Um Novo Deus da Guerra Ganha Corpo: Ryan Hurst é Kratos na Série “God of War”

Prime Video aposta forte numa das maiores lendas dos videojogos

A aguardada adaptação em imagem real de God of War acaba de dar um passo decisivo: Ryan Hurst foi oficialmente escolhido para interpretar Kratos, o icónico Deus da Guerra, na série da Prime Video. A notícia confirma uma escolha que surpreende, mas faz todo o sentido — especialmente para quem conhece bem o universo da saga.

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Curiosamente, esta não é a primeira ligação de Ryan Hurst ao mundo God of War. O actor já tinha dado voz ao poderoso Thor no videojogo God of War: Ragnarok, regressando agora à franquia para assumir o papel central da narrativa. Desta vez, porém, deixa o martelo de lado para empunhar as Lâminas do Caos.

Kratos: do campo de batalha à paternidade

A descrição oficial da personagem relembra a origem trágica de Kratos: espartano de nascimento, deus por destino, moldado por uma cultura militar impiedosa. A sua ascensão como comandante de exércitos termina num pacto fatídico com Ares, que lhe garante vitória em troca da sua alma. Um passado sangrento que continua a assombrar cada passo do anti-herói.

A série irá adaptar os acontecimentos dos dois jogos mais recentes da saga, centrando-se na relação entre Kratos e o seu filho Atreus. Pai e filho embarcam numa jornada para espalhar as cinzas de Faye, esposa de Kratos e mãe de Atreus, numa viagem que é tanto física como emocional. Enquanto Kratos tenta ensinar o filho a ser um deus melhor, Atreus procura mostrar ao pai como voltar a ser humano.

Ryan Hurst: intensidade, dor e presença física

Ryan Hurst traz consigo um currículo televisivo impressionante. Ficou eternizado como Opie em Sons of Anarchy, papel que lhe valeu enorme reconhecimento, e voltou a marcar presença como o perturbador vilão Beta em The Walking Dead. A sua capacidade de transmitir dor contida, violência latente e humanidade ferida faz dele uma escolha particularmente interessante para dar vida a Kratos.

No cinema, participou em títulos como O Resgate do Soldado Ryan, Duelo de Titãs e We Were Soldiers, e prepara-se agora para integrar o elenco da próxima adaptação de A Odisseia, realizada por Christopher Nolan.

Um projecto turbulento, mas agora em mãos experientes

A adaptação de God of War para televisão teve um percurso atribulado. Anunciada em 2022, a série perdeu o seu showrunner original, Rafe Judkins, em Outubro de 2024. Pouco depois, o projecto encontrou novo rumo com a entrada de Ronald D. Moore, conhecido pelo seu trabalho em séries de grande fôlego narrativo.

Moore assume funções de argumentista principal, produtor executivo e showrunner, com realização dos dois primeiros episódios a cargo de Frederick E.O. Toye. A produção envolve pesos pesados como Sony Pictures Television, Amazon MGM Studios e PlayStation Productions, garantindo uma forte ligação ao ADN do material original.

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Se a escala épica dos jogos for respeitada e a complexidade emocional de Kratos for bem explorada, esta poderá ser uma das adaptações de videojogos mais marcantes da televisão moderna. E, com Ryan Hurst ao leme, o Deus da Guerra promete não passar despercebido.

Kiefer Sutherland Detido Após Alegada Agressão em Los Angeles 🚓

Detenção durante a madrugada levanta dúvidas e reacções em Hollywood

Kiefer Sutherland, actor conhecido mundialmente por papéis intensos e marcantes, foi detido nas primeiras horas de segunda-feira, em Los Angeles, na sequência de uma alegada agressão a um motorista de transporte por aplicação (rideshare). A informação foi avançada por vários meios norte-americanos, com base num comunicado oficial do Los Angeles Police Department.

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Segundo a polícia, os agentes responderam a uma chamada pouco depois da meia-noite, relacionada com uma ocorrência envolvendo o actor. Após avaliação no local, as autoridades determinaram que Sutherland terá agredido fisicamente o motorista e feito “ameaças criminais” dirigidas à alegada vítima. Apesar da gravidade das acusações, o motorista não necessitou de assistência médica.

Acusação criminal e libertação sob fiança

De acordo com registos prisionais citados pela imprensa, Kiefer Sutherland foi formalmente detido e acusado de crimes classificados como felony, uma tipologia de acusação mais grave no sistema judicial norte-americano. O actor acabou por ser libertado algumas horas mais tarde, após o pagamento de uma fiança no valor de 50 mil dólares.

Está já marcada uma primeira comparência em tribunal para o dia 2 de Fevereiro, onde deverão ser apresentados mais detalhes sobre o caso e definidos os próximos passos do processo judicial. Até ao momento, um porta-voz do actor não respondeu aos pedidos de comentário feitos pelos meios de comunicação social.

Um historial que volta a ser escrutinado

Embora continue a ser uma das figuras mais reconhecidas da televisão e do cinema norte-americano — sobretudo pelo icónico papel de Jack Bauer na série 24 —, este não é o primeiro episódio controverso associado ao nome de Sutherland. Ao longo dos anos, o actor já esteve envolvido noutros incidentes legais, maioritariamente relacionados com comportamentos fora do ecrã, o que tem levado a imprensa internacional a recuperar esse histórico nas últimas horas.

Ainda assim, importa sublinhar que, nesta fase, as informações disponíveis baseiam-se exclusivamente nos dados fornecidos pelas autoridades e em fontes policiais. Não existe, para já, qualquer declaração oficial do actor ou da sua equipa que permita contextualizar os acontecimentos do seu ponto de vista.

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Presunção de inocência e próximos desenvolvimentos

Como sempre nestes casos, é fundamental recordar o princípio da presunção de inocência. As alegações terão agora de ser analisadas em sede judicial, sendo expectável que mais detalhes venham a público nas próximas semanas, à medida que o processo avance.

Para já, Hollywood e os fãs do actor aguardam esclarecimentos adicionais, enquanto este episódio lança uma sombra incómoda sobre uma carreira construída à base de personagens intensas, duras e moralmente ambíguas — desta vez, fora da ficção.

O Post Que Mudou Tudo: Timothée Chalamet Torna Oficial o Romance com Kylie Jenner 📸

Três anos depois, o Instagram finalmente confirma o que todos sabiam

Há romances em Hollywood que vivem de aparições públicas, tapetes vermelhos e olhares cúmplices, mas que curiosamente fogem ao palco mais óbvio da validação moderna: o Instagram. Durante três anos, Timothée Chalamet e Kylie Jenner foram um desses casos. Muito vistos juntos, mas quase invisíveis nas redes sociais. Até agora.

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Depois de vencer um Globo de Ouro no passado fim-de-semana, o actor decidiu partilhar no Instagram um conjunto de fotografias para assinalar o momento. Entre imagens de celebração e bastidores, houve uma que imediatamente incendiou a internet: Kylie Jenner surge a segurar, lado a lado com Chalamet, a estatueta dourada. Um gesto simples, mas carregado de simbolismo. Para os fãs, foi o equivalente digital a um carimbo oficial: sim, eles estão juntos — e já não há qualquer esforço em esconder isso.

Um casal discreto num mundo de exposição constante

Apesar de estarem ligados publicamente desde 2023, Timothée Chalamet e Kylie Jenner sempre optaram por uma relação longe da sobre-exposição típica das celebridades da sua dimensão. Marcaram presença em galas, cerimónias de prémios e até algumas passagens pela passadeira vermelha, mas nunca transformaram o romance num espectáculo diário nas redes sociais.

Essa contenção acabou por alimentar ainda mais a curiosidade. Num tempo em que relações são frequentemente anunciadas com stories, selfies e legendas calculadas ao milímetro, o silêncio digital do casal tornava-se quase mais ruidoso do que qualquer declaração pública. O post recente, precisamente por não ser ostensivo, ganhou ainda mais peso.

O Globo de Ouro como pano de fundo perfeito

A publicação surgiu no rescaldo da vitória de Chalamet nos Golden Globe Awards, o que acrescenta uma camada extra de leitura ao momento. Não se trata apenas de um actor a celebrar um prémio, mas de alguém que escolhe partilhar esse triunfo com a pessoa que está ao seu lado fora do ecrã.

