Mark Wahlberg comentou sobre o seu papel em “Boogie Nights” (1997): “Foi um sucesso e tinha um bom guião, uma história real. Também ajudou na carreira de Burt Reynolds e agora posso simpatizar mais com isso, agora que estou na indústria há bastante tempo, então posso ver como fazer um retorno que é popular e também apreciado pela crítica é algo raro e muito especial.”
No entanto, em 2017, Wahlberg disse: “Eu só espero que Deus seja um fã de cinema e também perdoador porque fiz algumas escolhas pobres no meu passado. ‘Boogie Nights’ está lá no topo da lista.”
O ator disse que ter uma família mudou a sua perspetiva sobre o tipo de papéis que aceita. Wahlberg não necessariamente se arrepende de ter estrelado em “Boogie Nights”, que é frequentemente citado como o seu grande avanço dramático, mas ele provavelmente nunca assumiria um papel como Dirk Diggler agora que é pai.
“Eu não quero comprometer a minha integridade artística ou escolhas com base na minha fé ou na minha família, mas também tenho outras coisas a considerar e sendo um pouco mais velho e um pouco mais sábio, a ideia de ter que explicar esse filme e a razão por trás dele aos meus filhos é outra questão.”
No final do filme, Wahlberg está em frente a um espelho. De repente, ele abre o fecho das calças e expõe o seu órgão genital bastante grande. É um dispositivo protético feito de borracha. Wahlberg guardou este adereço como uma lembrança do filme. Foi feito de uma combinação de borracha e espuma biodegradável, que segundo Wahlberg, já começou a deteriorar-se.
Leonardo DiCaprio foi originalmente oferecido o papel de Eddie Adams/Dirk Diggler. Ele gostou do guião, mas recusou porque já tinha assinado para fazer “Titanic” (1997). Foi DiCaprio quem sugeriu Wahlberg para o papel. Wahlberg originalmente não queria fazer o filme após o fracasso de alto perfil de “Showgirls” (1995). Ele mudou de ideia após ler o guião.
A longa cena estática de Dirk na casa de Rahad Jackson – onde a sua expressão muda lentamente de um estado de torpor drogado para um de tormento moral e espiritual – foi improvisada por Wahlberg. Quando um executivo do estúdio disse ao diretor Paul Thomas Anderson para cortar a cena, Anderson recusou, afirmando que era a melhor cena de todo o filme.
“Fui treinado para ser ator, não uma estrela. Fui treinado para interpretar papéis, não para lidar com fama, agentes, advogados e a imprensa.”
Durante as filmagens de “Hoosiers” (1986), o escritor e produtor Angelo Pizzo comentou sobre Gene Hackman: “Quando ele chegou, estava geralmente de mau humor. Nós chamávamos-lhe a nuvem negra. Ele começou a reclamar de tudo. Houve alguns surtos no set, alguns lançamentos de casacos e quase lutas. Houve todo tipo de drama no set. Então Dennis Hopper chegou três semanas depois do início das filmagens e acalmou Gene. Acho que Gene decidiu apenas aguentar e terminar aquilo e sair de lá.”
Segundo Pizzo, no último dia de filmagens, Hackman disse: “Eu só quero que estejam preparados para o facto de que este filme pode passar em algumas telas aqui em Indiana, mas depois acabará no lixo dos filmes que nunca fizeram sucesso, e as únicas pessoas que se lembrarão dele serão vocês dois. E espero esquecê-lo quando meu avião pousar em Los Angeles.”
Comentou Pizzo: “Gene tinha muito mais experiência em fazer filmes do que nós, então achamos que a sua avaliação provavelmente era precisa.”
Durante uma montagem feliz das vitórias consecutivas da equipa da escola secundária Hickory, o personagem de Hackman foi mostrado a dizer algo ao personagem de Hopper no banco, que fez Shooter rir. Anos depois, o diretor David Anspaugh soube o que Hackman disse: “Hackman disse-lhe: ‘Hopper, espero que tenhas investido bem porque tu e eu nunca mais vamos trabalhar depois deste filme. Este é um filme que acaba com a carreira para ambos.'”
Hackman disse: “Eu aceitei o filme numa época em que estava desesperado por dinheiro. Eu aceitei pelas razões erradas e acabou por ser um daqueles filmes que ficam. Eu era daquela área do país e conhecia aquele evento, estranhamente. Filmámos a cinquenta milhas de onde eu cresci. Então foi um sentimento bizarro. Nunca esperei que o filme tivesse o tipo de longevidade que tem tido.”
Hackman insistiu em ver uma versão preliminar do filme antes de regravar alguns dos seus diálogos. “Angelo e eu sabíamos que se ele não gostasse da versão preliminar, ele não apareceria no estúdio para regravar o seu diálogo,” disse Anspaugh. “Mas ele apareceu. Ele entrou na sala, tirou os óculos, olhou-me nos olhos e disse, ‘Como diabo fizeste isso?'”
Steven Soderbergh é conhecido por ser a primeira câmara em muitos dos seus filmes; como resultado, ele operou a câmara na maior parte das filmagens de “Traffic” (2000), incluindo a cena em que Michael Douglas viaja até a fronteira da Califórnia para discutir a interdição de drogas, que foi realmente filmada na travessia de Tijuana. A qualidade de vídeo e som é tão baixa em parte porque não era para fazer parte do filme. Douglas, fora do personagem, começou a perguntar a Rudy M. Camacho sobre o tráfico de drogas na fronteira. Na época, Camacho era o chefe da Alfândega na vida real responsável pelas travessias da fronteira da Califórnia. Soderbergh começou a filmar com uma câmara de mão, rezando para que Camacho não se dirigisse ao ator como “Sr. Douglas”.
Para conseguir um visual distinto para cada vinheta diferente na história, Soderbergh usou três tipos diferentes de película (e técnicas de pós-produção), cada uma com o seu próprio tratamento de cor e grão para a impressão. A história “Wakefield” apresenta um tom mais frio e azulado para combinar com a emoção triste e depressiva. A história “Ayala” é brilhante, cintilante e saturada em cores primárias, especialmente vermelho, para combinar com a superfície glamorosa da vida de Helena. A história “Mexicana” parece granulada, áspera e quente para acompanhar a paisagem mexicana robusta e cidades congestionadas.
