Portugal dá luz verde ao cinema com novo ‘cash rebate’ para 2025 — mas os bastidores ainda andam em câmara lenta

🎬 Dinheiro para filmar em Portugal? Sim, senhor! Mas com um enredo que mistura drama institucional, burocracia, orçamentos apertados e suspense à moda nacional. O Instituto do Cinema e do Audiovisual (ICA) anunciou oficialmente a abertura da primeira fase de candidaturas ao incentivo financeiro à produção cinematográfica e audiovisual de 2025, mais conhecido por ‘cash rebate’. A boa notícia? Já está aberto! A má? Ainda estamos à espera dos resultados da segunda fase… de 2024.

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Pois é. Há guiões que se escrevem sozinhos.

Um incentivo com muitos planos — e alguns cortes

Este ‘cash rebate’ é um dos trunfos mais apetecíveis para atrair filmagens e coproduções para o nosso belo rectângulo à beira-mar filmado. Com uma dotação anual de 14 milhões de euros (a dividir por duas fases), o fundo é assegurado pelo ICA em parceria com o Turismo de Portugal. E se há coisa que este país tem de sobra, é luz natural, paisagens fotogénicas e talento técnico — falta é garantir que o dinheiro chegue a horas.

Por exemplo, ainda não foi divulgada a lista definitiva dos beneficiários da segunda fase de 2024. Apenas uma versão provisória, com data de 18 de dezembro, onde já constam nomes como “Ela olhava sem nada ver”, “Hera” e “Asas”, entre outros filmes e séries que, curiosamente, já andam em fase de estreia ou final de produção. Coincidência?

O lado B do incentivo

Em novembro passado, a Ministra da Cultura, Dalila Rodrigues, reconheceu no Parlamento o que muitos no setor já murmuravam entre cafés e estreias: os atrasos nos pagamentos são reais. O sistema, dizem, está preso numa teia de burocracias — incluindo autorizações do Ministério das Finanças para desbloquear fundos. Uma espécie de thriller orçamental em que o dinheiro existe… mas demora a entrar em cena.

Ainda assim, o ‘cash rebate’ continua a ser um chamariz importante para produções estrangeiras. E a lista de projetos internacionais que já usufruíram do incentivo é impressionante: a série A Acólita do universo Star Wars, os filmes da Netflix A Donzela e Heart of Stone, e claro, o incontornável Velocidade Furiosa X, que fez rugir motores pelas ruas de Portugal.

Há mais no menu: o ‘cash refund’

Para produções mais ambiciosas — daquelas com efeitos especiais e orçamento à Hollywood — existe ainda o ‘cash refund’, com um valor máximo de 20 milhões de euros e requisitos mais robustos: é preciso gastar pelo menos 2,5 milhões de euros em território nacional.

Em 2024, foi a estreia deste segundo incentivo. Foram requisitados 11 milhões, ficando 9 milhões na prateleira. Em 2025, já foram pedidos 7,4 milhões, sinal de que há vontade — e talvez uma ou outra superprodução à espreita.

E agora?

Com a primeira fase do ‘cash rebate’ de 2025 oficialmente a decorrer (durante um mês), a segunda fase deverá abrir até 30 de setembro. Resta saber se desta vez os processos vão ser mais rápidos e menos kafkianos.

Portugal já provou que tem tudo para ser um estúdio de luxo à escala europeia. Agora só falta que a máquina burocrática acompanhe o talento dos profissionais e o potencial das paisagens. Que venha o próximo take — com menos drama nos bastidores, se faz favor.

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Se quiseres, posso criar também uma imagem para ilustrar o artigo — por exemplo, uma claquete com notas de euro a sair, ou uma equipa de filmagens com papéis à espera de aprovação burocrática. Avanço?

Hollywood Vai a Jogo em Las Vegas: CinemaCon 2025 Pode Ser a Última Cartada

🎰 Las Vegas chama e Hollywood responde. Mas não é para apostar nas slot machines: é para tentar salvar um ano que já parece um filme de terror. A CinemaCon — o maior evento anual da indústria cinematográfica — arrancou esta segunda-feira no Caesars Palace com um objectivo claro: devolver esperança (e bilheteiras gordas) aos donos de salas de cinema e aos fãs de grandes estreias.

📉 A verdade é dura: 2025 começou com mais tropeções do que uma personagem secundária em filme de acção. Entre fracassos como a nova “Branca de Neve” da Disney, o Capitão América que ninguém pediu e o enigmático “Mickey 17” (onde nem Pattinson conseguiu salvar o dia), a indústria arrecadou 1,3 mil milhões de dólares na América do Norte… 7% abaixo do já fraco início de 2024.

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E tudo isto depois de um 2023 com greves históricas de argumentistas e actores. O lema não oficial da indústria tornou-se: “Aguenta até 2025”. E agora que 2025 chegou, todos olham para Las Vegas como quem espreita o número da sorte na roleta.

🎬 Cartaz com promessas (e muita pressão)

A primeira apresentação ficou a cargo da Sony Pictures, a casa do “Homem-Aranha”, que já nos habituou a boas surpresas. Mas os olhos também estão postos noutros pesos pesados que vão subir ao palco esta semana:

• Amazon MGM: depois de comprar a saga James Bond por uns trocos (cof cof… mil milhões), o estúdio promete mostrar as cartas para o futuro do 007 — agora com novos produtores ao leme.

• Warner Bros.: está a precisar desesperadamente de um “do-over” após a queda livre de Mickey 17 e The Alto Knights, com Robert De Niro. Mas entre Superman (reboot fresquinho) e o novo filme de DiCaprio (One Battle After Another), pode ser que ainda haja salvação.

• Paramount: tradição é tradição, e lá virá mais um Missão: Impossível. A questão do costume: Tom Cruise vai saltar do tecto do Caesars Palace ou não?

• Universal: traz de volta dinossauros e bruxas com novas entradas nas sagas Mundo Jurássico e Wicked.

• Lionsgate: o arsenal dos John Wick continua a crescer, e Keanu Reeves nunca se atrasa… excepto quando o guião exige.

• Disney: encerra o evento com as suas eternas galinhas dos ovos de ouro — Marvel e Avatar. Mas depois de algumas escorregadelas recentes, todos estão atentos ao que vai revelar (e com que confiança o fará).

🎞️ Apostas altas, nervos à flor da pele

A expectativa é clara: os donos das salas querem razões para voltar a acreditar. Afinal, nem mesmo os blockbusters estão a conseguir cumprir os mínimos. Em muitos casos, nem chegam perto de recuperar os orçamentos astronómicos investidos — e isso sem contar com campanhas de marketing dignas de presidentes dos EUA.

A CinemaCon serve também de termómetro: será que o público está farto de super-heróis? Será que o futuro está nas sequelas ou nas histórias originais? E acima de tudo, será que Hollywood ainda sabe o que os espectadores querem ver?

🍿 O que esperar a seguir?

O que sair desta semana em Las Vegas vai moldar o resto de 2025 — e, muito possivelmente, a forma como Hollywood se adapta aos novos tempos. O streaming continua a morder os calcanhares das salas, os orçamentos têm crescido mais do que as receitas, e os espectadores… bem, esses parecem cada vez mais difíceis de conquistar.

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Por agora, resta-nos ficar atentos às luzes de Las Vegas — e esperar que desta vez, a sorte esteja do lado da indústria.

🎥

Zack Snyder Entra no Octógono: Vem Aí “Brawler”, o Filme de MMA com Selo UFC

🥊 Zack Snyder trocou as espadas de “300” e os sabres de luz de “Rebel Moon” por luvas de MMA — e a coisa promete ferver dentro e fora do octógono. O realizador norte-americano vai dirigir Brawler, um novo filme centrado no mundo das artes marciais mistas, em parceria com a poderosa UFC e com… a Arábia Saudita. Sim, leu bem.

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📸 A fotografia oficial já corre o mundo e parece retirada de uma cena de um blockbuster: Dana White, o patrão da UFC, a apertar a mão de Turki Alalshikh, ministro saudita e presidente da Autoridade para o Entretenimento, enquanto Snyder sorri com cara de “vem aí porrada da boa”.

🥋 Do submundo de LA para o topo do octógono

A sinopse já deixa antever uma jornada épica ao estilo Snyder: um jovem lutador das ruas de Los Angeles tenta entrar na UFC, enfrentando tanto adversários no ringue como os seus próprios demónios interiores. Redenção, suor e pancadaria — os ingredientes perfeitos para um drama de combate cinematograficamente estilizado.

🎬 O argumento fica a cargo do próprio Snyder, com Kurt Johnstad (que já escreveu 300) e Shay Hatten (John Wick, Rebel Moon) ao seu lado. O trio de ferro já provou saber criar mundos intensos e personagens em rota de colisão consigo mesmos.

