Ballad of a Small Player — Estilizado, Hipnotizante… Mas Um Oásis com Falhas no Deserto de Macau

O novo filme de Edward Berger com Colin Farrell arrisca alto: casino de luxo, lutador em queda livre, visuais estridentes — os elogios são visíveis, mas tantas críticas também se acumulam.

Quando um realizador vindo de triunfos como All Quiet on the Western Front e Conclave decide mergulhar no mundo decadente dos casinos de Macau, o resultado só podia ser visualmente arrebatador. Em Ballad of a Small Player, Edward Berger cria um universo de néons, espelhos e vício, onde o glamour se mistura com a ruína. A premissa é sedutora: um homem à beira da falência, preso entre a culpa e o desejo de redenção, joga literalmente a sua vida numa mesa de baccarat.

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O protagonista é Lord Freddy Doyle, interpretado por Colin Farrell num registo de exaustão elegante e decadência trágica. Doyle é o típico jogador de alto risco que acredita que “a próxima mão” o salvará — e Berger filma essa crença com um esplendor que beira o alucinatório. Os corredores intermináveis de hotel, as luzes a pulsar sobre o vazio e o reflexo de Doyle no vidro são quase metáforas visuais de um homem que já não distingue sorte de ilusão.

Mas se há quem veja neste filme uma hipnose visual digna de aplauso, outros olham e só veem um oásis no deserto — belo, mas vazio.

🎲 O que entusiasma

O desempenho de Colin Farrell é, unanimemente, o ponto mais elogiado. Para o Gold Derby, trata-se de “uma das interpretações mais contidas e fascinantes” da carreira do actor. Farrell dá corpo a um homem perdido, sem redenção nem esperança, e fá-lo com um olhar que vale mais do que qualquer diálogo.

A fotografia de James Friend é outro trunfo: Macau nunca pareceu tão cinematográfico — um palco de luz e sombra, onde o luxo e a solidão coexistem. As cores saturadas, os planos amplos e os reflexos infinitos criam um ambiente de sonho febril.

E há mérito na ambição de Berger. Depois de explorar o horror da guerra e os bastidores do Vaticano, o realizador aposta agora numa reflexão sobre o vício e a identidade — um “estrangeiro” perdido num Oriente que o engole, preso entre o estatuto e a autodestruição. É, como nota o The Guardian, “uma tentativa corajosa de filmar a espiritualidade do desespero”.

⚠️ O que compromete

O entusiasmo visual, contudo, não esconde as fragilidades narrativas. O Time classificou o filme como “mais estilo do que substância”, chamando-o “moderadamente interessante, mas emocionalmente distante”.

De facto, o argumento de Rowan Joffé, baseado no romance de Lawrence Osborne, salta etapas fundamentais: há pouco tempo para conhecer Doyle antes de o ver em colapso, e quase nenhuma construção emocional que justifique a sua queda. O resultado é um filme que deslumbra, mas raramente comove.

Alguns críticos, como o Financial Times, foram ainda mais duros: “É uma aposta visual com retorno emocional negativo.” O filme aspira a ser um estudo de personagem, mas acaba preso num ciclo de repetição e vazio existencial que pouco acrescenta ao género.

🧭 Em resumo

Ballad of a Small Player não é um erro — longe disso. É uma obra esteticamente poderosa, que confirma Edward Berger como um realizador de olhar sofisticado e domínio técnico. E é também um veículo sólido para Colin Farrell, que reafirma aqui o seu estatuto de actor camaleónico e magnético.

Mas o filme também exige mais do que dá: a promessa de profundidade dissolve-se no luxo das imagens, e a emoção que se espera de uma história sobre ruína e redenção nunca chega a emergir por completo.

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Para quem aprecia cinema de atmosfera, feito de textura, ritmo e mistério, há muito para admirar. Para quem procura uma história com pulso, emoção e consistência dramática, a jogada de Berger talvez deixe a sensação de uma vitória moral, mas uma perda artística.

