South Park e o Mistério de “6, 7”: O Meme Que Não Significa Nada (E É Precisamente Esse o Ponto)

A 28.ª temporada da série arranca com um fenómeno viral sem sentido — e uma inesperada lição de existencialismo digital. 🤯📺

O regresso de South Park para a 28.ª temporada trouxe de volta o humor corrosivo e o caos habitual, mas também deixou os fãs (e alguns pais americanos) completamente baralhados. No primeiro episódio, os alunos da escola de South Park começam a repetir misteriosamente a expressão “six, seven” (“seis, sete”) — um mantra sem explicação aparente que rapidamente se espalha como se fosse o novo grito de guerra de uma seita infantil.

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Mas não, ninguém está a fundar um culto satânico no Colorado. Como explica o episódio, as crianças estão apenas a abraçar a ausência total de sentido da existência — uma espécie de piada cósmica à moda de South Park.

A origem real do meme 🎵

Longe da ficção, o fenómeno “6, 7” nasceu no mundo real, a partir de uma música do rapper Skrilla, intitulada Doot Doot, lançada em Dezembro de 2024. A canção ganhou força quando foi usada em múltiplos vídeos no TikTok, alguns deles com o jogador de basquetebol LaMelo Ball, cujo 1,98 m de altura (6 pés e 7 polegadas) inspirou a associação numérica.

O meme rapidamente deixou de ter qualquer ligação ao basquetebol. Jovens por todo o lado começaram a repetir o “six, seven” em contextos aleatórios, como resposta a perguntas sem resposta. “Qual é o jantar?” — “Six, seven.” “Sabes o resultado do teste?” — “Six, seven.” Acompanhado, claro, de um encolher de ombros e um olhar vazio digno do clássico emoticon: ¯\(ツ)

O nada como forma de expressão 💭

O que significa “six, seven”? Absolutamente nada — e é precisamente essa a graça. Tal como observou o Wall Street Journal, é “como se Albert Camus tivesse uma conta no TikTok”. O meme tornou-se um símbolo da absurda desconexão e ironia existencial que marcam a cultura digital contemporânea: quanto menos sentido algo faz, mais rapidamente se torna viral.

Para a geração que cresce entre a ansiedade global, a sobrecarga de informação e o ruído constante das redes sociais, “six, seven” é quase uma filosofia de vida: rir-se do vazio, transformar a confusão em piada e, no processo, criar uma comunidade baseada… na falta de significado.

De South Park para a eternidade da Internet 💻

Ao integrar o meme na série, os criadores Trey Parker e Matt Stone fizeram o que melhor sabem: transformar o absurdo em espelho social. South Park não explica o fenómeno — apenas mostra-o a expandir-se até à loucura, num retrato perfeito da rapidez com que a Internet dá vida (e morte) a uma ideia.

Tal como outros memes antes dele — de “404 Not Found” a “Me when the” —, “six, seven” acabará por desaparecer. Mas, graças a South Park, ficará imortalizado como o meme do nada: uma espécie de versão contemporânea de O Estrangeiro, de Camus, passada no recreio da escola.

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E, no fim, talvez o único comentário possível seja o próprio meme:

¯\(ツ)/¯ 6, 7.

John Candy: A Verdade Dura por Trás do Riso — Os Filhos Revelam a Fatfobia Que o Ator Sofreu em Hollywood

No novo documentário I Like Me, os filhos do lendário comediante falam sobre o lado sombrio da fama e o preconceito que marcou a sua vida

John Candy foi um dos rostos mais amados da comédia dos anos 80 e 90 — uma presença calorosa, generosa e hilariante que conquistou o público em filmes como Uncle BuckPlanes, Trains & Automobiles e Splash. Mas por trás do sorriso e do humor contagiante, havia dor, ansiedade e uma batalha constante contra o preconceito.

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No novo documentário John Candy: I Like Me, agora disponível na Prime Video, os filhos do ator, Jennifer e Christopher Candy, partilham o choque e a tristeza de descobrirem a extensão da fatfobia que o pai enfrentou ao longo da carreira.

“Foi revoltante ver o que ele passou”

Em entrevista à Us Weekly, os filhos revelaram que só agora, ao verem as gravações de bastidores e entrevistas antigas, perceberam o quanto o pai foi alvo de comentários cruéis sobre o peso. “Foi mesmo revoltante”, confessou Christopher, de 41 anos. “Ver o que ele suportou é doloroso. Descobrimos que ele, às vezes, evitava comer em público por causa dos paparazzi — acabava por ficar sem comer o dia todo, bebia ou fumava, e só comia quando chegava ao quarto de hotel. Isso é terrível para o corpo.”

Jennifer, de 45 anos, disse que a experiência foi igualmente dura: “Foi chocante ver jornalistas a comentar o peso dele, a tratá-lo como se fosse uma piada. As pessoas sabem que isso é errado — não se fala assim do que é claramente uma luta pessoal.”

O homem por trás da lenda

O documentário, realizado por Colin Hanks e produzido por Ryan Reynolds, mostra um John Candy mais humano — vulnerável, ansioso e por vezes em conflito com a sua própria imagem pública. O filme não foge das dificuldades: aborda os ataques de pânico, o medo constante de ser julgado e o peso (literal e simbólico) de ter de corresponder às expectativas de Hollywood.

Segundo Eugene Levy, amigo e colega do ator, Candy chegou a cortar relações com alguém que lhe escreveu uma carta a criticar o peso. Ainda assim, o ator esforçava-se para cuidar de si — frequentava um centro de perda de peso, tinha nutricionista e treinador pessoal, e tentava adotar hábitos mais saudáveis.

Mas, como revela o filme, o sistema parecia querer o contrário. “Sentia que queriam que ele fosse grande — que ele fosse o ‘John Candy’ que todos esperavam. E por isso, manteve-se assim”, explicou Christopher.

Um legado de empatia e vulnerabilidade

Os filhos garantem que não quiseram fazer um documentário “fofinho”, mas sim um retrato real. “Não queríamos uma versão polida ou um simples resumo de carreira. Queríamos mostrar o trauma, o que ele estava a tentar resolver antes de morrer”, disse Christopher. Jennifer acrescenta: “Não queríamos adoçar a história. Queríamos que as pessoas aprendessem algo e sentissem algo.”

Ambos partilham como a morte precoce do pai — vítima de ataque cardíaco aos 43 anos, em 1994 — os marcou profundamente. Jennifer continua a monitorizar a própria saúde cardíaca, enquanto Christopher mantém acompanhamento médico regular desde os 24 anos. “Hoje percebo que nem tudo era genética — muito era comportamento. E isso dá-me força para seguir em frente sem medo de envelhecer”, disse o filho.

O comediante que inspirou gerações

Apesar da dor, I Like Me é também uma celebração. O documentário reúne depoimentos emocionados de amigos e fãs como Tom Hanks, Martin Short e Conan O’Brien, que reconhecem a influência profunda de Candy na comédia moderna.

“Às vezes esquecemo-nos do quão grande ele era até vermos pessoas como o Tom Hanks a falar dele com tanto carinho”, confessou Christopher. “É surreal. O nosso pai inspirou-os — e eles inspiraram-nos a nós.”

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John Candy pode ter partido cedo demais, mas o seu riso, a sua humanidade e o seu coração continuam a ecoar nas gerações que se seguiram.

