Querer: A Série Espanhola Que Abala Silêncios e Confronta a Violência Oculta

Inspirada em factos reais, a minissérie realizada por Alauda Ruiz de Azúa estreia a 27 de outubro no TVCine Edition e promete ser uma das produções mais intensas do ano.

Há séries que entretêm. Outras, como Querer, confrontam-nos com verdades difíceis. A nova minissérie espanhola, que estreia no TVCine Edition a 27 de outubro, às 22h10, mergulha no drama de uma família despedaçada quando a mãe decide quebrar um silêncio de trinta anos — e denunciar o marido por violação contínua ao longo do casamento.

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O gesto desencadeia uma tempestade emocional que abala todos à volta: o marido nega as acusações, sentindo-se humilhado, os filhos são forçados a escolher lados, e o sistema judicial torna-se o palco de uma luta pela verdade — ou pelas versões dela.

Um retrato cru e humano

Ao longo de quatro episódios, Querer expõe a violência invisível que se pode esconder por detrás de uma fachada familiar aparentemente perfeita. A narrativa, inspirada em factos reais, é conduzida com uma sensibilidade rara pela realizadora Alauda Ruiz de Azúa, conhecida pelo premiado Cinco Lobitos.

A série aborda temas complexos — violência sexual dentro do casamento, o peso do silêncio e a fratura emocional familiar — sem recorrer ao sensacionalismo. É um retrato íntimo, honesto e profundamente humano, que levanta uma questão desconfortável: a quem pertence a verdade dentro de uma família?

Reconhecida pela crítica e premiada

Desde a sua estreia em Espanha, Querer tem sido amplamente aclamada pela crítica, tornando-se uma das produções televisivas mais impactantes dos últimos anos. Foi distinguida nos Prémios Forqué com os galardões de Melhor Série de FicçãoMelhor Interpretação Feminina (Nagore Aranburu) e Melhor Interpretação Masculina (Pedro Casablanc).

A série voltou a brilhar nos Prémios Feroz 2025, onde conquistou os troféus de Melhor Série DramáticaMelhor Atriz Principal em Série e Melhor Guião — um reconhecimento da sua força narrativa e da subtileza com que trata um tema tão delicado.

Uma estreia imperdível no TVCine

Querer estreia em exclusivo no TVCine Edition e TVCine+ no dia 27 de outubro, às 22h10, com novos episódios a cada segunda-feira.

Mais do que uma série, é uma experiência emocional que convida à reflexão — e que nos lembra que o amor, quando manipulado pelo poder e pelo medo, pode tornar-se no mais silencioso dos horrores.

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Chris Hemsworth, Halle Berry e Mark Ruffalo Juntam-se num Thriller Explosivo: Chegou o Trailer de Crime 101 🔥

Baseado na novela de Don Winslow, o novo filme da Amazon MGM Studios promete ação, tensão e um trio de estrelas em rota de colisão nas autoestradas de Los Angeles.

A Amazon MGM Studios revelou o primeiro trailer de Crime 101, um thriller criminal ambientado em Los Angeles que junta três pesos pesados de Hollywood: Chris HemsworthHalle Berry e Mark Ruffalo.

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O filme, que chega aos cinemas a 13 de fevereiro de 2026, é uma adaptação da novela homónima de Don Winslow e promete ser um jogo de gato e rato à velocidade da luz — com assaltos de alto risco e dilemas morais pelo caminho.

O golpe perfeito (ou quase)

Hemsworth interpreta um ladrão meticuloso, conhecido pela sua preferência por golpes de alto valor ao longo da mítica autoestrada 101, que corta a Califórnia de norte a sul. Quando surge a oportunidade do golpe da sua vida — aquele que poderia garantir a reforma dourada do crime —, o destino obriga-o a cruzar-se com uma mulher em crise: uma corretora de seguros desiludida, interpretada por Halle Berry.

O improvável duo vê-se forçado a colaborar num plano arriscado, enquanto tentam escapar ao cerco de um detetive obstinado (Mark Ruffalo), decidido a pôr fim à sequência de assaltos.

Um realizador especialista em tensão

Crime 101 é escrito e realizado por Bart Layton, conhecido pelos aclamados American Animals e The Imposter — dois filmes que exploram a ténue linha entre verdade e ilusão, e que lhe valeram uma reputação como mestre da manipulação narrativa.

Além do trio principal, o elenco conta ainda com Barry KeoghanMonica BarbaroCorey HawkinsJennifer Jason Leigh e Nick Nolte, numa combinação de gerações e estilos que promete dar profundidade ao jogo psicológico que move o enredo.

A herança de Don Winslow

Don Winslow é um dos grandes nomes da literatura criminal contemporânea, autor de obras como The Power of the DogSavages (adaptado ao cinema por Oliver Stone). Crime 101 segue a tradição do autor: uma história onde o crime, a moral e o destino se entrelaçam sob o sol abrasador da Califórnia.

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Com a estreia marcada para o Dia dos Namorados — uma data irónica para um filme sobre traição, ganância e segundas oportunidades —, Crime 101 promete ser um dos thrillers mais intensos de 2026.

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A nova versão da Hulu tenta reinventar o thriller de 1992, mas o resultado é morno e sem o charme perverso do original

Trinta anos depois do clássico The Hand That Rocks the Cradle (A Mão que Embala o Berço), de Curtis Hanson, a Hulu decidiu ressuscitar o thriller psicológico que traumatizou uma geração. A realização está a cargo da mexicana Michelle Garza Cervera (Huesera), e o elenco é liderado por Mary Elizabeth Winstead e Maika Monroe. O problema? A tensão que fazia o original vibrar parece ter ficado no passado.

Entre a culpa e a loucura: duas mulheres, um conflito sem chama

Nesta nova versão, Winstead interpreta Caitlin Morales, advogada e mãe de duas crianças que, à beira do segundo parto, conhece Polly Murphy (Maika Monroe), uma jovem aparentemente inofensiva que se oferece para ajudar como ama. O que começa como uma relação de apoio transforma-se lentamente num jogo de manipulação, sabotagem e paranoia — só que o filme nunca decide quem é realmente a vítima.

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Monroe, conhecida pelos papéis em It Follows e Longlegs, encarna Polly com um olhar vazio e inquietante, mas falta-lhe o magnetismo ameaçador que Rebecca De Mornay trouxe ao original. Winstead, por seu lado, entrega uma performance sólida, mas o guião força-a a oscilar entre fragilidade e histeria sem consistência. O resultado é uma dinâmica confusa em que as duas personagens parecem competir pelo título de “mais instável da casa”.

Um thriller sem suspense (e sem piscina)

Apesar de uma estética elegante e de uma casa moderna em vidro — perfeita para o caos —, a encenação raramente aproveita o potencial visual ou psicológico da história. Pequenos actos de sabotagem (remédios trocados, comida adulterada, explosões infantis) substituem o suspense genuíno por um desfile de clichés previsíveis.

“Que espécie de thriller familiar não aproveita uma piscina à espera de tragédia?”, ironiza um crítico norte-americano.

A realizadora, que em Huesera explorou com mestria o terror da maternidade, aqui entrega um produto demasiado polido e sem nervo. A tentativa de acrescentar tensão sexual e subtexto queer entre patroa e ama fica tão subdesenvolvida que se torna quase decorativa.