Atores? Datas? Estreia? Tudo isso continua guardado num “cofre de titânio” como nos filmes de Army of the Dead, mas o entusiasmo já está ao rubro.

🎥 UFC + Hollywood = relação séria (e rentável)

Esta não é a primeira vez que a UFC entra nos ecrãs grandes e pequenos com força total. Em 2023, o remake de Road House (Profissão Duro) com Jake Gyllenhaal — ex-lutador de MMA na trama — foi um sucesso na Amazon Prime Video, mostrando que o casamento entre artes marciais e cinema tem muito potencial de KO.

O que Brawler traz de novo é a assinatura de Snyder: slow-motion, composição visual musculada e heróis com dilemas morais (e abdominais de aço). E claro, o reforço da Arábia Saudita na equação sugere um investimento de peso e ambições globais.

A presença de Turki Alalshikh no anúncio oficial mostra que o filme pode integrar a crescente estratégia saudita de se afirmar como potência no entretenimento — dentro e fora do desporto.

🔮 O que esperar?

Se Brawler seguir o ADN Snyder, podemos esperar sequências de combate coreografadas como ballet violento, narrações graves e visuais dignos de painel de banda desenhada. Mas com a UFC no centro da história, o realismo e a crueza prometem ter um papel importante — talvez até mais do que os efeitos especiais.

📺 Enquanto isso, Snyder continua com pé firme na Netflix, onde já criou a saga Rebel Moon e prepara um novo projeto sobre a polícia de Los Angeles. Mas agora, com Brawler, parece apostado em dominar um novo território: o cinema de pancadaria com alma.

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Vamos a isso, mestre Snyder. Só pedimos uma coisa: não nos deixes KO de aborrecimento.

A BBC Está com a Carteira Mais Leve: Estação Pública Enfrenta Crise de Financiamento Sem Precedentes

📺💸 Nem a BBC escapa aos cortes — e a coisa está feia. A estação pública britânica acaba de divulgar o seu plano estratégico anual para 2025/2026 e não se escondeu atrás de formalismos: enfrenta “um desafio sem precedentes” para continuar a financiar os seus conteúdos. E não é para menos — desde 2010, perdeu mil milhões de libras em receitas anuais. Sim, leu bem: mil milhões. Em euros? Cerca de 1.194 mil milhões. Quase dá para produzir três filmes do Nolan e ainda sobra para uns quantos documentários com o David Attenborough.

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A BBC explica que esta crise deve-se, em parte, à diminuição dos acordos de coprodução com estações e empresas globais. No meio de um mercado cada vez mais competitivo, as grandes alianças internacionais parecem estar a secar, deixando a velha senhora da televisão britânica a fazer contas com os trocos.

“Ou há financiamento, ou há cortes”

No seu relatório, a BBC lança um apelo direto ao governo britânico: quer um financiamento “suficiente e confiável” que permita manter o nível e a ambição dos seus conteúdos. Caso contrário, o recado é claro — sem dinheiro, não há Shakespeare à hora do chá, nem séries históricas com sotaque impecável.

A estação lembra que o seu modelo de financiamento está sob pressão, com a principal fonte de receita a ser o clássico imposto de televisão, pago por todas as famílias no Reino Unido. Mas num mundo onde o streaming reina, e onde os jovens acham que “televisão” é só o ecrã onde ligam a consola, é fácil perceber que o modelo está a precisar de um bom “reboot”.

A concorrência que nunca dorme (e custa caro)

A BBC continua a produzir alguns dos melhores conteúdos televisivos a nível mundial — desde Doctor Who a Happy Valley, Peaky Blinders ou os icónicos documentários da BBC Earth. Mas enquanto as plataformas de streaming nadam em orçamentos gigantescos (e nos dados pessoais dos utilizadores), a estação pública depende de financiamento fixo e regras rígidas.

E isso levanta uma questão cada vez mais urgente: como se compete com Netflix, Amazon, Disney+ e companhia, quando se está a perder poder de compra todos os anos? Como se continua a produzir conteúdos relevantes, diversificados e de qualidade sem cortar nos orçamentos, nas equipas ou — pior — na criatividade?

O futuro da BBC: clássico ou remake?

Para já, o plano estratégico deixa a porta aberta a mais parcerias, a reforçar a presença digital e — quem sabe — a uma reavaliação do modelo de financiamento. Mas há uma nota de urgência que atravessa todo o documento: sem ação, os próximos anos podem ser difíceis.

E isto não é apenas um problema britânico. A saúde financeira da BBC é um espelho de um dilema que afeta todas as televisões públicas na era do streaming: como sobreviver num mundo onde o entretenimento está a um clique de distância, mas o financiamento… nem por isso?

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Para os amantes de cinema e séries, resta esperar que a magia da BBC não se perca pelo caminho — porque todos precisamos de uma estação pública que nos continue a emocionar, informar e, de vez em quando, fazer rir com aquele humor tipicamente britânico.

Adeus ao Guerreiro de Ação: Morreu Richard Norton, Lenda dos Filmes de Artes Marciais e de Ação

🎬🥋 O cinema de ação perdeu um dos seus maiores guerreiros. Morreu Richard Norton, ator australiano, artista marcial e coordenador de duplos que marcou presença em mais de 70 filmes e trabalhou com alguns dos maiores nomes do género. Tinha 75 anos.

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A notícia foi confirmada no domingo, dia 30 de março, pela esposa, Judy Green, através de uma emotiva publicação no Instagram. “Estou devastada, não tenho palavras, perdi tudo”, escreveu, acrescentando: “Sei que há, e haverá muito amor e choque por termos perdido este ser humano incrível. O amor da minha vida.”

A causa da morte não foi divulgada, mas a comoção no mundo do cinema foi imediata. Amigos e colegas prestaram homenagens a este verdadeiro titã da indústria — um homem que tanto enfrentava vilões no ecrã como desenhava cenas de luta de cortar a respiração atrás das câmaras.

De Mad Max a Jackie Chan: um currículo de lenda

Richard Norton pode não ter sido um nome tão mediático como algumas das estrelas com quem trabalhou, mas era uma presença absolutamente essencial nos bastidores (e muitas vezes à frente das câmaras) de clássicos da ação.

Foi coordenador de duplos em filmes como Mad Max: Estrada da Fúria e O Esquadrão Suicida, onde trabalhou diretamente com o realizador James Gunn. Aliás, foi o próprio Gunn quem lhe prestou uma sentida homenagem nas redes sociais:

“Era um homem australiano durão, mas doce, com uma calorosa gargalhada e um milhão de histórias sobre todos os seus anos a fazer filmes.”

Richard também trabalhou com Jackie Chan, Chuck Norris, e muitos outros nomes de peso. Norris, de resto, partilhou igualmente a sua dor com o público:

“Estou absolutamente de coração partido com a perda do meu querido amigo e irmão. As memórias maravilhosas que partilhámos vão ficar guardadas para sempre no meu coração.”

Um ícone das artes marciais com coração de ouro

Além do seu trabalho técnico e artístico, Norton era um verdadeiro mestre das artes marciais, tendo conquistado vários cinturões pretos e criado a sua própria abordagem ao combate cénico. Mas apesar da sua imagem de “durão”, era conhecido nos bastidores pela sua gentileza, bom humor e espírito de camaradagem.

Com uma carreira que atravessou décadas, Richard Norton contribuiu decisivamente para elevar a fasquia das cenas de ação no cinema, tanto em Hollywood como na Ásia, especialmente nas suas colaborações com o cinema de Hong Kong.

Um legado que permanece

O mundo do cinema perde não apenas um especialista de ação, mas um apaixonado pela sétima arte. Um homem que tratava o combate como coreografia e os filmes como forma de vida. Um verdadeiro samurai de Hollywood.

🎥 Fica a memória de uma carreira repleta de energia, profissionalismo e paixão — e claro, daquelas cenas de pancadaria que continuam a arrancar aplausos nos serões de cinema lá em casa.

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Obrigado por tudo, Richard. O grande ecrã vai sentir a tua falta, mas a tua lenda continua a dar murros certeiros no coração dos fãs. 🥋🎬

Morreu Yves Boisset: o Realizador Francês que Fez do Cinema uma Arma Política

🎬 Yves Boisset, um dos mais combativos e politicamente comprometidos realizadores do cinema francês do século XX, morreu aos 86 anos, deixando para trás uma carreira que misturou cinema de género com denúncia social de forma destemida e nada convencional.

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O cineasta faleceu esta segunda-feira, após vários dias internado no hospital franco-britânico de Levallois-Perret. Foi a própria família que anunciou a sua morte, encerrando assim um capítulo importante da história do cinema europeu — daqueles que nunca teve medo de incomodar os poderosos.

