A Obra-Prima de Ficção Científica “Esquecida” da Netflix Que Merece Ser Descoberta Oats Studios  é um diamante escondido do hard sci-fi — e está à espera de ser visto

Entre tantas produções originais de ficção científica que ajudaram a definir a identidade da Netflix nos últimos anos, há uma série que passou quase despercebida, mas que merece um lugar de destaque ao lado de títulos como Love, Death & Robots ou Dark. Falamos de Oats Studios, uma antologia de hard sci-fi intensa, adulta e visualmente impressionante, criada por Neill Blomkamp, o cineasta por detrás de District 9.

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Disponível na Netflix, Oats Studios é uma experiência que não facilita, não explica em excesso e não suaviza o impacto das suas ideias. Pelo contrário: aposta num registo cru, violento e profundamente pessimista sobre o futuro da Humanidade, assumindo-se como ficção científica “a sério”, mais próxima da literatura do género do que do entretenimento familiar.

Episódios que não pedem licença ao espectador

Desde o primeiro episódio, Rakka, a série deixa claro ao que vem. A história decorre numa Terra devastada por uma invasão alienígena de origem reptiliana, que quase extinguiu a Humanidade. Não há heróis clássicos, nem esperança fácil — apenas sobrevivência, brutalidade e um mundo que já perdeu qualquer traço de normalidade.

Outro episódio frequentemente citado como favorito dos fãs é Firebase, uma fusão inesperada entre ficção científica e a Guerra do Vietname. A ideia é tão forte que muitos espectadores defendem que o conceito daria, sem esforço, um filme de longa-metragem. É aqui que Oats Studios se distancia claramente de outras antologias: cada episódio parece um piloto de algo maior, um universo que poderia ser explorado durante horas.

Porque passou despercebida?

Apesar da ambição criativa e da assinatura de Blomkamp, Oats Studios nunca recebeu da Netflix a promoção atribuída a séries como Stranger Things ou Love, Death & Robots. O resultado foi previsível: a série ficou fora do radar do grande público e praticamente ignorada pela crítica.

No Rotten Tomatoes, a série nem sequer reúne críticas suficientes para gerar uma média sólida, contando sobretudo com avaliações de utilizadores — pouco mais de algumas dezenas — o que torna a sua classificação de 51% claramente enganadora e pouco representativa.

A ausência de marketing levantou, desde cedo, suspeitas entre os fãs. Muitos acreditam que Oats Studios foi pensada como o primeiro volume de uma antologia contínua. Essa teoria ganha força quando se observa o cartaz oficial da série no IMDb, onde surge claramente a designação “Volume One”. Até hoje, no entanto, um segundo volume permanece tão ausente quanto o planeta Terra retratado em Rakka.

Uma série à frente do seu tempo?

Talvez o maior problema de Oats Studios seja precisamente aquilo que a torna especial: não tenta agradar a todos. É violenta, sombria, desconfortável e conceptualmente exigente. Não explica tudo, não fecha todas as pontas soltas e confia plenamente na inteligência do espectador. Num catálogo cada vez mais dominado por conteúdos “algorítmicos”, esta abordagem pode ter sido a sua sentença… pelo menos por agora.

Ainda assim, como tantas obras antes dela, Oats Studios pode acabar por encontrar o seu público com o tempo. E se isso acontecer, talvez a Netflix decida dar uma nova oportunidade a este universo cruel, fascinante e visualmente arrebatador.

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Para quem procura ficção científica sem concessões, Oats Studios continua ali, discreta no catálogo, pronta a provar que algumas das melhores séries não são as mais faladas — são as que deixam marca.

Emma Thompson revela o paradoxo de Alan Rickman: o vilão que só queria ser herói


Um actor eternizado pelos maus da fita, mas cansado de viver na sombra dos vilões

Durante décadas, Alan Rickman foi um dos grandes mestres do vilão carismático no cinema. A sua voz grave, o olhar irónico e a presença imponente tornaram-no inesquecível sempre que surgia do lado “errado” da história. No entanto, segundo Emma Thompson, essa imagem pública acabou por se tornar um peso inesperado na carreira do actor.

