Al Pacino e Kiefer Sutherland Juntam-se em Father Joe: O Novo Thriller de Luc Besson Promete Sangue, Fé e Vingança

Nos anos 90 em Manhattan, um padre decide enfrentar o submundo do crime — e o resultado é explosivo.

Luc Besson está de volta aos filmes de acção com estilo, e desta vez traz dois pesos pesados do cinema: Al Pacino e Kiefer Sutherland. O novo projecto chama-se Father Joe e promete um duelo moral e físico entre um padre armado de fé (e armas de grosso calibre) e um impiedoso chefe da máfia nova-iorquina.

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Segundo o Variety, Sutherland interpreta o protagonista — um homem de fé que decide declarar guerra ao crime organizado na Nova Iorque dos anos 90. Pacino, por sua vez, será o poderoso mafioso cujo império entra em rota de colisão com a cruzada do padre. A jovem actriz Ever Anderson (a Natasha Romanoff em criança em Black Widow) junta-se ao elenco como uma mulher dividida entre a redenção e o perigo, sob a tutela de Father Joe.

A realização estará a cargo de Barthélémy Grossmann, conhecido por Arthur: Malediction, enquanto o argumento e a produção são assinados pelo próprio Luc Besson. As filmagens começam já em meados de Outubro.

Num comunicado, Sutherland confessou o entusiasmo:

“Sou fã de Luc Besson desde Subway. Como realizador e argumentista, tem uma capacidade única de entrelaçar drama e acção sem sacrificar nenhum dos dois. Estou entusiasmado por trabalhar com ele neste projecto.”

O regresso de Besson à velha forma?

Depois de altos e baixos — recorde-se Valerian and the City of a Thousand Planets, que dividiu fãs e críticos — Luc Besson parece regressar ao território que domina: acção estilizada, dilemas morais e personagens intensas.

O cineasta francês ainda colhe elogios pelo seu mais recente filme, Dracula: A Love Tale, protagonizado por Caleb Landry Jones, uma versão gótica e romântica do vampiro de Bram Stoker que estreou este verão em França com críticas positivas. O filme chega à América do Norte em Fevereiro de 2026, distribuído pela Vertical.

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“É uma história de amor acima de tudo — um Drácula visto sob uma nova luz, como um homem que procura a mulher perdida há quatrocentos anos”, explicou Besson, emocionado com a recepção do público.

Com Father Joe, o realizador parece pronto para trocar a capa do conde pela batina de um guerreiro urbano — e se o elenco cumprir o que promete, esta poderá ser a redenção cinematográfica que os fãs de O Quinto Elemento esperavam há anos.

Diane Keaton: A Última Publicação, o Amor pelos Animais e a Maternidade aos 50 🕊️

A Despedida Discreta de uma Estrela

A última publicação de Diane Keaton no Instagram, feita meses antes da sua morte, é um reflexo perfeito da mulher que sempre foi — carinhosa, simples e de bom humor. A atriz, que nos deixou no sábado, 11 de outubro, aos 79 anos, celebrou o National Pet Day (Dia Nacional dos Animais de Estimação) com a ajuda da marca Hudson Grace e do seu fiel companheiro, Reggie, um golden retriever que a acompanhou nos últimos anos.

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“A prova de que os nossos animais de estimação também têm um ótimo gosto! Feliz Dia Nacional dos Animais de Estimação da HG e Diane Keaton”, lia-se na legenda partilhada pela marca — e replicada pela atriz, que não escondia o amor pelos seus amigos de quatro patas.

Em 2020, Diane apresentou Reggie aos fãs com entusiasmo, partilhando vídeos dele a correr e saltar pelo quintal. Um pequeno vislumbre da serenidade que encontrou longe dos estúdios de Hollywood.

Uma Vida Amorosa Sem Alianças

Apesar de ter vivido intensas histórias de amor com nomes lendários como Al Pacino, Warren Beatty e Woody Allen, Diane Keaton manteve-se fiel a si mesma — e solteira até ao fim.

“Tenho 73 anos e acho que sou a única da minha geração que foi solteira a vida toda”, confessou em 2019 à People. A atriz explicou que o casamento nunca foi um objetivo: “Não teria sido uma boa ideia casar-me. Estou muito feliz por não o ter feito, e tenho a certeza de que eles também estão felizes com isso.”

Desde jovem, já parecia saber o que queria: “Lembro-me de um rapaz dizer-me na escola: ‘Um dia vais ser uma boa esposa’. E eu pensei: ‘Não quero ser esposa.’”

Mãe a Meio Caminho da Vida

A maternidade chegou tarde, mas trouxe-lhe um novo propósito. Aos 50 anos, Diane Keaton adotou dois filhos — Dexter e Duke — que, discretamente, a acompanharam nos bastidores da fama.

“Não achava que algum dia estaria preparada para ser mãe. A maternidade não era um desejo, era um pensamento que vinha a ter há algum tempo. Por isso, atirei-me de cabeça”, contou a atriz.

