Morreu John Aprea, ator de “O Padrinho – Parte II”, aos 83 anos

John Aprea, conhecido pelo seu papel icónico como o jovem Salvatore Tessio em O Padrinho – Parte II, faleceu aos 83 anos. A notícia foi confirmada pelo empresário do ator, que revelou à revista People que Aprea morreu de causas naturais no dia 5 de agosto, na sua casa em Los Angeles, rodeado pela sua família.

Nascido em Englewood, Nova Jersey, John Aprea era filho de imigrantes italianos e iniciou a sua carreira de ator na década de 1960. Começou por trabalhar em teatro antes de se mudar para Los Angeles, onde começou a ganhar notoriedade no cinema e na televisão. A sua carreira incluiu participações em filmes como Bullitt (1967), ao lado de Steve McQueen, The Grasshopper (1970), e The Stepford Wives (1975). No entanto, foi o seu papel em O Padrinho – Parte II (1974) que marcou o ponto alto da sua carreira.

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O Legado de John Aprea em Hollywood

Aprea sempre foi grato pela oportunidade de trabalhar com alguns dos maiores nomes da indústria cinematográfica, como o realizador Francis Ford Coppola e os atores Al Pacino e Robert De Niro. Numa entrevista ao Shreveport Journal, o ator relembrou a sua experiência no set de O Padrinho – Parte II: “Eu estava rodeado pelos melhores”, disse ele, referindo-se ao talento de Coppola, Pacino e De Niro, que tornaram a trilogia de O Padrinho num marco na história do cinema.

Embora o papel de Salvatore Tessio na juventude tenha sido relativamente breve, a sua importância no contexto da narrativa de O Padrinho tornou Aprea uma figura inesquecível para os fãs da saga. A capacidade de Aprea de capturar a essência do personagem, que é mais tarde interpretado por Abe Vigoda, ajudou a solidificar a continuidade da história entre as diferentes gerações de personagens.

Uma Carreira Diversificada

Além do seu trabalho em O Padrinho – Parte II, John Aprea teve uma carreira diversificada, participando em várias produções televisivas. Um dos seus papéis mais notáveis na televisão foi o de Nick Katsopolis na popular série Full House, onde interpretou o pai da personagem de John Stamos. Este papel trouxe-lhe uma nova geração de fãs, ampliando ainda mais o seu reconhecimento.

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Ao longo das décadas, Aprea apareceu em numerosas séries de televisão e filmes, demonstrando a sua versatilidade como ator. A sua capacidade de interpretar uma vasta gama de personagens, desde dramas familiares até épicos criminais, fez dele um ator respeitado tanto pelos seus colegas como pelos críticos.

A Última Despedida

A morte de John Aprea marca o fim de uma era para os muitos fãs de O Padrinho e para aqueles que seguiram a sua longa

Quem é a “Rainha da Cetamina” acusada no caso da morte de Matthew Perry?

Jasveen Sangha, uma mulher de 41 anos, encontra-se no centro de um dos casos criminais mais mediáticos dos últimos tempos nos Estados Unidos. Apelidada de “Rainha da Cetamina” pelos procuradores norte-americanos, Sangha é uma alegada traficante de droga acusada de ter desempenhado um papel crucial na morte do ator Matthew Perry, famoso pela sua participação na série “Friends”. A sua detenção sem possibilidade de fiança, até ao julgamento marcado para outubro, revela a gravidade das acusações que enfrenta.

O Império de Droga em Hollywood

Jasveen Sangha não é uma figura desconhecida nas redes sociais, onde cultivava uma imagem de luxo e glamour. No entanto, por detrás dessa fachada, as autoridades alegam que Sangha liderava uma operação de tráfico de drogas a partir da sua casa em North Hollywood, conhecida entre os investigadores como a “Sangha Stash House”. Segundo o procurador Martin Estrada, esta residência funcionava como um verdadeiro “império de venda de drogas”, com Sangha a fornecer substâncias ilícitas a uma clientela de alto perfil, incluindo celebridades.

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Durante uma busca realizada em março de 2024, as autoridades encontraram mais de 80 frascos de cetamina, além de uma grande quantidade de comprimidos de diversas drogas, como anfetaminas, cocaína e Xanax. Estas substâncias eram alegadamente embaladas e distribuídas por Sangha, que se especializava em atender clientes com elevado poder aquisitivo. De acordo com Erik Fleming, um dos co-acusados no caso, Sangha “só lida com pessoas de classe alta e celebridades”.

A Ligação a Matthew Perry

A acusação contra Jasveen Sangha é particularmente grave devido à alegada ligação à morte de Matthew Perry. Documentos judiciais revelam que Sangha teria vendido ao ator 50 frascos de cetamina, por um total de 11 mil dólares (cerca de 10 mil euros). A cetamina, um anestésico dissociativo com fortes propriedades alucinogénicas, é uma substância perigosa, especialmente quando utilizada fora de um ambiente controlado por profissionais de saúde. No caso de Perry, as autoridades acreditam que a cetamina fornecida por Sangha foi a causa direta da sua morte por overdose em outubro de 2023.

A gravidade do caso é sublinhada pelo facto de Sangha enfrentar nove acusações, incluindo conspiração para distribuir cetamina e distribuição de cetamina resultando em morte. Apesar de se ter declarado inocente durante a sua apresentação a tribunal, o pedido de fiança foi negado, refletindo a seriedade das acusações.

A Vida de Luxo nas Redes Sociais

Além das suas atividades ilícitas, Jasveen Sangha era uma presença ativa nas redes sociais, onde partilhava o seu estilo de vida luxuoso. Com uma vida marcada por viagens a destinos exóticos como México, Espanha, Itália, Japão, Dubai e França, Sangha exibia nas redes o resultado financeiro das suas atividades criminais. Desde automóveis de alta gama até a uma casa de luxo em North Hollywood, tudo fazia parte da imagem que ela projetava online.

Nas redes sociais, Sangha também era vista em eventos exclusivos como os Globos de Ouro e os Óscares, e em companhia de várias celebridades, algumas delas conhecidas pelos seus problemas com o consumo de drogas. Charlie Sheen, por exemplo, é uma das figuras com quem Sangha foi fotografada. Esta imagem pública, no entanto, contrastava fortemente com as atividades que lhe são agora atribuídas pelas autoridades.

Outras Alegações e Futuro de Sangha

As acusações contra Jasveen Sangha não se limitam ao caso de Matthew Perry. A influenciadora é também suspeita de estar envolvida na morte de outra pessoa em 2019, relacionada com o uso de cetamina. Um dos irmãos de Cody McLaury, a suposta vítima, teria confrontado Sangha através de uma mensagem, acusando-a de vender a cetamina que resultou na morte do seu irmão. Esta nova revelação só veio aumentar a pressão sobre Sangha, que poderá enfrentar uma pena que varia de 10 anos de prisão até prisão perpétua.

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O julgamento de Jasveen Sangha, marcado para outubro, promete ser um dos mais acompanhados do ano, não só pela gravidade das acusações, mas também pela notoriedade da vítima e pela vida dupla que a “Rainha da Cetamina” parecia levar.

