🎬 Natural Born Killers: Quando Tarantino encontrou Stone… e não gostou do que viu

Lançado em 1994, Natural Born Killers é um daqueles filmes que continua a dividir opiniões e a alimentar debates intensos, décadas depois da sua estreia. Realizado por Oliver Stone, a partir de um argumento original de Quentin Tarantino — que viria a renegar o resultado final — o filme é um frenesim audiovisual que mistura sátira, violência estilizada, crítica à cultura mediática e um retrato distorcido da obsessão americana com o crime.

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Mas por trás do filme existe também uma história de bastidores que envolve egos, visões artísticas incompatíveis e uma disputa sobre o verdadeiro significado do texto original. Afinal, como é que um dos argumentos mais brutos e irónicos de Tarantino se transformou num dos delírios mais psicadélicos da carreira de Stone?

O argumento original de Quentin Tarantino

O argumento de Natural Born Killers foi escrito por Quentin Tarantino antes de se tornar um nome consagrado em Hollywood. Na época, o jovem argumentista tentava vender os seus roteiros, e NBK (como é frequentemente abreviado) era um dos seus projectos favoritos. A história gira em torno de Mickey e Mallory Knox, um casal de assassinos em série que se tornam celebridades mediáticas devido à cobertura sensacionalista dos seus crimes.

Tarantino pretendia que o filme fosse mais cru, contido e carregado de ironia — uma espécie de Bonnie and Clydereimaginado para a era pós-moderna. O seu guião era marcado por diálogos afiados, violência estilizada mas realista, e uma crítica subtil mas corrosiva ao culto da fama na América. Em suma, um filme tipicamente tarantinesco.

No entanto, ao vender os direitos do guião por cerca de 10 mil dólares (valor irrisório, tendo em conta o futuro prestígio do seu nome), Tarantino perdeu o controlo criativo sobre o projecto. Quando Oliver Stone foi contratado para o realizar, a história tomou um rumo radicalmente diferente.

A visão psicadélica de Oliver Stone

Conhecido por obras de forte carga política e estilo visual arrojado (Platoon, JFK, The Doors), Oliver Stone viu em Natural Born Killers uma oportunidade para fazer uma crítica feroz à sociedade mediática americana, mas à sua maneira: exagerada, barulhenta e profundamente estilizada.

Stone reescreveu extensivamente o argumento de Tarantino, colaborando com David Veloz e Richard Rutowski. O tom tornou-se muito mais surreal e alegórico, e o realismo seco que Tarantino desejava foi substituído por uma abordagem quase psicadélica, com múltiplos formatos de imagem, colagens visuais, animações, sequências de estilo “sitcom”, e uma banda sonora frenética coordenada por Trent Reznor, dos Nine Inch Nails.

O resultado é um filme que funciona como uma descarga sensorial: frenético, esquizofrénico, deliberadamente desconfortável e tão auto-consciente que por vezes parece paródico. Stone não queria apenas criticar os media — queria explodir a forma como os media moldam e glorificam a violência, criando heróis a partir de monstros. E fá-lo com uma estética que, para muitos, é genial… e para outros, insuportável.

Tarantino rejeita… mas não consegue escapar à influência

A reacção de Tarantino ao filme de Stone foi imediata e negativa. Chegou mesmo a declarar publicamente que odiava o resultado final e que nunca mais quis ver nada relacionado com o filme. Para o realizador de Pulp Fiction, Natural Born Killers era uma traição ao espírito do seu argumento, que considerava ter sido “violentamente deturpado”.

Não era apenas uma questão de mudanças no guião — Tarantino abominava a direcção visual e ideológica que Stone impôs ao material. Numa das suas entrevistas, chegou a afirmar que “se tivessem feito o filme como eu o escrevi, teriam tido o próximo Bonnie and Clyde. Em vez disso, fizeram um cartoon”. Essa crítica ficou para sempre colada ao filme, como uma espécie de ferida aberta entre dois gigantes do cinema.

Curiosamente, no entanto, os elementos essenciais do ADN de Tarantino permanecem no filme: a relação simbiótica entre violência e cultura pop, o casal fora-da-lei com charme letal, e o humor negro que permeia até os momentos mais brutais. Ainda que envolto numa embalagem psicadélica e delirante, Natural Born Killers carrega consigo ecos inconfundíveis do seu criador original.