Um belo risco, uma mão visualmente brilhante — mas, no fim, talvez Doyle (e Berger) fiquem a perder para a casa.

Chevy Chase e Jason Reitman: Atritos Sobre “Saturday Night” e a Representação de uma Lenda do Humor

Chevy Chase, um dos pilares do humor norte-americano como membro original de Saturday Night Live (SNL), continua a ser uma figura controversa em Hollywood. Recentemente, ele fez manchetes com um comentário crítico direcionado ao filme Saturday Night, de Jason Reitman, que recria os bastidores da primeira emissão histórica do programa. A reação de Chase foi, no mínimo, desconcertante, revelando a complexidade da relação do ator com o legado que ajudou a construir.

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O Filme “Saturday Night”

Saturday Night, lançado nos cinemas em setembro, foi uma tentativa ambiciosa de Jason Reitman de capturar o espírito e os desafios da criação de Saturday Night Live. O filme conta com Cory Michael Smith no papel de Chase e retrata o ambiente criativo e frenético que deu origem a uma das maiores instituições do humor norte-americano.

Embora a produção tenha recebido críticas positivas, o desempenho nas bilheteiras ficou aquém do esperado. No entanto, para Reitman, o projeto parecia uma homenagem sincera ao génio criativo e às lendas que marcaram o início do programa.

A Reação de Chevy Chase

Reitman, em entrevista ao podcast Fly on the Wall, de David Spade e Dana Carvey, relatou a reação pouco entusiástica de Chase após assistir ao filme. Segundo o realizador, Chase assistiu à produção ao lado da sua esposa, Jayni, e, ao final da sessão, aproximou-se de Reitman com um comentário lapidar:

“Bem, você deveria estar envergonhado.”

O comentário provocou risos e surpresa entre os presentes, mas revelou a relutância de Chase em abraçar a interpretação de si mesmo ou a recriação de um momento tão significativo da sua carreira. Reitman tentou contextualizar o momento, dividindo-se entre o impacto emocional e a ironia do comentário. Ele explicou:

“Passei dois anos a recriar este momento, tentando capturar a essência de Chevy perfeitamente, equilibrando a comédia e a humanidade, dando-lhe um momento para ser amado. Mas nada disso importou.”

A Complexidade de Chase e o Legado de SNL

Chevy Chase é conhecido tanto pelo seu talento quanto pela sua personalidade abrasiva. Durante décadas, histórias sobre o seu comportamento complicado nos bastidores de SNL e outros projetos tornaram-se quase tão lendárias quanto as suas atuações.

No entanto, a sua influência no humor norte-americano é inegável. Como parte da formação original de SNL, Chase ajudou a moldar o tom e o estilo do programa, tornando-se uma estrela instantânea. Essa dualidade — entre o gênio criativo e a figura difícil — parece continuar a marcar a sua relação com projetos que tentam revisitar ou reinterpretar o seu legado.

Um Momento Icónico ou Apenas Mais um Capítulo?

Para Jason Reitman, o comentário de Chase pode ter sido frustrante, mas também se tornou parte da narrativa que circunda Saturday Night. O realizador conseguiu captar, mesmo que involuntariamente, o espírito irreverente de Chase, transformando o incidente numa anedota tão memorável quanto o próprio filme.

A reação de Chase, embora desconcertante, talvez reflita a complexidade de olhar para trás e ver-se retratado, especialmente num projeto que tenta encapsular a génese de um ícone cultural. Para os fãs de SNL e do humor em geral, Saturday Night oferece uma nova perspetiva sobre os bastidores do programa e sobre as figuras que o definiram — mesmo que essas figuras nem sempre concordem com a forma como são representadas.

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“Canina”: Amy Adams Explora a Maternidade com um Toque Surreal

A premiada atriz Amy Adams está de volta ao protagonismo num dos filmes mais aguardados de 2025, “Canina” (título original: Nightbitch), que estreia no Disney+ a 24 de janeiro. Baseado no romance homónimo de Rachel Yoder, o filme promete uma narrativa ousada e pouco convencional sobre os desafios da maternidade, com uma pitada de surrealismo que desafia as fronteiras do realismo e da fantasia.

