Zhao mostrou-se surpreendida ao receber o prémio, enquanto o produtor Steven Spielberg elogiou o romance de Maggie O’Farrell e afirmou que Zhao era “a única cineasta capaz de contar esta história”.

Discursos marcantes e afirmação internacional

Outro dos momentos mais emocionantes da noite pertenceu a Teyana Taylor, distinguida como Melhor Actriz Secundária por One Battle After Another. Em lágrimas, deixou uma mensagem poderosa dirigida às “irmãs e raparigas racializadas”, lembrando que a sua luz não precisa de permissão para brilhar.

Na vertente internacional, o thriller político brasileiro The Secret Agent venceu o prémio de Melhor Filme Internacional, com Wagner Moura a conquistar o Globo de Melhor Actor em Drama. No discurso, falou de trauma geracional e da importância de manter valores em tempos difíceis.

Televisão também em destaque

Como é tradição, os Globos de Ouro distinguiram igualmente a televisão. A série Adolescence continuou a somar prémios, com Owen Cooper, de apenas 16 anos, a vencer como Melhor Actor Secundário. Humilde, descreveu-se como “um aprendiz que ainda está a aprender todos os dias”.

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A cerimónia confirmou, assim, que os Globos continuam a ser um termómetro essencial rumo aos Óscares — e que uma nova geração de talentos está pronta para assumir o protagonismo.

Emma Thompson revela o paradoxo de Alan Rickman: o vilão que só queria ser herói


Um actor eternizado pelos maus da fita, mas cansado de viver na sombra dos vilões

Durante décadas, Alan Rickman foi um dos grandes mestres do vilão carismático no cinema. A sua voz grave, o olhar irónico e a presença imponente tornaram-no inesquecível sempre que surgia do lado “errado” da história. No entanto, segundo Emma Thompson, essa imagem pública acabou por se tornar um peso inesperado na carreira do actor.

Numa entrevista à GQ, Emma Thompson recordou o entusiasmo quase juvenil de Rickman quando interpretou o Coronel Brandon em Sentido e Sensibilidade. Para o actor, aquele papel representava algo raro: a oportunidade de ser visto como alguém nobre, gentil e emocionalmente contido — longe da galeria de vilões que o público parecia exigir dele.

“Ele estava tão feliz por interpretar alguém heróico e bom”, contou Thompson. “Estava farto de as pessoas quererem sempre que fosse o Xerife de Nottingham.”

O vilão perfeito… em demasia

A ironia é que um dos papéis que mais contribuiu para esse rótulo foi também um dos mais celebrados da sua carreira. Em Robin Hood: Príncipe dos Ladrões, Rickman transformou o Xerife de Nottingham numa figura absolutamente delirante, roubando cada cena a Kevin Costner com sarcasmo, crueldade exagerada e frases que entraram directamente para a história do cinema popular.

A interpretação foi tão marcante — incluindo a famosa ameaça de arrancar o coração “com uma colher” — que lhe valeu uma nomeação para os BAFTA. Mas o sucesso teve um efeito colateral: Hollywood passou a vê-lo sobretudo como o vilão ideal.

Esse estatuto consolidou-se ainda mais com Hans Gruber em Die Hard e, mais tarde, com Severus Snape na saga Harry Potter. Personagens icónicas, complexas e amadas pelo público — mas que reforçaram a ideia de que Rickman “pertencia” ao lado negro da força.

Quando Alan Rickman era o coração da história

O que muitos esquecem é que algumas das suas interpretações mais belas surgiram precisamente quando fazia o oposto. Para lá do contido e melancólico Coronel Brandon, Rickman emocionou profundamente em Truly, Madly, Deeply, como o namorado que regressa do além para ajudar a mulher a lidar com o luto.

Em Dogma, de Kevin Smith, deu vida ao anjo Metatron com uma mistura perfeita de solenidade e humor, enquanto em Galaxy Quest criou uma das personagens mais queridas da sua carreira: Alexander Dane, também conhecido como Dr. Lazarus — um actor shakespeariano preso num papel de ficção científica que detesta… até aprender a aceitá-lo.