Conclusão

Jasveen Sangha surge como uma figura complexa e enigmática, cujo estilo de vida extravagante ocultava uma alegada rede de tráfico de drogas com consequências mortais. À medida que o julgamento se aproxima, a atenção mediática sobre o caso cresce, com muitos a aguardarem ansiosamente pelo desenlace deste trágico episódio que ceifou a vida de um dos atores mais queridos de Hollywood.

Morte do Ícone do Cinema Francês Alain Delon aos 88 Anos

O mundo do cinema despediu-se este domingo de um dos seus maiores ícones, Alain Delon, que faleceu aos 88 anos na sua residência em Douchy, França. A notícia foi confirmada pelos seus três filhos, que pediram privacidade neste momento de luto.

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Delon, cuja carreira se estendeu por mais de cinco décadas, foi uma figura central no cinema francês, tendo colaborado com grandes realizadores como Jean-Pierre Melville, Luchino Visconti e Louis Malle. Entre os seus filmes mais memoráveis estão ‘O Círculo Vermelho’, ‘O Leopardo’ e ‘Rocco e os Seus Irmãos’, que cimentaram a sua reputação como um dos maiores atores da sua geração.

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Ao longo da sua carreira, Delon recebeu vários prémios, incluindo um César de Melhor Ator e uma Palma de Ouro honorária em Cannes. Nos últimos anos, o ator afastou-se gradualmente do cinema, aparecendo esporadicamente em eventos públicos. A sua morte marca o fim de uma era no cinema francês, deixando um legado de 122 filmes e uma influência indelével na história do cinema mundial.

Anthony Hopkins Elogia Bryan Cranston e “Breaking Bad” em Carta Pública

O veterano ator Anthony Hopkins, conhecido pelos seus papéis icónicos em filmes como O Silêncio dos Inocentes, expressou recentemente a sua profunda admiração pelo trabalho de Bryan Cranston na série de televisão Breaking Bad. Numa carta que se tornou pública através das redes sociais, Hopkins não poupou elogios à performance de Cranston, descrevendo-a como “a melhor atuação” que já viu na sua vida.

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Na carta, enviada através do agente Jimmy Barber, Hopkins revelou que assistiu a todos os episódios da série num período de duas semanas, afirmando ter ficado “viciado” na trama e na intensidade das performances dos atores. “Nunca vi nada assim… É grandioso!”, escreveu Hopkins, destacando a complexidade e a profundidade da personagem Walter White, interpretada por Cranston.

Hopkins, ele próprio um ator de enorme prestígio, com uma carreira que abrange várias décadas e inúmeros prémios, incluindo dois Óscares, mostrou-se impressionado pela consistência e qualidade da série ao longo das suas cinco temporadas. Para ele, Breaking Bad é uma verdadeira obra-prima, comparável a grandes épicos de Shakespeare ou da tragédia grega, pela forma como retrata a ascensão e queda de Walter White, um professor de química que se transforma num dos maiores criminosos dos Estados Unidos.

Além de Cranston, Hopkins elogiou todo o elenco da série, incluindo Anna Gunn, Aaron Paul, Dean Norris, e Bob Odenkirk, reconhecendo o talento e a dedicação de todos os envolvidos. Ele mencionou que raramente se sente tão inspirado por um trabalho artístico, mas que Breaking Bad renovou a sua fé na qualidade e no poder da arte cinematográfica.

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Este reconhecimento por parte de Hopkins sublinha o impacto cultural de Breaking Bad, uma série que não só conquistou o público e a crítica, mas que também influenciou profundamente outros profissionais da indústria. O elogio de um ator do calibre de Hopkins apenas reforça a posição de Breaking Bad como uma das séries mais importantes e aclamadas da história da televisão.

Pedro Almodóvar Recebe Prémio Donostia no Festival de San Sebastián

O reconhecido realizador espanhol Pedro Almodóvar será homenageado no Festival de Cinema de San Sebastián com o prestigiado Prémio Donostia. Esta distinção, que celebra a carreira notável de Almodóvar, será entregue pela aclamada atriz britânica Tilda Swinton, numa cerimónia que antecede a exibição do seu mais recente filme, “La Habitación de al Lado” (“O Quarto ao Lado”), que estará em competição no festival basco.

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O Prémio Donostia é uma das maiores honras concedidas pelo Festival de San Sebastián, que ao longo dos anos tem celebrado as carreiras de diversas personalidades de destaque no mundo do cinema. A organização do festival destacou a carreira prolífica de Almodóvar, que ao longo dos anos arrecadou mais de 170 prémios e 200 nomeações, incluindo Óscares, Césares, e reconhecimento nos principais festivais de cinema europeus. Além disso, o realizador foi agraciado com doutoramentos ‘honoris causa’ por instituições prestigiadas como as universidades de Oxford e Harvard.

Pedro Almodóvar é conhecido não apenas pelo seu talento artístico e estilo visual distinto, mas também pela forma como aborda temáticas complexas e contemporâneas. O seu cinema é marcado por uma escrita robusta de personagens femininas, uma direção de atores exímia e uma audácia em explorar temas como o universo LGBTIQ+, a religião, o sexo, os vícios e a memória histórica. Além disso, Almodóvar é reconhecido pelo seu compromisso político, manifestando-se publicamente contra conflitos bélicos e os discursos de extrema-direita.

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A homenagem a Almodóvar no Festival de San Sebastián reforça a sua posição como um dos cineastas mais influentes e inovadores do cinema contemporâneo, cuja obra continua a desafiar e a encantar audiências em todo o mundo.

Cinema Português em Destaque no Festival de San Sebastián

O Festival de Cinema de San Sebastián, que decorre entre 20 e 28 de setembro, será palco de uma presença significativa do cinema português, com duas coproduções a serem apresentadas no prestigiado Fórum de Coprodução Europa-América Latina. Estes projetos, dirigidos por cineastas brasileiros e argentinos, destacam-se pela colaboração entre múltiplos países, incluindo Portugal.

Entre os selecionados para o fórum está o projeto “Crocodila”, da realizadora brasileira Gabriela Amaral Almeida, uma coprodução entre Brasil e Portugal. O filme, previsto para estrear em 2026, promete ser uma obra singular, centrando-se na história de uma jovem herdeira de uma corretora de imóveis de luxo no Rio de Janeiro, que gradualmente se transforma num crocodilo assassino com sede de carne humana.

Outro projeto a ser apresentado é “La Escuela Pesada” do realizador argentino Hernán Rosselli, uma coprodução que envolve Portugal e outros sete países. Este filme, que será filmado em 2025, já ganhou atenção ao participar na oficina de coprodução do Festival de Cannes deste ano, aumentando as expectativas em torno do seu desenvolvimento.

Além destes projetos, o filme “On Falling”, da cineasta portuguesa Laura Carreira, integrará a competição oficial do festival, competindo pela Concha de Ouro. Este será um momento de grande relevância para o cinema português, que continua a afirmar-se no panorama internacional através de coproduções e colaborações com realizadores de diversos países.