Hoje, Dexter tem 29 anos e Duke 25, e ambos preferiram manter-se longe das câmaras. “Eles não estão interessados no que eu faço, o que acho muito saudável. Vivemos uma vida mesmo normal — quer dizer, mais ou menos normal”, brincou Keaton em 2007.

Um Legado de Carisma e Liberdade

Após a notícia da sua morte, estrelas como Leonardo DiCaprio, Mia Farrow e Jane Fonda prestaram emocionantes homenagens à mulher que redefiniu o papel feminino em Hollywood — tanto nos ecrãs como fora deles.

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Com um estilo inconfundível, humor irreverente e uma independência que inspirou gerações, Diane Keaton despede-se como viveu: fiel a si mesma, rodeada de amor, e com um cão feliz a seu lado. ❤️

In the Hand of Dante: Oscar Isaac e um elenco de luxo brilham em Veneza no ousado filme de Julian Schnabel

Uma adaptação ambiciosa com duas épocas em colisão

O Festival de Veneza recebeu de braços abertos In the Hand of Dante, a mais recente ousadia de Julian Schnabel(Basquiat, At Eternity’s Gate). O filme adapta o romance homónimo de Nick Tosches (2002) e coloca Oscar Isaac no centro da narrativa, interpretando duas personagens: o poeta medieval Dante Alighieri e o escritor contemporâneo Nick Tosches.

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Na trama, um manuscrito original da Divina Comédia reaparece através do Vaticano e acaba nas mãos de um chefe da máfia nova-iorquina. Tosches é então arrastado para um perigoso submundo ao tentar autenticar o documento, numa jornada onde se cruzam figuras interpretadas por Jason Momoa, Gerard Butler, Gal Gadot e outros.

O filme também reserva surpresas de peso: Martin Scorsese surge num papel substancial como mentor de Dante, enquanto Al Pacino e John Malkovich reforçam o elenco estelar.

De Johnny Depp a Oscar Isaac: uma longa gestação

O caminho até à tela foi demorado. Os direitos da obra foram adquiridos em 2008 pela produtora de Johnny Depp, que inicialmente planeava protagonizar o filme. Schnabel entrou em 2011, mas só em 2023 o projeto avançou, com Oscar Isaac a substituir Depp no papel principal.

Em conferência de imprensa em Veneza, Isaac admitiu que foi precisamente o caráter “impossível” do projeto que o atraiu:

“Ler o guião e não fazer ideia de como seria possível filmá-lo — foi isso que o tornou tão excitante.”

Entre aplausos e críticas divididas

A receção ao filme foi calorosa, mas não unânime. O Hollywood Reporter descreveu-o como “uma extravagância ambiciosa, cativante e por vezes falhada” e “uma viagem louca que não chega totalmente lá”. Ainda assim, poucos negaram a ousadia da proposta, marcada pela grandiosidade visual e pela carga simbólica.

O momento foi ainda mais especial para Schnabel, que recebeu o Cartier Glory to the Filmmaker Award, distinção entregue a personalidades com contributos originais e relevantes para o cinema contemporâneo — honra já recebida por nomes como Ridley Scott, Wes Anderson e Claude Lelouch.

Schnabel, um “herói local” em Veneza

Apesar de nova-iorquino, Schnabel tem uma ligação profunda a Veneza. Expôs cinco vezes na Bienal de Arte e estreou aqui a sua primeira longa, Basquiat (1996). Com Before Night Falls (2000), venceu o Grande Prémio do Júri e, em At Eternity’s Gate (2018), Willem Dafoe conquistou o prémio de Melhor Ator do festival.

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Com In the Hand of Dante, Schnabel regressa à cidade que tantas vezes marcou a sua carreira, desta vez com um projeto que junta literatura, história, crime e fé num mosaico arriscado — e que já se tornou uma das conversas mais vibrantes da edição de 2025 da Mostra

Ben Stiller Larga a Realização de Severance na 3.ª Temporada para Filmar Thriller da II Guerra Mundial

Pela primeira vez desde a estreia da aclamada série Severance, Ben Stiller não vai realizar um único episódio da nova temporada. O actor e realizador decidiu dar prioridade a um projeto cinematográfico que lhe está particularmente próximo: um thriller de sobrevivência ambientado na Segunda Guerra Mundial.

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O adeus temporário aos corredores de Lumon

Stiller, que até aqui tinha sido a força criativa por trás da atmosfera opressiva e visualmente distinta de Severance, confirmou que a sua agenda não lhe permite estar em todo o lado ao mesmo tempo. Aos 59 anos, o realizador confessou ao Los Angeles Times que sente “o relógio a correr”:

“60 soa a velho. É difícil contornar isso. Ainda tenho muitas coisas que quero fazer na vida.”

Entre essas coisas está o tal thriller de guerra, que acompanhará um aviador americano abatido em França e arrastado para a resistência francesa. Um registo bem diferente da ficção científica corporativa de Severance, mas que mostra a vontade de Stiller em explorar novos territórios narrativos.

Novos projetos na manga

Além do filme de guerra, Stiller tem outros planos já a mexer:

  • O documentário Stiller & Meara: Nothing Is Lost, sobre os seus pais, que terá estreia mundial no Festival de Cinema de Nova Iorque.
  • Uma nova entrada na saga Meet The Parents, que prepara o regresso da família mais disfuncional do cinema moderno.