Um remake que não justifica a existência

Com Raúl Castillo e Martin Starr em papéis secundários desperdiçados, The Hand That Rocks the Cradle versão 2025 carece de energia, perigo e propósito. A música sombria de Nick Cave e Low tenta disfarçar a falta de atmosfera, mas o ritmo glacial e os momentos de violência gratuita só agravam a sensação de vazio.

É um contraste gritante com o filme de 1992, que dominou o box office durante quatro semanas e arrecadou 140 milhões de dólares com um orçamento de apenas 12 milhões. Este remake, por outro lado, estreia diretamente na Hulu e dificilmente terá vida longa fora do catálogo.

Em resumo

Entre intenções feministas mal cozinhadas e um tom excessivamente contido, The Hand That Rocks the Cradle perde a oportunidade de homenagear o legado de Hanson. É um thriller sem tesão, sem alma e sem necessidade — e uma prova de que, às vezes, o passado deve ficar onde está: no berço do terror bem feito.

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Em Portugal o filme deverá chegar ao Disney + para stream, mas até ao fecho deste artigo não nos foi possível confirmar a data de chegada.

Palhaços Sinistros Invadem Cidades do Mundo Para Promover -It: Welcome to Derry

A HBO transforma o medo em espetáculo global com uma ação de marketing arrepiante inspirada em Pennywise

O terror saiu das telas e tomou conta das ruas. Na passada quarta-feira, Pennywise, o palhaço assassino de It, foi visto a aterrorizar transeuntes em várias cidades do mundo, numa campanha global de promoção da nova série da HBO, It: Welcome to Derry.

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De Nova Iorque a Paris, passando por Madrid, São Paulo, Manila e Varsóvia, múltiplas versões do icónico vilão — interpretado novamente por Bill Skarsgård — surgiram em locais públicos com o seu inconfundível balão vermelho, símbolo do medo e da loucura no universo criado por Stephen King.

“Red Balloon Takeover”: o terror em forma de balão

A ação, batizada de “Red Balloon Takeover”, incluiu palhaços caracterizados, decorações gigantes com balões e easter eggs inspirados na série, criando um ambiente simultaneamente festivo e perturbador. O evento foi pensado para gerar impacto visual nas redes sociais e fazer o público mergulhar, literalmente, no espírito de Derry, a maldita cidade fictícia do Maine onde o horror se repete a cada 27 anos.

Um regresso às origens do medo

It: Welcome to Derry é um prequel das adaptações cinematográficas de It, realizadas por Andy e Barbara Muschietti, que também estão por detrás da série ao lado de Jason Fuchs e Brad Caleb Kane (co-showrunners).

A história decorre em 1962, explorando o passado sombrio da cidade antes dos acontecimentos dos filmes, e inspirando-se num dos interlúdios do romance original, centrado em militares afro-americanos que testemunham os primeiros sinais do mal que assombra Derry.

“É uma série hardcore”, garantiu Bill Skarsgård, que regressa ao papel depois de inicialmente ter recusado. “Achei que já tinha encerrado esse capítulo, mas trabalhar novamente com os Muschietti foi irresistível. Desta vez exploramos lados novos do velho Pennywise — há coisas muito interessantes que ainda não vimos.”

Terror televisivo com selo cinematográfico

Com nove episódios e direção de Andy Muschietti em quatro deles, a série promete manter o tom perturbador dos filmes de sucesso de 2017 e 2019. O elenco inclui ainda Taylour PaigeJovan AdepoChris ChalkJames RemarStephen RiderMadeleine Stowe e Rudy Mancuso.

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A estreia de It: Welcome to Derry acontece no domingo, 26 de outubro, na HBO, e promete ser o evento televisivo mais assustador do outono.

Depois desta campanha global, uma coisa é certa: ninguém está a salvo dos balões vermelhos. 🎈

“Ciao Itália!”: O TVCine Edition Celebra o Melhor do Cinema Italiano Contemporâneo 🇮🇹🎥

Uma maratona com cinco filmes em estreia — da política ao erotismo, da música à moda — no dia 26 de outubro

No próximo domingo, 26 de outubro, o TVCine Edition convida os espectadores a embarcar numa viagem pela ousadia, paixão e elegância do cinema italiano. O especial “Ciao Itália!” celebra a vitalidade criativa de uma das cinematografias mais ricas da Europa, com cinco filmes em estreia na televisão portuguesa, exibidos a partir das 13h15, em exclusivo no TVCine Edition e no TVCine+.

Trata-se de uma verdadeira maratona de cinema autoral, onde o espírito irreverente e o estilo inconfundível da bella Italiase cruzam com temas universais — política, amor, arte, erotismo e identidade.


🎬 A Grande Ambição — 13h15

De Andrea Segre

Um documentário sobre Enrico Berlinguer, o lendário líder do Partido Comunista Italiano que quase levou a esquerda ao poder nos anos 70. Um retrato apaixonado de um homem que acreditava ser possível construir o socialismo dentro da democracia — um sonho interrompido, mas nunca esquecido.

Com: Elio Germano, Stefano Abbati, Francesco Acquaroli.


💎 Diamantes — 15h20

De Ferzan Ozpetek

Um realizador reúne as suas actrizes favoritas para um filme sobre mulheres, paixão e criatividade. À medida que o guião é lido, realidade e ficção misturam-se, transportando-nos para um ateliê dos anos 70 onde as máquinas de costura e os segredos femininos se entrelaçam.


🤫 Confiança — 17h35

De Daniele Luchetti

Pietro, um professor de liceu admirado, apaixona-se por uma ex-aluna, Teresa. Quando ela lhe propõe partilharem um segredo inconfessável, a relação entre ambos transforma-se num pacto tão perigoso quanto inevitável. Um drama intenso sobre culpa e natureza humana.

Com: Elio Germano, Vittoria Puccini, Isabella Ferrari.


💃 Diva Futura— 19h55

De Giulia Louise Steigerwalt

Itália, 1983. Riccardo Schicchi e Cicciolina fundam a agência Diva Futura e transformam a utopia do amor livre num império pornográfico que muda para sempre a cultura popular italiana. Uma provocante história real sobre fama, poder e contradição.

Com: Pietro Castellitto, Barbara Ronchi, Denise Capezza.


🎻 O Boémio — 22h00

De Petr Václav

A vida e os amores de Josef Mysliveček, o compositor checo que inspirou Mozart, ganham nova vida neste drama histórico e musical visualmente deslumbrante. Um retrato de excessos, arte e decadência no coração da Itália do século XVIII.

Com: Vojtech Dyk, Elena Radonicich, Barbara Ronchi.

Com Ciao Itália!, o TVCine Edition presta homenagem à energia criativa do cinema italiano contemporâneo, unindo nomes consagrados e novas vozes autorais num mosaico vibrante de histórias e emoções.