O facto de Kylie surgir logo na primeira imagem do slideshow não passou despercebido. Não há legendas explicativas nem declarações grandiosas, mas a mensagem é clara. À maneira de Timothée Chalamet, tudo é feito com subtileza — e precisamente por isso resulta.

Uma confirmação tardia… mas eficaz

Pode surpreender alguns saber que o casal já soma três anos de relação. A primeira ligação pública entre os dois surgiu em Abril de 2023, numa altura em que muitos encararam o romance como algo passageiro. O tempo acabou por provar o contrário.

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Agora, com um simples post no Instagram, Chalamet encerra anos de especulação e dá aos fãs aquilo que nunca pediu explicitamente, mas sempre esperou. Às vezes, em Hollywood, basta uma fotografia para dizer tudo.

Snoop Dogg Sobrevive à Polémica e Rouba a Cena nos Globos de Ouro

Entre aplausos, gargalhadas e controvérsia política, o rapper mostrou que continua no centro de Hollywood

Num momento em que Hollywood parece cada vez mais sensível a alinhamentos políticos, polémicas públicas e julgamentos instantâneos nas redes sociais, Snoop Dogg provou que a sua posição na cultura popular continua sólida. A sua aparição nos Golden Globe Awards de 2026, no Beverly Hilton, foi recebida com aplausos calorosos, gargalhadas genuínas e — detalhe importante — sem qualquer vaia audível, apesar da controvérsia recente ligada ao seu nome e a Donald Trump.

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Snoop subiu ao palco para apresentar, pela primeira vez na história da cerimónia, o prémio de Melhor Podcast, ao som do seu clássico “Drop It Like It’s Hot”. Antes mesmo de chegar ao microfone, já tinha a sala do seu lado. “Parem a música!”, pediu, arrancando risos imediatos, antes de lançar um dos seus discursos mais descontraídos e imprevisíveis dos últimos anos.

Humor, carisma e zero pedido de desculpas

“Vocês precisam de relaxar um bocadinho. Isto são os duplos G, os Golden Globes, e estão com o D-O-double-G”, disse, incentivando a plateia a largar a postura rígida. O tom manteve-se irreverente quando brincou com o mundo dos podcasts, lembrando que antes desse fenómeno global “era a minha música que vocês ouviam enquanto conduziam”.

A mistura de humor, swagger e espontaneidade foi amplamente elogiada nas redes sociais e nos media norte-americanos, transformando a intervenção de Snoop num dos momentos virais da noite. Mesmo quando deixou escapar um palavrão — cortado da transmissão em directo, mas recuperado mais tarde por publicações como a Entertainment Weekly — o público manteve-se do seu lado.

Amy Poehler, Stephen Graham e o efeito Snoop

O prémio acabou por ir para Amy Poehler, pelo podcast Good Hang. A actriz não escondeu o entusiasmo ao receber a estatueta das mãos de Snoop Dogg: “Foi exactamente assim que imaginei este momento”, disse, arrancando nova salva de aplausos. Os dois abandonaram o palco de braço dado, numa imagem que rapidamente correu mundo.

Outro momento delicioso veio já nos bastidores, quando Stephen Graham, vencedor do Globo de Ouro pela série Adolescence, confessou estar completamente rendido após conhecer o rapper. “Ele apertou-me a mão e disse-me que eu era um ‘gangster do caraças’. A minha vida está completa”, contou, visivelmente emocionado.

O elefante na sala: Trump, críticas e mudanças de tom

Tudo isto acontece depois de um período particularmente turbulento para Snoop Dogg. Em Janeiro de 2025, o rapper actuou no Crypto Ball, evento associado ao fim-de-semana de tomada de posse de Donald Trump, o que gerou uma onda de críticas, sobretudo à esquerda. Muitos acusaram-no de incoerência, lembrando os anos em que Snoop atacou Trump de forma aberta e até satírica — incluindo no videoclipe de “Lavender”, onde o então presidente era retratado como um palhaço.

A mudança de discurso tornou-se ainda mais evidente quando, em 2024, Snoop afirmou ter “nada além de amor e respeito” por Trump, após este ter concedido um perdão presidencial a Michael “Harry-O” Harris, figura ligada à história da Death Row Records. Para muitos fãs, foi um choque; para Snoop, uma questão pessoal, não política.

“Eu represento a Gangster Party”

Confrontado com as críticas, o artista deixou claro que não se vê como representante de qualquer partido. “Não represento os Republicanos nem os Democratas. Represento a Gangster Party”, afirmou numa entrevista ao programa The Breakfast Club. Defendeu ainda que a sua actuação no Crypto Ball teve objectivos comunitários, ligados à literacia financeira e ao apoio a bairros carenciados.

Essa postura de independência absoluta — que tanto incomoda como fascina — parece não ter afectado o seu estatuto em Hollywood. Pelo contrário: a recepção nos Globos de Ouro mostrou que, pelo menos naquele salão cheio de estrelas, Snoop Dogg continua a ser visto como uma figura incontornável.

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Um sobrevivente cultural

Mais do que um rapper, Snoop Dogg é um sobrevivente cultural. Já foi ícone da contra-cultura, alvo de censura, estrela pop, empresário, comentador desportivo improvisado e agora, aparentemente, anfitrião ideal para cerimónias de prémios. Entre polémicas políticas e aplausos de pé, mostrou que sabe fazer aquilo que poucos conseguem: atravessar décadas, modas e tempestades mediáticas sem perder identidade.

Nos Globos de Ouro de 2026, Snoop não pediu desculpa, não explicou tudo — e não precisou. Bastou-lhe ser Snoop Dogg.

O Grito de Mark Ruffalo Quebrou o Brilho dos Globos de Ouro

Quando a lucidez destoou numa noite de auto-celebração

Há noites em que as cerimónias de prémios parecem viver numa bolha. Um mundo à parte, reluzente, caro e ligeiramente deslocado da realidade. A mais recente edição dos Golden Globe Awards foi, para muitos, exactamente isso: uma passerelle de estrelas milionárias a celebrarem-se mutuamente enquanto, cá fora, o mundo parece caminhar perigosamente sobre vários abismos ao mesmo tempo.

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Talvez por isso o momento mais falado da noite não tenha acontecido no palco, nem envolvido uma vitória inesperada, mas sim um desabafo desconfortável, sincero e profundamente humano de Mark Ruffalo no tapete vermelho. Um instante sem punchlines ensaiadas, sem optimismo artificial e, sobretudo, sem vontade de fingir que está tudo bem.

“Não me estou a sentir muito bem”

Chamado por um jornalista para explicar o pin “Be Good” que trazia no smoking, Ruffalo não seguiu o guião habitual. Em vez de uma resposta simbólica ou vaga, foi directo: confessou que não se sentia bem naquela noite, referindo o assassinato de Renee Good nas ruas dos Estados Unidos — um caso que envolveu um agente do ICE e que, segundo a decisão de um procurador-geral adjunto, não será investigado, apesar de envolver a morte de uma civil desarmada.

“As much as I love all this, I don’t know if I can pretend like this crazy stuff isn’t happening.” Não foi um discurso político elaborado, nem uma declaração programática. Foi um momento cru, interrompido, quase desconfortável. E precisamente por isso teve impacto.

Um símbolo partilhado, uma voz solitária

Ruffalo não foi o único a usar o pin “Be Good”. Jean Smart, Ariana Grande, Wanda Sykes e Natasha Lyonne também o fizeram. Mas poucos foram tão longe na verbalização do desconforto. Ruffalo não se limitou ao gesto — deu-lhe peso, contexto e emoção.

Não é novidade. A secção de activismo da sua biografia pública é extensa e densa, passando por causas ambientais, direitos civis, política internacional e património cultural. Ainda esta semana, após os Globos, assinou uma carta a exigir o restabelecimento imediato de cuidados médicos em Gaza. Falar, para ele, não é um acessório ocasional: é parte integrante da sua identidade pública.

O risco de falar… e o custo de não o fazer

Ser assim frontal tem custos. Num sistema cada vez mais concentrado e avesso a incómodos, Ruffalo tornou-se um alvo frequente. No próprio dia, um jornal chamou-lhe “o homem mais santimonioso de Hollywood”. Mas a verdade é que o actor nunca pareceu particularmente interessado em agradar.