Um filme singular, imperfeito… mas fascinante

Com o passar do tempo, Natural Born Killers foi ganhando o estatuto de filme de culto. É, simultaneamente, uma relíquia do seu tempo (marcada pelos excessos visuais dos anos 90) e um objeto artístico intemporal na sua crítica aos media. Stone, num dos seus momentos mais ousados, usa o cinema como um espelho deformado da sociedade americana — onde assassinos em série são celebridades e os jornalistas são parasitas.

Apesar das críticas ferozes, das polémicas e das discussões com Tarantino, o filme sobrevive como uma das obras mais ousadas e originais da década. Sim, o look pode ser “demasiado cartoonish”, como muitos acusam. Sim, a mensagem nem sempre é subtil. Mas também é inegável que Stone conseguiu criar algo que tem a essência de Tarantino, mas através de uma lente completamente diferente — mais política, mais psicadélica, mais suja e, ao mesmo tempo, incrivelmente artística.

Natural Born Killers não é apenas um filme — é um manifesto visual, uma descarga de raiva e sátira que nos obriga a questionar a nossa própria relação com a violência e com os media. Um filme que, goste-se ou não, continua a provocar, a incomodar e a fascinar. E isso, convenhamos, é uma conquista raríssima.

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A Verdade Sobre o Desafiante Processo de Rodagem do Filme “Aguenta-te Canalha!” de Sergio Leone

A carreira de Sergio Leone é marcada por clássicos do cinema, especialmente dentro do género de faroeste. A trilogia dos dólares, composta por “Por um Punhado de Dólares”, “Por uns Dólares a Mais” e “O Bom, o Mau e o Vilão”, cimentou o seu estatuto de cineasta visionário. Contudo, seis anos após concluir a trilogia, Leone embarcou numa nova produção, “Quando Explode a Vingança”, que, apesar de menos conhecida, trouxe consigo desafios únicos no set. O filme, lançado em 1971, junta o humor negro e a tragédia, com uma intensidade emocional e uma banda sonora de Ennio Morricone, que fez deste trabalho uma obra de culto.

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A Complexa Colaboração com Rod Steiger

Embora o elenco contasse com dois grandes talentos, James Coburn e Rod Steiger, nem tudo correu de forma tranquila durante as filmagens. Coburn, que interpretava o revolucionário irlandês Sean Mallory, tinha uma boa relação com Leone; já Steiger, que interpretava o camponês mexicano Juan Miranda, gerou grande frustração no realizador italiano. Leone descreveu Steiger como alguém que procurava constantemente complicar as filmagens, insistindo em detalhes que não se enquadravam com a visão de Leone para o seu personagem. O diretor recordou momentos em que teve de repetir várias vezes as cenas, a ponto de se sentir exasperado pela abordagem de Steiger.

A certa altura, a tensão atingiu o seu auge durante uma filmagem em Almería, Espanha. Leone, conhecido pela sua calma e controlo nas gravações, explodiu quando Steiger sugeriu encerrar as filmagens mais cedo para evitar ultrapassar o horário de trabalho. O cineasta perdeu a paciência, referindo-se a Steiger de forma contundente e ameaçando substituí-lo. Foi apenas após uma conversa aberta que ambos conseguiram ultrapassar as suas diferenças, com Steiger a adaptar-se melhor ao estilo exigente de Leone.

Apesar dos desafios, “Aguenta-te Canalha (PT) /Quando Explode a Vingança (BR) ” tornou-se um filme respeitado, conhecido pela sua profundidade e equilíbrio entre comédia e tragédia. Leone conseguiu criar uma narrativa comovente, onde a lealdade e a redenção são temáticas centrais. Com a colaboração de Morricone, a banda sonora intensificou o impacto emocional, tornando-se numa das melhores composições do compositor. Este filme continua a ser uma peça essencial para os fãs de Leone e para os apreciadores de faroeste, perpetuando o estilo único do realizador.

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“Being John Malkovich”: A Odisseia Que Quase Não Contou Com John Malkovich

“Being John Malkovich” (1999) é um dos filmes mais originais e bizarros da história do cinema, um marco na carreira do argumentista Charlie Kaufman e do realizador Spike Jonze. Contudo, poucos sabem que o próprio John Malkovich, a peça central desta narrativa surreal, resistiu fortemente à ideia de protagonizar o filme. Kaufman, com uma visão clara e irredutível, recusou-se a conceber o projeto sem Malkovich no papel principal, mesmo quando o próprio ator tentou convencer o realizador a escolher outra pessoa.