🧨 Cinema a estourar com política

Se o cinema fosse um ringue de boxe ideológico, Yves Boisset teria saído de lá sempre com sangue no nariz… mas sem nunca abandonar a luta. Ficou especialmente conhecido nos anos 70, década onde assinou algumas das suas obras mais marcantes, sempre com uma lupa apontada para os podres da sociedade.

Um dos seus filmes mais emblemáticos é Dupont Lajoie (1975), que por cá chegou com o sugestivo título Férias Violentas. Baseado em crimes reais com motivações racistas, o filme chocou, dividiu opiniões e até provocou ameaças durante as filmagens. Mas ganhou o Prémio Especial do Júri no Festival de Berlim e entrou directamente para a história do cinema político europeu.

🕵️‍♂️ Terrorismo, colonialismo e… Schwarzenegger?

Outro murro no estômago foi L’Attentat (O Atentado, 1972), sobre o assassínio do opositor marroquino Mehdi Ben Barka, com Jean-Louis Trintignant. E em R.A.S. (1973), Boisset foi um dos primeiros a tocar no tema ainda sensível da Guerra da Argélia. A extrema-direita não perdoou e as autoridades censuraram várias cenas. Nada mal para um cinema que “não tem nada a relatar” (como ironizava o título original).

Mas nem tudo foi polémica política. Boisset também venceu… Hollywood! Em 1983, lançou Le prix du danger (O Preço do Escândalo), um thriller distópico sobre um jogo televisivo onde pessoas comuns lutam até à morte. Soa familiar? Pois, o senhor Arnold Schwarzenegger e a 20th Century Fox acharam que era uma boa ideia fazer The Running Man (O Gladiador, 1987) — e Boisset ganhou um processo por plágio. Touché.

🎥 Entre espiões, guerra e televisão

Boisset não parou nos anos 80, onde dirigiu nomes como Lino Ventura (O Regresso do Espião), Lee Marvin (Ventos de Violência) e Lambert Wilson (Bleu comme l’enfer). E ainda encontrou tempo para um raro momento de delicadeza com Um Táxi Cor de Malva (1977), com Philippe Noiret e Charlotte Rampling.

Cansado dos constantes entraves no cinema, virou-se para a televisão nos anos 90, mas sem abdicar do olhar crítico. Destaque para L’Affaire Seznec, L’Affaire Dreyfus e Le Pantalon, que mostravam o mesmo compromisso social com outros meios.

📚 “A vida é uma escolha”

Assim se chamava a autobiografia que lançou em 2011 — La vie est un choix. Um título que diz tudo sobre quem foi Yves Boisset: um homem que escolheu o cinema como campo de batalha, mas também como espelho desconfortável da sociedade.

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Nunca foi o favorito da crítica mais conservadora, nunca foi simpático para os poderes instituídos, e provavelmente é por isso que hoje vale a pena lembrar o seu nome. Yves Boisset não fazia filmes para nos adormecer — fazia filmes para nos acordar.

“Isto Acaba Aqui”: o drama romântico que está a dar que falar estreia nos TVCine

🎬 Blake Lively, neurocirurgiões abusivos, traumas do passado e um ex-namorado que aparece do nada: sim, é oficial, “Isto Acaba Aqui” chega à televisão portuguesa no dia 4 de abril, às 21h30, em exclusivo no TVCine Top e no TVCine+.

Baseado no bestseller homónimo de Colleen Hoover, o fenómeno literário que invadiu prateleiras e TikToks, “Isto Acaba Aqui” é muito mais do que um romance tórrido entre bonitos de olhos azuis: é um retrato sensível e honesto sobre violência doméstica, trauma geracional e a dolorosa coragem necessária para quebrar ciclos tóxicos.

Um triângulo que nos faz suar (e pensar)

Blake Lively dá vida a Lily Bloom, uma jovem determinada a recomeçar a vida em Boston e abrir a sua própria florista. Um encontro inesperado com Ryle Kincaid (interpretado por Justin Baldoni), um neurocirurgião aparentemente perfeito, dá início a um romance intenso. Mas nem tudo são flores (mesmo com uma florista à mistura): o passado sombrio de Ryle começa a vir ao de cima e Lily vê-se confrontada com padrões que a remetem à sua própria infância.

E como se não bastasse esse dilema, Atlas Corrigan, o primeiro amor da protagonista, reaparece – e Lily terá de tomar uma decisão que poderá mudar o rumo da sua vida. Como diz o slogan do filme: “Ou quebramos o padrão, ou o padrão quebra-nos”.

Um filme que chega à televisão… depois do drama fora do ecrã

O que também não passou despercebido foi o alegado conflito nos bastidores entre os dois protagonistas, Blake Lively e Justin Baldoni, que deram pano para mangas nas redes sociais e nas revistas do costume. Curiosamente, esse drama nos bastidores acabou por contribuir para o buzz do filme, que já era um sucesso de bilheteira antes sequer de chegar à televisão.

Realizado pelo próprio Justin Baldoni (sim, o Ryle do filme), “Isto Acaba Aqui” conta ainda com Jenny Slate, Hasan Minhaj e Brandon Sklenar no elenco. A adaptação é o primeiro passo da autora Colleen Hoover para o cinema, e ao que tudo indica, não será o último.

Porque vale a pena ver?

• Porque fala, sem paninhos quentes, de temas sérios e actuais, como a violência no namoro e os efeitos dos traumas de infância.

• Porque Blake Lively brilha num dos papéis mais desafiantes da sua carreira.

• Porque apesar do drama, o filme é envolvente, visualmente cuidado e emocionalmente intenso.

• E porque, sejamos sinceros, quem não gosta de um bom triângulo amoroso com dilemas morais à mistura?

📺 Marque na agenda: 4 de abril, sexta-feira, às 21h30 no TVCine Top e no TVCine+. Traga os lenços de papel e prepare-se para uma noite de emoções fortes.

🎬 A Working Man Chega, Vê e Vence: Jason Statham Dá Tareia à Branca de Neve nas Bilheteiras

🎬 A Working Man Chega, Vê e Vence: Jason Statham Dá Tareia à Branca de Neve nas Bilheteiras

A Disney já deve estar a preparar a maçã envenenada para outro, porque o conto de fadas que era o novo Snow Whitevirou rapidamente um pesadelo nas bilheteiras. Quem se riu por último foi Jason Statham com A Working Man, que deu um murro bem aplicado no box office e conquistou o primeiro lugar com um arranque de 15,2 milhões de dólares em 3.262 salas de cinema.

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A surpresa foi geral: as previsões colocavam o novo filme da Amazon MGM entre os 10 e 12 milhões, mas o ex-Beekeeper provou que ainda tem muito gás. E, ironicamente, fez quase o mesmo que o seu filme anterior (The Beekeeper, em Janeiro de 2024) que abriu com 16 milhões e acabou com uns robustos 66 milhões nos EUA e mais de 162 milhões a nível mundial.

Enquanto isso, Snow White (a tal nova versão com Rachel Zegler, que já andava a dar que falar pelas polémicas à volta da produção) despencou com estrondo. Caiu uns dolorosos 66% face à estreia e terminou o segundo fim de semana com 14,2 milhões. Ao fim de duas semanas, o remake acumula 66,8 milhões nos EUA e 143,1 milhões no total mundial. Nada animador para um filme que custou mais de 250 milhões e precisava de conquistar todos os quadrantes possíveis.

🪓 Statham 1 – Disney 0

Ainda que A Working Man não esteja a ser particularmente mimado pelos críticos, o público está a responder bem: uma nota B no CinemaScore e 84% de aprovação no PostTrak. É, no fundo, aquilo que já se esperava: uma boa dose de pancadaria, Statham a resolver à moda antiga e uma história de redenção no subúrbio. Mais uma vez, o ator britânico mostra que consegue levar um filme às costas, mesmo quando não há abelhas nem explosões a cada 10 minutos.

A Amazon MGM e a Black Bear estão a contar que este “homem trabalhador” siga um percurso semelhante ao de The Beekeeper e recupere com facilidade o investimento de 40 milhões de dólares. Por enquanto, o início é prometedor.

❄️ A Branca de Neve Perde o Encantamento

Do outro lado, Snow White vai precisando cada vez mais de um milagre (ou de sete anões com experiência em marketing). Com uma estreia fraca e uma queda tão acentuada na segunda semana, torna-se cada vez mais difícil imaginar um final feliz para este remake. O público parece estar dividido entre a nostalgia e a saturação destas reinterpretações live-action que, convenhamos, às vezes só acrescentam filtros de Instagram a clássicos imortais.

🎟️ E o resto da bilheteira?

