Xavier Dolan Retorna ao Cinema Após Longa Pausa

O talentoso realizador canadiano Xavier Dolan, conhecido pelo seu trabalho em filmes como Mamã e Amores Imaginários, anunciou que está a preparar o seu regresso ao grande ecrã após uma pausa de seis anos. O realizador, que em 2022 expressou dúvidas sobre a sua continuidade na indústria cinematográfica, revelou no Festival Lumière, em Lyon, que já tem um argumento pronto e que pretende começar as filmagens em 2025.

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Descrito como um “enfant terrible” do cinema, Dolan marcou a última década com uma série de filmes aclamados, mas nos últimos anos tinha revelado uma profunda desmotivação em relação ao cinema e ao mundo, em parte devido às suas próprias desilusões profissionais, como foi o caso do filme A Minha Vida com John F. Donovan. Contudo, Dolan parece ter reencontrado a paixão pelo cinema com este novo projeto, que se passa em 1895 no ambiente das elites literárias de Paris. Segundo o realizador, será uma obra híbrida, misturando vários géneros, com elementos cómicos e momentos sombrios.

A pausa de Dolan incluiu uma incursão pela televisão com a série A Noite em que Logan Despertou, disponível na plataforma Filmin, mas este novo filme marcará o seu regresso ao formato cinematográfico que o tornou famoso. Durante o Festival Lumière, Dolan explicou que o argumento do novo filme está pronto, mas que só avançará com a rodagem quando sentir que o projeto está totalmente alinhado com a sua visão artística.

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Aos 35 anos, Dolan reflete sobre a sua evolução enquanto cineasta e como a sua visão do mundo tem influenciado o seu trabalho. Este próximo filme, previsto para estrear em 2026, será um marco importante no que parece ser o “segundo capítulo” da sua carreira.

Festival DocLisboa Inicia com Homenagem à Revolução do 25 de Abril

O festival de cinema DocLisboa dá hoje início à sua 22.ª edição, com mais de 180 filmes a serem exibidos ao longo dos próximos dias, homenageando, logo na abertura, a Revolução de 25 de Abril de 1974. O filme de abertura, Sempre, da realizadora Luciana Fina, faz uma revisitação às imagens dos arquivos da Cinemateca Portuguesa que captaram o processo revolucionário em Portugal. O festival, que decorre até 27 de outubro, será um ponto de encontro para o cinema documental, abordando temas históricos e contemporâneos.

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O filme Sempre explora o período do Estado Novo e a asfixia do regime salazarista, a repressão da PIDE, e os momentos-chave que levaram à Revolução dos Cravos. O documentário mergulha nas ocupações estudantis de 1969, no Movimento das Forças Armadas, nos sonhos e expectativas do PREC e no intenso Verão Quente. Através desta montagem, o espectador é guiado não apenas pelas imagens de arquivo, mas também por sons e manifestações atuais, criando um paralelismo entre as lutas do passado e os desafios contemporâneos, como o direito à habitação e a igualdade de género.

O DocLisboa deste ano não se limita à história de Portugal, trazendo uma vasta programação internacional. A competição portuguesa inclui filmes como Fogo do Vento de Marta Mateus e As Noites Ainda Cheiram a Pólvora de Inadelso Cossa. O festival também contará com a estreia mundial do documentário Por Ti Portugal Eu Juro de Sofia da Palma Rodrigues e Diogo Cardoso, que explora o papel dos militares africanos durante a Guerra Colonial.

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O festival vai decorrer em várias salas de Lisboa, como a Culturgest, o Cinema São Jorge e a Cinemateca Portuguesa, sendo um dos principais eventos dedicados ao cinema documental em Portugal.

Festival Tribeca Chega a Lisboa com Edição Inédita na Europa

O prestigiado Festival Tribeca, fundado por Robert De Niro e Jane Rosenthal em Nova Iorque, chega pela primeira vez à Europa, com Lisboa a ser a cidade escolhida para acolher este evento internacional de cinema e entretenimento. O Tribeca Festival Lisboa, que começa hoje, reunirá grandes nomes do cinema e do entretenimento, tanto nacionais como internacionais, num programa que inclui filmes, conversas e atuações musicais, durante dois dias no Beato Innovation District.

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Entre as presenças mais esperadas estão Robert De Niro, Whoopi Goldberg e a produtora Jane Rosenthal, ao lado de personalidades portuguesas como Ricardo Araújo Pereira, Gisela João e Dino d’Santiago. O festival, que espera receber mais de 1.500 pessoas por dia, traz à capital portuguesa um programa diversificado que inclui filmes independentes norte-americanos, séries portuguesas e internacionais, gravação de podcasts ao vivo, e uma série de conversas sobre temas como a Inteligência Artificial no cinema, o empoderamento feminino e o impacto das novas tecnologias no entretenimento.

Para além de filmes premiados como Anora de Sean Baker e In the Summers de Lacorazza Samudio, o Tribeca Lisboa dará espaço à produção nacional com a exibição da série portuguesa Azul, do realizador Pedro Varela, e da longa-metragem Podia Ter Esperado Por Agosto de César Mourão. A presença portuguesa no festival será ainda marcada por uma série de conversas e debates com figuras de destaque, incluindo a atriz Alba Baptista, o humorista Ricardo Araújo Pereira, e os escritores Mia Couto e José Eduardo Agualusa.

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Com bilhetes diários a 75 euros e passes de dois dias a 130 euros, o festival Tribeca promete transformar Lisboa no epicentro do cinema e do entretenimento durante este fim de semana. Este evento resulta de uma parceria entre a Tribeca Enterprises, a SIC, a plataforma de streaming OPTO e a Câmara Municipal de Lisboa, e será um marco cultural que fortalecerá a ligação entre a cidade e a cena artística internacional.

Hugh Jackman e Kate Hudson Juntos em Musical Inspirado em Neil Diamond

Dois grandes nomes de Hollywood, Hugh Jackman e Kate Hudson, vão juntar-se pela primeira vez num novo musical intitulado Song Sung Blue, baseado numa história verídica. O filme segue a vida de dois músicos que, após uma série de fracassos, formam uma banda de tributo aos sucessos de Neil Diamond. A produção promete ser uma história inspiradora sobre amor, perseverança e a busca pelos sonhos, mesmo quando parece tarde demais.

