Um fenómeno independente chamado Iron Lung abala o box office e emociona Markiplier

Filme auto-financiado estreia com 21 milhões de dólares e prova que o cinema indie ainda pode vencer

Contra todas as expectativas — e praticamente contra todas as regras não escritas da indústria — Iron Lung tornou-se num dos casos mais falados do box office recente. O filme, escrito, realizado, protagonizado, financiado e distribuído de forma independente por Markiplier (nome verdadeiro: Mark Fischbach), estreou com 21,7 milhões de dólares a nível mundial, incluindo 17,8 milhões na América do Norte, onde alcançou o segundo lugar do top semanal em 3.015 salas.

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Um feito notável por várias razões: Iron Lung custou cerca de 3 milhões de dólares, não teve apoio de grandes estúdios e esteve inicialmente previsto para uma estreia muito mais modesta, em apenas 50 salas. Em vez disso, acabou a disputar o topo da tabela com Send Help, o novo thriller de Sam Raimi, produzido pela Disney, que arrecadou cerca de 30 milhões no mesmo período.

Um criador digital a jogar no campo dos gigantes

Baseado num videojogo indie de terror, Iron Lung decorre num cenário pós-apocalíptico, onde um fugitivo é forçado a explorar um oceano de sangue em busca de recursos, após um evento semelhante ao arrebatamento bíblico. A premissa é extrema, claustrofóbica e longe do cinema “seguro” que costuma dominar os multiplex — o que torna o seu sucesso ainda mais improvável.

Visivelmente emocionado, Markiplier reagiu aos resultados durante uma transmissão em directo no YouTube, onde não escondeu as lágrimas. Para o criador, o impacto financeiro do filme vai muito além de números ou rankings: significa poder pagar bónus à equipa e provar que modelos alternativos de produção e distribuição ainda são viáveis.

Ao optar por uma divisão de receitas próxima dos 50/50 com as salas de cinema, algo pouco comum nas grandes produções, Iron Lung tornou-se igualmente atractivo para os exibidores. “Toda a gente ganha”, sublinhou o realizador, numa indústria cada vez mais pressionada por margens reduzidas e pela concorrência do streaming.

Uma estreia curta… mas altamente lucrativa

Curiosamente, Iron Lung não deverá manter uma longa carreira nas salas. O próprio Markiplier confirmou que o filme terá uma exibição limitada no tempo, tornando esta estreia ainda mais impressionante do ponto de vista económico. Com um orçamento controlado e receitas já muito acima do investimento inicial, o filme posiciona-se como um dos exemplos mais claros de rentabilidade no cinema independente recente.

Houve, segundo o próprio, contactos de estúdios interessados em ajudar na distribuição, mas a decisão foi manter o controlo total do projecto. Uma escolha arriscada — e que acabou por se revelar acertada.

Um “momento de herói” para o cinema independente

Durante a transmissão, Markiplier fez questão de sublinhar que o seu objectivo não era “derrotar” Sam Raimi, mas sim mostrar que o domínio quase permanente dos grandes estúdios pode ser interrompido. Depois de várias semanas consecutivas com a Disney a liderar o box office, Iron Lung surgiu como um lembrete de que ainda há espaço para vozes exteriores ao sistema.

“Se isto inspirar alguém a continuar a fazer filmes de forma independente, já valeu a pena”, afirmou. Um discurso raro num momento em que o cinema parece cada vez mais fechado sobre si próprio.

Ironia das ironias: terminado o fim-de-semana de estreia, o próprio Markiplier revelou os seus planos imediatos. Ir ao cinema ver Send Help. Porque, apesar da competição, o amor pelo cinema continua a ser o ponto de partida.

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Um documentário de 75 milhões, protestos à porta e um país em combustão

Melania chega aos cinemas como o projecto mais controverso da era Trump

Não é todos os dias que um documentário se estreia como se fosse um comício político, um desfile de moda e um teste de resistência à realidade americana — tudo ao mesmo tempo. Melania, o novo documentário centrado na actual primeira-dama dos Estados Unidos, entrou em cena a 29 de Janeiro no Kennedy Center, em Washington, envolto num aparato raramente visto no cinema documental. O filme, orçado em 75 milhões de dólares, é já apontado como um dos documentários mais caros de sempre a chegar às salas de cinema.

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Produzido para a Amazon, o filme marca uma nova etapa na exposição pública de Melania Trump, num momento em que o país atravessa uma das fases mais polarizadas da sua história recente.

