Diane Ladd Morre aos 89 Anos, Três Meses Depois da Morte do Marido Robert Charles Hunter

A veterana actriz, mãe de Laura Dern e três vezes nomeada ao Óscar, morreu em casa na Califórnia. A perda chega pouco depois da morte do seu companheiro de 26 anos, o ex-CEO da PepsiCo Food Systems, Robert Charles Hunter.

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O cinema americano despede-se de uma das suas figuras mais queridas. Diane Ladd, lendária actriz nomeada três vezes ao Óscar e mãe de Laura Dern, morreu este domingo, aos 89 anos, na sua casa em Ojai, Califórnia — apenas três meses após a morte do marido, Robert Charles Hunter, com quem partilhou 26 anos de casamento.

A notícia foi confirmada pela própria Laura Dern, que prestou homenagem à mãe através de um comunicado emocionado:

“A minha mãe faleceu esta manhã, comigo ao seu lado, na nossa casa. Foi a melhor filha, mãe, avó, actriz, artista e alma empática que alguém poderia sonhar. Tivemos a bênção de tê-la connosco. Agora está a voar com os anjos.”

Um amor de 26 anos, interrompido por duas despedidas

Diane Ladd e Robert Charles Hunter casaram-se em 1999, o mesmo ano em que fundaram juntos a sua produtora, Excel Entertainment. Hunter, antigo CEO da PepsiCo Food Systems, morreu em 31 de julho, aos 77 anos, durante uma visita aos filhos no Texas.

Ladd partilhou então uma imagem da notícia da morte de Hunter nas redes sociais, mas sem comentário — um gesto discreto, revelador de uma dor íntima. O casal manteve sempre uma relação marcada por cumplicidade e por uma parceria criativa: Hunter chegou mesmo a participar como actor em Inland Empire (2006), de David Lynch, onde contracenou com Ladd e Laura Dern.

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Um percurso lendário no grande ecrã

Nascida no Mississippi em 1935, Diane Ladd construiu uma das carreiras mais sólidas e respeitadas de Hollywood. Foi nomeada ao Óscar por Alice Doesn’t Live Here Anymore (1974), Wild at Heart (1990) e Rambling Rose (1991) — este último, ao lado da filha Laura Dern, num dos raros casos em que mãe e filha foram nomeadas na mesma cerimónia.

Colaborou várias vezes com David Lynch, brilhou na série Alice (baseada no filme de Scorsese), e deixou a sua marca tanto no cinema independente como nas grandes produções televisivas. Entre 2011 e 2013, voltou a partilhar o ecrã com Laura em Enlightened, da HBO.

Laura Dern: uma herança de talento e ternura

A relação entre mãe e filha foi tão intensa fora como dentro do ecrã. Em 2023, publicaram juntas o livro Honey, Baby, Mine: A Mother and Daughter Talk Life, Death, Love (and Banana Pudding), um registo de conversas íntimas sobre família, doença, envelhecimento e fé.

Foi durante longas caminhadas que Ladd e Laura fortaleceram o vínculo entre si — depois de a actriz ter sido diagnosticada com fibrose pulmonar idiopática, uma doença grave do pulmão.

Nos Óscares de 2020, quando Laura Dern venceu a estatueta de Melhor Actriz Secundária por Marriage Story, dedicou-a aos pais:

“Alguns dizem ‘nunca conheças os teus heróis’, mas eu digo: se tiveres sorte, eles serão os teus pais.”

Um último filme e um legado eterno

Antes da sua morte, Diane Ladd tinha concluído a rodagem de Blue Champagne, filme de Blaine Novak ainda em pós-produção, onde contracena com Jennifer Nicholson, filha de Jack Nicholson.

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O seu legado, contudo, já está gravado no coração de Hollywood: uma mulher de força, talento e compaixão, que atravessou décadas de cinema com a mesma intensidade com que viveu — e amou.

Especial “Os Mundos de David Lynch” homenageia o mestre surrealista no TVCine

Maratona de filmes e curtas celebra um dos cineastas mais icónicos do cinema

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No dia em que se assinala um mês da morte de David Lynch, os canais TVCine prestam homenagem ao visionário cineasta com o Especial “Os Mundos de David Lynch”, que arranca a 15 de fevereiro e se estende até 16 de março no TVCine+ e no TVCine Edition.