• Em terceiro lugar ficou The Chosen: Last Supper, da Fathom Events, com 11,4 milhões — uma estreia sólida para um drama religioso em plena época da Páscoa.

• The Woman in the Yard, da Blumhouse, abriu com 9,45 milhões. Com um orçamento de apenas 12 milhões, o filme ainda pode dar lucro… se resistir ao fraco boca-a-boca (tem apenas 41% no Rotten Tomatoes e um C- no CinemaScore).

• Em quinto lugar aparece a sátira sangrenta Death of a Unicorn, da A24, com Paul Rudd e Jenna Ortega, que abriu com 5,8 milhões e críticas divididas. Tem nota de 55% no Rotten Tomatoes e a tarefa difícil de se manter relevante nas próximas semanas.

📉 O estado geral das bilheteiras não é propriamente de euforia. O total estimado do fim de semana nos EUA ficou pelos 80 milhões, o que representa uma quebra de 42% em relação ao mesmo período do ano passado. As contas do primeiro trimestre também vão ficar aquém, com 1,4 mil milhões acumulados — longe do recorde de 2,9 mil milhões de 2017.

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🍿 Em resumo? O público ainda vai ao cinema, mas parece cada vez mais exigente — ou então está só à espera de Deadpool & Wolverine para voltar em força. Até lá, Statham reina e a Disney talvez esteja a pensar duas vezes antes de se meter com princesas “modernas”.

A24 Acerta em Cheio com “Talk to Me”: Terror Australiano Chega à Netflix e Já Tem Continuação Confirmada!

A produtora independente A24 continua a provar que sabe como criar sucessos de bilheteira, especialmente no género do terror. Depois de ter conquistado audiências com filmes como Hereditary e Midsommar, foi com o australiano Talk to Meque conseguiu o seu maior êxito no género — e agora, o fenómeno chegou à Netflix.

Talk to Me estreou nos cinemas em 2023 e rapidamente se tornou num caso sério de sucesso. A premissa é simples, mas viciante: um grupo de adolescentes descobre uma mão embalsamada que lhes permite comunicar com espíritos, mas só durante 90 segundos. Claro que, como qualquer adolescente num filme de terror, alguém decide ignorar essa regra… e o caos instala-se.

Com uma atmosfera intensa, momentos verdadeiramente perturbadores e interpretações de alto nível — em especial de Sophia Wilde, que dá vida à protagonista Mia — o filme arrecadou críticas muito positivas desde a sua estreia. Manteve uma pontuação elevada no Rotten Tomatoes e somou uns impressionantes 91,9 milhões de dólares em receitas mundiais, ultrapassando assim Hereditary (80,9 milhões) como o maior sucesso de terror da A24.

Aliás, Talk to Me não é apenas o filme de terror mais lucrativo da produtora, é também o terceiro título com mais receita da sua história, ficando apenas atrás de Civil War (2024) e do multipremiado Everything Everywhere All at Once (2022).

Com este sucesso, era apenas uma questão de tempo até ser anunciada uma sequela. E assim foi: Talk to Me 2 já está em desenvolvimento, com os irmãos Danny e Michael Philippou de regresso à realização. Ainda não foram revelados detalhes sobre a história, mas o final do primeiro filme deixa várias possibilidades em aberto — incluindo o regresso de Mia como espírito ou a exploração da origem da tal misteriosa mão.

Curiosamente, antes da estreia, os realizadores tinham partilhado online alguns vídeos de curta duração que funcionavam como prequelas da história, centrados na personagem Duckett, vista na cena de abertura. No entanto, devido ao conteúdo violento, os vídeos foram rapidamente retirados das redes sociais.

Agora, com o filme disponível na Netflix, uma nova vaga de espectadores vai poder descobrir este arrepiante (e viciante) fenómeno. Se ainda não viu Talk to Me, prepare-se para 95 minutos de tensão sobrenatural e decisões de adolescentes que o vão fazer gritar “NÃO TOQUES NA MÃO!” mais vezes do que gostaria de admitir.

Se a A24 continuar neste caminho, podemos esperar mais terrores de qualidade nos próximos anos. E sim, já estamos com a mão no ar à espera de Talk to Me 2.

🎭 “Thank You Very Much”: O Documentário Que Tenta Explicar o Inexplicável Andy Kaufman

Andy Kaufman nunca foi um comediante convencional. Foi um provocador, um artista do desconforto, um ovni cómico que preferia deixar o público confuso do que a rir. Ora, quando se anuncia mais um documentário sobre ele, a primeira reacção natural é: “Ainda?”. Afinal, já tivemos o biopic Man on the Moon com Jim Carrey (e o documentário da Netflix Jim & Andy sobre esse mesmo papel!), já tivemos livros, milhões de teorias sobre a sua morte (ou não-morte), e já aceitámos que tentar explicar Kaufman é um exercício de futilidade.

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E no entanto, aqui está Thank You Very Much, que se atira de cabeça ao desafio: encontrar um método no caos, uma lógica no absurdo. O filme de Alex Braverman (filho do produtor do famoso especial de Kaufman no Carnegie Hall) recorre a material inédito, gravações caseiras, chamadas telefónicas (em que Andy admite ter ponderado fingir a própria morte) e uma tonelada de imagens dos seus momentos mais… desconcertantes.

Não faltam clássicos: desde a sua estreia no Saturday Night Live, até ao momento em que interrompe um talk-show para tocar pratos e cantar “You’ll Never Walk Alone”. Sim, tudo autêntico. E, claro, a infame fase de lutador de wrestling misógino, onde desafiava mulheres para o ringue com a graça e subtileza de um troll de fórum online. Provocação pura? Sim. Mas também, talvez, um espelho desconfortável da sociedade.

O documentário tenta montar a peça do puzzle chamada Andy com ajuda de amigos e colegas: Danny DeVito, Marilu Henner, Steve Martin, Laurie Anderson (sim, eram cómplices!) e o inseparável Bob Zmuda. Todos contribuem com memórias e interpretações psicoanalíticas que fariam corar Freud. Spoiler: a morte do avô, que os pais tentaram disfarçar dizendo que ele estava “a viajar”, pode ter marcado para sempre o seu estilo de humor baseado em ausências, rejeições e silêncios constrangedores.

Mas será que Andy Kaufman quereria um documentário reverente sobre si? Provavelmente não. Aliás, metade do tempo parece que o próprio Braverman está a ser manipulado do além. Será que tudo isto é mais uma camada do grande embuste? Um documentário falso a homenagear o maior mentiroso do humor?

Talvez. Ou talvez seja apenas uma carta de amor a um artista que redefiniu o conceito de comédia. Que se vestia de estrangeiro, tocava bongós e desconstruía a própria performance ao vivo. Para os curiosos e para os nostálgicos, Thank You Very Much é uma viagem divertida e por vezes comovente à mente de um génio anarquista.

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Mas há uma pergunta que continua por responder: qual era, afinal, o ponto de tudo isto? Provavelmente, não havia um. E talvez essa seja mesmo a piada final de Andy Kaufman.

Matthew Lillard Vai Voltar a Scream — e Está “Aterrorizado” com a Possibilidade de Estragar Tudo 😱

Depois de anos a alimentar teorias de conspiração dignas do Reddit, o inesperado aconteceu: Matthew Lillard vai mesmo voltar à saga Scream. E ao contrário do seu icónico personagem Stu Macher, que adorava brincar com facas, o ator não está a brincar nem um bocadinho com a responsabilidade de regressar ao universo criado por Wes Craven.

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Durante a sua participação na 90s Con em Hartford, Connecticut, Lillard confessou que está “ligeiramente aterrorizado” com este regresso, que será parte do sétimo filme da saga, com estreia marcada para 27 de fevereiro de 2026.

“Estou muito entusiasmado e ligeiramente aterrorizado. Tudo o que posso fazer é estragar o legado que temos. Posso mesmo ser péssimo. E esse é o meu medo: voltar e manchar algo que era perfeito como estava. Espero não lixar isto para toda a gente.”

Stu Macher está vivo? Bem… parece que sim.

Se estiveres a pensar “mas… o Stu não levou com uma televisão na cara no final do primeiro Scream?”, a resposta oficial era sim. Mas sejamos honestos: se Palpatine sobreviveu a um fosso infinito em Star Wars, e o Jason Voorhees já voltou da morte mais vezes do que conseguimos contar, então um pequeno eletrochoque facial não é nada que o nosso querido Lillard não aguente. 🙃

No final do clássico de 1996, Stu e Billy (Skeet Ulrich) revelam-se como os assassinos mascarados e tentam convencer Sidney (Neve Campbell) de que também são vítimas — até que ela lhes dá a volta com balas, televisões e muito sangue. O resultado? Fim da linha… ou talvez não.

