A Jogada de Mestre Que Hollywood Não Viu a Chegar: Como Timothée Chalamet Transformou “Marty Supreme” Num Fenómeno

Marketing agressivo, criatividade sem rede e um sucesso que já bate recordes

Há campanhas de marketing eficazes… e depois há aquelas que entram directamente para o manual de estudo da indústria. Marty Supreme é, neste momento, o exemplo mais citado de como a criatividade bem pensada pode transformar um filme original num verdadeiro fenómeno de bilheteira. Protagonizado por Timothée Chalamet, realizado por Josh Safdie e produzido pela A24, o filme já ultrapassou One Battle After Another no box office norte-americano — e fê-lo com uma estratégia tão arrojada quanto pouco convencional.

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Desde a estreia nacional no Dia de Natal, Marty Supreme não tem parado de quebrar recordes para um filme independente. Mas o verdadeiro motor deste sucesso não está apenas no ecrã: está na forma como Chalamet decidiu assumir um papel activo, quase autoral, na promoção do filme.

Um Zoom que parecia loucura… e era genial

Tudo começou com algo aparentemente impensável: Timothée Chalamet publicou nas redes sociais um link para uma reunião de Zoom com executivos de marketing da A24. Durante 18 minutos, o actor surge inflamado, quase caricatural, a exigir uma campanha “intencional, implacável e agressiva”, descrevendo Marty Supreme como “uma das coisas mais importantes a acontecer no planeta Terra este ano”.

A conversa rapidamente descamba para ideias absurdas — dirigíveis laranja a cruzar os Estados Unidos, ping-pongs a cair do céu num festival de Tyler, The Creator, referências ao desastre do Hindenburg e até comentários sobre alguém “perder um braço, mas ganhar um braço intelectual”. Tudo demasiado exagerado para ser real. E não era. O Zoom era um guião cuidadosamente encenado, pensado para se tornar viral. Resultado? Tornou-se exactamente isso.

Mais do que um truque publicitário, o vídeo expôs algo raro em Hollywood: um actor com verdadeira literacia de marketing, consciente da sua imagem, do seu público e da cultura digital em que se move.

O laranja de “Marty Supreme” contra o rosa da Barbie

Chalamet percebeu desde cedo que não podia repetir fórmulas. Citou Barbie como a campanha de referência, mas rejeitou copiar-lhe a identidade cromática. Em vez disso, apresentou um tom de laranja “corroído, enferrujado, em decomposição”, desenvolvido por um designer ao longo de seis meses. Um detalhe aparentemente menor, mas que acabou por se tornar central na identidade visual do filme — do merchandising aos eventos pop-up, passando pela icónica transformação da Sphere de Las Vegas numa bola gigante de ping-pong.

Esta abordagem lembra inevitavelmente o caso Ryan Reynolds com Deadpool, outro exemplo de actor que moldou activamente a campanha do seu próprio filme. A diferença é que Marty Supreme não pertence a uma franquia multimilionária: é um drama desportivo sobre um hustler dos anos 50 obcecado em tornar-se campeão mundial de ténis de mesa.

Números que falam mais alto do que o ruído

Até ao momento, Marty Supreme já arrecadou cerca de 72,27 milhões de dólares nos Estados Unidos, ultrapassando One Battle After Another, protagonizado por Leonardo DiCaprio, que soma 71,6 milhões no mercado doméstico. Internacionalmente, o filme da Warner Bros. continua à frente, mas Marty Supreme está apenas a iniciar a sua expansão global, com resultados impressionantes no Reino Unido — o melhor arranque de sempre de um filme da A24 naquele território.

As previsões apontam para um total mundial entre 170 e 180 milhões de dólares, um número extraordinário para um filme original com um orçamento estimado entre 60 e 70 milhões. Está também prestes a tornar-se o maior sucesso doméstico da história da A24, ultrapassando Everything Everywhere All At Once.

Um actor que entende o seu tempo

Chalamet já tinha mostrado interesse pelo marketing em Wonka e A Complete Unknown, mas aqui levou o conceito ao limite. Evitou entrevistas tradicionais, apostou em momentos virais cuidadosamente coreografados e tratou a campanha “como um atleta trata uma competição”. A vitória no Globo de Ouro de Melhor Actor veio apenas reforçar o momento e promete um novo impulso rumo aos Óscares.

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No final, Marty Supreme não é apenas um sucesso de bilheteira. É uma demonstração clara de que, num mercado saturado de sequelas e IPs reciclados, ainda há espaço para filmes originais — desde que alguém tenha a audácia de os vender como se o mundo estivesse a olhar.

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O amor improvável entre dois mundos que nunca deviam cruzar-se

Há histórias de amor que nascem da previsibilidade. E depois há aquelas que surgem do choque frontal entre dois universos opostos. Almas Marcadas pertence claramente ao segundo grupo e promete deixar marca em quem se sentar no sofá no domingo, 18 de Janeiro, às 21h25, no TVCine Top e no TVCine+. O filme, realizado por Nick Cassavetes, aposta num romance intenso, emocionalmente carregado e assumidamente provocador.  

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Quando a rotina perfeita se cruza com o caos emocional

Shaw é o retrato da jovem que sempre fez tudo “como deve ser”. Estudante aplicada, vinda de uma família rica e com um futuro cuidadosamente planeado, vive rodeada de regras, expectativas e estabilidade. Tudo muda quando, numa noite fora da rotina, conhece Rule. Ele é tatuador, rebelde, carismático e vive segundo as suas próprias leis. À superfície parece livre e confiante, mas carrega cicatrizes emocionais profundas que moldaram a sua forma de ver o mundo.

A ligação entre ambos é imediata, intensa e desconfortável. O desejo mistura-se com a dor, a atração com o medo, e a paixão surge como um território desconhecido para os dois. À medida que a relação se aprofunda, Shaw e Rule são obrigados a enfrentar segredos do passado, diferenças sociais difíceis de ignorar e a inevitável questão: será o amor suficiente para ultrapassar tudo aquilo que os separa?

Um romance “new adult” com assinatura emocional

Baseado no livro Rule: A Marked Men Novel, da escritora Jay Crownover, Almas Marcadas insere-se claramente no universo do romance “new adult”, explorando emoções cruas, personagens imperfeitas e relações intensas. Nick Cassavetes, conhecido por filmes como O Diário da Nossa Paixão, volta a demonstrar a sua predilecção por histórias onde o amor surge como força transformadora, mas nunca sem dor pelo caminho.

Com uma atmosfera urbana, uma abordagem directa às relações humanas e um tom emocionalmente carregado, Almas Marcadas não tenta ser um conto de fadas. É, acima de tudo, uma história sobre vulnerabilidade, segundas oportunidades e a coragem necessária para amar quando tudo parece estar contra isso.

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No domingo à noite, o TVCine Top convida os espectadores a mergulhar numa paixão que não pede licença, não segue regras e deixa marcas que não se apagam facilmente.

Bill Skarsgård Quase Disse Não a It: Welcome to Derry — e o Motivo Faz Todo o Sentido


O regresso de Pennywise esteve longe de ser um dado adquirido

Depois do impacto colossal de It (2017) e It: Capítulo Dois (2019), o regresso de Pennywise parecia inevitável. No entanto, afinal não foi assim tão simples. Bill Skarsgård admitiu recentemente que esteve bastante relutante em aceitar regressar ao papel do palhaço mais perturbador do cinema contemporâneo na série It: Welcome to Derry.

Em entrevista ao Screen Rant, o actor revelou que o seu principal receio era óbvio — e legítimo: o medo de que a série fosse apenas uma tentativa de “espremer” o sucesso dos filmes, sem acrescentar nada de verdadeiramente relevante ao universo criado a partir do clássico de It.

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Medo de desgaste… e respeito pela personagem

Skarsgård confessou que, após dois filmes extremamente bem recebidos, receava que a transição para o formato televisivo pudesse diluir a força de Pennywise. “Tinha medo que fosse uma tentativa de esticar isto com uma série que não estivesse à altura do que já tinha sido feito”, explicou o actor.

Este tipo de preocupação não é comum em franquias de terror, onde personagens icónicas regressam vezes sem conta sem grande critério criativo. Aqui, curiosamente, o receio partiu do próprio intérprete — um sinal claro do respeito que Skarsgård tem pela personagem e pelo impacto que ela teve no público.

