Glen Powell está imparável. Depois de se ter tornado o novo menino-prodígio de Hollywood graças a sucessos como The Running Man e Chad Powers, o ator norte-americano continua a expandir território — agora como produtor — e prepara uma comédia adolescente que promete dar muito que falar. O título? The Fuckboat. Sim, leu bem. E não, não é sequer metáfora.
O filme, concebido como uma comédia “R-rated” no espírito de Risky Business e Easy A, está a ser desenvolvido para a Paramount e tem todos os ingredientes para se tornar num daqueles fenómenos irreverentes que Hollywood tenta disfarçar mas, no fundo, adora. Os detalhes da história estão guardados a sete chaves, o que só aumenta a curiosidade em torno do projeto. Sabe-se, contudo, que o argumento foi escrito por Caroline Glenn e Sean Doherty, que assinam aqui a sua primeira colaboração oficial enquanto dupla criativa.
O guião de The Fuckboat gerou uma autêntica corrida entre produtores, acabando por aterrar na recém-criada Barnstorm, a produtora fundada por Powell e Dan Cohen no início do ano. A Paramount entrou em cena pouco depois, garantindo os direitos após o argumento ser finalizado e enviado para vários estúdios. Um daqueles movimentos de bastidores que revelam uma verdade simples: Hollywood ainda vibra com boas ideias atrevidas — especialmente quando trazem Glen Powell na ficha técnica.
Mesmo sem sinopse revelada, o entusiasmo é palpável. A Barnstorm, que está sob um acordo first-look com a Universal, está já a desenvolver projetos com nomes como Judd Apatow, Barry Jenkins e Ron Howard. Não é um mau começo para uma produtora que mal fez um ano de vida e que tem em The Fuckboat uma das suas primeiras grandes apostas.
Caroline Glenn, que lançará o seu romance de estreia Cruelty Free em 2026, junta-se à produção executiva, enquanto Doherty — atualmente produtor sénior na Team Coco, de Conan O’Brien — traz a sua experiência no humor televisivo para o projeto. Uma dupla jovem, trocada muito cedo pelo mundo académico por ideias que pedem ecrã grande. Powell e Cohen assumem a produção principal, com Ryan Schwartz e Jacquelina Rosso a completar a equipa da Barnstorm.
Ainda é cedo para saber até onde The Fuckboat irá levar o atrevimento — ou que tipo de tempestade cómica este “barco” vai realmente causar. Mas quando um título deste género se junta à energia criativa de Glen Powell, a probabilidade de turbulência é alta. A boa, claro. Daquela que enche salas e faz manchetes.
Hollywood pode fingir que se surpreende, mas a verdade é que ninguém resiste a uma comédia adolescente descarada, criativa e com ambição de culto. Powell sabe isso melhor do que ninguém — e parece mais do que preparado para navegar águas agitada.
A televisão portuguesa vai entrar no olho da tempestade com Tornados, a nova aposta do TVCine Top, que estreia já sexta-feira, 28 de novembro, às 21h30. A produção, descrita como uma versão moderna e muscular do clássico Twister(1996), chega com a ambição de recuperar o fascínio pelo caos climático — agora com tecnologia de ponta, efeitos visuais arrebatadores e uma nova geração de caçadores de tempestades prontos para desafiar a força da natureza.
Esta releitura dramática gira em torno de Kate Carter, interpretada por Daisy Edgar-Jones, uma meteorologista que abandonou a vida de perseguição a tornados após um episódio traumático que tirou a vida ao namorado e colega de investigação. Desde então, Kate vive longe dos radares e da adrenalina, mas a paz dura pouco: uma equipa científica convida-a a regressar a Oklahoma para testar uma tecnologia avançada que promete prever — e possivelmente controlar — tornados de intensidade devastadora.
Ao seu lado surge Tyler Owens, interpretado por Glen Powell, uma espécie de estrela das redes sociais cuja carreira consiste em correr atrás de tempestades para gerar cliques e audiências. Junta-se ainda Javi, vivido por Anthony Ramos, velho amigo e colega de Kate, peça essencial nesta nova operação científica. O trio acaba por enfrentar aquilo que nenhum deles imaginava: um conjunto de frentes de tornados tão extremo que coloca a própria experiência humana num patamar insignificante perante o poder imprevisível da natureza.