📅 Data: Domingo, 26 de outubro

🕐 Hora de início: 13h15

📺 Onde ver: TVCine Edition e TVCine+

“Sonhar com Leões”: Uma Comédia Negra Sobre Morte, Liberdade e a Arte de Escolher Como Partir 🦁🖤

O premiado filme de Paolo Marinou-Blanco estreia a 26 de outubro no TVCine Top

Prepare-se para rir, emocionar-se e pensar sobre o que significa viver — e morrer — com dignidade. Sonhar com Leões, de Paolo Marinou-Blanco (Goodnight Irene), estreia em exclusivo na televisão portuguesa no dia 26 de outubro, às 21h20, no TVCine Top e TVCine+.

A história segue Gilda (interpretada pela aclamada actriz Denise Fraga), uma professora reformada, imigrante brasileira em Lisboa, cuja vida sarcástica e solitária é abalada pela notícia de que lhe resta apenas um ano de vida devido a um cancro na medula espinal.

E se morrer fosse também um ato de liberdade?

Em Portugal, onde a eutanásia continua a ser tema controverso, Gilda conhece Amadeu, outro doente terminal, através de uma empresa clandestina que promete uma “morte sem dor” — mediante pagamento. Quando percebem que foram enganados, os dois decidem tomar o controlo do próprio destino e embarcam numa última viagem até à ilha de Maiorca, onde planeiam morrer nos seus próprios termos.

Entre o grotesco e o comovente, Sonhar com Leões transforma um tema delicado num filme sobre coragem, humanidade e escolha pessoal.

Humor e emoção em doses iguais

Misturando humor negro e sensibilidade emocional, Paolo Marinou-Blanco constrói uma narrativa que alterna entre o absurdo e a ternura, desafiando o espectador a rir — mesmo diante da morte.

Além de Denise Fraga, o elenco conta com João Nunes MonteiroJoana RibeiroSandra Faleiro e Victoria Guerra, numa coprodução entre Portugal, Brasil e Espanha.

Reconhecimento internacional

Sonhar com Leões tem sido aplaudido em vários festivais de cinema internacionais, conquistando o Prémio de Melhor Filme no Festival Atlàntida Mallorca e o de Melhor Realização no European Film Festival de Palić, na Sérvia.

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Mais do que uma reflexão sobre o fim da vida, o filme é uma celebração do direito de escolher como viver até ao último instante.

📅 Estreia: 26 de outubro (domingo) | 🕤 21h20

📺 Em exclusivo: TVCine Top e TVCine+

Disney+ e Hulu Sofrem Aumento de Cancelamentos Após Polémica com Jimmy Kimmel e Subidas de Preço 📉📺

Dados revelam um pico de cancelamentos nas plataformas de streaming da Disney — mas o escândalo acabou por impulsionar a audiência de Kimmel

As últimas semanas têm sido agitadas no império Disney. Após a suspensão temporária de Jimmy Kimmel pelo canal ABC, as plataformas Disney+ e Hulu registaram um aumento significativo no número de cancelamentos de subscrições, segundo dados divulgados pela empresa de análise Antenna.

Em setembro, a taxa de cancelamento do Disney+ duplicou de 4% para 8%, enquanto a do Hulu subiu de 5% para 10%, valores acima da média de 7% registada no setor. A polémica coincidiu com o momento em que ambas as plataformas anunciaram novos aumentos de preço, o que tornou difícil perceber qual dos fatores teve maior peso na decisão dos utilizadores.

Apesar da queda, o relatório também aponta um aumento de novos subscritores: 2,18 milhões para o Disney+ e 2,11 milhões para o Hulu, mostrando que, mesmo com a controvérsia, o ecossistema de streaming da Disney continua a atrair público.

O caso Jimmy Kimmel

O incidente teve origem nas declarações polémicas de Jimmy Kimmel sobre a morte do ativista conservador Charlie Kirk, que levaram várias estações afiliadas da ABC a suspender temporariamente o Jimmy Kimmel Live!. A decisão provocou uma onda de boicotes online por parte de fãs e figuras públicas, entre elas o radialista Howard Stern, que anunciou em direto a sua decisão de cancelar a subscrição do Disney+.

“Pode parecer estúpido, mas cancelei o meu Disney+. É a minha forma de mostrar que não apoio o que fizeram ao Jimmy”, declarou Stern no seu programa na SiriusXM.

A suspensão, porém, durou pouco: Kimmel regressou ao ar no dia 23 de setembro, e o episódio marcou um recorde de audiência, com mais de 6 milhões de telespectadores, tornando-se um dos mais vistos da história recente do Jimmy Kimmel Live!.

Do boicote ao sucesso digital

Se o escândalo abalou a imagem da Disney, também acabou por impulsionar a popularidade de Kimmel. De acordo com Luca Forlin, responsável pela área de Estratégia e Operações do YouTube para a região EMEA, o aumento da audiência televisiva “empalidece” quando comparado com os números no YouTube: o monólogo de regresso do apresentador ultrapassou os 22 milhões de visualizações até 20 de outubro.

O episódio serviu para ilustrar um fenómeno curioso da era digital: o boicote televisivo transformou-se em fenómeno viral online. O que começou como uma tentativa de silenciamento acabou por ampliar a audiência do comediante — e, ironicamente, reforçar a relevância da marca Jimmy Kimmel Live! dentro e fora da televisão.

📺 Jimmy Kimmel Live! — de segunda a sexta-feira, às 23h35 (hora local), na ABC

“Armadilha”: M. Night Shyamalan Transforma um Concerto Pop num Pesadelo no TVCine Top 🎤🩸

Josh Hartnett protagoniza o novo thriller psicológico do mestre do suspense

Imagine ir a um concerto pop e perceber que, em vez de estar num espectáculo, entrou numa armadilha mortal. É esse o ponto de partida de “Armadilha”, o mais recente filme de M. Night Shyamalan, que estreia a 24 de outubro, às 21h30, em exclusivo no TVCine Top e TVCine+.

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A história acompanha Cooper (interpretado por Josh Hartnett) e a sua filha adolescente (Ariel Donoghue), que decidem assistir ao concerto da megaestrela Lady Raven, ídolo da jovem. O ambiente é de euforia, luzes e música — até que algo começa a parecer… errado.

Entre câmaras de vigilância e uma presença policial crescente, Cooper descobre que o evento é, na verdade, uma operação secreta para capturar um serial killer. Mas há um problema: nada é o que parece, e a linha entre caçador e presa rapidamente se torna difusa.

Terror no meio da multidão

Descrito pelo próprio Shyamalan como “uma mistura entre O Silêncio dos Inocentes e um concerto de Taylor Swift”, Armadilha combina o brilho do mundo pop com a claustrofobia dos seus melhores thrillers. O realizador — responsável por clássicos como O Sexto SentidoSinais e A Visita — volta a criar uma atmosfera tensa, onde cada sorriso pode esconder um segredo e cada canção pode ser o prelúdio do horror.

Com reviravoltas inesperadastensão crescente e uma realização eleganteArmadilha confirma o talento de Shyamalan em transformar o banal em inquietante. Josh Hartnett, que atravessa uma nova fase da carreira com papéis mais sombrios e complexos, oferece aqui uma das suas performances mais intensas.

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Uma sexta-feira de cortar a respiração

Entre o glamour do palco e o terror psicológico, Armadilha promete uma experiência de cinema de puro suspense — perfeita para quem gosta de histórias onde nada é o que parece e cada revelação muda tudo.

