Pedro Almodóvar fez história no Festival de Cinema de Veneza ao conquistar o prestigiado Leão de Ouro com The Room Next Door, a sua primeira longa-metragem em língua inglesa. O filme, protagonizado por Tilda Swinton e Julianne Moore, cativou o júri e o público com a sua narrativa profunda e comovente, abordando temas sensíveis como a eutanásia e a dignidade no fim da vida.
Durante o seu discurso de aceitação, Almodóvar expressou a sua gratidão ao júri, presidido pela atriz Isabelle Huppert, e sublinhou a importância do tema que aborda no filme. “The Room Next Door é sobre uma mulher que agoniza num mundo agonizante e sobre a mulher que decide partilhar com ela os seus últimos dias. Acompanhar um doente terminal, saber estar ao lado, sem precisar de dizer uma palavra, é uma das maiores qualidades que as pessoas podem ter”, explicou o realizador espanhol.
Almodóvar também destacou a importância da liberdade individual e do respeito pelas decisões pessoais. “A dignidade de decidir quando partir é algo que todos deveríamos ter direito a escolher. Não é uma questão política, mas sim profundamente humana”, acrescentou, num discurso que emocionou a plateia. Esta vitória marca mais um capítulo notável na carreira do cineasta, reconhecido pelo seu estilo único e pela sensibilidade com que trata temas controversos.
A vitória de The Room Next Door reflete não apenas a maestria cinematográfica de Almodóvar, mas também a sua coragem em abordar questões desafiantes, oferecendo uma visão profundamente humana sobre a morte e a compaixão.
Winona Ryder, uma das atrizes mais reconhecidas de Hollywood, tem uma longa carreira cheia de histórias interessantes, algumas delas relacionadas com oportunidades que não se concretizaram. Uma dessas histórias envolve o veterano ator Jeff Bridges e um teste para o filme Sem Medo de Viver (Fearless), de 1993. Numa entrevista recente ao podcast “Happy Sad Confused”, Ryder revelou que, durante esse teste, Bridges recusou-se a beijá-la, uma decisão que a deixou inicialmente frustrada.
Ryder explicou que, no teste para o filme, havia uma cena em que o personagem de Bridges deveria beijar o dela. Na altura, Ryder tinha 21 anos, enquanto Bridges tinha 43. “Jeff Bridges, que eu adoro, não me beijou porque eu era muito nova”, contou a atriz ao jornalista Josh Horowitz. Ela recorda-se da tensão do momento, preparando-se para a cena do beijo. No entanto, Bridges optou por beijar-lhe a testa em vez dos lábios, dizendo-lhe: “Tens tipo a idade da minha filha.” A jovem atriz ficou desapontada, mas agora vê o momento com humor.
O filme Sem Medo de Viver, realizado por Peter Weir, é um drama que aborda o impacto psicológico que um acidente aéreo tem sobre os seus sobreviventes. Jeff Bridges interpreta Max Klein, um homem cuja vida muda drasticamente após sobreviver a esse acidente. O elenco feminino do filme incluiu Rosie Perez, que foi nomeada para o Óscar de Melhor Atriz Secundária pelo seu papel, e Isabella Rossellini. Não está claro qual o papel para o qual Ryder fez o teste, mas a atriz também teve uma grande nomeação no mesmo ano, pelo seu trabalho no filme A Idade da Inocência, de Martin Scorsese.
Um Momento de Reflexão e Crescimento
Embora o episódio tenha sido inicialmente desconcertante para Ryder, a atriz recorda-se dele como uma experiência de aprendizagem. A diferença de idades entre ela e Bridges tornou-se um fator determinante para que o ator optasse por não seguir o guião à risca durante o teste. O que poderia ter sido um momento embaraçoso para Bridges revelou o seu lado paternal e cavalheiresco, algo que Ryder hoje admira.
Ao longo da sua carreira, Winona Ryder enfrentou uma série de desafios e experiências marcantes, mas continua a ser uma figura influente em Hollywood. Desde a sua estreia na década de 1980, tem sido uma presença constante no cinema e, mais recentemente, na televisão, graças ao seu papel de destaque na série de sucesso da Netflix Stranger Things. Esta história é apenas mais um exemplo de como a sua carreira tem sido preenchida com momentos únicos e reveladores.
A Importância do Cavalheirismo em Hollywood
Este episódio com Jeff Bridges relembra a importância do cavalheirismo e do respeito pelos colegas no ambiente de Hollywood, especialmente quando se trata de cenas sensíveis, como as que envolvem intimidade física. Bridges, que já era um ator estabelecido na altura, optou por um caminho mais respeitoso e consciente, algo que, embora tenha frustrado Ryder na altura, certamente contribuiu para um ambiente de trabalho mais seguro e confortável.