Andy Muschietti foi decisivo

O factor-chave para o convencer acabou por ser, uma vez mais, Andy Muschietti. O realizador, que assinou os dois filmes, mantém-se profundamente envolvido na série como produtor executivo e realizou quatro dos nove episódios da primeira temporada.

Segundo Skarsgård, a confiança criativa entre ambos foi essencial. O actor acabou por perceber que Welcome to Derrynão queria repetir fórmulas, mas explorar novas facetas de Pennywise — cenas mais íntimas, mais estranhas e, em alguns casos, ainda mais desconfortáveis. “Havia momentos em que sentia que estávamos a mostrar algo que nunca tinha sido visto antes”, revelou.

Uma série que mergulha no passado de Derry

Criada por Brad Caleb Kane e Jason Fuchs, a série funciona como uma prequela directa dos filmes e aposta numa estrutura ambiciosa: três temporadas, cada uma situada numa época diferente do passado de Derry.

A primeira decorre em 1962, a segunda deverá recuar até 1935 e a terceira até 1908, aprofundando a natureza cíclica do mal que assombra a cidade. Esta abordagem permite que Pennywise não seja apenas um monstro recorrente, mas uma presença ancestral, quase mitológica.

Um elenco forte e planos de continuidade

Além de Skarsgård, o elenco inclui nomes como Taylour Paige, Jovan Adepo, James Remar e Madeleine Stowe, entre muitos outros. A Warner Bros. estará satisfeita com a recepção da primeira temporada e pretende avançar rapidamente para a segunda.

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No fim de contas, a relutância inicial de Bill Skarsgård acabou por resultar numa escolha acertada. It: Welcome to Derrynão só expande o universo de Stephen King, como justifica artisticamente o regresso de Pennywise — provando que, às vezes, dizer “talvez não” é o primeiro passo para fazer algo melhor.

O Final de Stranger Things Não Estava Pronto Quando as Câmaras Começaram a Rodar — e Isso Diz Muito Sobre a Série

Um adeus difícil a Hawkins… até para quem o estava a escrever

Dez anos depois da estreia, Stranger Things despediu-se dos espectadores com uma quinta temporada que carregava um peso raro na televisão contemporânea. Não era apenas o final de uma série popular — era o encerramento de um fenómeno cultural que atravessou gerações, lançou carreiras e redefiniu o que uma produção televisiva podia ambicionar em termos de escala, ambição e impacto emocional.

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Agora, o documentário One Last Adventure: The Making of Stranger Things 5 levanta o véu sobre esse adeus e revela um detalhe que apanhou muitos fãs de surpresa: o argumento do episódio final ainda estava a ser escrito quando as gravações já tinham começado. Uma revelação que, longe de diminuir a série, ajuda a perceber porque Stranger Thingssempre foi tão particular.

Escrever enquanto se filma: caos controlado ou método criativo?

No centro do documentário está o processo criativo dos irmãos Matt Duffer e Ross Duffer, confrontados com a tarefa ingrata de fechar uma história com quase vinte personagens principais, múltiplas dimensões, monstros icónicos e expectativas colossais por parte do público.

A realizadora Martina Radwan acompanha de perto a sala de argumentistas e mostra algo raramente visto: dúvidas, debates acesos, impasses criativos e decisões adiadas até ao último momento. A ideia romântica de um guião fechado, imutável e perfeito cai por terra. O que vemos é um processo vivo, em constante adaptação, onde escrever é também reagir ao que está a acontecer no plateau.

Para quem consome séries como produto final, esta é uma revelação fascinante. Para quem gosta de cinema e televisão enquanto ofício, é quase uma aula prática sobre criação sob pressão.

O peso de decidir destinos definitivos

Um dos pontos mais interessantes do documentário passa pelas discussões em torno das escolhas finais. Devem ou não surgir criaturas na batalha derradeira? Até onde deve ir o confronto com Vecna e o Mind Flayer? E, sobretudo, qual é o destino certo para Eleven, a personagem interpretada por Millie Bobby Brown, que sempre foi o coração emocional da série?

Nada é tratado de forma leviana. Cada decisão narrativa carrega consequências emocionais, temáticas e simbólicas. O documentário deixa claro que o maior medo dos criadores não era chocar ou surpreender, mas trair o crescimento das personagens ao longo de uma década. O final precisava de ser coerente com tudo o que veio antes — mesmo que isso implicasse reescrever, cortar ou refazer ideias em cima da hora.

Crescer diante das câmaras (e com elas)

Outro dos grandes trunfos de One Last Adventure é a forma como contextualiza a evolução do elenco. As imagens de audições e cenas da primeira temporada, exibida em 2016, contrastam com a maturidade evidente dos actores na quinta temporada. Não é apenas nostalgia: é a prova de que Stranger Things foi uma série que cresceu em tempo real, com os seus intérpretes e com o público.

O documentário sublinha como essa ligação foi essencial para o sucesso da série. A química do grupo, a confiança mútua e a consciência de que aquele era um último esforço colectivo tornam-se visíveis em cada plano dos bastidores.

Uma produção de escala quase cinematográfica

Os números revelados por Ross Duffer no discurso final impressionam até os mais habituados a grandes produções: 237 dias de rodagem, 6.725 set-ups e 630 horas de material filmado, reduzidas a cerca de 10 horas de episódios finais. Hawkins, o Upside Down e o Abyss foram construídos com um nível de detalhe que rivaliza com superproduções de cinema.

Tudo isto foi feito, em vários momentos, sem um guião totalmente fechado. O documentário mostra como departamentos inteiros — cenários, efeitos visuais, guarda-roupa, maquilhagem — tiveram de confiar numa visão que ainda estava a ganhar forma. É aqui que Stranger Things se assume definitivamente como um projecto de risco… e não apenas como uma aposta segura da Netflix.

Muito mais do que um “making of”

Mais do que explicar decisões concretas, One Last Adventure funciona como um retrato apaixonado da criação artística a longo prazo. Mostra como os irmãos Duffer começaram a fazer filmes em criança, inspirados por making ofs de clássicos como O Senhor dos Anéis, e como essa obsessão pelo cinema os levou, décadas depois, a criar uma das séries mais influentes do século XXI.

Não é um documentário auto-elogioso. Pelo contrário, é honesto sobre o cansaço, o medo de falhar e a sensação constante de estar a tentar fazer o impossível. Talvez seja precisamente isso que o torna tão interessante para quem gosta de histórias — dentro e fora do ecrã.

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One Last Adventure: The Making of Stranger Things 5 já está disponível na Netflix e é, muito provavelmente, a melhor forma de dizer adeus a Hawkins sem recorrer a teorias mirabolantes ou finais secretos.

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O que dizem lá fora sobre o regresso da série mais viciante da Apple TV+

Quem viveu o Verão de 2023 lembra-se bem: Idris Elba entrou num avião… e aquilo correu tudo menos bem. Durante sete episódios tensos, Hijack transformou um simples voo num exercício de suspense quase em tempo real, tornando-se uma das séries mais fáceis — e compulsivas — de devorar numa assentada. Agora, “no que dizem lá fora”, a segunda temporada regressa com a mesma fórmula, mas troca o avião por um cenário igualmente claustrofóbico: o metro de Berlim.

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Sam Nelson, o improvável herói especialista em negociações empresariais (e não, não é polícia, agente secreto nem piloto), está de volta. E, como seria de esperar, mal se senta, o caos instala-se. Desta vez, a acção desenrola-se nos túneis subterrâneos da capital alemã, onde nada parece acontecer… até acontecer tudo ao mesmo tempo.

Menos lógica, mais adrenalina — e isso é parte do charme

A crítica internacional é clara: Hijack continua a ser um monumento ao absurdo deliciosamente eficaz. Sam Nelson resolve crises globais com intuição, autoridade moral e uma calma inabalável que só Idris Elba consegue tornar credível. Tal como na primeira temporada, os vilões surgem em camadas, os planos são mais complexos do que aparentam e os passageiros são, na verdade, peças narrativas à espera de cumprir o seu destino dramático.

Há estudantes barulhentos, professores stressados, um polícia aparentemente banal (o que nunca é bom sinal), uma médica voluntária, um condutor visivelmente à beira de um colapso e, claro, uma mochila vermelha que grita “isto vai correr mal”. Tudo ingredientes cuidadosamente escolhidos para manter o espectador colado ao ecrã.