A programação especial contará com seis dos filmes mais emblemáticos do realizador, além de uma seleção exclusiva de curtas-metragens e conteúdos inéditos. Será uma oportunidade única para revisitar a obra enigmática e surrealista de Lynch, desde os seus primeiros trabalhos até às suas longas-metragens mais icónicas.

Maratona de filmes no TVCine Edition

O TVCine Edition será palco de uma verdadeira celebração cinematográfica, exibindo seis dos filmes mais marcantes da carreira de Lynch:

• “No Céu Tudo É Perfeito” (1977) – 15 de fevereiro, 13h

O seu primeiro filme de culto, uma experiência surrealista perturbadora.

• “O Homem Elefante” (1980) – 15 de fevereiro, 14h45

Nomeado para oito Óscares, um dos seus filmes mais aclamados.

• “Inland Empire” (2006) – 15 de fevereiro, 16h50

Uma viagem hipnótica protagonizada por Laura Dern.

• “Twin Peaks: Os Últimos Sete Dias de Laura Palmer” (1992) – 15 de fevereiro, 19h45

A prequela do fenómeno televisivo “Twin Peaks”.

• “Mulholland Drive” (2001) – 15 de fevereiro, 22h

Um dos melhores filmes do século XXI, segundo múltiplas listas da crítica.

• “Estrada Perdida” (1997) – 15 de fevereiro, 00h25

Um ‘thriller’ noir hipnótico e cheio de simbolismo.

Exclusivos TVCine+ com curtas e conteúdos raros

Além dos filmes icónicos, o TVCine+ trará conteúdos exclusivos, incluindo curtas-metragens raras e uma montagem especial de “Twin Peaks”:

• “O Abecedário” (1969) – Uma das primeiras experiências visuais de Lynch.

• “Premonition Following an Evil Deed” (1995) – Parte de uma homenagem aos 100 anos do cinema.

• “Six Men Getting Sick” (1967) – Uma curta de animação perturbadora e visceral.

• “The Amputee” (1974) – Filmada enquanto Lynch trabalhava em “No Céu Tudo É Perfeito”.

• “The Grandmother” (1974) – Mistura de animação e live-action num conto bizarro.

• “Twin Peaks: Fire Walk With Me – The Missing Pieces” (2014) – Cenas nunca antes vistas da prequela de “Twin Peaks”.

Uma viagem inesquecível pelo universo de Lynch

David Lynch é conhecido pelo seu estilo inconfundível, onde o surrealismo, os sonhos e os mistérios do subconsciente se fundem com uma estética única. Esta homenagem nos Canais TVCine é uma oportunidade imperdível para os fãs do mestre e para quem deseja mergulhar nos seus mundos cinematográficos.

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📅 Não perca “Os Mundos de David Lynch” a partir de 15 de fevereiro no TVCine+ e no TVCine Edition!

“The Elephant Man”: O clássico emocional que revolucionou o cinema

Lançado em 1980, The Elephant Man é um dos filmes mais comoventes e impactantes do cinema, explorando a história verídica de Joseph Merrick (chamado John no filme), um homem severamente deformado que viveu na Londres vitoriana. Com um olhar sensível sobre a dignidade humana, a compaixão e a crueldade da sociedade, o filme rapidamente se tornou um clássico, consagrando-se como uma das obras mais acessíveis de David Lynch.

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Com um elenco de luxo, liderado por John Hurt, Anthony Hopkins e Anne Bancroft, a produção arrebatou oito nomeações aos Óscares, provocando até mudanças na Academia ao destacar a importância do trabalho de maquilhagem no cinema. Mas o que torna esta obra tão especial?

A história de um homem que desafiou a sociedade

O filme baseia-se em relatos reais e no livro The Elephant Man and Other Reminiscences (1923), de Frederick Treves, o médico que descobriu John Merrick num espetáculo de aberrações na Londres do século XIX.

Merrick, tratado como uma mera curiosidade grotesca, encontra um inesperado defensor no doutor Treves (Anthony Hopkins), que percebe que por trás da sua aparência existe um homem inteligente e sensível. O filme acompanha a luta de Merrick para ser tratado como humano, enquanto é tanto acolhido pela elite londrina quanto explorado por aqueles que apenas o veem como um espetáculo ambulante.

A performance de John Hurt é assombrosa, transmitindo toda a fragilidade e doçura do personagem, mesmo sob camadas pesadas de maquilhagem. A icónica cena em que Merrick clama “Eu não sou um animal! Sou um ser humano!” é um dos momentos mais marcantes do cinema.