Desde então, Stu Macher tem sido tema recorrente em fóruns e vídeos de teoria no YouTube. A teoria do “Ele sobreviveu!” ganhou força com easter eggs nos filmes mais recentes, e parece que o plano sempre foi… deixar a porta entreaberta.

Regresso recheado de estrelas — mas com ausências notadas

O novo filme de Scream vai contar com um misto de veteranos e caras novas:

• Os regressos confirmados incluem Neve Campbell, Courteney Cox, Skeet Ulrich (sim, Billy Loomis continua a aparecer… tipo alucinação pós-traumática deluxe), e claro, Matthew Lillard.

• Juntam-se ainda Scott Foley, Mason Gooding, Jasmin Savoy Brown, e um leque de estreantes de luxo: Isabel May, Celeste O’Connor, Mckenna Grace, Joel McHale, entre outros.

No entanto, o projeto não está livre de polémicas: Melissa Barrera foi afastada após declarações políticas sobre Gaza, e Jenna Ortega saiu por conflitos de agenda com a série Wednesday. Duas perdas significativas para o fandom, mas que abrem espaço para reviravoltas narrativas.

Terror com nostalgia e autoconsciência: o ADN Scream

A beleza de Scream sempre esteve na sua metalinguagem descarada, em que personagens sabem que estão num filme de terror e ainda assim fazem escolhas estúpidas (ir sozinhos para o porão, por exemplo). Com Lillard de volta ao baralho, é de esperar que este novo capítulo continue a brincar com o legado da saga — talvez até com piadas sobre teorias da conspiração, TVs homicidas e o culto do assassino carismático.

E o melhor? Lillard continua a ser aquele ator que transita perfeitamente entre o terror e o camp. Desde o seu papel em She’s All That, passando por Scooby-Doo, até ao recente sucesso Five Nights at Freddy’s, ele é o tipo que faz parecer plausível alguém voltar dos mortos… com estilo.

Esperamos que ele não lixe isto, mas se lixar… pelo menos vai ser divertido 🔪👻

Matthew Lillard pode estar nervoso, mas o público está em pulgas. O regresso de Stu Macher promete ser tão insano quanto empolgante, e se este sétimo capítulo conseguir manter o equilíbrio entre terror, sátira e nostalgia, temos tudo para estar perante uma das mais inesperadas reinvenções do cinema de terror contemporâneo.

Só esperamos que desta vez não haja mais mortes por televisores voadores… ou então que haja, por que não?

Festival Cinéma du Réel consagra “Little Boy” e deixa Portugal de mãos a abanar — mas com dignidade 🎬🇫🇷

Num universo de 37 filmes a disputar a glória em Paris, foi “Little Boy”, do veterano James Benning, que saiu vitorioso no Cinéma du Réel, o prestigiado festival francês dedicado ao cinema documental. Apesar da forte presença lusófona com duas produções de origem portuguesa, nenhuma trouxe troféu para casa. Mas calma, que o festival foi tudo menos um desperdício.

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A 47.ª edição do evento, que decorreu no mítico Centre Pompidou, continua a ser uma das grandes montras do documentário contemporâneo. E se há coisa que ficou clara nesta edição de 2025, é que o mundo está a ser filmado por todos os ângulos — dos subúrbios de Paris às ruas de Moçambique, das memórias pessoais às cicatrizes globais.

O grande vencedor: um “rapazinho” com muita bagagem

Com uns respeitáveis 82 anos de idade, o realizador norte-americano James Benning levou para casa o Grande Prémio Internacional de Cinema com “Little Boy”, título que alude à bomba atómica lançada sobre Hiroshima — e que, pelas palavras de quem já viu, oferece mais reflexão do que destruição. Benning continua a ser uma força contemplativa no cinema experimental, e este prémio reforça a sua relevância ao fim de cinco décadas de carreira.

Mas não foi só ele a dar nas vistas.

Prémios em dobro e um monólogo colectivo

A categoria principal acabou por distinguir dois outros filmes ex aequo:

• “In the Manner of Smoke”, de Armand Yervant Tufenkian,

• e “Monólogo Colectivo”, de Jessica Sarah Rinland.

E o prémio de melhor filme francês foi para “Lumière de mes yeux”, de Sophie Bredier, uma obra intimista que emocionou o júri. Já na categoria de música original, o galardão foi para Jeff Parker, pela banda sonora de “Evidence”, de Lee Anne Schmitt — jazz sofisticado ao serviço da imagem.

E Portugal? Bem representado, mas sem estatueta 🐓

Maureen Fazendeiro, realizadora francesa radicada em Lisboa (e já com créditos firmados com “A Metamorfose dos Pássaros”), entrou em competição com “Les Habitants”, uma curta luso-francesa sobre tensões e solidariedades nos subúrbios de Paris. Produzida pela Uma Pedra no Sapato, o filme mistura documentário com ficção e colocou a lupa sobre um tema quente: a chegada de uma comunidade cigana a uma vila nos arredores da capital francesa.

Já Ico Costa, que continua a filmar entre África e Portugal, levou a concurso a sua longa-metragem “Balane 3”, um retrato documental da vida quotidiana em Inhambane, Moçambique. Produzida pela Terratreme Filmes, em coprodução com a francesa La Belle Affaire Productions, é um filme sensorial e político que merecia, no mínimo, uma menção honrosa (na nossa modesta opinião).

Os destaques nas curtas — e que nomes!

A secção de curtas-metragens revelou novos talentos e premiou obras com nomes quase poéticos:

• “Selegna Sol”, de Anouk Moyaux

• “Notes of a Crocodile”, de Daphne Xu

• “About the Pink Cocoon”, de Binyu Wang

Sim, é isto que nos encanta no Cinéma du Réel: a diversidade estética, cultural e até linguística. Entre cocons cor-de-rosa e crocodilos de bolso, a criatividade está vivíssima.

Documentar para resistir e imaginar

A edição de 2025 reforçou a vocação política e poética do festival. As obras em competição mostraram que o documentário está longe de ser uma arte “menor” — pelo contrário, é o olho atento do mundo, um espelho (às vezes rachado) que reflete desde as feridas coloniais até os bairros esquecidos, passando pela espiritualidade urbana e o íntimo das famílias.

Portugal não ganhou, mas ficou na fotografia 📸🇵🇹

Mesmo sem prémios, a presença portuguesa voltou a marcar pontos. Produções comprometidas, com voz autoral, e uma crescente reputação no circuito internacional. E isso, convenhamos, também é vitória. E como diz o povo: “o que é nacional é bom” — e, às vezes, vai a Paris e volta com aplausos (mesmo que sem troféu).

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“Percebes” Arrebata o Grande Prémio da Monstra — e Conquista os Corações do Público! 🐚🎬

O Festival de Animação de Lisboa – Monstra celebrou 25 primaveras com pompa, criatividade, muitos bonequinhos em movimento e, claro, uma mariscada emocional. Quem levou para casa o Grande Prémio Vasco Granja – SPA foi a curta-metragem “Percebes”, realizada por Alexandra Ramires e Laura Gonçalves, um filme que está, literalmente, a dar que falar em todo o lado onde passa.

E como se não bastasse o prémio máximo do júri, também o público se rendeu: “Percebes” venceu o prémio de melhor curta na votação dos espectadores. É o raro caso em que o gosto popular e a crítica especializada se sentam lado a lado — e brindam com um copo de vinho branco e um prato de percebes, claro está.

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“Percebes”: um mar de emoções (e prémios)

Esta curta-metragem, que tem vindo a somar distinções cá dentro e lá fora, esteve entre os finalistas na corrida para os Óscares de 2025 e já arrecadou galardões em festivais como Otawa, Bucareste, Melgaço (onde se come bem, diga-se), e no Vistacurta de Viseu. Não é exagero dizer que se tornou num dos filmes portugueses mais celebrados do último ano — e com justiça.

Com uma linguagem visual poética, traço expressivo e um sentido de ritmo apurado, “Percebes” é mais um exemplo do que o cinema de animação português tem para dar. E sim, a dar está ele — e muito.

Outros vencedores que também brilharam

O festival, como sempre, foi um verdadeiro buffet animado de talento. Entre os premiados, destacam-se:

• “Sanatório sob o Signo da Clepsidra”, dos irmãos Quay, venceu o Grande Prémio de Longas – RTP, reforçando a reputação dos mestres da animação artesanal e onírica.

• “Homens Bonitos”, de Nicolas Keppens, arrebatou o Grande Prémio de Curtas – RTP, com uma história que navega entre a insegurança masculina e a solidariedade inesperada.

