🍔 “Quero o que ela está a comer”: A Verdadeira História da Cena Mais Icónica de When Harry Met Sally…

Há cenas no cinema que se tornam eternas. E depois há essa cena. Aquela que envolve Meg Ryan, um pasmado Billy Crystal, um sanduíche e um falso orgasmo — tudo no meio de um restaurante movimentado. Sim, estamos a falar da icónica sequência de When Harry Met Sally… (1989), uma das mais memoráveis comédias românticas de sempre. Mas o que talvez não saiba é que parte dessa genialidade veio… de improvisos e ideias no momento! 😲

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Numa entrevista dada à NPR em 2004, Nora Ephron — a argumentista do filme — revelou que foi Meg Ryan quem sugeriu não só que Sally fingisse um orgasmo, mas também que isso acontecesse em pleno restaurante. Segundo Ephron, a cena tornou-se um dos momentos mais audaciosos e engraçados do cinema exactamente por causa dessa ousadia. E o toque final? A famosa frase “I’ll have what she’s having” (“Quero o que ela está a comer”) foi ideia de ninguém menos que Billy Crystal. Brilhante, não é?

Katz’s Deli: Um Templo Cinematográfico 🍴

A cena foi filmada num restaurante real — o lendário Katz’s Delicatessen, em East Houston Street, Nova Iorque. Hoje, o local tornou-se ponto de peregrinação para os fãs do filme e do cinema em geral. Na mesa onde Meg Ryan protagonizou o falso orgasmo mais famoso da história, existe agora uma placa com os dizeres: “Where Harry met Sally… hope you have what she had!”.

Mas a cena não foi feita num único take. Ryan teve de repetir o seu “momento de glória” múltiplas vezes, com a câmara a filmar de diferentes ângulos e o ambiente do restaurante a ser cuidadosamente controlado. Um trabalho de fôlego… e de pulmões! 😅

A Comida, a Personalidade e Nora Ephron ✍️

Outro detalhe delicioso: os hábitos alimentares maníacos de Sally — aquela coisa de pedir pratos complicados e com mil modificações — vieram da própria Nora Ephron! O realizador Rob Reiner reparou em como Ephron pedia a sua comida e decidiu que isso tinha de entrar no argumento. Quando ele lhe disse “Tu és igualzinha à Sally!”, Ephron respondeu: “Eu só quero as coisas como eu quero”. E, claro, essa linha acabou mesmo no filme.

Anos depois, já com o filme consolidado como um clássico, Ephron contou que, ao pedir um prato num avião de forma muito específica, a hospedeira olhou para ela e perguntou: “Já viu o filme When Harry Met Sally…?” — sem sequer perceber que estava a falar com a mulher que o escreveu! ✈️😂

Um Clássico com Sabor a Realidade

Parte da magia de When Harry Met Sally… está no facto de as personagens parecerem absolutamente reais. Não são perfeitas, mas são honestas — e muito engraçadas. A contribuição espontânea dos actores, as observações pessoais de Nora Ephron e o olho clínico de Rob Reiner criaram um filme que atravessou gerações.

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E tudo começou com um orgasmo falso no meio de um pastrami. Que mais se pode pedir ao cinema?

Kevin Costner Celebra 70 Anos com Tributo a Whitney Houston: “Perdemos uma Luz quando Perdemos Whitney”

No dia em que completou 70 anos, a 18 de janeiro, Kevin Costner dedicou parte do seu aniversário a recordar a sua antiga colega de elenco e amiga, Whitney Houston. O ator partilhou uma fotografia emocionante nas suas Instagram Stories, tirada durante as filmagens de The Bodyguard (1992), onde ambos protagonizaram um dos filmes mais icónicos das suas carreiras.

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Uma Recordação Tocante

A imagem, originalmente publicada pela conta oficial de Whitney Houston, agora gerida pela sua herança, mostra Costner ao lado de Houston e da cabeleireira Ellin LaVar no set do filme. Junto à fotografia, Costner escreveu:

“Esta foto lembra-me de quão sortudo sou por ter mais um aniversário. Perdemos uma luz tão brilhante quando perdemos Whitney.”