David Lynch e o impacto visual de “The Elephant Man”

Conhecido pelo seu estilo surreal e perturbador, David Lynch surpreendeu ao entregar um filme mais convencional e emocional, mas sem perder sua identidade visual.

Rodado em preto e branco, com a fotografia magistral de Freddie Francis, o filme recria a atmosfera sombria da Londres vitoriana, transportando-nos para um mundo de sombras e neblina, onde a monstruosidade não está no protagonista, mas sim na crueldade das pessoas ao seu redor.

A banda sonora, que inclui o Adagio for Strings de Samuel Barber, reforça o tom melancólico da obra e eleva os momentos mais emocionantes a um nível arrebatador.

O legado e as nomeações ao Óscar

Apesar de ser um dos grandes favoritos dos Óscares, The Elephant Man saiu de mãos vazias na cerimónia de 1981, perdendo para Gente Vulgar (Ordinary People). No entanto, o filme teve um impacto duradouro na indústria, especialmente pelo seu trabalho revolucionário em maquilhagem e efeitos visuais.

A ausência de reconhecimento levou a Academia a criar, no ano seguinte, o prémio de Melhor Maquilhagem, garantindo que trabalhos como o de Christopher Tucker em The Elephant Man não fossem mais ignorados.

Além disso, o filme arrecadou três prémios BAFTA, incluindo Melhor Filme e Melhor Ator para John Hurt, e ainda venceu um César na categoria de Melhor Filme Estrangeiro.

O que torna “The Elephant Man” uma obra intemporal?

Mais do que um drama biográfico, The Elephant Man é um filme que questiona a empatia humana e o preconceito, desafiando os espectadores a olharem além das aparências.

Com uma história comovente, performances inesquecíveis e uma abordagem visual impecável, o filme continua a tocar gerações e permanece um dos trabalhos mais icónicos de David Lynch.

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Se ainda não viste The Elephant Man, prepara-te para uma experiência cinematográfica emocionante e inesquecível. E se já viste, partilha connosco a tua opinião nas redes sociais do Clube de Cinema! 🎬✨

Dennis Hopper e o Enigma de David Lynch: O Homem por Trás do Cinema Negro

Dennis Hopper, célebre ator e ícone do cinema alternativo, descreveu David Lynch como uma figura paradoxal, cuja personalidade contrastava profundamente com a natureza sombria das suas obras cinematográficas. Lynch, conhecido por realizar filmes como Blue Velvet e Mulholland Drive, manteve uma imagem de alguém quase “inocente”, uma característica que intrigava Hopper, especialmente durante as filmagens do perturbador Blue Velvet, onde deu vida ao infame Frank Booth.

Um Realizador Improvável

Em entrevista à Interview Magazine, Hopper partilhou a sua impressão sobre o lado peculiar de Lynch. “David era como um escuteiro”, comentou, sublinhando a atitude saudável do realizador. “Ele não consome drogas. Ele medita.” Para Hopper, esta desconexão entre o homem e a sua obra era fascinante, especialmente porque Lynch dirigia cenas de uma natureza extremamente perturbadora com uma energia quase infantil. “Depois de uma cena muito, muito sombria, ele dizia coisas como: ‘Howdy-doody! Ouro puro! Vamos fazer outra vez!’”.

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Essa atitude contrastava com o peso emocional dos momentos que eram capturados em cena. Lynch, apesar de criar alguns dos universos mais desconcertantes do cinema, parecia entusiasmado e otimista em cada tomada. Este comportamento fez Hopper refletir sobre o que o realizador escondia sob a superfície. “Faz-te pensar que o que quer que ele tenha dentro dele, está realmente muito bem enterrado”, acrescentou.

A Criatividade Ingénua de Lynch

Um dos exemplos mais curiosos do método pouco convencional de Lynch ocorreu nas cenas icónicas de Frank Booth, onde o personagem inalava gás. Hopper revelou que Lynch não estava familiarizado com drogas como óxido nítrico e amilo nitrato, substâncias associadas a este tipo de comportamento. Em vez disso, usou hélio para criar o efeito perturbador, algo que Hopper achou tanto hilário quanto revelador sobre o desconhecimento do realizador quanto ao mundo obscuro que estava a retratar.

Além disso, Lynch dava direções de uma forma incomum, que combinava o seu estilo peculiar com um certo puritanismo. “Ele dizia: ‘Dennis, quando disseres essa palavra, tem de ser assim…’, e eu respondia: ‘David, essa palavra é f*da-se!’”. Essa ingenuidade quase cômica, segundo Hopper, refletia um homem que parecia viver num universo completamente separado da dureza dos seus próprios filmes.