Personagens familiares e regressos aguardados

Fora do metro, a série continua a cruzar múltiplas frentes narrativas. Regressa Marsha, a mulher de Sam, agora isolada nas Highlands escocesas, pronta para voltar a servir de contraponto emocional quando a tensão atinge níveis máximos. No centro de controlo do metro, surgem novas figuras, enquanto o enredo recupera fios soltos da primeira temporada, prometendo ligações diretas ao passado recente da série.

Para os fãs mais atentos, há ainda o regresso de nomes bem conhecidos do elenco original, incluindo Archie Panjabi, Max Beesley e Toby Jones, reforçando a ideia de que esta segunda temporada não é apenas uma repetição, mas uma expansão do universo criado.

Um binge garantido

As primeiras reacções são unânimes: basta um episódio para ficar preso até ao fim. Hijack não pede verosimilhança absoluta; pede entrega. E, em troca, oferece ritmo, tensão constante e um protagonista carismático capaz de sustentar até as reviravoltas mais improváveis.

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No fundo, é isso que faz desta série um fenómeno. Pode não fazer sentido… mas funciona. E funciona muito bem.

Hijack já está disponível na Apple TV+.

Kiefer Sutherland Detido Após Alegada Agressão em Los Angeles 🚓

Detenção durante a madrugada levanta dúvidas e reacções em Hollywood

Kiefer Sutherland, actor conhecido mundialmente por papéis intensos e marcantes, foi detido nas primeiras horas de segunda-feira, em Los Angeles, na sequência de uma alegada agressão a um motorista de transporte por aplicação (rideshare). A informação foi avançada por vários meios norte-americanos, com base num comunicado oficial do Los Angeles Police Department.

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Segundo a polícia, os agentes responderam a uma chamada pouco depois da meia-noite, relacionada com uma ocorrência envolvendo o actor. Após avaliação no local, as autoridades determinaram que Sutherland terá agredido fisicamente o motorista e feito “ameaças criminais” dirigidas à alegada vítima. Apesar da gravidade das acusações, o motorista não necessitou de assistência médica.

Acusação criminal e libertação sob fiança

De acordo com registos prisionais citados pela imprensa, Kiefer Sutherland foi formalmente detido e acusado de crimes classificados como felony, uma tipologia de acusação mais grave no sistema judicial norte-americano. O actor acabou por ser libertado algumas horas mais tarde, após o pagamento de uma fiança no valor de 50 mil dólares.

Está já marcada uma primeira comparência em tribunal para o dia 2 de Fevereiro, onde deverão ser apresentados mais detalhes sobre o caso e definidos os próximos passos do processo judicial. Até ao momento, um porta-voz do actor não respondeu aos pedidos de comentário feitos pelos meios de comunicação social.

Um historial que volta a ser escrutinado

Embora continue a ser uma das figuras mais reconhecidas da televisão e do cinema norte-americano — sobretudo pelo icónico papel de Jack Bauer na série 24 —, este não é o primeiro episódio controverso associado ao nome de Sutherland. Ao longo dos anos, o actor já esteve envolvido noutros incidentes legais, maioritariamente relacionados com comportamentos fora do ecrã, o que tem levado a imprensa internacional a recuperar esse histórico nas últimas horas.

Ainda assim, importa sublinhar que, nesta fase, as informações disponíveis baseiam-se exclusivamente nos dados fornecidos pelas autoridades e em fontes policiais. Não existe, para já, qualquer declaração oficial do actor ou da sua equipa que permita contextualizar os acontecimentos do seu ponto de vista.

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Presunção de inocência e próximos desenvolvimentos

Como sempre nestes casos, é fundamental recordar o princípio da presunção de inocência. As alegações terão agora de ser analisadas em sede judicial, sendo expectável que mais detalhes venham a público nas próximas semanas, à medida que o processo avance.

Para já, Hollywood e os fãs do actor aguardam esclarecimentos adicionais, enquanto este episódio lança uma sombra incómoda sobre uma carreira construída à base de personagens intensas, duras e moralmente ambíguas — desta vez, fora da ficção.

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“Só mais uma vez”… afinal talvez não

Quando Ryan Reynolds anunciou, em Setembro de 2022, o regresso de Hugh Jackman ao papel de Wolverine, a mensagem parecia clara e definitiva. O actor canadiano, sempre consciente do peso emocional de Logan (2017), garantiu que esta seria apenas “mais uma vez”. Um último adeus ao mutante mais famoso da Marvel, agora integrado no MCU ao lado de Wade Wilson.

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No entanto, “no que dizem lá fora”, essa promessa poderá estar prestes a ser quebrada. Segundo vários insiders ligados à indústria, a Marvel Studios não está minimamente disposta a despedir-se tão cedo de um dos seus trunfos mais valiosos — sobretudo depois do sucesso estrondoso de Deadpool & Wolverine, que ultrapassou a marca dos mil milhões de dólares em bilheteira.

Wolverine escondido… mas não ausente

Os rumores mais insistentes apontam para um regresso mais rápido do que o esperado. Aparentemente, a Marvel estará a tentar ocultar a presença de Wolverine em Avengers: Doomsday, com estreia marcada para 18 de Dezembro de 2026, evitando assim grandes spoilers antes do tempo.

Mais do que uma simples aparição, há quem afirme que Logan terá um papel relevante também em Avengers: Secret Wars, onde deverá contracenar não só com Deadpool, mas também com versões alternativas do Homem-Aranha interpretadas por Tobey Maguire e Tom Holland. Se se confirmar, estamos perante uma aposta clara no factor nostalgia para fechar em grande a chamada Saga do Multiverso.

Até aos 90? A piada começa a parecer séria

O próprio Reynolds brincou, em Deadpool & Wolverine, com a ideia de Jackman continuar no papel “até aos 90 anos”. O que parecia apenas humor meta pode, afinal, estar perigosamente perto da realidade. Fala-se mesmo no desenvolvimento de um novo filme a solo do Wolverine, novamente com Jackman, já depois de Secret Wars.

Do ponto de vista financeiro, a decisão é fácil de entender. Abandonar um actor que continua a ser um dos Wolverine mais adorados da história do cinema — talvez o Wolverine definitivo — seria, para muitos executivos, um erro difícil de justificar.

Mas será saudável para o futuro dos X-Men?

Aqui começa a divisão de opiniões. Embora o novo Wolverine apresentado em Deadpool & Wolverine respeite o final emocional de Logan, abrindo espaço para uma variante alternativa, muitos defendem que a Marvel deveria aproveitar o reset pós-Secret Wars para reformular os X-Men com novos actores.

Nomes como Taron Egerton ou Jeremy Allen White têm surgido em fan casts recorrentes, e até Henry Cavill chegou a vestir as garras numa breve aparição — a famosa “Cavillrine”. O recasting é inevitável… a questão é apenas quando.

Fan service ou estratégia legítima?

No fim de contas, faz todo o sentido que Hugh Jackman esteja presente no clímax do Multiverso. É um desejo antigo dos fãs e um triunfo simbólico para o MCU. Mas prolongar indefinidamente esta versão de Wolverine pode tornar-se um exercício de nostalgia excessiva, adiando decisões que terão de ser tomadas mais cedo ou mais tarde.

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Por agora, uma coisa parece certa: aquela promessa de “só mais uma vez” já não soa assim tão definitiva. E, em Hollywood, quando o sucesso fala mais alto, até as despedidas mais bonitas podem ser reescritas

“28 Anos Depois: O Templo dos Ossos” — O Quarto Capítulo da Saga Zombi Que Está a Dividir Opiniões

“No que dizem lá fora”: um quatroquel que supera as expectativas

Há franquias que, por definição, parecem fadadas a decair com o tempo. Sequências, prequelas e derivados inundam o mercado e muitas vezes tornam-se sombras pálidas do original. Ainda assim, 28 Years Later: The Bone Temple — traduzido para o português como 28 Anos Depois: O Templo dos Ossos — está a contrariar essa lógica, com muitos críticos a considerarem-no o melhor capítulo da saga desde 28 Days Later (2002).  