Fãs Revoltados com a Amazon: Prime Video Remove Arma de James Bond das Imagens Promocionais 🔫➡️🙅‍♂️

A decisão de apagar o icónico Walther PPK dos cartazes da saga 007 gera polémica às vésperas do James Bond Day

Parece que nem o espião mais famoso do mundo está imune à era da “correção digital”. Os fãs de James Bond ficaram furiosos esta semana ao descobrir que a Prime Video — detida pela Amazon — removeu a clássica pistola Walther PPK de todas as imagens promocionais da franquia disponíveis na plataforma de streaming.

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A mudança foi notada por fãs atentos a partir de 2 de outubro, poucos dias antes do James Bond Day (5 de outubro), que celebra a estreia mundial de Dr. No (1962), o primeiro filme da saga.

🕵️‍♂️ Bond sem arma? Fãs chamam-lhe “nonsense woke”

Nas redes sociais, a reação foi imediata — e inflamável. Muitos consideraram a decisão “patética” e “um insulto à história do cinema britânico”.

“Bond sem a arma é como o Batman sem capa — retiraram-lhe o símbolo do que ele é”, escreveu um utilizador no X (antigo Twitter), comentando uma montagem onde o agente 007 surge com a mão vazia num gesto estranhamente rígido.

Noutros casos, a arma foi simplesmente cortada das imagens; noutros, apagada digitalmente, o que resulta em poses involuntariamente cómicas.

Um outro fã sintetizou o descontentamento geral:

“Isto é censura do passado. Estão a apagar a história em nome de uma moral inventada.”

💼 A nova era de Bond sob o comando da Amazon

A Amazon assumiu controlo criativo sobre a marca James Bond em fevereiro de 2025, depois de adquirir a MGM — o estúdio histórico que produziu todos os 25 filmes da saga através da Eon Productions.

Desde então, a empresa tem procurado “modernizar” a imagem da franquia, tanto na promoção digital como na futura expansão da marca para séries e spin-offs. Contudo, este episódio reacende o debate sobre até onde deve ir a reinterpretação de ícones culturais.

Enquanto as armas continuam presentes nos filmes, as novas capas e thumbnails da Prime Video mostram Bond (nas suas várias encarnações — de Sean Connery a Daniel Craig) sem qualquer vestígio de armamento.

🎥 Um legado em risco de ser “limpo”?

Para muitos fãs, a pistola Walther PPK é mais do que um adereço — é parte integrante da identidade do personagem, tanto quanto o fato preto, o martíni e o famoso “Bond. James Bond.”

Críticos culturais apontam que a decisão parece contradizer o próprio ADN da personagem, construída como um símbolo de elegância letal e pragmatismo. Mesmo em tempos modernos, filmes como Skyfall e No Time to Die trataram a violência de Bond com nuance, sem nunca tentar apagá-la da imagem pública.

“Rever um ícone é válido. Reescrevê-lo digitalmente, não”, comentou um colunista britânico do Independent.

🇵🇹 E em Portugal?

No catálogo português da Prime Video, as alterações já são visíveis. Os cartazes clássicos de Goldfinger, Casino Royale e Spectre exibem Bond em poses semelhantes — mas sem a arma na mão.

Apesar da indignação global, a Amazon ainda não comentou oficialmente a decisão, e a polémica chega justamente numa altura em que se espera o anúncio do próximo ator a interpretar 007.

🍸 “Shaken, not stirred” — mas talvez um pouco censurado

Com 25 filmes disponíveis na Prime Video, o legado de Bond continua vivo. Mas esta controvérsia levanta uma questão pertinente:

Será que o futuro do espião britânico passará por reescrever o passado para o adaptar aos tempos modernos?

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Uma coisa é certa — para muitos fãs, Bond sem a sua Walther PPK não é Bond.

Polémica em torno de O Arquiteto: Rui Melo alvo de ataques por interpretar personagem inspirada em Tomás Taveira

Uma estreia envolta em controvérsia

A série O Arquiteto, inspirada no escândalo sexual de Tomás Taveira nos anos 90, estreou-se a 22 de setembro na TVI, com todos os episódios já disponíveis na Amazon Prime Video. Desde o anúncio, a produção tem sido alvo de críticas e debates intensos nas redes sociais, sobretudo pelo receio de que o tema do abuso de mulheres pudesse ser romantizado ou tratado de forma ligeira.

O principal visado foi o ator Rui Melo, que dá vida a Tomé Serpa, a personagem central da trama. Desde a divulgação do projeto, o intérprete tem sido alvo de críticas duras, ameaças e até insultos, algo que rapidamente escalou em polémica pública.

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Nuno Markl sai em defesa do elenco

Entre os que decidiram intervir está Nuno Markl, humorista e locutor de rádio, que recorreu ao Instagram para defender a série, o elenco e, em particular, Rui Melo.

“Assim que a série foi anunciada, choveu fúria instagrâmica sobre ele, a equipa da série e a TVI. Pela razão mais insólita: pessoas que não tinham visto a série meteram na cabeça que ela iria fazer do protagonista um herói”, escreveu Markl.

O comunicador sublinhou ainda que as críticas ignoraram fatores essenciais: o argumento de Patrícia Müller (Madre Paula), a realização de João Maia (Variações) e um elenco de atores reconhecidos pela sua sensibilidade artística.

As vítimas em primeiro plano

Segundo Markl, quem assistiu ao primeiro episódio percebeu rapidamente que as vítimas não foram esquecidas nem desvalorizadas. O episódio terminou mesmo com a divulgação do contacto da APAV – Associação Portuguesa de Apoio à Vítima, reforçando o enquadramento social e a responsabilidade do projeto.

“Percebo: o tema é delicado, os receios são legítimos. Mas o caso tem pano para mangas para uma boa e útil série de ficção. Disparar primeiro e só perceber depois se a bala foi ou não bem gasta não me parece boa política”, concluiu o humorista.

Debate aberto

A polémica em torno de O Arquiteto mostra como temas sensíveis continuam a dividir opiniões e a gerar reações extremas. Ao mesmo tempo, abre espaço para discutir a forma como a ficção pode revisitar episódios marcantes da história recente portuguesa, sem cair em simplificações ou em discursos perigosos.

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As Cassetes de Tomás Taveira e a Mulher Que Pagou o Preço Mais Alto

Uma série que revive fantasmas do passado

A estreia da série “O Arquiteto”, transmitida pela TVI e pela Prime Video, voltou a lançar luz sobre um dos episódios mais mediáticos e polémicos da sociedade portuguesa: o escândalo sexual que envolveu o arquiteto Tomás Taveira no final dos anos 80. A produção, que oficialmente não é biográfica, tem como protagonista o fictício Tomé Serpa, mas as semelhanças com a vida real de Taveira são tantas que a ligação é inevitável.

O enredo foca-se num arquiteto em ascensão que grava em segredo os encontros íntimos com mulheres, sem o conhecimento destas — uma história que remete diretamente para as famosas cassetes que circularam em 1989 e que viriam a abalar não só a carreira, mas também a vida pessoal do arquiteto.

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As cassetes que chocaram o país

Em 1989, a imprensa foi surpreendida por um visitante inesperado: um homem que se apresentou nas redações dos jornais a vender cassetes de vídeo com gravações explícitas do arquiteto em encontros íntimos com mulheres da alta sociedade e até com alunas no seu escritório nas Amoreiras.

A revista Semana Ilustrada baptizou o escândalo como “As Loucuras Sexuais de Tomás Taveira”, um título que ficaria marcado na memória coletiva. Mais tarde, a revista espanhola Interviú tentou lucrar com a curiosidade em torno do caso, lançando 20 mil exemplares destinados ao mercado português — grande parte acabou apreendida pela polícia.