Um legado que vai muito além do bem e do mal

No final, o público pode ter acorrido em massa para ver Alan Rickman como vilão, mas a verdade é simples: fosse herói ou antagonista, estava sempre garantida uma grande interpretação. Rickman tinha o raro talento de elevar qualquer personagem, mesmo as mais caricatas, a um nível de humanidade e complexidade pouco comum.

Talvez por isso a sua frustração seja tão reveladora. Não por rejeitar os vilões — muitos deles brilhantes —, mas por querer ser lembrado também pelo outro lado: o da empatia, da bondade e da vulnerabilidade. Um desejo legítimo para um actor que nunca foi apenas “o mau da fita”, mas um dos intérpretes mais completos e respeitados da sua geração.

Helen Mirren aos 80: a resposta direta e sem filtros aos “tech bros” obcecados com a juventude eterna

A actriz britânica rejeita a fantasia da imortalidade tecnológica e lembra que envelhecer não é perder — é crescer

Aos 80 anos, Helen Mirren continua a ser uma das vozes mais lúcidas — e implacavelmente honestas — de Hollywood. Numa entrevista recente à revista Elle, a actriz deixou uma mensagem clara para os chamados “tech bros”, figuras influentes do sector tecnológico obcecadas com a ideia de prolongar a vida indefinidamente ou, melhor ainda, derrotar o envelhecimento: isso não passa de uma fantasia infantil.

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Para Mirren, a obsessão com a longevidade biológica ignora aquilo que realmente importa. “Para mim, a palavra longevidade significa ser activo, proactivo e produtivo ao longo de um longo período da vida”, explicou. Viver, diz a actriz, não é acumular anos, mas desfrutar da fisicalidade da existência: a beleza da natureza, o entusiasmo do sucesso profissional — quando existe —, a família, os filhos, as pequenas experiências quotidianas que dão sentido ao tempo.

Envelhecer não é perder tempo — é aprender a viver

Na sua leitura profundamente pragmática, a verdadeira longevidade está em “contribuir de tantas formas diferentes quanto possível, durante o maior tempo possível”. O problema, acrescenta, é que a tentativa de “hackear” o envelhecimento acaba por se tornar uma distracção perigosa: enquanto se luta contra o inevitável, perde-se a oportunidade de viver plenamente.

Mirren não poupa ironia quando fala da indústria tecnológica e da sua relação com a morte. “A vida é finita. Não há como lutar contra isso — por mais que algumas pessoas se coloquem no gelo, a sonhar que acordam daqui a 50 anos. É um sonho, uma fantasia. Acho tudo isto muito estranho”, afirmou. Para a actriz, envelhecer não é “ficar velho”, mas sim “crescer”. E quem não consegue aceitar a própria finitude, diz ela, simplesmente ainda não cresceu.

Uma filosofia coerente, dentro e fora do ecrã

Esta não é, de resto, uma posição nova na carreira de Helen Mirren. Em Outubro, numa conversa com a revista Allure, a actriz declarou amar “tudo” no processo de envelhecer. Sem filtros, resumiu a sua visão da vida com uma lista simples e reveladora: estar viva, continuar a trabalhar, beber um copo de vinho, usar maquilhagem, ouvir música, ver um pôr-do-sol, ir ao teatro, ver filmes, fazer maratonas de séries e, sobretudo, viver. “É uma coisa linda”, afirmou.

Corpo em movimento, sem obsessões

No plano prático, Mirren defende uma relação saudável — e descomplicada — com o corpo. Há anos que promove um treino militar de 12 minutos desenvolvido nos anos 1950 pela Força Aérea Real Canadiana, mas sublinha que nunca é tarde para começar a mexer-se. Especialmente para quem está nos 50 ou 60 anos, o segredo não está em ginásios de luxo ou rotinas extremas, mas em pequenas mudanças: uma caminhada curta, yoga, manter o corpo activo de forma prazerosa.

