A televisão portuguesa vai entrar no olho da tempestade com Tornados, a nova aposta do TVCine Top, que estreia já sexta-feira, 28 de novembro, às 21h30. A produção, descrita como uma versão moderna e muscular do clássico Twister(1996), chega com a ambição de recuperar o fascínio pelo caos climático — agora com tecnologia de ponta, efeitos visuais arrebatadores e uma nova geração de caçadores de tempestades prontos para desafiar a força da natureza.
Esta releitura dramática gira em torno de Kate Carter, interpretada por Daisy Edgar-Jones, uma meteorologista que abandonou a vida de perseguição a tornados após um episódio traumático que tirou a vida ao namorado e colega de investigação. Desde então, Kate vive longe dos radares e da adrenalina, mas a paz dura pouco: uma equipa científica convida-a a regressar a Oklahoma para testar uma tecnologia avançada que promete prever — e possivelmente controlar — tornados de intensidade devastadora.
Ao seu lado surge Tyler Owens, interpretado por Glen Powell, uma espécie de estrela das redes sociais cuja carreira consiste em correr atrás de tempestades para gerar cliques e audiências. Junta-se ainda Javi, vivido por Anthony Ramos, velho amigo e colega de Kate, peça essencial nesta nova operação científica. O trio acaba por enfrentar aquilo que nenhum deles imaginava: um conjunto de frentes de tornados tão extremo que coloca a própria experiência humana num patamar insignificante perante o poder imprevisível da natureza.
A realização ficou a cargo de Lee Isaac Chung, vencedor do Globo de Ouro com Minari em 2021, que aqui troca os dramas íntimos pela tensão ininterrupta dos desastres naturais. O argumento de Mark L. Smith (The Revenant) adiciona camadas de intensidade emocional a um filme que, apesar de centrado em tornados colossais, nunca se esquece de explorar o trauma, a perda e a resiliência dos seus protagonistas.
Um dos grandes destaques de Tornados é a componente visual, que aposta num realismo avassalador: sequências inteiras são reconstruídas através de CGI de última geração, recriando paredes de vento, detritos e paisagens destruídas com um nível de detalhe que promete acelerar o ritmo cardíaco dos espectadores. É um filme pensado para ser sentido — e não apenas visto.
A estreia nacional acontece em simultâneo no TVCine Top e no TVCine+, tornando a noite de sexta-feira um momento obrigatório para quem gosta de thrillers climáticos, desastres em grande escala ou simplesmente do género “vou só ver o início” que acaba em sessão completa com o sofá a tremer.
Há dias assim: acordamos, respiramos fundo e percebemos que estreou mais uma comédia de animação sobre animais falantes que resolvem problemas em cenários digitais impecáveis. Zootrópolis 2 — ou Zootopia 2, como é conhecido nos Estados Unidos — encaixa exactamente neste molde. Não é um filme produzido por inteligência artificial, mas não seria difícil acreditar no contrário.
O original de 2016 conquistou o público com uma proposta fresca: uma cidade onde predadores e presas convivem numa utopia altamente funcional, recheada de humor, metáforas sociais e um duo improvável de protagonistas. Desta vez, porém, a sequela parece seguir uma cartilha corporativa tão rígida que as suas piadas soam pré-aprovadas por comité e a sua estrutura avança com o automático ligado.
Regressamos a Zootrópolis, esse mundo tecnicolor onde coelhos, ursos, antílopes, preguiças e leões vivem side by side — e onde, claro, Alan Tudyk aparece mais uma vez em modo cameo vocal, como se fosse uma tradição contratual. Judy Hopps, a coelha persistente e idealista, continua a patrulhar a cidade; Nick Wilde, a raposa streetwise promovida a agente da autoridade, mantém o charme cínico mas domesticado. A dupla continua funcional, simpática, eficaz. Mas muito pouco além disso.
A nova aventura começa com um crime improvável: um réptil — o único grupo animal que a cidade continua a rejeitar de forma óbvia — é acusado de roubar um diário pertencente à família aristocrática dos linces fundadores de Zootrópolis. O caderno esconde segredos sobre as “paredes meteorológicas”, as estruturas que permitem coexistirem dentro da mesma cidade múltiplos climas e biomas. A investigação rapidamente os leva a uma conspiração que, como sempre, atinge o topo da pirâmide social. Nada de novo, nada inesperado, nada particularmente ousado.
Há piadas, claro. Algumas até funcionam. Mas têm aquela precisão tão mecânica — quase estéril — que parece resultante de fórmulas testadas à exaustão em focus groups. O filme é limpinho, seguro, funcional. Mas falta-lhe alma. A sensação dominante é a de estarmos perante um “produto” que cumpre tabela, em vez de uma sequela com identidade própria.
Zootrópolis 2 é, no fundo, um filme ideal para entreter crianças num voo longo ou numa viagem de carro. E isto não é uma crítica — há valor em obras que cumprem essa função. Mas, ao contrário do primeiro capítulo, que surpreendia pelo humor inteligente e pela ambição temática, esta continuação avança sem riscos e sem entusiasmo, como se fosse apenas mais uma entrada encomendadíssima num catálogo de streaming.
Disney já fez melhor. E os espectadores também já viram melhor. Talvez a terceira parte — se vier aí um Z3 — tenha a coragem de regressar às raízes mais sombrias, satíricas e criativamente desafiantes do original. Por agora, ficamos com este capítulo ameno, competente, mas quase indistinguível de uma criação algorítmica.
A Eurovisão vai mudar a forma como os votos são atribuídos já na próxima edição do festival. A decisão surge na sequência das acusações feitas por vários países europeus, que alegaram que Israel terá influenciado de forma indevida a votação do público no concurso do ano passado.
As novas regras, anunciadas na sexta-feira, reduzem para metade o número de votos permitidos por cada espectador — passam de 20 para 10 — e introduzem uma partilha mais equilibrada entre a votação do público e a de um júri profissional. Ao mesmo tempo, a organização quer travar campanhas externas com potencial para distorcer o resultado final. Martin Green, director da Eurovisão, foi claro: “Nenhum canal público ou artista poderá, a partir de agora, envolver-se ou apoiar campanhas de terceiras entidades — incluindo governos ou agências governamentais — que possam influenciar artificialmente a votação.”
A União Europeia de Radiodifusão (EBU), responsável pelo evento, comprometeu-se igualmente a reforçar os sistemas de segurança e a intensificar a monitorização de actividades fraudulentas.
Ainda que o comunicado oficial não refira Israel pelo nome, a decisão é uma resposta directa ao polémico resultado do ano passado. O representante israelita, Yuval Raphael, terminou em segundo lugar, impulsionado por uma vantagem expressiva na votação do público. Na altura, circularam nas redes sociais apelos a apoiantes de Israel em todo o mundo para que votassem o máximo possível, o que gerou indignação entre vários países participantes.
Após a final, os canais públicos de Espanha, Irlanda, Bélgica, Islândia e Finlândia exigiram uma auditoria ao sistema de votação, insinuando que Israel teria manipulado o processo — alegações que Martin Green rejeitou então de forma categórica.
A tensão agravou-se em Setembro, quando Países Baixos, Eslovénia, Islândia, Irlanda e Espanha anunciaram que poderiam boicotar o festival caso Israel fosse autorizado a participar. A EBU chegou a ponderar um voto interno entre os países membros sobre esta questão, mas recuou após o cessar-fogo mediado pelos Estados Unidos em Gaza no mês passado. O tema será discutido formalmente na reunião da EBU em Dezembro.
O chanceler da Áustria, país anfitrião da edição deste ano, também terá pressionado o seu canal público para não acolher o evento caso Israel seja excluído, sinal de que o debate está longe de ser consensual.
Martin Green acredita que as novas medidas podem restaurar a confiança no concurso: “Espero sinceramente que este pacote robusto de alterações dê garantias a artistas, canais e fãs. Acima de tudo, espero que permita ao festival reconhecer a complexidade do mundo em que vivemos, mas resistir às tentativas de transformar o nosso palco num terreno de divisão geopolítica.”
A Eurovisão prepara-se, assim, para enfrentar mais um ano delicado — tentando equilibrar o entretenimento, a música e a política num palco que, inevitavelmente, espelha as tensões do continente.
Desde que Sadie Sink foi anunciada como parte do elenco de Spider-Man: Brand New Day, a internet entregou-se a uma verdadeira maratona de teorias. A actriz de Stranger Things, que se prepara para entrar oficialmente no Universo Cinematográfico da Marvel ao lado de Tom Holland, tornou-se numa das peças mais discutidas do enorme puzzle que é a Fase 6 da Marvel. E até agora, ninguém parece saber realmente quem ela vai interpretar.