📅 Estreia: 24 de outubro, sexta-feira

🕤 Hora: 21h30

📺 Onde ver: TVCine Top e TVCine+

Criadores de “Stranger Things” não perceberam a obsessão dos fãs com uma personagem — até a Netflix insistir

xDepois de quase uma década a prender audiências em todo o mundo, “Stranger Things” prepara-se para regressar à Netflix com a sua quinta e última temporada, dividida em três partes com estreia marcada para 26 de Novembro, 25 de Dezembro e 31 de Dezembro de 2025. Será o grande fecho de um fenómeno que começou como uma homenagem ao cinema dos anos 80 e acabou por se transformar num dos pilares da cultura pop moderna.

Mas, curiosamente, nem tudo no sucesso da série foi planeado. Um dos maiores fenómenos de adoração dos fãs — a personagem Barb, interpretada por Shannon Purser — apanhou até os próprios criadores de surpresa.

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Os irmãos Duffer… e o mistério da popularidade de Barb 🕵️‍♀️

Em entrevista recente à revista Time, durante uma visita ao set, os criadores Matt e Ross Duffer confessaram que nunca compreenderam verdadeiramente o fascínio dos espectadores por Barb, a amiga estudiosa de Nancy Wheeler (Natalia Dyer), morta de forma prematura na primeira temporada.

Segundo o artigo, escrito por Eliana Dockterman, a jornalista chegou mesmo a “quase tropeçar” num replica do corpo de Barb no cenário do Mundo Invertido, confirmando que a personagem vai regressar de alguma forma na temporada final — embora não da maneira mais animadora.

Questionados sobre a popularidade de Barb, Ross Duffer chegou a revirar os olhos, recordando que chegaram a receber notas da Netflix a pedir mais atenção à personagem. “Eles insistiram — e tinham razão”, admitiu. “Negligenciámos a Barb, e como tal, Hawkins também a negligenciou. E isso tornou-a ainda mais famosa.”

A explicação, ainda que sincera, não agradará a todos. Afinal, o movimento #JusticeForBarb tornou-se viral logo após a estreia da série, com milhares de fãs a protestarem pela falta de empatia e de justiça narrativa para uma personagem que, apesar de breve, conquistou o público.

Barb e o velho problema das personagens “descartáveis”

A verdade é que Barb acabou por se tornar símbolo de um problema recorrente em Hollywood: o chamado “fridging”, termo usado para descrever quando uma personagem feminina é morta apenas para servir de impulso à história de um protagonista masculino.

Em Stranger Things, a morte de Barb serviu apenas como catalisador para o enredo centrado em Will Byers (Noah Schnapp), e nunca foi tratada com a devida importância. Casos semelhantes já aconteceram em produções como Secret Invasion (onde a personagem de Emilia Clarke, G’iah, é morta para servir outro arco narrativo) ou Solo: A Star Wars Story, com as personagens de Phoebe Waller-Bridge e Thandiwe Newton.

É por isso que a persistência dos fãs em exigir justiça para Barb não se tratou apenas de nostalgia ou ironia da internet — foi também um pedido por respeito narrativo e igualdade de protagonismo.

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A última temporada promete nostalgia, emoção e… talvez algum fecho para Barb

Ainda que os Duffer Brothers mantenham a típica discrição sobre o enredo, tudo indica que a quinta temporada será uma viagem emocional destinada a encerrar todos os arcos e regressar às raízes que conquistaram o público em 2016. E se Barb vai mesmo “voltar”, ainda que no formato de cadáver simbólico, talvez haja espaço para um momento de catarse tardia — ou, pelo menos, um reconhecimento digno da personagem que o público nunca esqueceu.

A primeira parte de “Stranger Things 5” estreia a 26 de Novembro de 2025, e os fãs já contam os dias. Esperemos que, desta vez, a justiça de Hawkins chegue finalmente também à eterna Barb Holland.

South Park Entra Subitamente na 28.ª Temporada — e os Fãs Ainda Tentam Perceber Porquê 🌀

South Park temporada 27

Sem aviso prévio, a série de Trey Parker e Matt Stone saltou de temporada — e até os fãs mais atentos ficaram baralhados.

Há poucas séries capazes de desconcertar o público e continuar a ser adoradas por isso. South Park é uma delas. Depois de uma 27.ª temporada triunfal, com audiências recorde e sátira política em plena forma, a série animada da Comedy Central deixou os fãs de boca aberta esta semana: o episódio mais recente foi listado como o primeiro da 28.ª temporada, sem qualquer aviso, trailer ou mudança de tom que o justificasse.

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Um salto de temporada… sem explicação oficial 🧐

O episódio em questão — que abordou temas como vigilância governamental, o controlo das redes sociais e o viral “6, 7” meme — chegou às televisões como se nada fosse. Só que, em vez de ser o sexto episódio da temporada em curso (como toda a gente esperava), apareceu rotulado como “Season 28, Episode 1”.

A confusão não tardou a incendiar o Reddit e o X (ex-Twitter). “Erro de catálogo?”, “Estratégia contratual?”, “Piada interna?” — perguntavam os fãs, tentando ligar os pontos entre Jesus como conselheiro escolar e o filho secreto de Donald Trump e Satanás, duas tramas deixadas em aberto no episódio anterior.

Afinal, não foi um erro (só parecia)

Segundo fontes citadas pela The Hollywood Reporternão houve engano algum. Um representante da Comedy Central esclareceu que a 27.ª temporada nunca foi pensada para ter 10 episódios, como muitos meios reportaram no verão. O plano — aparentemente desde o início — era lançar duas temporadas de cinco episódios cada, mantendo o formato compacto que South Park vem adoptando nos últimos anos.

Ou seja: o que o público achava ser uma “metade” de temporada era, afinal, o fim. O episódio de 24 de Setembro encerrou oficialmente a 27.ª, e três semanas depois estreou-se, sem pompa nem circunstância, a 28.ª.

Uma série que faz o que quer — e os fãs agradecem

A verdade é que, para Parker e Stone, a previsibilidade nunca fez parte do plano. A produção já passou por hiatos irregulares, calendários bi-semanais e até episódios escritos e animados em menos de uma semana. Desta vez, o caos foi administrativo — mas continua a servir o mesmo propósito: manter South Park imprevisível.

E o público? Queixa-se, comenta, teoriza… mas não desliga. A longevidade da série — que se prepara para ultrapassar os 300 episódios — é a prova de que ninguém satiriza o absurdo da vida moderna melhor do que duas crianças de papel e cartolina.

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No fim de contas, pouco importa se estamos na 27.ª ou na 28.ª temporada. Enquanto Cartman continuar a insultar a humanidade com razão, o número é o menor dos problemas.

Ben Stiller Abre o Coração: “Achei Que Estava a Ser um Bom Pai — Mas Estava a Repetir os Erros dos Meus Pais”

No documentário Stiller & Meara: Nothing Is Lost, o actor de Zoolander enfrenta as verdades duras ditas pelos próprios filhos — e admite que o sucesso profissional teve um preço familiar.