Nada disto significa, no entanto, que Stiller esteja a cortar os laços com Severance. O realizador trabalhou intensamente com Dan Erickson, criador da série, e com a sala de argumentistas para deixar a temporada 3 devidamente estruturada antes de se ausentar.

O rumor que deixou os fãs em êxtase

Se os espectadores já se mostravam curiosos quanto ao futuro de Mark Scout e companhia, Stiller ainda alimentou a especulação ao admitir que o nome de Al Pacino foi mencionado numa possível participação especial. O veterano não só poderia surgir como novo funcionário da Lumon, mas até encabeçar um “novo departamento” dentro do misterioso edifício.

O futuro de Severance

Apesar da ausência de Stiller na realização, os fãs podem esperar que o ADN da série se mantenha intacto. Resta saber se a equipa criativa conseguirá preservar a atmosfera inquietante e os cliffhangers enervantes que transformaram a série da Apple TV+ numa das mais faladas dos últimos anos.

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O certo é que Ben Stiller continua a provar que não está disposto a ficar preso num único papel — seja como actor, realizador de séries televisivas ou agora como cineasta de guerra. Se o resultado será tão memorável quanto Severance, resta-nos esperar para ver.

Stephen Graham e a lição mais valiosa de Hollywood: “É bonito ser bonito”

🎥 Quando pensamos em histórias de ascensão em Hollywood, geralmente imaginamos um casting meticulosamente preparado, uma lista de agentes ao telefone e audições de cortar a respiração. Mas Stephen Graham? Ele tropeçou literalmente num dos papéis mais icónicos da sua carreira… por engano.

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Tudo começou com Snatch – Porcos e Diamantes, de Guy Ritchie. Graham nem sequer ia a audição. Estava só a acompanhar um amigo, como quem vai só ver se a fila anda depressa. Mas o realizador olhou para ele e disse, com aquele charme tipicamente britânico: “Queres tentar também?” Resultado? “Começas na segunda-feira.” Sim, foi assim simples.

E foi nesse set que conheceu Brad Pitt, que, em vez de se refugiar numa caravana cheia de toalhas egípcias e smoothies orgânicos, estava sentado no chão. Pitt olhou para o jovem Graham e perguntou, com um sorriso que provavelmente poderia vender seguros de vida:

“Como estás? Isto é divertido, não é?”

Mas não ficou por aí. Pitt largou uma daquelas frases que mudam uma carreira:

“Tens muitas personagens dentro de ti. Consigo ver isso.”

📽️ Desde então, os dois mantêm uma amizade sólida – o tipo de coisa rara em Hollywood, onde as amizades duram menos que um contrato de streaming gratuito.

Mas Stephen Graham não ficou por aí. Pelo caminho, cruzou-se com nomes como Leonardo DiCaprio, durante Gangs of New York, e Al Pacino, em The Irishman. E o que é que estes ícones têm em comum? Surpresa: zero ego. Nada de exigências ridículas ou exigência de baldes de Skittles por cor. Pelo contrário, receberam-no como igual, trocaram ideias sobre a vida, o ofício de representar e até a sociedade.

E é aí que Graham revela o verdadeiro segredo da sua longevidade na indústria: ser humano antes de ser estrela. Ele lembra-se das palavras da mãe (e aqui vai uma salva de palmas para as mães sábias):

“Maneiras não custam nada. É bonito ser bonito.”

Uma frase que podia muito bem ser o slogan do próximo Oscar, não achas?

Hoje, com uma carreira recheada de papéis intensos, colaborações com os maiores nomes do cinema e um estatuto de “ator dos atores”, Graham continua a guiar-se por aquela máxima simples: respeito, humildade e autenticidade.

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E no meio de uma indústria onde o brilho dos holofotes pode cegar até o mais talentoso, talvez o maior ensinamento seja mesmo este: o verdadeiro talento brilha mais quando vem acompanhado de empatia.

Gene Hackman (1930-2025): O Último dos Grandes Duro na Queda do Cinema Americano

O cinema perdeu uma das suas últimas lendas vivas. Gene Hackman, um dos atores mais versáteis e carismáticos de Hollywood, morreu aos 95 anos, deixando para trás uma carreira marcada por personagens inesquecíveis e uma presença inigualável no grande ecrã. O protagonista de French Connection (1971), Bonnie and Clyde (1967) e Imperdoável (1992) tornou-se uma das forças dominantes do cinema americano ao longo de quase quatro décadas, redefinindo o conceito de anti-herói e provando que um ator não precisava de ser um galã para conquistar a grande tela.

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Um Ícone do Realismo e da Intensidade

Nascido em 1930, Hackman teve um percurso de vida que o preparou para os papéis intensos que desempenharia mais tarde. O seu primeiro grande destaque veio com Bonnie and Clyde (1967), onde interpretou Buck Barrow, o irmão de Clyde (Warren Beatty). O seu desempenho valeu-lhe a primeira nomeação para um Óscar e abriu as portas para uma carreira repleta de interpretações icónicas.

