Demi Moore Conta Porque Acha que Tom Cruise Ficou “Envergonhado” com a Sua Gravidez Durante as Filmagens de A Few Good Men

A atriz recorda os bastidores de um dos seus maiores sucessos e a pressão de ser mãe e estrela ao mesmo tempo

Demi Moore, que estava grávida de oito meses quando filmou A Few Good Men (1992), revelou recentemente que Tom Cruise, seu colega de elenco, pareceu sentir-se “um pouco envergonhado” com a situação. Durante o festival The New Yorker Festival, a atriz contou que percebeu algum desconforto da parte do protagonista de Top Gun durante os ensaios das cenas.

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“Eu estava bem com isso, sinceramente”, contou Moore, citada pela People. “Mas percebia que o Tom estava meio embaraçado. Ele não sabia bem como agir, talvez porque naquela altura não havia muitas atrizes grávidas a trabalhar.”

“Porque não podemos ter as duas coisas?”

Na época, a estrela de Ghost sentia que o meio cinematográfico ainda não aceitava a ideia de uma mulher poder conciliar a maternidade com uma carreira de sucesso. “Era algo que simplesmente não fazia sentido para mim”, explicou. “Por isso, decidi desafiar essa ideia. Porque não? Porque não podemos ter as duas coisas?”

Contudo, essa determinação trouxe também uma pressão acrescida. Moore confessou que se obrigou a treinar intensamente durante a gravidez para manter a forma física para o papel — algo que hoje considera excessivo. “Olho para trás e penso: ‘Mas o que raio estava eu a pensar? E o que é que estava a tentar provar?’”, admitiu.

Uma época diferente para as atrizes de Hollywood

A atriz reconhece que, felizmente, o panorama mudou. “Naquela altura, não era comum ver uma mulher a amamentar e, logo a seguir, a ensaiar uma cena. Hoje em dia há mais apoio e compreensão, mas naquela época isso era visto quase como uma afronta”, disse.

Moore, que teve três filhas com Bruce Willis, acabaria por afastar-se de Hollywood durante algum tempo, depois da morte da mãe e do fim do casamento. “Houve um momento em que percebi que o sucesso já não me bastava”, confessou numa entrevista à Glamour. “Precisava de estar com as minhas filhas, de viver outra fase da minha vida.”

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Enquanto Tom Cruise continua a ser um dos maiores nomes da indústria, Demi Moore volta agora a revisitar o passado com um olhar mais maduro — e, talvez, com a serenidade de quem já não precisa de provar nada a ninguém.

🪄 Polémica nos bastidores da série Harry Potter: cães farejadores chamados após suspeitas de droga no set

A nova produção da HBO inspirada no universo de J. K. Rowling enfrenta acusações de consumo de substâncias ilícitas — e a Warner Bros. já reagiu com medidas drásticas.

Nem todas as histórias mágicas acontecem em Hogwarts — e esta está mais próxima de um feitiço de descontrolo do que de qualquer encanto. A nova série inspirada em Harry Potter, atualmente em filmagens nos estúdios da Warner Bros. Leavesden, no Reino Unido, viu-se envolta em polémica após surgirem suspeitas de consumo de drogas entre elementos da equipa técnica.

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De acordo com o jornal britânico The Sun, a produção decidiu contratar cães farejadores treinados para patrulhar o local, depois de denúncias internas apontarem para o uso de cocaína durante o trabalho. O caso torna-se ainda mais delicado tendo em conta que grande parte do elenco é composta por menores de idade.

Cães à porta… e tensão nos corredores 🐕

Fontes próximas da produção revelaram que os cães se encontram agora junto às entradas dos estúdios entre as 7h e as 8h da manhã, precisamente quando a maioria da equipa chega para trabalhar.

“Há cães todas as manhãs para apanhar pessoas que tentam trazer droga. Algumas pessoas estão a consumir enquanto trabalhamos, e isso tem deixado o ambiente tenso”, disse uma fonte ao The Sun.

A notícia causou desconforto entre os profissionais, com alguns funcionários a tentar contornar as verificações, chegando ao estúdio antes da hora prevista para evitar os controlos de segurança.

Warner Bros. reage e tenta manter a calma

Uma porta-voz da Warner Bros. Leavesden confirmou a presença dos cães e justificou a medida como parte de um protocolo de segurança já existente, minimizando a gravidade da situação.

“Como parte dos protocolos de segurança há muito estabelecidos, qualquer pessoa que entre nos estúdios está sujeita a verificações intermitentes de segurança e bem-estar, incluindo o uso de cães farejadores”, afirmou.

