🎭 Judith Godrèche Exige Ação Política Após Relatório “Chocante” Sobre Abusos na Cultura Francesa

A atriz francesa Judith Godrèche voltou a posicionar-se como uma das vozes mais firmes do movimento #MeToo em França, depois da divulgação de um relatório parlamentar que descreve o panorama da violência moral, sexista e sexual no sector cultural francês como “sistémico, endémico e persistente”.
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Godrèche classificou as conclusões do inquérito como “chocantes” e “bastante assustadoras”, e apelou diretamente à classe política francesa para agir. Segundo a atriz, “mais ninguém pode dizer ‘não sabíamos’”. 📢

Um relatório com 86 recomendações… e muitas feridas expostas

O documento é o resultado de seis meses de audiências levadas a cabo por uma comissão de inquérito da Assembleia Nacional Francesa, presidida pela deputada ecologista Sandrine Rousseau, também ela uma reconhecida ativista feminista. Foram ouvidas mais de 350 pessoas de áreas como o cinema, teatro e televisão.

O relatório recomenda 86 medidas que visam regular e proteger os trabalhadores da cultura, entre elas:

  • Regras mais rígidas para castings
  • Monitorização especial de menores em ambientes de filmagem
  • Criação de canais de denúncia acessíveis e independentes
  • Formação obrigatória para quem ocupa cargos de chefia artística

Rousseau não poupou palavras: o setor cultural francês é, nas suas palavras, uma “máquina de triturar talentos”.

“O cinema é uma grande família incestuosa” 🎬

Numa entrevista à Franceinfo, Godrèche expressou frustração, mas não surpresa com o conteúdo do relatório:

“É impressionante e bastante assustador. Mas não estou surpreendida. Não esperava nada melhor.”

A atriz, que recentemente se tornou o rosto mais visível do #MeToo francês, sublinhou que o problema não está confinado ao cinema:

“As relações de poder e os abusos de poder são os mesmos que se encontram na Igreja, nas escolas, em todo o lado.”

Godrèche acusou publicamente o realizador Benoît Jacquot de violação, revelando que iniciou uma relação com ele quando tinha apenas 14 anos. Acusações semelhantes foram feitas contra Jacques Doillon, também realizador, o que levou à abertura de investigações judiciais distintas.

Uma luta que chegou ao coração do sistema 🎬⚖️

Godrèche insiste que a responsabilidade deve recair sobre os que ocupam posições de poder nos sets de filmagem:

“As pessoas com mais poder têm de assumir a responsabilidade pelo sofrimento dos que têm menos.”

A atriz tem-se afirmado não apenas como uma voz corajosa, mas como uma força mobilizadora. Em fevereiro deste ano, emocionou o público francês com um discurso poderoso na cerimónia dos Césares (os Óscares do cinema francês), onde denunciou a cultura de silêncio e impunidade.

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Este relatório surge como um ponto de viragem potencial — mas Judith Godrèche deixa claro que não basta “recomendar”. É preciso agir, legislar e transformar o sistema. Ou, como ela diz, deixar de fingir que não sabíamos.

🎬 Werner Herzog Vai Receber Leão de Ouro em Veneza — Mas Reformado é que Ele Não Está!

O lendário realizador alemão Werner Herzog vai ser homenageado com o Leão de Ouro de carreira na 82.ª edição do Festival de Cinema de Veneza, a decorrer entre 27 de agosto e 6 de setembro. A distinção celebra uma vida inteira de cinema ousado, físico, profundamente humano… e muitas vezes, um bocadinho louco (no melhor dos sentidos). 🦁

Herzog, conhecido por obras como Fitzcarraldo (1982), Aguirre, o Aventureiro (1972), Nosferatu, o Vampiro (1979) ou o perturbador documentário Grizzly Man (2005), é descrito pela organização do festival como “um cineasta físico e um caminhante incansável”. Nada mal para quem já conta 82 anos de idade — e ainda está, literalmente, a correr o mundo a filmar.

Um Romântico do Absurdo

Segundo Alberto Barbera, diretor do Festival de Veneza, Herzog é “o último herdeiro da grande tradição do romantismo alemão, um humanista visionário e um explorador incansável, em perpétua deambulação, à procura — nas suas próprias palavras — ‘de um lugar decente para a Humanidade, uma paisagem para a alma’”. 💫

Mais do que palavras bonitas, esta homenagem reconhece uma carreira singular, marcada por obras desafiantes e por um olhar profundamente filosófico sobre o homem, a natureza e o absurdo da existência. Herzog filmou no meio da selva, em desertos, nas profundezas do gelo, e até nos limites do espaço (literal e metaforicamente).

Um “reformado” muito ativo 📽️

Se alguém pensa que o Leão de Ouro de carreira significa que Herzog está pronto para pendurar a câmara… pense outra vez. O realizador terminou há poucas semanas o documentário Ghost Elephants, rodado em África, e está atualmente na Irlanda a filmar uma nova longa-metragem de ficção, com o sugestivo título Bucking Fastard (sim, é mesmo isso que está a pensar 🤭).

E há mais: Herzog está a desenvolver um filme de animação baseado no seu livro O Crepúsculo do Mundo, publicado também em Portugal, e emprestará a sua voz inconfundível a um projeto animado do sul-coreano Bong Joon Ho(Parasitas). Aos 82 anos, continua mais produtivo do que muitos realizadores na flor da idade — e, felizmente, tão imprevisível como sempre.

Um Legado Literário Também Presente em Portugal 📚

Além do cinema, Herzog tem uma faceta menos conhecida mas igualmente fascinante: a escrita. Em Portugal estão publicados vários dos seus livros, incluindo:

  • O Crepúsculo do Mundo
  • A Conquista do Inútil
  • Caminhar no Gelo
  • Cada Um Por Si e Deus Contra Todos

Todos eles mergulham no seu universo interior — ora contemplativo, ora inquieto — e oferecem novas janelas para perceber o que o move artisticamente. São obras tão singulares como os seus filmes, escritas com o mesmo olhar febril que o leva a filmar cascatas selvagens, homens em conflito com a natureza ou… ursos assassinos.

Um Leão Merecido

O Leão de Ouro é, sem dúvida, um dos prémios mais justos da temporada. Não apenas por tudo o que Werner Herzog já fez, mas também por aquilo que ainda está a fazer — e promete continuar a fazer. A sua carreira é um lembrete constante de que o cinema, quando feito com paixão, não conhece limites. Nem idade.

🎥 Bravo, Herzog. E que venha o próximo filme.

🎬 Jenna Ortega Parte o Silêncio: Porque Abandonou Realmente o Universo Scream

Depois de meses de especulação, Jenna Ortega quebrou finalmente o silêncio sobre a sua saída da popular saga Scream, e a resposta está longe das habituais “incompatibilidades de agenda”. A verdade é outra — mais pessoal, mais política… e mais humana.

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Em entrevista recente à revista The Cut, a atriz de 22 anos revelou que o verdadeiro motivo que a levou a abandonar o papel de Tara Carpenter não foi o dinheiro, nem os compromissos com Wednesday. Foi o despedimento polémico de Melissa Barrera, sua parceira de ecrã e irmã na ficção, que precipitou a sua decisão.

“A situação com a Melissa estava a acontecer e tudo estava a desmoronar-se”, confessou Ortega. “Se Scream VII não fosse com aquela equipa de realizadores e aquelas pessoas de quem me apaixonei, então não me parecia a escolha certa para mim, naquele momento da minha carreira.”

🩸 De irmãs no ecrã a aliadas fora dele

A saída de Melissa Barrera, motivada por publicações nas redes sociais em que demonstrava apoio à Palestina durante a guerra em Gaza, gerou grande polémica. A atriz foi acusada pela produtora Spyglass de “incitamento ao ódio” e “distorção do Holocausto” — acusações pesadas que levaram à sua demissão imediata em 2023.

Jenna Ortega, solidária com a colega, abandonou o projeto no dia seguinte. E mais tarde fez questão de lhe prestar apoio pessoalmente.

“Falámos durante algum tempo”, disse Barrera numa entrevista. “Adoro-a imenso. Foi muito solidária comigo, e somos irmãs para a vida.”

Num gesto que ecoa o espírito do slasher original — onde a lealdade pode salvar (ou perder) uma vida — Ortega demonstrou que, para lá dos papéis, há valores que não abdica. 👏

🎬 Fim de um ciclo, início de outro

Ortega admite também que está a tentar afastar-se dos franchises e procurar histórias originais e realizadores emergentes. Depois de integrar sagas como Scream, Wednesday, Beetlejuice Beetlejuice e X, a atriz sente que é tempo de “apostar em narrativas novas”.