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Um discurso raro numa indústria obcecada com a juventude

Num meio como Hollywood, onde a juventude continua a ser tratada como moeda de troca, a frontalidade de Helen Mirren soa quase revolucionária. Aos 80 anos, a actriz não está interessada em promessas de imortalidade nem em negar o tempo. Prefere algo bem mais radical: aceitar a vida como ela é, com limites incluídos — e aproveitar cada segundo com lucidez, humor e maturidade.

De Hollywood para África Ocidental: Meagan Good e Jonathan Majors tornam-se cidadãos da Guiné

Uma cerimónia discreta, mas carregada de simbolismo

Meagan Good e Jonathan Majors, um dos casais mais comentados de Hollywood nos últimos anos, receberam oficialmente a cidadania da Guiné, país da África Ocidental, após terem rastreado a sua ascendência até à região através de testes de ADN. A distinção foi atribuída numa cerimónia privada realizada na sexta-feira, em Conacri, capital do país, longe dos holofotes mediáticos, mas com um forte peso simbólico e político.

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Durante o evento, Djiba Diakité, chefe do gabinete do Presidente da Guiné, deixou palavras claras sobre o significado do gesto: “Pensamos que fazem parte dos filhos e filhas dignos desta Guiné. Representam o nosso país, a bandeira vermelho-amarelo-verde, em todo o mundo.” O casal tem ainda prevista uma visita a vários pontos turísticos do país, num gesto que procura reforçar a ligação agora formalizada.

O percurso atribulado de Jonathan Majors

Para Jonathan Majors, esta distinção surge num momento particularmente delicado da sua carreira. O actor parecia destinado ao topo absoluto da indústria cinematográfica após o reconhecimento crítico em filmes como Da 5 Bloods e na série Lovecraft Country. A sua escolha para interpretar Kang, o Conquistador, no universo da Marvel colocava-o como uma das grandes apostas do estúdio para os próximos anos.

Tudo mudou em 2023, quando foi detido após uma altercação com a então namorada, acabando por ser condenado por agressão e assédio. A Marvel afastou-o imediatamente dos seus projectos futuros e Magazine Dreams, filme que chegou a ser apontado como potencial candidato aos Óscares, ficou congelado até ao ano passado. Desde então, Majors tem tentado reconstruir a sua imagem pública e profissional, num processo longo e longe de consensos.

Uma relação sob escrutínio constante

Meagan Good, actriz com uma carreira sólida em cinema e televisão, começou a namorar Majors em 2023 e manteve-se sempre ao seu lado durante o mediático julgamento em Nova Iorque. O casal ficou noivo em 2024 e acabou por casar no ano passado, numa cerimónia pequena e improvisada, coincidindo com a promoção de Magazine Dreams. A atribuição da cidadania guineense surge, assim, como um novo capítulo numa história pessoal e pública marcada por altos e baixos.

Um movimento mais amplo de regresso às origens

A Guiné junta-se a outros países africanos que têm concedido cidadania a descendentes de pessoas escravizadas. Em 2024, a cantora Ciara tornou-se cidadã do Benim, enquanto o Gana naturalizou mais de 500 afro-americanos, na sequência do convite lançado em 2019 pelo então Presidente Nana Akufo-Addo, no âmbito das comemorações dos 400 anos da chegada dos primeiros africanos escravizados à América do Norte.

O contexto político guineense

Esta decisão surge num momento politicamente sensível para o país. A Guiné é governada desde 2021 pelo líder da junta militar, o general Mamadi Doumbouya, que chegou ao poder após um golpe de Estado. No mês passado, foi declarado vencedor das eleições presidenciais, num processo fortemente criticado pela repressão da oposição e pela ausência de adversários relevantes.

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Ainda assim, a atribuição da cidadania a figuras internacionais como Good e Majors reforça a estratégia do país em projectar uma imagem de reconexão histórica e cultural com a diáspora africana.

O Sucesso Foi Demasiado Grande para Ignorar: The Housemaid  Vai Ter Continuação

Sydney Sweeney consolida estatuto de estrela com novo fenómeno de bilheteira

Não foi preciso muito tempo para a decisão ser tomada. Pouco mais de duas semanas após a estreia, The Housemaid já garantiu oficialmente uma sequela. A Lionsgate anunciou que The Housemaid’s Secret entrará em produção ainda este ano, confirmando aquilo que os números de bilheteira e o burburinho nas redes sociais tornaram evidente: o público quer mais.