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Um Enigma que Continua

David Lynch permanece, até hoje, uma figura paradoxal no cinema. A sua capacidade de transformar o grotesco e o inquietante em obras de arte reconhecidas globalmente levanta questões sobre a origem da sua criatividade. Talvez a resposta esteja na sua abordagem meditativa ou no seu otimismo quase infantil, uma combinação que Hopper descreveu com humor e admiração. Afinal, Lynch continua a ser um homem que inspira tanto os seus colaboradores como o público a mergulharem em realidades perturbadoras, ao mesmo tempo que mantém a sua própria vida envolta numa aura de simplicidade.

Quentin Tarantino Justifica Desinteresse pelas Adaptações de “Dune” de Denis Villeneuve e Critica Cultura de Remakes no Cinema

O realizador Quentin Tarantino é conhecido pelas suas opiniões fortes e frequentemente controversas, especialmente quando se trata de refilmagens e adaptações cinematográficas. Recentemente, o cineasta comentou que não tem qualquer intenção de ver as adaptações de “Dune” dirigidas por Denis Villeneuve, apesar de reconhecer o impacto positivo e a aclamação que o filme recebeu junto do público e da crítica. Em conversa com Bret Easton Ellis no seu podcast, Tarantino explicou que viu a versão de David Lynch várias vezes e que, para ele, isso foi o suficiente: “Vi [a versão de David Lynch] algumas vezes. Não preciso de ver essa história outra vez.”

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Segundo Tarantino, a decisão de não ver as novas adaptações de “Dune” não tem nada a ver com a qualidade do trabalho de Villeneuve, que ele respeita enquanto realizador, mas sim com o seu próprio desinteresse em revisitar histórias que já conhece. A sua opinião crítica sobre as refilmagens e reboots reflete uma visão sobre o estado atual da indústria cinematográfica, onde a originalidade é, muitas vezes, suprimida pela repetição de histórias já exploradas.

Durante a entrevista, Tarantino expôs a sua insatisfação com o aumento de remakes, mencionando que, para ele, “é um remake atrás do outro” e lamentando que as grandes produções de Hollywood apostem excessivamente na adaptação de livros ou filmes anteriores, ao invés de investirem em narrativas novas e únicas. Ele comentou ainda sobre outras adaptações, como “Ripley” e “Shōgun”, e reafirmou a falta de interesse em experienciar novamente estas histórias, mesmo que sejam reinterpretadas por diferentes diretores ou através de novas abordagens visuais.

O desinteresse de Tarantino pelas novas adaptações de “Dune” reflete uma visão cinematográfica que valoriza a inovação e a exploração de novas ideias. Para o cineasta, o cinema deve ser uma plataforma para histórias frescas, onde o público seja desafiado a experienciar o desconhecido, e não uma repetição constante de conceitos que já foram explorados por outros criadores. A preferência de Tarantino por obras originais e inovadoras destaca-se numa era em que os estúdios de Hollywood parecem cada vez mais dependentes de propriedades intelectuais estabelecidas, investindo em adaptações e sequências que oferecem menos riscos financeiros mas, na visão de Tarantino, menos valor artístico.

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Apesar de admirar o estilo de Villeneuve, o cineasta sente que o valor de “Dune” enquanto história já foi plenamente realizado na versão de David Lynch, que, para ele, ofereceu uma perspetiva única e suficiente sobre o universo de Frank Herbert. A posição de Tarantino perante “Dune” é uma extensão da sua própria carreira e ideologia, focada em projetos originais que tentam explorar temas e estilos únicos.

Esta abordagem crítica ao estado atual do cinema reflete-se também na forma como Tarantino planeia encerrar a sua carreira com um último filme original, o qual, segundo ele, “será uma história inédita e pessoal”. Para os admiradores do cineasta, a sua resistência a seguir tendências populares, como o universo das adaptações e remakes, representa um compromisso com a autenticidade artística e com a ideia de que o cinema deve ser uma constante descoberta.

Dennis Hopper e David Lynch: Uma Parceria Inesperada em “Blue Velvet”

Em 1986, o filme “Blue Velvet” (Veludo Azul), realizado por David Lynch, abalou o cinema com a sua visão única e perturbadora do subúrbio americano. Uma das escolhas mais controversas e ao mesmo tempo geniais de Lynch para o filme foi o casting de Dennis Hopper no papel de Frank Booth, um vilão intenso e inesquecível. A decisão de Lynch de contratar Hopper foi, desde o início, envolta em controvérsia e risco, mas acabou por se tornar uma das decisões mais emblemáticas da sua carreira.