Em conversa recente sobre o assunto, Sink confessou que os boatos começaram muito antes de ela sequer ter assinado contrato para o novo filme do Homem-Aranha. “Isso já andava a acontecer antes de eu saber que iria trabalhar neste projecto”, disse, visivelmente surpreendida. “Eu pensava: ‘O que é que as pessoas estão a dizer?’”
Entre as teorias mais persistentes está a possibilidade de Sink interpretar Jean Grey — ideia que, segundo a própria, não tem qualquer fundamento e surgiu completamente fora de contexto. Outro rumor muito discutido é o de que Sink possa ser Rachel Cole-Alves, uma aliada do Justiceiro. Quando questionada sobre esse cenário, Sink respondeu com humor e pragmatismo: “As pessoas esquecem-se de que a cor do cabelo pode mudar. Mas percebo todas as teorias.”
A actriz não se compromete com nenhuma das hipóteses e deixou claro que prefere manter o público em suspense: “As pessoas vão ter de esperar para ver. Estou entusiasmada para que tudo isso possa, talvez, ser esclarecido.”
As filmagens de Spider-Man: Brand New Day decorrem há meses, e há quem defenda que Sadie Sink pode ser, afinal, a nova Gwen Stacy do MCU — algo que, mais uma vez, nem a Sony nem a Marvel confirmam. A história do filme também permanece firmemente trancada a sete chaves. Sabe-se apenas que será o último capítulo do MCU antes de Avengers: Doomsday e Avengers: Secret Wars, um detalhe que por si só basta para aumentar a pressão e o secretismo.
Outra questão importante continua em aberto: será que Tom Holland regressará também para os próximos filmes dos Vingadores? Oficialmente, nada foi decidido — ou, pelo menos, nada foi anunciado. A única certeza é que Spider-Man: Brand New Day tem estreia marcada para 31 de Julho de 2026, e até lá o mistério em torno da personagem de Sadie Sink só deverá crescer.
Ao longo de três filmes, Rian Johnson tem construído um dos detectives mais fascinantes do cinema moderno — não apenas pelos casos que resolve, mas pelo enigma que ele próprio representa. Benoit Blanc, interpretado por Daniel Craig com um sotaque sulista tão exagerado quanto deliciosamente calculado, tornou-se o elemento mais intrigante de Knives Out. E o que Johnson revela sobre ele… revela, precisamente, pouco.
Desde Knives Out (2019), passando por Glass Onion e chegando agora a Wake Up Dead Man: A Knives Out Mystery, que estreia nos cinemas esta quarta-feira antes de aterrar na Netflix a 12 de Dezembro, a construção de Blanc tem sido feita com parcimónia e humor. Sabemos que vive com Hugh Grant (ou pelo menos presume-se fortemente). Que detesta o jogo Clue. Que tem um gosto surpreendentemente sólido por teatro musical. E que, ao longo da vida, resolveu casos que envolvem um campeão de ténis, uma bailarina e até um crime insólito no Kentucky Derby.
Johnson e Craig preferem mostrar Benoit Blanc por fragmentos, como um velho manuscrito policial do qual só se lêem as páginas que o detective escolhe partilhar. Isso obriga o público a imaginá-lo. E talvez essa seja a magia.
“A primeira descrição que escrevi dizia apenas ‘um leve toque de sotaque sulista’”, recorda Johnson. Mas Craig, inspirado em Tennessee Williams e no escritor Shelby Foote, decidiu transformar esse “leve toque” num verdadeiro Foghorn Leghorn vindo directamente de Looney Tunes. Em Glass Onion, o sotaque ficou ainda mais carregado — algo que, descobrimos mais tarde, fazia parte de um dos truques narrativos do filme.
Para Craig, a única regra é esta: nunca cair no ridículo. “Se um dia se tornar pastiche, acabou”, diz o actor. Para evitar isso, segue a filosofia de Gene Wilder: “Se fores verdadeiro na cena, a comédia acontece naturalmente.”
Curiosamente, Craig quase não interpretou Benoit Blanc. Quando Johnson escreveu Knives Out, o actor estava comprometido com No Time to Die. Só uma mudança inesperada no calendário de Bond lhe abriu uma janela de oportunidade. Craig leu o argumento, ficou perplexo por o terem enviado para si — e aceitou de imediato. “Li aquilo e visualizei tudo”, diz, com um entusiasmo que parece intacto cinco anos depois.
O novo filme, Wake Up Dead Man, leva Benoit Blanc até uma pequena paróquia onde um monsenhor — interpretado por Josh Brolin — cai morto a meio de uma missa. O tom é mais sério, as questões existenciais mais vincadas, mas o espírito continua igual: um detective a caminhar entre pecadores, segredos e excentricidades humanas, enquanto cita frases que só podem existir no universo de Rian Johnson: “Sou um orgulhoso herege. O meu altar é o da razão”.
Mas se há algo que distingue Blanc dos detectives clássicos é a irreverência. Muitas das suas melhores exclamações — desde o já lendário “Halle Berry!” ao inesperado “Scooby Dooby Doo!” — foram improvisos de Craig. Johnson, longe de se irritar, aproveita cada pérola. “As melhores falas são dele”, admite.
As comparações com Hercule Poirot são inevitáveis — e bem-vindas. Tal como Poirot, Blanc aparece, desvenda tudo, e desaparece novamente para uma vida privada que permanece praticamente invisível. Johnson defende que assim deve ser: detectives não precisam de histórias trágicas nem de explicações psicológicas — precisam de acção, inteligência e presença.
Agora, com três filmes e planos activos para um quarto, há um detalhe curioso: para muitos jovens cinéfilos, Daniel Craig já não é apenas Bond. É Benoit Blanc. Um homem de fatos impecáveis, frases elaboradas e um charme deslocado no tempo, mas absolutamente irresistível.
No vasto universo das séries que misturam ficção científica com terror psicológico, poucas conseguiram criar uma aura tão desconfortável — e tão viciante — como From, a produção da MGM+ que desde Fevereiro de 2022 se tornou num fenómeno silencioso, daqueles que os fãs recomendam com devoção quase religiosa. A crítica acompanhou esse entusiasmo: a série mantém uns impressionantes 96% de aprovação no Rotten Tomatoes, um feito que poucos títulos do género conseguem replicar.
Agora, finalmente, há novidades concretas sobre a aguardadíssima 4.ª temporada. Após a renovação anunciada antes do final da 3.ª temporada, a série entrou em produção no início do Verão de 2025, na Nova Escócia. E esta semana chegou a confirmação que os fãs esperavam: as filmagens estão oficialmente concluídas. O anúncio surgiu na conta oficial no X (ex-Twitter), com um vídeo do elenco e uma mensagem provocatória: “BRB a decifrar cada frame deste vídeo em busca de pistas da 4.ª temporada. #FROM concluiu oficialmente as filmagens e chega em breve à @mgmplus!”
No vídeo, revemos várias das figuras centrais da série — Harold Perrineau, Scott McCord, Avery Konrad, Ricky He, David Alpay, A.J. Simmons, Kaelen Ohm, Chloe Van Landschoot e Catalina Sandino Moreno. A data de estreia ainda não foi revelada, mas tudo aponta para que a temporada chegue em 2026.
O que podemos esperar? Tal como as temporadas anteriores, a nova terá dez episódios. John Griffin, criador da série, já tinha deixado um aviso enigmático: os personagens vão iniciar “uma nova jornada”, e a grande questão será se esse caminho os conduzirá finalmente para casa ou se os arrastará ainda mais fundo para dentro do pesadelo que parece não ter fim. Quem acompanha From sabe que a série nunca escolhe o óbvio: cada temporada aprofunda a sensação de ameaça constante, com novos mistérios que surgem como se a própria cidade estivesse viva e empenhada em torturar os seus habitantes.
Harold Perrineau tem sido particularmente entusiasta sobre o futuro da história. Numa entrevista anterior, o actor chegou a sugerir que a quarta temporada poderá introduzir uma “cisão”, uma divisão interna entre os residentes da cidade. Se a ameaça externa já era difícil de suportar, um conflito interno poderá transformar radicalmente toda a dinâmica da série.
E para quem está em Portugal e quer fazer a maratona antes da estreia? As três temporadas anteriores estão disponíveis no Prime Video e no HBO Max, tornando mais fácil revisitar cada enigma, cada criatura nocturna e cada falso amanhecer daquele lugar onde a esperança parece sempre uma armadilha.
Com filmagens terminadas, um elenco sólido e uma mitologia cada vez mais rica, From prepara-se para regressar e, quem sabe, conquistar finalmente o reconhecimento mainstream que há muito merece.