Hedy Lamarr: A Estrela de Hollywood que Revolucionou a Tecnologia

Hedy Lamarr, nascida Hedwig Eva Maria Kiesler em 1914, em Viena, Áustria, é muitas vezes lembrada como uma das mais belas e talentosas atrizes de Hollywood durante a era de ouro do cinema. No entanto, a sua história vai muito além das câmaras e dos holofotes. Lamarr não só encantou o público com as suas atuações, mas também deixou uma marca indelével no mundo da tecnologia, sendo co-inventora de um sistema de comunicação que se tornou a base para a tecnologia moderna de Wi-Fi, GPS e Bluetooth.

A Ascensão em Hollywood

Hedy Lamarr começou a sua carreira cinematográfica na Europa, onde causou sensação com o filme “Êxtase” (1933), que chocou audiências pela sua ousadia. No entanto, foi em Hollywood que Lamarr realmente encontrou fama. Em 1938, assinou um contrato com a MGM e rapidamente se tornou uma das estrelas mais procuradas da época. Filmes como “Algiers” (1938), “Boom Town” (1940) e “Samson and Delilah” (1949) cimentaram a sua reputação como uma das grandes estrelas do ecrã.

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Com o seu talento natural e uma beleza estonteante, Lamarr conquistou o público e os críticos. Era frequentemente referida como a mulher mais bela do mundo, uma imagem que, embora lhe tenha trazido grande sucesso, também a confinou a papéis estereotipados que pouco refletiam o seu verdadeiro intelecto e capacidade.

O Lado Oculto de Hedy: A Inventora

Por trás da imagem glamorosa de estrela de cinema, Lamarr era uma mulher de notável inteligência e curiosidade. Apaixonada por ciência e tecnologia desde jovem, dedicava muitas horas fora dos estúdios a estudar e a trabalhar em invenções. Durante a Segunda Guerra Mundial, motivada pelo seu desejo de ajudar os Aliados, Lamarr usou o seu talento de forma inesperada.

Em parceria com o compositor George Antheil, Lamarr co-inventou um sistema de comunicação por salto de frequência destinado a guiar torpedos de forma mais precisa e impedir que fossem detetados ou bloqueados pelo inimigo. Esta tecnologia, patenteada em 1942, era revolucionária. Embora não tenha sido imediatamente utilizada durante a guerra, décadas depois, a invenção de Lamarr e Antheil seria reconhecida como precursora das tecnologias sem fio que hoje são fundamentais na nossa vida quotidiana.

Reconhecimento Tardio

Apesar do seu contributo significativo para a ciência e tecnologia, Lamarr não recebeu o devido reconhecimento durante a sua vida. A sua patente expirou antes que a tecnologia fosse amplamente adotada, e foi apenas nas últimas décadas do século XX que a sua contribuição começou a ser devidamente reconhecida. Em 1997, Lamarr e Antheil foram honrados com o Pioneer Award pela Electronic Frontier Foundation, e Hedy foi finalmente reconhecida como uma das grandes mentes inovadoras do século XX.

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Legado Duradouro

Hedy Lamarr faleceu em 2000, mas o seu legado perdura tanto no cinema como na tecnologia. A sua história é um testemunho do poder de uma mente curiosa e determinada, que não se deixou limitar pelas expectativas da sociedade. Lamarr não só quebrou barreiras na indústria cinematográfica, como também deixou um impacto duradouro na ciência e tecnologia, áreas em que as contribuições de mulheres eram (e muitas vezes ainda são) subestimadas.

Para além da sua influência tecnológica, Lamarr continua a ser uma inspiração para mulheres em todo o mundo, mostrando que a inteligência e a beleza não são mutuamente exclusivas. O seu contributo para a tecnologia moderna é um lembrete poderoso de que as inovações mais significativas podem vir de onde menos se espera.

Matt Damon Reflete Sobre a Nova Adaptação de “Mr. Ripley” e o Desafio de Revisitar o Passado

Matt Damon, conhecido pelo seu papel icónico como Tom Ripley no filme “O Talentoso Mr. Ripley” de 1999, revelou recentemente que teve dificuldades em assistir à nova adaptação da história, protagonizada por Andrew Scott. Em uma entrevista recente, o ator, que já interpretou diversas personagens memoráveis ao longo da sua carreira, incluindo Jason Bourne, admitiu que revisitar o universo de Ripley duas décadas depois foi um desafio emocional.

Damon, agora com 53 anos, partilhou as suas memórias sobre a realização do thriller dirigido por Anthony Minghella, uma obra que marcou profundamente a sua carreira. O filme de 1999, baseado no romance de 1955 de Patricia Highsmith, capturou a complexidade psicológica e moral da personagem de Ripley, tornando-se uma referência no género. No entanto, com o lançamento de uma nova série da Netflix em abril, que trouxe Andrew Scott como o novo rosto de Ripley, Damon confessou ter tido dificuldades em revisitar o personagem.

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“Não sei se voltaria a interpretar Ripley”, disse Damon durante a entrevista. “Associo muito do que fizemos ao trabalho com Anthony Minghella, que já nos deixou. Não sei se conseguiria fazê-lo sem ele.” A relação profissional e emocional que Damon desenvolveu com Minghella durante a produção de “O Talentoso Mr. Ripley” parece ter criado uma barreira emocional que o impede de se reconectar plenamente com o personagem.

Damon explicou ainda que, embora reconheça a qualidade da nova adaptação, assistir à série foi difícil devido às suas lembranças pessoais do filme original. “Tive dificuldades em ver a nova versão, por mais bela que seja e por mais talentosos que todos sejam. Foi difícil mergulhar de novo naquela história porque as minhas memórias estão profundamente ligadas a sentimentos pessoais sobre aquela experiência.”

A nova minissérie da Netflix, que se passa em Itália, reinterpreta a história de Tom Ripley, um americano que desenvolve uma obsessão mortal pelo playboy Dickie Greenleaf, interpretado por Johnny Flynn. A série, que conta com oito episódios, explora territórios ainda mais sombrios do que o filme dos anos 90, oferecendo uma visão mais crua e inquietante do personagem de Ripley. Andrew Scott, conhecido pelo seu papel em “Fleabag”, dá vida a um Ripley ainda mais sinistro e perturbador, distanciando-se ligeiramente da interpretação de Damon, que foi marcada por uma ambiguidade moral que gerava uma inesperada simpatia por parte do público.

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A complexidade de Ripley, um homem perturbado e manipulado por desejos sombrios, foi um dos aspectos que Patricia Highsmith, a autora de “O Talentoso Mr. Ripley”, soube explorar com maestria no seu livro. Tanto Damon quanto Scott receberam elogios por conseguir dar vida a uma personagem tão complexa, mantendo o equilíbrio entre a perturbação psicológica e a simpatia do público.