No entanto, foi com French Connection (1971) que Gene Hackman atingiu a imortalidade cinematográfica. Como Popeye Doyle, um polícia duro e obcecado, entregou uma performance crua e visceral que lhe rendeu o primeiro Óscar de Melhor Ator. A cena da perseguição de carro pelas ruas de Nova Iorque permanece como uma das mais lendárias do cinema. Hackman encarnou a dureza e o pragmatismo que se tornariam a sua assinatura.

Versatilidade e Longevidade

Ao longo dos anos 70 e 80, Hackman provou que não era um ator de um só registo. Brilhou como vilão carismático ao interpretar Lex Luthor em Superman (1978), trouxe profundidade ao atormentado Harry Caul em O Vigilante (1974) e demonstrou a sua veia cómica como o eremita cego de Frankenstein Júnior (1974). Não importava o género, Hackman elevava qualquer filme em que participasse.

Nos anos 90, Clint Eastwood convenceu-o a sair da sua zona de conforto para interpretar um dos seus papéis mais marcantes: Little Bill Daggett, o sádico xerife de Imperdoável (1992). A sua interpretação valeu-lhe o segundo Óscar da carreira, agora como Melhor Ator Secundário. Foi um regresso ao cinema clássico do western, mas com a complexidade moral que sempre marcou as suas personagens.

A Saída Discreta e a Vida Após Hollywood

Diferente de muitos dos seus colegas, Gene Hackman não fez da sua reforma um evento mediático. Simplesmente desapareceu do radar, sem despedidas dramáticas ou regressos tardios. Em 2004, depois de Alce Daí, Senhor Presidente, Hackman retirou-se oficialmente da representação, dedicando-se à escrita e à pintura.

Apesar dos inúmeros convites, nunca cedeu à tentação de regressar, nem mesmo quando Clint Eastwood tentou convencê-lo para mais um filme. Para Hackman, Hollywood tinha sido um capítulo incrível, mas era apenas um capítulo da sua vida.

O Legado de um Ator Inigualável

O que fez de Gene Hackman uma figura tão especial no cinema americano foi a sua capacidade de ser genuíno em qualquer papel. Ele não representava, ele habitava as suas personagens. Não precisava de maneirismos ou artifícios – apenas de um olhar ou de um pequeno gesto para transmitir emoções complexas.

Para qualquer cinéfilo, filmes como French Connection, Bonnie and Clyde e Imperdoável são visionamentos obrigatórios. A sua filmografia é um verdadeiro manual de representação realista e visceral, onde cada cena em que ele aparece se torna automaticamente mais rica e intensa.

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Com a sua morte, desaparece um dos últimos grandes duros do cinema. Mas os seus filmes continuam, e a sua presença no grande ecrã nunca deixará de ser sentida. Gene Hackman não era apenas um ator – era uma força da natureza. E essa força nunca se extinguirá.

Brian De Palma e o Legado de Scarface: Do Desprezo Inicial ao Status de Clássico

Brian De Palma, um dos realizadores mais icónicos de Hollywood, reflete frequentemente sobre como os seus filmes têm resistido ao teste do tempo, mesmo após receções iniciais negativas. Uma das suas obras mais discutidas, Scarface (1983), é um exemplo perfeito de como as tendências culturais e críticas podem mudar, transformando um filme controverso num marco cinematográfico.

Receção Inicial: Violência e Controvérsia

Quando foi lançado, Scarface enfrentou duras críticas pela sua violência gráfica, linguagem explícita e retratos crús do mundo do crime. A New York Magazine descreveu-o como “um filme vazio, intimidante e exagerado”. Até figuras proeminentes como os escritores Kurt Vonnegut e John Irving abandonaram a sessão de estreia, chocados pela infame cena da motosserra. Durante as filmagens, Martin Scorsese chegou a alertar Steven Bauer, que interpretava Manny: “Preparem-se, porque vão odiar isto em Hollywood… porque é sobre eles.”

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O público também ficou dividido. Celebridades como Cher elogiaram o filme, mas outras, como Lucille Ball, ficaram horrorizadas com a violência gráfica. Até Dustin Hoffman foi apanhado a dormir durante uma sessão, segundo relatos. Além disso, a comunidade cubana em Miami protestou contra o retrato de cubanos como criminosos e traficantes de droga.

Uma Mudança de Perceção

Apesar das críticas iniciais, Scarface foi gradualmente reavaliado. Com o passar do tempo, críticos e cinéfilos reconheceram-no como uma das maiores obras do género de gangsters. A história de ascensão e queda de Tony Montana, interpretado magistralmente por Al Pacino, tornou-se um estudo intemporal sobre ganância, poder e moralidade.

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Hoje, Scarface é venerado por gerações de fãs, sendo especialmente influente na cultura pop e no hip-hop. No entanto, De Palma manteve-se fiel à visão original do filme, rejeitando propostas de adicionar canções de rap à banda sonora como forma de promover o relançamento. “A música de Giorgio Moroder era fiel à época,” defendeu De Palma. “Eu disse: ‘Se isto é a “obra-prima” que dizem, deixem-na como está.’ Tive corte final, e isso encerrou a questão.”

