Jeremy Strong Assume o Papel de Zuckerberg no Novo Filme de Aaron Sorkin — e Garante: “O Que Jesse Eisenberg Fez Não Tem Nada a Ver Com o Meu Trabalho” 💻🎬

O actor de Succession promete uma abordagem totalmente nova ao fundador da Meta em The Social Reckoning, a sequela espiritual de The Social Network

Quinze anos depois de The Social Network ter redefinido o cinema sobre tecnologia e poder, Aaron Sorkin regressa ao universo de Mark Zuckerberg com um novo filme: “The Social Reckoning” (O Acerto de Contas Social, em tradução livre). Desta vez, o génio por trás de The West Wing e O Julgamento dos 7 de Chicago não só assina o argumento — como também assume a realização.

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E para dar vida ao atual Zuckerberg, muito diferente do jovem ambicioso de 2010, Sorkin escolheu Jeremy Strong, o premiado actor de Succession, conhecido pela intensidade quase obsessiva com que mergulha nas suas personagens.

“Não tem nada a ver com o que vou fazer”

Em entrevista ao The Hollywood Reporter durante a Gala do Museu da Academia, Strong revelou que o guião de Sorkin é “um dos melhores que alguma vez leu” e que o novo filme “fala do nosso tempo e toca nos temas mais perigosos do mundo atual”.

Questionado sobre se a interpretação icónica de Jesse Eisenberg, nomeado para o Óscar por The Social Network, influenciaria a sua abordagem, Strong foi taxativo:

“Não. Acho que o que ele fez não tem nada a ver com o que eu vou fazer.”

Segundo o actor, este novo Zuckerberg já não é o prodígio ingénuo de Harvard, mas sim um magnata endurecido pelo poder, envolvido em temas como censura, manipulação política e violações de privacidade.

“É uma personagem fascinante, complexa, e estou a abordá-la com muito cuidado, empatia e objetividade,” explicou Strong. “Já fiz dois filmes com o Aaron, e espero que à terceira seja de vez.”

O regresso de Sorkin ao mundo da tecnologia

The Social Reckoning marca a primeira vez que Sorkin realiza um filme sobre o próprio texto que escreveu sobre Zuckerberg — recorde-se que o original foi realizado por David Fincher, que definiu o tom frio e meticuloso da narrativa.

Para esta nova história, Sorkin foca-se no impacto ético e político da Meta, explorando a era pós-escândalos e o papel da empresa na manipulação de informação global. A narrativa é inspirada em figuras reais, como Frances Haugen, a denunciante interpretada por Mikey Madison, e Jeff Horwitz, jornalista do Wall Street Journal, vivido por Jeremy Allen White (The Bear).

Nem Eisenberg nem Andrew Garfield (o Eduardo Saverin de 2010) regressam, mas o elenco promete uma nova geração de talentos prontos para enfrentar o lado mais sombrio da era digital.

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Com Sorkin a escrever e dirigir, e Jeremy Strong a transformar Zuckerberg num espelho do nosso tempo, The Social Reckoning promete ser *mais do que uma sequela — um diagnóstico sobre o poder, a responsabilidade e a verdade na era da desinformação.

Sadie Sink Surge Misteriosa no Set de “Spider-Man: Brand New Day” 🕷️🔥

A estrela de Stranger Things estreia-se no Universo Marvel — e os fãs já estão em delírio com teorias sobre quem será a sua personagem

O universo cinematográfico da Marvel acaba de ganhar mais uma estrela promissora: Sadie Sink, a inesquecível Max de Stranger Things, foi finalmente vista no set de filmagens de Spider-Man: Brand New Day — e bastou uma única fotografia para incendiar a internet.

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A imagem, captada por um fã atento durante as filmagens, mostra a actriz envolta num enorme casaco acolchoado com o capuz puxado, deixando apenas ver uns fios de cabelo ruivo. E foi o suficiente para os detetives digitais começarem o trabalho.

MJ, Lady Punisher… ou algo completamente novo?

A cor do cabelo bastou para levantar suspeitas: será Sadie Sink a nova Mary Jane Watson? Ou estará a interpretar uma versão feminina do Justiceiro, conhecida nos comics como Lady Punisher — sobretudo tendo em conta os rumores de que Frank Castle (Jon Bernthal) terá uma parceira de combate no filme?

Outros fãs, mais criativos, já a baptizaram de “Caterpillar Girl” (rapariga-lagarta), uma personagem inventada apenas para brincar com o mistério. A verdade é que, por enquanto, ninguém sabe quem Sink interpreta, e a Marvel continua a guardar o segredo com o mesmo zelo que costuma dedicar aos seus spoilers.

O que é certo é que a actriz de The Whale entra assim num dos filmes mais aguardados da nova fase da Marvel, e tudo indica que o seu papel não será apenas uma pequena participação.

O novo rumo de Spider-Man

Depois do sucesso monumental de No Way Home, as negociações entre a Sony Pictures e a Marvel Studios foram intensas. A Sony queria continuar a explorar o multiverso, enquanto Kevin Feige defendia um regresso às origens, com Peter Parker de volta às ruas de Nova Iorque e uma narrativa mais próxima do estilo Daredevil.

Feige parece ter vencido essa batalha: Spider-Man: Brand New Day será menos sobre universos paralelos e mais sobre crime, consequências e personagens humanas.

Ainda assim, o elenco cresceu de forma impressionante. Além de Tom Holland e Zendaya, estão confirmados Jon Bernthal (The Punisher), Mark Ruffalo (Hulk) — de volta após She-Hulk — e Michael Mando (Scorpion), que regressa quase uma década depois da sua breve aparição. Há ainda Krondon como Tombstone, Tramell Tillman, Melanie Scrofano e o habitual J.K. Simmons como o impagável J. Jonah Jameson.

Uma ponte para o futuro do MCU

Rumores indicam que Brand New Day será a peça final antes de “Avengers: Doomsday”, previsto para Dezembro de 2026. E, claro, as teorias não param: há quem jure que a cena pós-créditos revelará finalmente Robert Downey Jr. como Doctor Doom, uma promessa deixada pendente desde The Fantastic Four: First Steps.

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Por agora, a única certeza é que Sadie Sink está oficialmente dentro do MCU, e qualquer passo seu é suficiente para pôr a internet em alvoroço. Seja como MJ, Lady Punisher ou algo totalmente novo, a actriz parece pronta para deixar a sua marca no mundo do Homem-Aranha.

Julia Fox em Polémica: Interrompe Marlon Wayans em Debate Sobre “Homens de Verdade” e é Acusada de “Feminismo Branco” 🎬🔥

A actriz foi criticada por interromper repetidamente o colega de elenco durante uma entrevista sobre masculinidade — e as redes sociais não perdoaram

O que era para ser uma conversa tranquila sobre masculinidade e cinema acabou por se transformar num debate viral sobre “feminismo branco” e respeito em conversas inter-raciais. Julia Fox, conhecida tanto pelas suas escolhas de moda arrojadas como pelas opiniões fortes, voltou a ser o centro das atenções — desta vez, por ter interrompido várias vezes o actor Marlon Wayans durante uma entrevista ao BAFTA.

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A dupla, acompanhada pelo actor Tyriq Withers, promovia o novo filme HIM, descrito como um thriller desportivo com toques de terror. A dada altura, a conversa desviou-se para um tema mais profundo: o que significa ser um “homem de verdade”. Foi então que tudo descambou.

Wayans começou por dizer que “um verdadeiro homem é um homem responsável”, mas mal conseguiu terminar a fraseantes de Fox o interromper com um sorriso irónico e a pergunta provocatória:

“Mas o que são ‘homens de verdade’?”

A partir daí, cada tentativa de Wayans para desenvolver o seu raciocínio foi interrompida por Fox, que argumentava que o conceito de “homem real” é apenas uma desculpa para comportamentos tóxicos. O actor, conhecido pelo humor afiado, ainda reagiu com bom espírito, atirando:

“Dito como um verdadeiro homem!”

Curiosamente, Fox não interrompeu o colega Tyriq Withers, que apresentou uma resposta semelhante à de Wayans, mas com um tom mais académico sobre vulnerabilidade e masculinidade — o que levou muitos internautas a apontar uma diferença de atitude que não passou despercebida.