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A História

“Canina” segue a vida de uma mulher que decide abandonar a sua carreira para se dedicar à maternidade a tempo inteiro. O que começa como uma escolha aparentemente comum rapidamente se transforma numa experiência única e perturbadora, à medida que a protagonista começa a questionar a sua própria sanidade. Este thriller psicológico explora as fronteiras entre identidade, sacrifício e os instintos primários que muitas vezes permanecem reprimidos.

O filme aborda o isolamento e a pressão sentida pelas mães no mundo moderno, utilizando metáforas poderosas e um tom surreal para contar uma história profundamente humana.

Amy Adams: Um Nome que Transforma Personagens

Amy Adams, conhecida pela sua versatilidade e capacidade de mergulhar profundamente nas emoções das suas personagens, é a escolha perfeita para este papel. Ao longo da sua carreira, a atriz tem-se destacado em papéis que exploram complexidades emocionais, como em A Chegada e Animais Noturnos. Em “Canina”, Adams volta a reinventar-se, trazendo uma performance intensa que certamente será tema de conversa nos círculos cinematográficos.

Uma Produção de Prestígio

Sob a direção de Marielle Heller, cineasta por detrás de Um Amigo Extraordinário e Can You Ever Forgive Me?, “Canina” conta com uma abordagem visual única e uma sensibilidade narrativa capaz de elevar o material original. A estética do filme promete captar a natureza simbólica da história, tornando-se uma experiência cinematográfica imersiva e inesquecível.

Uma Reflexão Sobre o Papel da Mulher

“Canina” não é apenas um filme sobre maternidade, mas também uma crítica ao modo como as mulheres são frequentemente obrigadas a escolher entre carreira e família. Através do olhar da protagonista, o filme oferece uma perspetiva profunda sobre o impacto destas escolhas, ao mesmo tempo que explora os limites do que é ser humano.

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Com uma narrativa intrigante, uma atriz de excelência e uma direção cuidadosa, “Canina” está destinado a ser uma das produções mais marcantes de 2025, tanto para os fãs de cinema como para aqueles que procuram histórias provocadoras e emocionais.

Brian De Palma e o Legado de Scarface: Do Desprezo Inicial ao Status de Clássico

Brian De Palma, um dos realizadores mais icónicos de Hollywood, reflete frequentemente sobre como os seus filmes têm resistido ao teste do tempo, mesmo após receções iniciais negativas. Uma das suas obras mais discutidas, Scarface (1983), é um exemplo perfeito de como as tendências culturais e críticas podem mudar, transformando um filme controverso num marco cinematográfico.

Receção Inicial: Violência e Controvérsia

Quando foi lançado, Scarface enfrentou duras críticas pela sua violência gráfica, linguagem explícita e retratos crús do mundo do crime. A New York Magazine descreveu-o como “um filme vazio, intimidante e exagerado”. Até figuras proeminentes como os escritores Kurt Vonnegut e John Irving abandonaram a sessão de estreia, chocados pela infame cena da motosserra. Durante as filmagens, Martin Scorsese chegou a alertar Steven Bauer, que interpretava Manny: “Preparem-se, porque vão odiar isto em Hollywood… porque é sobre eles.”

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O público também ficou dividido. Celebridades como Cher elogiaram o filme, mas outras, como Lucille Ball, ficaram horrorizadas com a violência gráfica. Até Dustin Hoffman foi apanhado a dormir durante uma sessão, segundo relatos. Além disso, a comunidade cubana em Miami protestou contra o retrato de cubanos como criminosos e traficantes de droga.

Uma Mudança de Perceção

Apesar das críticas iniciais, Scarface foi gradualmente reavaliado. Com o passar do tempo, críticos e cinéfilos reconheceram-no como uma das maiores obras do género de gangsters. A história de ascensão e queda de Tony Montana, interpretado magistralmente por Al Pacino, tornou-se um estudo intemporal sobre ganância, poder e moralidade.