A realização ficou a cargo de Lee Isaac Chung, vencedor do Globo de Ouro com Minari em 2021, que aqui troca os dramas íntimos pela tensão ininterrupta dos desastres naturais. O argumento de Mark L. Smith (The Revenant) adiciona camadas de intensidade emocional a um filme que, apesar de centrado em tornados colossais, nunca se esquece de explorar o trauma, a perda e a resiliência dos seus protagonistas.
Um dos grandes destaques de Tornados é a componente visual, que aposta num realismo avassalador: sequências inteiras são reconstruídas através de CGI de última geração, recriando paredes de vento, detritos e paisagens destruídas com um nível de detalhe que promete acelerar o ritmo cardíaco dos espectadores. É um filme pensado para ser sentido — e não apenas visto.
A estreia nacional acontece em simultâneo no TVCine Top e no TVCine+, tornando a noite de sexta-feira um momento obrigatório para quem gosta de thrillers climáticos, desastres em grande escala ou simplesmente do género “vou só ver o início” que acaba em sessão completa com o sofá a tremer.
O ator Guy Pearce emocionou-se durante uma entrevista recente ao recordar as suas experiências desconfortáveis ao lado de Kevin Spacey durante as filmagens do clássico L.A. Confidential (1997). Pearce, que atualmente está nomeado para um Óscar pelo seu papel em The Brutalist, revelou que só muitos anos depois conseguiu processar o impacto desses encontros.
Em conversa com Scott Feinberg, no podcast Awards Chatter, Pearce explicou como o movimento #MeToo lhe deu uma nova perspetiva sobre o que havia experienciado ao trabalhar com Spacey.
“Estava em Londres quando comecei a ler as notícias sobre o Kevin e desatei a chorar. Não conseguia parar. Foi um verdadeiro despertar para mim, perceber o impacto daquilo e como tinha ignorado ou bloqueado essas memórias.”
Embora não tenha sido vítima de abuso sexual, Pearce deixou claro que se sentiu “visado” por Spacey nos bastidores do filme:
“Ele é extremamente carismático e brilhante, mas é também um homem agressivo. Eu era jovem e vulnerável, e ele escolheu-me como alvo, sem dúvida alguma.”
A Dinâmica no Set de L.A. Confidential 🎬
Pearce, que interpretou o agente Ed Exley, revelou que se sentia desconfortável sempre que Spacey estava presente nas gravações. O único momento em que se sentia mais seguro era quando o colega Simon Baker (O Mentalista) estava no set:
“Eu dizia à minha mulher: ‘Os únicos dias em que me sinto seguro são os dias em que o Simon está no set, porque o Kevin me ignora e foca-se nele. Ele era dez vezes mais bonito do que eu.’”
Apesar da sua relutância inicial em falar publicamente sobre o assunto, Pearce admitiu que já teve “algumas confrontações” com Spacey, que “ficaram feias”.
Entre a Indústria e a Justiça ⚖️
Desde 2017, várias acusações contra Spacey vieram a público, incluindo as do ator Anthony Rapp, que alegou que Spacey tentou aliciá-lo quando este tinha 14 anos. O caso resultou num julgamento, mas Spacey foi considerado não responsável. Em 2023, foi também absolvido de nove acusações de agressão sexual num tribunal britânico.
Ainda assim, Pearce mantém a sua posição crítica e explica que agora prefere “ser mais honesto e chamar as coisas pelos nomes”.
A Ascensão e o Reconhecimento de Pearce 🎥🏆
O ator australiano, que começou em novelas como Neighbours, consolidou-se como um talento de referência em Hollywood, com papéis icónicos em Priscilla, Rainha do Deserto, Memento e agora The Brutalist, nomeado para 10 Óscares. No filme da A24, Pearce interpreta um industrialista americano envolvido em assédio sexual, um papel que ganhou relevância face à sua própria experiência na indústria.