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A génese deste filme único começou quando Kaufman escreveu um argumento que se centrava num portal para a mente de John Malkovich, onde as pessoas podiam literalmente “ser” o ator durante alguns minutos. No entanto, a viagem até à sua concretização foi tudo menos simples. Kaufman nunca tinha considerado outro ator para o papel, mas várias ofertas de produção vinham com uma condição: trocar Malkovich por outro ator. Até o próprio Malkovich, ao ser abordado com o projeto, ofereceu-se para ajudar na produção e colaborar com Jonze, mas insistiu que um outro ator deveria desempenhar o papel de “John Malkovich”.

A resistência de Malkovich deveu-se ao desconforto de ver o seu nome no título e à ideia de ser eternamente associado a esta representação excêntrica de si próprio. Segundo Jonze, Malkovich sentia que, se o filme fosse um fracasso, a sua carreira poderia sofrer danos irreparáveis. Por outro lado, se o filme tivesse sucesso, ele ficaria para sempre ligado a esta versão absurda de si mesmo. De facto, esta foi uma preocupação recorrente entre Malkovich e o seu grupo de produção, que pensaram que um ator como Tom Cruise poderia ser uma escolha mais segura e comercial. Não por coincidência, o presidente da New Line Cinema, Robert Shaye, rejeitou o projeto com uma pergunta que ficou na história: “Porque raio não pode ser ‘Being Tom Cruise’?”

Apesar de todas estas barreiras, Kaufman manteve-se firme. Ele não tinha um plano B. A visão sempre foi clara para o argumentista: ou o filme era sobre John Malkovich, ou não havia filme. Este comprometimento com a sua visão artística acabou por ganhar a batalha e, após alguns anos de persuasão, Malkovich finalmente cedeu. O ator aceitou o desafio, abordando o papel como faria com qualquer outro personagem ficcional. Em entrevistas, Malkovich referiu que, embora interpretasse a si mesmo, tratou o papel como se fosse qualquer outra personagem, separando a realidade da ficção, com a única exceção de que o seu guarda-roupa no filme era de facto o seu guarda-roupa real.

A jornada até à luz verde para o projeto foi repleta de momentos inusitados. Kaufman recorda que, durante as negociações, foi informado pelos representantes de Malkovich que o ator vivia num apartamento numerado 7-1/2 em Manhattan, um detalhe que refletia diretamente a estranheza do enredo do filme, onde os personagens encontram um portal para a mente de Malkovich num andar de escritório igualmente peculiar, o 7½. Este pequeno detalhe quase fez com que os representantes de Malkovich suspeitassem que Kaufman fosse um stalker, tal era a coincidência.

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O filme acabaria por ser um sucesso tanto crítico quanto comercial, aplaudido pela sua originalidade e pela performance corajosa de John Malkovich. Olhando para trás, Spike Jonze admitiu não ter percebido na altura o quão ousada foi a decisão de Malkovich em aceitar o papel. Hoje, “Being John Malkovich” é lembrado como um exemplo brilhante de meta-cinema, onde a linha entre a realidade e a ficção é habilmente distorcida, e a coragem de Malkovich em representar esta versão distorcida de si mesmo é um dos principais motivos do seu sucesso.

“Pulp Fiction” celebra 30 anos: o filme que revolucionou o cinema moderno

A 14 de outubro de 1994, o mundo do cinema mudou para sempre com a estreia de “Pulp Fiction”, uma obra que não só revitalizou carreiras como também redefiniu o género de filmes independentes. Realizado por Quentin Tarantino, o filme tornou-se rapidamente num clássico de culto, sendo amplamente aclamado pela sua narrativa não linear, diálogos afiados e personagens memoráveis.

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Originalmente concebido como uma antologia por Tarantino e Roger Avary, o filme acabou por evoluir para uma odisseia de humor, violência e criatividade desmedida. “Pulp Fiction” não só ressuscitou a carreira de John Travolta, como também consagrou Samuel L. Jackson como uma das grandes estrelas de Hollywood. A película ainda deu origem a uma onda de imitadores, mas nenhum deles conseguiu replicar o impacto ou a originalidade da obra.

