Estrelas de The Conjuring reagem à compra da casa dos Warren por comediante Matt Rife: “Quais serão as intenções dele?”

Patrick Wilson e Vera Farmiga, os rostos de Ed e Lorraine Warren no universo The Conjuring, não escondem a curiosidade (e até alguma preocupação) com a recente aquisição da antiga casa dos famosos investigadores paranormais por parte do comediante norte-americano Matt Rife.

A mansão em Monroe, Connecticut — onde os verdadeiros Warren viveram durante décadas e criaram o seu célebre Museu do Oculto — foi oficialmente comprada por Rife, que se declarou fã confesso da saga iniciada por James Wan em 2013.

“Assim que vi a notícia, enviei logo ao Patrick. Sempre me perguntei o que iria acontecer com aquela propriedade. Agora, só quero perceber quais são as suas intenções”, comentou Farmiga numa entrevista à People. Patrick Wilson partilhou da mesma estranheza: “É uma rua normal, com vizinhos por todo o lado. Não consigo imaginar que os residentes queiram ver filas de carros para visitar a casa.”

Farmiga até brincou com a possibilidade: “Espero que ele não faça uma venda de garagem”.

O “guardião” de Annabelle

Matt Rife, de 29 anos, anunciou o negócio nas redes sociais, descrevendo-o como um sonho tornado realidade: “Oficialmente comprei a casa de Ed e Lorraine Warren e o Museu do Oculto. Tornei-me o guardião legal, por pelo menos cinco anos, da coleção inteira de artefactos assombrados — incluindo a boneca Annabelle.”

O comediante esclareceu, no entanto, que não é proprietário dos objetos, mas sim o responsável legal pela sua preservação e exposição. A sua ideia passa por abrir a casa ao público, com visitas guiadas ao museu e até estadias noturnas para os mais corajosos.

Do cinema à realidade

A ligação entre o espaço e o cinema é direta: o Museu do Oculto dos Warren serviu de inspiração para os filmes The Conjuring e para o spin-off Annabelle. Agora, com a compra de Rife, fãs da saga poderão literalmente entrar num dos cenários mais lendários do terror moderno.

Enquanto isso, Vera Farmiga e Patrick Wilson preparam-se para a sua despedida da franquia: The Conjuring: Last Riteschega aos cinemas a 5 de setembro, prometendo encerrar a história dos Warren no grande ecrã.

Com o anúncio de Rife e a estreia do novo filme, parece que a família Warren — real e ficcional — continua a assombrar tanto o cinema como a cultura popular.

LEGO recria o lendário navio Black Pearl de Piratas das Caraíbas – com Jack Sparrow e toda a tripulação

Os fãs de Piratas das Caraíbas têm agora um novo tesouro à vista – e não vem do fundo do mar, mas sim em versão LEGO. A marca dinamarquesa acaba de anunciar o LEGO Icons: Captain Jack Sparrow’s Pirate Ship, um set monumental inspirado no Black Pearl, o mais famoso navio pirata do cinema recente.

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Um regresso em grande estilo

O set (#10365) é uma verdadeira homenagem à saga que imortalizou Johnny Depp como o excêntrico Jack Sparrow. São 2.862 peças que recriam ao detalhe o navio outrora conhecido como Wicked Wench, distinguido pelo seu design negro e ameaçador.

Mais do que uma simples construção, este é um objeto de coleção pensado para adultos (18+), com um nível de desafio elevado e resultado final digno de ser exibido em qualquer prateleira.

Uma tripulação completa

O set inclui oito minifiguras exclusivas, reunindo os personagens centrais da saga:

  • Captain Jack Sparrow, claro, pronto para mais uma fuga mirabolante;
  • Will Turner e Elizabeth Swann, o casal heróico que se vê arrastado para o mundo da pirataria;
  • Hector Barbossa, eterno rival e aliado ocasional de Jack;
  • Gibbs, o leal imediato;
  • Cotton, com o seu papagaio inseparável;
  • Anamaria, a destemida pirata;
  • e Marty, o baixinho mas valente membro da tripulação.

É, portanto, uma verdadeira cápsula da primeira trilogia de filmes, capaz de fazer qualquer fã revisitar as aventuras em alto-mar.

Mais do que nostalgia

O preço também não é para marinheiros de água doce: 379,99 dólares (cerca de 350 euros), disponível a partir de 15 de setembro na loja online da LEGO. Mas a aposta é clara: este set não é apenas brinquedo, é uma peça de memória cinematográfica, que celebra uma saga que, no auge, dominou o box office global e deixou personagens gravadas no imaginário coletivo.

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LEGO e o cinema: uma parceria sem fim

Este lançamento é também mais um capítulo na longa relação entre LEGO e o cinema. Depois de sets dedicados a Star Wars, Indiana Jones, Harry Potter ou até Batman, o regresso de Pirates of the Caribbean à linha LEGO Icons mostra como estas colaborações continuam a alimentar tanto a nostalgia como o desejo dos fãs em ter “um pedaço” dos seus filmes favoritos em casa.

E para os que sonham em ser piratas, mas sem risco de ficarem presos em Port Royal, construir o Black Pearl em LEGO pode ser a aventura perfeita.

Marvel prepara reboot dos X-Men: o futuro mutante do MCU começa a ganhar forma

Depois do sucesso crítico de Thunderbolts e da confirmação de que os mutantes terão um papel central na nova fase do MCU, o realizador Jake Schreier revelou que o trabalho no aguardado reboot dos X-Men já começou — e descreveu-o como “muito, muito entusiasmante”.

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Um novo começo para a saga mutante

Schreier, que encerrou a Fase 5 com Thunderbolts (88% de aprovação crítica no Rotten Tomatoes), admitiu à revista Empire que essa experiência lhe deu a preparação necessária para comandar um projeto de enorme escala como os X-Men:

“A maior aprendizagem foi equilibrar ação e emoção. Por mais dias de rodagem que haja, a ação consome tudo muito rápido. No final, senti que finalmente percebia como fazer isto melhor.”

Segundo o presidente da Marvel Studios, Kevin Feige, o filme será “youth-focused”, isto é, centrado em personagens mais jovens e numa dinâmica semelhante à das bandas desenhadas originais. Na prática, isso significa que muitos dos papéis deverão ser recast, afastando-se do elenco da era 20th Century Fox.