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A Escolha Audaciosa de Dennis Hopper

David Lynch enfrentou resistência quando expressou o desejo de contratar Dennis Hopper para o papel de Frank Booth. Hopper, na altura, era conhecido tanto pelo seu talento quanto pelos seus problemas com o abuso de substâncias. Em “Room to Dream”, o seu livro de memórias, Lynch relembra como foi desaconselhado por várias pessoas no set. “Disseram-me: ‘Não podes contratar o Hopper – ele vai ficar fora de si e nunca vais conseguir o que queres'”, recorda Lynch. No entanto, o realizador sentiu desde o início que Hopper era o único ator capaz de encarnar Frank Booth.

A convicção de Lynch não foi apenas uma questão de teimosia. Ele tinha uma admiração profunda pelo trabalho de Hopper em filmes como “Giant”, “Rebel Without a Cause”, e “The American Friend”. Estes filmes demonstravam a capacidade única de Hopper de combinar dureza com vulnerabilidade, características essenciais para o complexo papel de Frank Booth. Quando o agente de Hopper informou Lynch de que o ator estava sóbrio e a trabalhar com sucesso em outros projetos, Lynch não hesitou em contactá-lo. “Dennis ligou-me e disse: ‘Tenho de interpretar o Frank Booth porque eu sou o Frank Booth’,” recorda Lynch. Para ele, essa era uma revelação ao mesmo tempo “boa e má”, mas o realizador não teve dúvidas ao contratar o ator.

A Magia de Hopper no Set de Filmagens

Durante as filmagens de “Blue Velvet”, ficou claro que a intuição de Lynch estava correta. Dennis Hopper trouxe uma intensidade inigualável ao papel de Frank Booth, uma performance que capturou tanto o terror quanto a vulnerabilidade do personagem. Lynch descreve um momento memorável durante uma cena onde Frank Booth observa Dorothy Vallens, interpretada por Isabella Rossellini, a cantar. Hopper começa a chorar, uma expressão de emoção que Lynch considerou “totalmente perfeita”. Este momento encapsulou a essência do personagem, uma fusão de brutalidade e sensibilidade, algo raro de se ver no cinema contemporâneo.

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Lynch refletiu sobre como essa performance encapsulava o espírito dos rebeldes dos anos 50, uma época em que “um homem podia chorar e isso era totalmente aceitável e depois bater em alguém no minuto seguinte”. Para Lynch, esta era a poesia que faltava nos personagens masculinos modernos, que muitas vezes são retratados de forma unidimensional.

A Sorte e as Surpresas Durante a Produção

Apesar das preocupações iniciais sobre a contratação de Hopper, a produção de “Blue Velvet” foi marcada por momentos de sorte e mudanças inesperadas que acabaram por beneficiar o filme. Originalmente, Hopper iria cantar “In Dreams”, mas devido a problemas de memória associados ao seu passado de abuso de drogas, o papel foi transferido para Dean Stockwell. Esta mudança revelou-se um golpe de sorte, pois a interação entre Hopper e Stockwell adicionou uma camada inesperada de profundidade e humor ao filme. Lynch relembra o momento: “Dennis estava a olhar para Dean, e pensei: ‘Isto é tão perfeito’, e tudo mudou.”

Um Respeito Peculiar no Set

A relação entre Lynch e Hopper foi marcada por um respeito mútuo, apesar das suas diferenças. Uma das memórias mais queridas de Hopper no set foi o facto de Lynch nunca usar a palavra “f*ck”, mesmo quando era uma parte essencial do diálogo de Frank Booth. Hopper brincava: “Ele pode escrevê-la, mas não a vai dizer. Ele é um homem peculiar.”

Conclusão

A decisão de David Lynch de confiar em Dennis Hopper para o papel de Frank Booth em “Blue Velvet” é um exemplo perfeito de como correr riscos pode resultar em magia cinematográfica. Hopper trouxe uma profundidade e intensidade ao papel que poucos outros atores poderiam ter alcançado, e a sua performance continua a ser um dos aspectos mais memoráveis do filme. A colaboração entre Lynch e Hopper destaca a importância da intuição e da fé nas decisões criativas, algo que qualquer clube de cinema deve valorizar e discutir.

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