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O projeto é inspirado no documentário homónimo de 2008, Song Sung Blue, que já explorava a fascinante história deste duo musical que, apesar das adversidades, encontra o sucesso inesperado ao prestar homenagem a uma das maiores lendas da música pop, Neil Diamond. O filme terá a realização de Craig Brewer, conhecido por Hustle & Flow e O Príncipe Volta a Nova Iorque, e o elenco contará também com Michael Imperioli, Jim Belushi, Fisher Stevens, e Ella Anderson.

A química entre Hugh Jackman e Kate Hudson, ambos com carreiras sólidas no cinema, especialmente em comédias musicais e dramáticas, é um dos aspetos mais aguardados pelos fãs. Hugh Jackman, amplamente elogiado pelas suas interpretações em musicais como Os Miseráveis e O Grande Showman, parece ser a escolha perfeita para um filme que celebra a música e a paixão por atuar. Já Kate Hudson, com várias comédias de sucesso no currículo, incluindo Quase Famosos e Como Perder um Homem em 10 Dias, deverá trazer o seu charme e talento ao papel feminino principal.

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A estreia de Song Sung Blue ainda não tem uma data confirmada, mas as filmagens deverão começar no início de 2025. Este musical, com uma história tocante e um elenco de peso, promete ser um dos grandes lançamentos do cinema nos próximos anos, especialmente para os fãs de Neil Diamond e de comédias musicais.

Portugal Ganha Destaque em “Homicídios ao Domicílio”: Referências Divertem e Geram Debate

A popular série Homicídios ao Domicílio, protagonizada por Steve Martin, Martin Short e Selena Gomez, tem feito várias referências a Portugal ao longo das suas temporadas, conquistando a curiosidade dos espectadores portugueses. O tema do nosso país voltou a estar em evidência na quarta temporada, lançada recentemente no Disney+, gerando mais conversas e até alguma controvérsia.

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No episódio mais recente, Portugal foi tema de conversa entre os protagonistas quando discutiam os planos de um vizinho, Dudenoff (interpretado por Griffin Dunne), que sempre sonhou em mudar-se para Portugal. Esta referência junta-se a outras que têm surgido ao longo dos episódios, como a hilariante menção ao “presunto português” no início da quarta temporada. Nesta cena, Oliver (Martin Short) e Mabel (Selena Gomez) investigam um crime no prédio onde vivem e encontram um presunto português, guardado como um tesouro por um dos residentes. O detalhe inesperado arrancou gargalhadas, mas também deixou alguns fãs divididos sobre a representação do nosso país na série.

A bandeira de Portugal também foi alvo de uma referência num dos episódios da terceira temporada, quando os protagonistas observam um vizinho a cortar presunto enquanto mencionam a “bandeira das Quinas”, num diálogo onde a palavra “Quinas” foi dita em português. Este detalhe, subtil mas eficaz, chamou a atenção de muitos espectadores e foi amplamente comentado nas redes sociais.

A inclusão de Portugal nos diálogos e cenários de Homicídios ao Domicílio gerou diversas reações entre os fãs portugueses. Para uns, as menções ao país são divertidas e demonstram que Portugal tem uma presença crescente na cultura popular internacional. Para outros, as referências, como a piada sobre o presunto, são vistas como estereotipadas e não totalmente representativas da diversidade cultural do país.

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A série, que mistura comédia e mistério, segue um trio de podcasters amadores (Martin, Short e Gomez) que investigam crimes no edifício onde vivem, em Nova Iorque. Desde o início, Homicídios ao Domicílio tem sido um sucesso de crítica e de público, e a quarta temporada não foi exceção. Com participações especiais de Meryl Streep, Zach Galifianakis, Eugene Levy e Eva Longoria, a série tem mantido a sua capacidade de surpreender os fãs com narrativas envolventes e um elenco de luxo.

As constantes menções a Portugal têm dado um toque de proximidade ao público português, que se vê representado, ainda que de forma ligeira, numa produção de Hollywood. Embora as reações variem, o destaque ao nosso país numa série tão popular só reforça a visibilidade de Portugal no panorama internacional.

À medida que os episódios continuam a ser lançados no Disney+, os fãs portugueses aguardam com curiosidade para ver que outras surpresas o trio de podcasters ainda reserva, e se Portugal voltará a ser mencionado nos próximos mistérios do Arconia.

Apple TV+ Renova “Slow Horses” para Sexta Temporada

A Apple TV+ anunciou oficialmente a renovação de Slow Horses para uma sexta temporada. A série de espionagem, protagonizada por Gary Oldman, tem sido amplamente aclamada desde a sua estreia em 2022, sendo considerada uma das melhores séries do género da atualidade. O sucesso da produção é evidente, com cada temporada a alcançar mais de 95% de aprovação no Rotten Tomatoes, e a história promete continuar a cativar o público.

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Baseada nos livros de Mick Herron, Slow Horses segue um grupo de espiões britânicos renegados que trabalham numa divisão pouco prestigiada dos serviços secretos, liderada pela personagem de Oldman, Jackson Lamb. Lamb, um agente irreverente e sarcástico, tornou-se rapidamente um dos personagens favoritos dos fãs da série. A dinâmica única do elenco, composta por Kristin Scott Thomas, Jack Lowden, Saskia Reeves e Jonathan Pryce, entre outros, tem sido um dos pontos altos da produção.

Com a sexta temporada já em fase de desenvolvimento, os fãs podem esperar novos desafios para a equipa dos Slough House, à medida que continuam a navegar pelo submundo da espionagem britânica. A Apple TV+ tem investido fortemente na série, que se tornou um dos seus maiores sucessos, e a nova temporada promete trazer mais intrigas, mistérios e, claro, o humor cortante de Jackson Lamb.

A popularidade de Slow Horses é um reflexo da qualidade do argumento, das atuações notáveis e da capacidade da série em equilibrar tensão com momentos de humor. A renovação para uma sexta temporada reforça a confiança da Apple TV+ no projeto e deixa os fãs ansiosos por mais aventuras deste grupo improvável de espiões.

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Ryan Reynolds e Hugh Jackman na Lista para Apresentar os Óscares 2025

Ryan Reynolds e Hugh Jackman estão na lista de potenciais apresentadores da cerimónia dos Óscares de 2025. A dupla, conhecida pelo seu sentido de humor afiado e química em ecrã, foi abordada pela Academia para desempenhar o papel de anfitriões, após Jimmy Kimmel ter recusado regressar como apresentador pela quinta vez consecutiva. A cerimónia terá lugar a 2 de março de 2025 e, se a escolha for confirmada, promete ser uma das mais memoráveis dos últimos anos.