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O argumento de que um “quatroquel” possa ser superior ao resto da franquia parece improvável, mas é justamente esse o sentimento que paira nas primeiras reacções críticas: uma energia mais crua, personagens mais complexos e um sentido de crescente perigo que vai além do simples terror zumbi. Neste aspecto, o destaque vai, em particular, à performance de Ralph Fiennes, cuja interpretação é unanimemente elogiada como “fenomenal” e uma das melhores da sua carreira, com momentos memoráveis que misturam intensidade física com nuances inesperadas de humor negro e surrealismo.  

A narrativa — menos mortos-vivos, mais humanos perigosos

Ao contrário da esmagadora maioria dos filmes de zombies, onde “os infectados” são o centro da ameaça, O Templo dos Ossos vira esse cliché do avesso. No coração do filme está um confronto feroz entre humanidades agressivas e crepusculares, personificadas pela bizarra gangue liderada por Jack O’Connell como Sir Lord Jimmy Crystal. Esta facção — descrita por algumas críticas como quase mais assustadora do que os próprios zombies — transforma a narrativa num estudo de poder, manipulação e psicose colectiva.  

A história segue Spike (Alfie Williams), um jovem que se vê atolado no meio desta nova ordem brutal, confrontando a desumanidade que floresceu num mundo pós-apocalíptico. Ao mesmo tempo, o Dr. Ian Kelson (Fiennes) representa um contra-ponto quase messiânico — um homem que vive numa estranha quietude moral enquanto tenta compreender e, eventualmente, domar a ameaça gigantesca conhecida como Samson.  

O que dizem por aí: cinema que desafia expectativas

As primeiras impressões partilhadas por críticos e fãs que já viram o filme em exibições antecipadas sugerem que O Templo dos Ossos não se limita a repetir o mesmo formulaico terror zumbi a que estamos habituados. Pelo contrário, há quem o descreva como um filme “energético, cruel e profundamente humano”, onde a verdadeira ameaça já não é o vírus, mas sim a própria natureza humana quando despojada de estrutura social.  

Este enfoque renovado tem sido visto como um sopro de ar fresco para uma série que começou há mais de duas décadas e que, apesar de reverenciada, corria o risco de cair no esquecimento criativo. A mudança de realizador — com Nia DaCosta a assumir a direcção depois de Danny Boyle — parece ter rejuvenescido a franquia, oferecendo um olhar contemporâneo sobre um universo cheio de decay e violência visceral.  

Datas de estreia nos países de língua portuguesa

Se és fã do género e já queres marcar no calendário, aqui vai o que se sabe sobre as estreias no mundo lusófono:

  • Portugal: estreia nos cinemas a 15 de Janeiro de 2026.  
  • Brasil: está também confirmado para 15 de Janeiro de 2026.  

Para muitos, esta estreia conjunta em países lusófonos é um convite para comparar experiências e ver como a cultura local reage a um filme que está a gerar conversas intensas tanto pela sua abordagem narrativa como pelas performances surpreendentes.

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Conclusão

“28 Anos Depois: O Templo dos Ossos” está a chegar como um capítulo controverso e, curiosamente, celebrativo de tudo aquilo que o cinema de horror pode oferecer: tensão, reacções inesperadas do público e uma narrativa que, mesmo no meio de mortos-vivos, encontra significado nos vivos. Se as reacções iniciais se confirmarem após o lançamento generalizado, poderemos estar perante um dos melhores filmes do género dos últimos anos.

Um Refúgio Que Se Torna Armadilha: Alarum – Código Mortal Chega ao TVCine Top

Amor, espionagem e um disco rígido que vale uma sentença de morte

À primeira vista, tudo parece simples: dois ex-espiões, cansados de uma vida feita de mentiras, armas e segredos, decidem desaparecer do mapa para viver em paz. Mas como o cinema de espionagem tantas vezes nos ensinou, o passado raramente aceita ser esquecido. É precisamente nesse território instável que se move Alarum: Código Mortal, thriller de acção que estreia no sábado, 17 de Janeiro, às 21h30, no TVCine Top e no TVCine+ .

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Quando fugir não é suficiente

Lara e Joe Travers são dois antigos agentes secretos que, depois de anos como rivais em lados opostos, acabam por se apaixonar. Determinados a deixar tudo para trás, refugiam-se numa cabana isolada, longe de tudo e de todos. O objectivo é claro: uma vida tranquila, longe das conspirações e da violência que definiram o seu passado.

Mas o destino tem outros planos. Um avião despenha-se nas imediações e, entre os destroços, o casal encontra um disco rígido com informação altamente confidencial. A partir desse momento, a cabana transforma-se num alvo e o casal passa a estar no centro de uma perseguição global, envolvendo múltiplas organizações secretas. Aquilo que era um refúgio torna-se uma armadilha mortal, obrigando Lara e Joe a regressar ao único mundo que conhecem verdadeiramente: o da espionagem.

Um elenco que aposta na fisicalidade da acção

O filme é protagonizado por Scott Eastwood e Willa Fitzgerald, numa dupla que combina intensidade emocional com presença física, essencial para um thriller deste género. A eles junta-se Sylvester Stallone, cuja presença reforça o lado mais musculado do filme e acrescenta peso a uma narrativa que vive de confrontos diretos e tensão constante.

Na realização está Michael Polish, conhecido por trabalhos como A Força da Natureza e Big Sur. Aqui, Polish aposta numa abordagem directa e contemporânea à espionagem, privilegiando o ritmo acelerado, perseguições intensas e uma sensação permanente de ameaça. Não há grandes espaços para respirar: a narrativa empurra as personagens de situação em situação, testando não apenas as suas capacidades como agentes, mas também a confiança que têm um no outro.

Espionagem com coração… e balas a sério

Mais do que um simples filme de acção, Alarum – Código Mortal cruza o suspense com uma história de lealdade e sobrevivência. À medida que o cerco aperta, Lara e Joe percebem que o maior perigo pode não vir apenas dos inimigos que os perseguem, mas também dos segredos que ainda escondem um do outro.

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Para quem procura um serão de sábado marcado por adrenalina, tensão e um toque de romance em território hostil, esta estreia no TVCine Top promete cumprir. Porque no mundo da espionagem, desligar nunca é tão simples quanto parece.

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Três anos depois, o Instagram finalmente confirma o que todos sabiam

Há romances em Hollywood que vivem de aparições públicas, tapetes vermelhos e olhares cúmplices, mas que curiosamente fogem ao palco mais óbvio da validação moderna: o Instagram. Durante três anos, Timothée Chalamet e Kylie Jenner foram um desses casos. Muito vistos juntos, mas quase invisíveis nas redes sociais. Até agora.

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Depois de vencer um Globo de Ouro no passado fim-de-semana, o actor decidiu partilhar no Instagram um conjunto de fotografias para assinalar o momento. Entre imagens de celebração e bastidores, houve uma que imediatamente incendiou a internet: Kylie Jenner surge a segurar, lado a lado com Chalamet, a estatueta dourada. Um gesto simples, mas carregado de simbolismo. Para os fãs, foi o equivalente digital a um carimbo oficial: sim, eles estão juntos — e já não há qualquer esforço em esconder isso.

Um casal discreto num mundo de exposição constante

Apesar de estarem ligados publicamente desde 2023, Timothée Chalamet e Kylie Jenner sempre optaram por uma relação longe da sobre-exposição típica das celebridades da sua dimensão. Marcaram presença em galas, cerimónias de prémios e até algumas passagens pela passadeira vermelha, mas nunca transformaram o romance num espectáculo diário nas redes sociais.

Essa contenção acabou por alimentar ainda mais a curiosidade. Num tempo em que relações são frequentemente anunciadas com stories, selfies e legendas calculadas ao milímetro, o silêncio digital do casal tornava-se quase mais ruidoso do que qualquer declaração pública. O post recente, precisamente por não ser ostensivo, ganhou ainda mais peso.

O Globo de Ouro como pano de fundo perfeito

A publicação surgiu no rescaldo da vitória de Chalamet nos Golden Globe Awards, o que acrescenta uma camada extra de leitura ao momento. Não se trata apenas de um actor a celebrar um prémio, mas de alguém que escolhe partilhar esse triunfo com a pessoa que está ao seu lado fora do ecrã.

O facto de Kylie surgir logo na primeira imagem do slideshow não passou despercebido. Não há legendas explicativas nem declarações grandiosas, mas a mensagem é clara. À maneira de Timothée Chalamet, tudo é feito com subtileza — e precisamente por isso resulta.