O novo documentário de Ben StillerStiller & Meara: Nothing Is Lost, é muito mais do que uma homenagem aos seus pais, Jerry Stiller e Anne Meara — é também um espelho inclemente sobre o que significa crescer e, mais tarde, tentar não repetir a mesma história.

Durante o filme, os filhos do actor e da actriz Christine TaylorElla (23) e Quin (20), abrem-se sobre a infância que tiveram — e as ausências que sentiram.

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“Quando algo corria mal, era difícil tirar-te desse estado,” contou Quin, dirigindo-se ao pai. “Tinhas tantas funções — actor, realizador, produtor — que, por vezes, ser pai parecia vir em último lugar.”

Ella, por sua vez, foi ainda mais direta:

“Não me lembro de alguma vez teres estado por perto enquanto eu crescia.”

“Achei que estava a fazer melhor — afinal, estava igual”

Essas confissões deixaram Stiller visivelmente abalado. Aos 59 anos, o actor admitiu que o confronto com as palavras dos filhos o fez repensar décadas de vida familiar:

“O mais irónico é que pensei que estava a fazer muito melhor do que os meus pais. Voava para casa aos fins-de-semana, encontrava lugares especiais para os miúdos brincarem nos sets… mas, no fundo, estava a repetir o mesmo padrão, e não via isso.”

Numa entrevista recente ao The Sunday Times, Stiller foi ainda mais franco:

“Provavelmente falhei mais com os meus filhos do que os meus pais falharam comigo.”

O actor explicou que acreditava que trabalhar arduamente para sustentar a família equivalia a ser um bom pai. Hoje reconhece que “os laços formados na infância são essenciais” e que o tempo ausente nunca volta.

Divórcio, reconciliação e um novo olhar sobre a família

A relação familiar enfrentou mais turbulência quando Ben e Christine Taylor se separaram em 2017, após 17 anos de casamento. No entanto, a convivência durante a pandemia acabou por os reaproximar.

“Senti-me mal pelo impacto que a separação teve nos nossos filhos,” confessou. “Mas, paradoxalmente, foi o melhor que podia ter acontecido a mim e à Christine. Mudou completamente a forma como nos vemos.”

Hoje, diz, a relação está “longe de ser perfeita, mas mais autêntica”:

“Não damos nada por garantido. E quando estamos felizes, somos melhores pais. A vida é isso — errar, reconhecer e tentar reparar.”

Um retrato honesto e raro de Hollywood

Stiller & Meara: Nothing Is Lost promete ser um dos documentários mais pessoais e vulneráveis do ano, ao mostrar um Ben Stiller sem filtro: um homem dividido entre o peso do legado familiar e o desejo de fazer diferente — mesmo quando percebe que talvez não o tenha conseguido.

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Entre memórias, feridas e reconciliações, o filme não é apenas sobre pais e filhos: é sobre o difícil equilíbrio entre sucesso e presençacarreira e afetoculpa e redenção.

Gen V: O Segredo por Trás de Cipher Está Finalmente a Vir ao de Cima 👀

A segunda temporada da série do universo The Boys trouxe um dos momentos mais aguardados — mas nada é tão simples como parece em Godolkin University.

A nova temporada de Gen V está a mostrar que, no mundo dos super-heróis da Vought, ninguém é realmente quem diz ser. O mais recente episódio trouxe uma revelação há muito prometida sobre Cipher, o enigmático personagem que tem lançado sombras sobre os corredores de Godolkin University.

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Sem entrar em grandes spoilers (prometemos não estragar a surpresa), a verdade sobre Cipher é mais obscura — e mais trágica — do que os fãs poderiam imaginar. O episódio expõe a verdadeira origem da personagem, desmontando a figura que muitos julgavam compreender e abrindo uma nova frente de conflito que afectará profundamente Marie Moreau e o destino de toda a universidade.

Os mais atentos talvez já tenham notado as pistas subtis deixadas ao longo da temporada — pequenos detalhes em cenas aparentemente banais, indícios visuais que agora fazem todo o sentido. Mas mesmo os que previram parte do enredo não estavam preparados para o impacto emocional e moral que esta revelação traz.

No universo de Gen V, nada é apenas preto e branco, e esta viragem reforça precisamente isso: as fronteiras entre o bem e o mal, entre heróis e monstros, continuam perigosamente difusas.

Com o episódio a redefinir as alianças e a levantar questões perturbadoras sobre identidade, poder e manipulação, uma coisa é certa: Godolkin nunca mais será a mesma.

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E se achas que já percebeste tudo… talvez devas olhar novamente.

South Park e o Mistério de “6, 7”: O Meme Que Não Significa Nada (E É Precisamente Esse o Ponto)

A 28.ª temporada da série arranca com um fenómeno viral sem sentido — e uma inesperada lição de existencialismo digital. 🤯📺

O regresso de South Park para a 28.ª temporada trouxe de volta o humor corrosivo e o caos habitual, mas também deixou os fãs (e alguns pais americanos) completamente baralhados. No primeiro episódio, os alunos da escola de South Park começam a repetir misteriosamente a expressão “six, seven” (“seis, sete”) — um mantra sem explicação aparente que rapidamente se espalha como se fosse o novo grito de guerra de uma seita infantil.

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Mas não, ninguém está a fundar um culto satânico no Colorado. Como explica o episódio, as crianças estão apenas a abraçar a ausência total de sentido da existência — uma espécie de piada cósmica à moda de South Park.

A origem real do meme 🎵

Longe da ficção, o fenómeno “6, 7” nasceu no mundo real, a partir de uma música do rapper Skrilla, intitulada Doot Doot, lançada em Dezembro de 2024. A canção ganhou força quando foi usada em múltiplos vídeos no TikTok, alguns deles com o jogador de basquetebol LaMelo Ball, cujo 1,98 m de altura (6 pés e 7 polegadas) inspirou a associação numérica.

O meme rapidamente deixou de ter qualquer ligação ao basquetebol. Jovens por todo o lado começaram a repetir o “six, seven” em contextos aleatórios, como resposta a perguntas sem resposta. “Qual é o jantar?” — “Six, seven.” “Sabes o resultado do teste?” — “Six, seven.” Acompanhado, claro, de um encolher de ombros e um olhar vazio digno do clássico emoticon: ¯\(ツ)

O nada como forma de expressão 💭

O que significa “six, seven”? Absolutamente nada — e é precisamente essa a graça. Tal como observou o Wall Street Journal, é “como se Albert Camus tivesse uma conta no TikTok”. O meme tornou-se um símbolo da absurda desconexão e ironia existencial que marcam a cultura digital contemporânea: quanto menos sentido algo faz, mais rapidamente se torna viral.

Para a geração que cresce entre a ansiedade global, a sobrecarga de informação e o ruído constante das redes sociais, “six, seven” é quase uma filosofia de vida: rir-se do vazio, transformar a confusão em piada e, no processo, criar uma comunidade baseada… na falta de significado.

De South Park para a eternidade da Internet 💻

Ao integrar o meme na série, os criadores Trey Parker e Matt Stone fizeram o que melhor sabem: transformar o absurdo em espelho social. South Park não explica o fenómeno — apenas mostra-o a expandir-se até à loucura, num retrato perfeito da rapidez com que a Internet dá vida (e morte) a uma ideia.