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Segundo o site Deadline, a ideia de juntar Reynolds e Jackman foi inspirada no sucesso das suas participações nos filmes de Deadpool e Wolverine, onde a sua dinâmica tem sido amplamente elogiada pelo público e pela crítica. O formato proposto para a gala dos Óscares de 2025 inclui anfitriões rotativos, algo semelhante ao que aconteceu em 2022, quando Regina Hall, Amy Schumer e Wanda Sykes dividiram a responsabilidade de conduzir a cerimónia. Para além de Reynolds e Jackman, outros nomes foram considerados, incluindo Will Ferrell, Amy Poehler e Dwayne Johnson, este último já tendo recusado a oferta.

Hugh Jackman, que já foi anfitrião da cerimónia em 2009, é visto como uma escolha sólida, enquanto Ryan Reynolds traria um toque de comédia irreverente, muito ao estilo das suas personagens mais conhecidas. Os dois atores, que têm mantido uma relação de “rivalidade amistosa” nas redes sociais, seriam uma combinação perfeita para atrair audiências de todas as idades.

Se confirmados, Reynolds e Jackman seguirão os passos de outros duos icónicos que marcaram a história da cerimónia. A Academia ainda não divulgou uma decisão final, mas os rumores têm deixado os fãs entusiasmados com a possibilidade de ver esta dupla a brilhar no palco mais prestigiado do cinema mundial.

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Idris Elba Defende o Futuro do Cinema Africano no Gana

O renomado ator britânico Idris Elba participou recentemente no Africa Cinema Summit, que teve lugar em Acra, capital do Gana, entre os dias 7 e 9 de outubro de 2024. Este evento reuniu algumas das principais figuras da indústria cinematográfica africana para discutir e projetar o futuro do cinema no continente. Elba, conhecido por filmes como Mandela: Longo Caminho para a Liberdade e Beasts of No Nation, gravado no Gana, destacou-se como um dos principais defensores da expansão e fortalecimento do cinema africano.

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Filho de pai da Serra Leoa e mãe ganesa, Elba tem uma ligação forte ao continente africano e aproveitou esta cimeira para sublinhar a importância de criar infraestruturas que permitam ao cinema africano crescer. O ator afirmou que, embora o cinema africano tenha uma longa história, continua a ser sub-representado no cenário global. Para ele, o futuro do cinema no continente passa por desenvolver uma rede de distribuição que possibilite que os filmes cheguem ao público local, sem depender exclusivamente de plataformas de streaming internacionais, como a Netflix.

Durante o evento, Elba enfatizou o potencial criativo da jovem população africana, destacando que muitos estão a utilizar smartphones para criar filmes inovadores. Contudo, defendeu que é necessário ampliar essas iniciativas e assegurar que existam métodos de distribuição para que essas criações alcancem audiências mais vastas. Como parte do seu compromisso com o futuro do cinema africano, o ator investiu na construção de dois estúdios de cinema – um no Gana e outro na ilha de Zanzibar – que têm como objetivo apoiar os talentos emergentes e fortalecer a indústria cinematográfica africana.

Idris Elba vê o cinema como uma ferramenta poderosa para contar histórias africanas ao mundo. Ele acredita que, para além do reconhecimento internacional, o cinema africano precisa também de um forte apoio interno, com mais salas de cinema e um público fiel dentro do próprio continente. O ator espera que, ao investir em infraestruturas e apostar no talento local, o cinema africano possa prosperar e tornar-se numa força global.

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Com este compromisso, Elba continua a ser uma das vozes mais influentes na promoção do cinema africano, defendendo que o futuro da indústria cinematográfica no continente tem um potencial enorme. Através da sua paixão e do seu investimento pessoal, ele está a ajudar a moldar uma nova era para o cinema em África.

Nicole Kidman e Salma Hayek: Um Encontro Tenso em Paris

Durante um evento de moda de alto perfil da marca Balenciaga, em Paris, as estrelas de Hollywood Nicole Kidman e Salma Hayek protagonizaram um momento de tensão que rapidamente se tornou viral nas redes sociais. As atrizes, que estavam a posar para fotos ao lado de Katy Perry, foram captadas num breve momento de interação que levantou muitas especulações sobre o que se terá passado entre ambas.

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De acordo com o site norte-americano Page Six, o perito em leitura labial Jeremy Freeman foi chamado para analisar as imagens e tentar desvendar o que se passou. Segundo Freeman, Salma Hayek terá sugerido a Nicole Kidman que se posicionasse de maneira diferente para as câmaras, dizendo: “Vira-te para as câmaras.” No entanto, Nicole Kidman não pareceu agradada com o comentário e respondeu de forma ríspida: “OK, já chega.” A situação escalou brevemente quando Hayek insistiu, dizendo: “Mas temos que…”. Foi então que Nicole tocou ligeiramente no braço de Salma e se afastou da sessão, visivelmente desconfortável.

Este gesto foi suficiente para que o momento fosse rapidamente captado pelas câmaras e partilhado nas redes sociais, tornando-se viral. O episódio gerou curiosidade entre os fãs das duas atrizes, e especulou-se sobre a existência de uma rixa entre elas. Contudo, de acordo com testemunhas que estavam presentes no evento, ambas as atrizes foram vistas mais tarde a conversar e a sorrir, dissipando assim quaisquer rumores de uma possível inimizade.

Apesar do breve desconforto, parece que o incidente foi apenas um mal-entendido, rapidamente resolvido. Tanto Nicole Kidman quanto Salma Hayek são conhecidas pela sua postura profissional e, ao que tudo indica, não houve qualquer impacto significativo na relação entre as duas.

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Este momento tornou-se apenas mais uma curiosidade nos bastidores de um evento repleto de glamour, mostrando que, mesmo entre estrelas de Hollywood, pequenos desentendimentos podem acontecer.

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Chocado com a Nicole Kidman falando pra Salma Hayek NÃO TOCAR NELA… Até a Katy Perry ficou sem graça. Achou desnecessária?