“Já fiz parte de muitas franquias, o que é incrível por fazer parte de um legado”, explicou. “Mas estou a tentar dar prioridade a novos realizadores e histórias originais.”

Aliás, o seu mais recente projeto, Death of a Unicorn, é precisamente um desses casos: um guião improvável com… unicórnios. Sim, unicórnios. “Nunca pensei fazer um filme com unicórnios, mas um guião original é entusiasmante”, disse com um sorriso.

🔪 O estado atual do massacre

Com a debandada de Ortega, Barrera, e até do novo realizador Christopher Landon (que abandonou o projeto dizendo que era “um sonho tornado pesadelo”), Scream VII foi completamente reconfigurado. Mas a produção não baixou os braços.

Para salvar o barco (ou a casa infestada por Ghostface), o estúdio trouxe de volta os três rostos clássicos da saga: Neve Campbell, Courteney Cox e David Arquette, que vão retomar os papéis de Sidney Prescott, Gale Weathers e Dewey Riley. E não é tudo — dois assassinos Ghostface do passado, Matthew Lillard e Scott Foley, também estão confirmados para o sétimo filme.

A estreia está marcada para 2026, mas a pergunta continua no ar: conseguirá Scream VII manter a relevância sem o sangue novo (e os gritos potentes) de Jenna Ortega e Melissa Barrera?

🎬 Scream VII chega aos cinemas em 2026, com promessas de nostalgia, sangue e mais reviravoltas do que um filme do Shyamalan.

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Robert De Niro vai ser homenageado com a Palma de Ouro Honorária em Cannes: Uma Lenda Reconhecida

🎬 Aos 81 anos, Robert De Niro continua a fazer história. O lendário ator norte-americano vai receber uma Palma de Ouro honorária na cerimónia de abertura do 78.º Festival de Cannes, marcada para o próximo dia 13 de maio, e os cinéfilos já estão em contagem decrescente para este merecido momento de celebração.

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A organização do festival não poupou elogios ao ator de Taxi Driver, O Touro Enraivecido e Tudo Bons Rapazes, sublinhando a forma como De Niro “se tornou um mito do cinema” graças a uma interpretação interiorizada, onde tudo pode estar na subtileza de um sorriso ou na dureza de um olhar.

Com este galardão, o Festival de Cannes presta tributo não só ao ator, mas também ao produtor, ao fundador do Festival Tribeca em Nova Iorque e ao homem que, em mais de cinco décadas de carreira, se tornou sinónimo de excelência artística e integridade criativa.

Cannes, um regresso a casa

Robert De Niro já esteve várias vezes presente na Croisette, inclusive como presidente do júri em 2011, mas esta será a primeira vez que recebe uma distinção honorária do festival. E fá-lo com palavras que revelam o carinho que guarda pelo evento:

“Especialmente hoje, quando tantas coisas no mundo nos separam, Cannes reúne-nos: narradores, cineastas, admiradores e amigos. É como voltar para casa.”

O ator irá receber o prémio na noite de abertura do festival e, no dia seguinte, dará uma masterclass pública – um dos momentos mais aguardados do evento, sobretudo para as novas gerações de atores e cinéfilos que cresceram a admirar o seu trabalho.

De Nova Iorque para o mundo

Nascido em agosto de 1943, no bairro nova-iorquino de Little Italy, De Niro cresceu num ambiente artístico. Filho de pais artistas e descendentes de imigrantes europeus, começou a representar aos 16 anos, primeiro no teatro e pouco depois no cinema. Estreou-se com Festa de Casamento (1969), de Brian De Palma, e nunca mais parou.

Com mais de 100 títulos no currículo, De Niro foi distinguido com dois Óscares: Melhor Ator Secundário por O Padrinho, Parte II (1974), de Francis Ford Coppola, e Melhor Ator por O Touro Enraivecido (1980), de Martin Scorsese. É precisamente a colaboração com Scorsese que marca profundamente a sua filmografia, numa parceria lendária que inclui títulos como Tudo Bons Rapazes, Casino, O Irlandês e o recente Assassinos da Lua das Flores.

Mas a sua versatilidade também brilha na comédia (Paternidade a Meias, Uma Grande Aventura), no drama (Despertares, Sleepers) e no romance (Nova Iorque, Eu Amo-te, Cartas para Julieta).

Uma homenagem merecida e simbólica

A Palma de Ouro Honorária, que já foi atribuída a nomes como Jeanne Moreau, Agnès Varda, Jane Fonda e Harrison Ford, é uma forma de o Festival de Cannes reconhecer o impacto cultural de artistas cuja obra transcende o tempo. E poucos nomes o merecem tanto quanto De Niro – uma força criativa que não só moldou o cinema norte-americano, como ajudou a redefinir o que significa ser ator.

Além disso, a sua dedicação à arte cinematográfica estende-se à produção e à criação de plataformas para novos talentos, como provado pelo Festival Tribeca, que fundou após os atentados de 11 de setembro para revitalizar culturalmente Nova Iorque.

A seleção oficial de Cannes 2024 será revelada a 11 de abril, e o festival decorre entre 13 e 24 de maio. Até lá, celebramos este anúncio com a certeza de que Robert De Niro é – e continuará a ser – um dos rostos mais indeléveis da Sétima Arte.

📌 Estreia da cerimónia de abertura: 13 de maio

📺 Onde acompanhar: TV5 Monde, plataformas de streaming internacionais e imprensa cinematográfica

🎓 Masterclass com Robert De Niro: 14 de maio, em Cannes

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Nanni Moretti Sobrevive a Enfarte e Recebe Alta: O Cinema Europeu Respira de Alívio

🎬 O mundo do cinema europeu suspirou de alívio esta semana com a notícia de que o aclamado realizador italiano Nanni Moretti, de 71 anos, recebeu alta hospitalar após ter sofrido um enfarte. Moretti, uma das vozes mais singulares e introspectivas do cinema de autor, esteve internado na Unidade de Cuidados Intensivos do Hospital San Camillo, em Roma, desde quarta-feira passada, mas já se encontra em casa e em recuperação.

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A notícia foi confirmada durante o festival Custodi di sogni – I tesori della Cineteca Nazionale, que decorre em Roma, onde Moretti chegou mesmo a participar por telefone, num gesto simbólico que demonstrou não apenas a sua recuperação, mas também o seu eterno compromisso com o cinema e a cultura italiana. Os organizadores do evento divulgaram um vídeo em que o realizador fala com clareza, embora com voz contida, revelando o seu desejo de regressar ao trabalho “em breve”.

Na quinta-feira, o chefe do serviço de cardiologia do hospital confirmava que o estado clínico de Moretti era estável. Um dia depois, a boa notícia da alta hospitalar foi recebida com entusiasmo por fãs e colegas de profissão.

Um autor com assinatura própria

Nanni Moretti é conhecido tanto pelo seu olhar profundamente pessoal como pelo seu humor subtil e crítica social afiada. Os seus filmes, muitas vezes autobiográficos, são um reflexo das suas inquietações políticas, filosóficas e familiares. Em obras como Caro Diário (1994), onde passeia por Roma numa Vespa enquanto comenta o mundo ao seu redor, ou O Quarto do Filho (2001), vencedor da Palma de Ouro em Cannes, Moretti revelou-se um mestre da introspecção cinematográfica.

O seu estilo foi frequentemente comparado ao de Woody Allen, mas com um cunho profundamente italiano — mais político, mais católico, mais contido no absurdo, e sempre emocionalmente ressonante. Em Habemus Papam (2011), por exemplo, apresentou-nos um Papa em crise existencial, humanizando uma figura tradicionalmente inatingível. Mais recentemente, Tre Piani (2021) voltou a colocá-lo em Cannes, desta vez como autor de um drama coral sobre a vida urbana e os laços familiares.

A importância de Moretti no cinema europeu

O cinema de Moretti nunca foi feito para agradar massas — e é precisamente por isso que o seu impacto é tão profundo. Ao longo de décadas, construiu uma obra coerente, poética e combativa, abordando temas como o comunismo, a fé, a perda e a condição humana. Em Itália, a sua figura é quase reverenciada, não apenas como artista, mas como um intelectual activo, que participou do debate público de forma constante.

Além disso, Moretti é o proprietário e programador da mítica sala Nuovo Sacher em Roma, onde exibe cinema de autor e promove novos realizadores. É também um dos fundadores da produtora Sacher Film, que tem sido responsável por apoiar muitos talentos emergentes.

Uma pausa forçada, mas temporária

Embora o ataque cardíaco seja um alerta claro para abrandar o ritmo, os admiradores do realizador esperam que esta pausa forçada sirva apenas para fortalecer o seu regresso. O próprio Moretti já demonstrou interesse em retomar os seus projectos assim que for possível. O seu último filme, Il Sol dell’Avvenire (2023), foi recebido com entusiasmo e reforçou a ideia de que o realizador ainda tem muito para oferecer.