A única mulher envolvida a 100%: Amarílis Taveira

Se muitas mulheres viram os seus nomes associados ao caso, a única que se viu verdadeiramente envolvida de forma integral foi Amarílis Taveira, então esposa do arquiteto. Figura conhecida do jet set português, habituada a aparecer em revistas sociais, Amarílis viu-se arrastada para o centro da polémica.

Com rumores, boatos e especulações a mancharem a sua imagem, foi praticamente “forçada” a desaparecer da vida pública. Mais tarde, já divorciada, regressou aos eventos sociais, mas sob o nome de Amarílis Cristina, numa tentativa de refazer a sua vida longe do peso do escândalo.

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O eco de uma história que nunca morreu

Passadas mais de três décadas, o caso continua a suscitar curiosidade e a ser tema de debate, agora reavivado pela ficção televisiva. Para uns, “O Arquiteto” é apenas uma série de época; para outros, é a reabertura de um capítulo que marcou para sempre a vida pública portuguesa e, sobretudo, a de uma mulher que acabou por ser colateral de uma das maiores polémicas mediáticas nacionais.

South Park  Arrasa Presidente da FCC… com Fezes de Gato à Mistura

Quem achava que South Park estava a perder a chama, pode arrumar já as varinhas mágicas da dúvida: Trey Parker e Matt Stone continuam tão (ou mais) caóticos do que sempre. A prova? O mais recente episódio da 27.ª temporada, “Conflict Of Interest”, transformou o presidente da FCC, Brendan Carr, em saco de pancada oficial. E não foi só no sentido figurado: o homem acabou no hospital, em tracção, depois de levar tareia, cair de escadas, ser envenenado… e ainda contrair um vírus através de fezes de gato. Classe pura.

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Carr, que tem passado as últimas semanas a tentar impor disciplina às cadeias televisivas para que não falem mal do “chefe”, tornou-se alvo preferencial da série. É quase como se tivesse enviado uma carta formal a dizer: “Caros Parker e Stone, por favor ridicularizem-me na televisão.” Pedido aceite.

O episódio elevou o disparate a níveis olímpicos, com direito a enredos de Trump a tentar livrar-se do seu filho não-nascido (que, detalhe essencial, estava alojado no rabo de Satanás). Entre quedas, insultos e excrementos felinos, Carr foi o pião da festa, terminando imóvel numa cama de hospital com o aviso de que podia perder a liberdade de expressão se a infecção cerebral avançasse. Satírico? Nem tanto. Escandalosamente South Park? Com certeza.

Mas o episódio não se ficou por aí. Entre uma gargalhada e outra, ainda houve espaço para uma crítica séria: a dependência crescente das apostas online nos EUA. E, claro, uma incursão nada subtil pelo conflito Israel-Gaza, com a mãe de Kyle a viajar até Israel para confrontar Benjamin Netanyahu de frente:

“Quem pensa que é, a matar milhares e a arrasar bairros inteiros, embrulhando-se no judaísmo como se fosse um escudo contra críticas?”

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Ou seja, pausa ou não, South Park continua a atirar para todos os lados. De políticos americanos a líderes mundiais, ninguém sai incólume. Brendan Carr que o diga — provavelmente ainda a tentar tirar o cheiro a gato do fato.

Fonte: AV Club

A Namorada: O Thriller Psicológico da Prime Video Que Vai Mexer com as Suas Desconfianças

Quando a perfeição da família começa a rachar

A Prime Video acaba de lançar mais uma série pronta a viciar quem gosta de thrillers psicológicos. A Namorada ( “A Namorada Ideal” no Brasil) , baseada no bestseller homónimo de Michelle Frances, já conquistou o público e entrou diretamente para o topo das produções mais vistas da plataforma.

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Combinando mistério, tensão e atuações intensas, a série parte de uma premissa aparentemente simples: Laura (Robin Wright), uma mulher de sucesso com tudo o que poderia desejar, vê a sua vida virar do avesso quando o filho, Daniel (Laurie Davidson), apresenta à família a sua nova namorada, Cherry (Olivia Cooke).

É então que o instinto materno de Laura se cruza com a paranoia, e a dúvida instala-se: estará Cherry a esconder alguma coisa, ou será Laura a projetar as suas inseguranças?

Um jogo de manipulações

O grande trunfo da série está na alternância de perspetivas. O público acompanha tanto a visão de Laura, a mãe que desconfia de Cherry, como a da jovem namorada, aparentemente inocente. O resultado é um jogo psicológico viciante, onde cada gesto pode ser lido de duas formas, e onde nunca é claro quem manipula quem.

A cada episódio, o espectador é forçado a questionar as suas próprias perceções: será instinto, será ciúme, será manipulação? Essa ambiguidade mantém a tensão em alta e transforma A Namorada num verdadeiro quebra-cabeças emocional.

Elenco de luxo em alta tensão

Olivia Cooke, que muitos conhecerão de House of the Dragon, entrega aqui uma das performances mais intensas da sua carreira, explorando a fronteira entre fragilidade e perigo. Robin Wright, por sua vez, volta a brilhar no pequeno ecrã depois de House of Cards, encarnando uma mulher dividida entre a proteção do filho e os fantasmas da sua própria mente. Laurie Davidson completa o trio central, ao lado de Tanya Moodie, Waleed Zuaiter e Anna Chancellor.

Mais do que um thriller familiar

O que torna A Namorada particularmente eficaz é a forma como reflete inseguranças do quotidiano. Quem nunca desconfiou das intenções de alguém próximo? Quem nunca se questionou sobre até onde vai a verdade ou a manipulação numa relação?

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É por isso que, para além da tensão narrativa, a série funciona também como espelho das nossas próprias dúvidas e receios. No fim, A Namorada é menos sobre “quem é o vilão” e mais sobre a fragilidade das perceções humanas.

Prepare-se: depois de carregar no play, vai ser difícil parar de ver.

Amityville Está de Volta: Amazon MGM Prepara Nova “Reimaginação” da Mansão Assombrada

O regresso da casa mais temida do cinema

A mansão de Amityville, sinónimo de terror no grande ecrã desde 1979, prepara-se para regressar com uma nova versão produzida pela Amazon MGM Studios. Segundo a Deadline, o estúdio já escolheu o realizador: David F. Sandberg, conhecido por Lights Out – Nunca Apagues a Luz e Annabelle: Creation, além das suas incursões no cinema de super-heróis com Shazam! e a sequela.

Trata-se de uma “reimaginação” da história, ainda sem detalhes de elenco, mas que promete recuperar o mito da mais famosa casa assombrada da América.

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Um clássico que marcou gerações

O primeiro Terror em Amityville (The Amityville Horror), realizado por Stuart Rosenberg e protagonizado por James BrolinMargot Kidder e Rod Steiger, foi um sucesso estrondoso de bilheteira em 1979, arrecadando mais de 86 milhões de dólares apenas nos EUA e Canadá. Tornou-se o segundo filme mais visto desse ano, apenas atrás de Kramer Contra Kramer, superando títulos como AlienApocalypse Now e Star Trek.

Inspirado nos supostos fenómenos paranormais ocorridos em 1975, o filme seguia a família Lutz, que abandonou a casa menos de um mês após se mudar, aterrorizada por uma presença maligna. A aura de “baseado em factos reais” contribuiu para cimentar a fama da história, ligada ainda ao massacre de 1974, quando Ronald DeFeo Jr. assassinou toda a família durante a noite.

A nova aposta de Sandberg

Com esta bagagem histórica, Amazon MGM Studios procura agora dar nova vida à lenda. O argumento ficará a cargo de Ian Goldberg e Richard Naing, dupla com vasta experiência no género: participaram em Fear the Walking DeadA Autópsia de Jane Doe e A Freira II.