Profissionalmente, sempre equilibrou blockbusters com projectos de forte carga política e social. No mesmo ano, protagonizou Dark Waters, sobre um advogado a enfrentar uma multinacional química, e Avengers: Endgame, onde interpretou uma versão descontraída — e dançarina — do Hulk. Um foi um sucesso histórico de bilheteira; o outro passou mais discretamente pelos cinemas. Ruffalo tratou ambos com a mesma seriedade.

Um momento que funcionou porque não resolveu nada

A história dos prémios está cheia de discursos políticos mal recebidos — de Michael Moore a Jonathan Glazer. O que distingue Ruffalo não é a mensagem, mas o tom. O seu momento não foi um sermão nem uma lição moral. Foi um grito de frustração contida.

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E talvez seja isso que o tornou tão identificável. Não ofereceu respostas. Não fechou o assunto. Limitou-se a admitir que, naquela noite de brilho e champanhe, fingir normalidade era demasiado.

Às vezes, isso basta.

Leonardo DiCaprio Não Ganhou o Globo… Mas Ganhou a Internet

Um momento fora do palco que roubou protagonismo à noite dos prémios

Leonardo DiCaprio pode ter saído de mãos a abanar da cerimónia dos Golden Globe Awards no que toca a prémios de interpretação, mas acabou por conquistar algo que, em 2026, vale quase tanto como uma estatueta dourada: a atenção total da internet. Um momento espontâneo, captado longe do palco e sem qualquer encenação, tornou-se viral nas redes sociais e voltou a provar que DiCaprio continua a ser uma das figuras mais magnéticas de Hollywood — mesmo quando não está a actuar oficialmente.

O actor, actualmente em destaque com One Battle After Another, foi filmado no salão do Beverly Hilton num diálogo animado com outro convidado. O vídeo, partilhado pela conta oficial dos Globos de Ouro no TikTok com a simples legenda “Enjoy 30 seconds of Leonardo DiCaprio”, rapidamente se espalhou como fogo em palha seca.

Lip readers, teorias e uma imitação improvável

No clip, DiCaprio aponta para outro convidado, faz o gesto clássico de “estava a observar-te” com dois dedos apontados aos olhos e termina com aquilo que parece ser uma imitação exagerada — quase teatral — de alguém conhecido. O que exactamente está a dizer não é claro, mas isso não impediu a internet de fazer o que faz melhor: especular.

Uma das teorias mais populares, avançada por leitores de lábios amadores, sugere que o actor estaria a brincar com o entusiasmo de alguém em relação ao fenómeno K-pop. A hipótese mais aceite é que DiCaprio estivesse a falar com o seu colega de elenco Chase Infiniti, conhecido fã assumido de K-pop, depois do filme da Netflix KPop Demon Hunters ter vencido dois prémios — Melhor Filme de Animação e Melhor Canção Original com “Golden”.

Derrota nos prémios, vitória na boa disposição

Na cerimónia, DiCaprio acabou por perder o Globo de Ouro de Melhor Actor em Comédia ou Musical para Timothée Chalamet, premiado pela sua performance em Marty Supreme. Ainda assim, longe de qualquer azedume, os dois foram filmados a conversar animadamente e a trocar um abraço, num daqueles momentos que ajudam a manter viva a ilusão de camaradagem em Hollywood.

Nikki Glaser e a piada que também deu que falar

Mais cedo na noite, DiCaprio já tinha sido alvo de uma das piadas mais comentadas da cerimónia, lançada pela apresentadora Nikki Glaser. Referindo-se à carreira do actor, Glaser atirou: “Trabalhaste com todos os grandes realizadores, ganhaste três Globos de Ouro, um Óscar… e a coisa mais impressionante é teres conseguido tudo isso antes de a tua namorada fazer 30 anos.” O comentário arrancou gargalhadas e confirmou que DiCaprio continua a ser um alvo preferencial do humor em noites de prémios.

Um lembrete de porque continua a ser uma estrela

Entre derrotas elegantes, piadas afiadas e momentos genuínos captados por acaso, Leonardo DiCaprio voltou a mostrar porque continua a ser uma presença central na cultura popular. Nem sempre é preciso subir ao palco para roubar a cena — às vezes basta ser… Leonardo DiCaprio.

“Estive lá para tudo”: Matt Damon fala como nunca sobre os momentos mais difíceis de Ben Affleck

Uma amizade que resistiu à fama, aos Óscares e às quedas pessoais

Num universo como Hollywood, onde amizades duram muitas vezes menos do que uma temporada de prémios, a relação entre Matt Damon e Ben Affleck continua a ser uma raridade absoluta. Os dois actores estiveram esta semana no programa The Howard Stern Show, onde falaram abertamente — e com uma franqueza pouco habitual — sobre a sua amizade de décadas, incluindo os períodos mais negros da vida de Affleck.

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Durante a conversa, Howard Stern questionou Damon sobre a forma como lidou com os problemas pessoais do amigo, nomeadamente os divórcios altamente mediatizados e a longa luta contra o alcoolismo. A resposta foi simples, directa e reveladora: “Estive lá para tudo.” Para Damon, o ruído mediático nunca interferiu na relação entre ambos. O apoio foi constante, silencioso e incondicional — exactamente como raramente se vê entre estrelas deste calibre.

“É isto que um verdadeiro amigo faz”

Visivelmente tocado, Affleck respondeu no momento: “Isso significa muito para mim. É isso que um verdadeiro amigo é.” Uma frase curta, mas carregada de peso emocional, sobretudo tendo em conta o percurso atribulado do actor e realizador ao longo dos últimos anos.

Ben Affleck enfrentou dois divórcios muito expostos — primeiro com Jennifer Garner, em 2015, e mais recentemente com Jennifer Lopez, em 2025. Paralelamente, travou uma batalha pública contra o alcoolismo, tendo passado por reabilitação em três ocasiões, a última das quais em 2018. Ao longo de todo esse processo, Matt Damon esteve presente, longe dos holofotes, mas perto do amigo.

Uma parceria que começou antes da fama

A história de Damon e Affleck remonta muito antes das capas de revistas e dos grandes estúdios. Os dois cresceram juntos em Boston e deram o grande salto em Hollywood com Good Will Hunting, filme que protagonizaram e escreveram em conjunto. O sucesso foi imediato e culminou com o Óscar de Melhor Argumento Original — um feito extraordinário para dois jovens actores praticamente desconhecidos na altura.

Desde então, os seus caminhos cruzaram-se várias vezes, dentro e fora do ecrã, sempre com uma cumplicidade evidente e uma confiança mútua rara na indústria.

“The Rip” e a continuação de uma história partilhada

O mais recente reencontro acontece em The Rip, produção da Netflix onde interpretam dois polícias que descobrem uma mala com milhões de dólares, desencadeando um clima de suspeita, paranoia e traição. O projecto é mais um capítulo numa colaboração que continua a evoluir com o tempo.

Em 2022, Damon e Affleck fundaram a produtora Artists Equity, com a ambição de criar modelos de produção mais justos e transparentes. A empresa já assinou filmes como Air, The Accountant 2 e Kiss of the Spiderwoman.

Muito mais do que Hollywood

No meio de contratos milionários, prémios e falhanços públicos, a história de Matt Damon e Ben Affleck destaca-se por algo simples e cada vez mais raro: lealdade. Não a versão romantizada para entrevistas, mas aquela que resiste quando as câmaras se desligam e os títulos dos jornais deixam de ser favoráveis.

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Em Hollywood, isso vale tanto como um Óscar.

A Rainha do Box Office: Zoe Saldaña Faz História (Outra Vez) em Hollywood

Dos planetas azuis ao topo absoluto da bilheteira mundial

Se há uma fórmula quase infalível para garantir um êxito de bilheteira, Hollywood parece já ter encontrado a resposta: colocar Zoe Saldaña no espaço. A actriz norte-americana acaba de alcançar um feito absolutamente histórico, tornando-se a actriz mais rentável de sempre na história do cinema, ultrapassando nomes que durante anos pareceram inalcançáveis.