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O thriller psicológico protagonizado por Sydney Sweeney tornou-se um dos grandes sucessos da quadra natalícia, arrecadando mais de 75 milhões de dólares nos Estados Unidos e ultrapassando os 133 milhões a nível mundial em apenas 17 dias. Tudo isto com um orçamento relativamente modesto de 35 milhões, tornando o filme num triunfo financeiro claro para o estúdio.

Uma sequela já em marcha — e com a mesma equipa-chave

A nova produção será baseada no segundo livro da trilogia bestseller de Freida McFadden, continuando a história que conquistou leitores e espectadores. A Lionsgate revelou que o objectivo passa por reunir novamente a equipa principal, com Paul Feig de regresso à realização e Sydney Sweeney não só como protagonista, mas também como produtora executiva.

O argumento ficará novamente a cargo de Rebecca Sonnenshine, garantindo continuidade narrativa e tonal no universo sombrio e manipulador apresentado no primeiro filme.

Um thriller clássico com nervo contemporâneo

Em The Housemaid, Sydney Sweeney interpreta uma empregada interna contratada por um casal aparentemente perfeito, vivido por Amanda Seyfried e Brandon Sklenar. O que começa como uma oportunidade de recomeço rapidamente se transforma num jogo psicológico tenso, onde segredos, poder e manipulação se entrelaçam de forma cada vez mais inquietante.

O sucesso do filme mostra que o público continua receptivo a thrillers de médio orçamento, bem promovidos e pensados para a experiência de sala de cinema — algo que a Lionsgate fez questão de sublinhar no anúncio oficial.

Adam Fogelson, presidente do grupo cinematográfico do estúdio, destacou que a reacção do público foi “forte e audível”, tanto nas bilheteiras como nas redes sociais, sublinhando o desejo claro de saber “o que acontece a seguir”.

Um momento decisivo na carreira de Sydney Sweeney

Este êxito representa também uma viragem importante na trajectória de Sydney Sweeney. Depois do desapontamento comercial de Christy, drama de boxe lançado em Novembro que não foi além dos 2 milhões de dólares a nível mundial, The Housemaid surge como uma afirmação clara do seu poder de atracção junto do grande público.

Mais do que uma vitória isolada, o filme posiciona Sweeney como uma actriz capaz de liderar projectos comerciais sólidos, fora das franquias tradicionais, algo cada vez mais raro no panorama actual de Hollywood.

O segredo está longe de ser revelado

Com The Housemaid’s Secret já em desenvolvimento, tudo indica que este universo ainda tem muito para explorar. Se a sequela conseguir manter o equilíbrio entre tensão psicológica, personagens ambíguas e uma narrativa pensada para o grande ecrã, a Lionsgate poderá ter nas mãos uma nova saga de sucesso.

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E, para Sydney Sweeney, este pode muito bem ser o início de um novo capítulo — menos dependente de prestígio crítico e mais sustentado por salas cheias.

Retirement Plan: Curta Animada Nomeada para os Óscares Chega ao Disney+ com Domhnall Gleeson a Bordo

Uma pequena história sobre o futuro que todos imaginamos

O catálogo do Disney+ continua a crescer para lá dos grandes títulos e das franquias mais ruidosas. Desta vez, a plataforma aposta numa obra curta, delicada e profundamente humana. Retirement Plan, curta-metragem de animação seleccionada para a shortlist dos Óscares, acaba de ser adquirida pelo Disney+ no Reino Unido e em vários territórios europeus, levando consigo uma carga emocional muito maior do que a sua duração poderia sugerir.

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A novidade vem acompanhada de outro anúncio relevante: Domhnall Gleeson, que dá voz ao protagonista, passa também a integrar oficialmente o projecto como produtor executivo, reforçando o peso criativo e mediático da curta.