Apesar da tentativa de tranquilizar o público, a notícia gerou preocupação entre os fãs e os pais dos jovens atores, que temem que o ambiente de filmagens possa estar comprometido.

A série mais vigiada do ano ✨

A adaptação televisiva de Harry Potter, produzida pela HBO Max, é um dos projetos mais aguardados dos próximos anos. A série pretende recontar toda a saga dos sete livros ao longo de dez anos, com novos atores nos papéis principais e um tom mais fiel aos livros.

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Mas esta polémica veio lançar uma sombra sobre o início das filmagens. Entre cães farejadores, rumores e medidas de contenção, o mundo mágico de Hogwarts parece ter ganho um toque bem mais terreno — e menos encantador — do que o esperado.

Blue Moon: O Divórcio Mais Famoso da Broadway Ganha Vida no Novo Filme de Richard Linklater 🎭💔

Ethan Hawke brilha como o génio atormentado Lorenz Hart num retrato melancólico e espirituoso sobre a noite em que o musical americano mudou para sempre.

Richard Linklater, o realizador de Boyhood e Before Sunrise, regressa à sua zona de conforto — diálogos longos, almas inquietas e noites que mudam vidas — com Blue Moon, um filme que mergulha na mente de Lorenz Hart, o letrista lendário de canções como My Funny Valentine e The Lady Is a Tramp. O que à primeira vista parece apenas um retrato íntimo de um artista em crise é, na verdade, um “divórcio” criativo contado como uma tragédia de bastidores: o fim da parceria entre Hart e Richard Rodgers, o compositor que, ao lado de Oscar Hammerstein II, reinventaria a Broadway com Oklahoma!

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Uma conversa com fantasmas no bar de Sardi’s 🍸

A acção decorre numa única noite — a noite da estreia de Oklahoma!, em 1943 —, quando Hart (interpretado com melancolia e ironia por Ethan Hawke) se refugia no bar do lendário restaurante Sardi’s. Entre copos, conversas afiadas e tiradas mordazes, ele comenta o espectáculo que acabou de assistir — o triunfo do seu antigo parceiro. O filme é essencialmente um banquete verbal: um homem a enfrentar o fim de uma era, com uma língua tão afiada quanto o vazio que sente por dentro.

Ao longo da noite, Hart cruza-se com um elenco improvável: um barman filósofo (Bobby Cannavale), um jovem soldado que sonha ser compositor, um cliente discreto que se revela o editor E.B. White, e até um precoce adolescente chamado “Stevie” — uma piscadela divertida ao futuro compositor Stephen Sondheim. O ambiente é de humor ácido, nostalgia e autodestruição — um My Dinner With André passado em copos de whisky e neons da Broadway.

O amor, a solidão e a música 🎶

Entre uma gargalhada e uma confissão amarga, Hart revela o seu amor impossível por uma jovem poetisa (vivida por Margaret Qualley), símbolo de tudo o que deseja mas nunca poderá ter. Linklater e o argumentista Robert Kaplowmisturam factos reais e imaginação, criando uma figura que representa o eterno conflito entre desejo e frustração, entre arte e auto-negação.

Na realidade, Hart viveu sempre dividido: um génio letrista e um homem destruído pela insegurança, o alcoolismo e a repressão sexual. Pequeno em estatura (tinha menos de 1,50 m), mas gigante em talento, via-se como “unphotographable” — palavra que ele próprio usou nos versos de My Funny Valentine.

A queda de um gigante e o nascimento de outro 🌙

Blue Moon capta o instante simbólico em que o velho mundo da Broadway — sofisticado, urbano e irónico — cede lugar ao novo idealismo rural de Rodgers e Hammerstein. Para Hart, Oklahoma! não era apenas um sucesso que o excluía, era o sinal de que o seu tempo tinha terminado. “É um sucesso de 14 quilates… e um pedaço de lixo de 14 quilates”, diz, com o humor ferido de quem sabe que está a assistir ao próprio funeral artístico.

Com interpretações poderosas (Hawke é magistral, e Andrew Scott como Rodgers dá-lhe a medida exacta de pragmatismo e crueldade), Blue Moon é uma elegia à amizade perdida, ao amor não correspondido e à passagem do tempo — um brinde amargo ao preço da genialidade.

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Richard Linklater assina aqui um filme que é menos sobre teatro e mais sobre a solidão dos criadores: quando o espectáculo acaba, o aplauso morre — e só resta o eco das canções.