Para Sandberg, é mais um regresso ao terror depois de Until Dawn, adaptação do popular videojogo. A promessa é clara: recuperar a essência da mansão assombrada mais célebre do cinema e atualizá-la para o público contemporâneo.

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Uma casa que nunca descansa

Desde 1979, a história de Amityville gerou sequelas, prequelas, reboots e até adaptações televisivas. Nenhuma conseguiu igualar o impacto do original, mas a casa continua a ser um terreno fértil para o cinema de terror. Resta agora saber se Sandberg e a nova equipa conseguirão reinventar o mito para uma nova geração.

Alan Ritchson vai interpretar herói Navy SEAL Mike Thornton em novo filme da Amazon MGM

Reacher reencontra Patrick Hughes

No auge da sua carreira, Alan Ritchson (ReacherMotor City) prepara-se para encarnar uma das figuras mais lendárias da marinha norte-americana. O ator vai protagonizar o novo projeto da Amazon MGM Studios, realizado por Patrick Hughes (The Hitman’s BodyguardWar Machine), sobre a vida do Navy SEAL Mike Thornton, condecorado com a Medalha de Honra do Congresso.

O filme assinala a segunda colaboração entre Ritchson e Hughes, depois da aventura de ficção científica War Machine, para a Netflix.

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A história de um feito impossível

A narrativa transporta o público para os dias finais da Guerra do Vietname. Thornton lidera uma operação desesperada para resgatar cinco homens presos atrás das linhas inimigas no Norte do Vietname. Com apenas meia dúzia de soldados, enfrentam 150 inimigos em combate cerrado.

No clímax da missão, Thornton nada durante horas pelo Mar da China Meridional, arrastando consigo um tenente gravemente ferido e outro camarada, até alcançar a segurança. Este ato de bravura valeu-lhe a mais alta distinção militar dos Estados Unidos.

Produção de peso em Hollywood

O filme conta com Sylvester Stallone e a sua produtora Balboa Productions entre os produtores, juntamente com Todd Lieberman e Alex Young (Hidden Pictures), a própria empresa de Ritchson, AllyCat Entertainment, e Alan Rautbort.

O argumento foi escrito por Mark SemosAlan Ritchson e Jason Hall, nome associado a títulos como American SniperThank You For Your Service.

O momento imparável de Ritchson

Além deste projeto, Ritchson está em plena rodagem da quarta temporada de Reacher, que se mantém como um dos maiores sucessos da Prime Video. A terceira temporada foi a mais vista de sempre na plataforma, com 54,6 milhões de espectadores globais nos primeiros 19 dias.

O ator soma ainda várias produções recentes: Motor City (estreado em Veneza e agora em Toronto, com Shailene Woodley e Ben Foster), The Runner (com Owen Wilson), Playdate (com Kevin James) e a comédia natalícia The Man With The Bag, ao lado de Arnold Schwarzenegger. E, claro, regressará também na 11.ª entrada da saga Velocidade Furiosa.

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Uma carreira em ascensão meteórica

De estrela televisiva a protagonista requisitado em Hollywood, Ritchson parece determinado a consolidar o seu lugar na linha da frente do cinema de ação. O papel de Mike Thornton poderá ser o próximo grande marco da sua carreira — uma história real de heroísmo levada ao grande ecrã com selo de autenticidade.

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Uma homenagem justa a “Johnny Toronto”

Festival Internacional de Cinema de Toronto abriu este ano com um tributo profundamente canadiano: a estreia de John Candy: I Like Me, documentário realizado por Colin Hanks e produzido por Ryan Reynolds, que celebra a vida e a carreira do ator e comediante John Candy.

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Conhecido por papéis inesquecíveis em Planes, Trains and AutomobilesUncle Buck e The Great Outdoors, Candy foi muito mais do que uma estrela de comédia. Era, como disse Mel Brooks no filme, “um ator total porque era uma pessoa total”.

Ryan Reynolds e Colin Hanks numa réplica do carro de Antes Só, que Mal Acompanhado no original Planes, Trains and Automobiles

O filme e o legado

O documentário, que estreia no Prime Video a 10 de outubro, é o primeiro grande retrato cinematográfico de Candy desde a sua morte precoce, em 1994, aos 43 anos, vítima de falha cardíaca. O título — I Like Me — recupera uma das frases mais marcantes de Planes, Trains and Automobiles, transformada aqui em mote para a vida e obra de um homem que, no ecrã e fora dele, transmitia autenticidade, humor e calor humano.

Reynolds sublinha esse legado com emoção:

“Ele morreu do coração e, ironicamente, o que deixou foi o coração. É isso que permanece.”

Entre família e cinema

O filme conta com testemunhos íntimos dos filhos de Candy, Jennifer e Chris, que recordam como as cassetes de Radio Kandy e a coleção de DVDs dos filmes do pai os ajudaram a lidar com a perda. “Era uma forma de voltar a ouvir a sua voz”, confessa Jennifer.

Para Chris, rever os filmes foi um reencontro tardio mas revelador: “Fiquei espantado com o talento dele.” Ambos descrevem o documentário como uma cápsula do tempo que perpetua a presença do pai.

A visão de Colin Hanks

Hanks, que já tinha assinado o documentário All Things Must Pass sobre a Tower Records, procura aqui ir além da simples homenagem. Para ele, a questão central era descobrir o que fazia de Candy um verdadeiro “everyman”, alguém que parecia ser o tio de todos. O realizador recorda mesmo a sua própria infância, quando o conheceu nos bastidores de Splash, filme em que Candy contracenava com o seu pai, Tom Hanks.

“Ele fazia qualquer pessoa sentir-se importante, até uma criança como eu”, recorda.

O peso da influência

Reynolds, que cresceu a ver Candy em SCTV, admite que o comediante canadiano marcou a sua carreira. Nos filmes de Deadpool, espalhou “ovos de Páscoa” em homenagem a Candy: desde canecas com a frase “I like me” a carros idênticos aos usados em Planes, Trains.

“Gosto de o ter por perto”, afirma Reynolds. “Sinto-me mais seguro, mais honesto.”

Um arranque à altura

A escolha do documentário para abrir o festival foi vista como natural: Candy, apelidado de “Johnny Toronto”, é ainda hoje um dos rostos mais queridos da cultura canadiana. O público da noite de estreia aplaudiu de pé a celebração de um homem que, como resume Bill Murray logo no início do filme, simplesmente não tinha defeitos à altura das suas virtudes.

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Ainda não temos uma versão legendada do trailer, mas o trailer original está aqui

Sophie Turner é a nova Lara Croft no reboot de Tomb Raider da Amazon

De Winterfell às ruínas perdidas

A icónica arqueóloga e aventureira dos videojogos tem uma nova intérprete. Sophie Turner, conhecida mundialmente como Sansa Stark em Game of Thrones, foi escolhida para dar vida a Lara Croft no reboot em imagem real de Tomb Raider, produzido pela Amazon MGM Studios.

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A produção arranca em janeiro de 2026 e conta com Phoebe Waller-Bridge (Fleabag) como produtora executiva e argumentista, num contrato milionário com a Amazon.

“Estou muito entusiasmada por anunciar a formidável Sophie Turner como a nossa Lara”, disse Waller-Bridge em comunicado à Variety. “Todos na equipa são apaixonados pela personagem. Preparem-se: Croft está de volta.”

Um papel icónico, herança pesada

Turner celebrou o anúncio, afirmando estar “entusiasmada além de qualquer medida” por assumir o papel:

“Lara Croft é uma personagem icónica, que significa tanto para tantas pessoas. Vou dar tudo o que tenho. São sapatos enormes para calçar, depois das interpretações poderosas da Angelina [Jolie] e da Alicia [Vikander]. Mas com a Phoebe ao leme, estamos em boas mãos.”