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Hoje, Scarface é venerado por gerações de fãs, sendo especialmente influente na cultura pop e no hip-hop. No entanto, De Palma manteve-se fiel à visão original do filme, rejeitando propostas de adicionar canções de rap à banda sonora como forma de promover o relançamento. “A música de Giorgio Moroder era fiel à época,” defendeu De Palma. “Eu disse: ‘Se isto é a “obra-prima” que dizem, deixem-na como está.’ Tive corte final, e isso encerrou a questão.”

Brian De Palma e a Resiliência Criativa

Para De Palma, o impacto duradouro de um filme é mais importante do que as críticas iniciais. “Alguns dos meus filmes que receberam as piores críticas são os que mais falam hoje em dia,” refletiu o realizador. “Estás sempre a ser julgado de acordo com a moda do momento, mas essa moda muda constantemente. O que importa é o que perdura, e sou muito sortudo por ter feito filmes que parecem ter resistido ao tempo.”

O Legado de Scarface

Scarface continua a ser uma referência no cinema, influenciando não só outros filmes de crime, mas também música, moda e cultura popular. A frase icónica “Say hello to my little friend” tornou-se um símbolo da atitude desafiadora e excessos de Tony Montana, encapsulando a essência do filme.

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Mais do que uma história de gangsters, Scarface é um testemunho da visão de De Palma e da colaboração com talentos como Al Pacino e Giorgio Moroder. É um lembrete de que o verdadeiro valor de uma obra de arte é frequentemente determinado pelo tempo e pelo impacto cultural que deixa para trás.

Filmes Subvalorizados Recomendados por Roger Ebert

Roger Ebert, um dos críticos de cinema mais influentes do século XX, deixou um legado inigualável com as suas análises perspicazes e apaixonadas. Ebert não apenas analisou filmes mainstream, mas também dedicou muita atenção a obras menos conhecidas que merecem ser vistas por um público mais amplo. Aqui estão alguns dos filmes subvalorizados que Ebert recomendou ao longo da sua carreira:

1. “Ripley’s Game” (2002)

“Ripley’s Game”, estrelado por John Malkovich, é um thriller que continua a saga de Tom Ripley, um criminoso reformado que vive uma vida luxuosa na Itália. Quando descobre que o seu parceiro, Reeves (Ray Winstone), planeia traí-lo, Ripley manipula um homem em fase terminal, Jonathan Trevanny (Dougray Scott), para cometer um assassinato. Este filme destaca-se pela performance brilhante e insidiosa de Malkovich, que Ebert considerou uma das melhores da sua carreira. A obra foi adicionada à lista de “Great Movies” de Ebert, destacando-se pela sua exploração do mal e da moralidade.

2. “The Pledge” (2001)

Dirigido por Sean Penn, “The Pledge” é um thriller psicológico estrelado por Jack Nicholson. O filme segue Jerry Black, um detetive à beira da reforma, que se compromete a encontrar o assassino de uma jovem. À medida que se aprofunda na investigação, Jerry torna-se obcecado, questionando a linha ténue entre justiça e loucura. Ebert elogiou a direção de Penn e a performance de Nicholson, descrevendo-o como um dos melhores trabalhos do ator. O filme é uma reflexão intensa sobre a obsessão e a busca pela verdade.

3. “Wings of Desire” (1987)

Realizado por Wim Wenders, “Wings of Desire” é uma obra-prima poética que segue anjos que observam a vida quotidiana em Berlim. Um dos anjos, interpretado por Bruno Ganz, apaixona-se por uma humana e decide tornar-se mortal para estar com ela. Ebert destacou a atmosfera meditativa do filme, que evoca uma sensação de elegia e reflexão. O filme é uma meditação sobre a mortalidade, o amor e a conexão humana, oferecendo uma experiência cinematográfica única.