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Para já, o mais importante é que está de volta a casa, em recuperação, e com vontade de continuar a sonhar — e a fazer sonhar — através da sétima arte.

Onde ver os filmes de Nanni Moretti em Portugal:

  • Caro Diário, Habemus Papam e O Quarto do Filho têm passado regularmente na RTP2 e estão disponíveis ocasionalmente na Filmin e na MUBI.
  • Também podem ser encontrados em DVD nas bibliotecas municipais e videotecas especializadas.

Michael Madsen, Entre “Free Willy” e “Reservoir Dogs”: A Vida de Um Ator com Coração de Gangster e Alma de Pai

🎬 Michael Madsen tem uma daquelas carreiras que, segundo ele próprio, mais parece um monitor cardíaco: cheia de altos e baixos, com picos de glória cinematográfica seguidos de projetos mais discretos (para não dizer duvidosos). E essa imagem não podia ser mais acertada para descrever um percurso que tanto o levou a cortar uma orelha ao som de Stealers Wheel, como a salvar uma orca numa aventura familiar da Warner Bros.

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“Não dá para fazer grandes filmes todos os dias, nem mesmo o Marlon Brando conseguiu isso”, afirmou o ator com a franqueza que sempre o caracterizou. E com a honestidade de quem assume que, por vezes, é preciso aceitar um papel só para “pôr comida na mesa e manter o teto sobre a cabeça dos pequenos monstros lá de casa.”

Madsen é um daqueles atores cuja presença impõe respeito — até quando o reconhecem no Taco Bell. E por falar nisso, uma das histórias mais deliciosas do seu percurso vem precisamente dos bastidores do clássico de culto Reservoir Dogs, de Quentin Tarantino. Durante a rodagem, Kirk Baltz — o infeliz Marvin Nash, polícia amordaçado e torturado — pediu para ser mesmo colocado dentro da bagageira de um carro, para melhor entrar na pele da sua personagem. Madsen, com o sentido prático que o caracteriza, não só acedeu ao pedido como aproveitou para… desenvolver o seu próprio personagem.

Decidiu dar uma volta prolongada por ruelas com buracos e terminou a excursão com uma visita ao drive-thru de um Taco Bell. Tudo em nome da autenticidade. E, sejamos honestos, há poucas formas mais eficazes de entrar na mente de Mr. Blonde do que enfiar alguém no porta-bagagens e pedir um burrito.

Mas nem tudo são risos nos bastidores. As icónicas cenas de tortura foram particularmente difíceis para Madsen, que admitiu ter uma forte aversão à violência. A coisa tornou-se ainda mais complicada quando Baltz improvisou uma linha em que dizia que tinha um filho pequeno em casa. Madsen, recém-pai na altura, ficou tão abalado com a ideia de deixar uma criança órfã — mesmo em ficção — que quase não conseguiu terminar a cena. Essa tomada foi a escolhida para o corte final do filme. E em algumas versões é possível ouvir alguém fora do campo — possivelmente o próprio Tarantino — murmurar “Oh, no no!”, como se estivesse a reagir à intensidade inesperada do momento.

É curioso que, apesar desta carga dramática, Madsen seja frequentemente reconhecido nas ruas pelas crianças como “Glen”, o cuidador do jovem Jesse no Free Willy (1993). Só que, ao lado dos miúdos em êxtase, estão os pais, que o identificam de imediato como o sádico Mr. Blonde. “As crianças dizem ‘É o Glen!’ e os pais dizem ‘Não te aproximes desse homem!’”, brinca Madsen. É um contraste que resume a sua carreira: o carinho de quem salva uma orca e o pavor de quem dança com uma navalha.

Com uma filmografia extensa, que vai de Kill Bill a Donnie Brasco, e de The Hateful Eight (numa participação cortada à última hora) a projetos mais obscuros lançados diretamente em vídeo, Madsen continua a ser um enigma fascinante no panorama de Hollywood. Um homem com cara de vilão, coração de poeta e, por vezes, feitio de monstro… mas daqueles que só aparecem quando as contas têm de ser pagas.

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Há divórcios e depois há divórcios hollywoodianos. Mas mesmo entre os ricos e famosos, poucos se comparam àquilo que Steven Spielberg fez por Amy Irving… e ao que continuam a fazer juntos, mais de 30 anos depois da separação!

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Em 1989, quando o realizador de E.T. e Indiana Jones se divorciou da atriz Amy Irving, foi notícia em todo o mundo: ela recebeu 100 milhões de dólares na partilha dos bens — um valor que ainda hoje faz corar muitos divórcios milionários. Mas o mais insólito vem agora: apesar de tudo, eles continuam… a sair juntos!

Calma, não é o que parece. 😅

Amor antigo, dupla moderna

Amy Irving, hoje com 71 anos, e Spielberg, com 78, não só continuam amigos como — segundo revelações feitas este mês pela atriz — fazem jantares de casal com os atuais parceiros. Sim, leram bem. Amy e o seu terceiro marido, Kenneth Bowser Jr., jantam com Spielberg e a sua mulher, a também atriz Kate Capshaw, de tempos a tempos.

“Sempre comunicámos e fomos próximos”, disse Amy ao podcast It Happened in Hollywood do Hollywood Reporter.

“Tentamos fazer jantares a quatro, de vez em quando.”

Uma relação que começou em 1976, quando Amy fez audições para Encontros Imediatos do Terceiro Grau, mas perdeu o papel por ser demasiado nova. Apaixonaram-se, mudaram-se juntos, separaram-se, reconciliaram-se em 1984… e tiveram um filho, Max, hoje com 39 anos.

Segundo Amy, o reencontro aconteceu de forma cinematográfica: ela estava na Índia a filmar The Far Pavilions, montada num palanquim como princesa meia-russa, meia-indiana, prestes a “casar-se” com o galã italiano Rossano Brazzi — quando quem aparece nos bastidores? Spielberg.

“Mal saí do palanquim, lá estava ele. E tudo reacendeu.”

De papel prometido… a papel passado

No auge da relação, Amy chegou a ser prometida para o papel de Marion Ravenwood em Os Salteadores da Arca Perdida. Mas depois da separação, o papel foi para outra atriz. “Acho que a vida real significava mais para mim do que a carreira. Saí de casa e, quando se sai, não se fica com o papel”, confessou.

A relação durou 14 anos, com um interregno de três. E embora o casamento tenha terminado, a amizade (e os jantares de grupo) continuam firmes.

“Foi difícil ser a mulher de Steven Spielberg… e depois foi difícil ser a ex-mulher. Senti-me invisível durante algum tempo”, admitiu Amy ao LA Times.

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Agora, esse tempo já passou — e parecem viver todos num equilíbrio que poucos ex-casais conseguem alcançar. Um brinde a isso. 🍷

Modelo Original de E.T. – O Extraterrestre Fica Sem Lar… Pelo Menos Para Já 👽📦

Nem todos os ícones de Hollywood encontram um novo lar à primeira tentativa — e o mais famoso extraterrestre dos anos 80 parece estar a viver, literalmente, uma cena de rejeição. O modelo original de E.T. – O Extraterrestre, utilizado no clássico de Steven Spielberg, foi a leilão esta semana… mas ninguém lhe quis pegar. Nem mesmo com o dedo iluminado.

Um Clássico de Ficção Científica… sem licitadores?

Criado em 1981 pelo lendário artista de efeitos especiais Carlo Rambaldi — sim, o mesmo que ajudou a dar vida ao Aliende Ridley Scott — este modelo específico de E.T. foi um dos três utilizados na rodagem do filme de 1982. É também aquele que surge na icónica “cena do armário”, onde o pequeno extraterrestre se esconde entre peluches, disfarçando-se de brinquedo com a subtileza de um mestre do esconde-esconde intergaláctico.

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Com pouco mais de um metro de altura e com um currículo que inclui um dos maiores sucessos de bilheteira da história do cinema, esperava-se que o modelo atingisse um valor entre os 550.000 e os 831.000 euros. Mas, apesar do prestígio, ninguém subiu a parada. O leilão, promovido pela Sotheby’s em Nova Iorque, terminou sem qualquer lance vencedor.

“Phone home”, mas sem roaming

Cassandra Hatton, vice-presidente da Sotheby’s, mostrou-se diplomática e otimista:

“O querido modelo do E.T. de Rambaldi é uma peça extraordinária da história do cinema (…). Embora não tenha encontrado comprador no leilão de hoje, a sua importância não diminuiu. Confiamos que este precioso ícone encontrará em breve o seu lar.”