Lara Croft foi imortalizada por Angelina Jolie nas adaptações dos anos 2000 e regressou em 2018 com Alicia Vikander, num filme que arrecadou 275 milhões de dólares em bilheteira, mas cujo planeado segundo capítulo acabou cancelado após a MGM perder os direitos da saga.

Quem está por trás do projeto

Além de Waller-Bridge, a série terá Chad Hodge como produtor executivo e co-showrunner, e Jonathan van Tullekencomo realizador e produtor executivo. A produção envolve ainda a Story Kitchen e a Crystal Dynamics, estúdio responsável pelos jogos mais recentes da franquia.

Segundo a Amazon, o objetivo é expandir o universo Tomb Raider em televisão e cinema, criando novas histórias que respeitem o legado da saga, mas tragam também frescura e novas aventuras.

“Estamos muito entusiasmados por ter a Sophie Turner como Lara Croft”, afirmou Vernon Sanders, responsável pela programação global da Prime Video. “Com Phoebe Waller-Bridge a liderar, esta série vai honrar o legado de Tomb Raidere oferecer aventuras inesquecíveis aos fãs em todo o mundo.”

O futuro da heroína digital no ecrã

A escolha de Turner insere-se na nova estratégia da Amazon, que já prepara outras adaptações de grandes franquias de videojogos. Para os fãs, a expectativa é dupla: ver a atriz a assumir um papel de ação e acompanhar o rumo de uma das personagens mais icónicas da cultura pop.

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Uma coisa é certa: Lara Croft está pronta para explorar novos territórios — e Sophie Turner traz na bagagem tanto a realeza de Winterfell como a determinação necessária para reviver a heroína.

O Mapa que me Leva a Ti: Romance da Prime Video Passa por Portugal e Conquista o Topo do Streaming 💘🇵🇹

A Amazon Prime Video tem um novo sucesso global — e com sabor bem português. O Mapa que me Leva a Ti, baseado no romance homónimo de J. P. Monninger, estreou-se a 20 de agosto e rapidamente chegou ao top da plataforma em vários países, incluindo Portugal.

Amor em Lisboa e no Porto

Realizado por Lasse Hallström (As Regras da CasaChocolate), o filme foi rodado em várias cidades europeias, mas são os cenários portugueses que saltam à vista: o Terreiro do Paço, a Estação de São Bento e a icónica Livraria Lello, no Porto, servem de pano de fundo para alguns dos momentos mais românticos da história.

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É mais uma prova de que Portugal continua a ser um destino cada vez mais procurado por produções internacionais, mostrando-se ao mundo através de narrativas de grande alcance.

A história de Heather e Jack

A protagonista é Heather (Madelyn Cline, de Outer Banks), uma jovem que decide viajar pela Europa com as amigas antes de se fixar na vida estável que planeou. Pelo caminho, cruza-se com Jack (KJ Apa, de Riverdale), um misterioso viajante que vai mudar completamente os seus planos.

A faísca entre os dois dá origem a uma ligação intensa, que será testada por segredos e escolhas de vida difíceis — um romance de verão transformado em jornada emocional que deixa marcas para sempre.

Do livro para o ecrã

Publicado em 2017, o livro de J. P. Monninger já era considerado um romance moderno de culto, com fãs espalhados pelo mundo. Agora, ganha nova vida no streaming, com uma adaptação que privilegia o charme europeu, o espírito de aventura e a inevitável força do acaso.

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A aposta da Prime Video

Com O Mapa que me Leva a Ti, a Prime Video reforça a sua aposta em dramas românticos com apelo internacional, seguindo a tradição de histórias que misturam amor, viagem e autodescoberta — ingredientes que, ao que tudo indica, continuam a conquistar audiências.

A Nova “War of the Worlds” com Ice Cube Está a Ser Destruída… Mas Não Pelos Aliens 👽🔥

0% no Rotten Tomatoes, memes nas redes sociais e… um estafeta da Amazon a salvar o mundo?

Há coisas difíceis de imaginar. Ice Cube como agente de segurança informática do Departamento de Segurança Interna dos EUA a combater uma invasão alienígena, por exemplo. Mas mais surpreendente ainda: o filme em questão, War of the Worlds, é neste momento o número 1 no Amazon Prime Video… apesar de ter conseguido a proeza quase sobrenatural de levar um redondo 0% no Rotten Tomatoes. Sim, leu bem. Zero. Bola. Nicles.

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Guerra dos Mundos… ou Guerra Contra o Bom Gosto?

A nova adaptação da icónica obra de H.G. Wells, realizada por Rich Lee (estreante em longas-metragens mas com experiência em videoclipes de Billie Eilish, Eminem ou Lana Del Rey), tenta colocar a invasão extraterrestre num contexto moderno — e ultra digital. Toda a história é contada através de ecrãs de computadores, como se fosse uma chamada de Zoom com o apocalipse em fundo.

No centro da narrativa está Ice Cube, acompanhado por um elenco que inclui Eva LongoriaClark GreggAndrea Savage e Henry Hunter Hall. A premissa? Um agente cibernético (Ice Cube) tenta parar os alienígenas… com a ajuda de videoconferências, product placement da Amazon e expressões faciais dignas de um emoji congelado.

A Crítica Está a Derreter de Vergonha

As críticas não podiam ser mais devastadoras. Variety descreve o filme como um “thriller barato”, apontando que Ice Cube tem apenas duas expressões: “carranca de serviço” e “reacção nuclear”. O Daily Telegraph vai mais longe, chamando-o “uma das coisas mais trágicas que a Prime alguma vez colocou no ecrã”.

E depois há os detalhes absolutamente surreais, como um diálogo onde alguém diz:

“Preciso que faças uma encomenda oficial na Amazon para activar o drone.”

Sim, e há mesmo um estafeta da Amazon que salva o dia. Spielberg está algures a revirar os olhos.

O Público Também Não Está a Perdoar

Nas redes sociais, o filme tornou-se viral pelas piores razões. O youtuber penguinz0, com 17 milhões de subscritores, disse que o filme “é um insulto ao próprio conceito de fazer cinema” e que se resume a “um grande anúncio da Amazon”. Um clip em particular — onde um estafeta entrega uma pen USB ao protagonista — tornou-se alvo de milhares de piadas e memes.

Com uma pontuação de 17% do público no Rotten Tomatoes (um pouco menos terrível que a da crítica), War of the Worlds parece estar a competir para o troféu de “Pior Filme da Década”.

Uma Guerra Que Já Foi Vencida… Noutros Tempos

Convém lembrar que esta não é a primeira vez que a obra de H.G. Wells chega ao grande ecrã. Em 2005, Steven Spielberg trouxe-nos uma versão épica com Tom Cruise e Dakota Fanning, que arrecadou 76% no Rotten Tomatoes e 3 nomeações aos Óscares. Já em 1953, a versão clássica venceu mesmo o Óscar de Melhores Efeitos Visuais.

Esta nova versão… bem, talvez venha a ganhar um prémio diferente — o de filme mais ridiculamente patrocinado pela Amazon.

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Conclusão? Foge, Ice Cube, os aliens não são o maior problema aqui

Com um conceito visual interessante mas mal executado, War of the Worlds (2025) é mais um exemplo de como nem todas as ideias precisam de sair do PowerPoint para o streaming. Um filme que nos faz perguntar: Se os aliens invadissem a Terra hoje… será que lhes chegaríamos com um estafeta e um código de desconto da Amazon?