• Na competição nacional, “Amanhã não dão chuva”, de Maria Trigo Teixeira, recebeu o Prémio Especial do Júri, e “The Hunt”, de Diogo Costa, uma menção honrosa.

• Entre as obras mais curtas (as famosas “Curtíssimas”), “Pratos Vazios”, de Gerser Gelly e Sasha Ramírez, e “Oh”, de Clara Trevisan, Juan Maria León, Nan-Tung Lin e Tata Managadze, levaram os principais troféus.

• Na secção infanto-juvenil Monstrinha, venceu “O Rally do Rumble-Bumble”, e os pequenos grandes jurados também premiaram “TPC – Trabalho de Casa” e “Tabby McTat”.

Homenagens e olhos postos no futuro

Nesta edição redonda, o festival homenageou duas figuras de peso da animação europeia: o estónio Priit Pärn e o português Manuel Matos Barbosa, nome incontornável do CINANIMA e da promoção do cinema de animação em Portugal.

E para quem já está com saudades da Monstra (nós incluímo-nos nesse grupo), a organização já revelou que a Letónia será o país convidado na próxima edição. Alerta para mais animação fora da caixa — e, quem sabe, alguma vodka para brindar 🎉

25 anos a dar vida aos desenhos

Com sessões, oficinas, debates, exposições e masterclasses, a Monstra 2025 espalhou-se por toda Lisboa, com o Cinema São Jorge a ser o centro do furacão criativo. Um verdadeiro festival para quem vê a animação como arte maior — e não apenas como coisa de miúdos.

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Parabéns à equipa da Monstra e a todos os premiados, especialmente às criadoras de “Percebes”, que provaram que há cinema português com garras, talento… e casca!

O Verdadeiro E.T. Vai a Leilão — E o Preço Está Fora Deste Mundo! 👽💸

Preparem os vossos corações cinéfilos (e carteiras recheadas, se as tiverem): um modelo original do E.T. usado no clássico de 1982 realizado por Steven Spielberg está oficialmente à venda… e não é nada barato! A casa de leilões Sotheby’s, em Nova Iorque, lançou o artefacto numa licitação online que promete atrair fãs de todo o mundo — e talvez até de outras galáxias 🌌.

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Um Ícone de Borracha e Magia

Com pouco mais de um metro de altura, o modelo pertenceu à coleção pessoal de Carlo Rambaldi, o lendário mestre dos efeitos especiais práticos que conquistou três Óscares, entre eles precisamente pelo adorável alienígena de olhos doces e dedo brilhante que ensinou o mundo a dizer “E.T. phone home.” 📞

Este modelo específico foi um dos três utilizados nas filmagens principais do filme e é uma verdadeira cápsula do tempo — uma lembrança física de uma era dourada de Hollywood onde os efeitos visuais ainda eram feitos à mão, com látex, fios e muita paciência. Segundo Cassandra Hatton, representante da Sotheby’s, esta peça representa “a arte de uma era passada” e é “uma peça icónica de nostalgia”.

Quanto Custa Um Amigo Intergaláctico?

A estimativa atual ronda os 600.000 a 900.000 dólares (ou seja, entre 550.000 e 830.000 euros). Nada mau para um boneco com vocação para ficar escondido no cesto das bicicletas 🚲👽. Mas atenção: num leilão anterior em 2022, um boneco animatrónico do E.T. atingiu os 2,6 milhões de dólares, o que torna esta versão “estática” quase uma pechincha por comparação (sim, rimo-nos para não chorar).

A venda faz parte de um leilão dedicado ao trabalho de Carlo Rambaldi, que também inclui modelos dos vermes da areia de “Dune”, do filme de David Lynch. Portanto, se E.T. não for a vossa onda, sempre podem tentar levar para casa um bicho gigante do deserto. Cada um com os seus gostos. 🐛

Onde e Quando?

A venda decorre online até ao dia 3 de abril. Quem quiser ter este tesouro em casa (ou escondido na arrecadação, porque é bem grandinho), tem até lá para licitar.

Afinal, quanto vale a infância?

Num tempo em que se digitaliza tudo, em que os efeitos especiais são criados com cliques e algoritmos, ter um pedaço palpável da magia prática de Spielberg e Rambaldi é quase como poder tocar na nossa infância. Ou, vá, pelo menos no nariz luminoso dela.

Se o E.T. vos emocionou — como a muitos de nós — talvez seja reconfortante saber que a sua imagem ainda continua viva, querida… e disputada. Mesmo que a maior parte de nós tenha de se contentar em revê-lo no sofá, com uma mantinha e um pacote de pipocas.

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Morreu Richard Chamberlain, o galã de milhões de lareiras e o eterno padre Ralph de “Os Pássaros Feridos”

É o fim de uma era televisiva: Richard Chamberlain, um dos rostos mais icônicos da televisão norte-americana nas décadas de 60, 70 e 80, morreu no passado sábado, no Havai, aos 90 anos, na véspera do seu 91.º aniversário. Segundo o seu agente, a causa da morte foram complicações de um AVC.

Chamberlain ficou imortalizado como o elegante Dr. Kildare, mas foi como o padre Ralph de Bricassart em “Os Pássaros Feridos” que conquistou os corações (e suspiros) de milhões de espectadores. Um verdadeiro ídolo global, foi alcunhado de “rei das minisséries”, estatuto que consolidou com “Shogun”, “Centennial” e a já mencionada adaptação do romance de Colleen McCullough, uma saga romântica que ainda hoje faz correr lágrimas nos ecrãs de televisão por todo o mundo.

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O ator, nascido George Richard Chamberlain em 1934, em Beverly Hills, tinha inicialmente ambições artísticas nas artes plásticas, mas acabou rendido ao palco depois de regressar do serviço militar na Guerra da Coreia. E ainda bem: com um charme inato, olhar penetrante e voz aveludada, não tardou a conquistar os estúdios de Hollywood.

(Original Caption) Richard Chamberlain, Actor, as he appears in the television series Dr. Kildare.

“Dr. Kildare” (1961–1966) foi o seu bilhete dourado. A personagem do jovem médico idealista tornou-se um fenómeno cultural e sexual, com multidões de fãs — sobretudo femininas — a suspirar pelos seus olhos azuis e bata branca. Entre 1963 e 1965 foi eleito três vezes consecutivas pela revista Photoplay como a estrela masculina mais popular da América.

A sua carreira não se ficou pela televisão. No cinema, brilhou em produções como “A Torre do Inferno”, “Os Três Mosqueteiros”, “A Louca de Chaillot” e “Os Amantes da Música”, onde interpretou o compositor Tchaikovsky.

Mas foi com as minisséries — um gênero quase extinto — que se tornou figura de culto. “Shogun” (1980), passada no Japão feudal, foi uma superprodução que lhe valeu um Globo de Ouro e consagrou a sua versatilidade. Três anos depois, com “Os Pássaros Feridos” (1983), entrou no imaginário coletivo como o padre católico dividido entre a fé e o desejo proibido por Meggie Cleary (Rachel Ward). O drama foi visto por mais de 100 milhões de pessoas.

Com o declínio do formato, Chamberlain regressou ao teatro, onde se destacou em “My Fair Lady” e “The Sound of Music”, revelando uma potente voz de tenor.

Nos anos 2000, voltou esporadicamente ao ecrã com participações em séries como “Will & Grace”, “The Drew Carey Show” e “Touched by an Angel”.

Discreto quanto à sua vida pessoal, Richard Chamberlain assumiu publicamente a sua homossexualidade apenas em 2003, aos 69 anos, desafiando o estigma que durante décadas toldou a sua liberdade de expressão pessoal. Um gesto de coragem que cimentou ainda mais o seu legado.

A morte de Richard Chamberlain deixa um vazio em todos os que cresceram ao som das suas músicas, dos seus romances proibidos e dos dramas intensos que protagonizou com elegância clássica. Com três Globos de Ouro e uma carreira marcada por dignidade, talento e uma beleza que atravessou gerações, foi muito mais do que um galão. Foi um ator completo.

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Descanse em paz, Padre Ralph. Nunca nos esqueceremos dos “olhos que sorriam com tristeza”.

Ridley Scott troca o Coliseu por… banda desenhada! Bem-vindos ao estranho mundo de Modville

🎬🦾 Se achavas que já tinhas visto tudo de Ridley Scott — de romanos ensanguentados a replicantes existenciais, passando por alienígenas com muito mau feitio — prepara-te: o mestre do épico cinematográfico está agora a criar… novelas gráficas! E não, Modville não é o novo spin-off de Blade Runner, apesar das semelhanças tentadoras.

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O anúncio foi feito na WonderCon 2025, em Anaheim, onde a editora Mechanical Cake revelou que Modville será lançada com pompa e circunstância via Kickstarter, numa luxuosa edição de capa dura. E sim, Scott está envolvido até aos circuitos na criação deste universo distópico passado em 2169 — mas atenção, ele próprio garante: isto não é cinema, é banda desenhada mesmo.