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Segundo dados do site especializado The Numbers, os filmes em que Zoe Saldaña assume papéis principais somam cerca de 15,47 mil milhões de dólares em receitas globais. Um valor que a coloca ligeiramente acima de Scarlett Johansson, cujo total se fixa nos 15,40 mil milhões. A diferença pode parecer curta, mas simbolicamente é gigantesca: Saldaña passa a liderar um ranking dominado por super-produções, universos partilhados e décadas de cinema espectáculo.

Avatar: o fenómeno que nunca mais largou o primeiro lugar

Grande parte deste feito deve-se, claro, ao universo criado por James Cameron. O mais recente capítulo da saga, Avatar: Fire and Ash, voltou a contar com Zoe Saldaña no papel de Neytiri e já ultrapassou a marca de 1,2 mil milhões de dólares, apesar de ainda se encontrar em exibição em várias salas internacionais.

Convém lembrar que o primeiro Avatar continua a ser, sem ajuste à inflação, o filme mais lucrativo de todos os tempos, com cerca de 2,9 mil milhões de dólares, enquanto Avatar: The Way of Water ocupa o terceiro lugar do ranking histórico, com 2,3 mil milhões. Isto significa que dois dos três filmes mais vistos de sempre têm Zoe Saldaña no elenco principal — e o terceiro também não lhe é estranho, como veremos.

Marvel, super-heróis e mais recordes

Para lá de Pandora, Zoe Saldaña conquistou o público como Gamora no Universo Cinematográfico da Marvel. A actriz participou na trilogia Guardians of the Galaxy, bem como em Avengers: Infinity War e Avengers: Endgame. Este último é, recorde-se, o segundo filme mais lucrativo de sempre, o que faz com que os três maiores sucessos da história do cinema incluam Saldaña no elenco — um feito verdadeiramente único.

Star Trek, piratas e uma carreira cheia de blockbusters

A actriz também deixou a sua marca no universo Star Trek, interpretando Uhura nos três filmes da nova trilogia, que juntos arrecadaram mais de mil milhões de dólares. Antes disso, já tinha passado pelo mundo da pirataria em Pirates of the Caribbean: The Curse of the Black Pearl, onde deu vida a Anamaria, numa aventura que rendeu mais de 650 milhões de dólares.

Um recorde com critérios… e ainda mais impressionante

Importa sublinhar que este ranking considera apenas papéis principais, excluindo cameos ou participações mínimas. Caso fossem incluídos todos os tipos de aparição, o “vencedor” seria tecnicamente Stan Lee, graças às suas inúmeras aparições nos filmes da Marvel.

Logo atrás de Saldaña surge Samuel L. Jackson, com cerca de 14,6 mil milhões de dólares acumulados.

Do Óscar ao futuro… novamente em Pandora

Este momento histórico surge menos de um ano depois de Zoe Saldaña ter vencido o Óscar de Melhor Actriz Secundária pelo filme Emilia Pérez, consolidando uma carreira que alia sucesso comercial e reconhecimento crítico — combinação raríssima em Hollywood.

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E se alguém pensava que esta história estava perto do fim, desengane-se: Saldaña deverá regressar como Neytiri em mais dois filmes da saga Avatar, o que significa que este recorde pode muito bem continuar a crescer… e a afastar-se da concorrência.

O Regresso do Rei? O Nome Que Volta a Agitar o Futuro de Black Panther no MCU

Damson Idris reage aos rumores e a Marvel prepara o terreno para uma nova era em Wakanda

Poucos papéis no cinema contemporâneo carregam um peso simbólico tão forte como T’Challa, o Pantera Negra. Desde a sua estreia no Universo Cinematográfico da Marvel, o personagem tornou-se um ícone cultural muito para lá do género de super-heróis, graças à interpretação de Chadwick Boseman. A sua morte prematura, em 2020, vítima de cancro do cólon, levou a Marvel Studios a tomar uma decisão rara em Hollywood: não recastar o papel de imediato e integrar a perda do actor na própria narrativa de Black Panther: Wakanda Forever, transformando o filme numa sentida homenagem.

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No entanto, com o MCU a entrar numa fase de profunda transformação, os rumores de um eventual regresso de T’Challa — agora com outro rosto — voltaram a ganhar força. E, desta vez, há um nome que se destaca.

Damson Idris e a resposta que diz tudo… sem dizer nada

Questionado pela Variety na passadeira vermelha dos Globos de Ouro de 2026, Damson Idris reagiu à especulação de que poderia ser o próximo Pantera Negra com uma diplomacia que não passou despercebida. “Sou grato aos fãs”, afirmou, sublinhando que se tratam apenas de rumores, mas confessando o seu amor pelo filme, pelo universo de Wakanda e pela direcção criativa da saga. Mais revelador do que as palavras foi o que Idris não disse: não houve qualquer negação categórica.

Num estúdio conhecido por contratos confidenciais e estratégias de silêncio absoluto, esta ambiguidade é, para muitos, um sinal claro de que algo está a ser preparado nos bastidores.

O momento ideal para recastar T’Challa

A especulação surge numa altura-chave para o MCU. A chamada Multiverse Saga aproxima-se do fim com Avengers: Doomsday e Avengers: Secret Wars, dois filmes que prometem lidar com o colapso de realidades alternativas e redefinir completamente o universo Marvel. O próprio Kevin Feige já confirmou que estes eventos funcionarão como uma espécie de “soft reboot”, abrindo a porta à reintrodução de personagens clássicos com novos intérpretes.

Feige chegou mesmo a referir explicitamente a possibilidade de figuras como Iron Man ou Captain America voltarem a existir noutras versões, estabelecendo um precedente claro para o eventual regresso de T’Challa sem apagar o legado de Boseman.

Black Panther 3 e o futuro de Wakanda

Importa recordar que Black Panther 3 é um dos poucos projectos de grande escala que a Marvel confirmou oficialmente como estando em desenvolvimento activo para o período pós-Secret Wars. A utilização do multiverso permitiria introduzir uma nova versão de T’Challa proveniente de outra realidade, preservando o impacto emocional da perda retratada em Wakanda Forever e, ao mesmo tempo, garantindo que o Pantera Negra continua a ser um pilar central do MCU na próxima década.

Esta abordagem permitiria uma distinção clara entre a era marcada por Chadwick Boseman e um novo capítulo, evitando comparações directas e respeitando o peso histórico do personagem.

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Um legado que não se apaga — transforma-se

Mais do que uma simples questão de casting, o eventual regresso de T’Challa levanta uma pergunta maior: como continuar um legado sem o desvirtuar? A Marvel parece consciente de que qualquer decisão terá de equilibrar respeito, inovação e necessidade narrativa. Se Damson Idris será ou não o próximo Rei de Wakanda, o tempo dirá. Mas uma coisa é certa: o Pantera Negra ainda tem muitas histórias para contar.

O Homem dos Olhos Tristes: A Humanidade Ímpar de Vincent Schiavelli

Como um rosto improvável se tornou inesquecível na História do Cinema

Era conhecido como o homem dos olhos tristes. Um olhar melancólico, uma voz quebrada, uma presença que parecia carregar sempre um peso invisível. Vincent Schiavelli nunca correspondeu aos padrões clássicos de Hollywood — e foi precisamente isso que o tornou inesquecível. Com 1,96 metros de altura e traços faciais singulares, consequência da síndrome de Marfan, Schiavelli transformou aquilo que poderia ser visto como uma limitação num verdadeiro selo artístico. O cinema ganhou, assim, um actor capaz de dar alma, fragilidade e humanidade aos personagens mais estranhos e desconfortáveis.

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Um secundário que nunca passava despercebido

Ao longo de uma carreira com mais de 150 participações entre cinema e televisão, Vincent Schiavelli construiu uma galeria de personagens que permanecem na memória colectiva. Em Ghost, foi o icónico fantasma do metro — uma aparição breve, mas suficiente para se tornar uma das imagens mais perturbadoras e recordadas do filme. Em Voando Sobre um Ninho de Cucos, realizado por Miloš Forman, interpretou Frederickson, um paciente frágil e atormentado, símbolo perfeito da vulnerabilidade emocional que atravessa o filme.