Com a sua crescente franqueza e reconhecimento, Pearce continua a afirmar-se como um ator de enorme versatilidade, disposto a encarar tanto os desafios da ficção como as realidades da vida real.
Nem todas as sequelas de filmes de Steven Spielberg tiveram um percurso brilhante. Embora a saga Indiana Jones tenha produzido duas continuações memoráveis após Os Salteadores da Arca Perdida, outras franquias não tiveram a mesma sorte. Parque Jurássico nunca conseguiu recriar a magia do original, e quanto menos se disser sobre as sequelas de Tubarão, melhor. No entanto, um dos filmes mais icónicos do realizador escapou ao destino das continuações desnecessárias: E.T. – O Extraterrestre (1982). E isso só aconteceu porque Spielberg lutou arduamente para impedir que o pequeno alienígena regressasse ao grande ecrã.
Durante uma conversa no TCM Classic Film Festival: New York Pop-Up x 92NY, ao lado de Drew Barrymore, Spielberg revelou ao The Hollywood Reporter que fez tudo ao seu alcance para evitar que um segundo filme acontecesse. “Foi uma vitória difícil porque, na altura, eu não tinha quaisquer direitos sobre isso. Antes de E.T., eu já detinha alguns direitos, mas não muitos,” explicou o cineasta. “Não tinha aquilo a que chamamos ‘o congelamento’, que permite impedir o estúdio de fazer sequelas, remakes ou outras utilizações do IP [propriedade intelectual]. Só obtive isso depois do enorme sucesso de E.T..”
Apesar de se ter oposto firmemente a uma continuação, Spielberg admitiu que, por um curto período, chegou a considerar a possibilidade de uma sequela.
Steven Spielberg chegou a ponderar fazer E.T. 2
Mesmo os grandes mestres do cinema têm momentos de dúvida, e Spielberg não foi exceção. Durante algum tempo, brincou com a ideia de uma sequela para E.T., mas acabou por perceber que o melhor era deixar a história intocada. “Não queria mesmo fazer uma sequela. Brinquei com a ideia durante um bocadinho – só para ver se conseguia pensar numa história – e a única coisa que me ocorreu foi um livro chamado The Green Planet, escrito pelo mesmo autor que fez o livro do primeiro filme,” revelou.
O cineasta também recordou outro projeto alternativo que chegou a ser desenvolvido com Melissa Matheson, a argumentista de E.T.. Intitulado E.T. Nocturnal Fears, esse argumento traria de volta o pequeno alienígena para proteger Elliott (Henry Thomas) de uma espécie carnívora da sua própria raça. Felizmente, The Green Planet parecia uma opção bem mais animadora.
Escrito por William Kotzwinkle três anos após o lançamento do filme, E.T.: The Book of the Green Planet acompanhava a viagem do extraterrestre de volta ao seu planeta natal, onde continuava a observar à distância o seu amigo humano, Elliott. Percebendo que ambos estavam a mudar, E.T. quebrava as leis do seu planeta e regressava à Terra para tentar corrigir o rumo das coisas. “Todos íamos ter a oportunidade de conhecer o mundo de E.T. e ver como ele vivia,” revelou Spielberg. “Mas era uma ideia que funcionava melhor como livro do que como filme.”
Al Pacino e Robert De Niro são hoje duas lendas incontornáveis de Hollywood, mas a amizade e admiração mútua entre os dois começaram muito antes de ambos atingirem o estatuto de ícones do cinema. Em entrevista recente à Variety, Pacino recordou o primeiro encontro entre ambos nos anos 70, quando, por acaso, se cruzaram numa esquina de Manhattan. Na altura, Pacino já começava a destacar-se graças a papéis em filmes como “The Panic in Needle Park”, enquanto De Niro ainda era um jovem ator desconhecido, com um historial limitado a filmes de baixo orçamento, como “The Wedding Party”, de Brian De Palma.