Uma confirmação tardia… mas eficaz

Pode surpreender alguns saber que o casal já soma três anos de relação. A primeira ligação pública entre os dois surgiu em Abril de 2023, numa altura em que muitos encararam o romance como algo passageiro. O tempo acabou por provar o contrário.

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Agora, com um simples post no Instagram, Chalamet encerra anos de especulação e dá aos fãs aquilo que nunca pediu explicitamente, mas sempre esperou. Às vezes, em Hollywood, basta uma fotografia para dizer tudo.

“Go Ahead, Make My Day”: A Frase de Clint Eastwood Que Nunca Envelheceu 🎬

Quando uma linha de diálogo vale mais do que uma explosão

O cinema de acção sempre viveu de excessos: explosões, perseguições impossíveis, murros, tiros e corpos a voar em câmara lenta. Mas quem cresceu a ver filmes protagonizados por Stallone, Schwarzenegger, Van Damme ou Clint Eastwood sabe que, muitas vezes, o momento mais memorável não envolve efeitos especiais nem coreografias elaboradas. Basta uma frase bem colocada. Um one-liner perfeito.

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Do lendário “Yippee-ki-yay” de John McClane às tiradas musculadas de Arnold Schwarzenegger, a história do género está repleta de frases que ficaram gravadas na cultura popular. Ainda assim, há uma que continua a destacar-se pela sua simplicidade, frieza e poder absoluto. Uma ameaça dita sem levantar a voz. Um convite carregado de destino: “Go ahead, make my day.”

Sudden Impact: o momento em que Dirty Harry se torna eterno

Lançado em 1983, Sudden Impact foi o quarto capítulo da saga Dirty Harry. Quando o filme chegou às salas, o inspector Harry Callahan já não precisava de apresentações. Desde Dirty Harry (1971), passando por Magnum Force e The Enforcer, o público conhecia bem o olhar gelado, a moral inflexível e a relação nada romântica com a lei.

Mas é em Sudden Impact que tudo se cristaliza num único instante. Numa cena quase silenciosa, sem música sublinhadora ou montagem frenética, Harry confronta um criminoso. Não grita. Não gesticula. Limita-se a dizer a frase. E nesse exacto momento, o poder muda de lado.

A genialidade da cena está na contenção. Eastwood não precisa de teatralidade. A frase surge limpa, directa, quase casual. É precisamente isso que a torna devastadora. Harry não ameaça — constata. Ele sabe que já ganhou. E o espectador também.

Confiança como arma letal

Há algo de profundamente cinematográfico na forma como Clint Eastwood entrega esta fala. Não há raiva descontrolada nem heroísmo inflamado. Existe apenas certeza. Uma convicção inabalável de que está do lado certo — moral, legal e narrativamente.

Esta confiança “armada” resume tudo o que Dirty Harry representa: a fantasia de uma justiça simples, imediata e sem ambiguidades, num mundo cada vez mais complexo. A frase tornou-se um símbolo dessa visão romântica e polémica da autoridade, ecoando muito para lá do ecrã.

Importa lembrar que a linha foi escrita por Joseph Stinson, num raro momento de alquimia perfeita entre texto e intérprete. Sem Eastwood, talvez fosse apenas mais uma frase. Com ele, tornou-se História.

Quarenta anos depois, continua a funcionar

Mais de quatro décadas após a estreia, Sudden Impact mantém uma força curiosamente intacta. Entre os anti-heróis moralmente cinzentos dos anos 70 e os heróis hiperbólicos dos anos 80, Clint Eastwood ocupou um espaço único. Provou que o silêncio podia ser mais ameaçador do que um lança-foguetes.

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Hoje, “Go ahead, make my day” continua a ser citada, parodiada e reverenciada. Não apenas como uma frase icónica, mas como um lembrete de que o verdadeiro cool no cinema não precisa de barulho. Basta presença. E nisso, Clint Eastwood continua a não ter concorrência

The Mummy 4: Brendan Fraser Dá Boas e Más Notícias aos Fãs da Saga

Esperança renovada… mas ainda sem sinal verde oficial

Os fãs de The Mummy voltaram a ter motivos para sonhar — ainda que com alguma cautela. Brendan Fraser, rosto incontornável da trilogia original, partilhou recentemente uma actualização sobre The Mummy 4, deixando claro que o projecto continua vivo… mas longe de estar garantido.

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Em entrevista à Radio Times, o actor foi fiel ao seu estilo afável e honesto, oferecendo palavras que tanto alimentam a esperança como sublinham a frustração de anos de espera. “Os meus lábios estão selados”, começou por dizer Fraser, antes de acrescentar que espera ter boas notícias em breve, reconhecendo o impacto geracional da saga. “As pessoas dizem-me: ‘Cresci a ver esse filme e agora já tenho filhos’. Vamos cruzar os dedos e acender uma vela.”

Rick O’Connell: um regresso desejado por todos

Fraser interpretou Rick O’Connell em The Mummy, The Mummy Returns e The Mummy: Tomb of the Dragon Emperor, tornando-se um dos heróis de aventura mais carismáticos do cinema popular dos anos 90 e início dos 2000. Questionado directamente sobre se gostaria de regressar ao papel, a resposta foi inequívoca: “Gostava? Absolutamente. Sempre disse que gosto da ideia e sempre gostarei. Mas… não sou eu quem carrega no gatilho.”

Essa frase resume bem o estado actual do projecto. Apesar do entusiasmo do actor e do carinho evidente do público, Universal Pictures ainda não anunciou qualquer data de estreia ou sequer confirmou oficialmente que o filme avançará para produção.

Um filme “em falta” há mais de 20 anos

Esta não é a primeira vez que Brendan Fraser fala abertamente sobre The Mummy 4. Em Novembro de 2025, numa entrevista à Associated Press, o actor revelou algo particularmente revelador: o quarto filme que sempre quis fazer nunca chegou a existir.

“Estou orgulhoso do terceiro filme”, explicou, referindo-se a Tomb of the Dragon Emperor. “Acho que funciona bem como filme independente. Tínhamos uma equipa diferente, fizemos o nosso melhor. Mas o filme que eu queria fazer nunca foi feito. Esse está a caminho. Esperei 20 anos por esta chamada.”

Uma declaração forte, que sugere que Fraser vê The Mummy 4 não apenas como mais uma sequela, mas como uma espécie de acerto de contas criativo — uma oportunidade para fechar o ciclo da forma que sempre idealizou.

O momento certo… finalmente?

Depois do aclamado regresso ao cinema, coroado com um Óscar, Brendan Fraser vive hoje uma fase de enorme respeito crítico e popular. Esse contexto pode jogar a favor de The Mummy 4, sobretudo numa era em que Hollywood procura constantemente revisitar propriedades conhecidas, agora com uma abordagem mais nostálgica e consciente do seu legado.

Ao mesmo tempo, o silêncio da Universal continua a ser o maior obstáculo. Não há realizador anunciado, não há guião confirmado, nem calendário definido. O entusiasmo existe, mas a decisão final permanece nos bastidores.

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Entre a esperança e a realidade

Para já, The Mummy 4 vive nesse limbo tão familiar aos fãs de cinema: demasiado falado para ser esquecido, mas demasiado indefinido para ser celebrado. Brendan Fraser quer fazê-lo. O público quer vê-lo. Falta apenas que alguém, do lado dos estúdios, acenda finalmente essa vela.

Até lá, resta esperar… e cruzar os dedos.

Snoop Dogg Sobrevive à Polémica e Rouba a Cena nos Globos de Ouro

Entre aplausos, gargalhadas e controvérsia política, o rapper mostrou que continua no centro de Hollywood

Num momento em que Hollywood parece cada vez mais sensível a alinhamentos políticos, polémicas públicas e julgamentos instantâneos nas redes sociais, Snoop Dogg provou que a sua posição na cultura popular continua sólida. A sua aparição nos Golden Globe Awards de 2026, no Beverly Hilton, foi recebida com aplausos calorosos, gargalhadas genuínas e — detalhe importante — sem qualquer vaia audível, apesar da controvérsia recente ligada ao seu nome e a Donald Trump.

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Snoop subiu ao palco para apresentar, pela primeira vez na história da cerimónia, o prémio de Melhor Podcast, ao som do seu clássico “Drop It Like It’s Hot”. Antes mesmo de chegar ao microfone, já tinha a sala do seu lado. “Parem a música!”, pediu, arrancando risos imediatos, antes de lançar um dos seus discursos mais descontraídos e imprevisíveis dos últimos anos.