Numa entrevista à GQ, Emma Thompson recordou o entusiasmo quase juvenil de Rickman quando interpretou o Coronel Brandon em Sentido e Sensibilidade. Para o actor, aquele papel representava algo raro: a oportunidade de ser visto como alguém nobre, gentil e emocionalmente contido — longe da galeria de vilões que o público parecia exigir dele.

“Ele estava tão feliz por interpretar alguém heróico e bom”, contou Thompson. “Estava farto de as pessoas quererem sempre que fosse o Xerife de Nottingham.”

O vilão perfeito… em demasia

A ironia é que um dos papéis que mais contribuiu para esse rótulo foi também um dos mais celebrados da sua carreira. Em Robin Hood: Príncipe dos Ladrões, Rickman transformou o Xerife de Nottingham numa figura absolutamente delirante, roubando cada cena a Kevin Costner com sarcasmo, crueldade exagerada e frases que entraram directamente para a história do cinema popular.

A interpretação foi tão marcante — incluindo a famosa ameaça de arrancar o coração “com uma colher” — que lhe valeu uma nomeação para os BAFTA. Mas o sucesso teve um efeito colateral: Hollywood passou a vê-lo sobretudo como o vilão ideal.

Esse estatuto consolidou-se ainda mais com Hans Gruber em Die Hard e, mais tarde, com Severus Snape na saga Harry Potter. Personagens icónicas, complexas e amadas pelo público — mas que reforçaram a ideia de que Rickman “pertencia” ao lado negro da força.

Quando Alan Rickman era o coração da história

O que muitos esquecem é que algumas das suas interpretações mais belas surgiram precisamente quando fazia o oposto. Para lá do contido e melancólico Coronel Brandon, Rickman emocionou profundamente em Truly, Madly, Deeply, como o namorado que regressa do além para ajudar a mulher a lidar com o luto.

Em Dogma, de Kevin Smith, deu vida ao anjo Metatron com uma mistura perfeita de solenidade e humor, enquanto em Galaxy Quest criou uma das personagens mais queridas da sua carreira: Alexander Dane, também conhecido como Dr. Lazarus — um actor shakespeariano preso num papel de ficção científica que detesta… até aprender a aceitá-lo.

Um legado que vai muito além do bem e do mal

No final, o público pode ter acorrido em massa para ver Alan Rickman como vilão, mas a verdade é simples: fosse herói ou antagonista, estava sempre garantida uma grande interpretação. Rickman tinha o raro talento de elevar qualquer personagem, mesmo as mais caricatas, a um nível de humanidade e complexidade pouco comum.

Talvez por isso a sua frustração seja tão reveladora. Não por rejeitar os vilões — muitos deles brilhantes —, mas por querer ser lembrado também pelo outro lado: o da empatia, da bondade e da vulnerabilidade. Um desejo legítimo para um actor que nunca foi apenas “o mau da fita”, mas um dos intérpretes mais completos e respeitados da sua geração.

Helen Mirren aos 80: a resposta direta e sem filtros aos “tech bros” obcecados com a juventude eterna

A actriz britânica rejeita a fantasia da imortalidade tecnológica e lembra que envelhecer não é perder — é crescer

Aos 80 anos, Helen Mirren continua a ser uma das vozes mais lúcidas — e implacavelmente honestas — de Hollywood. Numa entrevista recente à revista Elle, a actriz deixou uma mensagem clara para os chamados “tech bros”, figuras influentes do sector tecnológico obcecadas com a ideia de prolongar a vida indefinidamente ou, melhor ainda, derrotar o envelhecimento: isso não passa de uma fantasia infantil.

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Para Mirren, a obsessão com a longevidade biológica ignora aquilo que realmente importa. “Para mim, a palavra longevidade significa ser activo, proactivo e produtivo ao longo de um longo período da vida”, explicou. Viver, diz a actriz, não é acumular anos, mas desfrutar da fisicalidade da existência: a beleza da natureza, o entusiasmo do sucesso profissional — quando existe —, a família, os filhos, as pequenas experiências quotidianas que dão sentido ao tempo.

Envelhecer não é perder tempo — é aprender a viver

Na sua leitura profundamente pragmática, a verdadeira longevidade está em “contribuir de tantas formas diferentes quanto possível, durante o maior tempo possível”. O problema, acrescenta, é que a tentativa de “hackear” o envelhecimento acaba por se tornar uma distracção perigosa: enquanto se luta contra o inevitável, perde-se a oportunidade de viver plenamente.