Pacino estava a passear por Alphabet City com a sua então companheira Jill Clayburgh quando avistou o jovem De Niro na 14th Street. Ao descrever o encontro, Pacino comentou que, mesmo naquela época, viu algo de especial em De Niro. “Ele tinha um certo carisma. Tinha aquele olhar,” disse Pacino. “Pensei, ‘Este miúdo vai longe’.” Pacino recorda-se do magnetismo natural de De Niro, uma presença que, apesar da pouca experiência, transmitia uma confiança e intensidade raras. Curiosamente, esta zona de Manhattan viria a ser um dos cenários para o icónico “Taxi Driver”, onde De Niro interpretou o inesquecível Travis Bickle.
Com o passar dos anos, a relação entre os dois atores evoluiu para uma amizade sólida, enquanto ambos experienciavam uma ascensão meteórica em Hollywood. Para Pacino, esta ligação era alimentada por uma experiência de vida e uma origem comum, sendo ambos oriundos de Nova Iorque e familiarizados com o mundo artístico da cidade. “Reuníamo-nos ocasionalmente porque havia algo que estávamos a viver na vida que era muito semelhante,” explicou Pacino. “Podíamos partilhar coisas que aconteciam e falar sobre os nossos filmes.”
À medida que as suas carreiras se cruzavam em produções emblemáticas como “O Padrinho: Parte II” e, mais tarde, em filmes como “Heat” e “The Irishman”, a amizade entre Pacino e De Niro tornou-se um exemplo de camaradagem e respeito entre dois artistas. Pacino sempre acreditou no talento de De Niro e viu-o concretizar o potencial que pressentiu naquele encontro casual nas ruas de Nova Iorque.
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Este primeiro encontro entre Al Pacino e Robert De Niro não foi apenas o começo de uma amizade, mas também o prenúncio do sucesso que viria a definir ambos como titãs da indústria cinematográfica. Hoje, a história desse dia casual numa esquina de Manhattan continua a ser um testemunho da intuição de Pacino e da impressionante trajetória de dois dos maiores atores do cinema.
Tom Cruise volta a provar porque é um dos atores mais ousados de Hollywood. Conhecido por realizar as suas próprias cenas de ação, o ator foi visto a filmar uma sequência particularmente arriscada para Missão Impossível 8 no norte de Oxfordshire, Inglaterra, a 15 de setembro. Durante a gravação, Cruise, que dispensa duplos para as cenas mais perigosas, foi observado a utilizar um dispositivo de segurança enquanto voava em dois aviões e se mantinha em pé em pleno voo.
Esta não é a primeira vez que o ator, famoso por desafiar os limites físicos e a gravidade nas suas cenas de ação, é visto a rodar o novo capítulo da franquia Missão Impossível. As filmagens também passaram por locais icónicos de Inglaterra, como a Westminster Bridge e o Natural History Museum, em Londres, bem como as regiões de Surrey e Derbyshire. O filme tem estreia marcada para 2024 e promete ser mais um espetáculo de ação, com as cenas de risco a servirem como um dos principais atrativos para o público.
Os fãs de Tom Cruise podem esperar mais um desempenho impressionante, onde o ator, já com 61 anos, mostra que ainda é capaz de entregar algumas das sequências mais audazes da história do cinema de ação. Esta dedicação em realizar as suas próprias cenas é uma marca registada da sua carreira, especialmente em filmes como Missão Impossível e Top Gun: Maverick.
Tom was seen filming 'Mission Impossible 8' in Bicester Airport,England 🇬🇧 (September 15,2024) ✨ pic.twitter.com/FPXhPfxjzN
O filósofo Aristóteles acreditava que a parte mais importante de um drama era o enredo e a sua capacidade de conectar o público a cada detalhe da história. No cinema, os filmes dramáticos utilizam o simbolismo e o desenvolvimento de personagens para alcançar um resultado que evoca emoções. No entanto, os piores dramas falham em realizar qualquer uma dessas tarefas. O amado e opinativo crítico de cinema, Roger Ebert, seria o primeiro a apontar essas falhas, selecionando uma coleção de dramas que ele acreditava serem os piores de todos os tempos. Alguns desses filmes infames ganharam um lugar na sua lista dos mais odiados, apesar de serem favoritos dos fãs ou clássicos de culto.