Nicole Kidman voltou a pronunciar-se, de forma rara e cautelosa, sobre como tem vivido a separação de Keith Urban, após quase duas décadas de casamento. A actriz, actualmente com 58 anos, abriu uma pequena janela para o seu estado emocional durante uma conversa com Ariana Grande para a Interview Magazine. Quando a cantora lhe perguntou como estava, Kidman respondeu com honestidade desarmante: “Estou a aguentar-me.”
A entrevista foi publicada a 24 de Novembro, mas decorreu a 19 de Outubro — poucas semanas depois de Kidman ter dado entrada no pedido oficial de divórcio, apresentado a 30 de Setembro. Foi o ponto final num casamento que começou em 2006 e que, até à ruptura confirmada, parecia ser um dos mais sólidos de Hollywood.
Apesar da reserva, Kidman permitiu-se algum entusiasmo ao falar sobre Practical Magic 2, a sequela filmada este verão em Londres, na qual partilha o protagonismo com Sandra Bullock, Maisie Williams e Joey King. “Tenho uma relação muito forte com todas aquelas mulheres, por isso senti-me protegida e amada. Foi tudo muito seguro.” Foi uma das raras passagens em que a actriz deixou transparecer conforto e pertença — duas sensações que, admitiu, nem sempre acompanharam o início da sua carreira.
Tanto Kidman como Grande conversaram também sobre o impacto de se tornarem figuras públicas em idades muito jovens. Ariana recordou o período turbulento em que a sua carreira pop explodiu: um momento de conquista, sim, mas também de desorientação. Kidman compreendeu perfeitamente. Ao recordar a fama repentina trazida por Days of Thunder, o filme de 1990 onde contracenou com Tom Cruise, a actriz confessou que a exposição extrema pode ser sufocante. “De repente, tudo é dissecado. Começas a pensar demais, ficas assustada, depois magoada, e subitamente não queres sair, não queres enfrentar o mundo.” Uma observação feita com serenidade, mas que transmite uma vulnerabilidade que ainda hoje parece acompanhar-a.
No capítulo pessoal, a separação de Keith Urban continua a ser tema sensível. O antigo casal partilha duas filhas, Sunday (17) e Faith (14). Kidman pediu para ser nomeada “progenitora residencial principal” e sugeriu um plano em que as adolescentes passariam a maior parte do ano consigo. Urban, por seu lado, tem mantido discrição, embora fontes próximas do casal garantam que a separação não foi uma surpresa para nenhum dos dois. Segundo um desses relatos, foi um processo longo, silencioso e gradual, mais próximo de uma aceitação inevitável do que de um choque repentino.
O que se percebe agora, nas palavras medidas de Nicole Kidman, é que a actriz está a atravessar uma fase de reajuste — delicada, sim, mas não devastadora. Há uma força tranquila na forma como admite que está “a aguentar-se”, combinada com a alegria genuína que sente no trabalho e no reencontro com colegas que lhe oferecem segurança e afeto.
E talvez seja esse o retrato mais honesto da Nicole Kidman de 2025: uma mulher que fecha um capítulo, abre outro e segue em frente, com a mesma graça com que sempre caminhou no centro — e às vezes nas margens — da fama.
Scarlett Johansson está oficialmente confirmada como protagonista do novo filme de The Exorcist, realizado por Mike Flanagan — um dos nomes mais respeitados do terror moderno, responsável por The Haunting of Hill House, Doctor Sleep e Midnight Mass. A produção junta Blumhouse, Atomic Monster (de James Wan) e Morgan Creek Entertainment, com distribuição da Universal, num projeto que já é descrito como uma abordagem “radical” ao clássico de William Peter Blatty.
Este novo The Exorcist não será uma sequela de The Exorcist: Believer, lançado em 2023 e mal recebido pelos fãs, nem um prolongamento direto da história de Chris ou Regan MacNeil. A promessa é clara: uma história totalmente original, ambientada no mesmo universo conceptual do romance e do filme de 1973, mas sem depender de nostalgia ou repetição.
Ainda não se sabe que papel Johansson irá interpretar, mas uma coisa é certa: não a veremos a fazer de Regan, Chris… ou — embora fosse fascinante — Pazuzu. O filme parte de uma folha em branco, e isso parece entusiasmar Flanagan, que tem repetidamente defendido que só vale a pena reinventar um colosso destes se houver algo novo, relevante e assustador a acrescentar.
O realizador não tem escondido a ambição do projecto. Numa entrevista recente, admitiu que quer criar “o filme mais assustador” da sua carreira — o que, conhecendo o autor de Gerald’s Game, não é frase dita de ânimo leve. Flanagan explicou ainda que lutou activamente para ficar com este projecto: “Acreditei que tinha algo para acrescentar. Isto é uma oportunidade para fazer algo que nunca foi feito dentro da franquia.”
Quanto a Scarlett Johansson, Flanagan não poupou elogios ao anunciar a sua entrada no elenco. Para o realizador, a actriz tem uma capacidade ímpar de manter os pés assentes na realidade mesmo nos papéis mais fantásticos, o que é precisamente o tipo de presença que pretende para esta nova perspectiva sobre o exorcismo. Embora associada sobretudo ao cinema de acção e drama, Johansson não é estranha ao terror — basta recordar Eight Legged Freaks ou a marcante Under the Skin, onde interpretou uma das personagens mais misteriosas e inquietantes da última década.
A combinação entre a sensibilidade narrativa de Flanagan e a intensidade interpretativa de Johansson já está a gerar fortes expectativas entre os fãs do género. Para um universo tão venerado como The Exorcist, a margem de erro é mínima, mas o clima à volta desta produção tem sido de confiança: nada de refazer o passado, nada de tributos preguiçosos — apenas uma nova história, com personalidade própria, pronta a desafiar o público e a testar até onde se pode levar o terror psicológico em 2026.
A estreia está marcada para 13 de Março de 2026. Até lá, é esperar para ver se Flanagan cumpre a promessa de entregar não só uma nova visão sobre o clássico, mas aquele que poderá ser — nas palavras dele — o filme mais aterrador que alguma vez fez.
Zack Snyder voltou a acender o rastilho. Depois de vários dias a publicar imagens do seu elenco da era DCEU, o realizador partilhou agora uma nova fotografia de Ben Affleck como Batman — uma imagem sombria, elegante e perfeitamente sintonizada com o estilo que definiu o chamado SnyderVerse. Na legenda, Snyder escreveu apenas: “Uma das minhas fotos favoritas do Batman, tirada pelo meu amigo Clay Enos.”
É precisamente Enos, fotógrafo de confiança do realizador, quem assina alguns dos registos mais icónicos de Batman v Superman e Justice League. E esta nova imagem de Affleck, em grande plano, com o cowl a traçar sombras tão escuras quanto o seu Cavaleiro das Trevas, parece tudo menos uma publicação inocente.
Nos últimos meses, Snyder tem divulgado fotografias de Henry Cavill, Jason Momoa, Amber Heard, Joe Manganiello e até Jared Leto — todos actores associados directamente à sua visão da DC. Não são imagens aleatórias, retiradas ao acaso de um disco rígido antigo: são publicações coordenadas, quase cirúrgicas, lançadas num momento em que a indústria discute abertamente o futuro da DC e o destino da Warner Bros. Discovery.
O momento não podia ser mais oportuno. Entre rumores de que investidores sauditas estão dispostos a financiar um renascimento do SnyderVerse sob a alçada da Paramount ou da Comcast, a confirmação de que James Gunn ajustou profundamente o seu plano inicial para o novo DCU, e as inúmeras publicações de Snyder a demonstrar apoio a mensagens sobre o regresso do seu universo, cada novo “tease” ganha um peso inesperado.
E agora, novamente, o foco recai sobre Ben Affleck — talvez a peça mais simbólica de toda esta equação. O actor, cuja interpretação de Batman continua a ser das mais debatidas da história recente do género, tem sido apontado como uma possível presença num eventual retorno da narrativa de Snyder. Não há confirmações, mas há sinais. E para os fãs, sinais são quase sinónimos de promessas.
Nos bastidores, as conversas são cada vez mais insistentes: Henry Cavill estará de volta; Gal Gadot e Jason Momoa também; Ray Fisher, diz-se, regressaria sem hesitar. Ezra Miller parece ser a única baixa definitiva. E Affleck? Continua a pairar naquele limbo onde todos os actores ficam quando a indústria se recusa a admitir negociações. O facto de ter sido visto recentemente em Las Vegas, num evento da F1 que o próprio perfil oficial associou a um “momento Batman”, não ajudou a acalmar as águas.