Whitney Houston, que faleceu aos 48 anos em 11 de fevereiro de 2012, teria completado 61 anos em 2024. A publicação original incluía a mensagem:

“Feliz aniversário a Kevin Costner! Uma foto dos bastidores de The Bodyguard com Kevin, Whitney e Ellin LaVar, a cabeleireira de Whitney para o filme.”

Uma Amizade que Superou o Tempo

Costner e Houston partilharam uma ligação especial durante e após as filmagens de The Bodyguard. Em junho de 2024, Costner recordou o momento em que prestou homenagem à cantora no seu funeral em 2012. Durante o discurso, recusou encurtar as suas palavras de 17 minutos, apesar do pedido de redes televisivas como a CNN, que queriam tempo para anúncios comerciais.

“Trabalhei muito naquele discurso… compilei tudo o que queria dizer e finalmente criei o texto,” contou Costner. “Disseram-me: ‘A CNN está aqui, não se importavam se os seus comentários fossem mais curtos para passarem comerciais.’ E eu disse: ‘Eles podem passar comerciais enquanto eu falo, não me importa.’”

Costner recordou ainda a energia do funeral:

“Voltei àquela igreja em Newark e estava cheia. Era elétrico. Havia duas bandas a tocar, a igreja estava viva. Foi como, boom!”

Um Legado Duradouro

The Bodyguard não só consolidou o estatuto de Whitney Houston como uma das maiores estrelas musicais do mundo, mas também demonstrou a versatilidade de Costner enquanto ator e produtor. A banda sonora do filme, que inclui o lendário I Will Always Love You, tornou-se a mais vendida de todos os tempos, reforçando o impacto cultural da obra.

Enquanto celebra o marco dos 70 anos, Kevin Costner continua a honrar a memória de Whitney Houston, relembrando não apenas o seu talento, mas também a luz que trouxe à vida de todos que a conheceram.

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Bruce Willis: O Último Herói de Ação e o Adeus a Uma Carreira Icónica

Bruce Willis é um nome incontornável no panteão dos heróis de ação de Hollywood. Com uma carreira que se estendeu por mais de quatro décadas, Willis conquistou o público com o seu carisma, humor sarcástico e talento inegável. Desde os dias de John McClane, o polícia relutante de “Die Hard”, até aos papéis memoráveis em thrillers como “Pulp Fiction” e ficção científica como “O Quinto Elemento”, Willis definiu um estilo único no género de ação que inspirou gerações de atores e cineastas.

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No entanto, o anúncio em 2022 da sua retirada devido a problemas de saúde marcou um momento triste na história do cinema. O diagnóstico de afasia — um distúrbio neurológico que afeta a capacidade de comunicação — trouxe um fim abrupto à carreira de um dos mais amados heróis de ação.

O Ascender de um Ícone

A carreira de Bruce Willis começou na televisão, mas foi com a série “Moonlighting” (Luzes da Ribalta no Brasil / Modelo e Detective em Portugal (1985-1989) que ele ganhou visibilidade, interpretando David Addison, um detetive privado cheio de charme e respostas rápidas. Apesar do sucesso na televisão, foi no grande ecrã que Willis encontrou o seu verdadeiro palco.

O papel de John McClane em “Die Hard” (1988) foi o ponto de viragem. McClane era um herói imperfeito, humano, longe do arquétipo imbatível dos filmes de ação da época. Ele sangrava, tropeçava e lutava com inteligência e resiliência, conquistando o público com a sua vulnerabilidade e frases icónicas como “Yippee-ki-yay, motherfer”*.

O sucesso de “Die Hard” tornou Willis num dos atores mais requisitados da década de 1990. Ele protagonizou sucessos como “Armageddon” (1998), onde liderou uma equipa de perfuradores de petróleo numa missão espacial para salvar o planeta, e “O Sexto Sentido” (1999), que revelou o seu talento dramático além da ação explosiva.

O Estilo de Bruce Willis

Willis trouxe algo único para os seus papéis de ação: uma mistura de força física e sagacidade emocional. Diferente dos heróis musculosos de Schwarzenegger ou Stallone, ele interpretava personagens mais próximas do homem comum, alguém que podia facilmente ser um pai de família apanhado em situações extraordinárias. Este elemento humano tornou as suas personagens mais relacionáveis e as suas vitórias mais gratificantes.