Brett Ratner regressa atrás das câmaras — e ao centro da polémica

A realização está a cargo de Brett Ratner, cineasta conhecido pela saga Rush Hour e afastado de Hollywood desde 2017, após várias acusações de assédio sexual, que sempre negou. Melania representa o seu primeiro grande projecto em quase uma década — um regresso que, por si só, já levantou fortes críticas dentro e fora da indústria.

Ratner descreve o seu papel como o de um observador invisível, afirmando ter sido “uma mosca na parede” durante as filmagens, que acompanharam Melania Trump ao longo dos 20 dias que antecederam a segunda tomada de posse do marido. O realizador rejeita a ideia de que este filme seja uma tentativa de reabilitação profissional, sublinhando que aceitou o projecto apenas pelo desejo de voltar a filmar.

Alta-costura, política e televisão de luxo

Segundo relatos de quem assistiu à estreia, Melania está longe de ser um documentário tradicional. O filme adopta uma estética altamente estilizada, mais próxima de um episódio de luxo de Real Housewives do que de um retrato político clássico. Guarda-roupa, decoração, encenação e imagem são tratados como elementos narrativos centrais, com a câmara a seguir Melania em provas de vestidos, reuniões de design de interiores da Casa Branca e conversas cuidadosamente coreografadas, incluindo um encontro com a primeira-dama francesa, Brigitte Macron, sobre bullying online.

A inspiração visual, segundo Ratner, aproxima-se mais de um videoclip de Jean-Baptiste Mondino do que de um documentário de observação, reforçando a ideia de que este projecto é também uma declaração estética — e estratégica.

Um lançamento em contraciclo com o país real

Enquanto no interior do Kennedy Center desfilavam figuras ligadas ao universo MAGA — de Robert F. Kennedy Jr. a Marco Rubio, passando por Dr. Phil e nomes inesperados como Nicki Minaj — cá fora o cenário era bem diferente. Protestos multiplicavam-se, alimentados por recentes casos de violência policial e pela crescente tensão social nos Estados Unidos. O contraste entre o luxo da estreia e a raiva nas ruas tornou-se impossível de ignorar.

Mais do que um filme, uma marca em construção

Para além do cinema, Melania parece funcionar como o primeiro capítulo de uma reinvenção pública da primeira-dama. O documentário posiciona-a não como figura política activa, mas como uma marca de lifestyle em potência — uma espécie de resposta conservadora a Martha Stewart ou Oprah Winfrey. A ambição passa por conteúdos, produtos de luxo e uma presença mediática cuidadosamente controlada, agora reforçada pela criação da sua produtora, Muse Films.

Do ponto de vista da Amazon, o investimento pode não fazer sentido apenas em termos de bilheteira. O verdadeiro trunfo poderá estar na futura estreia do documentário no Prime Video, onde poderá servir como chamariz para públicos conservadores, à semelhança do que já aconteceu com séries como Reacher.

Um objecto cultural impossível de ignorar

Quer seja visto como propaganda elegante, exercício de vaidade ou retrato genuíno de uma figura enigmática, Melaniadificilmente passará despercebido. Num país em permanente estado de choque político, o documentário surge como um objecto cultural estranho, luxuoso e profundamente deslocado do seu tempo — o que, paradoxalmente, o torna revelador.

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Resta saber se o público verá nele glamour… ou apenas mais um sintoma de um país em guerra consigo próprio.
Em Portugal neste fim de semana de estreia foram pouco mais de 720 os espectadores que o foram ver.

Quatro décadas a filmar o país sem concessões: TVCine homenageia João Canijo

Uma maratona inédita revisita a obra de um dos maiores cineastas portugueses

No domingo, 8 de Fevereiro, o TVCine Edition dedica mais de 24 horas consecutivas à obra de João Canijo, numa maratona cinematográfica sem precedentes na televisão portuguesa. Intitulada Maratona João Canijo: Quatro Décadas de Cinema, esta retrospetiva surge como uma homenagem sentida a um realizador que marcou de forma indelével o cinema nacional e que faleceu a 29 de Janeiro, aos 68 anos.

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Ao longo de um dia inteiro — da madrugada de domingo até às primeiras horas de segunda-feira — serão exibidos 13 filmes que percorrem praticamente toda a filmografia de Canijo. Em paralelo, os títulos estarão igualmente disponíveis no TVCine+, permitindo aos espectadores reverem — ou descobrirem pela primeira vez — uma obra exigente, incómoda e profundamente ligada à realidade social portuguesa.