Brian De Palma e a Resiliência Criativa

Para De Palma, o impacto duradouro de um filme é mais importante do que as críticas iniciais. “Alguns dos meus filmes que receberam as piores críticas são os que mais falam hoje em dia,” refletiu o realizador. “Estás sempre a ser julgado de acordo com a moda do momento, mas essa moda muda constantemente. O que importa é o que perdura, e sou muito sortudo por ter feito filmes que parecem ter resistido ao tempo.”

O Legado de Scarface

Scarface continua a ser uma referência no cinema, influenciando não só outros filmes de crime, mas também música, moda e cultura popular. A frase icónica “Say hello to my little friend” tornou-se um símbolo da atitude desafiadora e excessos de Tony Montana, encapsulando a essência do filme.

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Mais do que uma história de gangsters, Scarface é um testemunho da visão de De Palma e da colaboração com talentos como Al Pacino e Giorgio Moroder. É um lembrete de que o verdadeiro valor de uma obra de arte é frequentemente determinado pelo tempo e pelo impacto cultural que deixa para trás.

Jack Lemmon e o Legado de Glengarry Glen Ross

Jack Lemmon, uma lenda de Hollywood, destacou-se ao longo de décadas como um dos atores mais versáteis e talentosos da indústria. Entre os seus inúmeros papéis memoráveis, Glengarry Glen Ross ocupa um lugar especial. O próprio Lemmon descreveu o filme como uma das experiências mais gratificantes da sua carreira, graças à profundidade do argumento e à complexidade dos seus personagens.

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O poder das palavras de Mamet

Realizado em 1992 por James Foley e baseado na peça de David Mamet, Glengarry Glen Ross é uma exploração visceral da pressão e desespero vividos por vendedores de imóveis. Lemmon interpretou Shelley Levene, um vendedor em declínio, lutando para se manter relevante num ambiente de trabalho implacável. O ator mergulhou profundamente no papel, equilibrando a fragilidade e a desesperança do personagem.

Em entrevistas, Lemmon enfatizou a genialidade do guião de Mamet, afirmando que a linguagem usada no filme, embora controversa, era uma representação autêntica do mundo que descrevia. “Não é apenas o uso de palavrões; é a maneira como essas pessoas realmente falam”, explicou.

Um marco na carreira e na história do cinema

A interpretação de Lemmon foi amplamente elogiada, destacando-se num elenco de estrelas que incluía Al Pacino, Kevin Spacey e Alec Baldwin. A sua atuação em Glengarry Glen Ross exemplifica o que Lemmon frequentemente defendia: a generosidade entre atores e a importância de um guião bem escrito.

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Além deste filme, Lemmon deixou um legado que transcende géneros, tornando-se o primeiro ator a vencer Óscares tanto como protagonista quanto como coadjuvante. O impacto de Glengarry Glen Ross é um testemunho do compromisso de Lemmon em elevar o cinema como arte, transformando mesmo os papéis mais difíceis em obras-primas emocionais.

A Surpreendente Recusa de Al Pacino em “Star Wars” – O Papel que Poderia Ter Mudado a Sua Carreira

Al Pacino é amplamente reconhecido por papéis icónicos que moldaram a sua carreira, como o inesquecível Michael Corleone na trilogia “O Padrinho”. Mas poucos sabem que o ator foi considerado para o papel de Han Solo em “Star Wars: Uma Nova Esperança” (1977), convite que recusou. Este papel, que acabou por ser interpretado por Harrison Ford, poderia ter mudado o rumo da sua carreira, mas Pacino, na altura, optou por seguir outro caminho.

Uma Escolha Deliberada pela Arte e Autenticidade

Pacino sempre privilegiou papéis em filmes de autor em vez de grandes produções de Hollywood. No seu livro de memórias, “Sonny Boy”, o ator revela que, após o sucesso de “O Padrinho”, sentiu-se assoberbado pela fama e pelo impacto que a sua interpretação de Michael Corleone causou. Quando o guião de “Star Wars” lhe foi apresentado, Pacino não conseguiu conectar-se com a história e preferiu recusar a proposta, aconselhado pelo seu professor de representação, Charlie Laughton, que lhe sugeriu priorizar papéis mais profundos.

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“Ler o guião não me trouxe inspiração. Disse ao Charlie: ‘Não sei o que fazer com isto’, ao que ele respondeu: ‘Eu também não’”, revela Pacino no seu livro. Para o ator, a autenticidade artística era uma prioridade, e envolver-se num projeto com uma narrativa de ficção científica comercial não correspondia à visão que tinha para a sua carreira.

O Legado do Papel de Han Solo e a Ascensão de Harrison Ford

O papel de Han Solo, interpretado por Harrison Ford, tornou-se lendário, lançando a carreira do ator e levando-o a outros papéis icónicos, como Indiana Jones. Ford não era a escolha original, mas impressionou George Lucas durante as audições. Assim, a decisão de Pacino acabou por abrir uma porta inesperada para Ford, que se tornou uma das maiores estrelas de Hollywood. Embora tenha optado por outro caminho, Pacino nunca manifestou arrependimento, mantendo-se fiel à sua filosofia de seguir projetos mais pessoais e artísticos.