O debate nas redes: empatia ou ego?

Nas redes sociais, o vídeo tornou-se viral e dividiu opiniões. Alguns elogiaram Fox por desafiar rótulos de género, com comentários como “Interrupt him, queen” ou “Ela tem razão, todos os homens são reais, independentemente do comportamento”.

Mas a outra metade da internet foi menos simpática. Muitos acusaram Fox de “feminismo performativo” e falta de respeito, especialmente por ter interrompido um homem negro enquanto ele falava sobre masculinidade — um tema que, como vários utilizadores sublinharam, tem camadas de vivência racial que Fox aparentemente ignorou.

Um comentário muito partilhado resumia assim o desconforto:

“Isto é o problema do feminismo branco. Julia não percebe que o feminismo tem contextos diferentes quando se fala com homens negros. Não é só uma mulher a interromper um homem — é uma mulher branca a falar por cima de um homem negro.”

Outros recordaram ainda que Wayans é pai de um filho transgénero, e que já falou publicamente sobre desconstruir o que significa “ser homem” através dessa experiência — algo que, segundo muitos, Fox deveria ter considerado antes de o interromper.

Um “debate” que se tornou espelho cultural

No fim, o episódio acabou por ser mais do que uma simples entrevista desastrada. Tornou-se um espelho das tensões dentro do próprio feminismo contemporâneo — entre empatia e ego, entre escuta e interrupção, entre a vontade de falar e a necessidade de ouvir.

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Julia Fox, fiel à sua reputação, ainda não comentou a polémica. Mas se o objectivo era “provocar conversa”, missão cumprida: o público está a falar — e muito.

Angelina Jolie Encanta Roma com Tatuagens à Mostra num Vestido Preto de Corte Ousado 🖤

A actriz deslumbrou na passadeira vermelha do Festival de Roma com um visual que homenageia a sua história e a sua alma livre

Angelina Jolie continua a provar que a elegância pode ter uma alma rebelde. A actriz e realizadora marcou presença no 20.º Festival de Cinema de Roma, no passado dia 18 de Outubro, para promover o seu mais recente filme, Couture. E, como sempre, foi impossível desviar os olhos: Jolie surgiu num deslumbrante vestido preto Alberta Ferretti com um corte aberto nas costas — o suficiente para exibir, em todo o seu esplendor, as tatuagens que se tornaram parte da sua identidade.

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De frente, o vestido é minimalista e sofisticado, com mangas tipo capa e um corte recto que respira classe. Mas é nas costas que acontece a verdadeira revelação: um enorme recorte em forma de lágrima que deixa ver a impressionante coleção de tatuagens da actriz — um verdadeiro mapa pessoal gravado na pele.

Entre os desenhos mais emblemáticos encontra-se o tigre-de-bengala tatuado na zona lombar, feito em 2004, quando Jolie recebeu a cidadania cambojana. Mais acima, há símbolos budistas dedicados ao filho Maddox, um diagrama que representa os quatro elementos — terra, água, ar e fogo — e até uma inscrição inspirada nos The Clash, que proclama: “Know Your Rights” (“Conhece os teus direitos”).

Um corpo como tela da alma

As tatuagens, para Jolie, são muito mais do que adornos: são marcas de autoconhecimento e liberdade. Em entrevista à revista Backstage, a actriz explicou:

“Foi uma das muitas coisas que fiz na vida para me separar do cinema e da câmara. Era algo que era meu, e não de uma personagem. Ter um ‘eu’ próprio é muito importante quando grande parte do teu trabalho é transformar-te noutras pessoas.”

Ao longo dos anos, Angelina tem mostrado orgulho nas suas tatuagens, escolhendo frequentemente vestidos e decotes que as revelam subtilmente. Em Veneza, em 2024, desfilou com um outro vestido preto de costas cavadas; e antes disso, surpreendeu ao estrear uma nova tatuagem no peito, em forma de ave, num vestido verde-esmeralda com decote profundo.

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A cada aparição, Jolie confirma o que sempre foi evidente: é dona da sua imagem e da sua narrativa, recusando separar a arte do corpo, o corpo da história e a história da mulher que é — intensa, multifacetada e livre.

David Attenborough Faz História aos 99 Anos nos Daytime Emmy — General Hospital Domina a Noite 🌿🏆

O naturalista britânico torna-se o vencedor mais velho da história dos Emmy diurnos, enquanto a veterana novela americana leva para casa seis prémios principais.

Aos 99 anos, Sir David Attenborough voltou a provar que o tempo é apenas um número. O lendário comunicador britânico venceu o Daytime Emmy de melhor personalidade televisiva (programa não diário) pela série da Netflix Secret Lives of Orangutans, tornando-se o mais velho vencedor de sempre na história da cerimónia.

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Attenborough ultrapassa assim o recorde de Dick Van Dyke, que no ano passado, com 98 anos, conquistara o Emmy de melhor actor convidado em série diurna por Days of Our Lives. O autor e narrador, cuja carreira atravessa oito décadas, não esteve presente na cerimónia em Pasadena, Califórnia, mas o feito foi recebido com aplausos e emoção.

General Hospital volta a reinar 🩺

A veterana produção da ABC, General Hospital, foi a grande vencedora da noite, arrecadando seis troféus nas categorias principais, incluindo melhor série dramática.

Entre os prémios individuais, Nancy Lee Grahn venceu como melhor actriz principal, o seu terceiro Emmy, pela interpretação de Alexis Davis, personagem que interpreta desde 1996. No discurso, usou a plataforma para fazer um apelo político apaixonado:

“A nossa democracia vale a pena ser defendida. Está na hora de nos levantarmos e falarmos em nome da decência e da liberdade!”

Paul Telfer, de Days of Our Lives, foi distinguido como melhor actor principal, e dedicou o prémio à mãe, falecida há mais de 20 anos:

“Ela adorava novelas — e adorava vilões. Ganhar este prémio a interpretar um vilão é, de certa forma, para ela.”

Uma noite de emoções e lágrimas verdadeiras ✨

Jonathan Jackson, também de General Hospital, levou o Emmy de melhor actor secundário pelo papel de Lucky Spencer, que interpreta intermitentemente desde 1993. Susan Walters, de The Young and the Restless, venceu como melhor actriz secundária, aproveitando o momento para agradecer ao marido, o actor Linden Ashby, seu colega na mesma série.

Alley Mills, recordada por muitos como a mãe em The Wonder Years, conquistou o prémio de melhor actriz convidadapela sua interpretação de Heather Webber — o segundo Emmy consecutivo nesta categoria.

Novos rostos, novas vozes

O prémio de talento emergente — que substituiu as antigas categorias de jovem actor/actriz — foi para Lisa Yamada, de The Bold and the Beautiful, que não conteve as lágrimas:

“Sonho com isto desde que me lembro. É o meu sonho tornado realidade… estou a chorar de felicidade!”

Drew Barrymore também celebrou uma vitória muito esperada, ao vencer como melhor apresentadora de talk show diurno com o seu programa The Drew Barrymore Show, superando nomes como Kelly Clarkson e Jennifer Hudson.

E, na cozinha, Kardea Brown levou o Emmy de melhor apresentadora culinária por Delicious Miss Brown, com lágrimas de alegria e um agradecimento emocionado:

“Sou uma mulher negra de Charleston, e ninguém acreditava que isto fosse possível — mas Deus acreditou.”

Um prémio de carreira e um legado vivo 📺

A jornalista Deborah Norville, histórica apresentadora de Inside Edition, foi distinguida com o prémio de carreira, depois de 30 anos à frente do programa.

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ntre lágrimas, aplausos e discursos inspiradores, a noite provou que a televisão diurna continua viva — e capaz de celebrar desde novas vozes até ícones eternos como David Attenborough, cuja voz continua a lembrar-nos da beleza do mundo natural… e da longevidade de quem nunca deixou de contar histórias.

Palavras-chave: David Attenborough, Daytime Emmy Awards, General Hospital, Nancy Lee Grahn, Paul Telfer, Drew Barrymore, Alley Mills, Lisa Yamada, Kardea Brown, Deborah Norville, televisão, Netflix, Secret Lives of Orangutans

Blue Moon: O Divórcio Mais Famoso da Broadway Ganha Vida no Novo Filme de Richard Linklater 🎭💔

Ethan Hawke brilha como o génio atormentado Lorenz Hart num retrato melancólico e espirituoso sobre a noite em que o musical americano mudou para sempre.