Humor, carisma e zero pedido de desculpas

“Vocês precisam de relaxar um bocadinho. Isto são os duplos G, os Golden Globes, e estão com o D-O-double-G”, disse, incentivando a plateia a largar a postura rígida. O tom manteve-se irreverente quando brincou com o mundo dos podcasts, lembrando que antes desse fenómeno global “era a minha música que vocês ouviam enquanto conduziam”.

A mistura de humor, swagger e espontaneidade foi amplamente elogiada nas redes sociais e nos media norte-americanos, transformando a intervenção de Snoop num dos momentos virais da noite. Mesmo quando deixou escapar um palavrão — cortado da transmissão em directo, mas recuperado mais tarde por publicações como a Entertainment Weekly — o público manteve-se do seu lado.

Amy Poehler, Stephen Graham e o efeito Snoop

O prémio acabou por ir para Amy Poehler, pelo podcast Good Hang. A actriz não escondeu o entusiasmo ao receber a estatueta das mãos de Snoop Dogg: “Foi exactamente assim que imaginei este momento”, disse, arrancando nova salva de aplausos. Os dois abandonaram o palco de braço dado, numa imagem que rapidamente correu mundo.

Outro momento delicioso veio já nos bastidores, quando Stephen Graham, vencedor do Globo de Ouro pela série Adolescence, confessou estar completamente rendido após conhecer o rapper. “Ele apertou-me a mão e disse-me que eu era um ‘gangster do caraças’. A minha vida está completa”, contou, visivelmente emocionado.

O elefante na sala: Trump, críticas e mudanças de tom

Tudo isto acontece depois de um período particularmente turbulento para Snoop Dogg. Em Janeiro de 2025, o rapper actuou no Crypto Ball, evento associado ao fim-de-semana de tomada de posse de Donald Trump, o que gerou uma onda de críticas, sobretudo à esquerda. Muitos acusaram-no de incoerência, lembrando os anos em que Snoop atacou Trump de forma aberta e até satírica — incluindo no videoclipe de “Lavender”, onde o então presidente era retratado como um palhaço.

A mudança de discurso tornou-se ainda mais evidente quando, em 2024, Snoop afirmou ter “nada além de amor e respeito” por Trump, após este ter concedido um perdão presidencial a Michael “Harry-O” Harris, figura ligada à história da Death Row Records. Para muitos fãs, foi um choque; para Snoop, uma questão pessoal, não política.

“Eu represento a Gangster Party”

Confrontado com as críticas, o artista deixou claro que não se vê como representante de qualquer partido. “Não represento os Republicanos nem os Democratas. Represento a Gangster Party”, afirmou numa entrevista ao programa The Breakfast Club. Defendeu ainda que a sua actuação no Crypto Ball teve objectivos comunitários, ligados à literacia financeira e ao apoio a bairros carenciados.

Essa postura de independência absoluta — que tanto incomoda como fascina — parece não ter afectado o seu estatuto em Hollywood. Pelo contrário: a recepção nos Globos de Ouro mostrou que, pelo menos naquele salão cheio de estrelas, Snoop Dogg continua a ser visto como uma figura incontornável.

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Um sobrevivente cultural

Mais do que um rapper, Snoop Dogg é um sobrevivente cultural. Já foi ícone da contra-cultura, alvo de censura, estrela pop, empresário, comentador desportivo improvisado e agora, aparentemente, anfitrião ideal para cerimónias de prémios. Entre polémicas políticas e aplausos de pé, mostrou que sabe fazer aquilo que poucos conseguem: atravessar décadas, modas e tempestades mediáticas sem perder identidade.

Nos Globos de Ouro de 2026, Snoop não pediu desculpa, não explicou tudo — e não precisou. Bastou-lhe ser Snoop Dogg.

O Grito de Mark Ruffalo Quebrou o Brilho dos Globos de Ouro

Quando a lucidez destoou numa noite de auto-celebração

Há noites em que as cerimónias de prémios parecem viver numa bolha. Um mundo à parte, reluzente, caro e ligeiramente deslocado da realidade. A mais recente edição dos Golden Globe Awards foi, para muitos, exactamente isso: uma passerelle de estrelas milionárias a celebrarem-se mutuamente enquanto, cá fora, o mundo parece caminhar perigosamente sobre vários abismos ao mesmo tempo.

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Talvez por isso o momento mais falado da noite não tenha acontecido no palco, nem envolvido uma vitória inesperada, mas sim um desabafo desconfortável, sincero e profundamente humano de Mark Ruffalo no tapete vermelho. Um instante sem punchlines ensaiadas, sem optimismo artificial e, sobretudo, sem vontade de fingir que está tudo bem.

“Não me estou a sentir muito bem”

Chamado por um jornalista para explicar o pin “Be Good” que trazia no smoking, Ruffalo não seguiu o guião habitual. Em vez de uma resposta simbólica ou vaga, foi directo: confessou que não se sentia bem naquela noite, referindo o assassinato de Renee Good nas ruas dos Estados Unidos — um caso que envolveu um agente do ICE e que, segundo a decisão de um procurador-geral adjunto, não será investigado, apesar de envolver a morte de uma civil desarmada.

“As much as I love all this, I don’t know if I can pretend like this crazy stuff isn’t happening.” Não foi um discurso político elaborado, nem uma declaração programática. Foi um momento cru, interrompido, quase desconfortável. E precisamente por isso teve impacto.

Um símbolo partilhado, uma voz solitária

Ruffalo não foi o único a usar o pin “Be Good”. Jean Smart, Ariana Grande, Wanda Sykes e Natasha Lyonne também o fizeram. Mas poucos foram tão longe na verbalização do desconforto. Ruffalo não se limitou ao gesto — deu-lhe peso, contexto e emoção.

Não é novidade. A secção de activismo da sua biografia pública é extensa e densa, passando por causas ambientais, direitos civis, política internacional e património cultural. Ainda esta semana, após os Globos, assinou uma carta a exigir o restabelecimento imediato de cuidados médicos em Gaza. Falar, para ele, não é um acessório ocasional: é parte integrante da sua identidade pública.

O risco de falar… e o custo de não o fazer

Ser assim frontal tem custos. Num sistema cada vez mais concentrado e avesso a incómodos, Ruffalo tornou-se um alvo frequente. No próprio dia, um jornal chamou-lhe “o homem mais santimonioso de Hollywood”. Mas a verdade é que o actor nunca pareceu particularmente interessado em agradar.

Profissionalmente, sempre equilibrou blockbusters com projectos de forte carga política e social. No mesmo ano, protagonizou Dark Waters, sobre um advogado a enfrentar uma multinacional química, e Avengers: Endgame, onde interpretou uma versão descontraída — e dançarina — do Hulk. Um foi um sucesso histórico de bilheteira; o outro passou mais discretamente pelos cinemas. Ruffalo tratou ambos com a mesma seriedade.

Um momento que funcionou porque não resolveu nada

A história dos prémios está cheia de discursos políticos mal recebidos — de Michael Moore a Jonathan Glazer. O que distingue Ruffalo não é a mensagem, mas o tom. O seu momento não foi um sermão nem uma lição moral. Foi um grito de frustração contida.

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E talvez seja isso que o tornou tão identificável. Não ofereceu respostas. Não fechou o assunto. Limitou-se a admitir que, naquela noite de brilho e champanhe, fingir normalidade era demasiado.

Às vezes, isso basta.

Leonardo DiCaprio Não Ganhou o Globo… Mas Ganhou a Internet

Um momento fora do palco que roubou protagonismo à noite dos prémios

Leonardo DiCaprio pode ter saído de mãos a abanar da cerimónia dos Golden Globe Awards no que toca a prémios de interpretação, mas acabou por conquistar algo que, em 2026, vale quase tanto como uma estatueta dourada: a atenção total da internet. Um momento espontâneo, captado longe do palco e sem qualquer encenação, tornou-se viral nas redes sociais e voltou a provar que DiCaprio continua a ser uma das figuras mais magnéticas de Hollywood — mesmo quando não está a actuar oficialmente.