O que Snyder está a preparar permanece um mistério — mas não é um mistério silencioso. É um daqueles que se anuncia, que se insinua, que se deixa fotografar pela sombra. E numa altura em que o mercado de entretenimento vive uma das maiores reestruturações da última década, a hipótese de um renascer do SnyderVerse já deixou de ser um delírio de fãs para se tornar, pelo menos, numa possibilidade estratégica.
Por agora, resta observar. E Snyder sabe exactamente como manter os olhos do público onde quer: numa fotografia cuidadosamente publicada, acompanhada por uma legenda curta e um silêncio que diz tudo.
À medida que Stranger Things se aproxima do fim, a série volta também às origens — e não apenas na história. A quinta temporada recorre de forma ambiciosa ao processo de de-aging digital para recriar versões infantis de Will Byers e Eleven, obrigando Noah Schnapp e Millie Bobby Brown a revisitar interpretações que deram aos seus personagens quando eram praticamente crianças.
Nos primeiros minutos da temporada, vemos um Will de 11 anos, preso no Upside Down, refugiado em Castle Byers e com uma espingarda nas mãos enquanto murmura “Should I Stay or Should I Go”. A imagem que o espectador vê no ecrã é uma fusão: o corpo pertence ao jovem actor Luke Kokotek, mas o rosto — rejuvenescido digitalmente — é de Noah Schnapp. A empresa responsável pelo processo, a Lola VFX, aplicou o mesmo método que já tinha utilizado para recriar versões mais jovens de Eleven na temporada anterior.
Para Schnapp, revisitar o Will de 2016 exigiu mais do que tecnologia. Implicou voltar ao início de tudo, ao modo como se mexia, respirava, reagia e ocupava o espaço quando ainda era um actor mirim. O intérprete explicou que se virou para Millie Bobby Brown, que já tinha passado pelo mesmo processo na quarta temporada, para perceber como orientar o actor infantil que o representava.
“Pedi-lhe ajuda”, confessou Schnapp. “Tentei lembrar-me de como eu próprio me movia, como olhava, como respirava, e transmitir isso ao miúdo que estava ali a fazer de mim. Foi quase como assumir o papel de realizador por instantes. Há sempre qualquer coisa de estranho no resultado, porque é difícil que pareça completamente natural, mas acho que funcionou muito bem.”
Brown, que já tinha trabalhado de perto com Martie Blair — a jovem actriz que interpretou a versão infantil de Eleven em cenas cruciais da última temporada — reconhece que o processo tem tanto de técnico como de emocional. Rever-se aos 11 anos obrigou-a a confrontar a espontaneidade da criança que era quando a série começou.
“É muito curioso olhar para trás”, disse a actriz. “Eu gritava, esticava a mão, fazia tudo aquilo sem a menor vergonha. Hoje temos redes sociais, temos exposição constante, tudo é escrutinado. Na altura não era nada assim. Eu era só uma miúda a interpretar uma personagem, e isso vê-se nos gestos, na forma livre como tudo acontecia.”
Para orientar Martie Blair, Brown fez exactamente aquilo que Schnapp agora descreve: colocou-se ao lado da jovem actriz, criaram um entendimento comum e repetiram juntas os movimentos necessários, mesmo que isso implicasse estar atrás da câmara a gritar ou a projectar gestos dramáticos apenas para ajudar a criança a entrar no ritmo certo da personagem.
“Quis que ela sentisse que estávamos as duas a fazer aquilo, que não estava sozinha”, acrescentou Brown. “É ridículo, claro, porque não estamos realmente a mover objectos com a mente. Mas se acreditarmos por instantes, se entrarmos nesse imaginário, a cena ganha vida.”
A escolha do de-aging em Stranger Things 5 reflecte uma intenção assumida pelos irmãos Duffer: ligar directamente o capítulo final ao mistério que inaugurou a série em 2016. Mas essa ligação não vive apenas no argumento ou na estética — vive também na memória física e emocional dos actores, obrigados a revisitar versões de si próprios que deixaram de existir há quase uma década.
É talvez por isso que Schnapp e Brown falam deste processo com uma estranha mistura de nostalgia e perplexidade. Para ambos, confrontar o passado não foi apenas uma técnica de produção — foi uma viagem íntima às suas primeiras experiências de representação, antes de a infância ter ficado irrevogavelmente para trás.
Depois de dominar Hollywood durante décadas, Kevin Spacey enfrenta hoje uma realidade financeira drasticamente diferente — e esclarece os rumores sobre estar “sem-abrigo”.
Kevin Spacey foi, durante quase quarenta anos, uma das figuras mais influentes do cinema e da televisão norte-americana. Venceu dois Óscares, acumulou Globos de Ouro e deixou interpretações marcantes em filmes como American Beauty, Se7en e L.A. Confidential. Mais tarde, transformou House of Cards num fenómeno global e num dos pilares da era dourada do streaming. O seu nome definia prestígio, prémios e confiança artística.
Mas a partir de 2017, tudo mudou. As acusações de abuso sexual — que o actor continua a negar — interromperam carreiras, anularam contratos e desencadearam uma avalanche de processos judiciais. De estrela incontornável, Spacey tornou-se persona non grata em Hollywood. E a repercussão financeira não tardou.
Movido por anos de despesas legais, projectos cancelados e ausência de grandes trabalhos, o actor viu o seu património encolher de forma dramática. Em 2025, uma entrevista sugeriu que Spacey estaria sem-abrigo, o que lançou um rastilho mediático imediato. Dias depois, o actor publicou um vídeo a clarificar que não vive nas ruas, embora admita não ter residência fixa.
Onde está Kevin Spacey agora?
A vida do actor tornou-se itinerante. Em 2025, passou vários meses em Telavive, onde apresentou Songs & Stories, um espectáculo a solo que mistura música, leituras e memórias teatrais. Tem circulado entre a Europa e os Estados Unidos, aceitando oportunidades mais pequenas em palco — frequentemente fora do circuito tradicional — enquanto tenta reconstruir parte da carreira.
Hoje, Spacey vive entre hotéis, apartamentos temporários e plataformas de arrendamento de curta duração. Não tem casa própria, mas insiste que não deve ser considerado “sem-abrigo no sentido comum da palavra”. A ausência de uma morada fixa resulta de circunstâncias financeiras e profissionais, e não de situações de rua. “Vou para onde há trabalho”, sublinhou. “Mas não vivo na rua.”
A verdade sobre a fortuna actual de Kevin Spacey
O património do actor é uma das partes mais afectadas desta nova fase da sua vida. No auge, Spacey acumulava grandes salários de cinema, acordos de produção, receitas de House of Cards e projectos no teatro. Hoje, a estimativa é radicalmente diferente.
Segundo o site Celebrity Net Worth, em 2025 a fortuna de Kevin Spacey é avaliada em 100 mil dólares — um valor quase simbólico para alguém que foi, durante décadas, uma presença permanente nos círculos de elite de Hollywood. Antes desta actualização, o mesmo site chegou a listá-lo com um património negativo de dois milhões de dólares, reflectindo o peso das despesas judiciais, indemnizações, perdas de contratos e anos de inactividade forçada.
O actor, que sempre negou as acusações que motivaram o colapso da sua carreira, enfrenta ainda várias limitações profissionais. O seu nome tornou-se tóxico para estúdios, plataformas e financiadores, reduzindo drasticamente a sua capacidade de gerar novos rendimentos.
De onde veio a riqueza que perdeu?
A fortuna de Kevin Spacey foi construída ao longo de décadas através de papéis icónicos em cinema, televisão e teatro. Recebeu salários milionários por American Beauty, Se7en, L.A. Confidential e vários projectos de prestígio. Em House of Cards, onde além de protagonista foi também produtor, tornou-se um dos actores mais bem pagos da televisão. Adicionalmente, realizou, produziu e participou em campanhas publicitárias e negócios próprios.
Mas a abrupta interrupção da carreira, somada aos custos legais acumulados em processos prolongados, apagou quase por completo esse capítulo financeiro.
O presente e o futuro incerto de Kevin Spacey
Apesar do cenário adverso, Spacey tenta manter uma presença artística através de espectáculos ao vivo e pequenos projectos internacionais. A itinerância constante reflecte tanto a falta de estabilidade financeira como a ausência de uma estrutura tradicional de trabalho. Embora longe do estrelato que moldou, o actor procura reinventar-se, ainda que o caminho de regresso a Hollywood pareça improvável.
Entre a recuperação da reputação, os desafios legais e a reinvenção artística, Kevin Spacey vive hoje numa espécie de limbo — visível o suficiente para continuar a ser notícia, mas distante do poder e da influência que outrora exerceu.
O actor volta a alimentar a esperança dos fãs e deixa a porta escancarada para mais aventuras com as garras de adamantio.