Um percurso de festivais absolutamente notável

Antes de chegar ao streaming, Retirement Plan já tinha conquistado um percurso invejável no circuito internacional. A estreia mundial aconteceu no Galway Film Festival, seguindo depois para o SXSW, onde arrecadou dois dos prémios mais cobiçados: o Grande Prémio do Júri e o Prémio do Público na competição de curtas de animação.

A consagração continuou no Palm Springs International ShortFest, onde venceu o prémio Best of the Festival. Este percurso culminou com a inclusão na shortlist da Academy Awards para Melhor Curta-Metragem de Animação — uma lista restrita de apenas 15 filmes.

Uma comédia suave sobre ansiedade, tempo e expectativas

Realizada pelo cineasta irlandês John KellyRetirement Plan acompanha Ray, um homem de meia-idade a braços com o cansaço mental e emocional da vida moderna. Enquanto enfrenta a sobrecarga do presente, Ray refugia-se em fantasias sobre a reforma: escrever poesia, praticar desportos radicais, cultivar legumes, ou até ensaiar as palavras perfeitas para se despedir dos entes queridos quando chegar o momento final.

Há, contudo, um detalhe incómodo que atravessa a narrativa como um murro silencioso no estômago: Ray não tem qualquer plano de reforma. Nem pensão. Nem segurança. Ainda assim, isso não o impede de imaginar um futuro pleno e quase idílico — uma contradição tão comum quanto dolorosamente actual.

Kelly descreveu o filme de forma desarmante, afirmando que basicamente transformou “um ataque de pânico numa curta-metragem”. O argumento foi co-escrito com Tara Lawall, numa colaboração que resulta numa obra simultaneamente pessoal, estranha e surpreendentemente universal.

Uma pequena jóia no catálogo do Disney+

Produzido por Andrew Freedman e Julie MurnaghanRetirement Plan demonstra como a animação continua a ser um meio privilegiado para explorar temas adultos com leveza e profundidade. A entrada da curta no Disney+ representa também uma abertura da plataforma a conteúdos mais autorais e menos formatados — algo que merece ser sublinhado.

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Curta, simples e emocionalmente honesta, Retirement Plan é daquelas obras que ficam a ecoar bem depois de terminarem os crédito.

Dave Filoni Prepara-se para Assumir o Comando Criativo de Star Wars — E a Galáxia Está em Suspense

A sucessão em Lucasfilm começa finalmente a ganhar forma

Durante anos, falou-se da eventual saída de Kathleen Kennedy e do futuro da liderança criativa de Star Wars. Agora, um novo relatório da imprensa norte-americana indica que o momento está cada vez mais próximo — e que o nome destinado a assumir o leme da saga é praticamente inevitável. Segundo a Puck NewsDave Filoni estará prestes a tornar-se co-presidente da Lucasfilm, ficando responsável por toda a vertente criativa do universo Star Wars.

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A estrutura será partilhada: Filoni assumirá o lado criativo, enquanto Lynwen Brennan ficará com a gestão executiva. Na prática, porém, as grandes decisões narrativas e estratégicas da galáxia muito, muito distante passarão inevitavelmente pelas mãos de Filoni.

Um nome que dispensa apresentações aos fãs

Para os fãs de longa data, Dave Filoni não é apenas um executivo — é um autor. O criador esteve por trás de sete temporadas de Star Wars: The Clone Wars e quatro temporadas de Star Wars Rebels, somando mais de 200 episódios que redefiniram o potencial narrativo de Star Wars na televisão.

Nos últimos anos, Filoni tornou-se também peça central da transição para live-action. Esteve profundamente envolvido em The Mandalorian, colaborou em The Acolyte e liderou o seu projecto mais pessoal: Ahsoka, que trouxe personagens-chave da animação para o cânone oficial da era Disney.

Boa notícia ou risco criativo?

A possibilidade de Filoni liderar Star Wars divide opiniões. Para muitos fãs, é uma escolha lógica — e desejada. Poucos conhecem tão bem o ADN da saga, o seu tom mitológico e o equilíbrio entre aventura, tragédia e esperança. Os seus melhores momentos em The Clone Wars são frequentemente citados como alguns dos pontos altos de Star Wars no século XXI.