O actor, actualmente em destaque com One Battle After Another, foi filmado no salão do Beverly Hilton num diálogo animado com outro convidado. O vídeo, partilhado pela conta oficial dos Globos de Ouro no TikTok com a simples legenda “Enjoy 30 seconds of Leonardo DiCaprio”, rapidamente se espalhou como fogo em palha seca.

Lip readers, teorias e uma imitação improvável

No clip, DiCaprio aponta para outro convidado, faz o gesto clássico de “estava a observar-te” com dois dedos apontados aos olhos e termina com aquilo que parece ser uma imitação exagerada — quase teatral — de alguém conhecido. O que exactamente está a dizer não é claro, mas isso não impediu a internet de fazer o que faz melhor: especular.

Uma das teorias mais populares, avançada por leitores de lábios amadores, sugere que o actor estaria a brincar com o entusiasmo de alguém em relação ao fenómeno K-pop. A hipótese mais aceite é que DiCaprio estivesse a falar com o seu colega de elenco Chase Infiniti, conhecido fã assumido de K-pop, depois do filme da Netflix KPop Demon Hunters ter vencido dois prémios — Melhor Filme de Animação e Melhor Canção Original com “Golden”.

Derrota nos prémios, vitória na boa disposição

Na cerimónia, DiCaprio acabou por perder o Globo de Ouro de Melhor Actor em Comédia ou Musical para Timothée Chalamet, premiado pela sua performance em Marty Supreme. Ainda assim, longe de qualquer azedume, os dois foram filmados a conversar animadamente e a trocar um abraço, num daqueles momentos que ajudam a manter viva a ilusão de camaradagem em Hollywood.

Nikki Glaser e a piada que também deu que falar

Mais cedo na noite, DiCaprio já tinha sido alvo de uma das piadas mais comentadas da cerimónia, lançada pela apresentadora Nikki Glaser. Referindo-se à carreira do actor, Glaser atirou: “Trabalhaste com todos os grandes realizadores, ganhaste três Globos de Ouro, um Óscar… e a coisa mais impressionante é teres conseguido tudo isso antes de a tua namorada fazer 30 anos.” O comentário arrancou gargalhadas e confirmou que DiCaprio continua a ser um alvo preferencial do humor em noites de prémios.

Um lembrete de porque continua a ser uma estrela

Entre derrotas elegantes, piadas afiadas e momentos genuínos captados por acaso, Leonardo DiCaprio voltou a mostrar porque continua a ser uma presença central na cultura popular. Nem sempre é preciso subir ao palco para roubar a cena — às vezes basta ser… Leonardo DiCaprio.

“Estive lá para tudo”: Matt Damon fala como nunca sobre os momentos mais difíceis de Ben Affleck

Uma amizade que resistiu à fama, aos Óscares e às quedas pessoais

Num universo como Hollywood, onde amizades duram muitas vezes menos do que uma temporada de prémios, a relação entre Matt Damon e Ben Affleck continua a ser uma raridade absoluta. Os dois actores estiveram esta semana no programa The Howard Stern Show, onde falaram abertamente — e com uma franqueza pouco habitual — sobre a sua amizade de décadas, incluindo os períodos mais negros da vida de Affleck.

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Durante a conversa, Howard Stern questionou Damon sobre a forma como lidou com os problemas pessoais do amigo, nomeadamente os divórcios altamente mediatizados e a longa luta contra o alcoolismo. A resposta foi simples, directa e reveladora: “Estive lá para tudo.” Para Damon, o ruído mediático nunca interferiu na relação entre ambos. O apoio foi constante, silencioso e incondicional — exactamente como raramente se vê entre estrelas deste calibre.

“É isto que um verdadeiro amigo faz”

Visivelmente tocado, Affleck respondeu no momento: “Isso significa muito para mim. É isso que um verdadeiro amigo é.” Uma frase curta, mas carregada de peso emocional, sobretudo tendo em conta o percurso atribulado do actor e realizador ao longo dos últimos anos.

Ben Affleck enfrentou dois divórcios muito expostos — primeiro com Jennifer Garner, em 2015, e mais recentemente com Jennifer Lopez, em 2025. Paralelamente, travou uma batalha pública contra o alcoolismo, tendo passado por reabilitação em três ocasiões, a última das quais em 2018. Ao longo de todo esse processo, Matt Damon esteve presente, longe dos holofotes, mas perto do amigo.

Uma parceria que começou antes da fama

A história de Damon e Affleck remonta muito antes das capas de revistas e dos grandes estúdios. Os dois cresceram juntos em Boston e deram o grande salto em Hollywood com Good Will Hunting, filme que protagonizaram e escreveram em conjunto. O sucesso foi imediato e culminou com o Óscar de Melhor Argumento Original — um feito extraordinário para dois jovens actores praticamente desconhecidos na altura.

Desde então, os seus caminhos cruzaram-se várias vezes, dentro e fora do ecrã, sempre com uma cumplicidade evidente e uma confiança mútua rara na indústria.

“The Rip” e a continuação de uma história partilhada

O mais recente reencontro acontece em The Rip, produção da Netflix onde interpretam dois polícias que descobrem uma mala com milhões de dólares, desencadeando um clima de suspeita, paranoia e traição. O projecto é mais um capítulo numa colaboração que continua a evoluir com o tempo.

Em 2022, Damon e Affleck fundaram a produtora Artists Equity, com a ambição de criar modelos de produção mais justos e transparentes. A empresa já assinou filmes como Air, The Accountant 2 e Kiss of the Spiderwoman.

Muito mais do que Hollywood

No meio de contratos milionários, prémios e falhanços públicos, a história de Matt Damon e Ben Affleck destaca-se por algo simples e cada vez mais raro: lealdade. Não a versão romantizada para entrevistas, mas aquela que resiste quando as câmaras se desligam e os títulos dos jornais deixam de ser favoráveis.

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Em Hollywood, isso vale tanto como um Óscar.

A Rainha do Box Office: Zoe Saldaña Faz História (Outra Vez) em Hollywood

Dos planetas azuis ao topo absoluto da bilheteira mundial

Se há uma fórmula quase infalível para garantir um êxito de bilheteira, Hollywood parece já ter encontrado a resposta: colocar Zoe Saldaña no espaço. A actriz norte-americana acaba de alcançar um feito absolutamente histórico, tornando-se a actriz mais rentável de sempre na história do cinema, ultrapassando nomes que durante anos pareceram inalcançáveis.

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Segundo dados do site especializado The Numbers, os filmes em que Zoe Saldaña assume papéis principais somam cerca de 15,47 mil milhões de dólares em receitas globais. Um valor que a coloca ligeiramente acima de Scarlett Johansson, cujo total se fixa nos 15,40 mil milhões. A diferença pode parecer curta, mas simbolicamente é gigantesca: Saldaña passa a liderar um ranking dominado por super-produções, universos partilhados e décadas de cinema espectáculo.

Avatar: o fenómeno que nunca mais largou o primeiro lugar

Grande parte deste feito deve-se, claro, ao universo criado por James Cameron. O mais recente capítulo da saga, Avatar: Fire and Ash, voltou a contar com Zoe Saldaña no papel de Neytiri e já ultrapassou a marca de 1,2 mil milhões de dólares, apesar de ainda se encontrar em exibição em várias salas internacionais.

Convém lembrar que o primeiro Avatar continua a ser, sem ajuste à inflação, o filme mais lucrativo de todos os tempos, com cerca de 2,9 mil milhões de dólares, enquanto Avatar: The Way of Water ocupa o terceiro lugar do ranking histórico, com 2,3 mil milhões. Isto significa que dois dos três filmes mais vistos de sempre têm Zoe Saldaña no elenco principal — e o terceiro também não lhe é estranho, como veremos.

Marvel, super-heróis e mais recordes

Para lá de Pandora, Zoe Saldaña conquistou o público como Gamora no Universo Cinematográfico da Marvel. A actriz participou na trilogia Guardians of the Galaxy, bem como em Avengers: Infinity War e Avengers: Endgame. Este último é, recorde-se, o segundo filme mais lucrativo de sempre, o que faz com que os três maiores sucessos da história do cinema incluam Saldaña no elenco — um feito verdadeiramente único.

Star Trek, piratas e uma carreira cheia de blockbusters

A actriz também deixou a sua marca no universo Star Trek, interpretando Uhura nos três filmes da nova trilogia, que juntos arrecadaram mais de mil milhões de dólares. Antes disso, já tinha passado pelo mundo da pirataria em Pirates of the Caribbean: The Curse of the Black Pearl, onde deu vida a Anamaria, numa aventura que rendeu mais de 650 milhões de dólares.