A verdade é que o extraterrestre mais adorável do cinema já provou ser valioso no mercado de colecionismo. Em 2022, um boneco animatrónico de E.T., com esqueleto de metal, também utilizado nas filmagens, foi vendido por uns impressionantes 2,56 milhões de dólares (cerca de 2,45 milhões de euros). Desta vez, talvez a timidez do modelo — ou da carteira dos licitadores — tenha sido mais forte.

E.T., casa quer-se!

Apesar deste pequeno percalço, o modelo continua a ser uma peça histórica rara. Além de ser feito à mão por Rambaldi — artista três vezes vencedor do Óscar — este E.T. representa uma época dourada dos efeitos práticos no cinema, muito antes dos tempos do CGI e das criaturas digitais hiper-realistas.

O filme E.T. – O Extraterrestre é uma das mais ternurentas fábulas de amizade já vistas no grande ecrã, e o boneco protagonista, com os seus olhos tristes e dedos luminosos, entrou para a memória colectiva de milhões de espectadores.

Não é difícil imaginar um coleccionador apaixonado (ou mesmo um museu de cinema) a abrir os braços — ou as finanças — para dar finalmente um lar ao pequeno alienígena que conquistou corações em 1982.

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E se não acontecer… bem, talvez ele ligue para casa e peça boleia de regresso.

Jim Carrey e Ron Howard entre as muitas homenagens a Val Kilmer: “Um talento geracional”

A morte de Val Kilmer abalou Hollywood — e alguns dos seus amigos e colegas de profissão estão agora a partilhar palavras de tributo que ajudam a perceber o impacto que o ator teve tanto dentro como fora do ecrã. Jim Carrey, com quem contracenou no explosivo Batman Forever (1995), e o realizador Ron Howard, que o dirigiu em Willow, estão entre os nomes que prestaram homenagem a este talento que, mesmo com uma carreira cheia de altos e baixos, deixou uma marca inegável no cinema.

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Val Kilmer faleceu na terça-feira, aos 65 anos, vítima de uma pneumonia. A notícia foi confirmada pela filha, Mercedes Kilmer, e rapidamente gerou uma onda de emoção nas redes sociais — de fãs, amigos e antigos colegas.

Jim Carrey, que vestiu a pele do enigmático Riddler (Charada) em Batman Forever, fez questão de expressar publicamente a sua admiração:

“Estou a recordar hoje Val Kilmer com grande admiração, como homem e como um talento geracional que nos deixou um legado invejável de interpretações inesquecíveis”, escreveu o ator.

“As suas maiores conquistas artísticas só foram rivalizadas pela graça e coragem com que enfrentou os momentos mais desafiantes da sua vida. Desejo à sua família muito amor.”

Batman, Riddler e uma química explosiva em Gotham

Lançado em 1995, Batman Forever tornou-se o segundo filme mais rentável do ano nos Estados Unidos, com Val Kilmer a assumir o manto do Cavaleiro das Trevas depois da saída de Michael Keaton. Ao lado de Jim Carrey e Tommy Lee Jones, o filme dividiu a crítica, mas foi um sucesso de bilheteira. Kilmer interpretou Bruce Wayne com um ar mais introspectivo e melancólico, enquanto Carrey dava largas ao seu lado mais maníaco e excêntrico com o Riddler.

A dinâmica entre ambos — tão contrastante como Gotham e o Arkham Asylum — marcou o filme. E embora Kilmer não tenha regressado ao papel, chegou a fazer uma piscadela ao legado do Batman no Jay and Silent Bob Reboot (2019), onde apareceu com um fato muito semelhante ao do Homem-Morcego.

Tributos sentidos… e cheios de história

Ron Howard, que dirigiu Kilmer em Willow (1988), foi outro dos nomes que não quis deixar passar o momento sem agradecer ao ator.

“Tive a sorte incrível de colaborar com o Val várias vezes ao longo dos anos”, escreveu no X (antigo Twitter).

“Desde o espadachim excêntrico Madmartagan em Willow, ao deslumbrante Jim Morrison em The Doors, e ainda a um cameo arrepiante em The Missing, ele surpreendia sempre. A sua arte ia para lá da representação — era poesia, pintura, cinema e forma de viver. Bon voyage, Val, e obrigado.”

Cher, que namorou com o ator nos anos 80, partilhou uma mensagem ternurenta nas redes sociais, chamando-o de “engraçado, louco, um grande amigo e uma dor de cabeça maravilhosa”, relembrando ainda a sua performance em palco na peça Citizen Twain, sobre Mark Twain.

Um legado que vai para lá de Gotham

Val Kilmer foi Jim Morrison, Batman, Madmartagan, Doc Holliday, o tenente Iceman e tantos outros. Foi também um dos atores mais falados — pelos melhores e piores motivos — de uma geração inteira. Lutou contra um cancro na garganta durante anos e acabou por perder a voz. Ainda assim, reapareceu com dignidade e coragem em Top Gun: Maverick(2022), com a sua voz recriada por Inteligência Artificial, mas com a sua presença bem viva no ecrã.

Como diria o próprio Kilmer no documentário Val (2021):

“Comportei-me mal. Comportei-me com coragem. Para alguns, fui bizarro. Não nego nada — e não me arrependo de nada.”

Palavras de quem viveu tudo com intensidade.

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Val Kilmer: O Último Combate de um Rebelde de Hollywood

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Val Kilmer esteve acamado durante anos antes da sua morte. A informação foi agora revelada por fontes próximas ao ator, que confirmam que o lendário “menino mau de Hollywood” lutou até ao fim, debilitado pelos efeitos prolongados do cancro na garganta que o afetou durante quase uma década. Kilmer faleceu na passada terça-feira, aos 65 anos, vítima de pneumonia.

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Apesar da força e do carisma que marcaram a sua carreira — de Top Gun a The Doors, de Batman Forever a Heat — os últimos anos de Val Kilmer foram discretos, quase silenciosos. Literalmente.

Depois de ter sido diagnosticado com cancro na garganta em 2015, o ator foi submetido a tratamentos intensivos que lhe roubaram a voz e o vigor físico. Segundo o TMZ, passou os últimos anos da sua vida maioritariamente acamado, fragilizado e longe da ribalta que tanto dominou nos anos 90.

Um Ícone Reduzido ao Silêncio

A última vez que foi visto em público foi em 2019, numa gala em Hollywood, já bastante alterado. O homem que outrora dava corpo a figuras maiores que a vida — Jim Morrison incluído — estava agora reduzido a um corpo em luta, a uma sombra do furacão de carisma que encantou plateias.

Mas mesmo quando a voz o abandonou, Kilmer não desistiu do cinema. Em 2022, voltou ao grande ecrã num momento comovente em Top Gun: Maverick, ao lado de Tom Cruise. Para dar vida novamente a Iceman, recorreu à Inteligência Artificial: as suas falas foram reconstruídas com tecnologia, usando arquivos da sua voz original. Foi uma aparição breve, mas carregada de simbolismo — um adeus emocionado de uma lenda do cinema.

O Rebelde Inesquecível

Ao longo da sua carreira, Val Kilmer foi muito mais do que apenas uma cara bonita com ar de desafio. Foi um ator intenso, conhecido tanto pelo talento como pelos conflitos nos bastidores. Trabalhar com Kilmer podia ser uma aventura arriscada — que o diga Joel Schumacher, que o chamou “o ser humano mais psicologicamente instável com quem já trabalhou”. E ainda assim, ninguém nega a sua presença magnética em frente às câmaras.

Kilmer foi Jim Morrison em The Doors (1991), com direito a elogios pela voz cantada — que era mesmo a sua. Em Batman Forever (1995), assumiu o papel do Cavaleiro das Trevas, embora o próprio dissesse que o fato o impedia de… atuar. Em Heat (1995), esteve lado a lado com gigantes como De Niro e Pacino. E em Kiss Kiss Bang Bang (2005), provou que ainda tinha muito a dar.

Mas o que fica agora é o retrato de um homem que viveu intensamente, com paixão, contradições e talento.

Um Legado Para Além do Ecrã

Nos últimos anos, além da participação em filmes, Kilmer publicou livros de poesia, envolveu-se em projetos artísticos e lançou o documentário Val (2021), onde narra a sua vida, carreira e batalha contra a doença, com uma honestidade desarmante.

“Comportei-me mal. Comportei-me corajosamente. Para alguns, comportei-me de forma bizarra. Não nego nada disto e não me arrependo de nada”, escreveu. Palavras que resumem a alma inquieta de um artista que nunca quis agradar a todos — apenas ser fiel a si próprio.