Desde dramas históricos classificados como “X” até dramas biográficos e de guerra, as escolhas de Ebert para os piores do género buscaram um público amplo, conquistando alguns, mas nunca Ebert. As suas críticas severas e muitas vezes mordazes destacavam onde esses filmes se tornavam desastrosos, questionando porque alguns espectadores comprariam um bilhete para os ver. Os piores dramas de todos os tempos apresentam ícones de Hollywood e elencos repletos de estrelas, provando que nenhum elenco está a salvo da mordaz opinião de Ebert.
10. ‘Mommie Dearest’ (1981)
Apesar de uma recepção positiva do público e de se ter tornado um clássico de culto, Mommie Dearest recebeu apenas uma estrela de Ebert pela sua representação da relação abusiva entre a estrela de Hollywood Joan Crawford e a sua filha adotiva Christina. Numa performance icónica de Faye Dunaway como Crawford, o filme baseia-se no livro revelador de Christina, que expôs a sua mãe como uma alcoólica egoísta e abusiva. Para Ebert, “o filme nem sequer faz sentido narrativo”, pois carece de ritmo estratégico e estrutura lógica. A crítica de Ebert destacou a falta de profundidade psicológica ao retratar Joan Crawford como um monstro sem explorar as origens do seu comportamento abusivo. O filme é repetitivo e sensacionalista, deixando Ebert e outros críticos desanimados com a sua abordagem superficial ao tema do abuso infantil.
9. ‘The Scarlet Letter’ (1995)
A adaptação de 1995 de The Scarlet Letter ganhou uma crítica de uma estrela e meia de Ebert. Baseado no romance de Nathaniel Hawthorne, o filme tenta transformar uma história de culpa e penitência num romance banal. Hester Prynne (interpretada por Demi Moore) é condenada ao ostracismo na sua comunidade puritana após ter uma filha fora do casamento. O filme toma várias liberdades criativas, incluindo a romantização da relação entre Hester e o Reverendo Dimmesdale, que no livro original é um símbolo de hipocrisia. Ebert criticou duramente as cenas de sexo gratuitas e a transformação de Dimmesdale numa figura mais simpática, perdendo a essência moral do romance e tornando o drama numa narrativa superficial e desprovida de verdadeira carga emocional.
8. ‘Staying Alive’ (1983)
Staying Alive, a sequela de Saturday Night Fever, foi dirigida por Sylvester Stallone e recebeu uma crítica de uma estrela de Ebert. O filme segue Tony Manero (John Travolta) enquanto ele tenta fazer uma carreira na Broadway. Apesar do sucesso comercial, Ebert achou que o filme era uma sombra do seu antecessor, descrevendo-o como uma coleção de clichés sem qualquer substância dramática real. Para Ebert, o filme carecia da autenticidade e do realismo que tornaram Saturday Night Fever um clássico, substituindo o desenvolvimento de personagens por sequências de dança exageradas e um enredo previsível.
7. ‘Purple Hearts’ (1984)
Purple Hearts foi concebido como um drama de guerra, mas acabou por ser um romance de novela. O filme segue a relação entre um cirurgião da Marinha, Don Jardian (Ken Wahl), e uma enfermeira, Deborah Solomon (Cheryl Ladd), durante a Guerra do Vietname. Ebert, que deu ao filme meia estrela, criticou a sua abordagem melodramática e o enredo pouco credível. Em vez de explorar as realidades brutais da guerra, o filme opta por um romance sentimental e previsível, repleto de coincidências impossíveis e diálogos banais. A crítica de Ebert destacou a falta de autenticidade e a forma como o filme banalizou o horror da guerra ao transformá-lo num cenário para uma história de amor simplista.