Mirren não poupa ironia quando fala da indústria tecnológica e da sua relação com a morte. “A vida é finita. Não há como lutar contra isso — por mais que algumas pessoas se coloquem no gelo, a sonhar que acordam daqui a 50 anos. É um sonho, uma fantasia. Acho tudo isto muito estranho”, afirmou. Para a actriz, envelhecer não é “ficar velho”, mas sim “crescer”. E quem não consegue aceitar a própria finitude, diz ela, simplesmente ainda não cresceu.

Uma filosofia coerente, dentro e fora do ecrã

Esta não é, de resto, uma posição nova na carreira de Helen Mirren. Em Outubro, numa conversa com a revista Allure, a actriz declarou amar “tudo” no processo de envelhecer. Sem filtros, resumiu a sua visão da vida com uma lista simples e reveladora: estar viva, continuar a trabalhar, beber um copo de vinho, usar maquilhagem, ouvir música, ver um pôr-do-sol, ir ao teatro, ver filmes, fazer maratonas de séries e, sobretudo, viver. “É uma coisa linda”, afirmou.

Corpo em movimento, sem obsessões

No plano prático, Mirren defende uma relação saudável — e descomplicada — com o corpo. Há anos que promove um treino militar de 12 minutos desenvolvido nos anos 1950 pela Força Aérea Real Canadiana, mas sublinha que nunca é tarde para começar a mexer-se. Especialmente para quem está nos 50 ou 60 anos, o segredo não está em ginásios de luxo ou rotinas extremas, mas em pequenas mudanças: uma caminhada curta, yoga, manter o corpo activo de forma prazerosa.

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Um discurso raro numa indústria obcecada com a juventude

Num meio como Hollywood, onde a juventude continua a ser tratada como moeda de troca, a frontalidade de Helen Mirren soa quase revolucionária. Aos 80 anos, a actriz não está interessada em promessas de imortalidade nem em negar o tempo. Prefere algo bem mais radical: aceitar a vida como ela é, com limites incluídos — e aproveitar cada segundo com lucidez, humor e maturidade.

Depois de Greenland 2, Estes São 8 Filmes de Catástrofe Perfeitos Para Continuar o Fim do Mundo

Do apocalipse climático a cometas assassinos, há vida (cinematográfica) depois do desastre

Greenland 2: Migration chega aos cinemas determinado a elevar ainda mais a fasquia do cinema-catástrofe. Se no primeiro filme acompanhávamos Gerard Butler numa corrida desesperada para alcançar um bunker antes do impacto de um cometa, a sequela mergulha-nos num mundo já devastado, transformado num verdadeiro deserto pós-apocalíptico. O resultado é aquilo que os fãs do género adoram: destruição em grande escala, drama familiar e uma luta constante pela sobrevivência.

Se ficou com vontade de mais depois de Greenland 2, a boa notícia é que não faltam alternativas — e a maioria pode ser vista em Portugal sem grande esforço, seja em streaming ou através de aluguer digital.

Geostorm (2017)

Mais uma vez, Gerard Butler no centro do caos. Em Geostorm, a Terra depende de uma rede de satélites capaz de controlar o clima… até que tudo corre mal. Tsunamis, terramotos e quedas abruptas de temperatura surgem em catadupa.

🎬 Onde ver em Portugal: disponível para aluguer digital em plataformas como Apple TV, Google Play e Rakuten TV.

O Dia Depois de Amanhã (2004)

Um dos títulos mais populares do género. O Dia Depois de Amanhã, de Roland Emmerich, imagina uma nova era glacial que se instala em tempo recorde, com Nova Iorque congelada e tornados a devastar cidades inteiras.

🎬 Onde ver em Portugal: disponível no catálogo da Disney+.

2012 (2009)

Quando o assunto é destruir o planeta inteiro, Roland Emmerich não conhece limites. Em 2012, a civilização colapsa sob terramotos, tsunamis e falhas tectónicas globais, enquanto uma família tenta sobreviver contra todas as probabilidades.

🎬 Onde ver em Portugal: disponível para aluguer digital (Apple TV, Google Play, Prime Video Store).