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Val Kilmer pode ter partido em silêncio, mas o seu legado grita alto nos ecrãs e nas memórias de quem ama cinema.

Todd Haynes Vai Ser Homenageado em Cannes com o Prémio Carruagem de Ouro 🎬✨

O realizador Todd Haynes, uma das vozes mais marcantes do cinema queer e independente norte-americano, será distinguido com o prestigiado Prémio Carruagem de Ouro na Quinzena dos Realizadores, uma secção paralela do Festival de Cannes. A cerimónia terá lugar a 14 de maio, e promete ser um dos momentos mais simbólicos desta edição do certame francês.

Aos 64 anos, Haynes mantém intacto o seu estatuto de provocador elegante: um cineasta que nunca receou desafiar convenções — sejam elas sociais, sexuais ou estéticas. A Sociedade de Realizadores de Cinema (SRF), que atribui o prémio, destacou a sua “capacidade de questionar normas” como um dos motivos centrais da homenagem.

Uma Filmografia de Ousadia e Elegância

Desde “Seguro” (1995), uma inquietante alegoria sobre a ansiedade contemporânea, até à reinvenção poética da biografia de Bob Dylan em “I’m Not There” (2007), Haynes tem cultivado um cinema profundamente autoral, esteticamente sofisticado e politicamente atento.

Em “Carol” (2015), apresentou uma das histórias de amor lésbico mais arrebatadoras e delicadas do cinema contemporâneo, com Cate Blanchett e Rooney Mara. Mais recentemente, em “May December: Segredos de Um Escândalo” (2023), voltou a brilhar ao lado de Natalie Portman e Julianne Moore num drama mordaz sobre representação e manipulação.

O seu percurso em Cannes tem sido frequente e marcante: várias das suas obras passaram pela seleção oficial, e Haynes tornou-se um nome querido da Croisette.

“Todos os filmes são políticos”

Mais do que um criador de mundos cinematográficos, Todd Haynes é também uma voz crítica e interventiva. Em fevereiro deste ano presidiu ao júri do Festival de Berlim, onde não se inibiu de abordar a política norte-americana. “Todos os filmes são políticos. Todos podem desempenhar um papel”, afirmou à agência AFP.

O realizador nunca escondeu a sua oposição a Donald Trump, considerando essencial que o cinema seja também um espaço de resistência e reflexão.

Um Prémio com História

O Prémio Carruagem de Ouro (Carrosse d’Or) é atribuído desde 2002 pela SRF e pretende distinguir realizadores cujo trabalho se tenha pautado por uma abordagem corajosa, inovadora e independente.

Todd Haynes junta-se assim a uma galeria de nomes ilustres que já inclui Martin Scorsese, Agnès Varda, Naomi Kawase, Clint Eastwood, Jafar Panahi ou, mais recentemente, Andrea Arnold (2023) e Souleymane Cissé (também em 2023).

A Quinzena dos Realizadores — que decorrerá de 14 a 22 de maio — promete ser, mais uma vez, um espaço de descoberta e celebração do cinema que pensa para além da norma. E Todd Haynes, sem dúvida, é um mestre dessa arte

Val Kilmer: Morreu o Rebelde de Hollywood que Foi Batman, Iceman e Jim Morrison

🕶️ Val Kilmer, o eterno Iceman de Top Gun, o excêntrico Jim Morrison de The Doors e o controverso Batman de Batman Forever, morreu esta terça-feira em Los Angeles aos 65 anos. A notícia foi confirmada pela filha, Mercedes Kilmer, que revelou que a causa da morte foi uma pneumonia. O ator, que há muito lutava contra graves problemas de saúde, partiu como viveu: com intensidade, sem pedir desculpa e sem remorsos.

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Na década de 90, Kilmer parecia imparável. Nascido em Los Angeles, o californiano brilhou no início com a comédia Top Secret! (1984), mas foi ao lado de Tom Cruise, como o gelado Iceman em Top Gun (1986), que se tornou uma estrela mundial. A partir daí, construiu uma carreira que misturava talento, polémica e um perfeccionismo quase destrutivo. Os bastidores dos seus filmes eram frequentemente palco de conflitos e egos inflacionados — e o dele não era pequeno.

🎤 Em 1991, surpreendeu o mundo ao cantar com a sua própria voz no papel de Jim Morrison no filme The Doors, realizado por Oliver Stone. E em 1995, brilhou ao lado de dois monstros sagrados do cinema, Al Pacino e Robert De Niro, em Heat. No mesmo ano, vestiu o fato do Cavaleiro das Trevas em Batman Forever… e não deixou saudades. Apesar do sucesso comercial, as críticas foram duras e a sua relação com o realizador Joel Schumacher acabou em gritos e porta a bater. Segundo o próprio Schumacher, Val era “o ser humano mais psicologicamente perturbado” com quem tinha trabalhado.

😬 E não foi o único. Em A Ilha do Dr. Moreau (1996), o conflito com Marlon Brando e o realizador John Frankenheimer foi tão épico quanto o filme foi um desastre. A indústria não esqueceu, e a reputação de Kilmer ficou gravemente ferida. Ainda assim, protagonizou outros títulos marcantes como The Saint (1997), Kiss Kiss Bang Bang (2005) ou The Salton Sea (2002), alternando entre êxitos discretos e fracassos clamorosos.

🦇 Nos bastidores de Hollywood, passou a ser conhecido como “o menino mau” da indústria — uma etiqueta que ele próprio nunca tentou sacudir. “Portei-me mal. Comportei-me corajosamente. Para alguns, comportei-me de forma bizarra”, confessaria anos mais tarde no documentário Val (2021). E com isso, talvez tenha dito tudo.

Nos últimos anos, o cancro na garganta que lhe foi diagnosticado em 2014 obrigou-o a uma traqueostomia e a perder grande parte da sua voz. Mas nem isso o travou. Voltou a ser Iceman na sequela de Top Gun: Maverick, num momento breve mas poderoso, ao lado de Tom Cruise. Foi também poeta, autor de livros e até nomeado para um Grammy em 2011 com The Mark of Zorro, um álbum em áudio-drama.

🎭 Val Kilmer foi tudo menos morno. Um ator de extremos, de escolhas imprevisíveis, de talento genuíno e temperamento difícil. Deixou uma marca indelével no cinema — não apenas pelos papéis que desempenhou, mas pela maneira como os viveu (e sobreviveu a eles).

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O rebelde de Hollywood despediu-se, mas as suas personagens continuarão a viver no grande ecrã… e na memória de todos os que apreciam o cinema com carácter e personalidade.

Adeus ao Guerreiro de Ação: Morreu Richard Norton, Lenda dos Filmes de Artes Marciais e de Ação

🎬🥋 O cinema de ação perdeu um dos seus maiores guerreiros. Morreu Richard Norton, ator australiano, artista marcial e coordenador de duplos que marcou presença em mais de 70 filmes e trabalhou com alguns dos maiores nomes do género. Tinha 75 anos.

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A notícia foi confirmada no domingo, dia 30 de março, pela esposa, Judy Green, através de uma emotiva publicação no Instagram. “Estou devastada, não tenho palavras, perdi tudo”, escreveu, acrescentando: “Sei que há, e haverá muito amor e choque por termos perdido este ser humano incrível. O amor da minha vida.”

A causa da morte não foi divulgada, mas a comoção no mundo do cinema foi imediata. Amigos e colegas prestaram homenagens a este verdadeiro titã da indústria — um homem que tanto enfrentava vilões no ecrã como desenhava cenas de luta de cortar a respiração atrás das câmaras.

De Mad Max a Jackie Chan: um currículo de lenda

Richard Norton pode não ter sido um nome tão mediático como algumas das estrelas com quem trabalhou, mas era uma presença absolutamente essencial nos bastidores (e muitas vezes à frente das câmaras) de clássicos da ação.

Foi coordenador de duplos em filmes como Mad Max: Estrada da Fúria e O Esquadrão Suicida, onde trabalhou diretamente com o realizador James Gunn. Aliás, foi o próprio Gunn quem lhe prestou uma sentida homenagem nas redes sociais:

“Era um homem australiano durão, mas doce, com uma calorosa gargalhada e um milhão de histórias sobre todos os seus anos a fazer filmes.”

Richard também trabalhou com Jackie Chan, Chuck Norris, e muitos outros nomes de peso. Norris, de resto, partilhou igualmente a sua dor com o público:

“Estou absolutamente de coração partido com a perda do meu querido amigo e irmão. As memórias maravilhosas que partilhámos vão ficar guardadas para sempre no meu coração.”