A transição para a nova era

O reboot dos X-Men será lançado depois de Avengers: Secret Wars, marcando um reset decisivo para o Universo Cinematográfico Marvel e dando início à chamada “era mutante” do estúdio.

Antes disso, os fãs ainda poderão rever as versões originais dos mutantes em Avengers: Doomsday, atualmente em produção no Reino Unido. Patrick Stewart (Professor X), Ian McKellen (Magneto), Alan Cumming (Nightcrawler), James Marsden (Cyclops) e Rebecca Romijn (Mystique) regressam, acompanhados por Channing Tatum como Gambit, após a sua estreia em Deadpool & Wolverine.

O peso da herança Fox

Não é a primeira vez que a saga tenta reinventar-se. Depois da trilogia original, a Fox apostou em X-Men: First Class(2011) e em Dias de um Futuro Esquecido (2014), que conquistaram a crítica e o público. Mas o entusiasmo arrefeceu com Apocalypse (2016) e Dark Phoenix (2019), ambos considerados pontos baixos da franquia.

O novo reboot da Marvel procura evitar os mesmos erros, apostando na juventude e em histórias de origem com relevância para o público de hoje.

Expectativas em alta

Ainda não existe data de produção ou de estreia confirmada, mas a máquina promocional da Marvel já trabalha a todo o gás. Com um foco assumido em novos rostos e narrativas mais próximas do espírito das bandas desenhadas, a grande questão é: será este o capítulo que finalmente devolverá os X-Men ao topo do cinema de super-heróis?

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Snoop Dogg Diz Ter “Medo” de Ir ao Cinema por Causa de Personagens LGBTQ+

O rapper Snoop Dogg voltou a gerar polémica, desta vez por causa de filmes de animação. Em entrevista ao podcast It’s Giving, o músico de 52 anos confessou que tem “medo” de levar os netos ao cinema devido à inclusão de personagens LGBTQ+ nas histórias para crianças.

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O Episódio de Lightyear

Snoop recordou uma ida ao cinema para ver Lightyear (2022), o spin-off de Toy Story que ficou marcado por mostrar um beijo entre duas personagens femininas. “Não fui ao cinema para ver essa treta. Fui para ver um filme”, disse, acrescentando que a cena lhe trouxe um problema inesperado: o neto fez-lhe perguntas sobre como duas mulheres poderiam ter um bebé.

“Estão a meter-me em cenas para as quais não tenho resposta. Não devíamos mostrar estas coisas em filmes para estas idades”, reforçou.

Entre a Representação e a Polémica

A declaração do rapper reabre o debate sobre a representação LGBTQ+ em produções para todas as idades. Para uns, trata-se de normalizar diferentes formas de amor e família, algo que reflete a diversidade do mundo real. Para outros, como Snoop Dogg, essas narrativas levantam dúvidas que consideram difíceis de explicar a crianças pequenas.

Hollywood tem vindo a dar passos cada vez mais visíveis nesta direção. Lightyear foi um caso mediático, mas não o único. A Disney e outros estúdios de animação têm apostado em maior inclusão, enfrentando tanto aplausos como críticas acesas.

O Peso da Voz de Snoop

Enquanto figura pública com milhões de seguidores, as palavras de Snoop Dogg têm impacto, mesmo que muitos discordem das suas posições. Esta não é a primeira vez que o rapper se pronuncia sobre temas sociais com franqueza — e também não será a última a gerar debate.

O contraste entre gerações, os novos modelos de família e o papel da indústria do entretenimento em moldar perceções culturais parecem estar, mais uma vez, no centro da discussão.

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Independentemente da opinião de Snoop Dogg, a tendência de Hollywood aponta para mais diversidade e inclusão no cinema de animação. O que para uns é “um problema sem respostas”, para outros é um sinal de que as histórias para crianças começam finalmente a espelhar a realidade de diferentes famílias.

👉 E vocês, o que pensam? O cinema — e em particular a animação — deve ser uma ferramenta ativa de diversidade e inclusão, ou acreditam que estas histórias deviam ficar à margem desse debate e centrar-se apenas no entretenimento?

The Roses: Benedict Cumberbatch e Olivia Colman em Comédia Negra que Chega Já Esta Semana

Benedict Cumberbatch, conhecido tanto por papéis dramáticos intensos como por blockbusters de Hollywood, está de volta ao grande ecrã, desta vez a explorar o género da comédia negra. The Roses, por cá, “Um Casal (Im)Perfeito” o seu novo filme, estreia nos cinemas já a 28 de agosto e promete uma abordagem divertida e cruel sobre amor, casamento e ressentimento.

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Uma História com História

O filme é realizado por Jay Roach, veterano das comédias de Hollywood (Austin Powers, Meet the Parents), a partir de um argumento de Tony McNamara, nomeado duas vezes para o Óscar (A Favorita, Pobres Criaturas).

A história adapta novamente o romance The War of the Roses (1981), de Warren Adler, que já tinha dado origem ao célebre filme de 1989 com Michael Douglas e Kathleen Turner. Agora, a nova versão reinventa este retrato ácido de um divórcio levado ao extremo, transformando a luta conjugal numa verdadeira guerra doméstica.

Um Elenco de Luxo

The Roses conta com um elenco de peso. Para além de Benedict Cumberbatch, que protagoniza o filme, e da vencedora do Óscar Olivia Colman, surgem ainda nomes como Andy Samberg e Kate McKinnon (ambos distinguidos pelos seus trabalhos em Saturday Night Live), Allison Janney (Eu, Tonya), Ncuti Gatwa (Doctor Who), Jamie Demetriou(Fleabag) e Zoë Chao (Amor de Improviso).

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A Receção da Crítica

Antes da estreia oficial, o filme já chegou às mãos da crítica e estreou com uma classificação de 66% no Rotten Tomatoes, o que indica uma receção maioritariamente positiva. Os elogios recaem sobretudo na química entre Cumberbatch e Colman, cuja dinâmica cómica parece sustentar esta nova versão de um clássico.

Estreia

The Roses chega às salas de cinema no dia 28 de agosto e será uma das primeiras grandes apostas da temporada de outono, logo após o habitual calendário de estreias do verão.

Os Filmes-Acontecimento Que Marcaram 2025 nas Salas de Cinema em Portugal 🎬

2025 já vai deixando claro quais foram os títulos que mobilizaram multidões e geraram conversa em Portugal. Entre blockbusters de Hollywood, produções brasileiras de peso e até uma comédia nacional que surpreendeu nas bilheteiras, o ano cinematográfico foi marcado por momentos de verdadeiro entusiasmo coletivo.