Hugh Jackman está novamente a incendiar as expectativas dos fãs do universo Marvel. Depois do regresso triunfal em Deadpool & Wolverine (2024), o actor voltou a pronunciar-se sobre a possibilidade de retomar o papel que interpretou ao longo de 17 anos — e as suas palavras foram suficientemente ambíguas para reabrir todas as teorias da comunidade MCU.
Questionado no The Graham Norton Show sobre a possibilidade de voltar a vestir o fato de Wolverine, Jackman começou com um simples “Talvez”, mas rapidamente reforçou a ideia com algo ainda mais sugestivo: “Nunca mais digo ‘nunca’.” Para quem o viu despedir-se definitivamente em Logan (2017), onde a personagem morreu num dos finais mais aclamados da história dos filmes de super-heróis, estas palavras são tudo menos neutras.
O actor explicou que a promessa de abandono foi real, durante vários anos, mas admitiu que o seu estado de espírito mudou quando surgiu a oportunidade de se juntar a Ryan Reynolds num crossover há muito desejado pelos fãs. “Eu disse que estava acabado, e acreditava nisso. Mas um dia, enquanto conduzia, tive aquela sensação súbita de que queria mesmo fazer este filme com o Ryan”, recordou, reafirmando o impulso quase instintivo que o fez regressar da “reforma”.
Sempre bem-humorado, Jackman brincou também com o facto de a tecnologia actual permitir que os estúdios recriem actores sem que estes estejam fisicamente presentes: “Já têm material suficiente… Podia estar no camarim neste momento, e eles faziam o resto.” A referência à inteligência artificial reflete uma preocupação crescente na indústria — mas, no caso de Jackman, foi também uma forma de esclarecer que não está fechado a novas interpretações.
A parceria entre Deadpool e Wolverine, agora celebrada no MCU, foi um sonho antigo tanto para Jackman como para Reynolds. Durante anos, os dois discutiram informalmente a possibilidade de juntar as personagens, mas só a fusão entre a Disney e a Fox permitiu que a união se tornasse realidade dentro do universo oficial da Marvel. “Sonhei com isto desde que me lembro”, disse Reynolds à Entertainment Weekly.
Naturalmente, as especulações sobre o futuro começam a multiplicar-se. Parte do fandom acredita que Wolverine poderá surgir em Avengers: Doomsday ou noutras fases de transição do MCU, agora mais aberto a universos paralelos e reinterpretações icónicas. A Marvel, porém, mantém silêncio absoluto sobre qualquer plano envolvendo Jackman.
Por enquanto, o actor apenas confirma o essencial: não garante que volte, mas também já não promete que saia. E, no mundo de Wolverine, esse espaço intermédio é mais do que suficiente para reacender a esperança dos fãs — afinal, a lenda das garras nunca fica adormecida por muito tempo.
Um novo livro expõe, pela primeira vez de forma detalhada, as tensões criativas, o caos de produção e o conflito com Vin Diesel que levaram Justin Lin a deixar o comando de um dos filmes mais caros da história.
O universo Fast & Furious sempre viveu de velocidade, adrenalina e automatismos de blockbuster. Mas nos bastidores, a história nem sempre é tão harmoniosa quanto a “família” gosta de proclamar. Um novo livro não autorizado, Welcome to the Family, escrito por Barry Hertz, mergulha nas origens, glórias e turbulências desta mega-franchise da Universal — e dedica um capítulo explosivo aos acontecimentos que levaram Justin Lin a abandonar Fast X apenas alguns dias depois do início das filmagens.
O que até agora era apenas rumor ganha finalmente contornos concretos: Fast X estava afundado em tensões, um argumento em constante mutação, um elenco a crescer de forma descontrolada e um confronto directo entre o realizador e Vin Diesel, que terá sido o factor decisivo para a ruptura.
Segundo o livro, Lin não foi afastado pelo estúdio — foi ele próprio quem decidiu sair, cansado de pressões, reescritas diárias e batalhas criativas que pareciam impossíveis de ganhar.
A visão de Justin Lin: consequências, passado e o regresso a Fast Five
Lin vinha a preparar o filme muito antes de a rodagem começar. Marcado pela pandemia e com demasiado tempo para pensar, começou a construir, com a sua equipa habitual, uma ideia clara para o capítulo final da saga. O tema central seria o peso das consequências: depois de anos a destruir cidades inteiras e a desafiar as leis da física, Dom Toretto e a sua equipa teriam finalmente de enfrentar o impacto das suas acções.
A narrativa retomava acontecimentos de Fast Five, um dos filmes mais celebrados da série. A ideia era revisitar o assalto ao cofre no Rio de Janeiro e introduzir Dante Reyes, filho do narcotraficante assassinado por Dom e Brian. O plano parecia sólido — emocionalmente forte, narrativamente coerente e um retorno às raízes mais eficazes da saga.
Mas esse plano nunca sobreviveria intacto ao turbilhão de interesses que começou a invadir a produção.
Um argumento que mudava todos os dias — e que cresceu até à implosão
O livro descreve um processo criativo caótico. Sequências inteiras surgiam e desapareciam semanalmente. Em algumas versões, Hobbs surgia no clímax a destruir o Rio; noutras, havia um “battle royale” gigantesco que colocaria Hobbs e Shaw frente a frente com Dom e Jakob. Houve versões que incluíam o regresso do trio de Tokyo Drift; outras deslocavam a acção para o Vietname; e ainda uma versão quase caricata em que Dante reunia uma “Legião do Mal” com inimigos históricos de Dom.
Em todas as direcções surgiam sugestões, alterações e imposições. O argumento tornara-se um animal indomável — e Lin a pessoa encarregada de o domar.
O elenco crescia sem controlo — e com ele o orçamento
Ao mesmo tempo, a Universal insistia numa data de estreia ambiciosa, exigindo que o filme avançasse a todo o custo. E o elenco continuava a crescer: além da equipa habitual, estavam a ser integrados Jason Momoa, Brie Larson, Alan Ritchson, Daniela Melchior, entre outros. Cada actor trazia contratos, condições, deslocações, trailers, equipas e egos.
O livro afirma que, antes de se filmar um único plano, mais de 100 milhões de dólares já tinham sido gastos só em honorários do elenco principal. A produção caminhava para se tornar um dos filmes mais caros da história — e Lin sentia que o controlo artístico se diluía a cada nova adição.
A gota de água: Vin Diesel, um vídeo desastroso e uma ruptura inevitável
A 22 de Abril de 2022, Vin Diesel publicou um vídeo no Instagram ao lado de Lin. No vídeo, Diesel parece exuberante; Lin, visivelmente desconfortável, responde com frases curtas, quase mecânicas. Os fãs notaram imediatamente o ar de “pedido de socorro” do realizador, que soou preso entre entusiasmo forçado e exaustão evidente.
Mas segundo pessoas no set, até essa sexta-feira Lin parecia feliz. Foi depois desse fim-de-semana que tudo mudou. Lin teria atingido o limite após uma reunião à porta fechada com Diesel e elementos da sua equipa de produção, incluindo a irmã e produtora Samantha Vincent. As divergências criativas — sobretudo em torno do final e de um possível twist envolvendo a paternidade do pequeno Brian — tornaram-se irreconciliáveis.
No sábado, Lin decidiu que já não podia continuar.
O anúncio que abalou Hollywood
A 26 de Abril, Lin emitiu um comunicado diplomático onde anunciava a sua saída, mantendo-se apenas como produtor. Nos bastidores, reinava o choque. Muitos membros da equipa trabalhavam com Lin desde Tokyo Drift e sentiram a saída como uma perda pessoal profunda.
Alguns ponderaram abandonar o projecto, mas o realizador pediu-lhes que ficassem, explicando que a decisão era sua e que queria o melhor para a franchise. Era um gesto raro num ambiente marcado por egos e interesses.
“A minha saúde é mais importante do que o filme”
É esta frase — mencionada por membros da equipa no livro — que resume o estado emocional de Lin no momento da ruptura. Há uma sensação clara de que a produção se tornara insustentável, esmagada por expectativas absurdas, interferências e prazos impossíveis.
A substituição por Louis Leterrier ocorreu quase imediatamente, mesmo perante o risco de desorganização total. A Universal não podia parar uma máquina tão cara. O filme seguiu em frente — com um cenário que, segundo vários elementos da produção, se tornou totalmente dominado pelo CGI e longe da intenção original de Lin.
O livro promete reescrever a história pública da saga
Welcome to the Family é descrito como “explosivo” não por acaso. A obra promete revelar conflitos internos, rivalidades e decisões de bastidores nunca tornadas públicas. E, pelo que mostra este excerto, Justin Lin terá saído não por fraqueza, mas por resistência: porque preferiu abandonar a máquina a deixar que ela o destruísse — ironicamente, num franchise que insiste que “a família” é tudo.