Um cinema de realismo, conflito e identidade

Com uma carreira iniciada no final dos anos 80, João Canijo afirmou-se como uma das vozes mais consistentes e rigorosas do cinema português contemporâneo. O seu cinema nunca procurou o conforto nem a evasão fácil. Pelo contrário, construiu-se a partir de um olhar atento sobre as tensões familiares, os conflitos de classe, a precariedade económica e os silêncios morais que atravessam a sociedade portuguesa.

A retrospetiva do TVCine destaca precisamente essa coerência artística. Desde Três Menos Eu (1988), o primeiro filme exibido na maratona, até ao díptico Mal Viver e Viver Mal (2023), vencedor do Urso de Prata – Prémio do Júri no Festival de Berlim, a obra de Canijo revela um cineasta que nunca virou o rosto aos lados mais desconfortáveis do país que filmou.

Cópias restauradas e a versão definitiva de 

Noite Escura

Um dos aspectos mais relevantes desta maratona é a exibição de cópias restauradas pela Cinemateca Portuguesa, garantindo uma experiência visual fiel à intenção original do realizador. No caso de Noite Escura (2004), será apresentada a versão longa, correspondente à versão final desejada por Canijo aquando do processo de restauro — um detalhe particularmente significativo para cinéfilos e estudiosos da sua obra.

Filmes como Sapatos Pretos, Ganhar a Vida, Sangue do Meu Sangue ou Fátima regressam assim ao pequeno ecrã com uma nova vida, reforçando a actualidade de um cinema que continua a dialogar com o presente.

As mulheres no centro do olhar de Canijo

Outro traço fundamental da filmografia de João Canijo, amplamente representado nesta maratona, é a centralidade das personagens femininas. Ao longo de décadas, o realizador construiu retratos densos e complexos de mulheres confrontadas com estruturas de poder, sobrevivência e identidade, recusando estereótipos e simplificações.

Essa abordagem atingiu um dos seus pontos mais altos com Mal Viver e Viver Mal, dois filmes que se complementam e se confrontam, oferecendo diferentes pontos de vista sobre as mesmas dinâmicas familiares e sociais. Uma espécie de síntese madura de um cinema que sempre se construiu a partir do conflito e da observação crítica.

Uma homenagem que é também um convite

Mais do que uma programação especial, Maratona João Canijo: Quatro Décadas de Cinema funciona como um convite à redescoberta de um autor essencial. Um cineasta que, como escreveu Tiago Rodrigues, “travou um combate poético com o país que somos”, mostrando-nos um espelho onde convivem violência e ternura, dureza e humanidade.

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No dia 8 de Fevereiro, o TVCine transforma-se, durante 24 horas, numa verdadeira sala de cinema dedicada a um dos seus maiores criadores. Uma oportunidade rara — e necessária — para voltar a olhar para o cinema português sem filtros.  

Um cerco real, uma arma ligada ao pescoço e a América em directo

Crime em Direto  (Dead Man’s Wire) estreia a 23 de Fevereiro e recupera um dos casos mais perturbadores dos anos 70

Inspirado num dos cercos mais mediáticos da história recente dos Estados Unidos, Crime em Direto — título nacional de Dead Man’s Wire — chega aos cinemas portugueses a 23 de Fevereiro, trazendo para o grande ecrã um episódio real que, em 1977, deixou um país inteiro colado à televisão. Mais do que um simples thriller baseado em factos verídicos, o filme revisita um caso que expôs de forma brutal as falhas do sistema financeiro, judicial e mediático norte-americano.

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Gus Van Sant e o regresso ao cinema da tensão moral

A realização pertence a Gus Van Sant, duas vezes nomeado aos Óscares da Academia por O Bom Rebelde e Milk. Conhecido pela sua abordagem contida e profundamente humana, Van Sant evita o sensacionalismo fácil e constrói um filme centrado na tensão psicológica, no desgaste emocional e na ambiguidade moral de todas as partes envolvidas.

O argumento é assinado por Austin Kolodney, que opta por uma reconstrução rigorosa dos acontecimentos, privilegiando o impacto humano do cerco e as questões éticas que dele emergem, em vez de uma dramatização excessiva.

Bill Skarsgård no centro do impasse

No papel de Tony Kiritsis surge Bill Skarsgård, numa interpretação intensa e desconfortável de um homem comum levado ao limite. Skarsgård afasta-se aqui de registos mais estilizados e mergulha numa personagem marcada pelo desespero, pela frustração acumulada e pela sensação de abandono por parte das instituições.