O primeiro dia de filmagens teve de ser regravado inteiramente: Soderbergh usou o método conhecido como “flashing the negative” (expor o filme a uma pequena quantidade de luz branca e depois desenvolvê-lo). Alguém no laboratório cometeu um erro e executou o processo em todos os rolos de negativos completamente.
No primeiro dia de produção de “Sex, Lies, and Videotape” (1989), o primeiro filme de Soderbergh, os produtores enviaram um telegrama a Soderbergh. Eles provocaram-no de forma bem-humorada, dizendo que tinham ouvido dizer que ele “não conseguia dirigir o trânsito”. Doze anos depois, Soderbergh ganhou um Oscar por dirigir “Traffic”. Com este filme e “Erin Brockovich” (2000), Soderbergh tornou-se a décima pessoa a dirigir múltiplos filmes indicados ao Oscar de Melhor Filme no mesmo ano.
Robert De Niro não só deixou uma marca indelével em Hollywood, mas também fez um impacto significativo no domínio imobiliário. Renomado pelos seus papéis versáteis e atuações icónicas, a jornada de De Niro estende-se para além do grande ecrã, incluindo uma narrativa cativante de posse de propriedades e disputas legais.
A incursão de De Niro no imobiliário inclui a transformação de um celeiro antiquado numa mansão moderna e vanguardista, uma propriedade posteriormente avaliada em impressionantes 6 milhões de dólares. No entanto, esta obra-prima arquitetónica ficou envolvida numa disputa legal com a cidade de Gardiner sobre impostos prediais que o ator contestou.
Enquanto mantém uma presença ativa em Hollywood, De Niro encontra consolo e alegria na companhia dos seus filhos e netos. Frequentemente visto a desfrutar de um simples prazer, como partilhar um gelado com a família perto da sua residência em Nova Iorque, De Niro abraça tanto o glamour de Hollywood quanto a calorosa convivência familiar.
Ao longo dos anos, De Niro possuiu várias casas luxuosas, algumas atingindo preços impressionantes de até 25 milhões de dólares. Nascido a 17 de agosto de 1943, a carreira ilustre do ator abrange géneros com desempenhos notáveis em filmes de Martin Scorsese e uma reputação pela sua brilhante comédia ao lado das suas interpretações dramáticas.
A Jornada Cinematográfica de De Niro
A jornada cinematográfica de De Niro começou com um movimento audacioso ao abandonar a escola aos 16 anos para perseguir a carreira de ator. A transição das peças Off-Off-Broadway para o grande ecrã marcou o início de uma carreira notável. As suas colaborações com Martin Scorsese, incluindo “Mean Streets” e “The Godfather Part II”, catapultaram-no para a vanguarda da indústria cinematográfica, rendendo-lhe elogios e um Oscar de Melhor Ator Secundário.
Para além dos contos de gangsters, De Niro demonstrou a sua destreza na representação em papéis diversificados, como “The Deer Hunter” e “Taxi Driver”, ganhando outro Oscar de Melhor Ator. Os anos 80 viram-no explorar papéis de comédia, consolidando a sua reputação como um ator versátil com filmes como “The King of Comedy” e “Midnight Run”.
Um Retiro Palaciano em Nova Iorque
A residência principal de De Niro, situada em Gardiner, Nova Iorque, é um testemunho do seu gosto exigente. Adquirindo a propriedade em 1997 por 1,5 milhões de dólares, a mansão de 2222 metros quadrados em 98 acres passou por uma remodelação extensiva. O celeiro metamorfoseou-se num centro recreativo de 14000 metros quadrados, com uma sala de boxe, estúdio de cinema, sala de jogos, piscina, sala de vapor e sauna.
O complexo estende-se para além da mansão, englobando celeiros adicionais convertidos em oficina e escritório, duas casas de hóspedes, um campo de ténis e até uma pista de esqui. Apesar da opulência, a propriedade tornou-se o epicentro de uma batalha legal de três anos sobre impostos prediais. A avaliação inicial de 1,5 milhões de dólares aumentou para 6 milhões, levando De Niro a contestar os encargos.
Robert De Niro: Um Legado Cinematográfico e Imobiliário
Um Homem de Família em Hollywood
Para além dos seus triunfos cinematográficos e empreendimentos imobiliários, De Niro é um pai devoto de sete filhos de várias relações. O seu primeiro casamento com a cantora Diahnne Abbot rendeu um filho, Raphael, enquanto a sua relação com a modelo Toukie Smith resultou em gémeos, Julian e Aaron. O seu casamento com Grace Hightower trouxe dois filhos, Elliot e Helen, ao mundo.
Navegando pelas complexidades da paternidade, De Niro valoriza momentos com os seus filhos, fomentando conversas abertas sobre tópicos cruciais como direitos civis e o movimento Black Lives Matter. Apesar dos desafios, ele encontra alegria na companhia da família e incentiva os seus filhos a perseguirem as suas paixões, alertando-os para não “se subestimarem”.
Enquanto a propriedade de Gardiner de De Niro se tornou um ponto focal de contenção legal, o seu compromisso duradouro com a família, uma carreira multifacetada e um legado de brilhantismo cinematográfico pintam um retrato abrangente de um ator cuja influência transcende os limites de Hollywood.
O Festival Internacional de Documentário de Melgaço distinguiu a obra “My Stolen Planet” da iraniana Farahnaz Sharifi com o prémio Jean-Loup Passek para Melhor Longa-Metragem Internacional, anunciou hoje a organização.
A Melhor Curta ou Média-Metragem foi atribuída a “Les Chenilles” da dupla Michelle e Noel Keserwany, e o galardão para Melhor Documentário Português foi atribuído a Tânia Dinis com “Tão Pequeninas Tinham o Ar de Serem Já Crescidas”, indicou a organização numa nota de imprensa enviada à Lusa.
A 10.ª edição do MDOC – Festival Internacional de Documentário de Melgaço levou ao distrito de Viana do Castelo 22 estreias nacionais e 31 filmes na seleção oficial, com abordagens temáticas sobre a questão palestiniana, os direitos humanos, as migrações, o colonialismo, o ambiente e as questões de género.