Richard Linklater, o realizador de Boyhood e Before Sunrise, regressa à sua zona de conforto — diálogos longos, almas inquietas e noites que mudam vidas — com Blue Moon, um filme que mergulha na mente de Lorenz Hart, o letrista lendário de canções como My Funny Valentine e The Lady Is a Tramp. O que à primeira vista parece apenas um retrato íntimo de um artista em crise é, na verdade, um “divórcio” criativo contado como uma tragédia de bastidores: o fim da parceria entre Hart e Richard Rodgers, o compositor que, ao lado de Oscar Hammerstein II, reinventaria a Broadway com Oklahoma!

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Uma conversa com fantasmas no bar de Sardi’s 🍸

A acção decorre numa única noite — a noite da estreia de Oklahoma!, em 1943 —, quando Hart (interpretado com melancolia e ironia por Ethan Hawke) se refugia no bar do lendário restaurante Sardi’s. Entre copos, conversas afiadas e tiradas mordazes, ele comenta o espectáculo que acabou de assistir — o triunfo do seu antigo parceiro. O filme é essencialmente um banquete verbal: um homem a enfrentar o fim de uma era, com uma língua tão afiada quanto o vazio que sente por dentro.

Ao longo da noite, Hart cruza-se com um elenco improvável: um barman filósofo (Bobby Cannavale), um jovem soldado que sonha ser compositor, um cliente discreto que se revela o editor E.B. White, e até um precoce adolescente chamado “Stevie” — uma piscadela divertida ao futuro compositor Stephen Sondheim. O ambiente é de humor ácido, nostalgia e autodestruição — um My Dinner With André passado em copos de whisky e neons da Broadway.

O amor, a solidão e a música 🎶

Entre uma gargalhada e uma confissão amarga, Hart revela o seu amor impossível por uma jovem poetisa (vivida por Margaret Qualley), símbolo de tudo o que deseja mas nunca poderá ter. Linklater e o argumentista Robert Kaplowmisturam factos reais e imaginação, criando uma figura que representa o eterno conflito entre desejo e frustração, entre arte e auto-negação.

Na realidade, Hart viveu sempre dividido: um génio letrista e um homem destruído pela insegurança, o alcoolismo e a repressão sexual. Pequeno em estatura (tinha menos de 1,50 m), mas gigante em talento, via-se como “unphotographable” — palavra que ele próprio usou nos versos de My Funny Valentine.

A queda de um gigante e o nascimento de outro 🌙

Blue Moon capta o instante simbólico em que o velho mundo da Broadway — sofisticado, urbano e irónico — cede lugar ao novo idealismo rural de Rodgers e Hammerstein. Para Hart, Oklahoma! não era apenas um sucesso que o excluía, era o sinal de que o seu tempo tinha terminado. “É um sucesso de 14 quilates… e um pedaço de lixo de 14 quilates”, diz, com o humor ferido de quem sabe que está a assistir ao próprio funeral artístico.

Com interpretações poderosas (Hawke é magistral, e Andrew Scott como Rodgers dá-lhe a medida exacta de pragmatismo e crueldade), Blue Moon é uma elegia à amizade perdida, ao amor não correspondido e à passagem do tempo — um brinde amargo ao preço da genialidade.

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Richard Linklater assina aqui um filme que é menos sobre teatro e mais sobre a solidão dos criadores: quando o espectáculo acaba, o aplauso morre — e só resta o eco das canções.

Quando Keanu Reeves Quase Se Chamou “Chuck Spadina” — O Dia em Que Hollywood Tentou Mudar o Seu Nome 😅

O actor revelou que, no início da carreira, foi pressionado a abandonar o nome que hoje é sinónimo de culto e carisma — e as alternativas eram… curiosas.

Antes de se tornar no ícone global que conhecemos — de Matrix a John Wick —, Keanu Reeves teve um daqueles encontros típicos com o sistema de Hollywood: o momento em que alguém decide que o teu nome “não é suficientemente comercial”.

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Numa conversa recente no podcast New Heights, o actor recordou o episódio com humor e alguma incredulidade. “Tinha 20 anos, saí de Toronto e conduzi até Los Angeles. Assim que cheguei, o meu agente disse: ‘Queremos mudar o teu nome.’ E eu pensei: ‘O quê? O meu nome?’”, contou.

“Chuck Spadina”? Sim, quase.

Enquanto caminhava pela praia a tentar encontrar uma alternativa, Keanu começou a brincar com hipóteses. “O meu nome do meio é Charles… talvez Chuck? E cresci numa rua chamada Spadina, por isso pensei: Chuck Spadina”, riu. “Depois experimentei algo como Templeton. No fim, fiquei como K.C. Reeves — até ser creditado assim num episódio de The Magical World of Disney.”

Mas a experiência não durou muito. O actor admitiu que não se reconhecia no nome:

“Ia a audições e chamavam ‘K.C. Reeves’, e eu nem respondia. Seis meses depois, pensei: ‘Não consigo fazer isto. Não sou eu.’”

E assim nasceu o verdadeiro Keanu Reeves — nome que, ironicamente, viria a tornar-se um dos mais marcantes da cultura pop.

O peso dos nomes em Hollywood 🌟

Reeves não foi o único a enfrentar essa pressão. Até Leonardo DiCaprio foi aconselhado, no início da carreira, a mudar de nome por ser “demasiado étnico”. Felizmente, ambos resistiram — e o resto é história.

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Próxima paragem: Good Fortune😇

O actor regressa em breve aos cinemas com Good Fortune, uma comédia de Aziz Ansari, onde contracena com o próprio Ansari e Seth Rogen. Reeves interpreta Gabriel, um anjo distraído que, após um erro cósmico, é forçado a viver como humano.

Segundo o crítico Chris Bumbray, Reeves é o grande destaque do filme:

“Perfeitamente escolhido para o papel, é hilariante como o anjo lunático e meio perdido que tenta adaptar-se à vida mortal.”

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De Chuck Spadina a Neo e John Wick, Keanu Reeves provou que o nome pode mudar… mas o carisma é eterno.

Revelada a Causa da Morte de Diane Keaton: O Último Adeus a Uma Lenda de Hollywood

A actriz, vencedora de um Óscar por Annie Hall, morreu aos 79 anos vítima de pneumonia.

A causa da morte de Diane Keaton foi finalmente revelada. A icónica actriz norte-americana, vencedora de um Óscar e estrela de clássicos como Annie Hall e O Padrinho, morreu no passado 11 de Outubro aos 79 anos, vítima de pneumonia, segundo a revista People, que citou um comunicado oficial da família.

“A família deseja agradecer pelas extraordinárias mensagens de amor e apoio”, lê-se na nota divulgada à imprensa.

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A notícia da sua morte tinha sido confirmada no sábado, dia 11, mas sem detalhes sobre a causa. O Departamento de Bombeiros de Los Angeles informou que foi chamado à residência da actriz em Brentwood às 8h08 da manhã e que uma paciente foi transportada para o hospital, onde Keaton acabaria por falecer.

Uma carreira inesquecível 🌟

Diane Keaton é um dos nomes maiores do cinema americano. A actriz começou por se destacar nos anos 70 com o papel de Kay Adams em O Padrinho (1972), mas foi com Annie Hall (1977), de Woody Allen, que conquistou o Óscar de Melhor Actriz e se tornou um ícone de estilo e de autenticidade.

Ao longo de cinco décadas de carreira, brilhou em filmes como Play It Again, Sam, Baby Boom, The First Wives Club, Father of the Bride e Book Club. Em 2022, numa entrevista à ABC News, Keaton reflectiu sobre o seu percurso:

“Tive muita sorte nas oportunidades que surgiram. O que tornou a minha vida interessante foi a liberdade. A liberdade de poder fazer as minhas escolhas ao longo do tempo.”

Tributos de Hollywood 💔

A morte da actriz provocou uma onda de comoção em Hollywood. Nancy Meyers, realizadora de Something’s Gotta Givee Father of the Bride, escreveu nas redes sociais:

“Perdemos uma gigante. Uma actriz brilhante que, vezes sem conta, se expôs para contar as nossas histórias.”