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“Homo Urbanus Lisboetus”: Filme Sobre Lisboa Será Estreado em Março

A dupla de artistas Ila Bêka e Louise Lemoine prepara-se para estrear o mais recente filme do seu projeto “Homo Urbanus”, desta vez centrado na cidade de Lisboa. Intitulado Homo Urbanus Lisboetus, o filme será apresentado em março de 2025 no Museu do Centro Cultural de Belém (CCB) e faz parte da maior exposição de sempre deste projeto, que retrata a vida urbana em várias cidades do mundo.

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A exposição atual, intitulada “Homo Urbanus. Uma Odisseia Cinematográfica de Bêka & Lemoine”, inclui filmes sobre 13 cidades, como Veneza, Rabat, Tóquio e Mumbai. Agora, Lisboa será a 14ª cidade a integrar o projeto. Segundo Louise Lemoine, as filmagens na capital portuguesa estão prestes a começar, com a dupla de artistas a explorar os recantos da cidade para capturar a sua essência e criar um retrato autêntico da vida quotidiana.

O conceito por trás de “Homo Urbanus” é observar a interação entre as pessoas e o espaço público, revelando as particularidades de cada cidade. Para Bêka e Lemoine, Lisboa apresenta-se como uma cidade vibrante, onde o espaço público é utilizado de formas únicas pelos seus habitantes. A dupla pretende captar esta dinâmica e partilhá-la com o público através de um formato cinematográfico inovador e imersivo.

A exposição em curso no CCB oferece aos visitantes a possibilidade de assistir a mais de 13 horas de filmes sobre as cidades escolhidas, em ambientes especialmente criados para uma experiência confortável e contemplativa. Com ecrãs gigantes e espaços para descansar, o público é convidado a mergulhar nas cenas do quotidiano de várias cidades.

A estreia de Homo Urbanus Lisboetus será um dos grandes momentos da exposição, que ficará patente até abril de 2025. A expectativa é alta, pois o filme promete trazer uma nova perspetiva sobre a cidade de Lisboa, observada pelos olhos atentos de Bêka e Lemoine.

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Escândalo em “Grey’s Anatomy”: argumentista finge ter cancro durante quase uma década

Um dos maiores escândalos no mundo das séries de televisão foi revelado em torno de Elisabeth Finch, uma argumentista de “Grey’s Anatomy”, que fingiu ter cancro durante quase uma década. Recentemente, novos detalhes sobre esta fraude vieram à tona na série documental “Anatomy of Lies”, que estreará a 15 de outubro na plataforma Peacock. O documentário promete expor a extensão impressionante das mentiras de Finch e as consequências devastadoras para os seus colegas e a indústria do entretenimento.

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Segundo o escritor e produtor Andy Reaser, que trabalhou com Finch, a argumentista levava a farsa a níveis surpreendentes, alterando a sua aparência e comportamento no local de trabalho para parecer gravemente doente. Finch aparecia com a cabeça raspada, um tom de pele esverdeado e dizia estar a fazer pausas para vomitar devido à quimioterapia. Este comportamento convincente enganou os seus colegas, que acreditavam estar a testemunhar a luta da argumentista contra um cancro agressivo, quando, na realidade, nada disso era verdade.

As revelações vieram a público após uma investigação iniciada em 2022, quando a Vanity Fair publicou um artigo detalhado sobre o caso, revelando que Finch nunca tinha tido qualquer tipo de cancro. Além disso, a argumentista tinha alegado ser sobrevivente de várias outras tragédias, incluindo a perda de um amigo no tiroteio na sinagoga Tree of Life, em 2018, e abusos por parte de um realizador enquanto trabalhava na série “The Vampire Diaries”. Estes relatos, que foram depois desmentidos, revelaram um padrão de manipulação e fraude por parte de Finch, que culminou na sua saída de “Grey’s Anatomy” após uma investigação da Disney.

A própria Finch admitiu as suas mentiras numa entrevista em 2022, reconhecendo que “nunca teve qualquer tipo de cancro” e descrevendo as suas ações como uma “estratégia de coping” face a traumas pessoais. A argumentista tentou justificar o seu comportamento ao compará-lo com outros mecanismos de escape, como o uso de drogas ou o alcoolismo, admitindo que as suas mentiras se tornaram cada vez maiores e mais difíceis de controlar.

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A série documental “Anatomy of Lies” contará com entrevistas de várias pessoas que trabalharam com Finch, revelando como ela manipulou aqueles à sua volta e como a sua teia de mentiras afetou profundamente os que confiaram nela. Finch, por sua vez, não participou na série, mas admitiu anteriormente sentir-se uma “fraude” e que muitos dos seus amigos e familiares a cortaram da sua vida após o escândalo.

O impacto deste caso em Hollywood, especialmente numa série tão longeva e aclamada como “Grey’s Anatomy”, levantou questões sobre como a empatia e a confiança podem ser exploradas de forma tão profunda e devastadora.

Denzel Washington pode ser Dormammu no próximo “Doctor Strange 3”

O regresso de Sam Raimi como realizador do terceiro filme da franquia “Doctor Strange” parece estar praticamente confirmado, mas as novidades não ficam por aqui. De acordo com fontes próximas à Marvel, o ator Denzel Washingtonestá a ser fortemente considerado para o papel de Dormammu, o temível vilão interdimensional que já fez a sua primeira aparição no MCU em “Doctor Strange” (2016). A notícia gerou grande entusiasmo entre os fãs, que aguardam ansiosamente o próximo capítulo desta saga do Universo Cinematográfico da Marvel (MCU).

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Após o sucesso de “Doctor Strange in the Multiverse of Madness”, Sam Raimi, conhecido pelo seu trabalho inovador em filmes como “Spider-Man” (2002) e “Evil Dead” (1981), parece ser a escolha óbvia para continuar a explorar as complexidades e os mistérios do multiverso. A inclusão de Denzel Washington, um dos atores mais respeitados e aclamados de Hollywood, traria uma nova dimensão ao papel de Dormammu, uma entidade poderosa e implacável, que é uma das maiores ameaças do universo mágico de Doctor Strange.

Se as negociações forem concluídas, Washington juntaria o seu nome a um elenco estelar que já conta com Benedict Cumberbatch no papel de Doctor Strange e Elizabeth Olsen como Wanda Maximoff. Embora Dormammu tenha sido anteriormente interpretado por uma versão digital, com a voz de Benedict Cumberbatch no primeiro filme, a possibilidade de Denzel Washington dar vida ao personagem de uma forma mais física e imponente tem gerado grande expectativa.