A sua capacidade para habitar o desconforto levou-o também ao universo gótico de Batman Returns, onde deu vida ao grotesco Organ Grinder, e a clássicos como Amadeus, O Povo Contra Larry Flynt ou O Amanhã Nunca Morre. Em todos eles, Schiavelli tinha o raro talento de transformar o papel secundário em algo profundamente humano e impossível de ignorar.

O actor preferido dos realizadores que procuravam humanidade

Miloš Forman chamou-o repetidamente porque sabia exactamente o que Schiavelli oferecia: empatia onde outros veriam caricatura. Colegas de profissão lembram-no como um actor generoso, capaz de rir de si próprio e de dar densidade emocional a personagens marginais. Onde muitos optariam pelo exagero, Schiavelli escolhia a contenção, o detalhe e o silêncio.

Era um intérprete que compreendia que o estranho não é o oposto do humano — é, muitas vezes, apenas a sua expressão mais honesta.

Entre o cinema e a cozinha: uma vida longe dos holofotes

Fora do ecrã, Vincent Schiavelli cultivava uma paixão aparentemente distante do cinema: a gastronomia. Neto de um cozinheiro siciliano, herdou o amor pela culinária italiana e chegou a escrever vários livros de receitas. Acabaria por se instalar em Polizzi Generosa, a aldeia da família materna, na Sicília, onde viveu de forma simples, cozinhando, escrevendo e acreditando que a comida era uma ponte entre gerações, memória e afectos.

Na vida pessoal, teve dois grandes amores. Foi casado com a actriz Allyce Beasley, com quem teve um filho, Andrea. Mais tarde, encontrou estabilidade ao lado de Carol Mukhalian, harpista, com quem viveu até ao fim.

Um adeus prematuro, um legado duradouro

Vincent Schiavelli morreu aos 57 anos, vítima de um cancro do pulmão, agravado pelo hábito de fumar. Na sua terra siciliana, foi decretado um dia de luto, e a câmara municipal acolheu a sua capela ardente — um gesto raro, reservado a quem deixa uma marca profunda na comunidade.

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O seu legado não se mede apenas no número impressionante de participações, mas na intensidade de cada uma. Schiavelli provou que mesmo os personagens mais breves podem conter um universo inteiro. E ensinou-nos, dentro e fora do cinema, que a vida — tal como a arte — é feita de ingredientes simples: memória, carinho, raízes… e humanidade.

Jennifer Garner quebra o silêncio sobre o divórcio de Ben Affleck: “O mais difícil foi perder uma verdadeira parceria”

Uma raríssima reflexão pública sobre um dos momentos mais delicados da sua vida

Jennifer Garner raramente fala em público sobre a sua vida pessoal, sobretudo quando o tema envolve um dos divórcios mais mediáticos de Hollywood. Mas numa entrevista recente à revista Marie Claire, a actriz decidiu olhar para trás e falar, com franqueza e maturidade, sobre o fim do seu casamento com Ben Affleck.

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A entrevista, publicada esta semana, revela uma Garner serena, consciente do impacto mediático que a separação teve, mas sobretudo focada na dimensão emocional e familiar da ruptura. A actriz explica que, durante o processo, fez um esforço deliberado para se afastar da avalanche de manchetes, comentários e especulação que dominaram a imprensa a partir de 2015.

“É preciso ser inteligente sobre aquilo que conseguimos ou não aguentar”, confessou. E, nesse momento da sua vida, Garner percebeu que simplesmente não tinha estrutura emocional para lidar com tudo o que se escrevia e dizia sobre si e sobre o ex-marido.

Não foram as manchetes que doeram mais

Curiosamente, Jennifer Garner faz questão de sublinhar que o verdadeiro sofrimento não veio do ruído mediático — por mais invasivo que este tenha sido — mas sim da própria realidade do divórcio. “O mais difícil foi a desagregação de uma família”, explicou. “Perder uma verdadeira parceria e uma amizade foi o que mais custou.”

As palavras são reveladoras e ajudam a compreender porque é que, mesmo após um divórcio longo e complexo, a relação entre Garner e Affleck nunca descambou para conflitos públicos. O casal esteve junto durante uma década e a separação, anunciada em 2015, prolongou-se legalmente por cerca de três anos, um período que ambos descreveram como exigente e emocionalmente desgastante.

Ainda assim, ao contrário de muitos divórcios em Hollywood, este acabou por resultar numa dinâmica de respeito mútuo e cooperação, especialmente no que diz respeito aos filhos.

Uma família que mudou, mas não se perdeu

Jennifer Garner e Ben Affleck têm três filhos em comum — Violet, Fin e Samuel — e a actriz faz questão de deixar claro que, apesar do fim do casamento, a noção de família nunca desapareceu. Pelo contrário: transformou-se.

Nos últimos anos, ambos foram frequentemente vistos juntos em eventos familiares, aniversários e momentos importantes da vida dos filhos, alimentando uma imagem pública de coparentalidade saudável. Essa postura tem sido elogiada por fãs e colegas da indústria, especialmente num contexto mediático que tende a amplificar conflitos e dramatizações.

Garner não romantiza o passado, mas também não o apaga. As suas palavras sugerem uma aceitação madura do que foi perdido — e do que, felizmente, foi preservado. A amizade, ainda que diferente, e o compromisso partilhado com os filhos continuam a ser o elo mais forte entre os dois.

Um retrato honesto e sem dramatismos

Num tempo em que muitas figuras públicas usam a exposição mediática como ferramenta de narrativa pessoal, Jennifer Garner opta por um caminho mais discreto e humano. A sua reflexão sobre o divórcio não procura culpados nem vitimizações, mas oferece uma visão honesta sobre a dor silenciosa que acompanha o fim de uma relação longa e significativa.

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É precisamente essa sobriedade que torna as suas palavras tão impactantes — e tão raras — num universo como o de Hollywood, onde o ruído quase sempre fala mais alto do que a verdade emocional.

Matt Damon revela o segredo que o fez regressar ao peso do secundário aos 55 anos

Uma mudança simples na alimentação e muita disciplina para responder às exigências de Christopher Nolan

Matt Damon voltou a surpreender os fãs ao revelar que conseguiu atingir o peso que tinha no secundário — algo que não acontecia há décadas — graças a uma mudança aparentemente simples na sua alimentação. Aos 55 anos, o actor explicou que deixou de consumir glúten durante a preparação física para o seu mais recente filme, The Odyssey, realizado por Christopher Nolan.

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A revelação foi feita durante a sua participação no podcast New Heights, apresentado pelos irmãos Jason Kelce e Travis Kelce. Damon contou que Nolan lhe pediu um físico “magro mas forte”, um equilíbrio difícil de alcançar, sobretudo numa fase da vida em que o metabolismo já não colabora como antigamente.

“Estava mesmo em excelente forma. Perdi muito peso”, explicou o actor. “Ele queria-me magro, mas forte. É uma coisa estranha.”

Cortar o glúten e levar o corpo ao limite

Segundo Matt Damon, a grande mudança foi eliminar completamente o glúten da sua dieta, uma decisão tomada em articulação com o seu médico. O resultado foi impressionante: passou de um peso habitual entre os 185 e os 200 pounds (cerca de 84 a 91 quilos) para apenas 167 pounds (aproximadamente 76 quilos).

“Fiz todo o filme com esse peso. Não estava tão leve desde o secundário”, revelou. A transformação não aconteceu apenas à custa da alimentação. Damon sublinha que o processo envolveu um treino intensivo e uma dieta extremamente rigorosa, comparável à preparação física de atletas profissionais antes de uma época desportiva.

O actor trabalha regularmente com um treinador pessoal e explicou que, quando está a preparar um papel fisicamente exigente, o treino passa a fazer parte integrante da rotina diária. “Constróis o teu dia à volta disso. É o teu trabalho”, afirmou, estabelecendo um paralelismo com a disciplina dos jogadores da NFL.

Uma mudança que veio para ficar — mas com nuances

Matt Damon confessou ainda que não voltou a consumir glúten desde então. “Acabou. Sou totalmente gluten-free”, disse, sem hesitações. Ainda assim, o actor não promove a dieta como uma solução universal para perda de peso ou melhoria da saúde.