Impacto Profundo (1998)

Mais contido e emocional do que Armageddon, Impacto Profundo aposta no drama humano quando um cometa ameaça extinguir a vida na Terra. Um clássico subestimado do género, com decisões morais duríssimas.

🎬 Onde ver em Portugal: disponível para aluguer digital nas principais lojas online.

O Núcleo (2003)

Cientificamente disparatado, mas irresistível. Em O Núcleo, uma equipa de cientistas tenta salvar o mundo viajando até ao centro da Terra para reiniciar o seu núcleo com uma explosão nuclear.

🎬 Onde ver em Portugal: disponível para aluguer digital (Apple TV, Google Play).

Volcano (1997)

Los Angeles, um vulcão em erupção e lava a correr pelas ruas. Volcano não perde tempo com subtilezas e oferece destruição urbana em modo clássico dos anos 90.

🎬 Onde ver em Portugal: disponível para aluguer digital.

Presságio (2009)

Mistura de ficção científica, catástrofe e existencialismo, Presságio acompanha Nicolas Cage numa investigação que conduz a uma série de desastres inevitáveis, incluindo uma sequência de queda de avião absolutamente memorável.

🎬 Onde ver em Portugal: disponível para aluguer digital; ocasionalmente exibido em canais de cinema por cabo.

San Andreas (2015)

Terramotos, tsunamis e Dwayne Johnson em modo herói total. San Andreas é cinema-catástrofe sem pudor, feito para impressionar e entreter sem pedir desculpa.

🎬 Onde ver em Portugal: disponível em streaming na HBO Max (Max), além de aluguer digital.

O apocalipse… à distância de um comando

O cinema-catástrofe pode não ser o género mais realista do mundo, mas continua a ser um dos mais eficazes quando se trata de espectáculo puro. Entre cometas, falhas tectónicas e colapsos climáticos, estes filmes provam que o fim do mundo é sempre melhor visto do sofá — de preferência com som alto e zero preocupações científicas.

Antes Mesmo de Começar a Rodar, Tangled Já Tem um Flynn Rider Perfeito

A arte de fãs, a reação do elenco original e o entusiasmo em torno de Milo Manheim

Ainda as câmaras não começaram a rodar e já há certezas quase absolutas entre os fãs: Milo Manheim parece ter nascido para interpretar Flynn Rider — ou Eugene Fitzherbert, para os mais atentos à mitologia de Tangled. A futura adaptação em imagem real do clássico animado da Disney, realizada por Michael Gracey, começa assim a ganhar forma muito antes da estreia, graças ao entusiasmo dos fãs e, curiosamente, à força das redes sociais.

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Anunciado recentemente como protagonista ao lado de Teagan Croft, que dará vida a Rapunzel, Manheim herdou automaticamente um dos papéis mais acarinhados do catálogo moderno da Disney. Desde a estreia da animação em 2010, Flynn Rider tornou-se um favorito do público graças ao seu humor sarcástico, charme auto-irónico e inesperada profundidade emocional — uma combinação que nem todos os actores conseguem equilibrar.

Quando a arte antecipa o casting ideal

A confirmação de Manheim no papel rapidamente deu origem a debates, entusiasmo… e alguma ansiedade. Mas foi uma peça de fan art que parece ter inclinado definitivamente a balança. O artista e criador de conteúdos conhecido como @braeden.obrien partilhou no Instagram um vídeo onde desenha Milo Manheim como Flynn Rider, ao som da icónica canção I See the Light. O resultado tornou-se viral.

A ilustração sublinha as semelhanças físicas entre o actor e a versão animada da personagem — o sorriso confiante, o olhar maroto, a postura despreocupada — e gerou reacções imediatas. Um comentário resumiu o sentimento geral: “O filme ainda nem começou a ser filmado e já há fangirls por todo o lado”.

A aprovação que conta (e muito)

Pouco depois do anúncio oficial, o próprio Manheim recorreu ao Instagram para reagir, deixando uma mensagem simples, mas reveladora: “Demasiado grato para pôr em palavras. Vou fazer-lhe justiça, prometo.” Uma declaração que não passou despercebida… nem aos colegas de profissão.

Zachary Levi, a voz original de Flynn Rider na versão animada, fez questão de comentar a publicação: “Parabéns, Milo! Agora vai fazer Eugene Fitzherbert orgulhoso.” A própria Disney entrou na conversa com humor: “Here comes the smolder!”, numa piscadela de olho ao famoso “olhar sedutor” da personagem.