Sem Medo de Viver acabou por ser um sucesso de crítica, com Rosie Perez a receber uma nomeação ao Óscar pelo seu desempenho comovente. Embora Winona Ryder não tenha participado no filme, a atriz conseguiu construir uma carreira brilhante e continua a ser uma inspiração para muitos.
No prestigiado Festival de Cinema de Veneza de 2024, um dos filmes mais discutidos da competição é *Jouer avec le feu*, dirigido pelas irmãs francesas Delphine e Muriel Coulin. Esta obra, uma adaptação do aclamado romance *Ce qu’il faut de nuit* de Laurent Petitmangin, aborda temas profundamente atuais e relevantes, como a crise social e o apelo do extremismo entre os jovens.
A história centra-se em Pierre, um ferroviário viúvo interpretado por Vincent Lindon, um dos mais respeitados atores franceses. Pierre está a criar sozinho os seus dois filhos, Louis e Fus. O filme explora a dinâmica familiar com uma intensidade emocional crescente à medida que o mais velho dos filhos, Fus, começa a envolver-se com grupos de extrema-direita. Este envolvimento causa um profundo rutura com o pai, que assiste impotente à transformação do filho, vendo-se incapaz de travar a sua descida para o radicalismo.
A dupla de realizadoras, que já havia conquistado reconhecimento com o filme *17 Girls* (2011), traz aqui uma história que reflete a crescente alienação da juventude face às instituições políticas e sociais. O personagem Louis, por outro lado, segue o caminho tradicional, frequentando a Universidade La Sorbonne, em Paris. Este contraste entre os dois irmãos sublinha as diferentes respostas dos jovens à crise social que, embora ambientada em França, ecoa em muitas outras partes do mundo.
O filme apresenta uma abordagem crua e realista das consequências do populismo de direita, capturando de forma incisiva o impacto que tem nas relações familiares e nas comunidades mais vulneráveis. Lindon, acompanhado por Stefan Crepon (que interpreta Louis) e Benjamin Voisin (Fus), oferece uma interpretação poderosa que retrata a desorientação de um pai dedicado e a dor de perder um filho para uma ideologia perigosa.
*Jouer avec le feu* posiciona-se como um dos principais candidatos aos prémios de Veneza, sendo amplamente elogiado pela sua relevância social, pela sua narrativa comovente e pelas brilhantes atuações. O filme não só levanta questões importantes sobre a juventude e o extremismo, mas também faz uma análise penetrante sobre o fracasso das instituições políticas em fornecer perspetivas de futuro às novas gerações.
Ridley Scott, um dos cineastas mais aclamados da história do cinema, está de volta com uma das suas maiores produções até à data: “Gladiador II”. A tão aguardada sequência do épico de 2000, que conquistou cinco Óscares, incluindo o de Melhor Filme, transportará os espectadores de volta à Roma Antiga, uma cidade que Scott está empenhado em recriar com a máxima autenticidade. O novo filme, com estreia prevista para 22 de novembro, está a gerar grande expectativa, especialmente entre os fãs do original.
“Gladiador II” situar-se-á algumas décadas após os eventos do primeiro filme e centrará a sua narrativa no neto do antigo imperador Marco Aurélio, interpretado por Paul Mescal. A trama segue o jovem enquanto é treinado como gladiador por Macrinus, um ex-escravo com aspirações de conquistar Roma, papel desempenhado por Denzel Washington. O filme também conta com Pedro Pascal no papel do general romano Marcus Acacius, trazendo uma nova dinâmica à história.
Ridley Scott é conhecido por sua atenção meticulosa aos detalhes e pelo seu compromisso com a autenticidade histórica, características que prometem estar presentes em “Gladiador II”. Para recriar a grandiosidade da Roma Antiga, Scott e a sua equipa têm trabalhado arduamente na construção de cenários realistas, utilizando tanto locações autênticas quanto efeitos especiais de última geração. Este compromisso com a verossimilhança histórica é uma das razões pelas quais os seus filmes são tão aclamados, oferecendo uma experiência cinematográfica imersiva que transporta os espectadores diretamente para o coração de cada época retratada.
A escolha de Paul Mescal para o papel principal é particularmente interessante. Conhecido por seu trabalho na série “Normal People”, Mescal é visto como uma das estrelas em ascensão do cinema atual. O seu papel em “Gladiador II” representa uma oportunidade de demonstrar a sua capacidade de liderar uma grande produção de Hollywood, especialmente ao lado de nomes consagrados como Denzel Washington e Pedro Pascal.