No documentário que recebeu o prémio Jean-Loup Passek para Melhor Documentário Internacional, a realizadora iraniana Farahnaz Sharifi resgata memórias que são parte da sua história pessoal.
“Forçada a migrar para o seu planeta privado para conseguir ser livre, Sharifi compra as memórias de outras pessoas em forma de filmes super 8mm, grava e arquiva as suas próprias narrativas para criar uma história alternativa do Irão e do seu regime opressivo”, descreve-se no comunicado.
Nesta categoria, o documentário filmado na comunidade de Masafer Yatta, destruída pela ocupação israelita – “No Other Land” de Basel Adra, Hamdan Ballal, Yuval Abraham e Rachel Szor – mereceu uma Menção Especial.
Em “Tão Pequeninas Tinham o Ar de Serem Já Crescidas”, Tânia Dinis combina o tratamento ficcional e documental partindo do arquivo fotográfico e de imagens reais e do testemunho oral de várias mulheres provenientes das regiões de Trás-os-Montes, Beira Alta e Baixo Minho, que entre os anos 40 e 70 foram para a cidade do Porto trabalhar como criadas de servir.
“A Savana e a Montanha”, a terceira longa-metragem de Paulo Carneiro, que teve estreia nacional no MDOC, recebeu uma Menção Especial. “O filme esteve na Quinzena dos Cineastas, mostra paralela do Festival de Cannes 2024, e retrata a luta dos habitantes de Covas de Barroso (concelho de Boticas) contra uma multinacional britânica – Savannah Ressources – que pretende construir a maior mina de lítio a céu aberto”, refere o MDOC.
Quanto ao prémio Jean-Loup Passek para Melhor Curta ou Média-Metragem, foi atribuído à dupla Michelle e Noel Keserwany, que realizaram “Les Chenilles”, uma história sobre exploração passada e presente e sobre a solidariedade feminina, a amizade e o consolo entre Asma e Sarah, duas mulheres originárias do Levante que se descobrem apesar de carregarem o peso da pátria de origem.
Nesta categoria, o filme de animação que retrata o ciclo completo da vida de um molusco especial, “Percebes”, de Alexandra Ramires e Laura Gonçalves, recebeu a Menção Especial do MDOC.
O júri oficial desta edição do festival foi composto por Angelos Rallis (Grécia) – vencedor do Prémio Jean-Loup Passek/ MDOC – Melhor Longa Metragem 2023 com o filme “Mighty Afrin: in the time of flood” – Irina Trocan (Roménia), Mohammadreza Farzad (Irão), Raquel Schefer (Portugal) e Truls Lie (Noruega).
O Prémio D. Quixote (da IFFS – Federação Internacional de Cineclubes atribuído em Festivais de Cinema selecionados) coube este ano a “No Other Land” de Basel Adra, Hamdan Ballal, Yuval Abraham e Rachel Szor na secção de Melhor Longa-Metragem, sendo que a Melhor Curta ou Média-Metragem foi conquistada por Stefano Obino com o filme “A Beautiful Day”.
Nesta 10.ª edição, o MDCO teve um número recorde de realizadores e produtores presentes (22) e uma média de afluência de público na ordem dos 3.800 espetadores, de acordo com a organização.
Goldie Hawn, nascida a 21 de novembro de 1945, em Washington, D.C., é uma atriz, produtora e comediante americana celebrada pela sua personalidade vibrante e versatilidade tanto em papéis cómicos como dramáticos. A carreira de Hawn abrange várias décadas, marcada pela sua mistura distintiva de charme, humor e talento.
Ascensão ao Estrelato
Hawn ganhou destaque inicialmente como regular no programa de comédia “Rowan & Martin’s Laugh-In” (1968-1973). O seu trabalho no programa, particularmente a sua energia contagiante e o seu timing cómico, valeu-lhe um Globo de Ouro e estabeleceu-a como uma estrela em ascensão em Hollywood. Este sucesso televisivo precoce abriu caminho para a sua transição para o cinema.
Nos anos 70 e 80, Hawn tornou-se uma grande estrela de cinema, conhecida pelos seus papéis em uma série de comédias de sucesso e aclamadas pela crítica. A sua performance em “Cactus Flower” (1969), que lhe valeu o Óscar de Melhor Atriz Secundária, mostrou o seu talento para misturar humor com profundidade. Continuou a cativar o público com êxitos como “The Sugarland Express” (1974), “Private Benjamin” (1980) e “Overboard” (1987). Em “Private Benjamin”, Hawn interpretou uma jovem rica que se junta ao exército, um papel que solidificou ainda mais a sua reputação de brilhantismo cómico e lhe valeu outra nomeação para o Óscar.
Contribuições como Produtora
Para além da sua carreira de atriz, Hawn fez contribuições significativas como produtora. Co-fundou a empresa de produção Hawn/Goldie Productions e produziu vários filmes de sucesso, incluindo “The First Wives Club” (1996), que foi um grande êxito e demonstrou ainda mais a sua influência na indústria.
Impacto Além do Ecrã
A influência de Hawn estende-se para além do ecrã. Ela é conhecida pelo seu trabalho na promoção da saúde mental positiva e bem-estar. Em 2003, fundou a Hawn Foundation, que se concentra em melhorar as vidas das crianças através de programas de aprendizagem social e emocional. O trabalho da fundação reflete o compromisso de Hawn em fomentar a resiliência e a inteligência emocional nos jovens.
Vida Pessoal e Parcerias Profissionais
A sua vida pessoal também tem sido objeto de interesse público. Hawn mantém uma longa e notória relação com o ator Kurt Russell, com quem partilha uma forte parceria pessoal e profissional. O casal, que trabalhou junto em vários filmes, é conhecido pela sua relação duradoura e de apoio mútuo.
A carreira de Goldie Hawn é marcada pela sua capacidade de transitar de forma fluida entre comédia e drama, o seu papel influente como produtora e o seu compromisso com esforços filantrópicos. O seu legado em Hollywood é definido pelo seu talento notável, charme duradouro e impacto positivo tanto dentro como fora do ecrã.