Uma dieta sem glúten elimina proteínas presentes em cereais como o trigo, a cevada e o centeio, sendo normalmente adoptada por razões médicas, como no caso da doença celíaca. Para a maioria das pessoas, no entanto, o glúten não representa um problema.

Especialistas, como nutricionistas da Mayo Clinic Health System, têm sublinhado que uma alimentação equilibrada, baseada em alimentos pouco processados, pode perfeitamente incluir cereais com glúten sem prejuízo para a saúde.

Um veterano das transformações físicas no cinema

Esta não é a primeira vez que Matt Damon fala abertamente sobre o desgaste físico associado às suas personagens. Numa entrevista à BBC em 2016, recordou que regressar à forma física para The Bourne Ultimatum foi “brutal”, especialmente quando comparado com o primeiro filme da saga.

“Com 29 anos já achei difícil. Aos 45 foi simplesmente brutal”, recordou, referindo uma cena de luta filmada no dia do seu aniversário.

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Aos 55, Damon prova que a disciplina, aliada a escolhas alimentares específicas, continua a ser uma arma poderosa — mesmo em Hollywood, onde o tempo raramente perdoa.

David Harbour abandona Behemoth! após desgaste com o final de Stranger Things

Actor afasta-se do novo filme de Tony Gilroy para descansar depois de meses intensos de promoção e pressão mediática

David Harbour deixou oficialmente o elenco de Behemoth!, o novo projecto cinematográfico de Tony Gilroy, realizador de Michael Clayton, desenvolvido pela Searchlight Pictures. A confirmação foi feita por um representante do estúdio à revista Variety, pondo fim às especulações que já circulavam nos bastidores de Hollywood.

Harbour estava anunciado como um dos protagonistas do filme, ao lado de Pedro Pascal e Olivia Wilde, mas decidiu afastar-se do projecto numa fase ainda inicial. De acordo com várias fontes próximas da produção, a decisão está directamente relacionada com o desgaste acumulado durante o encerramento de Stranger Things, cuja quinta e última temporada foi acompanhada por um prolongado calendário de lançamento e uma atenção mediática à escala global.

Um afastamento por exaustão, não por conflito

Segundo os relatos, David Harbour terá sentido necessidade de parar e descansar após meses de promoção intensa, entrevistas constantes e uma pressão pública considerável associada ao desfecho de uma das séries mais populares da última década. A decisão não terá estado ligada a divergências criativas nem a problemas com a produção de Behemoth!.

O papel que estava destinado ao actor já terá sido entregue a outro intérprete, embora o nome do substituto ainda não tenha sido revelado. Os representantes de Harbour não responderam aos pedidos de comentário, mantendo a postura discreta que tem marcado este afastamento.

O que se sabe sobre Behemoth!

Apesar de ainda existirem poucos detalhes concretos sobre o filme, a sinopse oficial descreve Behemoth! como a história de “um músico oriundo de uma família de músicos que regressa a Los Angeles”, sendo apresentado como “uma carta de amor à música do cinema e às pessoas que a criam”. O argumento foi escrito pelo próprio Tony Gilroy, que também assume a realização e a produção, ao lado de Sanne Wohlenberg.

O projecto tem despertado curiosidade precisamente por marcar o regresso de Gilroy a um cinema mais intimista, depois de anos associado a universos de grande escala, como Rogue One e a série Andor.

Um actor sempre aberto sobre saúde mental

Ao longo da sua carreira, David Harbour tem sido particularmente franco sobre a sua saúde mental. Diagnosticado com perturbação bipolar aos 26 anos, o actor nunca evitou o tema, defendendo uma abordagem mais ampla e menos redutora à discussão pública sobre estas questões.

Numa entrevista à Variety em 2022, Harbour sublinhou que o debate em torno da saúde mental tende a concentrar-se excessivamente na tragédia, esquecendo a complexidade da experiência humana. “Patologizamos a ideia de normalidade”, afirmou então, defendendo que todas as pessoas vivem realidades diversas que merecem ser compreendidas e respeitadas.

Um percurso marcado por personagens icónicas

David Harbour tornou-se um rosto incontornável da cultura pop graças à personagem Jim Hopper em Stranger Things, série que estreou em 2016 e encerrou recentemente com um episódio final de duas horas. Para além disso, o actor tem mantido uma presença regular no cinema, com participações recentes em títulos como Thunderbolts*, A Working Man e Gran Turismo, bem como em séries animadas como Marvel Zombies e Creature Commandos.

A notícia do seu afastamento de Behemoth! foi inicialmente avançada pela conta de gossip Deuxmoi, mas rapidamente confirmada por meios de comunicação especializados, dando-lhe uma dimensão mais séria e contextualizada.

Mais do que um simples abandono de um projecto, este episódio parece reflectir uma escolha consciente de equilíbrio pessoal — algo ainda raro, mas cada vez mais necessário, numa indústria conhecida pelo seu ritmo implacável.

Ben Affleck Fica Sem Palavras com Pedido do Filho de 13 Anos — e a História Dá Que Pensar

Quando a realidade bate à porta… vinda de casa

Mesmo para alguém que já viveu de tudo em Hollywood, há momentos capazes de apanhar qualquer um desprevenido. Ben Affleck revelou recentemente um desses episódios durante a sua participação no programa Jimmy Kimmel Live! — e a reacção foi de genuíno espanto.

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O actor contou que o filho mais novo, Samuel, de apenas 13 anos, lhe pediu… dinheiro para apostar em desporto. Cem dólares, mais precisamente. Um pedido que deixou Affleck completamente incrédulo, não apenas pela idade do rapaz, mas pela naturalidade com que a proposta foi apresentada, acompanhada de um argumento curioso: se perdesse o dinheiro, ficava por ali.

Entre o choque e o humor, Affleck descreveu o momento como um daqueles em que os pais percebem que o mundo mudou — e talvez mais depressa do que gostariam.

Uma conversa desconcertante (e reveladora)

Segundo o actor, Samuel explicou que os amigos também apostavam valores semelhantes, sempre com um “limite moral” muito claro: perde-se uma vez e pronto. Affleck, entre risos, ironizou sobre a suposta disciplina financeira do grupo, imaginando o filho a regressar horas depois com análises detalhadas sobre apostas da NFL e probabilidades da segunda parte.

O tom leve não escondeu, no entanto, um desconforto real. Afinal, estamos a falar de um adolescente de 13 anos a pedir dinheiro para apostas — um sinal claro de como o acesso a esse tipo de conteúdos se tornou banalizado entre os mais novos.

Um passado familiar ligado às apostas

A história ganhou ainda mais peso quando Affleck revelou um detalhe pessoal pouco conhecido: o seu pai, Timothy Byers Affleck, foi bookie durante parte da juventude do actor. Um negócio informal, ligado a bares e apostas desportivas, que ajudou a sustentar a família numa fase financeiramente difícil.

Com humor agridoce, Affleck recordou como algumas conquistas materiais da infância — como a primeira máquina de lavar roupa ou o primeiro vídeo — estavam directamente ligadas às apostas perdidas por quem insistia em confiar nos New England Patriots da época. Uma memória que mistura nostalgia, ironia e a consciência de que se tratava de uma actividade ilegal e socialmente mal vista.

Criar filhos com os pés bem assentes na terra

Hoje multimilionário, Ben Affleck faz questão de sublinhar que tenta educar os filhos — Violet, Seraphina e Samuel — de forma simples e realista, em conjunto com a ex-mulher, Jennifer Garner. E não é a primeira vez que essa filosofia se torna pública.

Há cerca de um ano, o actor tornou-se viral ao recusar comprar ao filho uns ténis Dior Air Jordan 1, avaliados em cerca de seis mil dólares. A resposta foi clara: se os quisesse, teria de trabalhar. “Cortar muitas relvas”, nas palavras do próprio Affleck.

Mais tarde, explicou que acredita profundamente na importância de ensinar o valor do trabalho e do dinheiro. Para ele, dar tudo aos filhos sem esforço é um erro que os prejudica a longo prazo. O exemplo mais concreto disso é o facto de Violet e Seraphina já terem tido vários empregos, apesar do conforto financeiro da família.