A Netflix divulgou finalmente o trailer derradeiro da quinta e última temporada de Stranger Things, um vídeo carregado de acção, tensão e aquele clima apocalíptico que a série tem vindo a construir ao longo de quase uma década. A estreia do primeiro volume está marcada para 26 de Novembro e, se o trailer for um indicador fiável, esta despedida será de proporções épicas.
As novas imagens mostram Hawkins profundamente transformada pelos acontecimentos recentes. A cidade parece definitivamente marcada pelas Fendas que rasgaram o tecido da realidade, enquanto o grupo de protagonistas se reúne uma vez mais para enfrentar Vecna, desaparecido desde o final da temporada anterior mas, como a sinopse deixa claro, longe de ter sido derrotado. O governo norte-americano intensificou a busca por Eleven e colocou a cidade sob quarentena militar, forçando a jovem a regressar ao anonimato e deixando o grupo dividido entre a urgência da missão e a ameaça constante de vigilância oficial.
Os criadores, Ross e Matt Duffer, têm insistido que esta é a temporada mais ambiciosa da série. Em Janeiro revelaram que passaram um ano inteiro no set e que terminaram com mais de 650 horas de material filmado, algo que descrevem como equivalente a “oito filmes de grande orçamento”. Ao mesmo tempo, sublinham que esta é também a temporada mais pessoal que alguma vez fizeram, marcada por um ambiente emocional intenso dentro e fora das câmaras. “Houve muito choro”, assumiram, explicando que uma década a trabalhar ao lado do mesmo elenco tornou este final particularmente difícil para todos.
A estrutura de lançamento da temporada também reforça o estatuto de evento: os episódios chegam em três partes concebidas para marcar os feriados internacionais. O primeiro volume chega no final de Novembro, o segundo no dia de Natal e o episódio final será lançado na noite de Ano Novo. A narrativa acompanha o outono de 1987 e o regresso do sentimento de ameaça que marcou o desaparecimento de Will na primeira temporada, agora ampliado pela certeza de que a batalha final está à porta.
Embora este seja oficialmente o fim da série principal, os Duffer confirmaram que o universo de Stranger Thingscontinuará. Sublinham, no entanto, que qualquer projecto futuro — seja spin-off, série derivada ou algo totalmente novo — só avançará se tiver uma razão criativa forte para existir e se levar o nome da série “com a maior responsabilidade possível”.
O elenco volta em peso, com Millie Bobby Brown, Noah Schnapp, Finn Wolfhard, Gaten Matarazzo, Caleb McLaughlin, Priah Ferguson, Natalia Dyer, Charlie Heaton, Maya Hawke, Joe Keery, David Harbour, Winona Ryder e Brett Gelman. Será provavelmente a última vez que veremos este grupo unido — e a série parece determinada a garantir que se despeçam em grande.
Com este trailer final, uma coisa é certa: Stranger Things está prestes a fechar um capítulo que marcou profundamente o público e a televisão da última década. E, se a ambição declarada pelos criadores corresponder ao resultado, Hawkins vai despedir-se com estrondo.
O antigo actor/ figura televisiva e actual presidente dos EUA está a aproveitar a sua ligação a um dos homens mais ricos do mundo para tentar ressuscitar uma das suas sagas de acção favoritas.
Aos 79 anos, Donald Trump continua a manter uma relação curiosa — e muitas vezes inesperada — com o mundo do entretenimento. Agora, segundo o site Semafor, o presidente terá pedido directamente ao bilionário Larry Ellison que a sua companhia cinematográfica avance com o ressurgimento da saga Rush Hour, protagonizada por Jackie Chan e Chris Tucker.
A amizade entre Trump e Ellison, fundador da Oracle e actualmente o terceiro homem mais rico do mundo, é conhecida. Ellison tem sido um dos maiores financiadores das campanhas de Trump e, através do filho David, gere o novo grupo responsável pelos grandes activos da Paramount — que está prestes a assumir o catálogo e a produção da Warner Bros.
É precisamente nessa nova conjuntura que, de acordo com fontes citadas pelo Semafor, Trump terá “pressionado pessoalmente” Ellison para trazer de volta Rush Hour, a trilogia de acção policial que marcou o final dos anos 90 e início dos 2000.
Porquê Rush Hour? E porquê agora?
O primeiro filme da saga estreou em 1998 e arrecadou mais de 245 milhões de dólares a nível global, seguido por duas sequelas em 2001 e 2007. Desde então, várias tentativas de reboot foram consideradas — mas todas emperraram devido a um nome: Brett Ratner, realizador original, afastado pela Warner em 2017 após várias acusações de má conduta sexual, incluindo por parte do actor Elliot Page.
Ratner nega todas as acusações, mas o seu nome tornou-se tóxico em Hollywood. Vários estúdios recusaram avançar com um novo Rush Hour enquanto ele estivesse ligado ao projecto.
Mas, segundo a reportagem, a Paramount pode não ter essa preocupação. Ratner tem demonstrado proximidade ideológica com Trump e está a preparar um documentário de 40 milhões de dólares sobre Melania Trump, com estreia marcada para Janeiro na Amazon.
Ou seja: há um alinhamento político que pode tornar viável um projecto que outros estúdios preferiram evitar.
O elenco voltaria? Jackie Chan foi diplomático; Chris Tucker é outra história
Jackie Chan, hoje com 71 anos, falou sobre Trump em 2016 de forma cautelosa, dizendo que se devia “dar-lhe uma oportunidade para tentar mudar a América”. Nada indica, porém, que esteja confirmado para qualquer reboot.
Mais complicado é o regresso de Chris Tucker, que tem ligações públicas a figuras do Partido Democrata, incluindo Barack Obama e Bill Clinton. Em 2024 chegou mesmo a ser fotografado num comício de Kamala Harris, segurando um cartaz de apoio à então candidata presidencial. É possível que isso complique as coisas num eventual projecto patrocinado ou incentivado por Trump.
Trump tem um historial peculiar de filmes favoritos
O interesse presidencial por Rush Hour não é totalmente inesperado. Trump já citou vários clássicos — e alguns filmes mais duvidosos — como favoritos pessoais. Entre eles:
Bloodsport (1988), com Jean-Claude Van Damme — a que chamou “um filme fantástico e incrível”
Goodfellas
Gone With the Wind
Citizen Kane
The Godfather
The Good, The Bad and the Ugly
Curiosamente, Trump também tem uma ligação directa ao cinema: recebeu a sua estrela no Hollywood Walk of Fame em 2007 pelo trabalho em The Apprentice, muito antes de imaginar que ocuparia a Sala Oval.
A Paramount e a Casa Branca foram questionadas — mas permanecem em silêncio
Nem a Paramount, nem a Casa Branca comentaram ainda estas notícias. Mas, com a reorganização dos grandes estúdios de Hollywood e o crescente peso dos investidores privados (como Ellison), não seria surpreendente ver um reboot avançar — nem que fosse pelo valor simbólico e mediático.
Direção invoca referências a demónios e “incompatibilidade com a ética cristã” para impedir que crianças cantem canções do sucesso de animação.
O fenómeno Guerreiras do K-Pop continua imparável nas plataformas de streaming e já tem continuação confirmada. O filme, lançado em 2025, mistura acção, comédia musical e fantasia, acompanhando um grupo de cantoras de K-pop que alternam entre palcos iluminados e batalhas contra demónios. Mas, enquanto conquista audiências em todo o mundo, também começa a gerar polémica — sobretudo em ambientes conservadores.
O caso mais recente ocorreu numa escola religiosa em Dorset, no sul de Inglaterra. A Lilliput Church of England Infant School, instituição ligada à Igreja Anglicana e com alunos entre os quatro e os sete anos, enviou uma carta aos pais a informar que as músicas do filme estão proibidas no interior da escola.
Referências a demónios motivam desconforto da comunidade
Screenshot
Segundo a BBC, a decisão partiu de queixas de membros da comunidade local que se sentiram “profundamente desconfortáveis” com as letras das canções do filme, onde as protagonistas enfrentam demónios e entidades sobrenaturais. A direcção escolar decidiu, por isso, pedir aos pais que desmotivem as crianças de cantar temas do filme no recreio ou dentro das salas.
A carta explica a posição oficial da instituição:
“Demónios são associados a forças espirituais opostas a Deus e à bondade, o que contraria a ética cristã da escola.”
Para alguns cristãos, argumenta a direcção, até o uso fictício ou lúdico desse tipo de linguagem pode colidir com a fé que os orienta.