Damon reconheceu o talento de Highsmith ao criar uma narrativa onde o mal triunfa sobre o bem, uma vitória que tanto ele como Scott conseguiram transpor para o ecrã de formas distintas, mas igualmente impactantes. “O que eu previ que faria uma vez, já o estou a fazer neste mesmo livro”, escreveu Highsmith no seu diário. “Ou seja, mostrar o triunfo inequívoco do mal sobre o bem, e rejubilar-me com isso. Farei os meus leitores rejubilarem com isso também.”

O futuro de Damon no papel de Ripley pode ser incerto, mas a sua interpretação do personagem permanece gravada na memória de muitos, assim como a sua admiração pelo trabalho de Anthony Minghella e o impacto duradouro que “O Talentoso Mr. Ripley” teve na sua vida e carreira.

“It Ends With Us”: Um Sucesso Feminino nas Bilheteiras

“It Ends With Us”, o novo drama romântico protagonizado por Blake Lively, superou todas as expectativas ao arrecadar 50 milhões de dólares no seu fim de semana de estreia na América do Norte. Este resultado faz do filme a maior abertura de sempre para Lively como atriz principal, reforçando a sua posição como uma das estrelas mais influentes de Hollywood.

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O filme, que adapta o romance de Colleen Hoover, toca em temas profundos de trauma, amor e escolhas difíceis, centrando-se na personagem de Lively, Lily Bloom, que luta para superar um passado doloroso e construir uma nova vida. A narrativa poderosa e a performance de Lively foram determinantes para o sucesso do filme, especialmente entre o público feminino, que representou 84% dos espectadores.

Internacionalmente, “It Ends With Us” também impressionou, arrecadando 30 milhões de dólares em 42 mercados, totalizando 80 milhões de dólares em todo o mundo. Na Europa, o filme liderou as bilheteiras no Reino Unido, com uma receita de 5,7 milhões de dólares, e teve uma receção calorosa na América Latina e na Ásia-Pacífico, com destaque para a Austrália.

Este desempenho não só destaca a procura por filmes dirigidos ao público feminino, como também sublinha a importância da representação e da diversidade no cinema. O sucesso de “It Ends With Us” demonstra que histórias centradas em personagens femininas complexas e multidimensionais têm um público vasto e fiel.

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Como produtora do filme, Blake Lively desempenhou um papel crucial em todas as etapas da produção, desde a escolha do elenco até à promoção do filme. A sua dedicação e visão ajudaram a transformar “It Ends With Us” num dos filmes mais comentados e bem-sucedidos do ano.

Ryan Reynolds e Blake Lively Dominam as Bilheteiras com “Deadpool & Wolverine” e “It Ends With Us”

O casal de Hollywood, Ryan Reynolds e Blake Lively, alcançou um feito notável nas bilheteiras com os seus mais recentes filmes, “Deadpool & Wolverine” e “It Ends With Us”. Os dois filmes, embora distintos em género e público-alvo, conseguiram capturar a atenção do público global, criando um fenómeno de bilheteiras comparável ao “Barbenheimer”.

“Deadpool & Wolverine” da Marvel Studios e Disney, que se destaca pela sua mistura de humor irreverente e ação desenfreada, continua a quebrar recordes. No seu terceiro fim de semana, o filme arrecadou 54,2 milhões de dólares na América do Norte, elevando o total doméstico para 494,3 milhões e os ganhos internacionais para 535,2 milhões de dólares. Com um total global que ultrapassa a marca de 1,029 mil milhões de dólares, o filme está prestes a destronar “Joker” como o filme R-rated mais lucrativo de sempre nas bilheteiras mundiais.

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Por outro lado, “It Ends With Us”, protagonizado e produzido por Blake Lively, teve uma estreia impressionante, arrecadando 50 milhões de dólares apenas no mercado doméstico, superando todas as expectativas. O filme, baseado no romance best-seller de Colleen Hoover, explora temas de amor, trauma e superação, e captou especialmente o público feminino, com 84% dos bilhetes vendidos a mulheres. A nível global, o filme já arrecadou 80 milhões de dólares, com destaque para os mercados europeus, onde liderou as bilheteiras no Reino Unido.

Este sucesso não só é um marco para o casal, mas também representa um renascimento das bilheteiras de agosto, com as receitas domésticas a subirem 35% em comparação com o mesmo período do ano passado. Além disso, é a primeira vez na história que dois filmes de agosto ultrapassam os 50 milhões de dólares no mesmo fim de semana.

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Ryan Reynolds e Blake Lively têm promovido ativamente os filmes um do outro, evitando qualquer competição direta. Este apoio mútuo e a proximidade das datas de lançamento resultaram no que muitos já chamam de um “momento Barbenheimer”, com ambos os filmes a dominarem as conversas e as bilheteiras.

Joaquin Phoenix desiste de filme a 5 dias do inicio das filmagens

O mundo do cinema foi recentemente abalado por uma notícia inesperada: Joaquin Phoenix, um dos atores mais respeitados e aclamados de Hollywood, abandonou abruptamente um projeto cinematográfico apenas cinco dias antes do início das filmagens. O filme, que seria rodado em Guadalajara, no México, estava envolto em secretismo e prometia ser um marco na carreira do ator, explorando territórios narrativos ousados e controversos. No entanto, o súbito abandono por parte de Phoenix levou ao cancelamento da produção, resultando em perdas financeiras significativas e deixando uma equipa inteira sem emprego.

O Projeto: Ambição e Controvérsia

O filme em questão seria produzido pela renomada Killer Films, conhecida por apoiar projetos independentes e de forte conteúdo artístico. Os direitos de distribuição já haviam sido vendidos a várias empresas internacionais, demonstrando a confiança da indústria no potencial comercial e artístico da obra. No entanto, o que parecia ser mais um sucesso garantido tornou-se num pesadelo logístico e financeiro após a desistência de Phoenix.

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O enredo do filme, cuja trama girava em torno de um detetive homossexual, foi inicialmente concebido pelo próprio ator. Phoenix levou a ideia ao cineasta Todd Haynes, um realizador reconhecido pela sua sensibilidade em retratar temas complexos e personagens marginalizadas. Haynes revelou, em entrevistas anteriores, que o projeto nasceu de “fragmentos de ideias” trazidas por Phoenix, que posteriormente evoluíram para um guião desenvolvido de forma “bastante orgânica”. O filme prometia explorar temas de sexualidade de maneira gráfica e provocativa, algo que, ironicamente, parece ter sido o fator decisivo para o abandono do ator.

As Consequências: Perdas Milionárias e Desemprego

O cancelamento do filme não foi apenas uma desilusão artística; as consequências financeiras são igualmente graves. Com sets já construídos e uma equipa contratada, as perdas para a produção podem ultrapassar os sete dígitos. Todos os profissionais envolvidos, desde técnicos a atores secundários, viram-se subitamente sem emprego, numa altura em que o setor cinematográfico ainda se recupera das dificuldades impostas pela pandemia.