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Mufasa: O Rei Leão — O Rugido Mais Forte do Ano 🦁

A prequela do clássico da Disney tornou-se no filme mais visto em Portugal em 2025, com 219 725 espectadores e 1,38 milhões de euros de receita. O público familiar respondeu em massa à proposta da Disney, confirmando que o universo de O Rei Leão continua a ser um fenómeno cultural incontornável, mais de 30 anos depois da estreia do original.

Sonic 3: O Filme — O Ouriço Mais Rápido da Bilheteira

Outra aposta para toda a família, Sonic 3 acelerou até aos 128 345 espectadores e ultrapassou os 779 mil euros em receitas. Entre nostalgia dos fãs dos videojogos e novos seguidores conquistados pela saga cinematográfica, o ouriço azul mostrou que ainda tem energia de sobra para dominar o grande ecrã.

Ainda Estou Aqui — O Brasil a Conquistar o Público Português

Walter Salles trouxe a sua força dramática a Portugal com Ainda Estou Aqui, que acumulou 122 734 espectadores e 807 mil euros arrecadados. O filme provou que as produções brasileiras podem ocupar espaço de destaque no mercado português, conquistando tanto pelas interpretações como pela proximidade cultural.

O Pátio da Saudade — O Fenómeno Nacional 🌟

A grande surpresa de 2025 veio de casa. Estreado a 14 de agosto, O Pátio da Saudade, de Leonel Vieira, tornou-se rapidamente no filme português mais visto do ano, com 15 000 bilhetes vendidos em apenas quatro dias e cerca de 105 mil euros em receitas.

Mais do que números, foi o entusiasmo do público que transformou a comédia dramática num acontecimento cultural nacional. Em poucas sessões, o filme provou que o cinema português consegue competir pela atenção dos espectadores quando encontra histórias com forte apelo popular.

O Que Nos Dizem Estes Números?

Seja com animações globais de milhões, dramas intensos vindos do Brasil ou uma produção portuguesa a encher salas, 2025 reforça a ideia de que o público ainda responde quando sente que está perante um “filme-evento”. A questão é saber como replicar esta fórmula de forma consistente.

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O futuro imediato aponta para apostas seguras como Spider-Man: Brand New Day (2026), mas em Portugal fica a nota de que há espaço — e apetite — para cinema nacional com impacto popular.

Crise de Super-Heróis: 2025 Fecha com o Pior Balanço de Bilheteira Desde 2011

Acabaram-se os filmes de super-heróis em 2025 — e o veredito não é nada animador. Este foi o ano em que se consolidou a chamada “fadiga de super-heróis”, com os quatro títulos lançados a ficarem todos abaixo das expectativas, tanto nos Estados Unidos como no mercado internacional.

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Um ano sem campeões de bilheteira

Nenhum filme ultrapassou a barreira dos 700 milhões de dólares a nível mundial, algo que não acontecia desde 2011 — com a exceção de 2020, quando a pandemia fechou as salas. Eis os números:

  • Capitão América: Admirável Mundo Novo – 415 milhões de dólares
  • Thunderbolts* – 382 milhões
  • Quarteto Fantástico: Primeiros Passos – 491 milhões
  • Superman – 605 milhões

Embora Superman e Quarteto Fantástico ainda estejam em cartaz, a tendência já é descendente.

Em Portugal, impacto modesto

No mercado português, os resultados confirmam a mesma tendência morna. Superman foi o mais visto, com 179 mil espectadores, seguindo-se Quarteto Fantástico (170 mil), Capitão América (162,5 mil) e Thunderbolts (126 mil). Nenhum entrou no “clube” dos filmes-acontecimento.

Onde estão os tempos de glória?

A comparação com os anos dourados do género é inevitável. Em 2012, Os Vingadores abriu as portas para uma era de ouro, com sucessos que se aproximavam ou ultrapassavam mil milhões de dólares, culminando em Vingadores: Endgame(2019) com uns impressionantes 2,79 mil milhões.

Mesmo a DC viveu o seu auge, de Homem de Aço (2013) ao primeiro Aquaman (2018), que arrecadou 1,15 mil milhões.

De lá para cá, apenas alguns títulos quebraram a barreira do entusiasmo: Spider-Man: No Way Home (2021), Doctor Strange in the Multiverse of Madness (2022), Black Panther: Wakanda Forever (2022), Guardians of the Galaxy Vol. 3(2023) e Deadpool & Wolverine (2024).

Superman: sucesso ou sinal de alarme?

Apesar de ter sido o primeiro filme da DC em 16 anos a superar uma produção da Marvel (o último tinha sido O Cavaleiro das Trevas, em 2008), Superman também traz sinais preocupantes. Quase 60% das receitas vieram do mercado doméstico (EUA e Canadá), quando os blockbusters costumam brilhar sobretudo no mercado internacional.

James Gunn e a Warner Bros. falam em “grande sucesso”, mas os analistas são cautelosos: o público fiel compareceu, mas os espectadores casuais, fundamentais para fazer disparar os números, ficaram em casa.

2026: ano de tudo ou nada?

O futuro imediato do género joga-se já no próximo ano. A Sony aposta em Spider-Man: Brand New Day, embora dificilmente se aproxime dos valores de No Way Home. Todas as atenções, no entanto, estão voltadas para Avengers: Doomsday, o projeto mais ambicioso da Marvel em anos, atualmente em rodagem em Londres e que trará Robert Downey Jr. de volta — mas agora como vilão.

Do lado da DC, a expectativa recai sobre Supergirl, que terá a missão de provar que a “fadiga” ainda pode ser revertida.

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Uma coisa é certa: depois do desastroso 2025, o género precisa urgentemente de um novo fôlego. Caso contrário, os super-heróis podem estar a enfrentar o seu maior inimigo até hoje — a indiferença do público.

Chevy Chase: O Pai Mais Sarcástico da América? Bastidores de National Lampoon’s Vacation Revelados

Quarenta anos depois da estreia de National Lampoon’s Vacation (1983), continuam a surgir histórias deliciosas dos bastidores da comédia que se tornou um clássico absoluto do cinema americano. Desta vez, foi Anthony Michael Hall — o eterno Rusty Griswold — a recordar como Chevy Chase, o inigualável Clark Griswold, nunca perdeu uma oportunidade para lançar farpas… até ao próprio “filho” no set.