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A introdução de um ator da estatura de Washington no MCU seria um marco significativo, continuando a tendência da Marvel de atrair grandes talentos para os seus filmes. Nos últimos anos, atores de renome como Christian BaleAngelina Jolie, e Russell Crowe juntaram-se ao universo Marvel, elevando o nível de prestígio das suas produções. O papel de Dormammu, uma figura implacável que governa a Dimensão Negra e tem poderes além da compreensão humana, seria um ajuste perfeito para o calibre de Washington.

Embora os detalhes da trama de “Doctor Strange 3” ainda estejam envoltos em segredo, o retorno de Dormammu poderia significar um novo confronto épico entre ele e o feiticeiro supremo. O vilão foi deixado em aberto no final do primeiro filme, depois de ter sido derrotado pela astúcia de Doctor Strange, mas é sabido que uma entidade tão poderosa raramente é contida por muito tempo.

Além disso, o regresso de Sam Raimi à cadeira de realizador é visto com grande entusiasmo. O seu estilo visual único e a sua habilidade em misturar terror e ação prometem tornar o próximo filme uma experiência visualmente deslumbrante, mantendo o equilíbrio entre o espetáculo de super-heróis e os elementos mais sombrios e psicológicos que foram introduzidos no segundo filme.

Os fãs da Marvel estão ansiosos para ver o que o futuro reserva para Doctor Strange e como a introdução de Denzel Washington no papel de Dormammu pode moldar os eventos que irão ocorrer no multiverso. Com o MCU a expandir continuamente as suas fronteiras, “Doctor Strange 3” promete ser mais um marco importante na construção deste universo interconectado.

Harrison Ford defende os filmes da Marvel e rejeita a ideia de “morte das estrelas de cinema”

Aos 82 anos, Harrison Ford, uma das maiores estrelas de Hollywood, continua a ser uma figura de destaque na indústria cinematográfica, agora também no universo da Marvel. Em recentes declarações à GQ, Ford comentou sobre o seu novo papel no Marvel Cinematic Universe (MCU), onde irá interpretar o General Thaddeus “Thunderbolt” Ross em “Captain America: Brave New World”, a estrear em 2025. O ator, conhecido pelas suas icónicas interpretações como Han Solo em “Star Wars” e Indiana Jones, desvalorizou as críticas feitas por realizadores como Quentin Tarantino e Martin Scorsese, que argumentam que os filmes de super-heróis estão a “matar” o conceito de estrelas de cinema.

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Para Ford, evitar papéis em filmes da Marvel seria “ridículo”, especialmente quando este género de filmes continua a proporcionar experiências positivas para o público. “A Marvel tem oferecido boas experiências ao público durante anos. Eu compreendo a sua popularidade e decidi participar”, afirmou o ator. Este comentário demonstra a abertura de Ford a novas formas de entretenimento e a sua aceitação das mudanças na indústria cinematográfica.

O ator também foi questionado sobre a suposta “morte das estrelas de cinema”, um conceito defendido por alguns críticos, como Tarantino, que acreditam que os atores da Marvel são mais associados aos seus personagens do que às suas próprias carreiras. Ford, no entanto, rejeitou veementemente esta ideia, considerando-a “absurda”. “A questão não é se há ou não estrelas de cinema. Há atores maravilhosos a surgir todos os dias. Se os filmes precisarem de estrelas, elas vão surgir”, afirmou o ator, reiterando que, para ele, sempre foi mais importante ser um contador de histórias do que uma “estrela”.

Estas declarações demonstram que Harrison Ford, com uma carreira de seis décadas, continua a adaptar-se às tendências da indústria e a manter-se relevante em vários géneros cinematográficos, desde aventuras épicas até dramas intensos e, agora, filmes de super-heróis. Apesar de ser conhecido por papéis em grandes sagas, como “Star Wars” e “Indiana Jones”, Ford tem agora a oportunidade de conquistar uma nova geração de fãs através do MCU.

Curiosamente, Ford também se considera um comediante. Embora seja mais conhecido pelos seus papéis em dramas e filmes de ação, o ator revelou que vê o humor em muitas das personagens que interpreta, mesmo em filmes que são considerados sérios. “Para mim, a comédia está presente em tudo. Encontrar o humor é o que torna as situações mais suportáveis”, disse Ford, enquanto promove a segunda temporada da série “Shrinking”, da Apple TV+, onde interpreta um terapeuta com um sentido de humor irónico.

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Harrison Ford, com a sua impressionante longevidade em Hollywood, provou ser um dos atores mais versáteis e duradouros da sua geração. A sua abertura a novas formas de cinema e a recusa de cair em ideias nostálgicas e conservadoras mostram que, mesmo aos 82 anos, Ford ainda tem muito para dar ao mundo do cinema.

“Pulp Fiction” celebra 30 anos: o filme que revolucionou o cinema moderno

A 14 de outubro de 1994, o mundo do cinema mudou para sempre com a estreia de “Pulp Fiction”, uma obra que não só revitalizou carreiras como também redefiniu o género de filmes independentes. Realizado por Quentin Tarantino, o filme tornou-se rapidamente num clássico de culto, sendo amplamente aclamado pela sua narrativa não linear, diálogos afiados e personagens memoráveis.

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Originalmente concebido como uma antologia por Tarantino e Roger Avary, o filme acabou por evoluir para uma odisseia de humor, violência e criatividade desmedida. “Pulp Fiction” não só ressuscitou a carreira de John Travolta, como também consagrou Samuel L. Jackson como uma das grandes estrelas de Hollywood. A película ainda deu origem a uma onda de imitadores, mas nenhum deles conseguiu replicar o impacto ou a originalidade da obra.

Em termos de reconhecimento, “Pulp Fiction” não ficou aquém das expectativas. No Festival de Cannes de 1994, o filme recebeu a Palma de Ouro, uma das mais prestigiadas honras do mundo do cinema. Além disso, foi nomeado para sete Óscares, incluindo Melhor Filme, Melhor Realizador e Melhor Argumento Original, com este último a conquistar a estatueta dourada para Tarantino e Avary. Comercialmente, o filme também foi um sucesso, arrecadando 213 milhões de dólares a nível mundial, a partir de um orçamento modesto de 8,5 milhões.

A estrutura inovadora de “Pulp Fiction”, que rompeu com as normas convencionais da narrativa linear, tornou-se num marco estilístico que influenciou cineastas de todo o mundo. Desde a sua sequência inicial, marcada pela icónica música de surf rock de Dick Dale, até ao famoso discurso de Ezekiel 25:17 proferido por Samuel L. Jackson, o filme está recheado de momentos que ficaram gravados na história do cinema.