Tal como outros memes antes dele — de “404 Not Found” a “Me when the” —, “six, seven” acabará por desaparecer. Mas, graças a South Park, ficará imortalizado como o meme do nada: uma espécie de versão contemporânea de O Estrangeiro, de Camus, passada no recreio da escola.

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E, no fim, talvez o único comentário possível seja o próprio meme:

¯\(ツ)/¯ 6, 7.

Colheita: O Western Medieval Hipnótico de Athina Rachel Tsangari com Caleb Landry Jones 🌾⚔️

A realizadora grega regressa com uma tragicomédia misteriosa e visualmente arrebatadora, onde uma aldeia indefinida mergulha no caos durante sete dias de loucura.

Chegou a época da colheita — e, nas mãos de Athina Rachel Tsangari, nunca a ceifa foi tão bela, enigmática e desconcertante. O novo filme da autora grega, simplesmente intitulado Colheita, é um drama de 2h13min que mistura o tom existencial do cinema europeu com a estrutura mítica de um western medieval. O resultado é uma experiência cinematográfica rara: trágica, surreal e profundamente humana.

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A parábola de uma aldeia à beira da extinção

Baseado no romance homónimo de Jim CraceColheita transporta-nos para uma aldeia sem nome, num tempo e espaço indefinidos. Ao longo de sete dias alucinatórios, os habitantes vêem o seu mundo ruir com a chegada de três figuras misteriosas: um cartógrafoum imigrante e um banqueiro. A sua presença desencadeia uma série de acontecimentos que põem em causa as tradições, a fé e até a própria noção de comunidade.

A realizadora, conhecida por filmes como Attenberg e Chevalier, usa a câmara com a precisão de uma arqueóloga emocional, escavando as camadas simbólicas de uma história que tanto pode ser lida como um retrato da Europa rural quanto uma alegoria universal sobre o poder, a ganância e a transformação.

Caleb Landry Jones: o estrangeiro que incendia o ecrã 🔥

No centro do filme está Caleb Landry Jones, um dos actores mais intensos e imprevisíveis da actualidade (NitramThree Billboards Outside Ebbing, Missouri). A sua presença é quase mítica — simultaneamente frágil e ameaçadora —, funcionando como o catalisador do colapso e da revelação. Jones habita o papel com a mesma energia hipnótica que o tornou uma das figuras mais fascinantes do cinema recente.

Um épico poético e brutal

Visualmente, Colheita é deslumbrante: os campos ondulantes, o fogo, a terra e a chuva transformam-se em personagens próprias, num trabalho de fotografia que evoca o simbolismo de Tarkovsky e a fisicalidade de Béla Tarr. Tsangari, fiel à sua tradição de explorar o absurdo e a vulnerabilidade humanas, equilibra o drama com um humor subtil e inesperado — uma tragicomédia onde a beleza e a barbárie caminham lado a lado.

Uma reflexão sobre o fim e o recomeço

Colheita não é apenas uma história sobre uma aldeia em ruínas; é uma meditação sobre o fim dos ciclos — agrícolas, sociais e espirituais. A colheita, aqui, é tanto uma metáfora da fertilidade como da destruição. No fim, resta a pergunta: o que é realmente semeado quando o mundo começa a arder?

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Athina Rachel Tsangari entrega um filme poderoso e hipnótico, que desafia convenções e confirma o seu estatuto como uma das vozes mais originais do cinema europeu contemporâneo.

Pennywise Está de Volta: Novo Teaser de IT: Welcome to Derry Promete Medo, Palhaços e Balões Vermelhos 🎈

Poster de IT Welcome to Derry quase a chegar à HBO MAX

A prequela de It chega em Outubro à HBO — Bill Skarsgård regressa como o palhaço mais aterrador do cinema.

O terror regressa a Derry. A HBO revelou um novo teaser e um cartaz de IT: Welcome to Derry, a aguardada série que expande o universo criado por Stephen King e imortalizado nos filmes de Andy Muschietti. O vídeo, divulgado pela IGN, mostra que, apesar da fachada pacífica, a pequena cidade do Maine continua a esconder um mal ancestral pronto a despertar.

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A série, composta por oito episódios, estreia a 26 de Outubro na HBO e HBO Max, com novos episódios lançados semanalmente até ao final da temporada, marcado para 14 de Dezembro.

O regresso de Pennywise 🎭

O icónico Bill Skarsgård volta a vestir o fato (e o sorriso aterrador) de Pennywise, o Palhaço Dançarino, numa história que decorre em 1962, décadas antes dos acontecimentos vistos nos filmes It (2017) e It: Chapter Two (2019).

O elenco inclui Jovan Adepo (The Stand), Taylour Paige (The Toxic Avenger), Chris Chalk (Gotham), James Remar(Dexter), Stephen Rider (Daredevil), Madeleine Stowe (Revenge) e Rudy Mancuso (The Flash). O cartaz recentemente revelado destaca a família Hanlon, cuja presença promete ligação directa ao futuro grupo conhecido como “The Losers’ Club”.

De volta à origem do medo 👁️

Welcome to Derry é uma prequela directa dos filmes de Muschietti, baseados no romance original de 1986, explorando as origens do mal que assombra a cidade — e, possivelmente, o nascimento do próprio Pennywise. Andy Muschietti realiza vários episódios e volta a colaborar com Jason Fuchs, co-produtor de It: Chapter Two, que escreve o primeiro episódio e assume a co-direcção criativa da série ao lado de Brad Caleb Kane (Crystal Lake).

Uma saga de terror com planos ambiciosos

Se a primeira temporada conquistar o público, Muschietti já tem planos traçados: uma segunda temporada ambientada em 1935 e uma terceira em 1908, aprofundando o ciclo de terror que assombra Derry ao longo das décadas.

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A julgar pelo teaser, IT: Welcome to Derry promete o mesmo equilíbrio entre nostalgia, terror e melancolia que transformou os filmes anteriores em sucessos globais — com direito, claro, a balões vermelhosesgotos sombrios e sorrisos impossivelmente largos.

“Mr. Scorsese” ia ser um filme de 2 horas — até Rebecca Miller perceber que isso era “impossível”

O retrato definitivo de Martin Scorsese chega à Apple TV+ este mês — cinco episódios, memórias inéditas e uma história de amor ao cinema 🎬🍎

Quando Rebecca Miller se sentou com Martin Scorsese, pensou que estava a fazer um filme documental de duas horas. Minutos (e muitas conversas) depois, percebeu o óbvio: reduzir uma vida e uma filmografia destas a 120 minutos era… “impossível”. O resultado é “Mr. Scorsese”, uma docuserie de cinco horas que estreou no New York Film Festival e chega à Apple TV+ a 17 de Outubro de 2025.  

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De longa-metragem a série-evento

Miller contou ao IndieWire como o projecto evoluiu: começou com uma proposta simples, ganhou acesso ao arquivo pessoal do cineasta e, após cerca de 20 horas de entrevistas, tornou-se uma série que “tem de respirar” para acompanhar a vida e a obra de Scorsese. A montagem revelou-se o verdadeiro campo de batalha: manter a fluidez das ideias, cruzar filmes e biografia, e evitar o temido “lista de filmes”.  