Colegas e amigas como Goldie Hawn e Mary Steenburgen também prestaram homenagem à actriz, recordando a sua generosidade, humor e o seu espírito livre.

Um coração dedicado aos outros ❤️

Para além do talento, Diane Keaton era conhecida pelo seu amor pelos animais e pelo envolvimento em causas sociais. A família sublinhou esse legado no comunicado divulgado à People:

“Ela amava os seus animais e era incansável no apoio à comunidade sem-abrigo. Qualquer doação a um banco alimentar ou a um abrigo de animais em sua memória será uma homenagem maravilhosa e muito apreciada.”

Hollywood despede-se assim de uma das suas figuras mais queridas — uma mulher que fez da excentricidade uma forma de arte e do cinema um espelho da sua alma.

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 A Homenagem comovente de Keanu Reeves a Diane Keaton: “Uma pessoa única e extraordinária”

O actor recordou com emoção a sua colega de Something’s Gotta Give, elogiando o talento, a generosidade e o humor da eterna estrela de Annie Hall 💔🎬

Keanu Reeves, conhecido pela sua discrição e humildade, emocionou o público ao prestar uma tocante homenagem a Diane Keaton, falecida no passado dia 11 de Outubro, aos 79 anos. O actor canadiano, que contracenou com Keaton e Jack Nicholson na comédia romântica Something’s Gotta Give (Alguém Tem de Ceder, 2003), revelou as suas memórias da actriz durante uma entrevista no programa The Late Show with Stephen Colbert.

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“Era uma pessoa extraordinária, única, especial — e uma artista incrível”, recordou Keanu, visivelmente comovido. O actor falou de uma cena que filmaram em Paris e de como foi marcante assistir a dois gigantes como Jack e Diane a trabalharem juntos: “A inteligência, o humor… ver aqueles dois a serem simplesmente eles próprios foi inesquecível.”

No filme, Reeves interpretava o jovem médico Julian Mercer, apaixonado por Erica Barry — a dramaturga divorciada vivida por Keaton. Apesar de o romance entre as personagens não resistir à química irresistível entre Keaton e Nicholson, o filme tornou-se um clássico moderno do género, muito graças à autenticidade e carisma da actriz.

Diane Keaton, vencedora de um Óscar por Annie Hall e detentora de uma carreira recheada de papéis icónicos, foi descrita por Keanu como “uma artista generosa e uma pessoa muito especial”.

O tributo ganhou ainda mais força quando o actor recordou o reencontro entre ambos na cerimónia dos Óscares de 2020 — um momento que agora ganha um tom agridoce: “Era uma artista generosa, generosa… e uma pessoa verdadeiramente única.”

Durante a conversa, Stephen Colbert juntou-se às palavras de Keanu, classificando Keaton como “uma das actrizes mais talentosas, originais e naturalmente engraçadas de sempre”.

Com 17 nomeações para os Óscares entre Jack Nicholson e Diane Keaton — três vitórias para ele e uma para ela —, Something’s Gotta Give representou um encontro de titãs em que também Keanu Reeves deixou a sua marca. Hoje, ao homenagear Diane, o actor recorda não apenas uma colega, mas uma amiga e inspiração duradoura.

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Keanu encontra-se actualmente na Broadway, a partilhar o palco com Alex Winter em Waiting for Godot, mas o coração — esse — ficou claramente em Hollywood, com a memória de uma mulher que o marcou profundamente.

Alicia Silverstone e Chris O’Donnell Recordam o Caótico Batman & Robin  — o Filme Que Congelou a Franquia 🦇

Quase trinta anos depois da estreia de Batman & Robin, os protagonistas Alicia Silverstone e Chris O’Donnell olham para o desastre com uma serenidade desarmante — e até com algum carinho. O filme, lançado em 1997 e realizado pelo falecido Joel Schumacher, tornou-se um caso de estudo em Hollywood: como transformar o super-herói mais sombrio da BD numa comédia involuntária de luzes de néon e trocadilhos gelados.

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O filme que pôs o “camp” em Gotham

A produção reunia um elenco de luxo: George Clooney como Batman, Chris O’Donnell como Robin, Alicia Silverstonecomo Batgirl, Uma Thurman como Poison Ivy e Arnold Schwarzenegger como Mr. Freeze — todos mergulhados num universo de cor, exagero e… mamilos esculpidos no fato.

O resultado? Um naufrágio crítico e comercial. O humor forçado, os efeitos visuais artificiais e a estética barroca transformaram o filme num símbolo involuntário do “kitsch” cinematográfico dos anos 90. Ainda assim, com o passar do tempo, Batman & Robin acabou por ganhar um estatuto de culto — e uma legião de fãs que o vêem como uma delícia “camp” que nunca se levou demasiado a sério.

“Havia tanto ódio em relação ao filme…”

Em entrevista recente à Entertainment Weekly, Chris O’Donnell recordou os dias difíceis que se seguiram à estreia.

“De repente, começámos a perceber o feedback e tudo estava a descarrilar”, contou. “Havia tanto ódio em relação ao filme… Lembro-me de Joel Schumacher levantar a bandeira branca e dizer: ‘Acabou. Não consigo mais’. Ele ficou mesmo devastado.”

Hoje, O’Donnell encara a experiência com leveza: “Foi duro na altura, mas foi divertido. Tivemos sorte em fazer parte de algo tão grande. Uns filmes resultam, outros não — é o jogo.”

A redenção da Batgirl

Para Alicia Silverstone, que foi alvo de críticas particularmente cruéis na época — incluindo a conquista do Razzie de Pior Atriz Secundária — o tempo trouxe justiça e até algum amor retroativo.

“A Batgirl teve uma espécie de renascimento”, diz a atriz. “Na altura, as pessoas não gostaram, mas agora muitos dizem que é o seu filme preferido. Pelo menos todos os meus amigos gays — é muito camp!”

A declaração é coerente com o tom que Batman & Robin acabou por assumir na cultura pop: um espetáculo de excessos visuais, humor involuntário e estética queer avant la lettre.

Um legado congelado — mas eterno

Mesmo Uma Thurman, que deu vida à venenosa Poison Ivy, defendeu o filme: “Foi o único que realmente foi feito para crianças”, disse a atriz no ano passado. Uma afirmação curiosa, tendo em conta o infame detalhe anatómico do uniforme do Cavaleiro das Trevas — um pormenor que o próprio George Clooney comentou, entre risos, em 2014: “Não fiquei exatamente entusiasmado com os mamilos no Batsuit… Batman devia estar sempre com frio, imagino.”

O fracasso do filme levou a Warner Bros. a colocar o herói em pausa durante quase uma década. Só em 2005, com Batman Begins de Christopher Nolan, o Cavaleiro das Trevas recuperou o prestígio, inaugurando uma nova era sombria e realista com Christian Bale no papel principal.

Desde então, Ben Affleck e Robert Pattinson voltaram a reinventar o mito, e o futuro do herói já tem novos capítulos anunciados: The Batman – Part II (estreia prevista para 1 de Outubro de 2027) e The Brave and the Bold, que marcará o início do novo DCU de James Gunn.

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Entre o gótico, o pop e o absurdo, Batman & Robin sobrevive como uma relíquia extravagante — o filme que quase matou o herói, mas que hoje nos faz sorrir precisamente por isso.

Tim Curry Revela Que Deve a Vida ao Massagista Que Ignorou as Suas Ordens Durante o AVC de 2012 ❤️‍🩹

O lendário ator Tim Curry, eterno Dr. Frank-N-Furter de The Rocky Horror Picture Show, revelou no seu novo livro de memórias, Vagabond, que só está vivo graças à coragem — e teimosia — do seu massagista.

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O intérprete britânico, hoje com 79 anos, sofreu um AVC grave em 2012, na sua casa na Califórnia. O episódio deixou-o parcialmente paralisado do lado esquerdo e com a fala afetada. Segundo o próprio, tudo aconteceu durante uma sessão de massagem que parecia, até então, absolutamente normal.

“Achei que ele estava a exagerar”

Curry recorda que não sentiu dor, tontura ou qualquer sinal de alarme. “Não me senti estranho, nem percebi que algo estava errado”, escreve. “Achei que estava tudo bem.”