Hoje, ao olhar para trás, é curioso imaginar como seria a saga “Star Wars” com Al Pacino no papel de Han Solo. No entanto, a decisão de Pacino permitiu que cada ator seguisse o seu próprio percurso, contribuindo ambos de formas distintas para o cinema e para a cultura pop.

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Elenco de Luxo em Novo Filme sobre Conspiração do Assassinato de JFK com Al Pacino, Jessica Chastain e Brendan Fraser

O intrigante assassinato do presidente John F. Kennedy é tema central do próximo thriller intitulado “Assassination”, que promete trazer uma nova visão sobre as teorias da conspiração à volta de um dos crimes mais discutidos da história moderna. Com um elenco de peso que inclui Al Pacino, Jessica Chastain, Brendan Fraser e Bryan Cranston, o filme é realizado pelo galardoado Barry Levinson e co-escrito pelo consagrado dramaturgo David Mamet.

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A trama de “Assassination” foca-se na figura de Dorothy Kilgallen, uma jornalista e crítica televisiva interpretada por Jessica Chastain, que desenvolve uma forte convicção de que Lee Harvey Oswald não agiu sozinho. Motivada por um desejo de expor a verdade, Kilgallen utiliza a sua influência para investigar o caso, enfrentando perigos que a aproximam de poderosos agentes, incluindo o FBI, a CIA e figuras de destaque da máfia. O filme procura trazer para o público uma perspetiva alternativa ao que foi documentado sobre o assassinato de Kennedy, numa tentativa de explorar as complexas redes de poder e os segredos obscuros que envolveram o evento.

Para Barry Levinson, o papel de Kilgallen é central não só pela sua determinação, mas também pela relevância histórica da sua figura como “a primeira mulher a conquistar espaço de destaque como jornalista criminal na América”. A jornalista destacou-se como uma das poucas vozes femininas do seu tempo a abordar temas investigativos sensíveis e a questionar a narrativa oficial, até que a sua vida foi abruptamente interrompida em circunstâncias misteriosas. Levinson destacou a importância de dar vida a esta figura icónica, com a interpretação de Chastain a prometer capturar tanto a vulnerabilidade como a coragem de Kilgallen.

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As filmagens terão início em Boston no próximo ano, e o enredo do filme inspirou-se em eventos reais e na determinação de uma mulher que arriscou tudo para tentar revelar uma verdade oculta. A história de Dorothy Kilgallen, com a sua intrépida busca pela justiça, é um tema poderoso, especialmente com um elenco tão aclamado a dar vida às várias personagens que compõem esta narrativa de conspiração e mistério. Com uma abordagem crítica ao poder e à manipulação de informações, “Assassination” oferece uma nova perspetiva para o público que continua intrigado pelo legado do caso Kennedy.

Al Pacino: Uma Lenda do Cinema com Mais de Cinco Décadas de Carreira Intensa e Marcante

Nascido a 25 de abril de 1940, em East Harlem, Nova Iorque, Al Pacino é amplamente reconhecido como um dos maiores atores da história do cinema. Com uma infância e juventude marcadas pelas influências da sua herança ítalo-americana e pelas vivências num bairro operário, Pacino desenvolveu uma sensibilidade artística única, que viria a moldar a sua abordagem ao teatro e ao cinema. Esta ligação às suas raízes, aliada à formação no Actors Studio — um dos centros de método de representação mais prestigiados dos EUA — proporcionou-lhe uma compreensão profunda da arte de interpretar, permitindo-lhe explorar personagens complexas com um compromisso sem igual.

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O papel que catapultou Pacino para a ribalta foi o de Michael Corleone em “O Padrinho” (1972), uma interpretação que se tornou icónica e que redefiniu a sua carreira. A transformação gradual de Michael de um jovem relutante em líder implacável da família Corleone consolidou Pacino como uma presença dominante em Hollywood. Esta atuação marcou o início de uma série de papéis intensos que fariam dele uma das figuras centrais do cinema americano.

Ao longo de mais de cinco décadas, Pacino participou em filmes que se tornaram clássicos, como “Scarface”, “Dog Day Afternoon” e “Scent of a Woman”, onde a sua interpretação como o oficial cego Frank Slade lhe valeu o Óscar de Melhor Ator. O seu estilo é caracterizado por uma intensidade emocional e uma expressão vocal inconfundível, qualidades que lhe permitem mergulhar em personagens em constante confronto com dilemas morais e questões existenciais. Esta capacidade de tornar palpáveis as complexidades psicológicas dos seus papéis é um dos elementos que tornam Pacino tão cativante para o público.

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Apesar do enorme sucesso, Pacino enfrentou desafios pessoais e profissionais ao longo da sua carreira, incluindo batalhas com a dependência de substâncias e a pressão contínua de uma vida sob os holofotes. No entanto, a sua resiliência e a dedicação à arte da representação permitiram-lhe ultrapassar as dificuldades e evoluir como ator. Em anos recentes, Pacino diversificou o seu percurso, aventurando-se na televisão, com séries como “Hunters”, e regressando ao teatro, mostrando que o seu talento transcende o cinema.