Tom Cruise e Brad Pitt reencontram-se em Londres… três décadas depois de Entrevista com o Vampiro

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Trinta e um anos após o tenso encontro em Entrevista com o Vampiro, Tom Cruise e Brad Pitt voltam a aparecer juntos em público, desta vez na antestreia europeia de F1 – O Filme.

Foi um momento inesperado e simbólico para os fãs de cinema: Tom Cruise e Brad Pitt, que partilharam o ecrã em Entrevista com o Vampiro (1994), reencontraram-se esta segunda-feira na antestreia europeia de F1 – O Filme, em Londres. O novo filme protagonizado por Brad Pitt e realizado por Joseph Kosinski, com produção de Jerry Bruckheimer, junta nomes que também estiveram envolvidos em Top Gun: Maverick, de Cruise.

Cruise, cuja presença não tinha sido anunciada, surpreendeu ao aparecer no evento e posar com Pitt, Kosinski, Bruckheimer e o CEO da Fórmula 1, Stefano Domenicali. Num vídeo amplamente divulgado nas redes sociais, os dois atores surgem a conversar de forma calorosa, trocando sorrisos, palavras e até abraços, num clima bem mais amistoso do que aquele que marcou a única colaboração cinematográfica que tiveram.

“Grande noite no cinema com os meus amigos. Vocês arrasaram!”, escreveu Cruise no X (antigo Twitter), celebrando o momento.

Recordar Entrevista com o Vampiro: um clássico e um conflito

A relação entre os dois astros de Hollywood nem sempre foi pacífica. A adaptação do romance gótico de Anne Rice, realizada por Neil Jordan, foi marcada por fricções nos bastidores. Enquanto Cruise interpretava o vampiro carismático Lestat, Pitt assumia o papel de Louis, o protagonista atormentado.

Durante anos, circularam relatos de tensões no set. O próprio Pitt confessou o desconforto com a escolha de Cruise para o papel de Lestat e descreveu a dinâmica entre os dois com a frase que se tornou célebre: “Ele é o Polo Norte, eu sou o Polo Sul”. Acrescentou ainda que havia “uma competição latente que atrapalhava qualquer conversa a sério”.

O realizador Neil Jordan confirmou publicamente que Pitt torceu o nariz à escolha de Cruise. E, apesar das tentativas de ambos em minimizar publicamente o distanciamento, uma fonte citada pela revista Closer em 2024 referia que “não se suportam” e que “há um motivo para não trabalharem juntos há 30 anos”.

Um reencontro… e uma oportunidade perdida

A recente antestreia de F1 – O Filme marca assim não só um reencontro simbólico, mas também um possível reatar de relações profissionais que esteve quase a acontecer. O realizador Joseph Kosinski revelou há pouco tempo que tentou juntar Pitt e Cruise numa versão anterior de Le Mans ’66: O Duelo, filme que acabaria por estrear em 2019 realizado por James Mangold, com Matt Damon e Christian Bale nos papéis principais.

Segundo Kosinski, o projeto com Cruise e Pitt não avançou devido a limitações orçamentais. Ainda assim, a intenção esteve em cima da mesa, mostrando que o regresso da dupla não era totalmente impensável.

Mais do que um reencontro

Seja apenas um momento de cortesia ou o prenúncio de uma futura colaboração, o reencontro de Tom Cruise e Brad Pitt está já a marcar 2024 como um dos acontecimentos mais simbólicos de Hollywood. Três décadas depois de um filme que se tornou culto e de um conflito que marcou o imaginário dos fãs, a imagem dos dois juntos em Londres faz sonhar os cinéfilos com um novo capítulo — agora talvez mais pacífico — entre duas das maiores estrelas do cinema contemporâneo.

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Cynthia Erivo e os Desafios Transformadores de “Wicked”

Cynthia Erivo, aclamada atriz e cantora, tem partilhado os bastidores da sua exigente preparação para dar vida a Elphaba em Wicked. Durante uma sessão de perguntas realizada a 12 de dezembro em Los Angeles, Erivo, de 37 anos, revelou o impacto físico e emocional deste projeto ambicioso, detalhando como enfrentou os desafios com uma dedicação implacável e uma rotina quase sobre-humana.

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Compromisso Total com o Papel

Interpretar Elphaba não foi apenas um exercício de talento vocal e expressividade emocional para Erivo; foi um teste rigoroso de resistência física. A atriz confessou que, durante as filmagens, dormia apenas entre duas a três horas por noite, devido à intensidade da sua rotina. “Acredito que o corpo e a mente estão intrinsecamente ligados”, afirmou. “Quero que ambos sejam usados. Quero que estejam em ação.”