Goldie Hawn continua a ser uma figura inspiradora na indústria cinematográfica, não apenas pelas suas contribuições artísticas, mas também pelo seu trabalho em prol da saúde mental e do bem-estar das crianças. A sua carreira multifacetada e as suas iniciativas filantrópicas asseguram que o seu impacto perdure por muitas gerações.
E se “The Simpsons” fosse dirigido por Wes Anderson? Novas imagens geradas por inteligência artificial apresentam-nos uma versão peculiar e repleta de estrelas da icónica série animada, despertando interesse e curiosidade entre os fãs de cinema e televisão.
Uma Visão Única e Inconfundível
Os Simpsons, com o seu estatuto lendário na cultura pop, sempre suscitaram curiosidade sobre a possibilidade de uma adaptação em live-action. A decisão de casting para personagens como Homer Simpson já passou por nomes como Bruce Willis e John C. Reilly ao longo dos anos. No entanto, uma nova apresentação no subreddit Midjourney, partilhada por Quills86, imagina como seria uma adaptação live-action dirigida pelo cineasta Wes Anderson, conhecido pelo seu estilo único e colaboradores habituais.
As imagens mostram personagens como Bart e Lisa de uma forma relativamente anónima, mas outras escolhas de elenco destacam-se pela sua originalidade e adequação ao estilo de Anderson. Por exemplo, Tilda Swinton como Edna Krabappel e Tom Hanks como Diretor Skinner são escolhas que se destacam. Ian McKellen como Mr. Burns é outra seleção que chama a atenção, demonstrando a habilidade de Anderson em reunir um elenco de qualidade para os seus projetos. Embora nem todos os atores tenham trabalhado com Anderson anteriormente, é difícil discordar das escolhas apresentadas. Paul Rudd como Ned Flanders é outra escolha interessante que merece destaque.
A ideia de uma versão live-action de “The Simpsons” não é nova. Em certo ponto, foi proposta uma adaptação focada no personagem Troy McClure, interpretado pelo convidado recorrente Phil Hartman. O projeto, que ganhou apoio de vários membros da equipa dos Simpsons, pretendia usar o episódio “A Fish Called Selma” como base para um filme. No entanto, o projeto foi cancelado após a morte de Hartman em 1998.
Em vez de se concentrar nos personagens principais, uma adaptação live-action poderia funcionar melhor se usasse a série animada como inspiração geral e gancho de marketing, focando-se num personagem mais secundário. Por exemplo, Finn Wolfhard, de Stranger Things, foi imaginado como o amigo de cabelo azul de Bart, Milhouse. Esta abordagem poderia resultar num filme de comédia interessante, permitindo mais espaço para originalidade.
Respeitando a Essência de Springfield
Felizmente, “The Simpsons” resistiu à tentação de se tornar uma franquia com inúmeras adaptações e spin-offs. A série serviu de precursora para outros programas animados da Fox, como “Family Guy” e “Bob’s Burgers”. Se houvesse uma razão convincente para expandir Springfield de forma significativa, provavelmente já teria acontecido.
Conclusão
As imagens de “The Simpsons” dirigidas por Wes Anderson são um exercício fascinante de imaginação, combinando a excentricidade do cineasta com a iconografia da série animada. Embora a ideia de uma adaptação live-action completa possa ser controversa, estas representações proporcionam um olhar intrigante sobre o que poderia ser uma versão única e estilizada dos amados habitantes de Springfield.
Imagine ver uma fotografia tão impressionante que altera o curso de uma lendária franquia de filmes. Foi exatamente isso que aconteceu quando Dana Broccoli, esposa do produtor de 007, Albert “Cubby” Broccoli, deparou-se com uma imagem do jovem Sean Connery. Ao vê-la, exclamou imediatamente: “Aqui está o James Bond!”
Esta não foi uma observação casual; foi uma mudança de jogo. Ian Fleming, o criador de James Bond, inicialmente imaginou Cary Grant no papel. Cubby Broccoli, por sua vez, tinha Peter O’Toole em mente. Mas foi o olhar atento de Dana que fez a chamada de casting do século. A sua intuição levou Sean Connery a tornar-se o rosto icónico de James Bond, redefinindo o personagem para as gerações futuras.
Nos anos 60, a busca pelo ator perfeito para interpretar James Bond era intensa. A personagem, nascida das páginas dos romances de Ian Fleming, precisava de uma presença que encapsulasse charme, força e sofisticação. Cary Grant, uma estrela estabelecida, parecia uma escolha natural para Fleming, enquanto Peter O’Toole, com o seu talento dramático, era o favorito de Cubby Broccoli.
No entanto, tudo mudou com uma simples fotografia. Dana Broccoli estava a folhear uma coleção de imagens quando se deparou com Sean Connery. Naquele instante, ela viu algo que ninguém mais tinha visto – a essência de James Bond capturada em uma única imagem.
A Escolha que Redefiniu James Bond
Convencer Fleming e Cubby não foi tarefa fácil. Connery não era uma estrela de cinema consolidada na época, e muitos tinham dúvidas sobre se ele poderia dar vida ao agente secreto britânico de forma convincente. Contudo, a determinação de Dana Broccoli foi inabalável. Ela acreditava que Connery tinha o carisma e a presença necessários para tornar Bond um ícone cinematográfico.
Eventualmente, a visão de Dana prevaleceu. Sean Connery foi escolhido para o papel e fez a sua estreia como James Bond em “Dr. No” (1962). A sua interpretação de Bond combinava dureza com sofisticação, criando uma nova imagem para o espião que rapidamente conquistou o público. Connery não apenas desempenhou o papel; ele encarnou a personagem, estabelecendo um padrão que influenciaria todos os futuros intérpretes de 007.
A decisão de casting tomada por Dana Broccoli teve repercussões profundas na franquia de James Bond. Sean Connery interpretou Bond em sete filmes, e o seu impacto é sentido até hoje. Cada ator que assumiu o manto de 007, desde Roger Moore a Daniel Craig, teve que medir-se contra o legado deixado por Connery.