Outros, no entanto, levantam reservas. A principal crítica passa pela tendência de Filoni em centralizar excessivamente a narrativa em personagens e acontecimentos ligados à era Clone Wars/RebelsAhsoka, apesar de ambiciosa, teve uma recepção morna junto do público mais generalista, precisamente por depender fortemente desse conhecimento prévio.

O legado (injustamente) controverso de Kathleen Kennedy

Curiosamente, Kathleen Kennedy continua a ser apontada como a grande vilã da era Disney, sobretudo pelos projectos menos bem recebidos. No entanto, foi também sob a sua liderança que surgiram apostas arriscadas e aclamadas como Andor — hoje vista como uma das melhores produções de Star Wars de sempre.

A sucessão não acontece, portanto, num vazio criativo, mas num contexto fragmentado, onde muitas séries foram canceladas, encerradas ou pensadas como eventos únicos.

Um futuro ainda envolto em nevoeiro

Actualmente, Ahsoka é a única série com continuidade confirmada no Disney+. No cinema, o regresso da saga passa por The Mandalorian and Grogu, um spin-off directo da televisão — algo impensável há uma década.

Há ainda projectos em desenvolvimento como Starfighter e Dawn of the Jedi, rodeados por um verdadeiro cemitério de filmes cancelados.

A galáxia precisa de uma direcção clara

O grande desafio de Filoni será libertar Star Wars da dependência eterna da era Skywalker. O futuro da saga passa, inevitavelmente, por avançar no tempo — ou recuar milhares de anos. Permanecer preso ao mesmo período histórico é um risco criativo que a franquia já não pode correr.

Nada disto é ainda oficial, mas tudo indica que Dave Filoni assumirá um papel central na liderança da saga. Se trouxer consigo uma visão clara, corajosa e menos autocentrada, poderá ser o estabilizador que Star Wars precisa desesperadamente numa fase marcada pelo caos pós-Andor.

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A Força, desta vez, parece mesmo estar com ele. ✨

Quatro Heróis Verdes, Uma Nova Energia: Tartarugas Ninja – Caos Mutante Chega ao TVCine Top

Uma estreia que junta nostalgia, pizza e uma nova geração de fãs

Depois de décadas a sair dos esgotos para salvar Nova Iorque, as Tartarugas Ninja: Caos Mutante regressam com uma energia renovada, mais irreverente e visualmente arrojada. O filme estreia no dia 9 de Janeiro, às 21h30, no TVCine Tope no TVCine+, com versão original legendada. Para os mais novos — e para quem prefere ouvir Leonardo, Rafael, Donatello e Michelangelo a falar português — há também versão dobrada no dia 10 de Janeiro, às 8h45, no mesmo canal.  

La Ruta – Conquistar a Noite regressa com uma segunda temporada ainda mais intensa

Esta nova aventura animada aposta claramente em aproximar diferentes gerações: os fãs de longa data reencontram personagens icónicas, enquanto o público mais jovem descobre as Tartarugas com uma linguagem visual e emocional totalmente alinhada com o presente.

Aceitação, identidade e heroísmo em Nova Iorque

A história acompanha os quatro irmãos mutantes que, depois de anos escondidos do mundo dos humanos, decidem que está na altura de algo mais do que combates secretos nas sombras. O objectivo é simples — mas longe de fácil: serem aceites pela cidade de Nova Iorque.

Com a ajuda de April O’Neil, aqui retratada como uma jovem jornalista ambiciosa e determinada, as Tartarugas enfrentam uma ameaça à escala clássica da saga: Superfly, um vilão misterioso que pretende criar um exército de mutantes através de tecnologia roubada e dominar a cidade. Pelo caminho, surgem aliados inesperados, inimigos perigosos e, sobretudo, dúvidas internas sobre identidade, pertença e o verdadeiro significado de ser herói.  