Foi o massagista quem notou alterações subtis no corpo do ator e decidiu agir por instinto. Quando anunciou que ia chamar uma ambulância, Curry tentou impedi-lo. “Disse-lhe que estava a exagerar”, admite. “Provavelmente devo-lhe a vida por ele não me ter ouvido.”

Pouco depois, o ator foi levado para o hospital, onde os médicos confirmaram o pior: tinha sofrido um acidente vascular cerebral que exigia uma craniectomia — uma cirurgia de emergência para aliviar a pressão no cérebro.

“Só depois da operação me explicaram o que tinha acontecido. O sangue deixou de circular normalmente, dois coágulos tiveram de ser removidos. Percebi então o quão improvável era eu estar vivo”, confessa.

A dura recuperação e o regresso pela voz

O AVC deixou marcas permanentes. “Foi um AVC paralisante, por isso ainda hoje tenho limitações físicas. Mas estou muito grato por não ter sido um AVC da fala. Se tivesse perdido a capacidade de falar, teria sido devastador.”

Durante várias semanas após a cirurgia, Curry não conseguiu pronunciar uma única palavra. “Foi um inferno”, descreve. “Mas disseram-me que a linguagem voltaria com o tempo — e tinham razão.”

Desde então, o ator passou a dedicar-se sobretudo ao dobramento de voz, onde continua a brilhar. Emprestou a sua inconfundível dicção britânica a personagens como o Imperador Palpatine em Star Wars: The Clone Wars e a Terrence, o tucano falante, no filme de animação Ribbit.

Um ícone que nunca perdeu o humor

Apesar das sequelas, Tim Curry mantém o espírito irreverente que o tornou num ícone do cinema. Numa rara aparição pública, durante a celebração dos 50 anos de The Rocky Horror Picture Show, o ator comentou, com o sorriso que os fãs bem conhecem:

“Já não consigo andar, por isso estou nesta cadeira tola. É limitador, claro. Mas continuo cá — só não me verão a dançar muito em breve.”

Curry, que interpretou o papel de Frank-N-Furter no teatro antes de o eternizar no filme de 1975, nunca renegou o fenómeno que o tornou famoso. “Olho para The Rocky Horror com uma espécie de tolerância divertida”, disse à Los Angeles Magazine. “Nem uma bênção, nem uma maldição. Tive sorte em tê-lo.”

Um sobrevivente com alma de artista

Hoje, mais de uma década após o AVC, Tim Curry vive longe dos holofotes, mas o seu legado continua intacto — de Annie a Sozinho em Casa 2, de Charlie’s Angels a It, onde aterrorizou gerações como o palhaço Pennywise.

Com Vagabond, o ator reflete sobre uma vida de excessos, talento e reinvenção — e sobre o milagre improvável que o manteve entre nós.

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“Se aprendi alguma coisa”, escreve, “é que às vezes a vida depende de alguém que decide não fazer o que lhe pedimos. Felizmente, o meu massagista era uma dessas pessoas.”

Alec Baldwin Choca Contra Árvore nos Hamptons — Mas Sai Ileso 🚗🌳

O actor colidiu com uma árvore enquanto conduzia o seu Range Rover em Nova Iorque; o irmão Stephen Baldwin também seguia no veículo

Alec Baldwin sofreu um acidente de viação nos Hamptons, em Nova Iorque, na passada segunda-feira, quando o Range Rover que conduzia colidiu frontalmente com uma árvore, segundo avançou o Page Six.

De acordo com a mesma publicação, Stephen Baldwin, irmão do actor, também se encontrava no carro no momento do embate. As fotografias divulgadas pelo Page Six e pelo TMZ mostram ambos aparentemente sem ferimentos.

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Carro ficou destruído, mas não houve feridos

O impacto foi forte o suficiente para deixar o capot do Range Rover branco completamente danificado, com a frente do veículo praticamente destruída — ao ponto de parecer irrecuperável. Apesar disso, Alec e Stephen Baldwin saíram ilesos e não necessitaram de assistência médica no local.

Segundo testemunhas, o actor falou calmamente com a polícia logo após o acidente. Baldwin encontrava-se nos Hamptons para participar no Hamptons International Film Festival, que decorre até 15 de Outubro.

Um susto num ano já atribulado

Com 66 anos, Alec Baldwin tem vivido um período intenso da sua carreira e vida pessoal. O actor continua envolvido nos processos judiciais relacionados com o filme Rust, após o trágico incidente de 2021 que vitimou a directora de fotografia Halyna Hutchins.

No entanto, as autoridades afirmaram que não há qualquer indício de álcool ou substâncias ilícitas relacionados com o acidente de viação — tudo aponta para um susto sem consequências graves.

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Apesar do incidente, Alec Baldwin encontra-se bem e deverá manter a sua presença no festival, onde tem promovido novos projectos e participado em debates sobre cinema independente.

O Melhor Filme de Sempre, Segundo Jim Carrey: “É Fenomenal” 🎬🔥

O ator de comédia mais imprevisível de Hollywood revela qual é o filme que considera uma verdadeira obra-prima — e não, não é uma comédia

Jim Carrey sempre foi um artista difícil de rotular. Para muitos, é o rei do humor físico e das expressões impossíveis; para outros, é um ator profundamente sensível que sabe explorar as fissuras da alma humana. E talvez por isso não surpreenda que o filme que ele considera “o melhor de todos os tempos” não seja uma comédia, mas sim uma das sátiras mais poderosas e visionárias da história do cinema: Network – Escândalo na TV (1976), realizado por Sidney Lumet

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“O meu filme favorito de todos os tempos é Network”

Carrey fez a revelação no seu livro Memoirs and Misinformation (2020), descrevendo o clássico de Lumet como “um espelho absurdo e profético da nossa sociedade moderna”.

“O meu filme favorito de todos os tempos é Network,” escreveu o ator. “Adoro o trabalho de Paddy Chayefsky [autor do argumento]. É como uma profecia do que aconteceu nos últimos 50 anos. Todos os atores estão brilhantes. É fenomenal.”

O filme, uma crítica feroz ao poder dos meios de comunicação e ao cinismo do capitalismo televisivo, marcou profundamente Carrey — um artista que sempre equilibrou o riso com uma visão crítica do mundo.

De Ace Ventura a The Truman Show: o ator que aprendeu a rir da própria realidade

Nos anos 90, Jim Carrey dominou o cinema de comédia com personagens icónicas como Ace Ventura, O Máskara, Lloyd Christmas em Doidos à Solta e o sinistro Cable Guy. Mas foi com dramas como The Truman Show, Man on the Moon e Eternal Sunshine of the Spotless Mind que o ator mostrou que havia muito mais por trás da caricatura — uma mente inquieta, filosófica e profundamente humana.

É precisamente essa dualidade — entre o humor e a melancolia — que explica a sua devoção a Network.

“Cada cena é um banquete”

Em conversa com o comediante Norm Macdonald, Carrey reforçou o seu entusiasmo pelo filme:

“O meu filme favorito? Network. É fantástico. Cada cena é um banquete.”

O filme, protagonizado por Faye Dunaway, William Holden, Peter Finch e Robert Duvall, conta a história de uma estação de televisão que decide explorar o colapso mental de um antigo pivô de notícias, transformando o seu desespero num espetáculo mediático. O resultado é uma espiral moral onde o lucro vence a empatia — uma previsão assustadoramente atual.

Carrey, hoje mais espiritual e crítico da cultura mediática, vê em Network um reflexo direto da sua própria visão sobre Hollywood e a sociedade moderna.

“Agora que estou mais velho, olho para aquela cena entre William Holden e Faye Dunaway na cozinha… e ele diz: ‘Estou mais perto do fim do que do início’. É devastador. Quem escreve assim? É incrível.”

O filme que previu o século XXI

Lançado em 1976, Network – Escândalo na TV foi nomeado para 10 Óscares e venceu quatro, incluindo Melhor Ator (Peter Finch) e Melhor Atriz (Faye Dunaway). Mais do que um retrato dos bastidores da televisão, o filme antecipou o culto do sensacionalismo e a transformação da informação em entretenimento — algo que Carrey considera “profético”.