Onde estamos? Nova Orleães. Quando? 2169. Quem? Andróides com cabelo e dentes humanos 😬

O projeto, criado por Jesse Negron, leva-nos até Modville, um bairro sombrio de Nova Orleães habitado por “mods” — Humanos Artificiais com aspeto indistinguível de um humano real. Sim, têm pele, dentes, cabelo… tudo. Tudo exceto alma, talvez?

Mas não estamos a seguir o percurso cliché dos “robôs que querem sentir”. A história foca-se em Hawthorne, um humano com stress pós-traumático que trabalha a reviver memórias alheias — de assassinos e vítimas, veja-se bem — graças a uma tecnologia um tanto ou quanto invasiva. A ele junta-se Ema, uma mod adolescente com seis dias de memórias apagadas. Mistério? Check. Misticismo? Também. Paranoia futurista? Tudo a postos.

Blade Runner? Nem pensar, diz Negron.

Apesar das parecenças óbvias — andróides, identidade, futuro sombrio — Negron insiste que isto não tem nada a ver com o universo de Roy Batty e companhia. E acredita-se: aqui há uma energia mais próxima do gótico sulista, com Nova Orleães como palco e uma vibe que mistura ficção científica com uma certa melancolia noir.

Aliás, o ano escolhido, 2169, não foi ao calhas: segundo os criadores, haverá uma “moda retro dos anos 50” a começar em 2150, que depois descamba para o apocalipse moral e social. Tudo muito animador, portanto.

Oito volumes, uma mota problemática e… sem filme à vista!

Está planeada uma série de oito livros, com cerca de 200 páginas cada, e o primeiro já está pronto. Para promover Modville, Negron até construiu uma mota eletromagnética, que acabou por lhe render duas multas por estacionamento em Los Angeles… apesar de ser só um adereço! “Foi multado porque não registámos a mota — que nem funciona!”, disse, entre risos.

E se te estás a perguntar: Mas Ridley Scott vai fazer disto um filme? A resposta é clara como uma manhã em Marte: não.Pelo menos, para já. Os criadores querem que a história viva como novela gráfica — crua, direta, visualmente ousada e sem compromissos hollywoodianos.

Uma WonderCon recheada de novidades e cosplays

A revelação de Modville foi só uma das muitas cerejas em cima do bolo nerd desta WonderCon, que serviu de aquecimento para a Comic-Con de San Diego. Por lá falou-se de Star Wars, da terceira temporada de Invincible, de novos projetos de “O Senhor dos Anéis”, e ainda houve espaço para a 11.ª edição da Women Rocking Hollywood, dedicada à representação feminina na indústria.

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E nós? Já estamos a contar os dias para mergulhar neste novo universo distópico com o selo de qualidade Scott. Se há coisa que sabemos, é que quando Ridley Scott se mete numa coisa, raramente é aborrecida.

Stephen Graham e a lição mais valiosa de Hollywood: “É bonito ser bonito”

🎥 Quando pensamos em histórias de ascensão em Hollywood, geralmente imaginamos um casting meticulosamente preparado, uma lista de agentes ao telefone e audições de cortar a respiração. Mas Stephen Graham? Ele tropeçou literalmente num dos papéis mais icónicos da sua carreira… por engano.

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Tudo começou com Snatch – Porcos e Diamantes, de Guy Ritchie. Graham nem sequer ia a audição. Estava só a acompanhar um amigo, como quem vai só ver se a fila anda depressa. Mas o realizador olhou para ele e disse, com aquele charme tipicamente britânico: “Queres tentar também?” Resultado? “Começas na segunda-feira.” Sim, foi assim simples.

E foi nesse set que conheceu Brad Pitt, que, em vez de se refugiar numa caravana cheia de toalhas egípcias e smoothies orgânicos, estava sentado no chão. Pitt olhou para o jovem Graham e perguntou, com um sorriso que provavelmente poderia vender seguros de vida:

“Como estás? Isto é divertido, não é?”

Mas não ficou por aí. Pitt largou uma daquelas frases que mudam uma carreira:

“Tens muitas personagens dentro de ti. Consigo ver isso.”

📽️ Desde então, os dois mantêm uma amizade sólida – o tipo de coisa rara em Hollywood, onde as amizades duram menos que um contrato de streaming gratuito.

Mas Stephen Graham não ficou por aí. Pelo caminho, cruzou-se com nomes como Leonardo DiCaprio, durante Gangs of New York, e Al Pacino, em The Irishman. E o que é que estes ícones têm em comum? Surpresa: zero ego. Nada de exigências ridículas ou exigência de baldes de Skittles por cor. Pelo contrário, receberam-no como igual, trocaram ideias sobre a vida, o ofício de representar e até a sociedade.

E é aí que Graham revela o verdadeiro segredo da sua longevidade na indústria: ser humano antes de ser estrela. Ele lembra-se das palavras da mãe (e aqui vai uma salva de palmas para as mães sábias):

“Maneiras não custam nada. É bonito ser bonito.”

Uma frase que podia muito bem ser o slogan do próximo Oscar, não achas?

Hoje, com uma carreira recheada de papéis intensos, colaborações com os maiores nomes do cinema e um estatuto de “ator dos atores”, Graham continua a guiar-se por aquela máxima simples: respeito, humildade e autenticidade.

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E no meio de uma indústria onde o brilho dos holofotes pode cegar até o mais talentoso, talvez o maior ensinamento seja mesmo este: o verdadeiro talento brilha mais quando vem acompanhado de empatia.

🎬 Helen Mirren Contra a 007 Feminina: “James Bond É Um Produto de Profundo Sexismo”

Num momento em que Hollywood continua a repensar as suas franquias mais icónicas à luz de uma nova sensibilidade social, Helen Mirren surge com uma opinião firme — e nada consensual — sobre o legado de James Bond.

Em entrevista ao The Standard, a atriz britânica, que se prepara para voltar a contracenar com Pierce Brosnan em MobLand, afirmou ser contra a ideia de transformar o agente secreto mais famoso do cinema numa mulher. Não por falta de feminismo — bem pelo contrário.

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“O conceito de James Bond é encharcado e nasce de um profundo sexismo”, declarou Mirren com a franqueza que a caracteriza.

🤵‍♂️ Um ícone problemático?

Apesar de elogiar generosamente os seus colegas de profissão, incluindo Brosnan, de quem se diz “uma enorme fã”, e Daniel Craig, que classifica como “um homem gracioso e amável”, Mirren não poupa críticas à franquia que eles ajudaram a imortalizar:

“Nunca gostei de James Bond. Nunca gostei da forma como as mulheres eram tratadas nesses filmes”, afirmou.

De facto, durante grande parte das suas seis décadas de existência, a saga do agente 007 foi marcada por uma imagem de masculinidade hegemónica e um tratamento superficial ou hipersexualizado das personagens femininas. Embora Craig tenha contribuído para uma versão mais introspectiva e emocionalmente complexa do espião, a própria natureza da personagem — um homem sedutor, impiedoso e quase sempre no centro do universo — permanece enraizada num arquétipo masculino tradicional.

👩‍🎤 Uma mulher Bond? Não, diz Mirren

Num tom surpreendente, a atriz revelou que não está de acordo com a proposta de criar uma versão feminina de James Bond, apesar de ser uma das mais respeitadas defensoras da visibilidade feminina no cinema:

“Prefiro ver histórias reais de mulheres que trabalharam como espiãs. Mulheres que existiram e foram incrivelmente corajosas, como as da Resistência Francesa. São essas histórias que deviam ser contadas.”

Mirren não vê numa 007 feminina uma vitória simbólica para as mulheres, mas antes uma forma de reciclar uma estrutura problemática com um verniz progressista. Para a veterana atriz, a solução não está em ocupar lugares desenhados para homens, mas em construir novos espaços narrativos com base na verdade e na autenticidade histórica.

🎥 A identidade de Bond: recomeçar ou reinventar?

Estas declarações surgem numa altura de incerteza sobre o futuro da franquia Bond. Após a saída de Daniel Craig em No Time to Die, os estúdios Amazon MGM assumiram o controlo criativo numa transação avaliada em mil milhões de dólares, prometendo “repensar o futuro da saga”.

Produtores como Amy Pascal e David Heyman foram anunciados como os novos rostos da liderança criativa da série, mas o novo ator (ou atriz?) para o papel continua por confirmar. As especulações têm sido muitas: de Idris Elba a Aaron Taylor-Johnson, passando por nomes femininos como Lashana Lynch, que chegou a interpretar uma agente com o código 007 no último filme da saga.