A sua jornada começava com um treino de duas horas logo pela manhã, seguido por uma longa sessão de maquilhagem para a transformar na icónica bruxa verde. Erivo explicou que o exercício físico constante não era apenas uma escolha estética, mas uma necessidade funcional: “Nunca tinha ‘voado’ antes. […] Isso requer que estejas o mais forte possível, porque os fios vão levar-te de um lado para o outro.”

Adaptação ao Desgaste Físico

A atriz também revelou as estratégias que utilizou para lidar com as exigências físicas de Wicked. Além dos hematomas causados pelos equipamentos de suspensão usados para as cenas de voo, Erivo recorreu a uma manta sauna de calor infravermelho para ajudar na recuperação muscular. “Vivo um pouco como um monge quando faço estas coisas. Fico em ambientes fechados e tento aproveitar aqueles momentos em que posso realmente descansar”, partilhou. Apesar das noites curtas, fazia questão de garantir que as poucas horas de sono fossem de qualidade.

Uma Abordagem Inspiradora ao Desafio

A dedicação de Cynthia Erivo ao papel de Elphaba é um reflexo da sua abordagem rigorosa e apaixonada ao ofício. Como destacou na conversa, procura desafios que a “usem” tanto física quanto mentalmente, abraçando as exigências extremas como parte do processo artístico.

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“Wicked”, um dos musicais mais aguardados dos últimos anos, tem tudo para se tornar um marco na carreira de Erivo, que já conquistou audiências com interpretações arrebatadoras em obras como Harriet e The Color Purple. A sua entrega total ao papel de Elphaba promete dar uma nova dimensão à personagem e, sem dúvida, cativar o público quando o filme estrear.

Viggo Mortensen Reflete Sobre “A History of Violence”: Um Clássico do Cinema Noir

Lançado em 2005, A History of Violence continua a ser um marco no cinema contemporâneo, misturando ação intensa e profundidade psicológica sob a direção inconfundível de David Cronenberg. Viggo Mortensen, protagonista do filme, não hesita em elogiá-lo, descrevendo-o como “um dos melhores filmes” em que já participou. Em recente entrevista, o ator destacou o processo criativo e algumas curiosidades de bastidores que mostram o nível de dedicação que trouxe a esta obra.

Um Guião Reescrito para a Perfeição

Inicialmente, Mortensen teve reservas em relação ao guião. A primeira versão, escrita por Josh Olson, não o impressionou. “Era mais de 120 páginas de caos; meio sem sentido, honestamente”, afirmou. No entanto, após conhecer David Cronenberg, Mortensen mudou de opinião. O realizador reimaginou o material, transformando-o numa narrativa mais coerente e rica, alinhada com os elementos que tornaram o filme um clássico moderno. Para Mortensen, esta abordagem tornou A History of Violence “um filme noir quase perfeito”.

Humor nos Bastidores: A Cena do Bar com Ed Harris

Apesar do tom sombrio e intenso do filme, os bastidores tiveram momentos inesperados de leveza. Durante a gravação da primeira cena no bar, Mortensen não conseguia parar de rir. A situação tornou-se tão complicada que Ed Harris decidiu concluir a cena sem calças, vestindo apenas roupa interior, algo que não é visível no produto final devido à posição da mesa. Esta estratégia obrigou Mortensen a manter a seriedade durante a cena, criando uma dinâmica única que acabou por ser usada no filme.

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A Imersão no Papel: Viggo e os Detalhes Autênticos

Viggo Mortensen é conhecido pela sua dedicação aos papéis que interpreta, e A History of Violence não foi exceção. Para se conectar mais profundamente com o personagem Tom Stall, Mortensen fez uma viagem ao Midwest americano, onde comprou vários adereços para o cenário do diner e da casa da família Stall. Entre os objetos que adquiriu, destaca-se um poster de tipos de peixes, visível na parede do restaurante, que reflete o estilo de vida simples do protagonista.

Um Clássico Moderno do Cinema Noir

A History of Violence foi amplamente aclamado pela crítica, não apenas pela sua abordagem inovadora ao género noir, mas também pelas performances memoráveis de Mortensen, Ed Harris e Maria Bello. A atenção aos detalhes, tanto no guião quanto na direção de arte, elevou o filme a um estatuto quase mítico dentro da filmografia de Cronenberg.

Para Mortensen, a combinação de um guião reimaginado, direção meticulosa e atuações envolventes fazem deste filme uma experiência cinematográfica que continua a ressoar. “Não existe um filme perfeito, mas este chega muito perto”, concluiu o ator.