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Jim Carrey e o espelho de Network

Para um ator que sempre procurou equilíbrio entre o absurdo e a verdade, Network representa o ponto perfeito entre comédia, tragédia e lucidez. Tal como o próprio Carrey, o filme ri-se do desespero, critica o sistema e convida-nos a pensar.

“Se procuras um filme que represente a comédia, a tragédia e a crítica social de Jim Carrey, Network é esse filme”, escreveu um crítico americano.

E talvez seja por isso que, depois de todos os risos, Jim Carrey escolheu justamente um drama como o seu filme preferido. Porque, como ele próprio ensinou, a linha entre rir e chorar é mais fina do que parece.

Woody Allen Recorda Diane Keaton: “Fiz Filmes Apenas Para Uma Pessoa — Ela” 🎬❤️

O realizador presta um comovente tributo à atriz, amiga e antiga companheira, após a sua morte aos 79 anos

Poucos pares definiram o cinema americano como Woody Allen e Diane Keaton. Agora, após a morte da atriz aos 79 anos, o realizador — que foi seu companheiro, cúmplice artístico e amigo de toda a vida — escreveu um texto de despedida profundamente pessoal, publicado no The Free Press, onde recorda uma mulher “única na história do planeta” e confessa que “fazia filmes apenas para ela”.

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“Diane Keaton era o meu público de uma pessoa só”

No ensaio, Allen, de 89 anos, relembra o momento em que a conheceu em 1969, durante os ensaios da peça Play It Again, Sam, e o início da relação que marcaria ambos para sempre. “À medida que o tempo passava, fazia filmes para um público de uma pessoa: Diane Keaton. Nunca li uma única crítica do meu trabalho — só me importava com o que ela tinha a dizer.”

O cineasta recorda ainda o riso inconfundível da atriz e o seu impacto imediato em qualquer ambiente. “Ela era diferente de qualquer pessoa que o planeta tenha conhecido — e é improvável que volte a existir alguém como ela. O seu rosto e o seu riso iluminavam qualquer espaço onde entrasse.”

Uma parceria para a eternidade

Allen e Keaton conheceram-se no final dos anos 60, viveram um romance de cinco anos e trabalharam juntos em oito filmes, incluindo Sonhos de um Sedutor, A Última Noite de Boris Grushenko, Manhattan e, claro, Annie Hall (1977), que valeu a Keaton o Óscar de Melhor Atriz. Mesmo depois da separação, mantiveram uma amizade sólida e cúmplice.

No texto, Allen escreve com pesar:

“Há poucos dias, o mundo era um lugar que incluía Diane Keaton. Agora, é um mundo que não a tem. E, por isso, é um mundo mais triste. Ainda assim, ficam os seus filmes. E o seu riso continua a ecoar na minha cabeça.”

Admiração que nunca cessou

Ao longo dos anos, Diane Keaton foi uma das vozes mais firmes em defesa de Allen, mesmo nos períodos mais controversos da carreira do realizador. Durante o movimento #MeToo, quando antigas acusações voltaram a ser discutidas, Keaton afirmou:

“Woody Allen é meu amigo, e continuo a acreditar nele. Vejam a entrevista dele no 60 Minutes de 1992 e tirem as vossas próprias conclusões.”

Allen, por sua vez, referia-se frequentemente a Keaton como a sua “estrela polar” — a pessoa cuja opinião mais valorizava.

“Ela deu-me tudo”

A própria Keaton, em entrevista ao The Guardian em 2023, descreveu o realizador como uma influência determinante:

“Foi sempre especial estar com o Woody. Ele era tudo para mim. Deu-me tudo. Woody tornou as coisas mais leves, e isso ajudou-me imenso.”

Um amor que evoluiu em amizade

No ensaio, Allen também recorda momentos íntimos do casal, como um memorável Dia de Ação de Graças passado a jogar póquer com a família de Keaton. “Tivemos alguns anos maravilhosos juntos. Depois, cada um seguiu o seu caminho — e só Deus e Freud saberão porquê”, escreve com ironia melancólica.

Em 2017, o realizador que raramente comparece a cerimónias de prémios quebrou o hábito para entregar a Keaton o AFI Life Achievement Award, dizendo:

“Desde o minuto em que a conheci, ela foi uma grande inspiração para mim. Muito do que alcancei devo-o, sem dúvida, a ela. Ver a vida pelos olhos da Diane foi uma dádiva. Ela é extraordinária — tudo o que faz, faz bem.”

O eco de uma risada imortal

Com a sua partida, Woody Allen despede-se não apenas de uma atriz, mas da mulher que marcou a sua arte e o seu coração. E como ele próprio escreve: “Ainda ouço o seu riso. Está gravado em mim — e em todos os que a amaram.”

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Sigourney Weaver Pode Estar de Volta ao Espaço: Ellen Ripley Pode Ressurgir no Universo Alien

A lendária atriz revelou ter-se reunido com a Disney para discutir um possível regresso ao papel que a eternizou

Os fãs da saga Alien podem começar a sonhar: Sigourney Weaver, a eterna Ellen Ripley, admitiu que há conversas em curso sobre um possível regresso ao universo criado por Ridley Scott. A revelação foi feita durante um painel da Comic Con de Nova Iorque, onde a atriz de 76 anos surpreendeu o público ao confirmar que se reuniu com a Disney — actual detentora da franquia — para discutir a ideia.

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Segundo Weaver, o impulso para regressar veio depois de ler 50 novas páginas de argumento escritas pelo produtor e argumentista Walter Hill, veterano da série. “Fiquei impressionada”, confessou. “Nunca senti necessidade de regressar. Sempre pensei: ‘Deixem-na descansar, deixem-na recuperar’. Mas o que o Walter escreveu pareceu-me extraordinário — é profundamente verdadeiro, especialmente sobre a sociedade que castigaria alguém que apenas tentou ajudar a humanidade.”

Um possível regresso… mas ainda longe de ser certo

Apesar do entusiasmo, a atriz manteve os pés assentes na terra. “Não sei se vai acontecer”, avisou. “Mas estou a pensar em trabalhar com o Walter para ver como o resto da história se poderia desenrolar.”

Se o projeto avançar, será o reencontro de Weaver com um dos papéis mais icónicos do cinema de ficção científica. Ellen Ripley surgiu pela primeira vez em Alien – O Oitavo Passageiro (1979), de Ridley Scott, transformando uma história de terror espacial num marco cultural e num símbolo de força feminina.

Weaver regressou em Aliens: O Recontro Final (1986), de James Cameron — interpretação que lhe valeu uma nomeação ao Óscar de Melhor Atriz, feito raríssimo para um filme de ação e ficção científica. Mais tarde, participou em Alien³(1992), de David Fincher, e em Alien: Ressurreição (1997), onde deu vida a um clone da personagem, já que Ripley morre no final do terceiro filme.

O legado de uma heroína imortal

Ao longo de mais de 70 filmes, Sigourney Weaver construiu uma das carreiras mais respeitadas de Hollywood. De Caça-Fantasmas a Avatar, passando por dramas e comédias, a atriz provou ser uma das intérpretes mais versáteis da sua geração. No entanto, para milhões de fãs, será sempre a comandante Ripley — a mulher que enfrentou o terror absoluto no espaço e sobreviveu para contar a história.

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Com a série Alien: Earth a conquistar o público e a crítica na FX, o momento parece perfeito para revisitar as origens e, quem sabe, dar a Ripley uma nova missão — talvez a mais importante de todas: encerrar o ciclo que começou há quase meio século.

Até lá, os fãs aguardam em suspenso. E se há algo que Alien nos ensinou, é que no espaço, ninguém nos ouve gritar… mas o entusiasmo é audível em toda a galáxia. 👽

Diane Keaton: A Última Publicação, o Amor pelos Animais e a Maternidade aos 50 🕊️

A Despedida Discreta de uma Estrela

A última publicação de Diane Keaton no Instagram, feita meses antes da sua morte, é um reflexo perfeito da mulher que sempre foi — carinhosa, simples e de bom humor. A atriz, que nos deixou no sábado, 11 de outubro, aos 79 anos, celebrou o National Pet Day (Dia Nacional dos Animais de Estimação) com a ajuda da marca Hudson Grace e do seu fiel companheiro, Reggie, um golden retriever que a acompanhou nos últimos anos.