6. ‘200 Cigarettes’ (1999)
200 CIGARETTES, Ben Affleck, Kate Hudson, Jay Mohr, 1999
Com um elenco repleto de estrelas, incluindo Ben Affleck, Paul Rudd e Christina Ricci, 200 Cigarettes tinha o potencial de ser um sucesso. No entanto, Ebert deu ao filme meia estrela, criticando o seu enredo sem rumo e a falta de desenvolvimento de personagens. Ambientado na véspera de Ano Novo de 1981, o filme tenta explorar temas como o amor e a solidão, mas falha em criar qualquer conexão emocional significativa com o público. Ebert lamentou a falta de química entre o elenco e a má utilização de talentos tão promissores, resultando num filme que, segundo ele, é “vazio e sem alma”.
5. ‘Bolero’ (1984)
Bolero, dirigido por John Derek, é outro filme que Ebert classificou com meia estrela. Este drama romântico segue a jovem Lida MacGillivery (Bo Derek) na sua busca por amor nos anos 1920, envolvendo-se em relações com um xeique marroquino e um toureiro espanhol. Ebert foi implacável na sua crítica, descrevendo o filme como uma sequência de cenas de conteúdo explícito sem qualquer coerência narrativa. Ele criticou o filme por ser uma obra vazia que apenas procura chocar, sem oferecer qualquer valor artístico ou dramático, concluindo que a única utilidade de Bolero seria como um exemplo de como não fazer cinema.
4. ‘Drop Squad’ (1994)
Drop Squad, realizado por David C. Johnson, recebeu apenas meia estrela de Ebert. O filme pretende ser uma crítica social, mas falha na execução. Segue a história de Bruford Jamison Jr., um executivo de publicidade afro-americano que é “reprogramado” por um grupo militante que se opõe às suas campanhas publicitárias degradantes dirigidas à comunidade negra. Ebert criticou o filme pela sua abordagem extremista e simplista ao problema do racismo, acusando-o de promover métodos totalitários como solução. Ele também destacou a falta de subtilidade e nuance no tratamento do tema, tornando o filme mais um exercício de pregação do que uma verdadeira reflexão dramática.
3. ‘The Green Berets’ (1968)
The Green Berets, um drama de guerra dirigido e protagonizado por John Wayne, foi considerado por Ebert como um dos piores filmes sobre a Guerra do Vietname. O filme foi acusado de ser propaganda militarista, ignorando as complexidades morais e políticas do conflito. Ebert deu zero estrelas ao filme, criticando a sua visão simplista do Vietname como uma luta entre “bons e maus”. Ele também apontou a falta de realismo e a glorificação excessiva da guerra, tornando-o, nas palavras de Ebert, “indigno das vidas que foram perdidas naquele conflito”.
2. ‘Mad Dog Time’ (1996)
Mad Dog Time, dirigido por Larry Bishop, é um drama de máfia que também recebeu zero estrelas de Ebert. O filme, estrelado por Richard Dreyfuss e Jeff Goldblum, tenta ser um thriller criminal, mas falha miseravelmente. Ebert criticou o filme pela sua falta de coerência e narrativa, descrevendo-o como uma série de cenas sem sentido onde os personagens simplesmente recitam diálogos sem emoção antes de serem mortos. Para Ebert, o filme foi um desperdício de talento e tempo, uma experiência cinematográfica que ele considerou totalmente desnecessária.
1. ‘Caligula’ (1979)
Caligula, dirigido por Tinto Brass, ocupa o topo da lista dos piores dramas de todos os tempos, segundo Roger Ebert. Este filme histórico e erótico é conhecido pelas suas cenas gráficas de violência e sexo, que incluem desde decapitação até necrofilia. Ebert foi implacável na sua crítica, classificando o filme com zero estrelas e chamando-o de “o pior filme que já vi”. Ele destacou a falta de qualquer valor artístico ou moral, acusando o filme de ser “lixo vergonhoso” tanto em termos de conteúdo quanto de execução. Para Ebert, Caligula não só falhou como drama, mas também como cinema, sendo uma experiência que ele achou repugnante e inútil.
Conclusão
Estas escolhas de Roger Ebert mostram como até os maiores nomes de Hollywood e filmes com grandes orçamentos não estão imunes a críticas severas. A análise de Ebert revela que um bom drama não depende apenas de um elenco forte ou de uma premissa interessante, mas sim de uma execução eficaz que conecte o público de forma significativa.