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Durante a Fan Expo Chicago, Hall revelou que, quando regressou para filmar reshoots seis meses após as filmagens originais, já estava… diferente. O ator tinha apenas 14 anos e, como ele próprio contou, “a puberdade bateu forte”: tinha crescido quase um metro e parecia uma outra pessoa. Quem foi o primeiro a apontar isso em tom de gozo? Claro, Chevy Chase.

Mas o humor cáustico não ficou por aí. Hall partilhou também que, ao terminar as filmagens, recebeu um autógrafo especial do seu “pai de ecrã”:

“Para Anthony, és um Robby Benson em ascensão. Se estás a ficar cego, é porque estás a fazer bem as coisas.”

Ao que parece, Chevy também não perdeu a oportunidade de brincar com as borbulhas do jovem ator. Dana Barron, que interpretava Audrey, a irmã Griswold, relembrou que Chase fazia piadas constantes sobre as espinhas do colega.

Apesar de tudo, não há ressentimentos. Hall deixou isso claro no painel: “É por isto que adoro ser teu filho há 40 anos. Amo-te.”

O Legado Griswold

Vacation, realizado por Harold Ramis e escrito por John Hughes, acompanha a família Griswold na sua viagem desastrada até ao fictício parque Walley World. O humor anárquico, o timing perfeito de Chevy Chase e o carisma de Beverly D’Angelo (a mãe Ellen) transformaram o filme numa referência da comédia dos anos 80.

Hall e Barron não regressaram nas sequelas, mas National Lampoon’s Christmas Vacation (1989) cimentou ainda mais o estatuto da saga como culto do cinema familiar.

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Na mesma convenção, o elenco mostrou que a cumplicidade sobreviveu ao tempo. E Chevy, hoje com 81 anos, não perdeu o entusiasmo: partilhou no Instagram que adorou rever velhos amigos e já prepara uma digressão especial de oito espetáculos dedicada a Christmas Vacation, entre outubro e dezembro.

🎄 Parece que o Natal dos Griswold continua vivo — e tão sarcástico como sempre.

Bruce Willis: Entre a Luta Contra a Demência e a Memória de uma Carreira Imortal no Cinema

Bruce Willis, um dos grandes nomes de Hollywood, continua a travar uma dura batalha contra a demência frontotemporal. A sua esposa, Emma Heming Willis, falou abertamente sobre o estado de saúde do ator num especial da ABC, descrevendo a dor, mas também a gratidão de ainda poder partilhar momentos com o marido.

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“Bruce está em muito boa forma física. É só o cérebro que lhe está a falhar”, confessou Emma. A progressão da doença tem-lhe retirado a capacidade de comunicar, mas, por vezes, regressa aquele brilho inconfundível no olhar ou a gargalhada calorosa que marcou toda uma vida. “Não são dias, mas são momentos”, partilhou emocionada.

Um ícone que deixou tudo no ecrã

O anúncio da doença, em 2022, marcou a despedida oficial de Willis da representação, depois de décadas a construir um legado incontornável. Desde o carismático John McClane em Die Hard até aos papéis em Pulp Fiction, O Sexto Sentidoou Armageddon, Bruce Willis foi sempre mais do que uma estrela de ação: foi um ator capaz de surpreender pela versatilidade, presença magnética e humanidade que transmitia.

A força de uma família unida

Emma e Bruce estão casados desde 2009 e partilham duas filhas pequenas, Mabel e Evelyn. O ator é também pai de Rumer, Scout e Tallulah, fruto da relação com Demi Moore. A família tem sido um pilar, celebrando cada momento, mesmo nos dias mais difíceis. “O que Bruce ensina às nossas filhas vai muito além das palavras: resiliência, amor incondicional e a força silenciosa de simplesmente estar presente”, escreveu Emma no Dia do Pai.

A memória que não desaparece

A doença pode estar a apagar, pouco a pouco, a comunicação direta com o público, mas o cinema garante que Bruce Willis continuará vivo na memória coletiva. O riso, os one-liners inesquecíveis e as personagens icónicas asseguram-lhe um lugar eterno na galeria dos grandes do cinema.

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Neste momento duro, os fãs encontram-se lado a lado com a família, recordando não apenas o ator que redefiniu o cinema de ação, mas o homem que, com simplicidade e intensidade, tocou gerações.

Jennifer Lawrence Recebe Prémio de Carreira em San Sebastián: Uma Estrela que Já é Lenda aos 35 Anos

Jennifer Lawrence vai ser homenageada no Festival Internacional de Cinema de San Sebastián com o prestigiado prémio Donostia, distinção atribuída a figuras que deixaram uma marca indelével na sétima arte. A entrega acontecerá a 26 de setembro, durante a 73.ª edição do festival, no emblemático Kursaal, em plena cidade basca.

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Uma carreira meteórica

Aos 35 anos, Lawrence já se afirmou como uma das grandes atrizes da sua geração. O seu percurso reúne tanto sucessos de bilheteira como aclamação crítica: venceu o Óscar de Melhor Atriz com Guia para um Final Feliz (2012), conquistou o público jovem com a saga Os Jogos da Fome e mostrou versatilidade em títulos como Golpada Americana, Joy e Não Olhem para Cima.

San Sebastián descreve-a como “uma das atrizes mais influentes do nosso tempo”, uma definição difícil de contestar para alguém que conseguiu transitar entre o cinema independente, os grandes estúdios e a produção de histórias mais ousadas.

Aposta na produção

Com a sua empresa Excellent Cadaver, Lawrence tem assumido cada vez mais o papel de produtora, apostando em narrativas desafiantes que vão além do cinema de consumo rápido. Obras como Causeway e a comédia Tudo na Boa! são exemplo desse compromisso em trazer ao público histórias originais e provocadoras.

O festival irá ainda exibir o seu mais recente projeto, Die My Love, realizado por Lynne Ramsay (Precisamos de Falar Sobre o Kevin), protagonizado e produzido pela própria Lawrence.

Uma homenagem partilhada

A edição deste ano atribuirá também o prémio Donostia à espanhola Esther García, colaboradora de longa data de Pedro Almodóvar e figura fundamental no cinema ibérico.