Uma lição que vai além da anedota

O episódio contado no Jimmy Kimmel Live! pode arrancar gargalhadas, mas levanta questões muito actuais sobre educação, dinheiro, influência dos pares e a normalização das apostas junto dos mais jovens. Vindo de uma estrela de Hollywood, o relato ganha ainda mais impacto — precisamente porque mostra que, independentemente da fama ou fortuna, os dilemas da parentalidade são universais.

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E, pelos vistos, nem Ben Affleck estava preparado para esta aposta inesperada. 🎲

Afinal a Última Estrela de Cinema Não é Tom Cruise — E Um Actor de 30 Anos Acabou de o Provar

A morte anunciada das estrelas… afinal foi exagerada

Durante anos, a ideia de que o conceito de movie star morreu tornou-se quase um dogma nos círculos cinéfilos. Entre franquias, universos partilhados e marcas mais fortes do que nomes próprios, muitos decretaram que já não existem actores capazes de levar pessoas ao cinema apenas pela sua presença no cartaz. Para muitos, Tom Cruise seria o último resistente dessa era dourada — o único cujo nome ainda garante bilhete comprado, independentemente do filme.

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Mas 2025 veio baralhar essa narrativa. E o responsável atende pelo nome de Timothée Chalamet.

Um filme improvável que se tornou fenómeno

À partida, Marty Supreme não parecia destinado a grandes feitos comerciais. Um drama centrado num jogador de ténis de mesa — Marty Mauser — inspirado livremente na figura real de Marty Reisman, passado numa Nova Iorque crua e nervosa, durante uma semana particularmente caótica da sua vida. Não há super-heróis, não há explosões, não há IP reconhecível à escala global.

O realizador Josh Safdie, apesar do prestígio conquistado com Uncut Gems, nunca foi sinónimo de salas cheias. O ténis de mesa está longe de ser um desporto popular nos Estados Unidos. E, ainda assim, Marty Supreme não só superou expectativas como quebrou recordes: tornou-se a estreia mais lucrativa da história da A24, com projecções que apontam para mais de 100 milhões de dólares só no mercado doméstico.

O factor diferenciador? Um nome no topo do cartaz.

Quando o marketing aposta tudo num actor

Toda a campanha promocional de Marty Supreme girou em torno de Timothée Chalamet. Não do conceito, não do realizador, não da história “baseada em factos reais”. O filme foi vendido, assumidamente, como “o novo filme de Timothée Chalamet”. Uma estratégia que parecia quase anacrónica — e que acabou por resultar.

Tal como acontece com Mission: Impossible e Tom Cruise, ou como acontecia com Julia Roberts nas comédias românticas dos anos 90, o público foi atraído menos pelo o quê e mais pelo quem. Um fenómeno cada vez mais raro, mas claramente ainda possível.

Uma persona de estrela em construção

A digressão promocional de Marty Supreme também revelou algo essencial: Chalamet já não se comporta como um jovem talento promissor. Assume-se como estrela. Confiante, frontal, por vezes excessivo aos olhos da cultura digital contemporânea, mas sempre focado num objectivo muito claro — levar pessoas às salas de cinema.

Essa atitude valeu-lhe críticas, memes e comentários irónicos, mas os números falam mais alto. A estratégia funcionou. O filme encheu salas, gerou conversa e reforçou as hipóteses de Chalamet na corrida aos Óscares, apoiado tanto pelo sucesso comercial como pelo aplauso crítico à sua interpretação.

O movie star afinal ainda respira

Num momento em que o cinema luta para manter relevância fora do streaming, Marty Supreme surge como prova de que o movie star não desapareceu — apenas mudou de geração. Timothée Chalamet demonstrou que ainda existem actores capazes de transformar um projecto improvável num acontecimento cultural.

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Tom Cruise pode não estar sozinho afinal. 🎬

E a estreia de Marty Supreme está marcada para 22 de Janeiro,

Jamie Lee Curtis viu uma fotografia em 1984 — e decidiu ali mesmo com quem iria casar

Uma história de amor improvável que dispensou drama, pressa e espectáculo

Em 1984, Jamie Lee Curtis já era uma estrela de Hollywood. Tinha conquistado o público com Halloween, afirmado o seu carisma em Trading Places e circulava com naturalidade numa indústria que raramente recompensa certezas. Foi nesse ano que protagonizou um dos momentos mais improváveis — e mais reveladores — da sua vida pessoal.

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A folhear uma revista, Curtis deteve-se numa fotografia de um actor caracterizado num filme satírico. Sem o conhecer, sem nunca o ter visto ao vivo, apontou para a imagem e disse a um amigo, com absoluta convicção: “Vou casar com aquele homem.” Não houve romantização nem hesitação. Apenas instinto.

O homem era Christopher Guest.

Quando o instinto não precisa de plano

Curtis não transformou a decisão num gesto teatral. Contactou o agente do actor, deixou o seu número de telefone e seguiu com a sua vida. Durante dias, nada aconteceu. Depois, o telefone tocou. Encontraram-se para jantar em Los Angeles. A conversa fluiu com naturalidade. O humor alinhou-se. Não houve jogos, nem pressa, nem personagens encenadas.

Algo encaixou de forma silenciosa.

Dois meses depois, Christopher Guest pediu-a em casamento. A 18 de Dezembro de 1984, casaram-se de forma discreta, longe do ruído mediático e do espectáculo que normalmente acompanha relações entre figuras públicas. Mais tarde, Jamie Lee Curtis resumiria tudo numa única palavra: instinto.

Dois criadores, dois ritmos — um equilíbrio raro

A relação nunca seguiu o modelo clássico de Hollywood. Curtis era uma actriz de enorme visibilidade; Guest movia-se noutro registo criativo, construindo uma carreira marcada pela sátira, pela observação e pelo tempo. Nunca competiram entre si. Complementaram-se.

Ela, intensa e frontal. Ele, paciente e meticuloso. Como o próprio explicaria anos mais tarde, Curtis vê o mundo a cores; ele pensa em esboços. Juntos, completam a imagem.

Gestos simples, impacto profundo

Há um episódio que define melhor do que qualquer declaração pública a natureza desta relação. Durante as filmagens de A Fish Called Wanda, em Londres, Christopher Guest atravessou o Atlântico apenas para jantar com a mulher — regressando no dia seguinte. Não houve anúncios, nem fotógrafos, nem narrativa construída. Apenas presença.

Curtis descreveu esse momento como um dos gestos mais íntimos da sua vida.

O casal adoptou dois filhos, Annie e Thomas, e construiu uma família assente em estrutura, humor e honestidade. Quando Guest herdou um título da aristocracia britânica, tornando Curtis tecnicamente uma baronesa, ela reagiu com humor: só teria interesse se viesse acompanhado de uma tiara.

Amor sem ruído — e por isso duradouro

Jamie Lee Curtis falou sempre com franqueza sobre a sua luta contra a dependência e sobre o processo de recuperação. Nunca atribuiu ao marido um papel salvador. Christopher Guest não a consertou. Ficou. Escutou. Soube quando apoiar e quando dar espaço.

Num mundo obcecado com drama, exposição e relações transformadas em espectáculo, a história de Jamie Lee Curtis e Christopher Guest destaca-se precisamente pelo contrário. Começou com uma fotografia. Durou porque nenhum dos dois virou costas quando o entusiasmo inicial deu lugar à vida real.

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Quatro décadas depois, Jamie Lee Curtis continua grata por ter confiado naquele primeiro impulso. Nem todos os instintos são certeiros. O dela foi.

Morreu Béla Tarr, o cineasta que mudou o ritmo do cinema moderno

Figura maior do cinema húngaro tinha 70 anos e deixa uma obra radical e influente

O realizador húngaro Béla Tarr, uma das figuras mais marcantes e influentes do cinema europeu contemporâneo, morreu esta terça-feira, aos 70 anos, vítima de doença prolongada. A notícia foi confirmada pela agência noticiosa húngara MTI e divulgada publicamente pelo cineasta Bence Fliegauf, em nome da família.

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Autor de uma filmografia curta, mas profundamente impactante, Béla Tarr tornou-se uma figura de culto graças a um cinema austero, exigente e radical, que reformulou a linguagem cinematográfica e colocou a Hungria no centro do mapa do cinema independente mundial. O seu estilo, marcado por planos longos, narrativas dilatadas e um pessimismo existencial profundo, influenciou gerações de realizadores em todo o mundo.