O director, Lloyd Allington, desenvolve esta ideia na comunicação enviada às famílias:
“Para alguns cristãos, até o uso ficcional desta linguagem pode criar conflito com uma fé que enfatiza rejeitar o maléfico, em vez de o integrar no entretenimento.”
Escola esclarece que não está a censurar o gosto das crianças
Apesar da proibição, a direcção fez questão de acalmar receios e sublinhar que não está a demonizar — ironicamente — o filme ou a experiência das crianças que o apreciam.
Allington clarifica:
“Não estamos a pedir que digam aos filhos que é errado gostar do filme ou das suas músicas, se tal estiver alinhado com as vossas próprias crenças. Não será essa a mensagem que transmitiremos na escola.”
O objectivo, explica, não é excluir ou punir gostos individuais, mas promover respeito entre alunos cujas famílias mantêm crenças diferentes:
“O nosso papel será ajudar as crianças a perceber que alguns colegas podem ter opiniões distintas e a explorar formas de respeitar e apoiar esses colegas na preservação da sua fé.”
O sucesso global que está no centro da polémica
Guerreiras do K-Pop tornou-se rapidamente um dos maiores êxitos de animação do ano: uma fusão energética de música pop coreana, estética colorida e acção sobrenatural. A mistura irreverente cativou um público jovem — mas, como acontece frequentemente com obras que lidam com fantasia demoníaca, levantou alertas em comunidades religiosas mais conservadoras.
A adaptação cinematográfica do romance de Valter Hugo Mãe — realizada por Daniel Rezende — estreia esta quarta-feira e já emociona até o próprio autor.
Adaptar Valter Hugo Mãe ao cinema não é apenas um desafio: é, nas palavras do realizador Daniel Rezende, “uma tarefa praticamente impossível”. E é fácil perceber porquê. A escrita do autor português está carregada de poesia, emoção e humanidade — e traduzir esse universo para imagens exige mais do que técnica: exige sensibilidade, coragem e uma compreensão profunda do que faz da sua obra algo tão transformador.
Depois de ter construído uma carreira sólida como montador — foi nomeado ao Óscar e venceu o BAFTA por Cidade de Deus — e de ter assinado sucessos populares como Bingo e Turma da Mónica: Laços, Rezende sentiu que era altura de mergulhar num projecto mais íntimo, mais denso, mais desafiante. A escolha surgiu na pandemia, quando leu O Filho de Mil Homens e percebeu imediatamente:
“Ao terminar o primeiro capítulo, soube que este seria o meu próximo filme.”
A adaptação chega agora à Netflix e, segundo Valter Hugo Mãe, pode até superar o livro — elogio raríssimo vindo de quem tantas vezes é considerado inadaptável.
Da infância ao cinema: um ciclo que se fecha
Rezende conta que cresceu numa família distante da arte, enquanto ele preferia o escuro das salas de cinema às tardes de praia. Ao ver Os Goonies, teve uma epifania: queria provocar nas pessoas o mesmo deslumbramento que sentiu naquele dia. Décadas depois, recebeu mensagens de jovens que, após verem Turma da Mónica, decidiram estudar cinema — “foi como fechar um ciclo”, confessa.
O inesperado caminho da montagem
Apesar da ambição cinematográfica, formou-se em publicidade. Foi esse desvio que o levou a trabalhar com Fernando Meirelles e, mais tarde, a montar Cidade de Deus — o seu primeiro filme. A montagem acabou por definir o seu olhar artístico:
“No cinema, a montagem é onde se descobre quem é realmente um bom contador de histórias.”
Aprender a ouvir — e a liderar pelo exemplo
Trabalhar com nomes como Meirelles, Walter Salles ou Laís Bodanzky ensinou-lhe a subtileza da escuta. Para Rezende, um realizador precisa de saber exactamente para onde está a conduzir o filme, mas também de ser capaz de acender uma faísca que contagie toda a equipa. Esse espírito colaborativo molda agora a sua abordagem.
A adaptação de Valter Hugo Mãe: “trair por amor”
O Filho de Mil Homens apresenta uma escrita profundamente sensorial: não descreve apenas cenas, mas pensamentos, emoções, cadências internas. Rezende sabia que teria de reinventar.
“Às vezes, para ser fiel, é preciso trair por amor.”
O filme acrescenta cenas que não estão no livro e elimina outras — mas, paradoxalmente, quanto mais ressignificava, mais fiel se tornava ao espírito da obra.
Quando Valter Hugo Mãe viu o filme pela primeira vez, permaneceu em silêncio. Depois começou a chorar — e agradeceu.
“Disse-nos que estava feliz. Que era talvez um dos raros casos em que o filme podia ser melhor do que o livro.”
Família intencional: o centro emocional do filme
O romance aborda a ideia de “família” como ligação afectiva, e não apenas biológica. Crisóstomo — interpretado por Rodrigo Santoro — parte em busca de um filho e acaba por descobrir, pelo caminho, uma família construída pela escuta, pelo acolhimento e pelo amor.
“Uma família pode ser feita de muitas coisas”, diz Crisóstomo.
Rezende acredita profundamente neste conceito de “família intencional”: relações escolhidas, sustentadas por responsabilidade afectiva e pertença genuína.
Masculinidade reimaginada — e o olhar curativo de Santoro
Rezende conta que, em jovem, as suas referências de masculinidade eram Rambo e Rocky Balboa. Hoje, acredita que a arte tem o dever de propor novas formas de ser homem — mais abertas, sensíveis e empáticas.
A construção do personagem com Santoro exigiu subtileza:
“Às vezes, no livro, Crisóstomo parece demasiado discursivo. No filme, apostámos nos silêncios. E Santoro comunica tudo pelo olhar.”
Segundo o realizador, o actor tornou-se um “património afectivo”: alguém capaz de transformar uma cena apenas pela presença.
A cena do grito — e a solidão masculina
Uma das cenas mais marcantes mostra Crisóstomo a libertar um grito contido, entregue à natureza. É o retrato de um homem educado para reprimir tudo o que sente:
“O masculino aprende a não sentir, e quando sente, a não expressar. Quis representar isso sem palavras — só acção.”
O que o cinema português pode aprender — e ensinar
Rezende afirma sentir orgulho no cinema brasileiro (a entrevista original é brasileira), mas as reflexões sobre pluralidade, criatividade e resistência aplicam-se também ao cinema português. A arte é, afinal, um espaço de reimaginação colectiva.
Ser pai, ser homem, ser artista
Com um filho de 21 anos, o realizador confessa que a paternidade moldou a sua visão:
“Procuro construir uma relação baseada no diálogo. Questiono-o, mas também me deixo transformar por ele.”
Entre vinhos, amigos e uma pista de dança
Fora do cinema, Rezende gosta de noites de vinho e jogos cooperativos, de ir ao cinema como espectador — e continua apaixonado pelas pistas de dança, herança dos seus tempos de DJ.
A actriz interpreta a lendária pugilista Christy Martin e reflecte sobre a dificuldade de pedir ajuda, o machismo na indústria e a história brutal mas inspiradora da atleta.
Sydney Sweeney está de volta ao grande ecrã com “Christy”, o novo filme biográfico realizado por David Michôd, que se centra na vida complexa e muitas vezes trágica de Christy Martin, uma das primeiras mulheres a conquistar fama mundial no boxe profissional. Mas, para Sweeney, a experiência trouxe mais do que um papel desafiante: trouxe também um espelho das próprias pressões que sente enquanto mulher na indústria.
Em entrevista à Sky News, a actriz admite que tem enorme dificuldade em pedir ajuda — algo que reconheceu imediatamente na personagem.
“Tenho muita dificuldade em pedir ajuda. As minhas amigas dizem-me constantemente: ‘Sydney, podes pedir. Não há mal nenhum.’ Mas custa-me mesmo.”
Sweeney explica que esta resistência é alimentada por expectativas profundamente enraizadas:
“Especialmente sendo mulher, há tantas expectativas para termos tudo sob controlo. Se pedimos ajuda, é visto como fraqueza. Quando um homem pede ajuda, ninguém questiona. Mas se uma realizadora pedir ajuda, dizem logo que não está preparada.”
Uma luta real dentro e fora do ringue
O realizador David Michôd, que escreveu o argumento juntamente com a esposa Mirrah Foulkes, confirma que essa pressão é algo que a própria Foulkes sentiu repetidamente na indústria:
“Para muitas mulheres, assim que admitem que não sabem algo, surge imediatamente o julgamento: ‘não está preparada’, ‘não consegue’, ‘está fora de profundidade’. Eu digo que não sei o que estou a fazer vinte vezes por dia.”