Esta história ilustra o poder de uma fotografia bem-timed. Uma simples imagem foi suficiente para mudar a trajetória de uma das franquias mais duradouras do cinema. Dana Broccoli, com o seu olhar atento, não apenas escolheu um ator; ela ajudou a definir um legado que continua a cativar o público mundialmente.
Conclusão
A intuição e o olhar crítico de Dana Broccoli provaram ser um ponto de viragem na história do cinema. A escolha de Sean Connery como James Bond transformou não apenas a sua carreira, mas também a própria franquia 007. Este evento destaca como momentos aparentemente pequenos podem ter impactos monumentais, especialmente no mundo do cinema, onde a visão e a escolha certas podem criar lendas.
A tão aguardada sequela de “28 Days Later” (2002), intitulada “28 Years Later”, está a caminho, com Cillian Murphy a retomar o seu papel no mundo pós-apocalíptico criado por Danny Boyle. As gravações da sequela foram recentemente concluídas, e o lançamento nos Estados Unidos está agendado para 20 de junho de 2025 .
Com um argumento de Alex Garland e a direção de Danny Boyle, a sequela promete trazer novamente a intensidade e a inovação que marcaram o filme original. Além de Murphy, o elenco conta com estrelas como Aaron Taylor-Johnson, Jodie Comer, Ralph Fiennes e Jack O’Connell .
“28 Years Later” marca o início de uma nova trilogia no universo apocalíptico, com Garland a escrever e produzir as próximas sequências. A realizadora Nia DaCosta assumirá a direção dos capítulos seguintes. Rumores indicam que a próxima obra da saga, “The Bone Temple”, começará a ser filmada em Londres em 2024 .
Roger Ebert, um dos críticos de cinema mais influentes do século XX, deixou um legado inigualável com as suas análises perspicazes e apaixonadas. Ebert não apenas analisou filmes mainstream, mas também dedicou muita atenção a obras menos conhecidas que merecem ser vistas por um público mais amplo. Aqui estão alguns dos filmes subvalorizados que Ebert recomendou ao longo da sua carreira:
1. “Ripley’s Game” (2002)
“Ripley’s Game”, estrelado por John Malkovich, é um thriller que continua a saga de Tom Ripley, um criminoso reformado que vive uma vida luxuosa na Itália. Quando descobre que o seu parceiro, Reeves (Ray Winstone), planeia traí-lo, Ripley manipula um homem em fase terminal, Jonathan Trevanny (Dougray Scott), para cometer um assassinato. Este filme destaca-se pela performance brilhante e insidiosa de Malkovich, que Ebert considerou uma das melhores da sua carreira. A obra foi adicionada à lista de “Great Movies” de Ebert, destacando-se pela sua exploração do mal e da moralidade.
2. “The Pledge” (2001)
Dirigido por Sean Penn, “The Pledge” é um thriller psicológico estrelado por Jack Nicholson. O filme segue Jerry Black, um detetive à beira da reforma, que se compromete a encontrar o assassino de uma jovem. À medida que se aprofunda na investigação, Jerry torna-se obcecado, questionando a linha ténue entre justiça e loucura. Ebert elogiou a direção de Penn e a performance de Nicholson, descrevendo-o como um dos melhores trabalhos do ator. O filme é uma reflexão intensa sobre a obsessão e a busca pela verdade.
3. “Wings of Desire” (1987)
Realizado por Wim Wenders, “Wings of Desire” é uma obra-prima poética que segue anjos que observam a vida quotidiana em Berlim. Um dos anjos, interpretado por Bruno Ganz, apaixona-se por uma humana e decide tornar-se mortal para estar com ela. Ebert destacou a atmosfera meditativa do filme, que evoca uma sensação de elegia e reflexão. O filme é uma meditação sobre a mortalidade, o amor e a conexão humana, oferecendo uma experiência cinematográfica única.
4. “Woman in the Dunes” (1964)
Este drama psicológico japonês, dirigido por Hiroshi Teshigahara, é baseado no romance de Kōbō Abe. A história segue um entomologista que fica preso numa vila isolada onde é forçado a ajudar uma mulher a escavar areia para sobreviver. “Woman in the Dunes” é conhecido pela sua utilização inovadora do som e pelas suas metáforas existenciais. Ebert descreveu-o como um dos raros filmes que combina realismo com parábolas sobre a vida, destacando a sua capacidade de transmitir sentimentos de frustração e desespero através da sua atmosfera envolvente.
5. “Dekalog” (1989)
“Dekalog” é uma série de dez filmes polacos, cada um inspirado por um dos Dez Mandamentos, todos ambientados num complexo de apartamentos na Polónia dos anos 80. Realizada por Krzysztof Kieślowski, a série explora dilemas morais complexos enfrentados pelos residentes do edifício. Ebert classificou esta série como uma das suas favoritas, elogiando a sua abordagem profunda e nuançada da moralidade. A série é reconhecida pela sua habilidade em transformar questões éticas abstratas em histórias pessoais e emocionantes.
6. “Santa Sangre” (1989)
“Santa Sangre”, dirigido por Alejandro Jodorowsky, é um filme de terror surrealista que segue a vida de Fenix, um jovem traumatizado pelo seu passado violento. O filme é conhecido pelas suas imagens viscerais e narrativa incomum, explorando temas de controle e libertação. Ebert considerou “Santa Sangre” um dos melhores filmes de terror de todos os tempos, destacando a criatividade de Jodorowsky e a intensidade emocional da obra.
7. “Cléo from 5 to 7” (1962)
Dirigido por Agnès Varda, “Cléo from 5 to 7” é um clássico da Nouvelle Vague francesa. O filme segue a jornada introspectiva de Cléo, uma cantora pop que aguarda os resultados de um exame médico que pode confirmar se tem cancro. Através de um passeio pelas ruas de Paris, Cléo reflete sobre a sua vida, mortalidade e identidade. Ebert elogiou a combinação de drama, humor e existencialismo do filme, bem como a performance de Corinne Marchand no papel principal.
8. “Mishima: A Life in Four Chapters” (1985)
Dirigido por Paul Schrader, “Mishima: A Life in Four Chapters” dramatiza a vida do influente escritor japonês Yukio Mishima. O filme explora a complexidade da sua personalidade e as suas ideias radicais através de uma narrativa visualmente impressionante que mistura episódios biográficos com adaptações das suas obras. Ebert chamou-o de “um dos melhores e mais incomuns filmes biográficos já feitos”, destacando a sua profundidade e originalidade.