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“A prova de que os nossos animais de estimação também têm um ótimo gosto! Feliz Dia Nacional dos Animais de Estimação da HG e Diane Keaton”, lia-se na legenda partilhada pela marca — e replicada pela atriz, que não escondia o amor pelos seus amigos de quatro patas.

Em 2020, Diane apresentou Reggie aos fãs com entusiasmo, partilhando vídeos dele a correr e saltar pelo quintal. Um pequeno vislumbre da serenidade que encontrou longe dos estúdios de Hollywood.

Uma Vida Amorosa Sem Alianças

Apesar de ter vivido intensas histórias de amor com nomes lendários como Al Pacino, Warren Beatty e Woody Allen, Diane Keaton manteve-se fiel a si mesma — e solteira até ao fim.

“Tenho 73 anos e acho que sou a única da minha geração que foi solteira a vida toda”, confessou em 2019 à People. A atriz explicou que o casamento nunca foi um objetivo: “Não teria sido uma boa ideia casar-me. Estou muito feliz por não o ter feito, e tenho a certeza de que eles também estão felizes com isso.”

Desde jovem, já parecia saber o que queria: “Lembro-me de um rapaz dizer-me na escola: ‘Um dia vais ser uma boa esposa’. E eu pensei: ‘Não quero ser esposa.’”

Mãe a Meio Caminho da Vida

A maternidade chegou tarde, mas trouxe-lhe um novo propósito. Aos 50 anos, Diane Keaton adotou dois filhos — Dexter e Duke — que, discretamente, a acompanharam nos bastidores da fama.

“Não achava que algum dia estaria preparada para ser mãe. A maternidade não era um desejo, era um pensamento que vinha a ter há algum tempo. Por isso, atirei-me de cabeça”, contou a atriz.

Hoje, Dexter tem 29 anos e Duke 25, e ambos preferiram manter-se longe das câmaras. “Eles não estão interessados no que eu faço, o que acho muito saudável. Vivemos uma vida mesmo normal — quer dizer, mais ou menos normal”, brincou Keaton em 2007.

Um Legado de Carisma e Liberdade

Após a notícia da sua morte, estrelas como Leonardo DiCaprio, Mia Farrow e Jane Fonda prestaram emocionantes homenagens à mulher que redefiniu o papel feminino em Hollywood — tanto nos ecrãs como fora deles.

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Com um estilo inconfundível, humor irreverente e uma independência que inspirou gerações, Diane Keaton despede-se como viveu: fiel a si mesma, rodeada de amor, e com um cão feliz a seu lado. ❤️

Elijah Wood Já Leu o Guião de The Hunt for Gollum — e Diz Que É “Mesmo Muito Bom” 🧙‍♂️💍

O eterno Frodo Baggins garante que o novo filme da Terra-média está em excelentes mãos — e confirma que Peter Jackson e a equipa original voltaram a reunir-se. Bons sinais para os fãs.

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A viagem de volta à Terra-média continua a ganhar forma — e com boas notícias para quem anda de pé atrás. Elijah Wood, o eterno Frodo Baggins de O Senhor dos Anéis, revelou que já leu o guião de The Hunt for Gollum e que o texto “é mesmo muito bom”.

Durante uma convenção de fãs no último fim-de-semana, o actor deixou claro que o projecto está em excelentes mãos e que há motivos para os fãs voltarem a acreditar na magia de Tolkien no grande ecrã.

“Sei muito sobre o assunto. Já o li. É mesmo muito bom”, garantiu Wood. “O que é tão entusiasmante é que estamos mesmo a juntar a banda criativa outra vez.”

🧝‍♂️ O regresso da velha guarda da Terra-média

Segundo Elijah Wood, o novo filme conta com o envolvimento directo de Peter Jackson, Fran Walsh e Philippa Boyens, o trio criativo responsável pela trilogia original de O Senhor dos Anéis, vencedora de 17 Óscares.

Mas as boas notícias não ficam por aqui: os mesmos designers de produção também estão de volta, e as filmagens decorrem, uma vez mais, na Nova Zelândia, o que reforça o sentimento de que “a velha máquina está novamente a funcionar com todas as pessoas certas”, como disse o actor.

“Parece que estamos a pôr a velha máquina a funcionar outra vez com todas as pessoas certas”, resumiu Wood, visivelmente entusiasmado.

🧙‍♀️ Gandalf e Frodo voltam a cruzar caminhos

Embora Elijah Wood ainda não tenha confirmado oficialmente o seu regresso como Frodo, as suas declarações aumentam a expectativa — especialmente depois de Sir Ian McKellen ter revelado que Gandalf e Frodo aparecem no filme.

Com ambos os actores mais de 20 anos mais velhos e a história de The Hunt for Gollum a decorrer antes dos eventos de O Senhor dos Anéis, permanece a dúvida sobre se será utilizado algum tipo de rejuvenescimento digital para manter a coerência visual.

🕳️ O que esperar de The Hunt for Gollum

Realizado e protagonizado por Andy Serkis, o homem por detrás da icónica criatura Gollum, o filme decorre entre os acontecimentos de O Hobbit e O Senhor dos Anéis. A trama acompanhará a busca de várias personagens — incluindo Gandalf e Aragorn — por Gollum, numa tentativa desesperada de descobrir o paradeiro do Anel, antes que Sauron o encontre.

Com estreia marcada para 17 de Dezembro de 2027, The Hunt for Gollum promete ser um verdadeiro regresso às origens, com o mesmo espírito épico e emocional que fez da trilogia original um marco na história do cinema.

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E se o entusiasmo de Elijah Wood servir de barómetro, os fãs da Terra-média podem respirar de alívio: a magia está de volta.

Chuck Norris Faz 86 Anos: O Homem, o Mito e as Lendas Que Nunca Envelhecem 🥋💥

O herói de ação mais indestrutível de Hollywood chega aos 86 — e continua a dar pontapés no tempo (e na lógica)

Ontem, Chuck Norris completou 86 anos. E, sejamos honestos, ninguém ficou realmente surpreso — não porque seja comum chegar a essa idade com tanta energia, mas porque, segundo a internet, o tempo tem medo de envelhecer Chuck Norris.

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Ator, artista marcial, produtor, ícone da cultura pop e protagonista de milhares de memes, Norris é muito mais do que o herói invencível de filmes de ação dos anos 80. É uma lenda viva, construída a golpes de karaté, disciplina e um carisma inabalável que atravessa gerações.

em 1960

🥋 Do Texas para o mundo

Nascido em Ryan, Oklahoma, a 10 de março de 1940, Carlos Ray “Chuck” Norris começou como militar na Força Aérea dos EUA antes de se tornar um dos grandes nomes das artes marciais.

Campeão de karaté nos anos 60 e 70, abriu escolas, treinou celebridades (incluindo Steve McQueen) e acabou a ser ele próprio uma — primeiro como vilão em O Voo do Dragão (1972), onde enfrentou Bruce Lee, e depois como protagonista de uma série de filmes onde era impossível de derrotar.

Clássicos como Desaparecido em Combate, O Código do Silêncio e Invasão EUA transformaram-no num símbolo do cinema de ação da era Reagan. Mas foi na televisão, com Walker, Texas Ranger (1993–2001), que se tornou uma instituição americana.

💪 O herói que virou mito da internet

Com o advento das redes sociais, Chuck Norris encontrou uma nova carreira — como lenda imortal do humor digital.

Os “Chuck Norris Facts”, piadas que o retratam como uma entidade sobre-humana (“Chuck Norris contou até ao infinito. Duas vezes.”), tornaram-se um fenómeno global e revitalizaram o culto à sua figura.

E o melhor? Ele próprio achou graça. Em várias entrevistas, Norris admitiu divertir-se com os memes — e até publicou um livro sobre eles, intitulado The Official Chuck Norris Fact Book.

“Se as pessoas estão a rir comigo e não de mim, está tudo certo”, disse certa vez o ator com o seu sorriso imperturbável.

🙏 Um homem de fé e família

Apesar da imagem de durão, Chuck Norris é também conhecido pela sua profunda religiosidade e vida familiar discreta. Casado com Gena O’Kelley desde 1998, é pai de cinco filhos e dedica boa parte do seu tempo a causas de caridade e programas de apoio a veteranos e jovens atletas.