Além disso, Willis tinha um timing cómico impecável, frequentemente usado para aliviar a tensão em momentos de perigo. Esta capacidade de equilibrar ação, drama e humor tornou-o num dos atores mais versáteis de Hollywood.

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O Declínio e o Fim da Carreira

Na última década, a carreira de Willis foi marcada por uma proliferação de filmes de baixo orçamento, muitos deles lançados diretamente em plataformas digitais. Estes projetos levaram alguns críticos a questionar as escolhas do ator, mas tornaram-se mais compreensíveis após o anúncio do seu diagnóstico de afasia.

Em março de 2022, a família de Willis revelou que ele iria retirar-se devido à progressão da condição, que afeta a sua capacidade de falar, compreender e atuar. Este anúncio foi recebido com uma onda de solidariedade e tributos de colegas e fãs em todo o mundo.

O Legado de Bruce Willis

Bruce Willis deixa um legado extraordinário na história do cinema. Ele não foi apenas um ator; foi um símbolo de resiliência, humor e humanidade. Os seus filmes de ação redefiniram o género, equilibrando cenas explosivas com profundidade emocional.

Mesmo com o fim precoce da sua carreira, o impacto de Willis continuará a ser sentido. Os seus filmes clássicos, como “Die Hard”, “Pulp Fiction”, e “O Sexto Sentido”, permanecem intemporais, lembrando-nos do porquê de termos aclamado este homem comum como um herói extraordinário.

A Estratégia Inusitada de Matt Damon e Ben Affleck em Good Will Hunting

O filme Good Will Hunting (1997), escrito por Matt Damon e Ben Affleck, é amplamente reconhecido como um marco na carreira de ambos os artistas. Contudo, o que muitos desconhecem é a estratégia peculiar que os dois utilizaram para escolher o estúdio que produziria o filme. Esta história, envolta em humor e inteligência, reflete a criatividade e determinação que marcaram o projeto.

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O teste escondido no guião

Damon e Affleck introduziram no guião uma cena improvável e desconexa: um momento de intimidade inesperado entre os dois protagonistas, Will e Chuckie. A cena foi colocada na página 60 e serviu como uma armadilha para avaliar quais estúdios realmente liam o guião com atenção. Surpreendentemente, a maioria das empresas ignorou completamente o detalhe.

Quando apresentaram o guião a Harvey Weinstein, da Miramax, este foi o único a apontar a cena e questioná-la. “O que é isto? Dois homens heterossexuais envolvidos numa cena de sexo sem sentido?” perguntou. Damon e Affleck, divertidos, explicaram que a cena fora incluída intencionalmente para testar a seriedade dos potenciais produtores. A honestidade e o rigor de Weinstein convenceram-nos de que Miramax era a escolha certa para o projeto.

O sucesso que mudou carreiras

Sob a produção da Miramax, Good Will Hunting tornou-se um sucesso de crítica e bilheteira, arrecadando o Óscar de Melhor Argumento Original para Damon e Affleck. A história de um jovem génio com dificuldades em lidar com o seu passado emocionou audiências em todo o mundo, catapultando os seus criadores para o estrelato.

Matt Damon, Robin Williams, Ben Affleck, Minnie Driver, Stellan Skarsgård

A estratégia pouco convencional de Damon e Affleck para escolher o estúdio tornou-se um exemplo de criatividade e audácia em Hollywood, provando que o sucesso muitas vezes reside nos detalhes.

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Jack Lemmon e o Legado de Glengarry Glen Ross

Jack Lemmon, uma lenda de Hollywood, destacou-se ao longo de décadas como um dos atores mais versáteis e talentosos da indústria. Entre os seus inúmeros papéis memoráveis, Glengarry Glen Ross ocupa um lugar especial. O próprio Lemmon descreveu o filme como uma das experiências mais gratificantes da sua carreira, graças à profundidade do argumento e à complexidade dos seus personagens.

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O poder das palavras de Mamet

Realizado em 1992 por James Foley e baseado na peça de David Mamet, Glengarry Glen Ross é uma exploração visceral da pressão e desespero vividos por vendedores de imóveis. Lemmon interpretou Shelley Levene, um vendedor em declínio, lutando para se manter relevante num ambiente de trabalho implacável. O ator mergulhou profundamente no papel, equilibrando a fragilidade e a desesperança do personagem.