Cinco horas, mil histórias

A série percorre dos dias de Little Italy até Killers of the Flower Moon, passando por Mean StreetsTaxi DriverRaging BullThe Aviator e The Wolf of Wall Street. Há a presença indispensável de Thelma Schoonmaker, parceira de edição que “quebrou regras” em Raging Bull; e depoimentos de Robert De NiroLeonardo DiCaprioJay CocksNicholas PileggiPaul Schrader e mais — com Scorsese a guiar, na primeira pessoa, um olhar íntimo sobre fé, violência, ética e arte.  

Os “anjos” de Marty 😇

Um dos fios condutores é a ideia dos “anjos” que aparecem nos pontos de rutura: De Niro a empurrá-lo para Raging Bullquando a saúde fraquejou; Schoonmaker, recuperada do documentário para redefinir a gramática de montagem; e DiCaprio, cuja parceria tornou viáveis projectos ambiciosos como Gangs of New YorkThe Aviator e The Wolf of Wall Street. É um retrato de como talento, obsessão e colaboração salvaram (várias vezes) uma carreira que nunca abdicou de visão autoral.  

O que fica de fora (e porquê)

Apesar do fôlego, Miller tomou decisões duras: “Hugo” e parte do trabalho televisivo/documental ficam de fora, para preservar o eixo temático que cose “vida e obra em tango”. A série evita o inventário e aposta na estrutura emocional — regresso aos amigos de infância, episódios de crise, reinvenções — para explicar como Scorsese se tornou um autor que “não desvia o olhar”, mesmo quando o mundo quer olhar para outro lado.  

NYFF, aplausos e o que aí vem

estreia no NYFF encheu a Alice Tully Hall e veio acompanhada de críticas muito positivas, destacando o ritmo e a proximidade que Miller alcança com o cineasta. Para quem não esteve em Nova Iorque, a boa notícia é simples: os cinco episódios (tempo total ~285 minutos) chegam já a 17 de Outubro à Apple TV+. Popcorns prontos. 🍿  

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Ficha essencial

  • Título: Mr. Scorsese
  • Formato: Docuserie em 5 partes (aprox. 285 min no total)
  • Realização: Rebecca Miller
  • Estreia: 17 de Outubro de 2025 na Apple TV+
  • Estreia mundial: New York Film Festival, 4 de Outubro de 2025  

Rachel McAdams e Dylan O’Brien Perdem-se Numa Ilha… e um no Outro em Send Help, o Novo Thriller de Sam Raimi 🏝️🔥

E se, em vez de uma bola chamada Wilson, ficasse preso numa ilha deserta com o colega de trabalho que mais detesta?

É esse o ponto de partida de Send Help, o novo thriller psicológico com humor negro realizado por Sam Raimi, que junta Rachel McAdams e Dylan O’Brien num cenário onde a sobrevivência é tão difícil quanto a convivência.

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Um acidente, duas vítimas… e zero paciência

O filme acompanha Linda Liddle (McAdams) e Bradley Preston (O’Brien), dois colegas de uma empresa de consultoria que sobrevivem a um desastre de avião durante uma viagem de negócios. Isolados numa ilha deserta, os dois são obrigados a cooperar para sobreviver — o que não é fácil, já que se detestam profundamente.

Mas à medida que os dias passam, o que começa como uma luta pela sobrevivência transforma-se num jogo psicológico perverso, onde a tensão e o ressentimento se misturam com dependência e poder.

Nas primeiras imagens divulgadas, vê-se McAdams — suada, determinada, de lança improvisada na mão — e um O’Brien ferido, a ser alimentado com água de coco pela colega que tanto o despreza. Raimi descreve essa sequência como “o início da transformação da personagem de Rachel, quando começa a testar os seus instintos de sobrevivência”.

Sam Raimi promete um duelo de inteligência (e de egos)

O realizador de Evil Dead e Spider-Man afirma que o que mais o atraiu no guião foi “a complexidade da relação entre duas pessoas obrigadas a cooperar num ambiente extremo”.

“O argumento era original, intenso e cheio de reviravoltas emocionais. Sabia que queria filmá-lo logo depois de o ler”, revelou Raimi à Entertainment Weekly.

O cineasta destaca ainda o carácter transformador da história: Send Help é, nas suas palavras, “um conto de empoderamento feminino e inversão de papéis”. Linda, a funcionária subestimada da empresa, vê-se forçada a liderar — enquanto o seu chefe arrogante se torna totalmente dependente dela.

“Ver um homem poderoso perceber que precisa da mulher que sempre ignorou é, de certa forma, profundamente satisfatório”, diz Raimi. “É uma história universal sobre respeito, resiliência e mudança.”

Um elenco de luxo para um pesadelo tropical

Produzido por Raimi e Zainab Azizi, o filme conta ainda com argumento de Damian Shannon e Mark Swift, os mesmos de Freddy vs. Jason e Baywatch. A dupla promete equilibrar o terror psicológico com toques de humor negro — uma assinatura que já é quase marca de Raimi.

As primeiras imagens mostram um contraste entre o absurdo e a tensão: entre o desespero da sobrevivência e a ironia de ver dois colegas presos no inferno tropical das suas próprias personalidades.

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Send Help chega aos cinemas a 30 de janeiro de 2026, prometendo um thriller que mistura terror, sátira e empoderamento feminino.

Resta saber se Linda e Bradley vão conseguir escapar da ilha — ou apenas um do outro.

The Twits: A Nova Aposta da Netflix Que Divide Críticos e Fãs de Roald Dahl 🎩🐒

A Netflix voltou a mergulhar no universo de Roald Dahl — e, desta vez, o mergulho veio com lama. The Twits, a nova adaptação animada do clássico infantil, chegou à plataforma envolta em curiosidade e polémica. O filme, realizado por Phil Johnston (ZootopiaWreck-It Ralph), promete reintroduzir às novas gerações um dos livros mais bizarros e grotescos do autor britânico. Mas o resultado tem deixado o público dividido entre o espanto e a perplexidade.

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O livro original de 1980 contava a história de um casal repulsivo, o Sr. e a Sra. Twit — dois seres desagradáveis, malcheirosos e desprovidos de empatia — que se divertiam a torturar animais e a fazer partidas um ao outro. Dahl criou-os como um exercício de repulsa, quase um manifesto contra a fealdade moral e física. No entanto, a nova versão da Netflix opta por atualizar o contexto: os Twits continuam asquerosos, mas agora vivem numa cidade moderna e planeiam abrir um parque de diversões insalubre, repleto de colchões sujos e infrações sanitárias.

O que poderia ser uma comédia de mau gosto tornou-se, curiosamente, uma alegoria política. Vários críticos têm sublinhado que o filme acaba por refletir sobre o populismo contemporâneo, com os Twits a convencerem os cidadãos de uma cidade decadente a apoiar o seu projeto “para devolver a glória perdida”. A metáfora é difícil de ignorar — e muitos observadores aplaudem a ousadia de introduzir, num filme infantil, uma reflexão tão clara sobre manipulação e poder.