Um estilo visual que salta do ecrã

Um dos grandes trunfos de Caos Mutante está na sua animação. Produzido pela Nickelodeon Movies e pela Point Grey Pictures, o filme mistura estética de desenho à mão com técnicas modernas de computação gráfica, criando um resultado vibrante, imperfeito de propósito e cheio de personalidade.

A realização é de Jeff Rowe, também responsável por The Mitchells vs. the Machines, e o argumento tem assinatura de Seth Rogen e Evan Goldberg, dupla conhecida por equilibrar humor, caos e emoção como poucos. O elenco de vozes é liderado por Nicolas Cantu, Shamon Brown Jr., Micah Abbey e Brady Noon, dando às Tartarugas um tom mais juvenil, espontâneo e credível do que nunca.  

Um filme perfeito para ver em família

Sem perder o espírito rebelde que sempre definiu as Tartarugas Ninja, Caos Mutante assume-se como um filme caloroso, divertido e surpreendentemente emocional. É uma celebração da amizade, da diferença e da coragem de sair da sombra — tudo embrulhado numa noite perfeita de sexta-feira com pizza, sofá e televisão ligada no canal certo.

Jamie Lee Curtis viu uma fotografia em 1984 — e decidiu ali mesmo com quem iria casar

Seja para revisitar heróis da infância ou para os apresentar a uma nova geração, esta estreia no TVCine Top é uma excelente desculpa para voltar a gritar: Cowabunga! 🐢🍕

A nova série Tomb Raider da Amazon já tem elenco completo — e mistura rostos icónicos com novas apostas

Lara Croft prepara-se para regressar com uma equipa de luxo

Depois de um desenvolvimento longo e algo silencioso, a aguardada série Tomb Raider, produzida pela Amazon para a Prime Video, começa finalmente a ganhar forma concreta. A plataforma confirmou esta semana o elenco secundário que vai acompanhar Sophie Turner na pele de Lara Croft, numa nova adaptação televisiva da mítica saga de videojogos.

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O projecto é liderado por Phoebe Waller-Bridge, que assume funções de criadora e produtora executiva, e promete equilibrar respeito pela mitologia clássica de Tomb Raider com personagens totalmente novas, pensadas de raiz para esta encarnação televisiva.

Personagens clássicas regressam… com novas caras

Entre os nomes que vão soar familiares aos fãs mais antigos da franquia está Zip, o jovem génio tecnológico e hacker que surge em várias fases da série de jogos. O personagem será interpretado por Martin Bobb-Semple, que já lhe tinha dado voz na série animada The Legend of Lara Croft.

Outro regresso incontornável é o de Winston, o mordomo de longa data da família Croft, presença recorrente desde os primeiros jogos até à chamada era “survivor”. Desta vez, Winston será interpretado por Bill Paterson.

A completar o trio de personagens herdadas dos videojogos surge Atlas DeMornay, tio de Lara e figura central em Rise of the Tomb Raider, papel que ficará a cargo de Jason Isaacs.

Sigourney Weaver lidera um grupo de novas personagens

A grande surpresa do anúncio é a presença de Sigourney Weaver, que interpretará Evelyn Wallis, uma figura enigmática e poderosa, aparentemente interessada em explorar os talentos de Lara Croft. Tudo indica que será uma das principais antagonistas da série.

O elenco de novas personagens inclui ainda Jack Bannon como Gerry, o piloto pessoal de Lara; John Heffernan e Paterson Joseph como dois altos funcionários governamentais envolvidos nos estragos colaterais das aventuras de Lara; e Sasha Luss, que dará vida a uma rival feroz e competitiva.

Completam o elenco Juliette Motamed, Celia Imrie e August Wittgenstein, cujas personagens estão ligadas ao Museu Britânico, ao submundo do tráfico ilegal de artefactos e ao passado pessoal de Lara.

Uma nova era para Tomb Raider

Em comunicado, Phoebe Waller-Bridge mostrou-se entusiasmada com o elenco reunido, sublinhando o desejo de honrar personagens icónicas enquanto introduz “novos patifes” ao universo da série. As filmagens deverão arrancar em breve, coincidindo com uma nova fase da franquia nos videojogos, que inclui um remake do título original ainda este ano e Tomb Raider: Catalyst, previsto para 2027.