Em entrevistas, Lemmon enfatizou a genialidade do guião de Mamet, afirmando que a linguagem usada no filme, embora controversa, era uma representação autêntica do mundo que descrevia. “Não é apenas o uso de palavrões; é a maneira como essas pessoas realmente falam”, explicou.

Um marco na carreira e na história do cinema

A interpretação de Lemmon foi amplamente elogiada, destacando-se num elenco de estrelas que incluía Al Pacino, Kevin Spacey e Alec Baldwin. A sua atuação em Glengarry Glen Ross exemplifica o que Lemmon frequentemente defendia: a generosidade entre atores e a importância de um guião bem escrito.

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Além deste filme, Lemmon deixou um legado que transcende géneros, tornando-se o primeiro ator a vencer Óscares tanto como protagonista quanto como coadjuvante. O impacto de Glengarry Glen Ross é um testemunho do compromisso de Lemmon em elevar o cinema como arte, transformando mesmo os papéis mais difíceis em obras-primas emocionais.

Steven Spielberg e a Homenagem ao Seu Parceiro de Sempre: John Williams

Steven Spielberg e John Williams formam uma das parcerias mais icónicas da história do cinema, uma relação criativa que transformou inúmeros filmes em autênticos clássicos. Desde a primeira colaboração em “Louca Escapada” em 1974, até ao recente “Os Fabelmans” em 2022, o duo produziu bandas sonoras que ficaram para sempre na memória coletiva, elevando cada filme a uma nova dimensão. Na estreia do documentário “Music by John Williams”, realizado por Laurent Bouzereau, Spielberg teve a oportunidade de homenagear o compositor, sublinhando a importância da sua música em todos os seus filmes.

Uma Parceria que Redefiniu o Cinema

Spielberg destacou a importância de John Williams na criação de algumas das bandas sonoras mais memoráveis do cinema, como “Tubarão”, “Indiana Jones” e “A Lista de Schindler”. Segundo o realizador, muitas vezes a música de Williams ultrapassa o próprio filme, deixando uma marca indelével nos espectadores. “Pode-se esquecer o filme, mas nunca a música”, comentou Spielberg, sublinhando a forma como Williams, ao longo de cinco décadas, soube dar uma dimensão única aos seus filmes, transformando as suas obras em experiências cinematográficas completas.

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A relação entre Spielberg e Williams vai além do campo profissional, sendo descrita pelo realizador como uma ligação quase familiar. “Ele é muito mais que um amigo; é o melhor parceiro criativo que já tive”, afirmou Spielberg, mostrando o respeito e a admiração por um dos maiores compositores da história do cinema.

John Williams: Uma Lenda da Música para Cinema

Com 54 nomeações ao Oscar e cinco vitórias, Williams é uma referência absoluta na música para cinema. A sua carreira, marcada por colaborações com outros grandes realizadores, solidificou o seu estatuto como uma lenda da indústria cinematográfica. Bandas sonoras como as de “Star Wars”, “E.T. – O Extraterrestre” e “Harry Potter” são apenas alguns exemplos do legado de Williams. Spielberg enfatizou o contributo de Williams para o sucesso dos seus filmes, afirmando que a sua música eleva e acrescenta profundidade às cenas, transformando-as em momentos inesquecíveis.

Uma Amizade que Deixa uma Marca Duradoura no Cinema

A homenagem de Spielberg a Williams é um testemunho da importância da colaboração entre realizador e compositor no cinema. A sua ligação, baseada em respeito e criatividade mútua, deixou um impacto inegável, não só nos filmes em que trabalharam juntos, mas também na forma como o cinema é percecionado pelo público. Para Spielberg, cada melodia de Williams é um presente que engrandece o seu trabalho e que ficará para sempre como parte fundamental da história do cinema.

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Dennis Hopper e David Lynch: Uma Parceria Inesperada em “Blue Velvet”

Em 1986, o filme “Blue Velvet” (Veludo Azul), realizado por David Lynch, abalou o cinema com a sua visão única e perturbadora do subúrbio americano. Uma das escolhas mais controversas e ao mesmo tempo geniais de Lynch para o filme foi o casting de Dennis Hopper no papel de Frank Booth, um vilão intenso e inesquecível. A decisão de Lynch de contratar Hopper foi, desde o início, envolta em controvérsia e risco, mas acabou por se tornar uma das decisões mais emblemáticas da sua carreira.