Um actor com ADN Disney

Para quem acompanha a carreira de Milo Manheim, esta escolha não surge do nada. O actor já é uma cara conhecida do universo Disney graças à saga Zombies, onde contracenou com Meg Donnelly, e tem vindo a construir uma imagem de versatilidade, carisma e empatia com o público jovem — exactamente o tipo de energia que Flynn Rider exige.

Do lado de Rapunzel, Teagan Croft traz consigo experiência em personagens intensas e emocionalmente complexas, depois de se destacar como Raven em Titans. Quanto à vilã Mother Gothel, o mistério mantém-se, embora Kathryn Hahn esteja, segundo rumores, a ser considerada para o papel.

Um conto que ainda vai crescer

Sem data de estreia definida, Tangled deverá iniciar filmagens a meio de 2026, no Reino Unido. Até lá, o entusiasmo continua a crescer — e se a reacção inicial servir de barómetro, a Disney poderá ter encontrado em Milo Manheim não apenas um Flynn Rider competente, mas o Flynn Rider certo.

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Às vezes, os fãs reconhecem um casting perfeito muito antes de Hollywood o confirmar em cena.

O Regresso do Rei? O Nome Que Volta a Agitar o Futuro de Black Panther no MCU

Damson Idris reage aos rumores e a Marvel prepara o terreno para uma nova era em Wakanda

Poucos papéis no cinema contemporâneo carregam um peso simbólico tão forte como T’Challa, o Pantera Negra. Desde a sua estreia no Universo Cinematográfico da Marvel, o personagem tornou-se um ícone cultural muito para lá do género de super-heróis, graças à interpretação de Chadwick Boseman. A sua morte prematura, em 2020, vítima de cancro do cólon, levou a Marvel Studios a tomar uma decisão rara em Hollywood: não recastar o papel de imediato e integrar a perda do actor na própria narrativa de Black Panther: Wakanda Forever, transformando o filme numa sentida homenagem.

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No entanto, com o MCU a entrar numa fase de profunda transformação, os rumores de um eventual regresso de T’Challa — agora com outro rosto — voltaram a ganhar força. E, desta vez, há um nome que se destaca.

Damson Idris e a resposta que diz tudo… sem dizer nada

Questionado pela Variety na passadeira vermelha dos Globos de Ouro de 2026, Damson Idris reagiu à especulação de que poderia ser o próximo Pantera Negra com uma diplomacia que não passou despercebida. “Sou grato aos fãs”, afirmou, sublinhando que se tratam apenas de rumores, mas confessando o seu amor pelo filme, pelo universo de Wakanda e pela direcção criativa da saga. Mais revelador do que as palavras foi o que Idris não disse: não houve qualquer negação categórica.

Num estúdio conhecido por contratos confidenciais e estratégias de silêncio absoluto, esta ambiguidade é, para muitos, um sinal claro de que algo está a ser preparado nos bastidores.

O momento ideal para recastar T’Challa

A especulação surge numa altura-chave para o MCU. A chamada Multiverse Saga aproxima-se do fim com Avengers: Doomsday e Avengers: Secret Wars, dois filmes que prometem lidar com o colapso de realidades alternativas e redefinir completamente o universo Marvel. O próprio Kevin Feige já confirmou que estes eventos funcionarão como uma espécie de “soft reboot”, abrindo a porta à reintrodução de personagens clássicos com novos intérpretes.

Feige chegou mesmo a referir explicitamente a possibilidade de figuras como Iron Man ou Captain America voltarem a existir noutras versões, estabelecendo um precedente claro para o eventual regresso de T’Challa sem apagar o legado de Boseman.

Black Panther 3 e o futuro de Wakanda

Importa recordar que Black Panther 3 é um dos poucos projectos de grande escala que a Marvel confirmou oficialmente como estando em desenvolvimento activo para o período pós-Secret Wars. A utilização do multiverso permitiria introduzir uma nova versão de T’Challa proveniente de outra realidade, preservando o impacto emocional da perda retratada em Wakanda Forever e, ao mesmo tempo, garantindo que o Pantera Negra continua a ser um pilar central do MCU na próxima década.