A Killer Films, que já havia investido consideravelmente na pré-produção, enfrenta agora o desafio de compensar os distribuidores internacionais e os acionistas que tinham apostado no projeto. A situação é ainda mais delicada pelo facto de o papel principal, destinado a Phoenix, ter sido concebido à sua medida, tornando praticamente impossível a substituição por outro ator.

A Decisão de Phoenix: Medo ou Consciência Artística?

Uma das questões que permanece no ar é o motivo pelo qual Joaquin Phoenix, conhecido pela sua coragem e compromisso artístico, decidiu abandonar o projeto tão perto do início das filmagens. Fontes próximas da produção sugerem que o ator recuou devido à natureza gráfica das cenas de sexo, algo que parece contraditório, considerando que foi ele próprio a impulsionar a história para “um território mais perigoso”.

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A decisão de Phoenix pode ser interpretada de várias maneiras. Alguns especulam que o ator, apesar da sua experiência e reconhecimento, pode ter sentido que o material era demasiado explícito ou potencialmente prejudicial para a sua imagem pública. Outros acreditam que a decisão foi tomada com base em considerações éticas ou pessoais, que podem nunca ser totalmente esclarecidas ao público.

O Futuro de Joaquin Phoenix

Apesar deste contratempo, Joaquin Phoenix continua a ser uma das figuras mais proeminentes de Hollywood. Com a estreia da aguardada sequela de “Joker” prevista para outubro, onde contracena com Lady Gaga, o ator deverá voltar a capturar a atenção do público e da crítica. Este novo filme, que será uma espécie de musical, marca um contraste significativo com o projeto abandonado, talvez indicando uma mudança de direção na carreira de Phoenix.

Este incidente, embora lamentável para todos os envolvidos, destaca as complexidades e os riscos inerentes à produção cinematográfica, especialmente quando se trata de projetos que desafiam as normas e exploram territórios sensíveis. Resta saber se algum dia o público terá a oportunidade de ver a visão original de Joaquin Phoenix e Todd Haynes concretizada, ou se esta será mais uma daquelas histórias de Hollywood que ficarão para sempre envoltas em mistério e especulação.

“To Catch a Thief” – A Elegância de Hitchcock na Riviera Francesa

“To Catch a Thief” (1955), realizado por Alfred Hitchcock e estrelado por Cary Grant e Grace Kelly, é uma obra-prima do cinema clássico que combina romance, suspense e o deslumbrante cenário da Riviera Francesa. Este filme não só marcou um ponto alto na carreira dos seus protagonistas, mas também se tornou um dos maiores sucessos da década.

Cary Grant tinha anunciado a sua retirada da representação em fevereiro de 1953, afirmando que, com a ascensão de atores do Método como Marlon Brando, o público já não tinha interesse em vê-lo. Grant também estava desapontado com a forma como Sir Charles Chaplin tinha sido tratado pelo HUAC. No entanto, foi persuadido a sair da reforma para fazer este filme, continuando a sua carreira por mais onze anos.

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Durante as filmagens na Riviera Francesa, Grace Kelly conheceu o Príncipe Rainier de Mônaco. Embora não tenha sido amor à primeira vista para Kelly, o príncipe iniciou uma longa correspondência que culminou no casamento deles em 1956. Kelly tornou-se então Princesa Grace de Mônaco e retirou-se da representação.

Sir Alfred Hitchcock fez o filme porque queria umas férias no sul de França. O filme foi rodado no verão de 1954, mas a sua estreia foi adiada porque os produtores acharam que a diferença de idade entre Cary Grant e Grace Kelly era demasiado grande para que o romance fosse credível. Ironicamente, quando lançado em 1955, o filme tornou-se imediatamente num dos maiores sucessos da década.

De todos os filmes que Hitchcock fez para a Paramount Pictures, “To Catch a Thief” foi o único cujos direitos o estúdio manteve. Todos os outros filmes, incluindo “Rear Window” (1954), “Vertigo” (1958) e “Psycho” (1960), foram vendidos de volta ao próprio diretor e, mais tarde, revendidos pela sua filha, Patricia Hitchcock O’Connell, à Universal em 1983, três anos após a sua morte.

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No filme, Jessie Royce Landis interpretou a potencial sogra de Cary Grant. Em “North by Northwest” (1959), ela interpretou a sua mãe. Na realidade, ela era menos de oito anos mais velha que Grant. Curiosamente, Grant só tem uma linha no início do filme, não falando a sua segunda linha até catorze minutos após o início. Grace Kelly não fala até quase 32 minutos no filme.

Existem duas referências à aversão de Hitchcock a gemas de ovo escorrendo: no início, quando a equipe da cozinha do restaurante – seus ex-colegas do crime e camaradas da resistência francesa – acreditam que Cary Grant é responsável pelos recentes roubos, alguém atira um ovo cru, que acerta no vidro e se espalha. Mais tarde, Jessie Royce Landis apaga um cigarro num ovo estrelado. Por outro lado, quando convida o agente de seguros (interpretado por John Williams) para almoçar, ele serve uma quiche Lorraine.

“To Catch a Thief” foi filmado principalmente nos estúdios da Paramount, em Hollywood, Califórnia, e em locações nos Alpes Marítimos do sudeste da França, na costa do Mediterrâneo. Incluiu os resorts de Cannes, Nice, Villefranche-sur-Mer e Saint-Jeannet. Uma coincidência humorística pode ser encontrada na cena no autocarro, onde Robie olha para a direita e vê uma gaiola cheia de pássaros no assento ao lado, e depois olha para o outro lado e vê Sir Alfred Hitchcock sentado à sua esquerda. Oito anos depois, Hitchcock lançou “The Birds” (1963).

O filme teve críticas mistas dos críticos, com alguns a desfrutar de Grant e Kelly nos papéis principais, assim como do cenário da Riviera Francesa, enquanto outros expressaram desilusão pela falta de suspense em comparação com filmes anteriores de Hitchcock. Grace Kelly fez três dos seus onze filmes com Hitchcock, sendo os outros “Dial M for Murder” (1954) e “Rear Window” (1954).

No Rotten Tomatoes, o filme tem uma classificação de aprovação de 92% baseada em críticas de 53 críticos, com uma classificação média de 7.9/10, e o consenso crítico lê-se: “Pode ocasionalmente ser culpado de se apoiar apenas no charme puro, mas ‘To Catch a Thief’ tem isso de sobra – assim como um par de estrelas perfeitamente combinadas em Cary Grant e Grace Kelly.”

Steve Martin Recusa Papel de Tim Walz em ‘Saturday Night Live’

Steve Martin, o aclamado ator e comediante, recusou recentemente a oportunidade de interpretar Tim Walz, o candidato a vice-presidente de Kamala Harris, no programa ‘Saturday Night Live’ (SNL).

Segundo o Los Angeles Times, o criador do SNL, Lorne Michaels, ofereceu o papel a Martin, mas o ator declinou educadamente. “Queria dizer não e, aliás, ele queria que eu dissesse não”, contou Martin ao LA Times. “Eu disse ‘Lorne, não sou um impressionista. Precisam de alguém que realmente consiga capturar o personagem.’ Fui escolhido porque tenho cabelo grisalho e uso óculos.”