Um cinema contra a pressa e contra as concessões

A obra mais emblemática de Béla Tarr é O Tango de Satanás, adaptação do romance homónimo de László Krasznahorkai, com quem manteve uma colaboração artística duradoura. Com mais de sete horas de duração, o filme é um retrato implacável do colapso moral e social no pós-comunismo da Europa de Leste e tornou-se um marco incontornável da história do cinema.

Na altura do seu lançamento, o filme dividiu públicos, mas conquistou defensores fervorosos. A escritora norte-americana Susan Sontag descreveu-o como “devastador e absorvente” e afirmou que ficaria feliz por o ver “todos os anos, pelo resto da vida”.

O jornal britânico The Guardian escreveu, ainda em 2001, que o cinema de Tarr “exige paciência do seu público”, uma característica que o realizador nunca tentou suavizar ou contornar.

Influência internacional e ligação a Portugal

Apesar de profundamente enraizado na realidade húngara, o impacto de Béla Tarr foi global. Realizadores como Alexander Sokurov, Apichatpong Weerasethakul, Pedro Costa e André Gil Mata reconheceram a sua influência directa.

O cineasta manteve uma relação próxima com Portugal, tendo estado no país em várias ocasiões. Em 2016, esteve em Espinho a convite do FEST – Novos Realizadores, Novo Cinema, e já anteriormente tinha sido homenageado pela Cinemateca Portuguesa, que lhe dedicou uma retrospetiva no final dos anos 1990 e um novo ciclo em 2016.

O fim da filmografia e o reconhecimento tardio

O último filme de Béla Tarr foi O Cavalo de Turim, novamente em colaboração com Krasznahorkai. Após essa obra, o realizador anunciou o fim da sua carreira no cinema, passando a dedicar-se ao ensino entre Budapeste e Sarajevo até 2017.

Em 2023, recebeu o Prémio de Carreira da Academia Europeia de Cinema, um reconhecimento tardio, mas consensual, de uma obra que sempre recusou compromissos fáceis.

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Com a morte de Béla Tarr, o cinema perde um dos seus autores mais rigorosos, incómodos e essenciais — um criador que obrigou o espectador a abrandar, a olhar e a permanecer.

Callum Turner como James Bond? Quatro pistas sobre como o novo 007 pode mudar tudo

Ainda não há confirmação oficial, mas os rumores sobre o próximo James Bond ganharam força no arranque de 2026. Tudo indica que Callum Turner poderá ser o escolhido para vestir o fato de 007, numa altura em que a saga procura redefinir-se após a compra da MGM pela Amazon e várias mudanças ao nível da produção. Desta vez, não se trata apenas de especulação: há sinais claros de que o projecto está finalmente a avançar.

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Uma das novidades mais entusiasmantes é a escolha de Denis Villeneuve como realizador. Conhecido pelo seu trabalho em filmes como Dune, Arrival e Blade Runner 2049, Villeneuve traz um cinema elegante, contido e profundamente humano. Um estilo que poderá encaixar bem com a presença clássica e algo introspectiva de Callum Turner, apontando para um Bond mais cerebral e menos dependente do espectáculo puro.

A comparação com Bonds anteriores é inevitável. Será Turner mais próximo do charme de Sean Connery ou da fisicalidade austera de Daniel Craig? A resposta poderá estar algures entre os dois. O actor britânico já demonstrou versatilidade em vários projectos, revelando uma sobriedade clássica aliada a uma vulnerabilidade moderna. Um Bond menos invencível, mais humano, capaz de pensar e sentir.

James Bond sempre funcionou como um reflexo do seu tempo. Nos anos 90, Pierce Brosnan representava sofisticação e gadgets. Com Daniel Craig, o início do século XXI pediu realismo, trauma e cinismo. Em 2026, o contexto é outro. Entre debates sobre masculinidade e um certo regresso a valores conservadores, a indústria parece apostar num equilíbrio mais neutro. Turner, com 35 anos, encaixa nessa visão: tem presença física, carisma clássico e uma imagem suficientemente contemporânea para agradar a várias gerações.

Por fim, há a sugestão inevitável e assumidamente divertida. Callum Turner é noivo de Dua Lipa, uma das maiores estrelas pop da actualidade. E se fosse ela a cantar o próximo tema de Bond? A sua voz grave, o glamour moderno e um historial de êxitos tornam a ideia surpreendentemente plausível. Não seria a primeira vez que a saga 007 aposta numa artista contemporânea para marcar uma nova era.

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Seja Callum Turner o próximo Bond ou não, uma coisa é certa: o futuro de James Bond começa finalmente a ganhar forma. E, desta vez, há motivos reais para ficar curioso.

Evangeline Lilly revela ter sofrido lesões cerebrais após queda violenta na praia

Atriz partilha diagnóstico delicado e fala de um arranque de 2026 marcado pela recuperação

O início de 2026 trouxe notícias preocupantes para os fãs de Evangeline Lilly. A actriz revelou nas redes sociais que sofreu lesões cerebrais após ter desmaiado e batido com a cabeça numa rocha, num acidente ocorrido meses antes numa praia. A revelação foi feita através de um vídeo publicado no Instagram, onde Lilly falou abertamente sobre os resultados recentes dos exames neurológicos a que foi submetida.

“É o final do dia 1 de Janeiro de 2026 e estou a entrar neste novo ano com más notícias sobre a minha concussão”, começou por explicar a actriz, conhecida pelos seus papéis em Lost e no Universo Cinematográfico da Marvel. Segundo Lilly, os exames revelaram que “quase todas as áreas do cérebro estão a funcionar com capacidade reduzida”.

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“Tenho lesões cerebrais” após traumatismo craniano

No vídeo, Evangeline Lilly confirmou que sofre de TBI (traumatic brain injury), ou traumatismo craniano, acrescentando que poderão existir “outros factores” ainda por apurar. “O meu trabalho agora é ir ao fundo desta situação com os médicos e depois iniciar o duro processo de recuperação”, explicou, com algum humor resignado. “Não estou ansiosa por isso, porque sinto que só faço trabalho difícil”, comentou, rindo.

Apesar da gravidade do diagnóstico, a actriz de 46 anos procurou encontrar um lado positivo na situação. Segundo Lilly, o declínio cognitivo que sentiu desde o acidente obrigou-a a abrandar o ritmo, algo que acabou por ter um impacto inesperadamente benéfico na sua vida pessoal. “Foi o Natal mais calmo e descansado que tive talvez desde que tive filhos, há cerca de 14 anos”, afirmou.

Um acidente sério e um historial de desmaios

A actriz já tinha falado publicamente sobre o acidente num texto publicado na plataforma Substack, em Maio, onde revelou que desmaiou na praia e caiu de frente contra uma rocha. Lilly explicou ainda que sofre de episódios de desmaio desde a infância, algo que poderá ter contribuído para o incidente.

Desde então, tem vindo a actualizar os seguidores sobre a recuperação de uma “lesão grave na cabeça” e de uma concussão, partilhando regularmente reflexões pessoais sobre o processo físico e emocional associado à recuperação.

Apoio de colegas e mensagens de força

A publicação de Evangeline Lilly gerou uma onda de apoio por parte de colegas e fãs. Michelle Pfeiffer, sua colega em Ant-Man and the Wasp: Quantumania, deixou uma mensagem emocionada: “És uma guerreira. Nada — nem mesmo isto — te vai derrotar”. Lilly respondeu carinhosamente, lembrando a ligação entre ambas no ecrã, onde interpretam mãe e filha.

Também Rebecca Mader, colega de elenco em Lost, enviou palavras de encorajamento, sublinhando o carinho e solidariedade da comunidade artística.

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Apesar do diagnóstico delicado, Evangeline Lilly terminou a mensagem com uma nota de gratidão: “Sinto-me extraordinariamente grata e abençoada por poder viver mais um dia, mais um ano, neste planeta vivo e bonito”. Uma mensagem de resiliência que reflete a forma serena com que a actriz encara agora um dos maiores desafios da sua vida.