O impacto cultural de “Pulp Fiction” foi tão significativo que, para muitos, se tornou um símbolo de uma nova era no cinema. Ao misturar géneros, referências pop e um humor negro inconfundível, Tarantino mostrou ao mundo que os filmes independentes podiam ser financeiramente viáveis e artisticamente inovadores. Mais de duas décadas depois, o filme continua a ser amplamente discutido, citado e reverenciado, e é regularmente incluído em listas dos melhores filmes de todos os tempos.

Para muitos dos envolvidos no filme, “Pulp Fiction” foi mais do que uma experiência cinematográfica — foi um fenómeno cultural que alterou as suas vidas. John Travolta, por exemplo, viu a sua carreira renascer, após alguns anos de menor destaque. Tarantino, por sua vez, consolidou-se como um dos realizadores mais originais e influentes de Hollywood, com uma assinatura estilística que inspirou gerações de cineastas.

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Hoje, com 30 anos passados desde a sua estreia, “Pulp Fiction” continua a ser uma referência essencial no cinema contemporâneo, tendo provado que a ousadia, a criatividade e a subversão das expectativas podem gerar um impacto duradouro e transformador. A sua influência ainda se faz sentir em inúmeros filmes que seguiram, mas poucos conseguiram alcançar a mistura perfeita de irreverência, inovação e profundidade que “Pulp Fiction” trouxe ao mundo.

“Joker: Folie à Deux” enfrenta perdas gigantescas nas bilheteiras

O tão aguardado “Joker: Folie à Deux”, a sequela do aclamado “Joker” de 2019, está a enfrentar uma verdadeira catástrofe nas bilheteiras, com previsões de perdas entre 150 e 200 milhões de dólares. O filme, que tinha um orçamento colossal de 200 milhões de dólares, arrecadou apenas 51,5 milhões nos Estados Unidos e 165 milhões a nível mundial após duas semanas de exibição. Este é um contraste gritante com o seu antecessor, que conseguiu valores muito superiores em apenas três dias.

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O fracasso financeiro de “Folie à Deux” tem sido atribuído a várias razões. A decisão de transformar o filme num musical, algo muito diferente do tom sombrio e dramático do primeiro “Joker”, parece ter alienado uma parte significativa do público. Embora a performance de Joaquin Phoenix e Lady Gaga tenha sido amplamente elogiada, o formato não convenceu nem críticos nem espectadores. Além disso, as expectativas elevadas e o enorme custo de produção colocaram uma pressão extra sobre o filme.

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Com uma receção negativa no Rotten Tomatoes (33% de aprovação) e uma rara nota “D” no CinemaScore, o filme está a ser considerado um dos maiores fracassos de bilheteira de 2024. Contudo, a Warner Bros. espera recuperar parte do investimento quando o filme for lançado em plataformas de entretenimento caseiro, a partir de 29 de outubro de 2024. Mesmo assim, o impacto desta perda no futuro da franquia DC será significativo, especialmente num mercado cinematográfico pós-pandemia, onde as superproduções já não garantem sucesso financeiro.

“Clube de Combate” comemora 25 anos: de fracasso nas bilheteiras ao estatuto de filme de culto

A 15 de outubro de 1999, “Clube de Combate” estreou nas salas de cinema da América do Norte, gerando grande expectativa entre os cinéfilos. O filme, realizado por David Fincher e baseado no romance homónimo de Chuck Palahniuk, era uma aposta ambiciosa. Com Brad Pitt e Edward Norton nos papéis principais e uma crítica feroz ao consumismo e à masculinidade na sociedade moderna, tudo parecia apontar para um grande sucesso. No entanto, o impacto inicial foi dececionante.

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Apesar das estrelas envolvidas e de um realizador conhecido por sucessos como “Seven”, “Clube de Combate” não foi bem recebido nas bilheteiras, e o público, aparentemente, seguiu as regras do filme: “A primeira regra do Clube de Combate é: não falar sobre o Clube de Combate”. O filme arrecadou menos do que o esperado, e as críticas foram, em parte, divididas, considerando-o excessivamente violento e perturbador.

No entanto, o verdadeiro reconhecimento de “Clube de Combate” começou a surgir algum tempo depois, quando foi lançado em DVD. As suas vendas incríveis em formato caseiro transformaram-no num fenómeno cultural. Frases como “Eu sou o Tyler Durden” tornaram-se parte do vocabulário popular, e o filme foi reinterpretado como uma poderosa crítica à alienação do homem moderno. Hoje, 25 anos depois, “Clube de Combate” é considerado um clássico de culto, frequentemente referenciado em listas de melhores filmes de sempre e estudado em escolas de cinema.

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Com cenas icónicas e uma narrativa que mexe com o público, o filme passou de uma deceção comercial para uma obra intemporal que continua a ser discutida e admirada por cinéfilos e críticos. “Clube de Combate” transformou-se num símbolo de resistência cultural, desafiando normas e inspirando debates profundos sobre a identidade e a sociedade de consumo.

Costa-Gavras será homenageado com o César Honorário na 50ª edição dos prémios

O realizador franco-grego Costa-Gavras, conhecido por ser um mestre do suspense político, será distinguido com um César Honorário durante a 50ª cerimónia dos prémios César, marcada para 28 de fevereiro de 2025, no Olympia de Paris. Esta homenagem reconhece a sua longa e ilustre carreira, que influenciou gerações de cineastas e deixou uma marca profunda no cinema mundial.

Nascido na Grécia e exilado em França, Costa-Gavras tornou-se uma figura incontornável do cinema político, abordando temas controversos e de grande relevância social. Entre os seus filmes mais conhecidos estão “Z – A Orgia do Poder” (1969), que lhe valeu o Óscar de Melhor Filme Estrangeiro, e “Missing – Desaparecido” (1982), que lhe rendeu a Palma de Ouro em Cannes e um Óscar pelo argumento, focado no golpe de Estado no Chile em 1973. Ambos os filmes continuam a ser referências incontornáveis no que toca à crítica política através do cinema.