The Pickup: Eddie Murphy volta à comédia de acção… mas a crítica não está a rir

Prime Video estreia a 6 de Agosto uma nova aposta no género comédia de acção, protagonizada por Eddie Murphy e Pete Davidson. Mas os primeiros críticos dizem que o único roubo aqui foi o nosso tempo.

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Depois de décadas a fazer rir — e de alguns altos e baixos pelo caminho — Eddie Murphy regressa em The Pickup, uma comédia de acção realizada por Tim Story (Ride AlongBarbershop), que o junta ao irreverente Pete Davidson. Com um argumento que promete assaltos, perseguições e piadas à velocidade de balas, o filme parecia reunir todos os ingredientes para um sucesso. Mas se os críticos fossem os assaltados… então levaram um belo balde de água fria.

Screenshot

36% no Rotten Tomatoes: “splat” em vez de “splash”

Com apenas 14 críticas publicadas até agora, The Pickup estreou com um modesto (e nada promissor) 36% no Rotten Tomatoes, o temido “splat” que sinaliza que a maioria dos especialistas ficou mais entediada do que empolgada. Embora este valor possa oscilar com a chegada do público e mais críticas, a recepção inicial aponta para um filme que falha tanto na acção como no humor.

O veredicto geral? Uma comédia de acção que se esquece de ser divertida e não tem novidades suficientes para o género — nem sequer com um elenco que inclui uma das maiores estrelas de sempre da comédia americana.

O enredo: um assalto, um desastre e um dia péssimo

The Pickup conta a história de dois motoristas de carros blindados (Murphy e Davidson) que, durante um serviço de rotina, são apanhados por uma quadrilha liderada pela “mestra do crime” Zoe, interpretada por Keke Palmer. O que começa como um assalto a dinheiro transforma-se rapidamente numa sucessão de situações caóticas — e nem todas pelas melhores razões.

A química entre os protagonistas devia ser o motor da narrativa, mas segundo o crítico Julian Roman (MovieWeb), o resultado é “mediano e esquecível”, com “cenas de perseguição que cumprem os requisitos de tiros e explosões, mas com diálogos arrastados e uma suspensão da descrença a ser levada ao limite.”

Guy Ritchie, és tu?

Jim Vorel, da Paste Magazine, descreve The Pickup como uma tentativa de imitar o estilo de Guy Ritchie — com tiroteios estilizados e personagens tagarelas — mas que se esquece do mais importante: fazer rir. Segundo o crítico, “o filme quer ser um cruzamento entre perseguições automóveis e assaltos a casinos, mas perde o humor pelo caminho.”

Há salvação? Alguns acham que sim

Nem tudo foi negativo. A Hollywood Reporter, numa crítica mais benévola, elogia o elenco principal. “Murphy, Davidson e Palmer têm uma química naturalmente divertida, o que ajuda a tornar crível uma situação cada vez mais absurda.” Justin Bower (Loud and Clear Reviews) considerou The Pickup “um filme típico de assaltos, mas com um elenco eléctrico e cenas de acção bem coreografadas — uma viagem hilariante.”

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Portanto, se estás à procura de uma experiência ligeira e não exiges genialidade narrativa, pode ser que The Pickup te arranque umas gargalhadas. Mas se vinhas à procura do regresso triunfal de Eddie Murphy ao topo da comédia de acção, talvez seja melhor gerir expectativas… ou ver novamente Um Príncipe em Nova Iorque.

“Memento Mori”: a última temporada estreia já esta sexta-feira na Prime Video 🔪🧠

A série de culto espanhola chega ao fim com apenas quatro episódios… mas promete deixar marcas profundas.

O fim está à vista. A terceira e última temporada de Memento Mori estreia-se esta sexta-feira, 1 de agosto, na Amazon Prime Video — e promete um desfecho intenso para esta história de vingança, obsessão e conspiração. A série, que tem conquistado fãs em Portugal e Espanha, despede-se com apenas quatro episódios, mas tudo indica que serão suficientes para fazer explodir o já complexo jogo psicológico entre Augusto, Sancho e Érika.

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Vingança, amor e cadáveres acumulados

Na nova temporada, Augusto (Yon González) leva avante o seu plano de vingança — mas há uma fraqueza que poderá pôr tudo em causa: Érika (Olivia Baglivi). Ao mesmo tempo, o inspetor Sancho (Francisco Ortiz) consegue penetrar na mente do assassino e tenta antecipar-lhe os passos, numa corrida contra o tempo que se complica a cada nova revelação.

Segundo a Prime Video, esta temporada final mergulha ainda mais fundo nos traumas das personagens, revelando que a morte da mãe de Érika esconde uma conspiração antiga, que ela decide investigar até às últimas consequências.

O elenco volta a contar com Anna Favela, Daniel Muriel, Fernando Soto, Carlota Baró, Rodrigo Poisón e Juan Fernández, entre outros nomes do panorama espanhol.

Um triângulo mortal

A grande força de Memento Mori tem sido sempre o seu jogo psicológico entre caçador e presa — mas nesta temporada final, os papéis baralham-se. Augusto, outrora uma figura misteriosa e distante, surge agora mais vulnerável, enquanto Sancho se torna cada vez mais obsessivo na sua missão. No meio, Érika ganha protagonismo e torna-se o elo instável deste triângulo.

Cada personagem segue a sua própria lógica, os seus segredos e os seus limites — e é precisamente essa ambiguidade moral que torna a série tão viciante.

Quatro episódios, zero misericórdia

A temporada final é composta por apenas quatro episódios de 45 minutos cada, o que significa que não há tempo para encher chouriços: tudo será rápido, denso e, suspeita-se, emocionalmente devastador.

A produção executiva é de Jose Velasco, Sara Fernández-Velasco, Luis Arranz, Marco A. Castillo e Ibón Celaya. A realização está a cargo de Marco A. Castillo e Fran Parra, com argumento de Luis Moreno, Cristina Pons e Luis Arranz.

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Se é fã de thrillers intensos, finais imprevisíveis e personagens que vivem no limite da sanidade, prepare-se: Memento Mori vai fechar o ciclo… com sangue.

“Geração V”: A universidade mais caótica do universo The Boys regressa já em Setembro 🧬💥

Novo trailer revela surpresas, regressos inesperados e o início de uma guerra entre humanos e super-humanos

A série mais caótica, sangrenta e politicamente incorrecta do universo The Boys está de volta. Após uma antestreia exclusiva na Comic-Con de San Diego, o trailer oficial da segunda temporada de Geração V foi finalmente divulgado — e sim, o caos está prestes a instalar-se (ainda mais) na Universidade Godolkin.

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Geração V é o spin-off de The Boys que acompanha os jovens e ambiciosos super-alunos da Universidade Godolkin, uma prestigiada instituição onde se formam os futuros “heróis” — leia-se, super-humanos ao serviço do lucro. Depois de uma primeira temporada recheada de traições, experiências secretas e vísceras a voar pelos corredores, a segunda promete elevar ainda mais o nível de loucura.

Quando estreia a nova temporada?

A segunda temporada chega a 17 de Setembro à Amazon Prime Video, com os três primeiros episódios disponíveis de imediato. Os restantes serão lançados semanalmente, até ao “explosivo final” marcado para 22 de Outubro.

Um novo director, velhos segredos e uma guerra prestes a explodir

De acordo com a sinopse oficial, a Universidade Godolkin entra numa nova fase com a chegada de um misterioso novo director (Hamish Linklater), que introduz um currículo intensivo e duvidoso. Enquanto a América se adapta ao domínio autoritário de Homelander, os alunos enfrentam uma pressão crescente para se tornarem mais poderosos do que nunca.