9. “Secrets & Lies” (1996)
Este drama de Mike Leigh aborda temas de identidade e relações familiares. A história segue Hortense, uma mulher negra adotada que decide encontrar a sua mãe biológica, apenas para descobrir que ela é uma mulher branca de classe trabalhadora. Leigh é conhecido pelo seu estilo de direção naturalista e improvisado, e “Secrets & Lies” é um excelente exemplo desse método. Ebert elogiou a autenticidade e a profundidade emocional das performances, especialmente as de Marianne Jean-Baptiste e Brenda Blethyn.
10. “Au Revoir les Enfants” (1987)
Baseado em eventos reais, “Au Revoir les Enfants” de Louis Malle é um comovente drama sobre um internato francês durante a ocupação nazi. A história segue a amizade entre um menino francês e um estudante judeu que está escondido no colégio. O filme captura a atmosfera tensa da França ocupada e o impacto da guerra nas crianças. Ebert destacou a forma como o filme retrata a vida quotidiana e a inocência infantil interrompida pela guerra, tornando-o um dos seus favoritos.
Estes filmes, apesar de não terem recebido a atenção mainstream que merecem, são exemplos brilhantes de narrativa cinematográfica e arte visual. Roger Ebert, com o seu olho crítico e amor pelo cinema, trouxe estas obras para a luz, oferecendo aos espectadores a oportunidade de explorar e apreciar filmes que de outra forma poderiam ter sido ignorados.
O Festival de Edimburgo, conhecido por ser um dos maiores eventos de artes cénicas do mundo, este ano será palco de uma peça altamente polémica que aborda os comentários controversos de J.K. Rowling sobre pessoas transgénero. A obra, intitulada “TERF”, imagina os atores Daniel Radcliffe, Emma Watson e Rupert Grint discutindo com a autora sobre as suas opiniões controversas em relação ao género biológico.
A peça “TERF”, acrónimo de “Trans-Exclusionary Radical Feminist”, termo utilizado para descrever feministas que excluem as pessoas transgénero, foi criada por Joshua Kaplan. Kaplan, autor e diretor da peça, afirma que o objetivo principal da obra é destacar os direitos das pessoas transgénero e como as redes sociais têm contribuído para a polarização das discussões sobre este tema sensível.
Trelawny Kean, que interpreta Emma Watson na peça, descreveu “TERF” como uma intervenção dos atores para persuadir Rowling a cessar os seus comentários ofensivos no Twitter. “É uma tentativa de Daniel Radcliffe, Emma Watson e Rupert Grint de dizer a J.K. Rowling que pare de dizer atrocidades nas redes sociais”, afirmou Kean à France-Presse.
As mensagens frequentes de Rowling no Twitter, agora rebatizado como X, têm sido amplamente criticadas e levaram à sua categorização como uma “feminista radical que exclui a comunidade trans” (TERF). Para Kaplan, a peça é uma resposta direta às suas declarações e uma forma de promover um diálogo mais inclusivo e compreensivo sobre a identidade de género.
Para garantir a segurança e minimizar possíveis controvérsias, a produção de “TERF” tomou medidas preventivas, como a alteração do título original e a mudança do local de apresentação. Além disso, a personagem transgénero na peça permanecerá em anonimato durante toda a temporada, uma decisão tomada para proteger a integridade do elenco e da produção.
Berry Church Woods, produtor da obra e co-fundador da companhia de produção Civil Disobedience, expressou preocupações quanto à violência das discussões online sobre a questão transgénero. “Esperamos que a nossa companhia seja forte o suficiente para lidar com todas as patetices sobre este assunto”, comentou Woods, destacando a importância de abordar temas sociais delicados com sensibilidade e responsabilidade.
J.K. Rowling, que reside em Edimburgo, ainda não se pronunciou publicamente sobre a peça. No entanto, a autora já esteve envolvida em várias polémicas desde dezembro de 2019, quando expressou apoio a uma investigadora que foi demitida por afirmar que as pessoas transgénero não podem mudar o seu sexo biológico. Esta posição provocou uma reação significativa por parte da comunidade trans e dos seus aliados, incluindo os próprios atores da saga “Harry Potter”.
Daniel Radcliffe, que interpretou Harry Potter, revelou que já não mantém contacto com Rowling e expressou tristeza pelos acontecimentos. Emma Watson e Rupert Grint também se distanciaram da autora, mesmo quando esta detalhou a sua posição e revelou ter sido vítima de agressão sexual e violência doméstica. Apesar das controvérsias, Rowling continua a ser uma figura proeminente e influente, dividindo opiniões entre feministas radicais que a veem como uma heroína e ativistas trans que a consideram uma adversária.
A peça “TERF” promete ser um ponto alto no Festival de Edimburgo deste ano, refletindo o intenso debate em torno dos direitos das pessoas transgénero na Escócia. Em 2022, o governo escocês aprovou uma lei para facilitar a transição de género, que foi posteriormente bloqueada pelo governo central em Londres, sublinhando as divisões políticas e sociais sobre o tema.
Joshua Kaplan, ao criar “TERF”, pretende explorar a complexidade das discussões nas redes sociais e a perda de nuances nas conversas sobre identidade de género. A peça alterna cenas do presente com momentos do passado de Rowling, oferecendo uma visão sobre os motivos que podem ter influenciado as suas opiniões. A produção espera que, ao enfrentar diretamente estas questões, possam promover uma maior compreensão e empatia entre os diferentes pontos de vista.
A aguardada cerimónia de encerramento dos Jogos Olímpicos de Paris contará com a surpreendente participação de Tom Cruise. A estrela de “Missão: Impossível” esteve presente desde o início do evento desportivo, marcando presença em diversas competições. A notícia foi divulgada pelo Deadline, que citou fontes próximas da organização.