Esta abordagem permitiria uma distinção clara entre a era marcada por Chadwick Boseman e um novo capítulo, evitando comparações directas e respeitando o peso histórico do personagem.

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Um legado que não se apaga — transforma-se

Mais do que uma simples questão de casting, o eventual regresso de T’Challa levanta uma pergunta maior: como continuar um legado sem o desvirtuar? A Marvel parece consciente de que qualquer decisão terá de equilibrar respeito, inovação e necessidade narrativa. Se Damson Idris será ou não o próximo Rei de Wakanda, o tempo dirá. Mas uma coisa é certa: o Pantera Negra ainda tem muitas histórias para contar.

O Homem dos Olhos Tristes: A Humanidade Ímpar de Vincent Schiavelli

Como um rosto improvável se tornou inesquecível na História do Cinema

Era conhecido como o homem dos olhos tristes. Um olhar melancólico, uma voz quebrada, uma presença que parecia carregar sempre um peso invisível. Vincent Schiavelli nunca correspondeu aos padrões clássicos de Hollywood — e foi precisamente isso que o tornou inesquecível. Com 1,96 metros de altura e traços faciais singulares, consequência da síndrome de Marfan, Schiavelli transformou aquilo que poderia ser visto como uma limitação num verdadeiro selo artístico. O cinema ganhou, assim, um actor capaz de dar alma, fragilidade e humanidade aos personagens mais estranhos e desconfortáveis.

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Um secundário que nunca passava despercebido

Ao longo de uma carreira com mais de 150 participações entre cinema e televisão, Vincent Schiavelli construiu uma galeria de personagens que permanecem na memória colectiva. Em Ghost, foi o icónico fantasma do metro — uma aparição breve, mas suficiente para se tornar uma das imagens mais perturbadoras e recordadas do filme. Em Voando Sobre um Ninho de Cucos, realizado por Miloš Forman, interpretou Frederickson, um paciente frágil e atormentado, símbolo perfeito da vulnerabilidade emocional que atravessa o filme.

A sua capacidade para habitar o desconforto levou-o também ao universo gótico de Batman Returns, onde deu vida ao grotesco Organ Grinder, e a clássicos como Amadeus, O Povo Contra Larry Flynt ou O Amanhã Nunca Morre. Em todos eles, Schiavelli tinha o raro talento de transformar o papel secundário em algo profundamente humano e impossível de ignorar.

O actor preferido dos realizadores que procuravam humanidade

Miloš Forman chamou-o repetidamente porque sabia exactamente o que Schiavelli oferecia: empatia onde outros veriam caricatura. Colegas de profissão lembram-no como um actor generoso, capaz de rir de si próprio e de dar densidade emocional a personagens marginais. Onde muitos optariam pelo exagero, Schiavelli escolhia a contenção, o detalhe e o silêncio.

Era um intérprete que compreendia que o estranho não é o oposto do humano — é, muitas vezes, apenas a sua expressão mais honesta.

Entre o cinema e a cozinha: uma vida longe dos holofotes

Fora do ecrã, Vincent Schiavelli cultivava uma paixão aparentemente distante do cinema: a gastronomia. Neto de um cozinheiro siciliano, herdou o amor pela culinária italiana e chegou a escrever vários livros de receitas. Acabaria por se instalar em Polizzi Generosa, a aldeia da família materna, na Sicília, onde viveu de forma simples, cozinhando, escrevendo e acreditando que a comida era uma ponte entre gerações, memória e afectos.

Na vida pessoal, teve dois grandes amores. Foi casado com a actriz Allyce Beasley, com quem teve um filho, Andrea. Mais tarde, encontrou estabilidade ao lado de Carol Mukhalian, harpista, com quem viveu até ao fim.

Um adeus prematuro, um legado duradouro

Vincent Schiavelli morreu aos 57 anos, vítima de um cancro do pulmão, agravado pelo hábito de fumar. Na sua terra siciliana, foi decretado um dia de luto, e a câmara municipal acolheu a sua capela ardente — um gesto raro, reservado a quem deixa uma marca profunda na comunidade.