Em termos de reconhecimento, “Pulp Fiction” não ficou aquém das expectativas. No Festival de Cannes de 1994, o filme recebeu a Palma de Ouro, uma das mais prestigiadas honras do mundo do cinema. Além disso, foi nomeado para sete Óscares, incluindo Melhor Filme, Melhor Realizador e Melhor Argumento Original, com este último a conquistar a estatueta dourada para Tarantino e Avary. Comercialmente, o filme também foi um sucesso, arrecadando 213 milhões de dólares a nível mundial, a partir de um orçamento modesto de 8,5 milhões.

A estrutura inovadora de “Pulp Fiction”, que rompeu com as normas convencionais da narrativa linear, tornou-se num marco estilístico que influenciou cineastas de todo o mundo. Desde a sua sequência inicial, marcada pela icónica música de surf rock de Dick Dale, até ao famoso discurso de Ezekiel 25:17 proferido por Samuel L. Jackson, o filme está recheado de momentos que ficaram gravados na história do cinema.

O impacto cultural de “Pulp Fiction” foi tão significativo que, para muitos, se tornou um símbolo de uma nova era no cinema. Ao misturar géneros, referências pop e um humor negro inconfundível, Tarantino mostrou ao mundo que os filmes independentes podiam ser financeiramente viáveis e artisticamente inovadores. Mais de duas décadas depois, o filme continua a ser amplamente discutido, citado e reverenciado, e é regularmente incluído em listas dos melhores filmes de todos os tempos.

Para muitos dos envolvidos no filme, “Pulp Fiction” foi mais do que uma experiência cinematográfica — foi um fenómeno cultural que alterou as suas vidas. John Travolta, por exemplo, viu a sua carreira renascer, após alguns anos de menor destaque. Tarantino, por sua vez, consolidou-se como um dos realizadores mais originais e influentes de Hollywood, com uma assinatura estilística que inspirou gerações de cineastas.

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Hoje, com 30 anos passados desde a sua estreia, “Pulp Fiction” continua a ser uma referência essencial no cinema contemporâneo, tendo provado que a ousadia, a criatividade e a subversão das expectativas podem gerar um impacto duradouro e transformador. A sua influência ainda se faz sentir em inúmeros filmes que seguiram, mas poucos conseguiram alcançar a mistura perfeita de irreverência, inovação e profundidade que “Pulp Fiction” trouxe ao mundo.

Novo “Beetlejuice” de Tim Burton: Sucesso na América, Acolhimento Morno no Resto do Mundo

O regresso de Tim Burton com Beetlejuice Beetlejuice, a sequela do icónico Os Fantasmas Divertem-se de 1988, está a fazer sucesso nos Estados Unidos, mas o desempenho fora da América do Norte tem sido modesto. Nos primeiros dez dias de exibição, o filme arrecadou 188 milhões de dólares nos EUA, mantendo-se no topo das bilheteiras, mas os números internacionais não estão a acompanhar esse ritmo.

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A nostalgia pela obra original, que lançou Michael Keaton e Winona Ryder como protagonistas, parece ter tido um impacto mais significativo nos Estados Unidos, onde o filme é considerado um clássico. Contudo, em mercados como Portugal, o desempenho está a ser mais discreto, com apenas 62.714 espetadores nas primeiras semanas. Analistas acreditam que a falta de familiaridade com o filme original em vários países, onde a obra não teve uma estreia em cinema, pode explicar esta disparidade.

A nova versão, que conta também com a participação de Jenna Ortega e Monica Bellucci, não deixa de ser uma das mais aguardadas do ano. Tim Burton manteve o seu estilo visual excêntrico, que mistura comédia com terror, mas parece que o entusiasmo fora da América do Norte não foi tão grande quanto o esperado. Apesar disso, a produção ainda pode atingir os 300 milhões de dólares necessários para cobrir os custos e garantir o seu sucesso comercial.

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Com a indústria cinematográfica a recuperar dos tempos difíceis durante a pandemia, Beetlejuice Beetlejuice é um dos primeiros grandes lançamentos a devolver confiança aos cinemas norte-americanos. Contudo, os estúdios continuarão atentos à reação internacional, que poderá determinar a continuação de outros projetos semelhantes.