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Martin também mencionou o compromisso de tempo que um papel recorrente no SNL exigiria, referindo-se à experiência de Alec Baldwin, que interpretou Donald Trump durante vários anos no programa. “É um compromisso contínuo”, explicou Martin. “Não é como fazer uma vez e receber aplausos e nunca mais fazer. Eles precisam de um verdadeiro impressionista para isso. Vão encontrar alguém realmente bom. Eu estaria a lutar.”

O nome de Martin começou rapidamente a ser tendência na rede social X (anteriormente Twitter) após Harris ter escolhido o governador de Minnesota, Tim Walz, como seu companheiro de chapa para a candidatura presidencial de 2024. Martin, que tem feito aparições frequentes e apresentado o SNL inúmeras vezes, comentou sobre a conversa na sua conta do Instagram Threads: “Acabei de saber que Tim Walz quer fazer uma digressão com Marty Short.”

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Steve Martin e Martin Short, seu amigo de longa data e co-estrela de “Only Murders in the Building”, já têm vários espetáculos ao vivo agendados para este outono nos Estados Unidos. Embora Martin tenha recusado o papel, outros nomes foram sugeridos pelos utilizadores do X, incluindo Danny DeVito, Tom Arnold, Bradley Whitford, Jim Gaffigan, entre outros.

Mark Wahlberg em “Boogie Nights” e as suas Reflexões sobre o Filme

Mark Wahlberg comentou sobre o seu papel em “Boogie Nights” (1997): “Foi um sucesso e tinha um bom guião, uma história real. Também ajudou na carreira de Burt Reynolds e agora posso simpatizar mais com isso, agora que estou na indústria há bastante tempo, então posso ver como fazer um retorno que é popular e também apreciado pela crítica é algo raro e muito especial.”

No entanto, em 2017, Wahlberg disse: “Eu só espero que Deus seja um fã de cinema e também perdoador porque fiz algumas escolhas pobres no meu passado. ‘Boogie Nights’ está lá no topo da lista.”

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O ator disse que ter uma família mudou a sua perspetiva sobre o tipo de papéis que aceita. Wahlberg não necessariamente se arrepende de ter estrelado em “Boogie Nights”, que é frequentemente citado como o seu grande avanço dramático, mas ele provavelmente nunca assumiria um papel como Dirk Diggler agora que é pai.

“Eu não quero comprometer a minha integridade artística ou escolhas com base na minha fé ou na minha família, mas também tenho outras coisas a considerar e sendo um pouco mais velho e um pouco mais sábio, a ideia de ter que explicar esse filme e a razão por trás dele aos meus filhos é outra questão.”

No final do filme, Wahlberg está em frente a um espelho. De repente, ele abre o fecho das calças e expõe o seu órgão genital bastante grande. É um dispositivo protético feito de borracha. Wahlberg guardou este adereço como uma lembrança do filme. Foi feito de uma combinação de borracha e espuma biodegradável, que segundo Wahlberg, já começou a deteriorar-se.

Leonardo DiCaprio foi originalmente oferecido o papel de Eddie Adams/Dirk Diggler. Ele gostou do guião, mas recusou porque já tinha assinado para fazer “Titanic” (1997). Foi DiCaprio quem sugeriu Wahlberg para o papel. Wahlberg originalmente não queria fazer o filme após o fracasso de alto perfil de “Showgirls” (1995). Ele mudou de ideia após ler o guião.

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A longa cena estática de Dirk na casa de Rahad Jackson – onde a sua expressão muda lentamente de um estado de torpor drogado para um de tormento moral e espiritual – foi improvisada por Wahlberg. Quando um executivo do estúdio disse ao diretor Paul Thomas Anderson para cortar a cena, Anderson recusou, afirmando que era a melhor cena de todo o filme.

Gene Hackman: Uma Carreira de Altos e Baixos

“Fui treinado para ser ator, não uma estrela. Fui treinado para interpretar papéis, não para lidar com fama, agentes, advogados e a imprensa.”

Durante as filmagens de “Hoosiers” (1986), o escritor e produtor Angelo Pizzo comentou sobre Gene Hackman: “Quando ele chegou, estava geralmente de mau humor. Nós chamávamos-lhe a nuvem negra. Ele começou a reclamar de tudo. Houve alguns surtos no set, alguns lançamentos de casacos e quase lutas. Houve todo tipo de drama no set. Então Dennis Hopper chegou três semanas depois do início das filmagens e acalmou Gene. Acho que Gene decidiu apenas aguentar e terminar aquilo e sair de lá.”

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Segundo Pizzo, no último dia de filmagens, Hackman disse: “Eu só quero que estejam preparados para o facto de que este filme pode passar em algumas telas aqui em Indiana, mas depois acabará no lixo dos filmes que nunca fizeram sucesso, e as únicas pessoas que se lembrarão dele serão vocês dois. E espero esquecê-lo quando meu avião pousar em Los Angeles.”

Comentou Pizzo: “Gene tinha muito mais experiência em fazer filmes do que nós, então achamos que a sua avaliação provavelmente era precisa.”

Durante uma montagem feliz das vitórias consecutivas da equipa da escola secundária Hickory, o personagem de Hackman foi mostrado a dizer algo ao personagem de Hopper no banco, que fez Shooter rir. Anos depois, o diretor David Anspaugh soube o que Hackman disse: “Hackman disse-lhe: ‘Hopper, espero que tenhas investido bem porque tu e eu nunca mais vamos trabalhar depois deste filme. Este é um filme que acaba com a carreira para ambos.'”

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Hackman disse: “Eu aceitei o filme numa época em que estava desesperado por dinheiro. Eu aceitei pelas razões erradas e acabou por ser um daqueles filmes que ficam. Eu era daquela área do país e conhecia aquele evento, estranhamente. Filmámos a cinquenta milhas de onde eu cresci. Então foi um sentimento bizarro. Nunca esperei que o filme tivesse o tipo de longevidade que tem tido.”

Hackman insistiu em ver uma versão preliminar do filme antes de regravar alguns dos seus diálogos. “Angelo e eu sabíamos que se ele não gostasse da versão preliminar, ele não apareceria no estúdio para regravar o seu diálogo,” disse Anspaugh. “Mas ele apareceu. Ele entrou na sala, tirou os óculos, olhou-me nos olhos e disse, ‘Como diabo fizeste isso?'”

Steven Soderbergh e a sua Jornada Cinematográfica

Steven Soderbergh é conhecido por ser a primeira câmara em muitos dos seus filmes; como resultado, ele operou a câmara na maior parte das filmagens de “Traffic” (2000), incluindo a cena em que Michael Douglas viaja até a fronteira da Califórnia para discutir a interdição de drogas, que foi realmente filmada na travessia de Tijuana. A qualidade de vídeo e som é tão baixa em parte porque não era para fazer parte do filme. Douglas, fora do personagem, começou a perguntar a Rudy M. Camacho sobre o tráfico de drogas na fronteira. Na época, Camacho era o chefe da Alfândega na vida real responsável pelas travessias da fronteira da Califórnia. Soderbergh começou a filmar com uma câmara de mão, rezando para que Camacho não se dirigisse ao ator como “Sr. Douglas”.