Uma estrela que já é património do cinema

Ainda com muito para dar ao grande ecrã, Jennifer Lawrence chega a San Sebastián não apenas como uma atriz premiada, mas como uma força criativa em constante reinvenção. Aos 35 anos, o prémio de carreira pode parecer precoce, mas talvez seja apenas o reconhecimento de que Lawrence já conquistou um lugar cativo na história do cinema — e que o melhor ainda pode estar para vir.

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A Música que Salvou Winona Ryder Durante as Filmagens em Portugal

Winona Ryder tem muitas histórias para contar da sua carreira, mas poucas serão tão curiosas e pessoais como a que partilhou recentemente à edição britânica da Elle: a de como a música a ajudou a atravessar um período difícil… em Portugal.

A atriz norte-americana recordou os dias de 1993 em que esteve no nosso país a rodar A Casa dos Espíritos, adaptação do romance de Isabel Allende realizada por Bille August, com Jeremy Irons e Meryl Streep nos papéis principais. O filme filmou-se em vários locais emblemáticos, entre eles a Igreja de São Roque em Lisboa, o Palácio de Queluz e o Cabo Espichel.

“Havia uma banda incrível, que eu adorava: os Saint Etienne. Um álbum deles salvou-me quando estava a passar por um mau bocado, quando rodava um filme em Portugal, aos 20 anos”, revelou Winona.

Lisboa, discos na rua e a salvação no indie-pop

Numa memória que quase soa a postal nostálgico dos anos 90, Ryder recorda como costumava passear pelas ruas de Lisboa e encontrar bancas onde se vendiam discos. Foi aí que comprou o álbum que descreve como “salvação”. Muito provavelmente tratava-se de Foxbase Alpha (1991), o disco de estreia dos Saint Etienne, já que o sucessor, So Tough, só sairia meses antes da estreia comercial do filme.

“Comprei-o e ajudou-me a ultrapassar esse período. Pergunto-me se eles ainda existem”, disse a atriz.

A resposta dos Saint Etienne

A resposta não tardou. A banda londrina formada por Bob Stanley, Pete Wiggs e Sarah Cracknell não só ainda existe, como prepara o lançamento do seu 12.º e último álbum, International. Nas redes sociais, reagiram com humor e carinho às palavras de Winona:

“Coisas estranhas acontecem. Ainda bem que estivemos lá para ti.”

Portugal no grande ecrã

A Casa dos Espíritos continua a ser um exemplo de como Portugal serviu (e continua a servir) como cenário internacional para grandes produções. Para Winona Ryder, a passagem pelo país deixou não só memórias profissionais, mas também um capítulo íntimo em que a música britânica se tornou o seu refúgio.

Quase três décadas depois, é curioso pensar que entre os claustros do Palácio de Queluz e as arribas do Cabo Espichel, uma jovem Winona encontrava nos Saint Etienne a força para continuar.

James Wan fala sobre Saw XI: “É um desafio e uma excitação voltar ao início”

A saga Saw pode estar longe de terminar. James Wan, o realizador que em 2004 lançou o primeiro capítulo desta que se tornou numa das franquias de terror mais populares (e sangrentas) do século XXI, quebrou o silêncio sobre o enigmático Saw XI.

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Em entrevista ao Screen Rant, o cineasta australiano, hoje mais conhecido por comandar blockbusters como Aquaman ou por ter fundado universos de terror como The Conjuring e Insidious, deixou claro que regressar ao mundo que lhe deu a carreira “é algo que não encara de forma leviana”.

“É um pouco cedo para falar sobre isso, mas posso dizer que estou muito entusiasmado. É desafiante e emocionante, porque é voltar ao filme que iniciou a minha carreira – a minha e a de Leigh Whannell”, afirmou.

Entre nostalgia e reinvenção

Wan sublinhou que o grande desafio passa por equilibrar dois mundos: respeitar o que os fãs mais fiéis adoram em Saw, mas também encontrar uma nova abordagem que conquiste outra geração de espectadores. “É fundamental manter-nos fiéis ao universo que criámos, mas também precisamos de lhe dar um novo fôlego”, disse.

A verdade é que, apesar do entusiasmo do realizador, o caminho de Saw XI não tem sido simples. O filme foi confirmado após o sucesso de Saw X, mas divergências internas entre a Lionsgate e os produtores levaram a que o projeto fosse retirado do calendário de estreias em março deste ano. Até ao momento, não há nova data oficial nem confirmação de que as filmagens estejam prestes a começar.

O peso de um legado

Com mais de 20 anos de existência, Saw tornou-se sinónimo de armadilhas macabras, dilemas morais e litros de sangue. Mas também serviu como porta de entrada para o talento de James Wan e Leigh Whannell, que redefiniram o terror no início dos anos 2000.

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Agora, Wan parece disposto a voltar às origens, com a promessa de um capítulo que seja simultaneamente nostálgico e renovador. Resta saber quando — e como — Saw XI conseguirá finalmente arrancar.

Ferris Bueller regressa: Matthew Broderick e Alan Ruck juntam-se em momento nostálgico — e já têm novo filme

Quase quatro décadas depois de terem feito história no cinema com Ferris Bueller’s Day Off (O Rei dos Gazeteiros), Matthew Broderick e Alan Ruck continuam a mostrar porque é que a sua química marcou gerações.

No passado dia 24 de agosto, os dois atores surgiram juntos em Vancouver, no estádio Nat Bailey, durante o jogo entre os Vancouver Canadians e os AquaSox. E se os fãs já estavam entusiasmados com a sua presença, o delírio instalou-se quando ambos lideraram a multidão num entoado “Take Me Out to the Ball Game”, recriando parte da magia que viveram em 1986 no filme de John Hughes.

Um regresso ao passado

No clássico da comédia adolescente, Broderick interpretava o irreverente Ferris Bueller, enquanto Ruck dava vida a Cameron, o melhor amigo pessimista que acabava arrastado para um dia de loucuras em Chicago. Entre as muitas cenas icónicas, há uma passada precisamente num jogo de basebol, em que Ferris e Cameron tentam escapar ao diretor da escola enquanto se divertem nas bancadas de Wrigley Field. Ver os dois juntos, quase 40 anos depois, foi como um portal direto para esse momento.