Cate e Sam são agora celebrados como heróis. Já Marie, Jordan e Emma regressam ao campus a tentar lidar com os traumas do passado. Mas depressa descobrem um programa secreto com ligações ao passado da universidade — e Marie poderá estar no centro de tudo.

Elenco reforçado e rostos familiares

Entre os nomes confirmados para esta nova temporada estão Jaz Sinclair, Maddie Phillips, London Thor, Derek Luh e, claro, Hamish Linklater. O painel da Comic-Con contou ainda com uma surpresa: Chace Crawford (o mítico The Deep de The Boys) regressa como convidado especial.

Outra adição ao elenco é Ethan Slater — conhecido pelos seus papéis em musicais da Broadway como Wicked — que interpretará Thomas Godolkin, figura envolta em mistério e, possivelmente, com ligações à criação da universidade.

Uma série irreverente que continua a surpreender

Com Michele Fazekas a manter-se como showrunnerGeração V continua a expandir o universo de The Boys com um tom irreverente, violento e satírico, que vai muito além do típico drama juvenil. Esta não é apenas uma série sobre super-poderes — é uma crítica mordaz ao culto da celebridade, à manipulação corporativa e ao poder desmedido.

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E, como o trailer já deixou claro, ninguém está seguro… muito menos os próprios heróis.

“Instinto Fatal” Vai Ter Remake Anti-Woke — E o Argumentista Original Está de Volta

Joe Eszterhas regressa aos 80 anos para escrever nova versão do clássico erótico de 1992. Sharon Stone pode voltar como Catherine Tramell.

O descruzar de pernas mais célebre da história do cinema poderá ganhar nova vida — com a mesma caneta e um espírito declaradamente “anti-woke”. A Amazon MGM Studios acaba de fechar um acordo milionário para desenvolver um remake de “Instinto Fatal”, e contratou ninguém menos que Joe Eszterhas, o argumentista do filme original de 1992, para o escrever.

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O novo projecto, ainda envolto em segredo, será produzido pela United Artists, e pretende marcar um regresso às origens do thriller erótico, apostando numa abordagem “sem filtros” e “não politicamente correcta”, segundo avançou o site The Wrap.

Um regresso provocador

“Para aqueles que questionam o que um homem de 80 anos está a fazer a escrever um thriller sexy e erótico: os rumores sobre a minha impotência cinematográfica são exagerados e preconceituosos”, brincou Eszterhas, autor de sucessos como Flashdance, O Fio do Suspeito e o polémico Showgirls.

O argumentista explicou ainda que trabalha em parceria com o seu “homenzinho retorcido interior”, que tem 29 anos e “vive no fundo de mim”. Juntos, prometem criar “uma viagem selvagem e orgástica”.

O novo argumento foi vendido como spec script — um guião não encomendado — e já valeu dois milhões de dólares à partida, podendo atingir os quatro milhões caso o filme avance para produção, tornando-se o maior acordo do género em 2025.

Curiosamente, o primeiro Instinto Fatal também nasceu como spec script, escrito em apenas 13 dias e vendido por três milhões, um recorde à época.

Sharon Stone de volta?

Outra grande novidade: Sharon Stone poderá regressar ao papel de Catherine Tramell, a enigmática escritora com instintos perigosamente sedutores. A actriz protagonizou o original ao lado de Michael Douglas, tornando-se instantaneamente numa estrela global.

Apesar de ter repetido o papel numa sequela em 2006 (sem o envolvimento de Eszterhas e sem sucesso), fontes próximas da produção indicam que o regresso de Stone está a ser considerado seriamente — talvez até como passagem simbólica de testemunho.

Uma cena, duas versões

A cena mais icónica do filme — o interrogatório policial e o descruzar de pernas — tornou-se, com o tempo, motivo de controvérsia. Sharon Stone tem uma versão muito clara dos acontecimentos, revelada na sua autobiografia: Verhoeven, o realizador, pediu-lhe que retirasse a roupa interior e garantiu que nada seria visível na versão final. Mais tarde, na sala de montagem, descobriu que a promessa não tinha sido cumprida.

Ainda assim, Stone decidiu deixar a cena, “porque era o melhor para o filme”, mesmo que essa decisão tenha demorado a amadurecer. Já Paul Verhoeven nega essa narrativa e garante que “ela sabia exactamente o que estávamos a fazer”.

Um remake com intenções claras

O novo filme é descrito como uma resposta ao actual clima cultural de Hollywood. “Anti-woke” é a palavra de ordem — num género que, nos últimos anos, praticamente desapareceu do grande ecrã. A Amazon quer recuperar o espírito ousado e provocador dos anos 90, com Eszterhas de volta ao leme.
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O original foi um sucesso de bilheteira e gerou polémica, críticas de grupos LGBTQ+ e feministas, mas também uma legião de fãs e uma marca indelével na cultura pop. Agora, mais de 30 anos depois, os produtores parecem determinados em reacender esse mesmo fogo — ou, quem sabe, incendiá-lo ainda mais.

“Grantchester” Está de Volta: Mistérios, Segredos e Chá Quente na Nova Temporada da Série Britânica

A 10.ª temporada estreia agora em Portugal, com episódios disponíveis na Filmin e no Prime Video

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Preparem as chávenas de chá e os sentidos dedutivos: Grantchester está de regresso — e os fãs portugueses já podem acompanhar a nova temporada, com estreia simultânea na Filmin e no Prime Video. A popular série policial britânica, ambientada nos anos 50, chega à sua 10.ª temporada com mais mistérios, dramas familiares e aquele charme irresistivelmente campestre que conquistou o público ao longo da última década.

Se nos Estados Unidos a estreia aconteceu a 15 de Junho, em Portugal os episódios já começaram a chegar às plataformas de streaming — uma excelente notícia para quem não quer esperar pelas emissões televisivas ou andava a adiar o reencontro com o detetive mais educado de Inglaterra.

Geordie e Alphy: uma dupla improvável com muito para resolver

A nova temporada traz de volta Robson Green, no papel do incansável DI Geordie Keating, e Rishi Nair como o carismático Reverendo Alphy Kottaram, sucessor espiritual (e não só) das figuras religiosas que desde o início da série têm ajudado a resolver os homicídios que teimam em surgir na idílica vila de Cambridgeshire.

Segundo a sinopse oficial, a dupla vai continuar a enfrentar os seus demónios pessoais enquanto tenta manter a ordem em Grantchester. Alphy, agora mais integrado na comunidade, é obrigado a confrontar segredos do passado que têm estado cuidadosamente escondidos. Será que conseguirá abrir o coração — ou vai ter de enfrentar a verdade sobre si próprio?

O que esperar desta temporada?

Para lá dos crimes, a série continua a explorar temas como a fé, a sexualidade, os traumas de guerra e as tensões sociais do pós-guerra. A nova temporada promete “ainda mais mistério, desventura e romance”, nas palavras do próprio canal ITV, que renovou a série com entusiasmo.

A criadora e argumentista Daisy Coulam mostrou-se orgulhosa pelo regresso da equipa: “Este programa é um testemunho do nosso elenco e equipa maravilhosos. Estou muito grata e orgulhosa por podermos voltar para uma 10.ª temporada e mais um verão glorioso em Grantchester.”

No elenco regressam também Al Weaver como Leonard Finch, Tessa Peake-Jones como Mrs C, Kacey Ainsworthcomo Cathy Keating, Oliver DimsdaleNick BrimbleBradley Hall e Melissa Johns.