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Para conseguir um visual distinto para cada vinheta diferente na história, Soderbergh usou três tipos diferentes de película (e técnicas de pós-produção), cada uma com o seu próprio tratamento de cor e grão para a impressão. A história “Wakefield” apresenta um tom mais frio e azulado para combinar com a emoção triste e depressiva. A história “Ayala” é brilhante, cintilante e saturada em cores primárias, especialmente vermelho, para combinar com a superfície glamorosa da vida de Helena. A história “Mexicana” parece granulada, áspera e quente para acompanhar a paisagem mexicana robusta e cidades congestionadas.

O primeiro dia de filmagens teve de ser regravado inteiramente: Soderbergh usou o método conhecido como “flashing the negative” (expor o filme a uma pequena quantidade de luz branca e depois desenvolvê-lo). Alguém no laboratório cometeu um erro e executou o processo em todos os rolos de negativos completamente.

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No primeiro dia de produção de “Sex, Lies, and Videotape” (1989), o primeiro filme de Soderbergh, os produtores enviaram um telegrama a Soderbergh. Eles provocaram-no de forma bem-humorada, dizendo que tinham ouvido dizer que ele “não conseguia dirigir o trânsito”. Doze anos depois, Soderbergh ganhou um Oscar por dirigir “Traffic”. Com este filme e “Erin Brockovich” (2000), Soderbergh tornou-se a décima pessoa a dirigir múltiplos filmes indicados ao Oscar de Melhor Filme no mesmo ano.

Robert De Niro: Um Legado Cinematográfico e Imobiliário

Robert De Niro não só deixou uma marca indelével em Hollywood, mas também fez um impacto significativo no domínio imobiliário. Renomado pelos seus papéis versáteis e atuações icónicas, a jornada de De Niro estende-se para além do grande ecrã, incluindo uma narrativa cativante de posse de propriedades e disputas legais.

A incursão de De Niro no imobiliário inclui a transformação de um celeiro antiquado numa mansão moderna e vanguardista, uma propriedade posteriormente avaliada em impressionantes 6 milhões de dólares. No entanto, esta obra-prima arquitetónica ficou envolvida numa disputa legal com a cidade de Gardiner sobre impostos prediais que o ator contestou.

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Enquanto mantém uma presença ativa em Hollywood, De Niro encontra consolo e alegria na companhia dos seus filhos e netos. Frequentemente visto a desfrutar de um simples prazer, como partilhar um gelado com a família perto da sua residência em Nova Iorque, De Niro abraça tanto o glamour de Hollywood quanto a calorosa convivência familiar.

Ao longo dos anos, De Niro possuiu várias casas luxuosas, algumas atingindo preços impressionantes de até 25 milhões de dólares. Nascido a 17 de agosto de 1943, a carreira ilustre do ator abrange géneros com desempenhos notáveis em filmes de Martin Scorsese e uma reputação pela sua brilhante comédia ao lado das suas interpretações dramáticas.

A Jornada Cinematográfica de De Niro

A jornada cinematográfica de De Niro começou com um movimento audacioso ao abandonar a escola aos 16 anos para perseguir a carreira de ator. A transição das peças Off-Off-Broadway para o grande ecrã marcou o início de uma carreira notável. As suas colaborações com Martin Scorsese, incluindo “Mean Streets” e “The Godfather Part II”, catapultaram-no para a vanguarda da indústria cinematográfica, rendendo-lhe elogios e um Oscar de Melhor Ator Secundário.

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Para além dos contos de gangsters, De Niro demonstrou a sua destreza na representação em papéis diversificados, como “The Deer Hunter” e “Taxi Driver”, ganhando outro Oscar de Melhor Ator. Os anos 80 viram-no explorar papéis de comédia, consolidando a sua reputação como um ator versátil com filmes como “The King of Comedy” e “Midnight Run”.

Um Retiro Palaciano em Nova Iorque

A residência principal de De Niro, situada em Gardiner, Nova Iorque, é um testemunho do seu gosto exigente. Adquirindo a propriedade em 1997 por 1,5 milhões de dólares, a mansão de 2222 metros quadrados em 98 acres passou por uma remodelação extensiva. O celeiro metamorfoseou-se num centro recreativo de 14000 metros quadrados, com uma sala de boxe, estúdio de cinema, sala de jogos, piscina, sala de vapor e sauna.

O complexo estende-se para além da mansão, englobando celeiros adicionais convertidos em oficina e escritório, duas casas de hóspedes, um campo de ténis e até uma pista de esqui. Apesar da opulência, a propriedade tornou-se o epicentro de uma batalha legal de três anos sobre impostos prediais. A avaliação inicial de 1,5 milhões de dólares aumentou para 6 milhões, levando De Niro a contestar os encargos.

Robert De Niro: Um Legado Cinematográfico e Imobiliário

Um Homem de Família em Hollywood

Para além dos seus triunfos cinematográficos e empreendimentos imobiliários, De Niro é um pai devoto de sete filhos de várias relações. O seu primeiro casamento com a cantora Diahnne Abbot rendeu um filho, Raphael, enquanto a sua relação com a modelo Toukie Smith resultou em gémeos, Julian e Aaron. O seu casamento com Grace Hightower trouxe dois filhos, Elliot e Helen, ao mundo.

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Navegando pelas complexidades da paternidade, De Niro valoriza momentos com os seus filhos, fomentando conversas abertas sobre tópicos cruciais como direitos civis e o movimento Black Lives Matter. Apesar dos desafios, ele encontra alegria na companhia da família e incentiva os seus filhos a perseguirem as suas paixões, alertando-os para não “se subestimarem”.

Enquanto a propriedade de Gardiner de De Niro se tornou um ponto focal de contenção legal, o seu compromisso duradouro com a família, uma carreira multifacetada e um legado de brilhantismo cinematográfico pintam um retrato abrangente de um ator cuja influência transcende os limites de Hollywood.

Goldie Hawn: A Versatilidade e Carisma de uma Lenda de Hollywood

Goldie Hawn, nascida a 21 de novembro de 1945, em Washington, D.C., é uma atriz, produtora e comediante americana celebrada pela sua personalidade vibrante e versatilidade tanto em papéis cómicos como dramáticos. A carreira de Hawn abrange várias décadas, marcada pela sua mistura distintiva de charme, humor e talento.

Ascensão ao Estrelato

Hawn ganhou destaque inicialmente como regular no programa de comédia “Rowan & Martin’s Laugh-In” (1968-1973). O seu trabalho no programa, particularmente a sua energia contagiante e o seu timing cómico, valeu-lhe um Globo de Ouro e estabeleceu-a como uma estrela em ascensão em Hollywood. Este sucesso televisivo precoce abriu caminho para a sua transição para o cinema.