Um recorde com critérios… e ainda mais impressionante

Importa sublinhar que este ranking considera apenas papéis principais, excluindo cameos ou participações mínimas. Caso fossem incluídos todos os tipos de aparição, o “vencedor” seria tecnicamente Stan Lee, graças às suas inúmeras aparições nos filmes da Marvel.

Logo atrás de Saldaña surge Samuel L. Jackson, com cerca de 14,6 mil milhões de dólares acumulados.

Do Óscar ao futuro… novamente em Pandora

Este momento histórico surge menos de um ano depois de Zoe Saldaña ter vencido o Óscar de Melhor Actriz Secundária pelo filme Emilia Pérez, consolidando uma carreira que alia sucesso comercial e reconhecimento crítico — combinação raríssima em Hollywood.

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E se alguém pensava que esta história estava perto do fim, desengane-se: Saldaña deverá regressar como Neytiri em mais dois filmes da saga Avatar, o que significa que este recorde pode muito bem continuar a crescer… e a afastar-se da concorrência.

O Regresso do Horror ao Espaço: Alien: Romulus Chega à Televisão Portuguesa

Um novo capítulo que olha directamente para as origens da saga

A saga Alien está de volta — e desta vez sem rodeios, sem filosofias excessivamente explicadas e sem desvios estilísticos. Alien: Romulus assinala um regresso claro às raízes do terror espacial que fizeram do filme original de 1979 uma obra incontornável do cinema de ficção científica. A estreia em televisão acontece a 16 de Janeiro, às 21h30, em exclusivo no TVCine Top, trazendo para casa dos espectadores portugueses uma experiência intensa, claustrofóbica e desconfortável… no melhor sentido possível.

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Situado cronologicamente após os acontecimentos de Alien, o filme decorre no ano de 2142 e acompanha um grupo de jovens colonizadores presos a uma existência sem futuro na colónia Jackson’s Star, no planeta LV-410. Rain e Andy, irmãos marcados pelo isolamento e pela ausência de qualquer esperança real de fuga, acreditam ter encontrado uma oportunidade de mudança ao descobrirem a Renaissance, uma estação espacial abandonada, dividida em dois módulos com nomes carregados de simbolismo: Romulus e Remus.

Terror claustrofóbico, corredores escuros e más decisões

Como qualquer fã da saga sabe, quando algo parece seguro no universo Alien, é porque não é. A exploração da estação rapidamente se transforma num pesadelo, quando uma presença mortal emerge das sombras. A ameaça não é apenas física — é psicológica, sufocante e constante. Cada corredor mal iluminado, cada porta que se abre lentamente e cada silêncio prolongado servem para reforçar a sensação de que a morte pode surgir a qualquer segundo.

Ao contrário de entradas mais recentes da franquia, Alien: Romulus aposta claramente no horror visceral e na tensão contínua, recusando grandes explicações ou ambições filosóficas desnecessárias. O medo nasce da espera, do desconhecido e da fragilidade humana perante algo que não pode ser controlado.

Fede Álvarez: um realizador que sabe como assustar

A realização está a cargo de Fede Álvarez, um nome bem conhecido entre os fãs de terror moderno. Depois de ter provado o seu talento em títulos como Evil Dead e Don’t Breathe, Álvarez traz para Alien: Romulus uma abordagem segura, eficaz e profundamente respeitadora do ADN da saga.

O realizador compreende que Alien nunca foi apenas sobre monstros, mas sobre ambientes hostis, corpos vulneráveis e decisões tomadas sob pressão extrema. O resultado é um filme que recupera o suspense claustrofóbico, o desconforto físico e o horror cru que tornaram a franquia um marco do género.

Um elenco jovem para uma luta pela sobrevivência

O filme é protagonizado por Cailee Spaeny e David Jonsson, que lideram um elenco jovem e convincente, distante das figuras heróicas clássicas. Aqui não há salvadores predestinados — há apenas pessoas normais, presas num cenário impossível, obrigadas a enfrentar os seus medos mais básicos para sobreviver.

Essa opção reforça a identificação do espectador e aproxima Romulus do espírito do filme original: gente comum confrontada com algo absolutamente extraordinário… e letal.

Uma estreia a não perder no TVCine Top

Alien: Romulus é o sétimo filme da saga Alien e funciona simultaneamente como porta de entrada para novos espectadores e como uma carta de amor para os fãs de longa data. Sem depender excessivamente de nostalgia, o filme entende o que fez da franquia um fenómeno duradouro e aplica essa lição com rigor e inteligência.

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A estreia acontece sexta-feira, 16 de Janeiro, às 21h30, no TVCine Top e também disponível no TVCine+. Para quem sente falta de terror espacial puro, desconfortável e sem concessões, este é um regresso mais do que bem-vindo.

Timothée Chalamet bate DiCaprio e conquista o Globo de Ouro numa noite cheia de surpresas Marty Supreme dá a vitória ao actor, enquanto One Battle After Another domina a cerimónia

A 83.ª edição dos Globos de Ouro confirmou aquilo que Hollywood já vinha a sussurrar: Timothée Chalamet está cada vez mais perto de se afirmar como um dos grandes nomes da sua geração. O actor venceu o prémio de Melhor Actor em Filme de Musical ou Comédia pela sua prestação em Marty Supreme, batendo uma concorrência de luxo que incluía Leonardo DiCaprio e George Clooney.

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A vitória representa um momento simbólico na carreira de Chalamet: depois de cinco nomeações, foi a primeira vez que subiu ao palco para receber um Globo de Ouro. No discurso, sublinhou a importância da gratidão, recordando os ensinamentos do pai, e admitiu que as derrotas passadas tornaram este triunfo “ainda mais doce”. O actor aproveitou ainda para agradecer aos pais e à companheira, Kylie Jenner, presente na plateia.

DiCaprio perde o actor, mas vence o filme

Apesar de Leonardo DiCaprio ter saído de mãos a abanar na categoria de interpretação, o seu filme One Battle After Another foi o grande vencedor da noite em termos absolutos. A produção arrecadou quatro estatuetas, incluindo Melhor Filme de Musical ou Comédia, Melhor Realização e Melhor Argumento para Paul Thomas Anderson.

Visivelmente emocionado, Anderson agradeceu o carinho demonstrado pela indústria, sublinhando o privilégio de continuar a fazer cinema com liberdade criativa. O filme confirmou-se, assim, como um dos pesos pesados da actual temporada de prémios.

Hamnet surpreende no drama

Uma das maiores surpresas da noite foi a vitória de Hamnet na categoria de Melhor Filme Dramático, numa corrida onde Sinners era apontado como favorito. A protagonista Jessie Buckley venceu também o prémio de Melhor Actriz em Drama, agradecendo a oportunidade de participar numa produção internacional que cruzou culturas, equipas e sensibilidades.

A realizadora Chloé Zhao mostrou-se surpreendida ao receber o prémio, enquanto o produtor Steven Spielberg elogiou o romance de Maggie O’Farrell e afirmou que Zhao era “a única cineasta capaz de contar esta história”.

Discursos marcantes e afirmação internacional

Outro dos momentos mais emocionantes da noite pertenceu a Teyana Taylor, distinguida como Melhor Actriz Secundária por One Battle After Another. Em lágrimas, deixou uma mensagem poderosa dirigida às “irmãs e raparigas racializadas”, lembrando que a sua luz não precisa de permissão para brilhar.

Na vertente internacional, o thriller político brasileiro The Secret Agent venceu o prémio de Melhor Filme Internacional, com Wagner Moura a conquistar o Globo de Melhor Actor em Drama. No discurso, falou de trauma geracional e da importância de manter valores em tempos difíceis.

Televisão também em destaque

Como é tradição, os Globos de Ouro distinguiram igualmente a televisão. A série Adolescence continuou a somar prémios, com Owen Cooper, de apenas 16 anos, a vencer como Melhor Actor Secundário. Humilde, descreveu-se como “um aprendiz que ainda está a aprender todos os dias”.

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A cerimónia confirmou, assim, que os Globos continuam a ser um termómetro essencial rumo aos Óscares — e que uma nova geração de talentos está pronta para assumir o protagonismo.