Além destas conquistas, Costa-Gavras também recebeu dois prémios César em 2002, com “Amen”, uma dura crítica ao silêncio do Vaticano durante o Holocausto. O realizador, hoje com 91 anos, é presidente da Cinemateca Francesa, e continua a influenciar a indústria cinematográfica, não apenas com os seus filmes, mas também com o seu papel na preservação e promoção do cinema.

A 50ª edição dos prémios César, organizada pela Academia Francesa de Cinema, será transmitida pelo Canal+ e terá Catherine Deneuve como presidente. Esta edição especial promete ser uma celebração da carreira de Costa-Gavras, uma figura que transcendeu fronteiras, tanto geográficas como artísticas, para se tornar num dos mais importantes realizadores do nosso tempo.

O Papel de “The Dude” e a Reflexão de Jeff Bridges

Quando Jeff Bridges foi convidado para interpretar o icónico personagem The Dude no filme The Big Lebowski (1998), o ator passou por uma fase de grande reflexão interna. O personagem é um anti-herói clássico, um preguiçoso que fuma marijuana e leva uma vida despreocupada. Para Bridges, este papel levantou uma questão importante: será que representar uma figura como The Dude seria um mau exemplo para as suas filhas?

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Bridges, que sempre valorizou a liberdade criativa de interpretar todo o tipo de personagens, independentemente de serem “bons” ou “maus”, viu-se neste dilema. Será que a imagem deste tipo de personagem poderia afetar a forma como as suas filhas o viam? Numa atitude ponderada, Bridges reuniu a família e explicou-lhes o seu dilema. Foi então que a sua filha do meio o tranquilizou com uma resposta simples, mas poderosa: “Pai, tu és um ator. Sabemos que o que fazes é tudo a fingir. Sabemos que, quando beijas alguém no ecrã, ainda amas a mãe. Sabemos que és ator.” Com a compreensão e o apoio da sua família, Bridges sentiu-se livre para aceitar o papel e mergulhar no universo peculiar de The Big Lebowski.

Esta história revela muito sobre o ator e a forma como ele vê a sua profissão. Para Bridges, é essencial que o público saiba separar a realidade da ficção. Ele conta com o entendimento dos espetadores de que o que se vê no ecrã é uma obra de ficção e não um exemplo para as suas vidas.

O Impacto de “The Dude” e a História Real por Trás da Personagem

O personagem de The Dude, que se tornou um dos mais icónicos do cinema, foi inspirado numa pessoa real: Jeff “The Dude” Dowd, um promotor de cinema independente que ajudou os irmãos Coen a assegurar a distribuição do seu primeiro filme, Blood Simple (1984). Tal como o seu homónimo fictício, Dowd era um membro dos Seattle Seven, um grupo de ativistas, e partilhava uma atitude despreocupada em relação à sua aparência e estilo de vida.

No filme, The Dude refere-se a si mesmo como um dos autores da Port Huron Statement, um documento real escrito pelos Students for a Democratic Society em junho de 1962, durante uma convenção nacional em Michigan. Curiosamente, Dowd não foi um dos autores, pois tinha apenas 12 anos na altura.

O Processo de Casting e os Detalhes por Trás das Câmaras

O casting para o papel de Jeffrey Lebowski foi uma das últimas decisões dos irmãos Coen antes de começarem as filmagens. Segundo Alex Belth, que trabalhou como assistente dos Coen, o processo envolveu considerações por parte de vários grandes nomes de Hollywood. Robert Duvall rejeitou o papel por não gostar do guião, enquanto Anthony Hopkins não tinha interesse em interpretar um americano, e Gene Hackman estava a fazer uma pausa na sua carreira. Outros nomes curiosos incluíam Norman MailerGeorge C. ScottJerry FalwellGore Vidal, e até Andy Griffith. No entanto, o “Lebowski” ideal dos Coen era ninguém menos que Marlon Brando, e os irmãos divertiam-se a imitar algumas das falas do personagem, como “Homens fortes também choram”, à maneira de Brando.

O Estilo Único de Jeff Bridges

Uma das marcas do desempenho de Jeff Bridges como The Dude foi o seu compromisso em tornar o personagem o mais autêntico possível. Frequentemente, antes de filmar uma cena, Bridges perguntava aos Coen: “Será que o Dude fumou um antes de vir para aqui?” Se os realizadores dissessem que sim, Bridges esfregava os nós dos dedos nos olhos para criar um efeito de olhos vermelhos, simulando o uso de drogas.

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Além disso, muitos dos trajes que o personagem usava no filme pertenciam ao próprio Bridges. As sandálias Jellies, que se tornaram uma das imagens de marca de The Dude, eram realmente dele e, até hoje, Bridges ainda as possui e usa ocasionalmente.

Uma Personagem que Marcou a Cultura Pop

The Dude tornou-se um ícone cultural, representando o anti-herói descontraído que conquistou os corações dos fãs com a sua filosofia de vida única. The Big Lebowski é mais do que um filme, é um exemplo de como uma personagem pode transcender o ecrã e influenciar a cultura popular. Para Jeff Bridges, foi um papel libertador, não apenas pela complexidade do personagem, mas pela validação que recebeu da sua família e pela confiança que depositou no público para distinguir entre o que é ficção e o que é real.

Estreia de “O Urso do Pó Branco” no TVCine Top

“O Urso do Pó Branco”, uma das comédias negras mais bizarras dos últimos tempos, chega aos ecrãs portugueses no dia 18 de outubro, às 21h30, no TVCine Top e TVCine+. Realizado por Elizabeth Banks, o filme é baseado numa história real inacreditável que teve lugar nos Estados Unidos, em 1985. O que acontece quando um urso negro consome uma quantidade absurda de cocaína? O resultado é uma hilariante e sangrenta série de eventos, onde várias personagens peculiares se cruzam nas profundezas de uma floresta.

A História Surreal que Inspirou o Filme

Em 1985, na Floresta Nacional de Chattahoochee, na Geórgia, um traficante de droga perde o controlo do seu avião, e um saco contendo tijolos de cocaína cai no meio do parque natural. Um urso negro acaba por ingerir cerca de 14 milhões de dólares em cocaína, e, a partir daí, começa uma caçada frenética e perigosa. Transformado num predador imparável, o urso percorre a floresta em busca de mais “pó branco”, deixando um rasto de destruição e caos.

Enquanto isso, um grupo de personagens – que inclui criminosos, polícias, turistas e adolescentes perdidos – tenta desesperadamente sobreviver ao ataque da fera enlouquecida. O filme mistura elementos de comédia e terror, resultando numa narrativa única e cheia de reviravoltas.