É neste contexto que nasce “Christy”, filme que retrata não só a carreira lendária de Christy Martin, mas também a violência doméstica, o controlo coercivo e o sofrimento silencioso que marcaram a sua vida privada.
A ascensão de uma pioneira — e o inferno que viveu em segredo
Christy Martin tornou-se, em 1993, a primeira mulher contratada por Don King, um dos mais poderosos promotores de boxe do mundo. Conhecida como “The Coal Miner’s Daughter”, conquistou o título mundial WBC de super-meio-médio em 2009 e foi mais tarde incluída no International Boxing Hall of Fame.
Mas a sua vida pessoal era dominada por James “Jim” Martin, marido e treinador, 25 anos mais velho. Conheceram-se no final dos anos 80, casaram um ano depois e, durante décadas, Christy sofreu abuso físico e psicológico, enquanto tentava manter a carreira e ocultar a sua orientação sexual.
Em 2010, o caso tornou-se público da forma mais violenta possível: Jim esfaqueou-a e baleou-a no quarto da própria casa. Pensando que ela morreria, foi tomar banho, dando-lhe tempo para escapar e pedir ajuda. Sobreviveu. Ele foi condenado a 25 anos de prisão e morreu sob custódia em 2024.
“Incrível, inspiradora” — a verdadeira Christy Martin
Michôd encontrou-se com a atleta semanas antes do início das filmagens e ficou marcado pela sua humanidade:
“É incrivelmente doce, apesar de tudo o que viveu. E no mundo do boxe, é uma autêntica estrela.”
Um filme de impacto, não de números
Nos EUA, Christy estreou com 1,3 milhões de dólares, uma das piores aberturas para um filme lançado em mais de 2.000 salas. Mas Sydney Sweeney defende que o valor artístico e emocional do projecto não deve ser medido apenas pela bilheteira:
“Nem sempre fazemos arte para números. Fazemo-la pelo impacto.”
E impacto é precisamente o que Christy procura — ao expor a violência escondida por trás de uma atleta lendária e ao questionar as expectativas sufocantes que continuam a recair sobre as mulheres, tanto no desporto como no quotidiano.
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Christy: A Força de Uma Campeã estreou nas salas portuguesas a 13 de Novembro de 2025.
“Billie Eilish – Hit Me Hard and Soft: The Tour (Live in 3D)” estreia em Portugal a 19 de Março de 2026 e promete uma experiência imersiva inédita para os fãs.
Billie Eilish está prestes a regressar aos holofotes cinematográficos — desta vez com um filme-concerto captado ao longo da sua digressão mundial esgotada. O projecto, intitulado “Billie Eilish – Hit Me Hard and Soft: The Tour (Live in 3D)”, chega às salas portuguesas a 19 de Março de 2026, numa estreia que junta dois nomes inesperados: Billie Eilish… e James Cameron.
O anúncio foi revelado em São Francisco, durante o último espectáculo da tour Hit Me Hard and Soft, igualmente esgotado, onde a artista confirmou aquilo que muitos fãs suspeitavam: a digressão seria transformada numa experiência cinematográfica em 3D, pensada para recriar a intensidade, a energia e a estética da tour.
James Cameron na realização — sim, leu bem
O filme-concerto é co-realizado pela própria Billie Eilish e por James Cameron, autor de Avatar, Titanic e muitos dos maiores fenómenos de bilheteira da história. Ambos contam com Óscares da Academia, e a presença de Cameron sugere uma ambição técnica muito acima do habitual neste género de produções.
Filmado em formato 3D ao longo da digressão internacional, o projecto promete colocar o público “dentro” do concerto, com a escala épica e a profundidade visual que Cameron tornou marca da casa. Para quem nunca teve oportunidade de assistir à tour — ou para quem quer voltar a vivê-la — é a forma mais imersiva possível de entrar naquele universo.
Billie Eilish: nove Grammys, dois Óscares — e agora um filme-concerto global
Com nove Grammy Awards e duas estatuetas da Academia, Billie Eilish é hoje uma das artistas mais influentes da música pop contemporânea. A digressão Hit Me Hard and Soft esgotou arenas em vários continentes e consolidou a artista como uma força criativa incontornável.
O novo filme-concerto pretende captar não apenas a performance musical, mas também o ambiente emocional e visual da tour, oferecendo aos fãs uma experiência expandida, com o peso cinematográfico que o seu trabalho merece.
Distribuição em Portugal confirmada pela NOS Audiovisuais
“Billie Eilish – Hit Me Hard and Soft: The Tour (Live in 3D)” chega aos cinemas nacionais através da NOS Audiovisuaise conta com produção da Paramount Pictures, em parceria com a Darkroom Records, a Interscope Films e a Lightstorm Entertainment.
Com estreia marcada para 19 de Março de 2026, o filme promete ser um dos grandes eventos musicais do próximo ano — e um encontro inevitável entre a música e o cinema, numa fusão que só poderia acontecer entre Billie Eilish e James Cameron.
O antigo protagonista partilha palavras de encorajamento com Dominic McLaughlin, o jovem actor que herda agora o papel mais emblemático da sua geração.
Daniel Radcliffe tem-se mantido elegantemente afastado do centro da nova adaptação televisiva de Harry Potter, mas isso não significa que esteja indiferente ao futuro do rapaz que viveu na pele durante uma década. Agora com 36 anos, o actor revelou ter escrito uma carta pessoal a Dominic McLaughlin, o jovem britânico de 11 anos que protagoniza a nova série da HBO — precisamente a mesma idade com que Radcliffe iniciou as filmagens de A Pedra Filosofal, há longos 25 anos.
Em entrevista ao Good Morning America, Radcliffe explicou que conhecia várias pessoas envolvidas na produção e não quis deixar passar a oportunidade de enviar um gesto de apoio.
“Escrevi ao Dominic, mandei-lhe uma carta, e ele respondeu-me com uma mensagem muito simpática.”
Radcliffe sublinha, contudo, que não pretende ser uma sombra incómoda na vida do novo elenco:
“Não quero, de maneira nenhuma, ser um fantasma na vida destas crianças. Mas quis dizer-lhe: ‘Espero que te divirtas ao máximo — ainda mais do que eu me diverti. Eu adorei fazer parte disto, mas espero que a tua experiência seja ainda melhor.’”
Segundo Radcliffe, a sensação de ver as primeiras fotografias de McLaughlin e dos restantes jovens actores é simultaneamente enternecedora e surreal:
“Parecem tão novos. É louco pensar que eu tinha aquela idade quando tudo começou. Mas também é incrivelmente bonito. Espero mesmo que estejam a viver um sonho.”
Tom Felton regressa ao universo Harry Potter — e recebe elogios de Radcliffe
Durante a mesma entrevista, Radcliffe fez questão de elogiar Tom Felton, o eterno Draco Malfoy, que regressou recentemente ao papel na produção da Broadway de Harry Potter and the Cursed Child. Para Radcliffe, foi um reencontro simbólico:
“Estou muito feliz por ele. É óptimo vê-lo em palco — e ainda melhor por estar de volta a este universo.”
Sophie Turner também deixou conselhos aos novos protagonistas
A estreia de novos actores tão jovens levou outras figuras mediáticas a oferecer palavras de apoio. A actriz Sophie Turner, que interpretou Sansa Stark em Game of Thrones desde os 13 anos, admitiu que “crescer sob os holofotes quase a destruiu” e aconselhou McLaughlin (Harry), Alastair Stout (Ron) e Arabella Stanton (Hermione) a manterem-se protegidos, acompanhados e emocionalmente ancorados.
Um elenco que mistura veteranos de prestígio e novos talentos
A nova série reúne nomes impressionantes:
John Lithgow como Albus Dumbledore
Paapa Essiedu como Severus Snape
Katherine Parkinson como Molly Weasley
Louise Brealey como Madam Hooch
Anton Lesser como Garrick Ollivander
Warwick Davis de regresso como Professor Flitwick
As filmagens estão em pleno andamento e já surgiram online imagens captadas por fãs que mostram sequências inéditas — cenas que não constam nem dos livros, nem dos filmes originais, sinal de que esta adaptação está disposta a expandir o material conhecido.
Estreia marcada para 2027 — e expectativas ao rubro
Com uma primeira temporada de oito episódios, a série Harry Potter deverá estrear no início de 2027 na HBO. A aposta da plataforma representa uma das maiores produções televisivas do ano, e o entusiasmo — tanto por parte do público como dos antigos membros do elenco — continua a crescer.
Num gesto simples mas simbólico, Radcliffe mostrou que ainda sente um carinho profundo pelo papel que transformou a sua vida. E, ao passar a tocha a Dominic McLaughlin, fê-lo com a generosidade de quem sabe exactamente o que significa carregar um nome que marcou gerações.