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A Escolha Audaciosa de Dennis Hopper

David Lynch enfrentou resistência quando expressou o desejo de contratar Dennis Hopper para o papel de Frank Booth. Hopper, na altura, era conhecido tanto pelo seu talento quanto pelos seus problemas com o abuso de substâncias. Em “Room to Dream”, o seu livro de memórias, Lynch relembra como foi desaconselhado por várias pessoas no set. “Disseram-me: ‘Não podes contratar o Hopper – ele vai ficar fora de si e nunca vais conseguir o que queres'”, recorda Lynch. No entanto, o realizador sentiu desde o início que Hopper era o único ator capaz de encarnar Frank Booth.

A convicção de Lynch não foi apenas uma questão de teimosia. Ele tinha uma admiração profunda pelo trabalho de Hopper em filmes como “Giant”, “Rebel Without a Cause”, e “The American Friend”. Estes filmes demonstravam a capacidade única de Hopper de combinar dureza com vulnerabilidade, características essenciais para o complexo papel de Frank Booth. Quando o agente de Hopper informou Lynch de que o ator estava sóbrio e a trabalhar com sucesso em outros projetos, Lynch não hesitou em contactá-lo. “Dennis ligou-me e disse: ‘Tenho de interpretar o Frank Booth porque eu sou o Frank Booth’,” recorda Lynch. Para ele, essa era uma revelação ao mesmo tempo “boa e má”, mas o realizador não teve dúvidas ao contratar o ator.

A Magia de Hopper no Set de Filmagens

Durante as filmagens de “Blue Velvet”, ficou claro que a intuição de Lynch estava correta. Dennis Hopper trouxe uma intensidade inigualável ao papel de Frank Booth, uma performance que capturou tanto o terror quanto a vulnerabilidade do personagem. Lynch descreve um momento memorável durante uma cena onde Frank Booth observa Dorothy Vallens, interpretada por Isabella Rossellini, a cantar. Hopper começa a chorar, uma expressão de emoção que Lynch considerou “totalmente perfeita”. Este momento encapsulou a essência do personagem, uma fusão de brutalidade e sensibilidade, algo raro de se ver no cinema contemporâneo.

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Lynch refletiu sobre como essa performance encapsulava o espírito dos rebeldes dos anos 50, uma época em que “um homem podia chorar e isso era totalmente aceitável e depois bater em alguém no minuto seguinte”. Para Lynch, esta era a poesia que faltava nos personagens masculinos modernos, que muitas vezes são retratados de forma unidimensional.

A Sorte e as Surpresas Durante a Produção

Apesar das preocupações iniciais sobre a contratação de Hopper, a produção de “Blue Velvet” foi marcada por momentos de sorte e mudanças inesperadas que acabaram por beneficiar o filme. Originalmente, Hopper iria cantar “In Dreams”, mas devido a problemas de memória associados ao seu passado de abuso de drogas, o papel foi transferido para Dean Stockwell. Esta mudança revelou-se um golpe de sorte, pois a interação entre Hopper e Stockwell adicionou uma camada inesperada de profundidade e humor ao filme. Lynch relembra o momento: “Dennis estava a olhar para Dean, e pensei: ‘Isto é tão perfeito’, e tudo mudou.”

Um Respeito Peculiar no Set

A relação entre Lynch e Hopper foi marcada por um respeito mútuo, apesar das suas diferenças. Uma das memórias mais queridas de Hopper no set foi o facto de Lynch nunca usar a palavra “f*ck”, mesmo quando era uma parte essencial do diálogo de Frank Booth. Hopper brincava: “Ele pode escrevê-la, mas não a vai dizer. Ele é um homem peculiar.”

Conclusão

A decisão de David Lynch de confiar em Dennis Hopper para o papel de Frank Booth em “Blue Velvet” é um exemplo perfeito de como correr riscos pode resultar em magia cinematográfica. Hopper trouxe uma profundidade e intensidade ao papel que poucos outros atores poderiam ter alcançado, e a sua performance continua a ser um dos aspectos mais memoráveis do filme. A colaboração entre Lynch e Hopper destaca a importância da intuição e da fé nas decisões criativas, algo que qualquer clube de cinema deve valorizar e discutir.

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