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Sucesso no Cinema

Nos anos 70 e 80, Hawn tornou-se uma grande estrela de cinema, conhecida pelos seus papéis em uma série de comédias de sucesso e aclamadas pela crítica. A sua performance em “Cactus Flower” (1969), que lhe valeu o Óscar de Melhor Atriz Secundária, mostrou o seu talento para misturar humor com profundidade. Continuou a cativar o público com êxitos como “The Sugarland Express” (1974), “Private Benjamin” (1980) e “Overboard” (1987). Em “Private Benjamin”, Hawn interpretou uma jovem rica que se junta ao exército, um papel que solidificou ainda mais a sua reputação de brilhantismo cómico e lhe valeu outra nomeação para o Óscar.

Contribuições como Produtora

Para além da sua carreira de atriz, Hawn fez contribuições significativas como produtora. Co-fundou a empresa de produção Hawn/Goldie Productions e produziu vários filmes de sucesso, incluindo “The First Wives Club” (1996), que foi um grande êxito e demonstrou ainda mais a sua influência na indústria.

Impacto Além do Ecrã

A influência de Hawn estende-se para além do ecrã. Ela é conhecida pelo seu trabalho na promoção da saúde mental positiva e bem-estar. Em 2003, fundou a Hawn Foundation, que se concentra em melhorar as vidas das crianças através de programas de aprendizagem social e emocional. O trabalho da fundação reflete o compromisso de Hawn em fomentar a resiliência e a inteligência emocional nos jovens.

Vida Pessoal e Parcerias Profissionais

A sua vida pessoal também tem sido objeto de interesse público. Hawn mantém uma longa e notória relação com o ator Kurt Russell, com quem partilha uma forte parceria pessoal e profissional. O casal, que trabalhou junto em vários filmes, é conhecido pela sua relação duradoura e de apoio mútuo.

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Legado Duradouro

A carreira de Goldie Hawn é marcada pela sua capacidade de transitar de forma fluida entre comédia e drama, o seu papel influente como produtora e o seu compromisso com esforços filantrópicos. O seu legado em Hollywood é definido pelo seu talento notável, charme duradouro e impacto positivo tanto dentro como fora do ecrã.

Goldie Hawn continua a ser uma figura inspiradora na indústria cinematográfica, não apenas pelas suas contribuições artísticas, mas também pelo seu trabalho em prol da saúde mental e do bem-estar das crianças. A sua carreira multifacetada e as suas iniciativas filantrópicas asseguram que o seu impacto perdure por muitas gerações.

Como uma Fotografia Mudou o Rumo da Franquia 007

Imagine ver uma fotografia tão impressionante que altera o curso de uma lendária franquia de filmes. Foi exatamente isso que aconteceu quando Dana Broccoli, esposa do produtor de 007, Albert “Cubby” Broccoli, deparou-se com uma imagem do jovem Sean Connery. Ao vê-la, exclamou imediatamente: “Aqui está o James Bond!”

Esta não foi uma observação casual; foi uma mudança de jogo. Ian Fleming, o criador de James Bond, inicialmente imaginou Cary Grant no papel. Cubby Broccoli, por sua vez, tinha Peter O’Toole em mente. Mas foi o olhar atento de Dana que fez a chamada de casting do século. A sua intuição levou Sean Connery a tornar-se o rosto icónico de James Bond, redefinindo o personagem para as gerações futuras.

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A Origem do Momento Decisivo

Nos anos 60, a busca pelo ator perfeito para interpretar James Bond era intensa. A personagem, nascida das páginas dos romances de Ian Fleming, precisava de uma presença que encapsulasse charme, força e sofisticação. Cary Grant, uma estrela estabelecida, parecia uma escolha natural para Fleming, enquanto Peter O’Toole, com o seu talento dramático, era o favorito de Cubby Broccoli.

No entanto, tudo mudou com uma simples fotografia. Dana Broccoli estava a folhear uma coleção de imagens quando se deparou com Sean Connery. Naquele instante, ela viu algo que ninguém mais tinha visto – a essência de James Bond capturada em uma única imagem.

A Escolha que Redefiniu James Bond

Convencer Fleming e Cubby não foi tarefa fácil. Connery não era uma estrela de cinema consolidada na época, e muitos tinham dúvidas sobre se ele poderia dar vida ao agente secreto britânico de forma convincente. Contudo, a determinação de Dana Broccoli foi inabalável. Ela acreditava que Connery tinha o carisma e a presença necessários para tornar Bond um ícone cinematográfico.

Eventualmente, a visão de Dana prevaleceu. Sean Connery foi escolhido para o papel e fez a sua estreia como James Bond em “Dr. No” (1962). A sua interpretação de Bond combinava dureza com sofisticação, criando uma nova imagem para o espião que rapidamente conquistou o público. Connery não apenas desempenhou o papel; ele encarnou a personagem, estabelecendo um padrão que influenciaria todos os futuros intérpretes de 007.

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O Impacto Duradouro de uma Fotografia

A decisão de casting tomada por Dana Broccoli teve repercussões profundas na franquia de James Bond. Sean Connery interpretou Bond em sete filmes, e o seu impacto é sentido até hoje. Cada ator que assumiu o manto de 007, desde Roger Moore a Daniel Craig, teve que medir-se contra o legado deixado por Connery.

Esta história ilustra o poder de uma fotografia bem-timed. Uma simples imagem foi suficiente para mudar a trajetória de uma das franquias mais duradouras do cinema. Dana Broccoli, com o seu olhar atento, não apenas escolheu um ator; ela ajudou a definir um legado que continua a cativar o público mundialmente.

Conclusão

A intuição e o olhar crítico de Dana Broccoli provaram ser um ponto de viragem na história do cinema. A escolha de Sean Connery como James Bond transformou não apenas a sua carreira, mas também a própria franquia 007. Este evento destaca como momentos aparentemente pequenos podem ter impactos monumentais, especialmente no mundo do cinema, onde a visão e a escolha certas podem criar lendas.

28 Years Later”: A Sequela de Ficção Científica com Cillian Murphy

cilliam murphy

A tão aguardada sequela de “28 Days Later” (2002), intitulada “28 Years Later”, está a caminho, com Cillian Murphy a retomar o seu papel no mundo pós-apocalíptico criado por Danny Boyle. As gravações da sequela foram recentemente concluídas, e o lançamento nos Estados Unidos está agendado para 20 de junho de 2025 .

Com um argumento de Alex Garland e a direção de Danny Boyle, a sequela promete trazer novamente a intensidade e a inovação que marcaram o filme original. Além de Murphy, o elenco conta com estrelas como Aaron Taylor-Johnson, Jodie Comer, Ralph Fiennes e Jack O’Connell .

“28 Years Later” marca o início de uma nova trilogia no universo apocalíptico, com Garland a escrever e produzir as próximas sequências. A realizadora Nia DaCosta assumirá a direção dos capítulos seguintes. Rumores indicam que a próxima obra da saga, “The Bone Temple”, começará a ser filmada em Londres em 2024 .