De volta ao grande ecrã

E para quem ficou com saudades, a boa notícia é que o reencontro não se ficou por aqui. Broderick e Ruck vão voltar a partilhar o ecrã em “The Best Is Yet to Come”, remake de um sucesso francês, atualmente em filmagens no Canadá. O enredo segue dois amigos que, devido a um mal-entendido que cria uma contagem decrescente para o futuro, partem numa viagem de carro para reencontrar o filho afastado de um deles e, ao mesmo tempo, cumprir uma lista de desejos adiados.

O filme, que promete ser uma mistura de comédia e reflexão sobre amizade e envelhecimento, surge como um reencontro simbólico para os atores, quase quatro décadas depois de Ferris Bueller’s Day Off lhes ter aberto portas em Hollywood.

O legado de John Hughes

Numa entrevista em 2023, Broderick recordou que trabalhar com John Hughes não era sempre fácil: “Houve momentos de tensão, mas também uma enorme aprendizagem. Ele sabia muito bem o que queria.” Hughes faleceu em 2009, mas o impacto da sua obra continua a ecoar no cinema e na memória de quem cresceu com os seus filmes.

Com o regresso de Broderick e Ruck tanto ao convívio dos fãs como ao grande ecrã, parece que o espírito de Ferris Bueller continua bem vivo — e, como dizia o próprio, “a vida passa muito depressa. Se não parares para a viver, podes perdê-la.”

Woody Allen em Moscovo: entre o cinema, a política e a polémica

Woody Allen voltou a estar no centro das atenções — e não apenas pelo cinema. O realizador norte-americano, de 88 anos, participou este domingo, por videoconferência, no Moscow International Film Week, numa conversa conduzida por Fyodor Bondarchuk, cineasta russo próximo de Vladimir Putin e conhecido por filmes patrióticos como Stalingrado(2013).

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A presença de Allen no evento não passou despercebida ao Ministério dos Negócios Estrangeiros da Ucrânia, que classificou a sua participação como “uma desgraça” e “um ato de branqueamento” das atrocidades cometidas pela Rússia no conflito que já dura há mais de uma década.

A resposta de Woody Allen

Face à polémica, Allen fez chegar um comunicado ao jornal The Guardian. Nele, afirmou sem rodeios:

“Quando se trata do conflito na Ucrânia, acredito firmemente que Vladimir Putin está totalmente errado. A guerra que causou é horrível. Mas, independentemente do que os políticos tenham feito, não sinto que cortar conversas artísticas seja alguma vez uma boa forma de ajudar.”

Ou seja, para o cineasta, a cultura deve manter-se como um espaço de diálogo, ainda que reconheça a gravidade da invasão russa.

Ucrânia condena “cultura como propaganda”

Do lado ucraniano, a reação foi dura. Num comunicado, a diplomacia de Kiev sublinhou:

“A participação de Woody Allen na semana internacional de cinema de Moscovo é uma desgraça e um insulto ao sacrifício de atores e cineastas ucranianos mortos ou feridos por criminosos de guerra russos. (…) A cultura nunca deve ser usada para branquear crimes ou servir como ferramenta de propaganda.”

As críticas centram-se não apenas na figura de Allen, mas no impacto simbólico da sua presença num festival que, segundo os ucranianos, dá palco a apoiantes de Putin.

O olhar de Allen sobre a Rússia e o futuro

Embora tenha elogiado a tradição cinematográfica russa — destacando a monumental tetralogia Guerra e Paz de Sergei Bondarchuk, vencedora do Óscar de Melhor Filme Estrangeiro em 1969 —, Allen afastou a hipótese de filmar no país. Disse não ter planos para rodar em Moscovo ou São Petersburgo, apesar de manter “bons sentimentos” pelas cidades.

Nos últimos anos, o realizador tem encontrado financiamento sobretudo na Europa. Depois de Rifkin’s Festival (2020), rodado em Espanha, e Coup de Chance (2023), em França, Woody Allen chegou a admitir, em 2024, a possibilidade de se reformar, embora continue a surgir em conversas e eventos ligados ao cinema.

Entre a arte e a política

O episódio volta a levantar a questão sobre os limites da separação entre cultura e política em tempos de guerra. Pode a presença de um cineasta num festival ser lida apenas como um gesto artístico, ou inevitavelmente assume uma dimensão política? Allen defende o diálogo artístico; Kiev vê propaganda.

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Seja como for, o caso mostra que Woody Allen, mesmo a um passo da reforma, continua a ser uma figura capaz de acender debates globais — e não apenas sobre cinema.

Nicolas Cage em “O Surfista”: o regresso intenso que vai abalar os cinemas portugueses

Nicolas Cage não para de surpreender. Depois de incursões no fantástico, no drama e até no terror indie, o ator norte-americano regressa agora às salas portuguesas com O Surfista, um thriller psicológico inquietante que promete deixar os espectadores desconfortáveis na cadeira. O filme, realizado por Lorcan Finnegan (Vivarium), estreia em Portugal a 11 de setembro, com distribuição da NOS Audiovisuais.

De Cannes a Lisboa: um filme que não deixa ninguém indiferente

Apresentado em estreia mundial no Festival de Cannes de 2024 e integrado na seleção oficial do MOTELX no mesmo ano, O Surfista conquistou destaque internacional pela forma como transforma uma história aparentemente simples num estudo sobre pertença, orgulho e alienação.

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A premissa é direta: um homem regressa à praia idílica da sua infância com o filho, pronto para voltar a surfar. Mas rapidamente se vê expulso pelos surfistas locais, que seguem a regra rígida — “não vives aqui, não surfas aqui”. A partir desse momento, o que poderia ser um reencontro nostálgico com o passado transforma-se num espiral de conflito e humilhação, onde a raiva e o calor sufocante do verão empurram o protagonista para o limite.

Nicolas Cage em registo visceral

Conhecido por mergulhar de corpo inteiro em personagens intensas, Cage encontra aqui mais um papel feito à medida da sua entrega visceral. Sem espaço para heróis fáceis ou vilões óbvios, O Surfista propõe uma jornada densa e perturbadora, onde as fronteiras entre vítima e agressor se desmoronam.

O filme destaca-se por evitar explicações simplistas: em vez disso, obriga o espectador a lidar com o desconforto da exclusão, da hostilidade e da perda do lugar que um dia se chamou “casa”.

O peso da crítica social em ritmo de thriller

Para além da tensão psicológica, O Surfista funciona como metáfora poderosa sobre pertença, identidade e o choque entre tradição e forasteiro. É cinema que provoca, que recusa respostas fáceis e que deixa a audiência a refletir muito depois do genérico final.