Um ícone das artes marciais com coração de ouro

Além do seu trabalho técnico e artístico, Norton era um verdadeiro mestre das artes marciais, tendo conquistado vários cinturões pretos e criado a sua própria abordagem ao combate cénico. Mas apesar da sua imagem de “durão”, era conhecido nos bastidores pela sua gentileza, bom humor e espírito de camaradagem.

Com uma carreira que atravessou décadas, Richard Norton contribuiu decisivamente para elevar a fasquia das cenas de ação no cinema, tanto em Hollywood como na Ásia, especialmente nas suas colaborações com o cinema de Hong Kong.

Um legado que permanece

O mundo do cinema perde não apenas um especialista de ação, mas um apaixonado pela sétima arte. Um homem que tratava o combate como coreografia e os filmes como forma de vida. Um verdadeiro samurai de Hollywood.

🎥 Fica a memória de uma carreira repleta de energia, profissionalismo e paixão — e claro, daquelas cenas de pancadaria que continuam a arrancar aplausos nos serões de cinema lá em casa.

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Obrigado por tudo, Richard. O grande ecrã vai sentir a tua falta, mas a tua lenda continua a dar murros certeiros no coração dos fãs. 🥋🎬

Morreu Yves Boisset: o Realizador Francês que Fez do Cinema uma Arma Política

🎬 Yves Boisset, um dos mais combativos e politicamente comprometidos realizadores do cinema francês do século XX, morreu aos 86 anos, deixando para trás uma carreira que misturou cinema de género com denúncia social de forma destemida e nada convencional.

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O cineasta faleceu esta segunda-feira, após vários dias internado no hospital franco-britânico de Levallois-Perret. Foi a própria família que anunciou a sua morte, encerrando assim um capítulo importante da história do cinema europeu — daqueles que nunca teve medo de incomodar os poderosos.

🧨 Cinema a estourar com política

Se o cinema fosse um ringue de boxe ideológico, Yves Boisset teria saído de lá sempre com sangue no nariz… mas sem nunca abandonar a luta. Ficou especialmente conhecido nos anos 70, década onde assinou algumas das suas obras mais marcantes, sempre com uma lupa apontada para os podres da sociedade.

Um dos seus filmes mais emblemáticos é Dupont Lajoie (1975), que por cá chegou com o sugestivo título Férias Violentas. Baseado em crimes reais com motivações racistas, o filme chocou, dividiu opiniões e até provocou ameaças durante as filmagens. Mas ganhou o Prémio Especial do Júri no Festival de Berlim e entrou directamente para a história do cinema político europeu.

🕵️‍♂️ Terrorismo, colonialismo e… Schwarzenegger?

Outro murro no estômago foi L’Attentat (O Atentado, 1972), sobre o assassínio do opositor marroquino Mehdi Ben Barka, com Jean-Louis Trintignant. E em R.A.S. (1973), Boisset foi um dos primeiros a tocar no tema ainda sensível da Guerra da Argélia. A extrema-direita não perdoou e as autoridades censuraram várias cenas. Nada mal para um cinema que “não tem nada a relatar” (como ironizava o título original).

Mas nem tudo foi polémica política. Boisset também venceu… Hollywood! Em 1983, lançou Le prix du danger (O Preço do Escândalo), um thriller distópico sobre um jogo televisivo onde pessoas comuns lutam até à morte. Soa familiar? Pois, o senhor Arnold Schwarzenegger e a 20th Century Fox acharam que era uma boa ideia fazer The Running Man (O Gladiador, 1987) — e Boisset ganhou um processo por plágio. Touché.

🎥 Entre espiões, guerra e televisão

Boisset não parou nos anos 80, onde dirigiu nomes como Lino Ventura (O Regresso do Espião), Lee Marvin (Ventos de Violência) e Lambert Wilson (Bleu comme l’enfer). E ainda encontrou tempo para um raro momento de delicadeza com Um Táxi Cor de Malva (1977), com Philippe Noiret e Charlotte Rampling.

Cansado dos constantes entraves no cinema, virou-se para a televisão nos anos 90, mas sem abdicar do olhar crítico. Destaque para L’Affaire Seznec, L’Affaire Dreyfus e Le Pantalon, que mostravam o mesmo compromisso social com outros meios.

📚 “A vida é uma escolha”

Assim se chamava a autobiografia que lançou em 2011 — La vie est un choix. Um título que diz tudo sobre quem foi Yves Boisset: um homem que escolheu o cinema como campo de batalha, mas também como espelho desconfortável da sociedade.

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Nunca foi o favorito da crítica mais conservadora, nunca foi simpático para os poderes instituídos, e provavelmente é por isso que hoje vale a pena lembrar o seu nome. Yves Boisset não fazia filmes para nos adormecer — fazia filmes para nos acordar.

Matthew Lillard Vai Voltar a Scream — e Está “Aterrorizado” com a Possibilidade de Estragar Tudo 😱

Depois de anos a alimentar teorias de conspiração dignas do Reddit, o inesperado aconteceu: Matthew Lillard vai mesmo voltar à saga Scream. E ao contrário do seu icónico personagem Stu Macher, que adorava brincar com facas, o ator não está a brincar nem um bocadinho com a responsabilidade de regressar ao universo criado por Wes Craven.

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Durante a sua participação na 90s Con em Hartford, Connecticut, Lillard confessou que está “ligeiramente aterrorizado” com este regresso, que será parte do sétimo filme da saga, com estreia marcada para 27 de fevereiro de 2026.

“Estou muito entusiasmado e ligeiramente aterrorizado. Tudo o que posso fazer é estragar o legado que temos. Posso mesmo ser péssimo. E esse é o meu medo: voltar e manchar algo que era perfeito como estava. Espero não lixar isto para toda a gente.”

Stu Macher está vivo? Bem… parece que sim.

Se estiveres a pensar “mas… o Stu não levou com uma televisão na cara no final do primeiro Scream?”, a resposta oficial era sim. Mas sejamos honestos: se Palpatine sobreviveu a um fosso infinito em Star Wars, e o Jason Voorhees já voltou da morte mais vezes do que conseguimos contar, então um pequeno eletrochoque facial não é nada que o nosso querido Lillard não aguente. 🙃

No final do clássico de 1996, Stu e Billy (Skeet Ulrich) revelam-se como os assassinos mascarados e tentam convencer Sidney (Neve Campbell) de que também são vítimas — até que ela lhes dá a volta com balas, televisões e muito sangue. O resultado? Fim da linha… ou talvez não.

Desde então, Stu Macher tem sido tema recorrente em fóruns e vídeos de teoria no YouTube. A teoria do “Ele sobreviveu!” ganhou força com easter eggs nos filmes mais recentes, e parece que o plano sempre foi… deixar a porta entreaberta.

Regresso recheado de estrelas — mas com ausências notadas

O novo filme de Scream vai contar com um misto de veteranos e caras novas:

• Os regressos confirmados incluem Neve Campbell, Courteney Cox, Skeet Ulrich (sim, Billy Loomis continua a aparecer… tipo alucinação pós-traumática deluxe), e claro, Matthew Lillard.

• Juntam-se ainda Scott Foley, Mason Gooding, Jasmin Savoy Brown, e um leque de estreantes de luxo: Isabel May, Celeste O’Connor, Mckenna Grace, Joel McHale, entre outros.

No entanto, o projeto não está livre de polémicas: Melissa Barrera foi afastada após declarações políticas sobre Gaza, e Jenna Ortega saiu por conflitos de agenda com a série Wednesday. Duas perdas significativas para o fandom, mas que abrem espaço para reviravoltas narrativas.

Terror com nostalgia e autoconsciência: o ADN Scream

A beleza de Scream sempre esteve na sua metalinguagem descarada, em que personagens sabem que estão num filme de terror e ainda assim fazem escolhas estúpidas (ir sozinhos para o porão, por exemplo). Com Lillard de volta ao baralho, é de esperar que este novo capítulo continue a brincar com o legado da saga — talvez até com piadas sobre teorias da conspiração, TVs homicidas e o culto do assassino carismático.

E o melhor? Lillard continua a ser aquele ator que transita perfeitamente entre o terror e o camp. Desde o seu papel em She’s All That, passando por Scooby-Doo, até ao recente sucesso Five Nights at Freddy’s, ele é o tipo que faz parecer plausível alguém voltar dos mortos… com estilo.

Esperamos que ele não lixe isto, mas se lixar… pelo menos vai ser divertido 🔪👻

Matthew Lillard pode estar nervoso, mas o público está em pulgas. O regresso de Stu Macher promete ser tão insano quanto empolgante, e se este sétimo capítulo conseguir manter o equilíbrio entre terror, sátira e nostalgia, temos tudo para estar perante uma das mais inesperadas reinvenções do cinema de terror contemporâneo.

Só esperamos que desta vez não haja mais mortes por televisores voadores… ou então que haja, por que não?