Tom Cruise participará na entrega da bandeira olímpica à cidade de Los Angeles, futura anfitriã dos Jogos Olímpicos de 2028. Durante a cerimónia, a presidente de Los Angeles, Karen Bass, receberá a bandeira das mãos de Anne Hidalgo, presidente da câmara de Paris. “Será uma grande produção de Hollywood”, revelou uma fonte ao Deadline.
O site TMZ acrescentou que Cruise descerá do topo do Stade de France no momento da entrega da bandeira, seguido pela exibição de um vídeo de dois minutos que mostrará a sua viagem de avião até Los Angeles, terminando com um salto de paraquedas junto ao letreiro de Hollywood, que celebrou 100 anos em 2023.
Apesar das expectativas, a organização dos Jogos Olímpicos de Paris não confirmou oficialmente a participação de Tom Cruise, mantendo os detalhes em segredo até ao dia do evento .
O ator Henry Cavill, conhecido pelos seus papéis em “Super-Homem” e “The Witcher”, prepara-se para um novo desafio no reboot de “Highlander”. O realizador de “John Wick”, Chad Stahelski, revelou novas informações sobre este aguardado projeto, prometendo uma abordagem fresca e empolgante à clássica saga de imortais.
Cavill, cuja carreira começou a ganhar destaque na série “The Tudors”, tem consolidado a sua reputação como um dos principais atores de ação de Hollywood. Além dos seus papéis icónicos, recentemente protagonizou “The Ministry of Ungentlemanly Warfare” de Guy Ritchie, mostrando a sua versatilidade e talento.
O reboot de “Highlander” é um dos projetos mais esperados pelos fãs de ação e fantasia. Stahelski, que revitalizou o género com a série “John Wick”, está ao leme desta nova versão, prometendo cenas de luta inovadoras e uma narrativa envolvente. Detalhes sobre o enredo e o restante elenco ainda são escassos, mas a combinação de Cavill e Stahelski sugere um filme repleto de adrenalina e intensidade.
“Um Lugar Silencioso: Dia Um”, o mais recente filme da popular saga de terror, estreou nos cinemas em junho e já conquistou a aprovação de Stephen King. O aclamado autor de terror, cujas obras incluem clássicos como “Carrie” e “A Coisa”, deixou a sua marca com uma crítica breve, mas incisiva, no seu perfil do Twitter.
Michael Sarnoski e John Krasinski são os responsáveis por trazer este novo capítulo à vida. A franquia, que começou em 2018 com uma história original de Scott Beck e Bryan Woods, segue uma família que deve viver em completo silêncio para evitar criaturas mortais que caçam pelo som. O primeiro filme e a sua sequela receberam aclamação crítica, e “Um Lugar Silencioso: Dia Um” não é exceção, destacando-se com um impressionante score de 96% no Rotten Tomatoes.
A prequela conta com um elenco talentoso, incluindo Lupita Nyong’o, Joseph Quinn e Djimon Hounsou. Stephen King, um dos primeiros a assistir ao filme, descreveu-o no Twitter como “Aquele raro ‘grande filme de Hollywood’ que é tanto íntimo quanto detalhado. (E o gato é o verdadeiro protagonista)”. Esta observação sucinta sublinha a qualidade do filme e a sua capacidade de equilibrar elementos pessoais e narrativos num cenário de grande escala.
King é conhecido por ser um crítico direto e a sua opinião positiva acrescenta peso à recepção já favorável do filme. A saga “Um Lugar Silencioso” continua a ser um exemplo notável de como o terror pode ser tanto emocionante quanto emocionalmente ressonante.
O lendário Garrick Club de Londres, conhecido pela sua exclusividade masculina desde a sua fundação em 1831, deu um passo histórico ao admitir as suas primeiras mulheres como sócias. As icónicas atrizes Judi Dench e Siân Phillips são as pioneiras desta mudança, conforme informou a imprensa britânica na terça-feira. Esta decisão marca um momento significativo na luta pela igualdade de género em instituições de prestígio e poder.
O Garrick Club, localizado no bairro de Covent Garden, tem uma longa história de associação com figuras influentes, incluindo juízes, advogados, jornalistas e líderes políticos. Entre os seus membros notáveis, constam o rei Carlos III e os atores Brian Cox e Benedict Cumberbatch. A pressão para abrir as portas às mulheres aumentou significativamente após a publicação de uma lista de membros pelo jornal The Guardian em março, o que levou a saídas proeminentes, como a do diretor do Serviço Secreto MI6, Richard Moore, e do secretário-geral de Downing Street, Simon Case.
A votação decisiva para a admissão de mulheres ocorreu em maio e, numa movimentação rara, o clube acelerou o processo de nomeação para Judi Dench, de 89 anos, e Siân Phillips, de 91 anos, reconhecendo-as como “membros proeminentes”. Judi Dench é mundialmente conhecida pelos seus papéis em filmes da saga James Bond e é uma das atrizes inglesas mais premiadas, com um Óscar e sete nomeações, além de dois Globos de Ouro. Siân Phillips, uma atriz galesa famosa pelos seus papéis no teatro e pelo trabalho no filme “Duna” de David Lynch, também se destaca pelo seu contributo ao cinema e televisão.
Outras mulheres, como a ex-ministra do Interior Amber Rudd e a jornalista de televisão Cathy Newman, deverão seguir o exemplo de Dench e Phillips, ingressando no clube. Em 2015, uma votação similar não obteve maioria suficiente, e em 2021, uma petição liderada por Cherie Booth, esposa do ex-primeiro-ministro Tony Blair, também falhou. Booth relembrou como em 1976 teve que ficar na entrada do clube enquanto o seu futuro marido tinha permissão para entrar, destacando as desigualdades que perduravam até agora.
Esta mudança no Garrick Club representa não só uma vitória simbólica para a igualdade de género, mas também um reflexo das mudanças sociais mais amplas, onde a inclusão e a igualdade estão finalmente a ganhar terreno em todas as esferas da vida pública e profissional.
A onda de acusações do movimento #MeToo continua a fazer ondas no cinema francês, com os cineastas Benoît Jacquot e Jacques Doillon no centro de uma nova polémica. Ambos foram detidos para interrogatório na segunda-feira, após acusações de violência sexual feitas por Judith Godrèche e outras atrizes. Enquanto Jacquot enfrentará a justiça, Doillon foi libertado sem acusação.