4. “Woman in the Dunes” (1964)

Este drama psicológico japonês, dirigido por Hiroshi Teshigahara, é baseado no romance de Kōbō Abe. A história segue um entomologista que fica preso numa vila isolada onde é forçado a ajudar uma mulher a escavar areia para sobreviver. “Woman in the Dunes” é conhecido pela sua utilização inovadora do som e pelas suas metáforas existenciais. Ebert descreveu-o como um dos raros filmes que combina realismo com parábolas sobre a vida, destacando a sua capacidade de transmitir sentimentos de frustração e desespero através da sua atmosfera envolvente.

5. “Dekalog” (1989)

“Dekalog” é uma série de dez filmes polacos, cada um inspirado por um dos Dez Mandamentos, todos ambientados num complexo de apartamentos na Polónia dos anos 80. Realizada por Krzysztof Kieślowski, a série explora dilemas morais complexos enfrentados pelos residentes do edifício. Ebert classificou esta série como uma das suas favoritas, elogiando a sua abordagem profunda e nuançada da moralidade. A série é reconhecida pela sua habilidade em transformar questões éticas abstratas em histórias pessoais e emocionantes.

6. “Santa Sangre” (1989)

“Santa Sangre”, dirigido por Alejandro Jodorowsky, é um filme de terror surrealista que segue a vida de Fenix, um jovem traumatizado pelo seu passado violento. O filme é conhecido pelas suas imagens viscerais e narrativa incomum, explorando temas de controle e libertação. Ebert considerou “Santa Sangre” um dos melhores filmes de terror de todos os tempos, destacando a criatividade de Jodorowsky e a intensidade emocional da obra.

7. “Cléo from 5 to 7” (1962)

Dirigido por Agnès Varda, “Cléo from 5 to 7” é um clássico da Nouvelle Vague francesa. O filme segue a jornada introspectiva de Cléo, uma cantora pop que aguarda os resultados de um exame médico que pode confirmar se tem cancro. Através de um passeio pelas ruas de Paris, Cléo reflete sobre a sua vida, mortalidade e identidade. Ebert elogiou a combinação de drama, humor e existencialismo do filme, bem como a performance de Corinne Marchand no papel principal.

8. “Mishima: A Life in Four Chapters” (1985)

Dirigido por Paul Schrader, “Mishima: A Life in Four Chapters” dramatiza a vida do influente escritor japonês Yukio Mishima. O filme explora a complexidade da sua personalidade e as suas ideias radicais através de uma narrativa visualmente impressionante que mistura episódios biográficos com adaptações das suas obras. Ebert chamou-o de “um dos melhores e mais incomuns filmes biográficos já feitos”, destacando a sua profundidade e originalidade.

9. “Secrets & Lies” (1996)

Este drama de Mike Leigh aborda temas de identidade e relações familiares. A história segue Hortense, uma mulher negra adotada que decide encontrar a sua mãe biológica, apenas para descobrir que ela é uma mulher branca de classe trabalhadora. Leigh é conhecido pelo seu estilo de direção naturalista e improvisado, e “Secrets & Lies” é um excelente exemplo desse método. Ebert elogiou a autenticidade e a profundidade emocional das performances, especialmente as de Marianne Jean-Baptiste e Brenda Blethyn.

10. “Au Revoir les Enfants” (1987)

Baseado em eventos reais, “Au Revoir les Enfants” de Louis Malle é um comovente drama sobre um internato francês durante a ocupação nazi. A história segue a amizade entre um menino francês e um estudante judeu que está escondido no colégio. O filme captura a atmosfera tensa da França ocupada e o impacto da guerra nas crianças. Ebert destacou a forma como o filme retrata a vida quotidiana e a inocência infantil interrompida pela guerra, tornando-o um dos seus favoritos.

Estes filmes, apesar de não terem recebido a atenção mainstream que merecem, são exemplos brilhantes de narrativa cinematográfica e arte visual. Roger Ebert, com o seu olho crítico e amor pelo cinema, trouxe estas obras para a luz, oferecendo aos espectadores a oportunidade de explorar e apreciar filmes que de outra forma poderiam ter sido ignorados.