Será que o futuro de Bond passará por uma reinvenção total? Ou será que, como sugere Mirren, o melhor caminho é deixar morrer o passado — e contar novas histórias sobre heroínas reais e inspiradoras?

A posição de Helen Mirren pode parecer conservadora à primeira vista, mas talvez seja o contrário. Ao rejeitar a ideia de uma “Bond mulher”, não está a defender o status quo — está a exigir mais ambição narrativa para as personagens femininas. Em vez de adaptar um molde masculino, propõe que se criem novas mitologias protagonizadas por mulheres, inspiradas em histórias reais de coragem, inteligência e ação.

É uma crítica ao gesto simbólico fácil — aquele que pinta uma personagem masculina com tons femininos apenas para cumprir uma quota — sem questionar verdadeiramente as estruturas de poder e representação que sustentam essas narrativas há décadas.

E isso, diga-se, é uma verdadeira chamada à ação para os argumentistas e produtores do presente.

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💥 Arianna Rivas e Jason Statham Lado a Lado em A Working Man: “Senti-me Libertada”

Num género muitas vezes dominado por protagonistas masculinos, A Working Man chega para abanar as convenções dos filmes de ação. E se Jason Statham continua a ser o rosto impassível da vingança implacável, Arianna Rivas é a revelação que rouba os holofotes — punho cerrado, algemas nos pulsos e a ferocidade de quem recusa ser uma vítima.

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“Senti-me libertada. Senti-me poderosa, senti-me forte, senti-me radiante”, declarou Rivas à Variety, sobre o momento em que combate lado a lado com Statham na reta final do filme.

Realizado por David Ayer e coescrito por Sylvester Stallone, A Working Man é mais do que outro thriller testosterónico. Aqui, a suposta “donzela em perigo” transforma-se numa guerreira decidida, mesmo quando o plano de filmagens muda em cima da hora.

🛠️ Statham em modo martelo, Rivas como lâmina afiada

No filme, Levon Cade (Statham) é um ex-militar que troca o campo de batalha por uma vida pacata na construção civil. Mas quando Jenny (Rivas), a filha adolescente do seu chefe, é raptada por uma rede de tráfico humano, Levon regressa ao campo de batalha — agora urbano.

O que ninguém esperava era que a jovem Jenny recusasse ficar no papel de espectadora: no clímax, Rivas e Statham combatem juntos, com sangue, suor e cumplicidade.

“Eles olham um para o outro e é como se dissessem: ‘Não foste só tu a proteger-me. Eu também te protegi a ti’”, revela Eddie J. Fernandez, coordenador de duplos e também ator no filme.

🎬 Uma revelação em ascensão

Apesar de jovem, Rivas entrou no projeto com uma mentalidade determinada. Fã de clássicos de ação, não hesitou quando viu o nome de Stallone no e-mail: “Foi como um sinal. Sempre adorei a história dele com o Rocky — se ele conseguiu, eu também consigo”.

O resultado? Quatro meses intensivos de treino físico, coreografias e quedas, sempre com antecedência nos ensaios. Fernandez destaca: “Ela é bonita, talentosa, jovem e destemida. Dizia-lhe para estar no ginásio a uma hora e ela já lá estava a aquecer antes do tempo.”

🔥 Técnica, emoção… e improviso

Curiosamente, a sequência mais marcante de Rivas no filme quase não existia da forma como a vemos. Por limitações no calendário de filmagens, a produção teve de reinventar o confronto final entre Jenny e a vilã Artemis (Eve Mauro), onde Rivas combate de mãos algemadas acima da cabeça.

“Foi a cena mais difícil. Sentia-me uma peixe fora de água. Tínhamos ensaiado uma luta durante quatro meses… e no fim mudámos tudo em 24 horas. Mas foi incrível quando conseguimos”, partilhou a atriz.

Ainda assim, o momento sobreviveu graças à química entre os dois protagonistas e à emoção crua que transparece no ecrã. “Estavam os dois exaustos, mas davam tudo. Foi mágico vê-los olhar um para o outro naquela cena”, acrescenta Fernandez.

👊 Representação feminina que não precisa de permissão

O mais importante? Rivas não está ali para ser salva. Está ali para salvar. Para lutar. Para marcar a diferença.

“Só ver o Jason lançar um murro já era uma aula de representação”, admite a atriz. “Como é que se faz parecer forte sem realmente magoar alguém? Onde é que está o peso? Fiquei fascinada.”

Essa curiosidade e entrega refletem-se numa performance que não só desafia as normas dos filmes de ação, mas também aponta para um futuro onde as mulheres não são apenas secundárias — são parte essencial da pancadaria, da narrativa e da vitória.

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👻 “The Woman in the Yard”: A Nova Aposta de Terror da Blumhouse Que Pode Salvar 2025

Depois do tropeço com Wolf Man, a Blumhouse pode finalmente ter encontrado o seu primeiro sucesso de bilheteira do ano com The Woman in the Yard, o novo filme de terror psicológico que já começou a destacar-se nas bilheteiras norte-americanas.

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Com um orçamento contido e uma história arrepiante que mistura luto, alucinação e ameaça sobrenatural, este novo título poderá reverter a má sorte do estúdio — e devolver-lhe o trono do horror de baixo custo com grande impacto.

🕯️ Sinopse: O terror instala-se… no jardim

Realizado por Jaume Collet-Serra (Orphan, House of Wax, e mais recentemente Carry-On), The Woman in the Yardsegue a história de Ramona, interpretada por Danielle Deadwyler, uma mulher que ainda está a recuperar de um grave acidente de viação que vitimou o seu marido.

A sua frágil estabilidade emocional é abalada pela súbita aparição de uma estranha figura feminina vestida de preto que se instala no jardim da sua casa e anuncia de forma enigmática: “Hoje é o dia.”

A partir desse momento, o quotidiano de Ramona transforma-se num pesadelo de dúvida, paranóia e ameaça, com a narrativa a explorar com inteligência os limites entre o trauma psicológico e o terror sobrenatural.

🎬 Um arranque promissor (e potencialmente lucrativo)

De acordo com os primeiros dados da bilheteira, The Woman in the Yard arrecadou cerca de 9 milhões de dólares no seu fim de semana de estreia nos EUA, o que representa um início encorajador — sobretudo tendo em conta o orçamento de apenas 12 milhões.

O filme estreou na mesma semana de títulos como A Working Man (15.6 milhões), Snow White (13.7 milhões, segunda semana), e The Chosen: Last Supper Part 1 (12 milhões), e conseguiu posicionar-se em quarto lugar no top norte-americano, o que é notável dado o peso promocional dos concorrentes.

🧛‍♂️ Um contraste com o falhanço de Wolf Man

Este sucesso discreto surge depois de Wolf Man, uma ambiciosa reinterpretação moderna do monstro da Universal realizada por Leigh Whannell, ter falhado redondamente. Apesar de um orçamento de 25 milhões, o filme só arrecadou 34.9 milhões globalmente — e sofreu uma queda de audiência de 70% na segunda semana, sinal de má recepção por parte do público.

The Woman in the Yard, com custos mais controlados e melhores reações iniciais, não precisa de tanto para ser considerada um sucesso. Se conseguir ultrapassar a marca dos 30 milhões nas próximas semanas — o valor que garantiria rentabilidade — poderá dar à Blumhouse o seu primeiro “hit” do ano.

💡 Terror eficaz, orçamento enxuto: a fórmula Blumhouse

Desde o fenómeno Paranormal Activity, que rendeu mais de 890 milhões com orçamentos irrisórios, a Blumhouse tornou-se sinónimo de terror inteligente e financeiramente sustentável. Casos recentes como M3GAN (181M contra 12M), Get Out (Óscar de Melhor Argumento Original), e Five Nights at Freddy’s (297M contra 20M), mostraram que o estúdio sabe como transformar medo em milhões.

Ainda é cedo para dizer se The Woman in the Yard atingirá esse patamar, mas tudo indica que estamos perante um regresso à boa forma, depois do tropeço inicial com Wolf Man.

🔮 Expectativas para o futuro

O que The Woman in the Yard representa vai além de números: é a validação de que o terror psicológico intimista ainda tem um enorme apelo junto do público — especialmente quando equilibrado com boas interpretações e uma atmosfera claustrofóbica bem trabalhada.

Danielle Deadwyler, que já se tinha destacado em Till e The Harder They Fall, é aqui uma protagonista intensa e vulnerável, o que ajuda a elevar a tensão emocional do filme.

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Com um segundo fim de semana decisivo a aproximar-se, e com a crítica a dar sinais positivos, The Woman in the Yardpoderá muito bem tornar-se um dos grandes sleeper hits de 2025.