Ao seu lado, Dacre Montgomery assume um papel fundamental na dinâmica do cerco, acrescentando tensão emocional e conflito humano à narrativa, enquanto Coleman Domingo se destaca como uma das figuras-chave do sistema — seja ele judicial, policial ou mediático — oferecendo uma presença sólida e moralmente complexa, como já se tornou habitual na sua carreira.

Um acto extremo transmitido para todo o país

A 8 de Fevereiro de 1977, Tony Kiritsis entrou no escritório de Richard Hall, presidente da Meridian Mortgage Company, e tomou-o como refém de forma tão engenhosa quanto aterradora: uma caçadeira presa ao próprio pescoço, ligada por um fio — o “dead man’s wire” — que garantiria a morte de ambos caso o gatilho fosse libertado. O que começou como um acto isolado de desespero rapidamente se transformou num cerco policial prolongado, transmitido em directo pelas televisões norte-americanas.

À medida que as negociações se arrastavam, o caso deixava de ser apenas uma situação de reféns para se tornar um espelho de problemas estruturais: práticas financeiras abusivas, desigualdade de poder e um sistema judicial incapaz de responder eficazmente a quem se sente encurralado.

Um filme que recusa respostas fáceis

Crime em Direto não procura absolver nem condenar de forma simplista. Pelo contrário, coloca o espectador perante uma pergunta incómoda e actual: quando a lei falha em proteger os mais vulneráveis, onde começa — e acaba — a responsabilidade individual?

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Um filme tenso, sóbrio e profundamente inquietante, que prova que, por vezes, a realidade consegue ser mais perturbadora do que qualquer ficção.

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Ace of Base: All That She Wants revela o lado menos dourado de uma banda que marcou uma geração

Quem viveu os anos 90 dificilmente passou ao lado de Ace of Base. Entre rádios sempre ligados, compilações em cassete e pistas de dança improvisadas, canções como All That She Wants ou The Sign tornaram-se omnipresentes. Agora, mais de três décadas depois da fundação da banda, chega à televisão portuguesa um documentário que promete ir muito além da nostalgia fácil. Ace of Base: All That She Wants estreia em exclusivo nos Canais TVCine e propõe uma viagem completa — e sem maquilhagem — pela ascensão, glória e queda de um dos maiores fenómenos pop da década.

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Três episódios para contar uma história que parecia perfeita… mas não era

Com estreia marcada para 6 de Fevereiro, e novos episódios a 13 e 20 de Fevereiro, sempre às 22h10, no TVCine Edition (e também disponível no TVCine+), o documentário divide-se em três partes que acompanham o percurso de Jonas, Linn, Jenny e Ulf — os quatro amigos suecos que deram origem aos Ace of Base. Da criação do álbum de estreia Happy Nation (1992), um verdadeiro fenómeno global com mais de 28 milhões de cópias vendidas, até às tensões internas que acabariam por desgastar o grupo, nada fica por contar.

Ao longo dos episódios, o espectador é convidado a revisitar o impacto cultural da banda, que dominou tops internacionais e definiu o som pop de uma época, mas também a confrontar-se com o lado menos luminoso da fama: digressões extenuantes, conflitos criativos, pressões da indústria e desafios pessoais que foram corroendo a coesão do grupo.

Um olhar íntimo sobre a fama e o seu preço

Realizado por Jens von Reis, Ace of Base: All That She Wants distingue-se pelo acesso a imagens raras e por entrevistas que fogem ao discurso ensaiado. Aqui, a fama surge como uma experiência ambígua — sedutora, mas profundamente desgastante. O documentário mostra como o sucesso avassalador pode ser simultaneamente uma bênção e uma armadilha, sobretudo quando chega rápido demais.

Mesmo após o declínio mediático, a música dos Ace of Base continua surpreendentemente viva. Hoje, a banda soma mais de 11 milhões de ouvintes mensais no Spotify, prova de que os seus temas resistiram ao tempo e continuam a encontrar novas gerações de fãs.

Para fãs… e para quem quer perceber os bastidores do pop

Mais do que um exercício de nostalgia, Ace of Base: All That She Wants é um retrato honesto de um fenómeno global e das fragilidades humanas por trás do sucesso. Um documentário que interessa tanto a quem dançou ao som da banda nos anos 90 como a quem procura compreender os mecanismos — e os custos — da indústria musical.

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Uma estreia a não perder para quem gosta de música pop, histórias reais e bastidores que raramente vêm a público.