Jack Nicholson e os Bastidores Intensos de “The Shining”

“The Shining”, realizado por Stanley Kubrick, é amplamente reconhecido como um dos maiores clássicos do cinema de terror. Por detrás das câmaras, porém, a realidade das filmagens foi tão intensa e desafiadora quanto a própria narrativa do filme. Jack Nicholson, no papel icónico de Jack Torrance, mergulhou profundamente na personagem, numa experiência que deixou marcas tanto no ator quanto no elenco.

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Um set isolado e meticulosamente construído
Embora o filme se passe no fictício e desolado Overlook Hotel, as filmagens decorreram nos Estúdios Elstree, em Inglaterra. Kubrick, conhecido pela sua obsessão com o detalhe, recriou o ambiente sombrio e opressivo do hotel com uma precisão quase assustadora. Nicholson passou meses a trabalhar nesse cenário claustrofóbico, onde o tempo, a intensidade das cenas e as múltiplas repetições exigidas pelo realizador adicionaram camadas de tensão ao ambiente já carregado.

A famosa exigência de Stanley Kubrick
Kubrick era célebre por empurrar os seus atores ao limite, e Nicholson não foi exceção. As cenas eram frequentemente repetidas dezenas de vezes até que Kubrick capturasse o que considerava perfeito. Este rigor levou a momentos exaustivos, mas também proporcionou interpretações inesquecíveis. Shelley Duvall, que interpretou Wendy Torrance, descreveu o processo como “psicologicamente extenuante”, mas Nicholson, com o seu carisma e humor fora das câmaras, conseguia aligeirar o ambiente quando necessário.

“Here’s Johnny!”: A cena que se tornou lenda
Uma das sequências mais memoráveis é a emblemática cena do machado, em que Jack Torrance destrói uma porta enquanto grita “Here’s Johnny!”. Por detrás do terror visto no ecrã, Nicholson entregou uma performance visceral, exigindo uma combinação de força física e intensidade emocional. Durante esta cena, as portas usadas inicialmente tiveram de ser substituídas por versões reforçadas, uma vez que Nicholson as destruiu com demasiada facilidade.

A fusão entre ator e personagem
Nicholson é conhecido por se imergir completamente nas suas personagens, e a linha entre o ator e Jack Torrance começou a esbater-se à medida que as filmagens avançavam. A intensidade das gravações e o ambiente artificial acabaram por acentuar o isolamento psicológico que Nicholson trazia para o papel, algo que adicionou autenticidade à sua interpretação.

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Um legado imortal
No final, a performance de Jack Nicholson em “The Shining” tornou-se uma das mais icónicas do cinema de terror, representando o equilíbrio perfeito entre loucura e carisma. O filme, apesar de inicialmente receber críticas mistas, transformou-se num clássico intemporal, e a dedicação de Nicholson ao papel cimentou o seu estatuto como um dos maiores atores da sua geração.

“The Shining” não é apenas um marco na história do cinema de terror, mas também um exemplo de como a dedicação extrema por detrás das câmaras pode criar obras-primas duradouras.

Ridley Scott Revela os Bastidores Tensos de “Gladiador” e as Dúvidas de Joaquin Phoenix

Durante uma recente entrevista, o realizador Ridley Scott partilhou uma história inédita sobre os bastidores de Gladiador, o épico que protagonizou Russell Crowe como Maximus e Joaquin Phoenix como o vilão Commodus. Segundo Scott, Phoenix, que tinha ainda uma carreira em ascensão na época, sentiu-se extremamente inseguro e chegou a afirmar que não conseguia continuar. A situação gerou tensão, com Crowe a considerar a hesitação de Phoenix “terrivelmente pouco profissional”.

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Scott explicou que teve de agir como “um irmão mais velho ou uma figura paternal” para convencer Phoenix a permanecer no projeto, que acabou por consagrá-lo e garantir-lhe uma nomeação ao Óscar. A experiência em Gladiadorpareceu marcar profundamente a relação entre Scott e Phoenix, ao ponto de colaborarem novamente no drama histórico Napoleão, de 2023.

Este episódio foi recentemente discutido depois de Phoenix ter desistido de um projeto com Todd Haynes, uma decisão que obrigou o realizador a adiar indefinidamente as filmagens. Apesar das dúvidas de Phoenix ao longo da carreira, Scott defendeu o ator, sublinhando a sua dedicação e talento, que resultaram em uma das performances mais memoráveis de Gladiador.

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