Benoît Jacquot, conhecido por filmes como “Adeus, Minha Rainha” e “Diário de Uma Criada de Quarto”, foi mantido sob custódia policial por 48 horas e será apresentado à justiça francesa na quarta-feira. A sua advogada, Julia Minkowski, expressou indignação pela detenção, classificando-a de “questionável” e defendendo que uma audiência em liberdade teria sido mais apropriada. Já Jacques Doillon, cuja filmografia inclui “Ponette” e “Rodin”, foi libertado sem acusação, após ser interrogado pela polícia. A sua advogada, Marie Dosé, criticou a custódia policial, considerando-a injustificada devido à antiguidade dos factos denunciados, que remontam a 36 anos.
As acusações contra Jacquot e Doillon surgiram no início de fevereiro, quando Judith Godrèche, de 52 anos, apresentou queixas na justiça francesa. Godrèche acusou Jacquot de violação e Doillon de agressão sexual, alegando que os crimes ocorreram quando era menor de idade. O caso de Jacquot é particularmente complexo, dado o seu relacionamento com Godrèche ter começado quando ela tinha apenas 14 anos, com o consentimento dos pais da atriz. A relação, descrita por Godrèche como de “dominação” e “perversão”, foi amplamente conhecida na comunicação social e no mundo do cinema.
Além de Godrèche, outras duas atrizes denunciaram Jacquot: Julia Roy, por agressão sexual, e Isild le Besco, por violação de menor de 15 anos e violação, ocorridas entre 1998 e 2007. Jacquot, um realizador prolífico com mais de 50 filmes e filmes para TV, tem uma longa história de trabalho com atrizes renomadas como Catherine Deneuve e Isabelle Huppert. No entanto, a sua abordagem ao trabalho, descrita por ele como a necessidade de estar “apaixonado” pelas suas atrizes, levantou questões sobre a dinâmica de poder e consentimento nos seus relacionamentos profissionais.
A investigação da Procuradoria de Paris está focada em alegados crimes como violação de um menor com menos de 15 anos por uma pessoa com autoridade, violação, violência doméstica e agressão sexual de um menor com menos de 15 anos por uma pessoa com autoridade. Esta custódia policial permitiu acareações entre os realizadores e algumas das atrizes que os acusam, incluindo Godrèche.
As advogadas de ambos os cineastas denunciaram os “ataques à presunção de inocência” dos seus clientes e criticaram a cobertura mediática das detenções. Este caso destaca as tensões contínuas no movimento #MeToo francês, onde figuras proeminentes da indústria cinematográfica enfrentam um escrutínio cada vez maior sobre o seu comportamento passado.
Este desenvolvimento no caso de Jacquot e Doillon sublinha a importância de uma investigação rigorosa e justa, equilibrando as necessidades de justiça para as vítimas e a proteção dos direitos dos acusados. À medida que o #MeToo continua a evoluir, é crucial que tanto o público quanto a indústria cinematográfica permaneçam vigilantes e empenhados em promover um ambiente de trabalho seguro e respeitoso para todos.
A aguardada sequela de “Beetlejuice”, intitulada “Beetlejuice Beetlejuice”, será a grande estrela na abertura da 81.ª edição do Festival de Cinema de Veneza. O evento cinematográfico, um dos mais prestigiados a nível mundial, decorre de 28 de agosto a 7 de setembro, e a notícia foi anunciada com grande entusiasmo pelos organizadores na terça-feira.
Passaram-se trinta e seis anos desde que o filme original, “Os Fantasmas Divertem-se”, encantou o público e a crítica. Agora, Michael Keaton, aos 72 anos, regressa ao papel icónico do demónio travesso Beetlejuice, acompanhado por Winona Ryder, a eterna Lydia Deetz. Juntando-se a eles, Willem Dafoe e Monica Bellucci, esta última numa participação especial, tornam o elenco ainda mais promissor. Sob a direcção de Tim Burton, que mantém a sua visão única e inconfundível, o filme promete ser um regresso triunfante a um universo que marcou gerações.
Tim Burton, atualmente parceiro da atriz italiana Monica Bellucci, expressou a sua gratidão e emoção por estrear o filme em Veneza. “Apresentar este filme em estreia mundial no Festival de Cinema de Veneza significa muito para mim”, afirmou o cineasta americano de 65 anos, num comunicado oficial do festival. O diretor artístico da Mostra, Alberto Barbera, reeleito recentemente para mais dois anos, destacou a importância deste regresso. “Beetlejuice Beetlejuice” é “o tão esperado regresso de uma das personagens mais emblemáticas do cinema de Tim Burton”, comentou Barbera.
O filme original, vencedor do Óscar de Melhor Caracterização, contava a história de um jovem casal recém-falecido que se transforma em fantasmas na sua antiga casa. Para espantar os novos moradores, recorrem a Beetlejuice, um “bioexorcista” que acaba por causar um caos hilariante. Esta comédia de fantasia lançou a carreira de Michael Keaton e destacou Winona Ryder, que mais tarde brilhou em outro sucesso de Burton, “Eduardo Mãos de Tesoura”.
Na sequela que será apresentada em Veneza, a personagem Beetlejuice promete mais uma vez trazer o caos às vidas dos seus desafortunados alvos. Com um enredo que mistura o humor negro característico de Burton e situações imprevisíveis, os fãs podem esperar um filme que honre o legado do original, enquanto introduz novos elementos e personagens cativantes.
A estreia nos cinemas portugueses está marcada para o dia 5 de setembro, e a expectativa é alta. O regresso de Beetlejuice não só celebra uma era de nostalgia, mas também demonstra a duradoura influência de Tim Burton no cinema contemporâneo. Esta nova aventura promete não desiludir, reunindo um elenco talentoso e uma equipa criativa que tem tudo para entregar um filme memorável.
Com esta notícia, o Festival de Cinema de Veneza reafirma a sua posição como palco de estreias mundiais de grande impacto, continuando a atrair atenções de todo o mundo para a sua programação diversificada e de alta qualidade. O retorno de Beetlejuice à grande tela será, sem dúvida, um dos momentos mais aguardados e comentados do evento.