Morreu Richard Chamberlain, o galã de milhões de lareiras e o eterno padre Ralph de “Os Pássaros Feridos”

É o fim de uma era televisiva: Richard Chamberlain, um dos rostos mais icônicos da televisão norte-americana nas décadas de 60, 70 e 80, morreu no passado sábado, no Havai, aos 90 anos, na véspera do seu 91.º aniversário. Segundo o seu agente, a causa da morte foram complicações de um AVC.

Chamberlain ficou imortalizado como o elegante Dr. Kildare, mas foi como o padre Ralph de Bricassart em “Os Pássaros Feridos” que conquistou os corações (e suspiros) de milhões de espectadores. Um verdadeiro ídolo global, foi alcunhado de “rei das minisséries”, estatuto que consolidou com “Shogun”, “Centennial” e a já mencionada adaptação do romance de Colleen McCullough, uma saga romântica que ainda hoje faz correr lágrimas nos ecrãs de televisão por todo o mundo.

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O ator, nascido George Richard Chamberlain em 1934, em Beverly Hills, tinha inicialmente ambições artísticas nas artes plásticas, mas acabou rendido ao palco depois de regressar do serviço militar na Guerra da Coreia. E ainda bem: com um charme inato, olhar penetrante e voz aveludada, não tardou a conquistar os estúdios de Hollywood.

(Original Caption) Richard Chamberlain, Actor, as he appears in the television series Dr. Kildare.

“Dr. Kildare” (1961–1966) foi o seu bilhete dourado. A personagem do jovem médico idealista tornou-se um fenómeno cultural e sexual, com multidões de fãs — sobretudo femininas — a suspirar pelos seus olhos azuis e bata branca. Entre 1963 e 1965 foi eleito três vezes consecutivas pela revista Photoplay como a estrela masculina mais popular da América.

A sua carreira não se ficou pela televisão. No cinema, brilhou em produções como “A Torre do Inferno”, “Os Três Mosqueteiros”, “A Louca de Chaillot” e “Os Amantes da Música”, onde interpretou o compositor Tchaikovsky.

Mas foi com as minisséries — um gênero quase extinto — que se tornou figura de culto. “Shogun” (1980), passada no Japão feudal, foi uma superprodução que lhe valeu um Globo de Ouro e consagrou a sua versatilidade. Três anos depois, com “Os Pássaros Feridos” (1983), entrou no imaginário coletivo como o padre católico dividido entre a fé e o desejo proibido por Meggie Cleary (Rachel Ward). O drama foi visto por mais de 100 milhões de pessoas.

Com o declínio do formato, Chamberlain regressou ao teatro, onde se destacou em “My Fair Lady” e “The Sound of Music”, revelando uma potente voz de tenor.

Nos anos 2000, voltou esporadicamente ao ecrã com participações em séries como “Will & Grace”, “The Drew Carey Show” e “Touched by an Angel”.

Discreto quanto à sua vida pessoal, Richard Chamberlain assumiu publicamente a sua homossexualidade apenas em 2003, aos 69 anos, desafiando o estigma que durante décadas toldou a sua liberdade de expressão pessoal. Um gesto de coragem que cimentou ainda mais o seu legado.

A morte de Richard Chamberlain deixa um vazio em todos os que cresceram ao som das suas músicas, dos seus romances proibidos e dos dramas intensos que protagonizou com elegância clássica. Com três Globos de Ouro e uma carreira marcada por dignidade, talento e uma beleza que atravessou gerações, foi muito mais do que um galão. Foi um ator completo.

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Descanse em paz, Padre Ralph. Nunca nos esqueceremos dos “olhos que sorriam com tristeza”.

Stephen Graham e a lição mais valiosa de Hollywood: “É bonito ser bonito”

🎥 Quando pensamos em histórias de ascensão em Hollywood, geralmente imaginamos um casting meticulosamente preparado, uma lista de agentes ao telefone e audições de cortar a respiração. Mas Stephen Graham? Ele tropeçou literalmente num dos papéis mais icónicos da sua carreira… por engano.

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Tudo começou com Snatch – Porcos e Diamantes, de Guy Ritchie. Graham nem sequer ia a audição. Estava só a acompanhar um amigo, como quem vai só ver se a fila anda depressa. Mas o realizador olhou para ele e disse, com aquele charme tipicamente britânico: “Queres tentar também?” Resultado? “Começas na segunda-feira.” Sim, foi assim simples.

E foi nesse set que conheceu Brad Pitt, que, em vez de se refugiar numa caravana cheia de toalhas egípcias e smoothies orgânicos, estava sentado no chão. Pitt olhou para o jovem Graham e perguntou, com um sorriso que provavelmente poderia vender seguros de vida:

“Como estás? Isto é divertido, não é?”

Mas não ficou por aí. Pitt largou uma daquelas frases que mudam uma carreira:

“Tens muitas personagens dentro de ti. Consigo ver isso.”

📽️ Desde então, os dois mantêm uma amizade sólida – o tipo de coisa rara em Hollywood, onde as amizades duram menos que um contrato de streaming gratuito.

Mas Stephen Graham não ficou por aí. Pelo caminho, cruzou-se com nomes como Leonardo DiCaprio, durante Gangs of New York, e Al Pacino, em The Irishman. E o que é que estes ícones têm em comum? Surpresa: zero ego. Nada de exigências ridículas ou exigência de baldes de Skittles por cor. Pelo contrário, receberam-no como igual, trocaram ideias sobre a vida, o ofício de representar e até a sociedade.

E é aí que Graham revela o verdadeiro segredo da sua longevidade na indústria: ser humano antes de ser estrela. Ele lembra-se das palavras da mãe (e aqui vai uma salva de palmas para as mães sábias):

“Maneiras não custam nada. É bonito ser bonito.”

Uma frase que podia muito bem ser o slogan do próximo Oscar, não achas?

Hoje, com uma carreira recheada de papéis intensos, colaborações com os maiores nomes do cinema e um estatuto de “ator dos atores”, Graham continua a guiar-se por aquela máxima simples: respeito, humildade e autenticidade.

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E no meio de uma indústria onde o brilho dos holofotes pode cegar até o mais talentoso, talvez o maior ensinamento seja mesmo este: o verdadeiro talento brilha mais quando vem acompanhado de empatia.

🎬 Helen Mirren Contra a 007 Feminina: “James Bond É Um Produto de Profundo Sexismo”

Num momento em que Hollywood continua a repensar as suas franquias mais icónicas à luz de uma nova sensibilidade social, Helen Mirren surge com uma opinião firme — e nada consensual — sobre o legado de James Bond.

Em entrevista ao The Standard, a atriz britânica, que se prepara para voltar a contracenar com Pierce Brosnan em MobLand, afirmou ser contra a ideia de transformar o agente secreto mais famoso do cinema numa mulher. Não por falta de feminismo — bem pelo contrário.

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“O conceito de James Bond é encharcado e nasce de um profundo sexismo”, declarou Mirren com a franqueza que a caracteriza.

🤵‍♂️ Um ícone problemático?

Apesar de elogiar generosamente os seus colegas de profissão, incluindo Brosnan, de quem se diz “uma enorme fã”, e Daniel Craig, que classifica como “um homem gracioso e amável”, Mirren não poupa críticas à franquia que eles ajudaram a imortalizar:

“Nunca gostei de James Bond. Nunca gostei da forma como as mulheres eram tratadas nesses filmes”, afirmou.

De facto, durante grande parte das suas seis décadas de existência, a saga do agente 007 foi marcada por uma imagem de masculinidade hegemónica e um tratamento superficial ou hipersexualizado das personagens femininas. Embora Craig tenha contribuído para uma versão mais introspectiva e emocionalmente complexa do espião, a própria natureza da personagem — um homem sedutor, impiedoso e quase sempre no centro do universo — permanece enraizada num arquétipo masculino tradicional.

👩‍🎤 Uma mulher Bond? Não, diz Mirren

Num tom surpreendente, a atriz revelou que não está de acordo com a proposta de criar uma versão feminina de James Bond, apesar de ser uma das mais respeitadas defensoras da visibilidade feminina no cinema:

“Prefiro ver histórias reais de mulheres que trabalharam como espiãs. Mulheres que existiram e foram incrivelmente corajosas, como as da Resistência Francesa. São essas histórias que deviam ser contadas.”

Mirren não vê numa 007 feminina uma vitória simbólica para as mulheres, mas antes uma forma de reciclar uma estrutura problemática com um verniz progressista. Para a veterana atriz, a solução não está em ocupar lugares desenhados para homens, mas em construir novos espaços narrativos com base na verdade e na autenticidade histórica.