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Com estreia marcada para 11 de setembro nas salas portuguesas, esta nova aposta de Nicolas Cage promete ser um dos títulos mais falados do outono. Prepare-se para um mergulho em águas agitadas — e nada convidativas.

Paddington na Amazónia: O Urso Mais Querido do Cinema Troca Londres pela Selva Tropical 🌴🐻

Preparem os frascos de marmelade e cházinho Earl Grey: Paddington está de volta! O urso mais britânico, simpático e trapalhão do cinema embarca agora numa das suas aventuras mais inesperadas — e desta vez leva-nos diretamente para o coração da Amazónia.

Depois de conquistar multidões em Londres, Paddington parte com a família Brown numa missão que mistura emoção, humor e o calor humano que sempre caracterizou as suas histórias. O ponto de partida é uma carta vinda do Peru, com notícias preocupantes: a tia Lucy desapareceu do Lar para Ursos Reformados. Determinado a encontrá-la, Paddington segue um misterioso mapa que poderá levá-lo não só ao paradeiro da tia, mas também a um lendário tesouro escondido na floresta tropical.

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Entre animais exóticos, vilões imprevistos e encontros que só um urso de chapéu vermelho poderia provocar, a aventura transforma-se numa viagem inesquecível. Como sempre, o segredo de Paddington para enfrentar todos os desafios está na sua coragem, no seu otimismo e, claro, na inseparável marmelada.

Realizado por Dougal Wilson, o filme conta, na versão original, com um elenco de luxo: Ben Whishaw dá voz a Paddington, acompanhado por Hugh Bonneville, Emily Mortimer, Olivia Colman e Antonio Banderas. Já a versão portuguesa conta com as vozes de Luís Franco-Bastos, Ana Cloe, Paulo Oom e Cláudia Cadima.

A estreia está marcada para 29 de agosto às 21h30 (versão original) e 30 de agosto às 8h45 (versão dobrada), em exclusivo no TVCine Top e TVCine+.

Com esta nova aventura, Paddington na Amazónia reforça aquilo que o torna tão especial desde a sua primeira aparição: é um filme para todas as idades, que celebra o poder da gentileza, da amizade e da família — mesmo quando os caminhos parecem levar-nos para bem longe de casa.

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✨ Uma estreia imperdível para miúdos e graúdos!

Choque em Miami: Dexter: Original Sin Cancelada Poucos Meses Após Renovação

Os fãs de Dexter estão a viver uma verdadeira montanha-russa emocional. Apenas quatro meses depois de a Paramount ter anunciado com pompa e circunstância a renovação da prequela Dexter: Original Sin para uma segunda temporada, a decisão foi revertida: a série foi oficialmente cancelada.

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Uma promessa que ficou pelo caminho

Estreada em janeiro de 2025 na SkyShowtime, Dexter: Original Sin transportava os espectadores para Miami em 1991, mostrando a juventude de Dexter Morgan, interpretado por Patrick Gibson, e o início da sua sombria transição de estudante para assassino em série vingativo.

A trama explorava os primeiros impulsos homicidas de Dexter e a criação do famoso “código” do pai, Harry, que orientava o jovem a canalizar a sua sede de sangue apenas contra quem realmente “merecia”. A série prometia aprofundar a origem de um dos personagens mais icónicos da televisão moderna, numa altura em que o protagonista dava os primeiros passos no estágio forense no Departamento de Polícia de Miami.

Fusão e mudança de planos

Segundo a revista Variety, a decisão de cancelamento está ligada à fusão entre a Paramount e a Skydance, que resultou numa alteração profunda de estratégia. Em vez de investir em Original Sin, a nova liderança optou por concentrar recursos em Dexter: Ressurreição, série que marca o regresso de Michael C. Hall ao papel que o tornou mundialmente famoso.

A escolha apanhou todos de surpresa, sobretudo porque a renovação já tinha sido comunicada oficialmente em abril de 2025, deixando no ar a sensação de que a prequela foi vítima mais da política empresarial do que da receção do público.

O legado de Dexter continua

Apesar do cancelamento, a franquia mantém-se viva. Desde a série original (2006-2013), que redefiniu o género policial ao misturar drama familiar com a frieza de um serial killer, até à minissérie Dexter: New Blood (2021), o universo criado por Jeff Lindsay continua a despertar enorme fascínio.

A prequela podia ter oferecido um olhar mais íntimo sobre os primeiros passos de Dexter, mas os fãs terão de se contentar com o regresso da versão adulta e perturbadoramente carismática de Michael C. Hall em Dexter: Ressurreição.

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👉 Resta agora saber se o cancelamento de Original Sin será definitivo ou se, como tantas vezes acontece no mundo das séries, algum outro estúdio ou plataforma poderá resgatar o projeto.

“Half Man”: Richard Gadd regressa após Baby Reindeer com drama explosivo para a HBO e BBC

Depois do fenómeno global que foi Baby Reindeer, Richard Gadd está de volta com uma nova aposta televisiva: Half Man. A HBO e a BBC revelaram esta semana as primeiras imagens da série, que terá seis episódios e estreia em 2026 no streaming.

Dos traumas de Baby Reindeer à violência de Half Man

Se em Baby Reindeer Gadd explorou a obsessão e o trauma pessoal, aqui o foco recai na complexa relação entre dois “irmãos” marcados por violência, rivalidade e uma ligação impossível de quebrar.

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Na trama, Niall (Jamie Bell) vê a sua vida virada do avesso quando Ruben (Richard Gadd), o irmão de quem se afastou, reaparece inesperadamente no dia do seu casamento. O reencontro desencadeia um confronto brutal que nos transporta para quatro décadas de história em comum — dos anos 80 até ao presente.

Crescer lado a lado, cair lado a lado

Ao longo dos episódios, veremos Ruben e Niall desde a adolescência turbulenta até às batalhas da vida adulta, passando por momentos de cumplicidade, humor, raiva e destruição. Mitchell Robertson e Stuart Campbell interpretam as versões jovens das personagens, completando o retrato de uma relação fraterna tão íntima quanto tóxica.

Segundo a HBO Max, Half Man pretende “captar a energia selvagem de uma cidade em transformação – um mundo em transformação – e sondar as profundezas do que significa ser um homem”.