A longevidade de um clássico moderno

Estreada originalmente em 2014 e baseada nas personagens criadas por James Runcie, Grantchester conseguiu manter-se relevante ao longo de dez temporadas, reinventando-se com novas personagens sem perder o seu ADN. A troca de protagonistas — com Alphy a suceder ao carismático Sidney Chambers (James Norton) e depois a Will Davenport (Tom Brittney) — provou ser um sucesso junto dos fãs, mantendo os índices de audiência elevados tanto no Reino Unido como nos EUA.

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Se ainda não se rendeu aos encantos de Grantchester, talvez esteja na altura. E se já é fã, então sabe que o verdadeiro prazer da série não está apenas nos crimes — está nos olhares trocados ao som do sino da igreja, nas conversas à sombra de uma macieira e nas tensões que fervilham sob a superfície de uma comunidade aparentemente pacífica.

Ice Road: Vengeance — Liam Neeson Está de Volta (Mas Já Não Há Gelo Que Aguente)

O regresso do herói dos 70, ou do herói de 70 anos… é uma descida acidentada por estradas de montanha… e pela repetição cansada de fórmulas que já deram o que tinham a dar.

Confesso: ainda gosto de ver Liam Neeson a dar uns murros bem dados, com aquele ar de quem já devia estar em casa a beber chá e a ver documentários da BBC. Mas Ice Road: Vengeance leva essa fidelidade ao template do “homem em sofrimento com passaporte para a pancadaria” a um novo extremo — e não necessariamente pelos melhores motivos.

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A primeira coisa a assinalar: apesar do título, não há uma única estrada de gelo no filme. Nada. Zero. Neve há alguma, vá, mas gelo traiçoeiro por baixo de camiões a ranger? Esqueçam. O que temos aqui é Liam Neeson a tentar escalar o Evereste com um pote de cinzas do irmão falecido e a tropeçar numa conspiração internacional com tiroteios, políticos corruptos e um autocarro turístico transformado em Mad Max dos Himalaias.

Neeson, sempre em sofrimento, agora com cinzas num Tupperware

Mike McCann (Neeson), o camionista traumatizado do primeiro Ice Road, volta aqui consumido pela culpa e determinado a cumprir o último desejo do irmão: espalhar as suas cinzas no topo do mundo. Mas, claro, antes de chegar ao campo base, já está metido numa luta dentro de um autocarro colorido, ao lado de uma guia de montanha interpretada por Fan Bingbing, que surpreendentemente tem mais habilidades de artes marciais do que o currículo de alpinista deixaria prever.

Daí em diante, o filme transforma-se num desfile de clichés dignos de um direct-to-DVD da década passada. Há vilões genéricos com nomes exóticos, um professor americano com mais contactos do que o James Bond e até uma adolescente insuportável que passa de influencer mimada a justiceira de mochila às costas. Tudo isto embrulhado num guião que parece ter sido escrito por uma IA viciada em filmes de acção de domingo à tarde.

É tudo muito tonto, mas sem a graça que podia ter

O grande problema de Ice Road: Vengeance não é ser ridículo — isso até podia jogar a seu favor. O problema é ser aborrecidamente ridículo. As cenas de acção não têm energia, os murros parecem ensaiados em câmara lenta e os efeitos especiais têm o ar plastificado de quem gastou o orçamento todo a alugar um drone e esqueceram-se das balas digitais.

A fotografia é claustrofóbica, com aquele brilho de telenovela que nem a paisagem do Nepal consegue salvar. E, por mais que Neeson se esforce, já se nota o cansaço. Há flashbacks com de-aging do irmão Gurty tão embaraçosos que mais valia terem usado uma máscara de Halloween e dizer “aceitem, é ele em jovem”.

Talvez esteja na hora de pendurar o casaco de cabedal

No fundo, este Ice Road: Vengeance é mais um capítulo na longa saga do “Liam Neeson Cansado Mas Letal™”. Só que o cansaço já começa a sobrepor-se à letalidade. Com quase duas horas de duração e muito pouco a acontecer que não tenhamos visto antes (e melhor), este é o tipo de filme que se esquece mal acaba. A não ser, claro, que estejam a fazer maratonas de filmes de acção por inércia.

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Talvez o próximo projecto, a tal comédia Naked Gun em modo paródia, seja o descanso que o nosso herói merece — e o refrescar da carreira que todos nós precisamos. Porque por este caminho, nem o Evereste salva.

Idris Elba e John Cena Salvam o Mundo (e o Streaming) em Heads of State : O Filme de Acção que Está a Dominar a Prime Video

Explosões, piadas secas e rivalidades diplomáticas: Heads of State  não reinventa a roda, mas acelera sobre ela como um tanque em fúria.

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Duas cabeças pensam melhor do que uma… mesmo quando uma pertence ao Presidente dos EUA e a outra ao Primeiro-Ministro do Reino Unido. Heads of State, o novo filme de acção da Prime Video, junta Idris Elba e John Cena numa improvável (mas eficaz) aliança diplomática explosiva. E o público parece ter adorado o caos: o filme lidera o top de visualizações global da plataforma e tem surpreendido pela recepção positiva.

Realizado por Ilya Naishuller (Hardcore HenryNobody) e com um elenco recheado de caras conhecidas — Priyanka Chopra Jonas, Jack Quaid, Paddy Considine, Stephen Root e Carla Gugino — Heads of State é um daqueles casos raros em que a fórmula do “buddy action movie” funciona mesmo. À boa maneira de Máquina Mortífera ou Bad Boys, aqui temos um par disfuncional com armas, sarcasmo e problemas diplomáticos para resolver… a tiro.

Um avião presidencial, dois líderes e zero paciência

Na história, Sam Clarke (Idris Elba) é o durão Primeiro-Ministro britânico, veterano do exército e estratega imperturbável. Will Derringer (John Cena) é o Presidente americano em fim de carreira, ex-estrela de acção e egocêntrico profissional. Os dois estão em plena rivalidade política quando são forçados a unir esforços após serem abatidos a bordo do Air Force One.

O que se segue? Um festival de perseguições, tiroteios e piadas secas por meio mundo, enquanto os dois líderes tentam escapar a um inimigo global e salvar aquilo a que se costuma chamar… “o mundo livre”. Nada de novo — mas aqui, feito com ritmo, charme e uma química irresistível entre os protagonistas.

E a crítica… gostou?

Surpreendentemente, sim. Apesar de o filme assumir sem vergonha os tiques de uma action comedy de série B, Heads of State arrecadou uns respeitáveis 82% de aprovação do público no Rotten Tomatoes, com a crítica a ficar-se pelos 68%. O consenso resume bem a coisa:

Heads of State aborda a geopolítica com leveza talvez excessiva, mas a parceria cómica entre Elba e Cena mantém-se firme neste entretenimento cheio de estilo.”

Will Sayre, da MovieWeb, não ficou totalmente convencido, mas não poupou elogios ao humor seco de Elba, considerando-o “o grande trunfo do filme” e sugerindo que da próxima vez o actor merecia um guião “com mais frases matadoras”.

Sequência à vista?

Com o sucesso estrondoso no streaming, a pergunta inevitável é: vamos ter Heads of State 2? A resposta, ao que parece, depende mais da Amazon do que de falta de vontade. O realizador Ilya Naishuller já mostrou interesse em regressar:

“Se as pessoas virem o filme, se gostarem e se a Amazon achar que faz sentido fazer uma sequela… absolutamente!”

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Tendo em conta a recepção calorosa, as probabilidades de vermos Elba e Cena a salvar novamente o mundo parecem bem reais. E honestamente? Que venham mais balas, mais sarilhos diplomáticos e mais piadas sobre protocolos internacionais.