O legado de Al Pacino é vasto e inquestionável. A sua habilidade para criar personagens complexas e inesquecíveis, refletindo profundos conflitos humanos, consolidou o seu estatuto como uma verdadeira lenda do cinema americano. Com uma carreira que continua a inspirar novos artistas e fãs em todo o mundo, Pacino permanece um ícone, não apenas pelo talento extraordinário, mas pela paixão e autenticidade que imprime em cada papel.

Al Pacino Recorda o Primeiro Encontro com Robert De Niro e Previsão do Futuro Brilhante do Amigo

Al Pacino e Robert De Niro são hoje duas lendas incontornáveis de Hollywood, mas a amizade e admiração mútua entre os dois começaram muito antes de ambos atingirem o estatuto de ícones do cinema. Em entrevista recente à Variety, Pacino recordou o primeiro encontro entre ambos nos anos 70, quando, por acaso, se cruzaram numa esquina de Manhattan. Na altura, Pacino já começava a destacar-se graças a papéis em filmes como “The Panic in Needle Park”, enquanto De Niro ainda era um jovem ator desconhecido, com um historial limitado a filmes de baixo orçamento, como “The Wedding Party”, de Brian De Palma.

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Pacino estava a passear por Alphabet City com a sua então companheira Jill Clayburgh quando avistou o jovem De Niro na 14th Street. Ao descrever o encontro, Pacino comentou que, mesmo naquela época, viu algo de especial em De Niro. “Ele tinha um certo carisma. Tinha aquele olhar,” disse Pacino. “Pensei, ‘Este miúdo vai longe’.” Pacino recorda-se do magnetismo natural de De Niro, uma presença que, apesar da pouca experiência, transmitia uma confiança e intensidade raras. Curiosamente, esta zona de Manhattan viria a ser um dos cenários para o icónico “Taxi Driver”, onde De Niro interpretou o inesquecível Travis Bickle.

Com o passar dos anos, a relação entre os dois atores evoluiu para uma amizade sólida, enquanto ambos experienciavam uma ascensão meteórica em Hollywood. Para Pacino, esta ligação era alimentada por uma experiência de vida e uma origem comum, sendo ambos oriundos de Nova Iorque e familiarizados com o mundo artístico da cidade. “Reuníamo-nos ocasionalmente porque havia algo que estávamos a viver na vida que era muito semelhante,” explicou Pacino. “Podíamos partilhar coisas que aconteciam e falar sobre os nossos filmes.”

À medida que as suas carreiras se cruzavam em produções emblemáticas como “O Padrinho: Parte II” e, mais tarde, em filmes como “Heat” e “The Irishman”, a amizade entre Pacino e De Niro tornou-se um exemplo de camaradagem e respeito entre dois artistas. Pacino sempre acreditou no talento de De Niro e viu-o concretizar o potencial que pressentiu naquele encontro casual nas ruas de Nova Iorque.

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Este primeiro encontro entre Al Pacino e Robert De Niro não foi apenas o começo de uma amizade, mas também o prenúncio do sucesso que viria a definir ambos como titãs da indústria cinematográfica. Hoje, a história desse dia casual numa esquina de Manhattan continua a ser um testemunho da intuição de Pacino e da impressionante trajetória de dois dos maiores atores do cinema.

Johnny Depp Apresenta o Filme “Modi” no Festival de San Sebastián

No dia 26 de setembro, o ator e realizador Johnny Depp foi aplaudido de pé ao apresentar o seu mais recente filme, Modi, no prestigiado Festival de San Sebastián. Este é o segundo filme de Depp como realizador, depois de O Bravo(1997), e retrata a vida do pintor e escultor italiano Amedeo Modigliani. A exibição fora de competição foi um dos momentos altos do festival, que manteve a sua tradição de acolher grandes estrelas de cinema.

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Após anos de controvérsia e batalhas legais com a ex-mulher Amber Heard, Depp encontrou no cinema europeu um refúgio e uma nova fase para a sua carreira. Recebido com entusiasmo pelos seus fãs, que o aplaudiram à chegada ao festival, Depp mostrou-se feliz por poder partilhar a sua visão artística com o público de San Sebastián, um local onde sempre se sentiu bem acolhido.

Uma Visão sobre Modigliani

Modi foca-se em três dias intensos na vida de Amedeo Modigliani, vivido por Riccardo Scamarcio, quando o artista tenta escapar da pobreza e perseguições policiais na Paris de 1916. Durante esses três dias, Modigliani tenta desesperadamente vender as suas obras, ao mesmo tempo que convive com figuras icónicas do mundo da arte, como Maurice Utrillo e Chaim Soutine. O filme também explora o seu tumultuoso relacionamento com a poeta inglesa Beatrice Hastings e o papel fundamental que o colecionador de arte Al Pacino desempenha no destino do artista.