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O seu legado não se mede apenas no número impressionante de participações, mas na intensidade de cada uma. Schiavelli provou que mesmo os personagens mais breves podem conter um universo inteiro. E ensinou-nos, dentro e fora do cinema, que a vida — tal como a arte — é feita de ingredientes simples: memória, carinho, raízes… e humanidade.

O Filme Que Nasce da Dor: Hamnet Estreia em Fevereiro Depois de Conquistar Dois Globos de Ouro

A poderosa história de amor e perda que inspirou Hamlet chega finalmente aos cinemas portugueses

Depois de se afirmar como um dos títulos mais elogiados da temporada de prémios, Hamnet, da realizadora Chloé Zhao, prepara-se para chegar às salas de cinema portuguesas a 5 de Fevereiro. Distinguido com dois Globos de Ouro — Melhor Filme – Drama e Melhor Actriz – Drama — o filme surge como uma das obras mais emocionais e sensoriais do cinema recente, explorando as origens íntimas de Hamlet, a obra-prima de William Shakespeare.

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Protagonizado por Jessie Buckley, Paul Mescal e Emily Watson, Hamnet afasta-se deliberadamente do drama de época tradicional para construir um retrato profundamente humano sobre o amor conjugal, o luto e a forma como a criação artística nasce, muitas vezes, da dor mais íntima.

Inglaterra, 1580: amor, ausência e tragédia

A narrativa transporta-nos até à Inglaterra do século XVI, onde William Shakespeare é apresentado não como o génio consagrado, mas como um tutor de latim empobrecido, em busca de um lugar no mundo. É neste contexto que conhece Agnes, uma mulher de espírito livre, profundamente ligada à natureza e ao conhecimento intuitivo. A relação intensa entre ambos conduz ao casamento e ao nascimento de três filhos, mas também a uma separação geográfica e emocional, quando Will parte para Londres para perseguir uma carreira teatral em ascensão.

Agnes permanece no espaço doméstico, ligada à terra, aos filhos e a uma existência marcada pela espera. Quando a tragédia atinge a família, o filme mergulha sem filtros na experiência do luto, mostrando como a perda de um filho transforma irremediavelmente uma relação — e como dessa dor nasce uma das maiores obras da literatura ocidental.

Uma adaptação sensorial e profundamente contemporânea

Baseado no romance multipremiado de Maggie O’Farrell, Hamnet é descrito pela própria Chloé Zhao como “uma história sobre amor e morte e sobre a forma como estas experiências fundamentais se transformam mutuamente através da arte”. A realizadora, vencedora de um Óscar por Nomadland, constrói aqui um filme ancorado no corpo, na memória e na relação com a natureza, oferecendo uma experiência cinematográfica intensa, quase táctil.

O filme evita o academicismo e opta por uma abordagem sensorial, onde o silêncio, os gestos e os espaços naturais têm tanto peso narrativo como as palavras. O resultado é um retrato urgente e contemporâneo da condição humana, que fala directamente ao presente, apesar do seu enquadramento histórico.

Um percurso sólido na temporada de prémios

Hamnet tem sido uma presença constante e marcante na temporada de prémios 2025/2026. Para além dos dois Globos de Ouro — Melhor Filme – Drama e Melhor Actriz – Drama —, Jessie Buckley foi também distinguida com o prémio de Melhor Actriz nos Critics Choice Awards, e o filme recebeu o People’s Choice Award no Festival Internacional de Cinema de Toronto (TIFF), uma distinção frequentemente associada a futuros sucessos nos Óscares  .

Em Portugal, o filme teve a sua estreia nacional no LEFFEST e chega agora ao circuito comercial com distribuição da NOS Audiovisuais, consolidando-se como uma das estreias mais relevantes do início do ano cinematográfico.

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Quando a arte dá sentido à perda

Mais do que um filme sobre Shakespeare, Hamnet é uma obra sobre o que fica quando tudo parece perdido. Sobre como o amor não desaparece, mas se transforma. E sobre como a arte pode ser, simultaneamente, um acto de sobrevivência e de memória. Um filme que convida à contemplação, à empatia e ao silêncio — e que promete ficar com o espectador muito depois das luzes da sala se acenderem.

vê o trailer aqui

Uma Noite para a História: O Brasil Brilha nos Globos de Ouro e Hollywood Rende-seWagner Moura e O Agente Secreto fazem história numa cerimónia marcada por cinema, política e emoção

A 83.ª edição dos Globos de Ouro ficará para sempre gravada na história do cinema brasileiro — e não só. Numa noite intensa, politizada e cinematograficamente rica, O Agente Secreto e Wagner Moura colocaram o Brasil no centro do mapa da temporada de prémios, enquanto Batalha Atrás de Batalha, de Paul Thomas Anderson, emergia como o grande vencedor da noite em Los Angeles.