Um Elenco de Peso

“O Urso do Pó Branco” conta com um elenco estelar, que inclui nomes como Keri Russell (The Americans), O’Shea Jackson Jr. (Straight Outta Compton), Christian Convery-Jennings (Sweet Tooth), Alden Ehrenreich (Solo: A Star Wars Story), Jesse Tyler Ferguson (Modern Family), Brooklynn Prince (The Florida Project) e Isiah Whitlock Jr.(BlacKkKlansman). O filme também conta com a presença de Kristofer Hivju (Guerra dos Tronos), Hannah Hoekstra(Charlie’s Angels), Aaron Holliday (Sharp Objects), a vencedora de um Emmy Margo Martindale (The Americans), e o falecido Ray Liotta, num dos seus últimos papéis.

A combinação de humor negro, uma história surreal e um elenco talentoso promete proporcionar grandes momentos de entretenimento. A realização de Elizabeth Banks traz à tela uma abordagem irreverente e cheia de ação, que é imperdível para os fãs de filmes que desafiam convenções.

Não Perca!

Prepare-se para uma noite de diversão alucinante e cenas inesperadas com “O Urso do Pó Branco”. A estreia está marcada para 18 de outubro, às 21h30, no TVCine Top e também estará disponível no TVCine+.

Será que os Actores Podem Beber Álcool Real Durante as Filmagens?

No mundo do cinema, muitas vezes surge a questão: os actores podem beber álcool verdadeiro enquanto filmam cenas em que os seus personagens estão a beber? Embora a ideia possa parecer simples, a realidade é mais complexa, e a resposta depende de vários factores, incluindo a fama do actor, as exigências do realizador ou produtor, e até as implicações legais envolvidas.

A Realidade das Filmagens com Bebidas Alcoólicas

De modo geral, os actores não consomem álcool real enquanto filmam. Há várias razões para isso, sendo a principal a natureza imprevisível do álcool e os seus efeitos. Ficar embriagado pode prejudicar o desempenho de um actor, fazendo-o esquecer as suas falas, alterar o tom da voz, ou até causar comportamentos indesejados como tropeçar ou vomitar. Tudo isto pode arruinar uma filmagem e forçar a equipa a refazer a cena, o que implica custos adicionais e perda de tempo.

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Por exemplo, no início da carreira de Richard Gere, antes de se tornar uma estrela com filmes como American Gigolo e Pretty Woman, ele foi despedido de uma produção por comportamento impróprio no set, após uma briga com Sylvester Stallone. Este tipo de comportamento é considerado inaceitável em qualquer produção profissional.

Além disso, filmar uma cena pode exigir múltiplas tentativas de vários ângulos. Se um actor comete erros, toda a cena tem de ser repetida. Um exemplo famoso envolve Marlon Brando e Frank Sinatra durante as filmagens de Guys and Dolls. Brando, chateado com as críticas de Sinatra ao seu estilo de “method acting”, intencionalmente errou as suas falas durante uma cena em que Sinatra tinha de comer cheesecake, sabendo que ele detestava a sobremesa. Como resultado, Sinatra teve de comer tantas fatias que acabou por se sentir mal.

Substituições de Álcool no Set

Para evitar esses problemas, as produções cinematográficas usam substitutos para as bebidas alcoólicas. Para imitar bebidas claras como vodka, tequila ou gin, é comum utilizar água. Para simular bebidas escuras como whisky ou bourbon, são usados chá ou sumo de maçã. O vinho é substituído por sumo de uva ou de arando, e para simular café, os actores muitas vezes bebem Diet Coke (pois ninguém quer beber café frio durante várias horas de filmagens).

Um exemplo famoso do uso de substitutos foi no filme Lost in Translation, onde Bill Murray interpreta uma estrela americana a gravar um anúncio de whisky no Japão. Na realidade, Murray não estava a beber whisky, mas sim chá.

Excepções Notáveis e o Uso de Álcool em Cenas Íntimas

Apesar das regras gerais, há excepções, especialmente em cenas que exigem maior vulnerabilidade emocional. Por vezes, os actores optam por beber álcool real antes de cenas particularmente difíceis ou íntimas. No filme Black SwanNatalie Portman e Mila Kunis beberam antes de filmarem uma cena íntima para relaxar os nervos. Da mesma forma, Margot Robbie revelou que tomou três shots de tequila antes de filmar uma cena com Leonardo DiCaprio em The Wolf of Wall Street.

Há também exemplos de actores que escolhem beber álcool real para o bem da autenticidade. Ralph Fiennes, por exemplo, bebeu durante as filmagens de Schindler’s List, para mergulhar mais profundamente no seu papel. E há ainda os que adotam a abordagem de method acting, como Nicolas Cage em Leaving Las Vegas, onde o actor, que interpretava um alcoólico, bebeu de verdade para representar o seu papel.

No entanto, estes casos são raros e, geralmente, limitados a actores de grande renome, cuja presença é indispensável para a produção. Se um actor muito famoso decide beber, muitas vezes a produção tem de acomodar essa decisão, pois o filme não pode continuar sem ele. Contudo, é improvável que um actor se comporte desta forma num set dirigido por um realizador de renome, como Steven Spielberg ou Christopher Nolan, onde o profissionalismo é essencial.

As Implicações Legais e Contratuais

Para actores com antecedentes de alcoolismo, como foi o caso de Robert Downey Jr., há implicações contratuais severas. Quando RDJ estava a tentar recuperar a sua carreira após a sobriedade, as seguradoras recusavam-se a cobrir as suas participações em filmes, temendo uma recaída. Foi apenas graças a Mel Gibson, que pagou a caução de seguro de RDJ, que o actor conseguiu voltar ao trabalho.

Em situações como esta, os actores muitas vezes são obrigados a assinar contratos que proíbem explicitamente o consumo de álcool no set. Se estes contratos forem violados, as penalidades podem incluir a perda de salário, rescisão de contrato, ou até processos judiciais.

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Conclusão

No mundo do cinema, beber álcool real durante as filmagens é, na maioria das vezes, desencorajado e até proibido, tanto por razões de profissionalismo como por questões legais. Embora haja excepções, estas costumam envolver actores de grande renome, que conseguem negociar certas liberdades no set. Para a maioria, contudo, o álcool é substituído por alternativas seguras, garantindo que as filmagens ocorram sem complicações.