Depp descreveu o filme como um “tributo à luta de todos os artistas que, como Modigliani, enfrentaram grandes adversidades antes de serem reconhecidos”. A crítica tem sido mista, mas muitos elogiaram a sensibilidade do realizador ao contar a história de um homem talentoso e atormentado.

O Futuro de Johnny Depp como Realizador

Apesar dos seus anos turbulentos, Depp parece estar a encontrar uma nova direção como cineasta. San Sebastián é um festival que historicamente o apoiou, inclusive durante os seus anos mais controversos. Em 2021, Depp recebeu o Prémio Donostia pelo seu contributo ao cinema, apesar das críticas que acompanhavam a sua luta judicial com Amber Heard.

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A apresentação de Modi marca mais um passo no seu regresso ao cinema europeu, onde o ator e realizador se sente mais livre para explorar projetos pessoais e artísticos, afastados das grandes produções de Hollywood.

Robert De Niro e Al Pacino de Volta em “HEAT 2”

A continuação de um dos maiores thrillers de todos os tempos está finalmente a caminho. HEAT 2, sequência do épico de 1995, dirigido por Michael Mann, já está em desenvolvimento. O cineasta revelou recentemente detalhes empolgantes sobre o projeto, que tem sido esperado pelos fãs há anos.

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Mann, conhecido por sua capacidade de criar tensão com longas cenas de ação, revelou que HEAT 2 será um filme de três horas, prometendo ser tão grandioso quanto o original, que contou com uma duração de 2 horas e 50 minutos. As gravações acontecerão em várias localizações, incluindo Paraguai, Mexicali, Chicago, Los Angeles e, curiosamente, no Butão, no Sudeste Asiático. Esta diversidade de cenários está intimamente ligada à narrativa, que explorará dois períodos temporais distintos: 1988, oito anos antes dos eventos do primeiro filme, e o ano 2000, seguindo a história de Chris Shiherlis na América do Sul.

Embora o elenco ainda não tenha sido oficialmente anunciado, rumores indicam que Adam Driver poderá interpretar a versão mais jovem de Neil McCauley, papel que foi de Robert De Niro no original. Já Ana de Armas e Austin Butler estão também cotados para papéis centrais, com Butler a suceder Val Kilmer como Chris Shiherlis.

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A expectativa é que HEAT 2 continue a tradição do seu predecessor, oferecendo não só uma narrativa complexa e envolvente, mas também uma experiência cinematográfica única.

Morreu John Aprea, ator de “O Padrinho – Parte II”, aos 83 anos

John Aprea, conhecido pelo seu papel icónico como o jovem Salvatore Tessio em O Padrinho – Parte II, faleceu aos 83 anos. A notícia foi confirmada pelo empresário do ator, que revelou à revista People que Aprea morreu de causas naturais no dia 5 de agosto, na sua casa em Los Angeles, rodeado pela sua família.

Nascido em Englewood, Nova Jersey, John Aprea era filho de imigrantes italianos e iniciou a sua carreira de ator na década de 1960. Começou por trabalhar em teatro antes de se mudar para Los Angeles, onde começou a ganhar notoriedade no cinema e na televisão. A sua carreira incluiu participações em filmes como Bullitt (1967), ao lado de Steve McQueen, The Grasshopper (1970), e The Stepford Wives (1975). No entanto, foi o seu papel em O Padrinho – Parte II (1974) que marcou o ponto alto da sua carreira.

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O Legado de John Aprea em Hollywood

Aprea sempre foi grato pela oportunidade de trabalhar com alguns dos maiores nomes da indústria cinematográfica, como o realizador Francis Ford Coppola e os atores Al Pacino e Robert De Niro. Numa entrevista ao Shreveport Journal, o ator relembrou a sua experiência no set de O Padrinho – Parte II: “Eu estava rodeado pelos melhores”, disse ele, referindo-se ao talento de Coppola, Pacino e De Niro, que tornaram a trilogia de O Padrinho num marco na história do cinema.

Embora o papel de Salvatore Tessio na juventude tenha sido relativamente breve, a sua importância no contexto da narrativa de O Padrinho tornou Aprea uma figura inesquecível para os fãs da saga. A capacidade de Aprea de capturar a essência do personagem, que é mais tarde interpretado por Abe Vigoda, ajudou a solidificar a continuidade da história entre as diferentes gerações de personagens.

Uma Carreira Diversificada

Além do seu trabalho em O Padrinho – Parte II, John Aprea teve uma carreira diversificada, participando em várias produções televisivas. Um dos seus papéis mais notáveis na televisão foi o de Nick Katsopolis na popular série Full House, onde interpretou o pai da personagem de John Stamos. Este papel trouxe-lhe uma nova geração de fãs, ampliando ainda mais o seu reconhecimento.

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Ao longo das décadas, Aprea apareceu em numerosas séries de televisão e filmes, demonstrando a sua versatilidade como ator. A sua capacidade de interpretar uma vasta gama de personagens, desde dramas familiares até épicos criminais, fez dele um ator respeitado tanto pelos seus colegas como pelos críticos.

A Última Despedida

A morte de John Aprea marca o fim de uma era para os muitos fãs de O Padrinho e para aqueles que seguiram a sua longa