Um elenco de peso

Além de Gadd e Jamie Bell, a série conta ainda com Neve McIntosh, Marianne McIvor, Charlie De Melo, Bilal Hasna, Amy Manson, Philippine Velge, Stuart McQuarrie, entre outros nomes. A realização fica a cargo de Alexandra Brodski e Eshref Reybrouck.

Expectativas elevadas

A fasquia está alta: Baby Reindeer foi um dos maiores fenómenos televisivos da Netflix, conquistando público e crítica pela intensidade e pela honestidade com que Gadd se expôs. Agora, em Half Man, o criador britânico parece apontar para um drama de maior escala, mas igualmente visceral, prometendo explorar masculinidades, traumas e afetos com a sua marca autoral.

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👉 A estreia está marcada para 2026, mas as primeiras imagens já aqueceram o hype. Podes vê-las aqui.

Bilheteira Mundial: Superman e F1 ultrapassam os 600 milhões, Demon Slayer arrasa na Ásia

O fim de semana trouxe marcos históricos para a bilheteira global: dois gigantes chegaram à fasquia dos 600 milhões de dólares, enquanto a animação japonesa Demon Slayer: Infinity Castle está a reescrever recordes no Oriente.

Superman bate recordes domésticos

O filme de James Gunn com David Corenswet consolidou-se como o maior sucesso da personagem nos EUA: já soma 604,5 milhões de dólares no total, sendo 347 milhões apenas no mercado doméstico. Internacionalmente arrecadou 257,5 milhões (42,6% do total). É um peso-pesado nos EUA, mas fora de portas fica ainda atrás de outros colossos.

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F1, o maior filme da carreira de Brad Pitt

O drama de corridas realizado por Joseph Kosinski já amealhou 603,4 milhões de dólares, com a grande maioria a vir do estrangeiro (417,5 milhões). Só na China, o filme fez 59,2 milhões — a melhor marca de sempre para Pitt naquele mercado. É também a sua maior bilheteira global de sempre.

Demon Slayer: Infinity Castle domina a Ásia

O mais recente capítulo da saga anime já superou os 200 milhões mundiais, com resultados impressionantes:

  • Estreia na Coreia com 13 milhões (melhor abertura do ano).
  • Nas Filipinas tornou-se o maior anime da história logo no arranque, com 4,2 milhões.
  • Em Hong Kong, Indonésia, Tailândia e Malásia já é o anime mais lucrativo de sempre.Em Imax, soma 28,5 milhões e, no Japão, tornou-se o título mais rentável de sempre do formato.

Por cá deve estrear no dia 11 de Setembro

Outros destaques internacionais

  • Final Destination: Bloodlines estreou-se na China com 8,2 milhões e já soma 295,5 milhões globais.
  • Weapons mantém força com 199,4 milhões mundiais em apenas três semanas.
  • The Bad Guys 2 segue estável com 149 milhões.
  • Jurassic World Rebirth ultrapassou os 844 milhões globais, sendo já o terceiro título de estúdio a cruzar os 500 milhões apenas no mercado internacional.
  • Freakier Friday, com Lindsay Lohan e Jamie Lee Curtis, soma 113,3 milhões globais, com forte presença na América Latina.
  • The Fantastic Four: First Steps aproxima-se dos 500 milhões, sendo já o maior sucesso de super-heróis do ano em Itália, Espanha, México e Brasil.

Verão forte, mas aquém dos 4 mil milhões

Apesar de sucessos isolados, o mercado de verão não deverá atingir os 4 mil milhões de dólares globais — patamar comum antes da pandemia. Ainda assim, 2025 mantém a bilheteira anual cerca de 5% acima de 2024.

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✨ No fundo, a força da animação japonesa, a resistência de títulos de terror e a renovada energia de franquias como Superman e Jurassic World mostram que o cinema continua vivo e capaz de surpreender plateias em todo o mundo.

Dwayne Johnson arrisca tudo em The Smashing Machine: “Estava demasiado assustado para explorar este lado”

Conhecido por ser o herói musculado que salva o mundo em superproduções como Jumanji ou Red Notice, Dwayne “The Rock” Johnson está prestes a mostrar uma faceta completamente diferente em The Smashing Machine. O biopic realizado por Benny Safdie (um dos irmãos por trás de Uncut Gems) leva o ator para um território mais cru, vulnerável e, segundo o próprio, assustador.

Da ação familiar ao retrato cru de um campeão problemático

Em entrevista à Vanity Fair, Johnson admitiu que talvez papéis mais “gritty” nunca lhe tenham surgido porque ele próprio tinha medo de os enfrentar.

“Era muito real. Estava mesmo assustado e pensei: não sei se consigo fazer isto. Talvez estas oportunidades não viessem ter comigo porque eu estava demasiado assustado para explorar este lado.”

No filme, Johnson interpreta Mark Kerr, lendário lutador de MMA e duas vezes campeão do UFC, mas também uma figura marcada por problemas pessoais, dependências e fragilidades emocionais — tudo muito distante do habitual carisma inquebrável do ator.

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13 próteses para se transformar em Mark Kerr

Para o papel, The Rock submeteu-se a um processo de caracterização intenso, com cerca de 13 a 14 próteses diferentesque alteraram subtilmente a sua aparência.

“Passei três ou quatro horas em frente ao espelho a ver tudo mudar. Quando cheguei ao set, já era Mark Kerr. Sentia-o na forma como andava, como falava e até como olhava para a vida.”

Uma parceria poderosa com Emily Blunt

Ao lado de Johnson estará Emily Blunt, numa colaboração que promete acrescentar camadas emocionais ao drama. A dupla, já testada em Jungle Cruise, regressa agora em registos muito diferentes, longe do escapismo da Disney e muito mais próximos da dor e intensidade do cinema independente.

Estreia nos festivais e nos cinemas

The Smashing Machine terá a sua estreia norte-americana no Festival de Toronto a 8 de setembro, antes de chegar às salas de cinema no dia 3 de outubro. O filme, produzido pela A24, insere-se na tradição do estúdio de reinventar atores populares em registos inesperados — e poderá até abrir caminho para que Johnson entre, pela primeira vez, na corrida aos prémios.

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✨ Ao que tudo indica, The Rock decidiu deixar cair a persona de herói invencível para mostrar a fragilidade de um homem em pedaços. E isso pode ser o maior combate da sua carreira.