Nos últimos anos, manteve-se mais afastado do grande ecrã, mas continua a ser presença constante em convenções, eventos de artes marciais e campanhas humanitárias.

🎂 86 anos de… invencibilidade

Aos 86, Norris já venceu inimigos, exércitos, dinossauros (provavelmente), e até o envelhecimento.

A sua figura transcendeu o cinema — é um arquétipo: o homem que nunca desiste, que luta pelo bem e que, mesmo na ficção, inspira respeito e admiração reais.

Fosse qual fosse o vilão, Chuck Norris nunca precisou de armas sofisticadas ou efeitos especiais — bastava-lhe o olhar.

Como diria um dos seus memes mais famosos:

“A Morte teve uma experiência de quase-Chuck Norris.”

🥳 Parabéns, lenda viva

Num mundo onde os heróis de ação vêm e vão, Chuck Norris permanece.

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Não como uma caricatura, mas como um ícone genuíno de força, humor e perseverança — uma combinação que, aos 86 anos, continua a ser invencível.

Jeff Bridges e o Discurso Presidencial Feito Sob o Efeito de Marijuana — e Que o Levou a uma Nomeação para o Óscar 🌿🎬

O realizador de The Contender recorda o dia em que o ator apareceu completamente “mocado” antes de uma das cenas mais importantes da sua carreira

Parece saído de uma comédia de bastidores, mas aconteceu mesmo: Jeff Bridges estava sob o efeito de marijuana quando gravou o seu discurso mais icónico em The Contender (2000), o filme político que lhe valeu uma nomeação ao Óscar de Melhor Ator Secundário.

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A revelação foi feita esta semana por Rod Lurie, realizador do filme, durante um evento no Clinton Presidential Center, onde falava sobre representações da presidência americana no cinema. E, segundo o próprio, aquele dia foi “um autêntico pesadelo que acabou por se tornar num milagre cinematográfico”.

🎥 Um discurso presidencial… com uma nuvem de fumo

Lurie recorda que a produção tinha alugado o Capitólio do Estado da Virgínia para filmar uma das cenas mais ambiciosas: o discurso final do Presidente interpretado por Bridges.

“Tínhamos centenas de figurantes, a equipa completa, tudo pronto. Só faltava o Jeff”, contou o realizador.

Mas o ator, conhecido por papéis descontraídos como The Dude em The Big Lebowski, não saía da caravana. Depois de várias tentativas, o próprio Lurie decidiu ir bater à porta.

“Abre-se a porta e sai uma nuvem gigante de fumo. Quase fui atirado para trás”, recordou entre risos.

“Ele olha para mim e diz: ‘Hey, man! Já provaste a tarte de maçã do Emily Shaw’s Inn? É incrível!’”

Enquanto o realizador tentava não entrar em pânico, Bridges vestia o fato presidencial “como um tipo muito, muito pedrado tenta vestir-se”, e perguntava inocentemente:

“‘Que falas?’ E eu só pensava: pronto, a minha carreira acabou aqui.”

🎬 “E depois, boom!” — o milagre acontece

Mas quando a claquete bateu e Lurie gritou “ação”, o impossível aconteceu.

“Ele transformou-se completamente”, descreveu o realizador. “Tornou-se presidencial. Fez o discurso de uma vez só, sem errar. Foi brilhante.”

Seis meses depois, o nome de Bridges era anunciado entre os nomeados para o Óscar de 2001.

“Fiquei ali parado a pensar: este homem deu-me o maior susto da minha vida — e depois entregou uma das melhores performances da carreira.”

🏆 Do “Dude” ao Presidente

The Contender, um drama político intenso, foi um dos filmes que consolidou a reputação de Bridges como um ator camaleónico, capaz de alternar entre a leveza hippie de The Big Lebowski e a gravidade moral de um líder norte-americano.

Curiosamente, o ator revelou mais tarde que não usou marijuana durante as filmagens de The Big Lebowski — o que é, no mínimo, irónico.

“O guião era tão detalhado que quis estar totalmente concentrado”, disse à Yahoo em 2014. “Nem um ‘man’ podia estar fora do sítio.”

🌿 “Um total hippie”

Durante o mesmo evento, Rod Lurie também comentou, divertido, sobre outro dos seus atores:

“Peter Fonda era um hippie total. Estava pedrado todos os dias de rodagem. Eu só pensava: ‘O que é que eu vou fazer com isto?’”

Mas no caso de Jeff Bridges, o “problema” acabou por ser uma bênção.

O resultado foi um desempenho tão carismático que o colocou lado a lado com gigantes como Benicio Del Toro, Joaquin Phoenix e Willem Dafoe na corrida ao Óscar.

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🎭 A lição de Jeff Bridges

Mais de duas décadas depois, a história continua a circular como exemplo do profissionalismo e talento instintivo de um ator capaz de transcender qualquer estado de espírito — até mesmo um provocado por um “charro presidencial”.

“Ele pode estar noutro planeta, mas quando a câmara roda, Jeff Bridges está sempre em órbita certa”, resumiu Lurie.

Zelda Williams Critica Vídeos de IA com o Pai: “Parem. É Nojento e Não É Arte” 💔🤖

A filha de Robin Williams condena o uso de inteligência artificial para recriar a imagem e voz do lendário ator

Zelda Williams, filha do inesquecível Robin Williams, fez um desabafo poderoso nas redes sociais — e com razão. A realizadora, conhecida por Lisa Frankenstein, usou o Instagram para pedir aos fãs que parem de lhe enviar vídeos criados por inteligência artificial que tentam imitar o seu pai.

“Parem de acreditar que quero ver isso ou que vou compreender. Não quero e não vou”, escreveu Zelda. “Se tiverem um mínimo de decência, parem de fazer isto com ele, comigo e com todos. É estúpido, é uma perda de tempo e energia — e garanto-vos, não é o que ele gostaria.”

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💬 “Isto não é arte, é um insulto”

Zelda, de 34 anos, foi ainda mais dura nas palavras ao condenar a forma como a IA tem sido usada para “reviver” figuras públicas falecidas, reduzindo a sua humanidade a meros algoritmos visuais.

“Ver o legado de pessoas reais ser reduzido a ‘parece-se vagamente com eles, soa vagamente como eles, chega’ — só para gerar lixo no TikTok — é revoltante. Não estão a criar arte, estão a fazer salsichas industriais a partir das vidas de seres humanos e a enfiá-las pela goela abaixo de outros, à espera de um like.”

As suas palavras ecoam uma preocupação crescente em Hollywood: a fronteira ética entre tecnologia e criação artística.

🧠 O debate sobre IA em Hollywood

Zelda Williams junta-se assim à lista de figuras de peso da indústria que denunciam os abusos da IA. Nas últimas semanas, sindicatos como o SAG-AFTRA e vários atores criticaram a criação de uma atriz gerada por computador chamada Tilly Norwood, apresentada por um novo estúdio de talentos digitais.

Executivos de grandes estúdios também expressaram receio sobre o uso indevido de Sora 2, a aplicação de vídeo da OpenAI, que levanta questões sobre direitos de imagem e propriedade intelectual.

O CEO da empresa, Sam Altman, prometeu “dar aos criadores mais controlo sobre o uso da sua propriedade intelectual”, mas a polémica continua a crescer.

🗣️ “A IA não é o futuro — é o passado reciclado”

Numa segunda publicação, Zelda reforçou o tom crítico e o desprezo pela ideia de que a inteligência artificial representa uma evolução criativa:

“E, por amor de tudo, parem de chamar a isto ‘o futuro’. A IA está apenas a reciclar e a regurgitar o passado para ser consumido outra vez. Estão a engolir o Human Centipede do conteúdo, no fim da linha, enquanto os do topo riem e continuam a consumir.”

💔 Um apelo pela memória e pela dignidade

Robin Williams, falecido em 2014 aos 63 anos, continua a ser uma das figuras mais amadas da história do cinema — e também uma das mais exploradas em montagens e recriações digitais. Zelda deixou claro que a sua luta é pelo respeito e pela preservação da arte e da humanidade do pai, e de todos os artistas que já partiram.

“O meu pai não era um algoritmo. Era um homem — e é assim que quero que o recordem.”

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