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Para os fãs, tudo indica que Lara Croft está prestes a regressar em grande — mais complexa, mais rodeada de intrigas políticas e culturais, e com uma galeria de personagens à altura da sua lenda.

O caso Mickey Rourke: GoFundMe polémico, despejo iminente e um actor perdido entre orgulho e necessidade

Um pedido de ajuda que virou tempestade mediática

Foram apenas 48 horas, mas suficientes para expor de forma brutal a fragilidade actual de Mickey Rourke, um dos rostos mais emblemáticos do cinema norte-americano dos anos 80 e protagonista de um dos regressos mais aplaudidos de Hollywood com The Wrestler. Aos 73 anos, o actor viu-se confrontado com a ameaça de despejo da casa onde vivia há mais de uma década, em Los Angeles, numa situação que rapidamente degenerou num episódio público desconfortável — para ele e para quem tentou ajudá-lo.

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Sem liquidez imediata, a sua agente de longa data, Kimberly Hines, decidiu agir. Juntamente com um assistente, lançou uma campanha de emergência no GoFundMe, com o objectivo de evitar que Rourke ficasse sem tecto. A resposta foi imediata e avassaladora: em menos de 24 horas, a campanha aproximava-se dos 100 mil dólares.

A reacção de Rourke e a recusa pública da “caridade”

O que parecia um gesto solidário rapidamente se transformou numa polémica quando o actor publicou um vídeo no Instagram, afirmando não ter conhecimento do angariar de fundos e classificando a iniciativa como “humilhante”. Mais: garantiu que iria devolver “cada cêntimo” doado pelos fãs.

Segundo Kimberly Hines, essa reacção resultou de um choque tardio com a dimensão mediática do caso. Rourke teria inicialmente concordado com a ajuda, sem perceber o impacto público que o GoFundMe iria ter. Quando a história chegou à imprensa internacional, o orgulho falou mais alto. Para o actor, aceitar dinheiro de fãs passou a ser sinónimo de caridade — algo que recusou frontalmente.

Uma situação habitacional insustentável

Os detalhes revelados pela agente ajudam a compreender a gravidade do cenário. A casa de onde Rourke foi retirado encontrava-se, segundo descreve, em condições impróprias para habitação: bolor negro, danos causados por água, ausência de água corrente e electrodomésticos avariados. Grande parte do mobiliário foi considerada irrecuperável.

O actor encontra-se provisoriamente instalado num hotel em West Hollywood, acompanhado pelos seus três cães, enquanto um pequeno apartamento em Koreatown foi alugado para servir de residência temporária. Todas estas despesas — hotel, mudanças, armazém, transporte e logística — estão a ser suportadas, para já, pela equipa de gestão.

Dinheiro, orgulho e uma carreira irregular

A situação financeira de Rourke não é resultado de um único evento, mas de décadas de má gestão, generosidade excessiva e uma carreira errática. Segundo Hines, o actor nunca teve grande relação com contas bancárias, cartões de crédito ou planeamento financeiro. Viveu muitas vezes “cheque a cheque”, alternando períodos de abundância com fases de total escassez.

Nos últimos anos, recusou projectos por não querer comprometer-se artisticamente, o que reduziu drasticamente os seus rendimentos. Ironia das ironias: a exposição mediática do GoFundMe trouxe-lhe, em apenas dois dias, quatro novas propostas de filmes — algo que não acontecia há muito tempo.

Um drama humano longe do glamour de Hollywood

Para lá do ruído mediático, o caso de Mickey Rourke expõe uma realidade desconfortável: a de um actor lendário, isolado, envelhecido e vulnerável. Segundo a agente, passa datas festivas sozinho, tem poucos apoios pessoais e depende quase exclusivamente da sua equipa profissional.

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Se o dinheiro do GoFundMe será devolvido ou não, permanece uma incógnita. O que é certo é que a situação levantou questões incómodas sobre fama, envelhecimento, orgulho e a forma como Hollywood trata — ou esquece — os seus antigos ícones.