Ainda assim, há quem veja aqui o ponto fraco da adaptação. Para alguns críticos, a tentativa de transformar um conto grotesco numa fábula moral sobre o estado do mundo acaba por diluir o humor negro e a crueldade absurda que sempre caracterizaram o espírito de Dahl. O The Guardian descreveu o resultado como “americanizado e grotesco nos momentos errados”, enquanto o The Times acusou a Netflix de “domesticar” a irreverência do autor britânico.

Nem tudo, porém, são espinhos. O elenco vocal tem recebido elogios generalizados — com Margo Martindale e Johnny Vegas a darem vida (e uma boa dose de viscosidade cómica) ao casal Twit. Natalie Portman e Timothy Simonsemprestam vozes aos carismáticos macacos Muggle-Wumps, as verdadeiras vítimas da história, e há ainda um cameo divertido do próprio realizador. Mesmo as canções originais, compostas por David Byrne, embora pouco memoráveis segundo a crítica, conferem ao filme um tom excêntrico e algo experimental.

Visualmente, a animação tem dividido opiniões. Alguns apreciam o aspeto deliberadamente “sujo” e pouco polido, que mantém o espírito anárquico do texto, enquanto outros consideram o resultado abaixo dos padrões técnicos de estúdios como a Disney ou a DreamWorks. Ainda assim, há quem veja nessa imperfeição uma escolha estética consciente — um reflexo do mundo grotesco dos Twits.

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No final, The Twits é um filme que não passa despercebido. Há quem o acuse de perder o encanto do original e quem o celebre como a adaptação mais ousada de Dahl até hoje. Talvez o seu maior mérito seja esse: conseguir provocar reações tão intensas — entre o riso, o desconforto e a reflexão política — num público que esperava apenas uma comédia animada.

Afinal, num mundo em que tantas histórias são polidas até à exaustão, talvez seja refrescante ver uma que ainda se atreve a ser… desagradável.

Mark Wahlberg Está de Volta em The Family Plan 2: A Nova Comédia de Ação da Apple TV Chega com Sabor Europeu 🇪🇺🎬

A Apple TV+ continua a reforçar o seu catálogo de filmes originais e a aposta para este outono promete muita ação, gargalhadas e espírito natalício.

Mark Wahlberg regressa em The Family Plan 2, a sequela do filme que em 2023 se tornou um dos maiores sucessos da plataforma — e que agora ganha nova vida… com um vilão inesperado: Kit Harington, o eterno Jon Snow de Game of Thrones.

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De assassino reformado a turista acidental

Na primeira parte, Wahlberg interpretava um ex-agente secreto que tentava viver uma vida normal com a família — até que o passado bateu à porta.

Em The Family Plan 2, o “pai mais perigoso do mundo” volta à ação durante umas férias na Europa que, claro, correm espetacularmente mal.

O novo trailer mostra uma mistura entre comédia familiar e filme de espionagem, com cenários europeus, perseguições de carro e um humor que aposta tanto na confusão como no caos.

Um sucesso improvável — e uma segunda oportunidade

O primeiro The Family Plan não convenceu a crítica (ficou pelos 29% no Rotten Tomatoes), mas o público discordou: com uma pontuação de 60% e um volume de visualizações recorde, tornou-se o filme mais visto da história da Apple TV+ na altura da sua estreia.

Agora, com a plataforma a contar com muito mais subscritores e uma estratégia global mais agressiva, tudo indica que esta sequela poderá superar o original.

O regresso de Wahlberg e a estreia de Kit Harington como vilão

Mark Wahlberg volta a combinar humor físico e ação frenética no papel que muitos descrevem como “Jason Bourne em modo pai de família”.

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Já Kit Harington surge numa faceta totalmente nova: um vilão carismático e sofisticado, mais próximo de James Bond do que de Winterfell.

O filme aposta numa mistura irresistível de ritmo acelerado, humor leve e ambiente natalício — ingredientes perfeitos para uma estreia de novembro.

The Family Plan 2 chega à Apple TV+ a 21 de novembro, precisamente uma semana antes do Dia de Ação de Graças nos Estados Unidos, época em que as famílias se reúnem — e em que Wahlberg promete provar que a sua ainda é a mais desastradamente perigosa de todas.

Victoria Beckham Abre o Coração no Novo Documentário da Netflix: “O Desperdício Era Inacreditável” 💸✨

A ex-Spice Girl revela gastos absurdos, erros de gestão e a transição turbulenta do estrelato pop para o mundo da moda — com a franqueza de quem aprendeu tudo à sua custa

Victoria Beckham já foi muitas coisas: uma Spice Girl, um ícone de estilo, uma figura mediática e, claro, uma empresária de sucesso. Mas no seu novo documentário da Netflix, a antiga Posh Spice mostra-se como raramente o fez — sem filtros, com humor e brutal honestidade.

Em três episódios que misturam confissões pessoais e bastidores da sua carreira, Victoria revisita os anos mais difíceis da sua marca de moda, incluindo despesas extravagantes dignas de um império em colapso.

“Chegámos a voar cadeiras de um lado ao outro do mundo”, admite, incrédula, sobre as excentricidades da sua equipa. “E gastávamos 70 mil libras por ano em plantas… mais 15 mil libras para alguém as regar.”

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“O desperdício era inacreditável”

Com a frieza de quem aprendeu a olhar para trás sem rodeios, Victoria confessa que não tinha noção do abismo financeiro em que o seu negócio mergulhava.

“Não percebia na altura, mas o desperdício era inacreditável. Ouço agora e fico horrorizada. Mas deixei que acontecesse.”

O documentário, que equilibra vulnerabilidade com autoanálise, mostra uma Victoria que reconhece os seus erros, assume a ingenuidade com que trocou o mundo do entretenimento pelo da moda e admite ter ficado endividada.

“As pessoas tinham medo de me dizer que não”, explica. “O poder da celebridade pode ser uma armadilha. Achavam que eu não estava habituada a ouvir um ‘não’. Mas aprendi. E hoje, assumo o que fiz — e o que podia ter feito de forma diferente.”

Do microfone às passerelles

O documentário traça a trajetória de Victoria desde os tempos de Spice Girl até à consolidação como estilista internacionalmente respeitada. Entre festas, desfiles e momentos de crise, o fio condutor é a busca por identidade e autenticidade.

Com o marido David Beckham e os filhos sempre em pano de fundo, a série mostra que por trás da imagem da “Posh” há uma mulher que sabe rir de si própria, que caiu, se reinventou e regressou com mais força.

Longe da rigidez das biografias “autorizadas”, Victoria mostra vulnerabilidade, humor e humildade, sem nunca perder o toque de ironia britânica que a tornou famosa.

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Uma Posh mais humana — e mais divertida

Apesar de continuar a ser uma das figuras mais influentes da moda britânica, Victoria Beckham revela-se surpreendentemente leve. Entre risos e arrependimentos, o documentário prova que a sua maior arma não é o luxo, mas a lucidez.

“Podia ter feito um documentário qualquer, cheio de glamour e frases prontas”, diz um crítico no filme. “Mas este mostra a verdadeira Victoria — afiada como uma navalha, mas genuína como sempre.”

Em vez de se defender, Victoria opta por contar a verdade com elegância e ironia. Para quem gosta duma boa fofoca…. aqui está….