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O filme brasileiro venceu o Globo de Ouro de Melhor Filme em Língua Não Inglesa, enquanto Wagner Moura conquistou o prémio de Melhor Ator em Filme de Drama — uma estreia absoluta para um intérprete brasileiro nesta categoria. Um momento simbólico, mas também profundamente político e artístico, que confirma o excelente momento do cinema brasileiro nos grandes palcos internacionais.

https://twitter.com/goldenglobes/status/2010585131040616644?s=61

Um filme sobre memória, trauma e resistência

Realizado por Kléber Mendonça Filho, O Agente Secreto mergulha nos anos da ditadura militar brasileira, explorando a tensão psicológica, a ambiguidade moral e as marcas deixadas pelo trauma colectivo. Desde a sua estreia no Festival de Cannes, onde arrecadou os prémios de Melhor Realização e Melhor Ator, o filme tornou-se um dos títulos mais comentados do ano, tanto pela crítica como pelos votantes das principais academias.

No discurso de aceitação, Wagner Moura definiu o filme como “uma obra sobre memória, a falta de memória e o trauma geracional”, lembrando que, tal como o trauma, também os valores podem ser transmitidos entre gerações. O actor terminou o discurso em português, dirigindo-se directamente ao público brasileiro — um momento de forte carga emocional numa sala repleta de estrelas de Hollywood.

A consagração de um momento brasileiro

Este triunfo surge na continuidade de um período particularmente fértil para artistas brasileiros nos Globos de Ouro. No ano anterior, Fernanda Torres venceu o prémio de Melhor Actriz em Drama por Ainda Estou Aqui, de Walter Salles, filme que viria mais tarde a conquistar o Óscar de Melhor Filme Internacional.

Ao receber o prémio de Melhor Filme em Língua Não Inglesa, Kléber Mendonça Filho dedicou-o aos jovens cineastas, sublinhando que este é “um momento crucial para fazer cinema”, tanto nos Estados Unidos como no Brasil.

Batalha Atrás de Batalha: o grande vencedor da noite

Se o Brasil viveu um momento histórico, a noite teve um claro dominador. Batalha Atrás de Batalha, drama com contornos de sátira política sobre um revolucionário envelhecido e a sua filha adolescente, chegou aos Globos com nove nomeações e saiu com quatro estatuetas: Melhor Filme em Musical ou Comédia, Melhor Argumento, Melhor Realização e Melhor Actriz Secundária para Teyana Taylor.

No seu discurso, Taylor deixou uma das frases mais marcantes da noite: “A nossa luz não precisa de permissão para brilhar”, dirigindo-se às mulheres e raparigas racializadas que se viram representadas naquele momento.

Cinema nos cinemas — e séries em alta

Outro dos discursos mais aplaudidos foi o de Stellan Skarsgård, vencedor de Melhor Actor Secundário por Valor Sentimental, que aproveitou para defender a experiência colectiva das salas de cinema: “O cinema deve ser visto nos cinemas”.

Na televisão, a grande surpresa foi The Pitt, da HBO Max, eleita Melhor Série Dramática, com Noah Wyle a vencer como Melhor Actor. Já Adolescência, da Netflix, dominou a categoria de Minissérie, arrecadando quatro prémios, incluindo Melhor Série e três distinções de interpretação.

Uma cerimónia com consciência social

Apresentada por Nikki Glaser, a cerimónia não fugiu à sátira política nem à crítica social, com referências a figuras como Donald Trump e ao caso Jeffrey Epstein. Várias celebridades desfilaram ainda na passadeira vermelha com pins “Be good”, numa homenagem a Renee Good e num gesto de protesto contra a violência policial e as políticas migratórias nos EUA.

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Uma noite onde o cinema, a televisão e a política se cruzaram — e onde o Brasil escreveu, finalmente, uma das suas páginas mais importantes na história dos Globos de Ouro.