🎥 A identidade de Bond: recomeçar ou reinventar?

Estas declarações surgem numa altura de incerteza sobre o futuro da franquia Bond. Após a saída de Daniel Craig em No Time to Die, os estúdios Amazon MGM assumiram o controlo criativo numa transação avaliada em mil milhões de dólares, prometendo “repensar o futuro da saga”.

Produtores como Amy Pascal e David Heyman foram anunciados como os novos rostos da liderança criativa da série, mas o novo ator (ou atriz?) para o papel continua por confirmar. As especulações têm sido muitas: de Idris Elba a Aaron Taylor-Johnson, passando por nomes femininos como Lashana Lynch, que chegou a interpretar uma agente com o código 007 no último filme da saga.

Será que o futuro de Bond passará por uma reinvenção total? Ou será que, como sugere Mirren, o melhor caminho é deixar morrer o passado — e contar novas histórias sobre heroínas reais e inspiradoras?

A posição de Helen Mirren pode parecer conservadora à primeira vista, mas talvez seja o contrário. Ao rejeitar a ideia de uma “Bond mulher”, não está a defender o status quo — está a exigir mais ambição narrativa para as personagens femininas. Em vez de adaptar um molde masculino, propõe que se criem novas mitologias protagonizadas por mulheres, inspiradas em histórias reais de coragem, inteligência e ação.

É uma crítica ao gesto simbólico fácil — aquele que pinta uma personagem masculina com tons femininos apenas para cumprir uma quota — sem questionar verdadeiramente as estruturas de poder e representação que sustentam essas narrativas há décadas.

E isso, diga-se, é uma verdadeira chamada à ação para os argumentistas e produtores do presente.

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🎤 Três Anos Depois do Escândalo dos Óscares, Will Smith Responde Com Rimas Afiadas: “Will Smith Está Cancelado”

Quase três anos após o momento mais controverso da sua carreira, Will Smith regressa ao centro das atenções — desta vez não no cinema, mas no mundo da música. O actor, vencedor do Óscar por King Richard (2022), lançou um novo álbum intitulado Based on a True Story, onde não só assume a sua queda pública como transforma o escândalo do estalo em Chris Rock num manifesto em verso.

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E sim, o álbum começa com uma declaração provocadora e directa ao ponto:

“Will Smith is cancelled”.

🎧 “Took a lot, I’m back on top”

No segundo tema do disco, You Lookin’ for Me?, Will Smith dispara linhas que não deixam dúvidas de que está ciente do que se diz sobre ele — e está pronto para reconquistar o seu lugar, com ou sem o perdão da indústria:

“Took a lot, I’m back on top / Y’all gon’ have to get acclimated / Won’t stop, my s**t still hot / Even though I won’t get nominated.”

É um refrão de quem já ouviu todas as críticas, memorizou os comentários e agora rima com ferocidade sobre isso. Não há hesitação em reconhecer a punição e a sua consequência — a exclusão tácita das futuras temporadas de prémios — mas também não há sinal de arrependimento forçado ou de apagamento da sua identidade.

🥊 Do Óscar à Queda: O Estalo que Ecoou em Todo o Mundo

Recordemos: a 27 de março de 2022, Will Smith subiu ao palco dos Óscares — não para receber o prémio de Melhor Actor, mas para esbofetear Chris Rock ao vivo, perante milhões de espectadores, após este fazer uma piada sobre a condição capilar da sua esposa, Jada Pinkett Smith.

A bofetada tornou-se uma das imagens mais virais da história dos Óscares. No mesmo evento, Smith acabaria por ganhar a estatueta dourada, mas as manchetes não foram sobre o seu desempenho como pai das irmãs Williams — foram sobre um momento de fúria que eclipsou uma carreira de décadas.

❌ Cancelado, mas não silenciado

Apesar de não ter sido forçado a devolver o Óscar, Will Smith foi banido de todos os eventos da Academia durante 10 anos. Demitiu-se da organização, publicou um pedido de desculpas e, desde então, tem gerido cuidadosamente os seus passos públicos. Até agora.

Com este novo álbum, Smith vira a página à sua maneira. Não se trata de uma simples tentativa de reconciliação, mas sim de reafirmação criativa, aproveitando o poder da música como catarse, escudo e ataque.

🎙️ Chris Rock respondeu — mas à sua maneira

Chris Rock manteve o silêncio durante meses, até ao lançamento do seu especial da Netflix Selective Outrage, onde deixou claro que o estalo tinha mais a ver com os dramas públicos do casamento Smith do que com a piada em si. A sua abordagem foi mordaz, mas controlada — como um contra-ataque com luvas de sarcasmo.

Agora, com Based on a True Story, Will Smith responde no seu próprio registo: o rap. A escolha não é aleatória — trata-se do regresso a uma das suas primeiras paixões, num formato onde pode controlar a narrativa.

📀 Based on a True Story – O Que Sabemos

• 🎤 Álbum de estúdio com temas autobiográficos

• 🧨 Aborda directamente o incidente dos Óscares e a cultura do cancelamento

• 🏆 Não espera prémios, mas procura atenção e afirmação

• 🧠 Mistura de confissão, provocação e resistência artística

• 📻 Primeiras impressões da crítica divididas: honestidade ou estratégia de marketing?

🎬 Clube de Cinema comenta

Based on a True Story não é apenas um álbum de música — é um capítulo novo na complexa narrativa pública de Will Smith. O actor, que sempre construiu uma imagem de “bom rapaz”, expõe agora os seus fantasmas com rimas afiadas, sarcasmo e um certo orgulho resiliente. Se vai ou não conquistar novamente a simpatia do público, é outra questão. Mas uma coisa é certa: Will Smith recusa sair de cena em silêncio.

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Daisy Edgar-Jones elogia os seus parceiros de cena: “Trabalhei com todos os namorados da internet… e tive muita sorte!”

🎬 A atriz britânica fala sobre Paul Mescal, Glen Powell e outros colegas de elenco – e o que torna estas colaborações especiais.

Daisy Edgar-Jones está prestes a regressar ao grande ecrã com Indomáveis (The Sweet East), ao lado de Jacob Elordi, mas antes disso concedeu uma entrevista à revista Elle que tem dado que falar – e não foi (só) pela roupa de luxo. Numa conversa descontraída, a atriz britânica, que se tornou um fenómeno global com Normal People, elogiou os atores com quem tem trabalhado e brincou com o facto de já ter contracenado com quase todos os “namorados da internet”.

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“Só faltam o Timothée Chalamet e o Austin Butler”, disse entre risos. “Trabalhei com basicamente todos os namorados da internet.”

Apesar do tom bem-humorado, Edgar-Jones não deixou de partilhar uma reflexão mais profunda sobre a sorte que teve no percurso: todos os seus parceiros de cena – de Paul Mescal e Andrew Garfield a Glen Powell – sempre apoiaram o facto de ela ser a verdadeira protagonista das histórias que contaram juntos.

“Glen, Sebastian, Paul… todos eles. Acho que é por isso que são tão bem-sucedidos, tão amados e tão bons: são generosos e realmente servem a história – não o próprio ego.”

A atriz sublinha o privilégio que tem sido trabalhar com atores que não sentem necessidade de disputar o protagonismo, especialmente numa indústria ainda marcada por desequilíbrios de poder. Em Tornados (2024), por exemplo, Glen Powell poderia ter roubado facilmente os holofotes, mas cedeu espaço para que Daisy liderasse a ação. Já em Fresh (2022), com Sebastian Stan, foi ela quem guiou o thriller psicológico. E com Paul Mescal, claro, dividiu o ecrã de forma tão intensa e harmoniosa em Normal People que ambos foram catapultados para o estrelato.

A verdade é que Daisy Edgar-Jones tem protagonizado algumas das histórias mais marcantes dos últimos anos, muitas vezes com os chamados “leading men” do momento a apoiá-la, e não a ofuscá-la. No fundo, como ela própria diz, trata-se de contar boas histórias, e todos os seus colegas, até agora, compreenderam isso perfeitamente.

No entanto, Edgar-Jones admite um certo receio para o futuro:

“Estou nervosa com a possibilidade de vir a trabalhar com alguém que talvez não esteja tão confortável com isso. Pode existir muito ego nesta indústria.”

Por agora, a atriz parece estar a navegar estas águas com elegância e talento – e sem naufrágios à vista. Indomáveis, o seu próximo filme ao lado de Jacob Elordi, estreia em Portugal a 15 de maio e promete dar continuidade à sua já impressionante galeria de performances.

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🎥 Curioso? Fica atento ao Clube de Cinema para mais novidades sobre Indomáveis, e espreita já os nossos destaques sobre os melhores filmes de Daisy Edgar-Jones até agora.