A produção de “Gladiador II” não foi isenta de desafios. A recriação de Roma para o filme exigiu um enorme esforço logístico, com uma equipa de produção extensa trabalhando incansavelmente para garantir que cada detalhe fosse fiel à época. Desde os trajes dos gladiadores até à arquitetura dos edifícios, cada elemento foi cuidadosamente pesquisado e recriado para garantir autenticidade e precisão histórica.
Ridley Scott, aos 86 anos, continua a ser um “rolling stone” de Hollywood, constantemente envolvido em novos projetos. Durante uma entrevista recente, Scott revelou que já está a trabalhar no seu próximo filme, um biopic sobre os Bee Gees, enquanto finaliza os últimos detalhes de “Gladiador II”. Esta energia incansável é uma das marcas registadas de Scott e explica, em parte, a sua longevidade e sucesso na indústria cinematográfica.
“Gladiador II” não é apenas uma tentativa de capitalizar o sucesso do primeiro filme, mas sim uma expansão do universo criado por Scott. A nova narrativa promete explorar temas como a ambição, o poder e a lealdade, mantendo o espírito épico que caracterizou o original. Com um elenco de alto nível e uma produção de grande escala, “Gladiador II” está preparado para ser um dos grandes lançamentos cinematográficos do ano.
Jenna Ortega, uma das jovens estrelas em ascensão de Hollywood, tem usado a sua voz para defender mais representatividade feminina em papéis principais no cinema. Em vez de simplesmente assumir personagens masculinos numa versão de género invertido, Ortega argumenta que é essencial criar novas franquias pensadas e projetadas especificamente para mulheres.
Durante uma entrevista à MTV, enquanto promovia o filme Beetlejuice Beetlejuice, no qual contracena com Catherine O’Hara, Ortega discutiu o aumento de protagonistas femininas em Hollywood. Ela expressou entusiasmo pela mudança, mas também apontou a necessidade de desenvolver personagens femininas originais, ao invés de transformar personagens masculinos existentes. “Eu amo que há muito mais protagonistas femininas hoje em dia, acho isso tão especial. Mas devemos ter o nosso. Eu não gosto quando é como um spinoff – eu não quero ver como ‘Jamie Bond’. Você sabe? Eu quero ver outro fodão”, disse Ortega.
Um Novo Caminho para as Mulheres em Hollywood
A discussão de Ortega surge num momento em que Hollywood está a reavaliar o papel das mulheres tanto na frente quanto atrás das câmaras. Filmes como Mulher-Maravilha e Capitã Marvel mostraram que filmes liderados por mulheres podem ser grandes sucessos de bilheteira, desafiando o antigo paradigma de que os homens devem estar no centro das histórias de ação e aventura. Além disso, o recente sucesso de Barbie, um filme com uma protagonista feminina que não só foi um sucesso comercial mas também um fenômeno cultural, reforça o argumento de Ortega de que o público está pronto e ansioso por mais histórias lideradas por mulheres.
Ortega, que já provou a sua capacidade de liderar uma produção através do seu papel em Wednesday, série de sucesso da Netflix, exemplifica uma nova geração de atrizes que não só querem protagonizar grandes histórias, mas também desejam influenciar o tipo de histórias que Hollywood conta. Ela é frequentemente vista como uma das jovens atrizes mais promissoras de Hollywood, conhecida por trazer intensidade e profundidade aos seus papéis, e por escolher projetos que ressoam com temas de empoderamento feminino.
O Futuro das Franquias Femininas
O comentário de Ortega sobre querer “outra fodona” ao invés de um “Jamie Bond” destaca um desejo por originalidade e autenticidade em personagens femininas fortes. Este desejo reflete uma mudança mais ampla na indústria cinematográfica, que está a começar a reconhecer a importância de criar papéis significativos e variados para mulheres, além de evitar o simples reposicionamento de papéis originalmente escritos para homens.
A discussão também remete para debates anteriores sobre a criação de personagens femininas icónicas sem a necessidade de estarem ligadas a contrapartes masculinas. A produtora da série James Bond, Barbara Broccoli, já afirmou que não acredita que uma mulher deva interpretar James Bond, preferindo que personagens novas e interessantes sejam criadas para mulheres. Esta visão alinha-se com a de Ortega, que clama por histórias novas e ousadas que tragam algo único e específico para a experiência feminina.
Com a crescente demanda por diversidade e inclusão no cinema, as palavras de Ortega têm o potencial de inspirar uma nova onda de histórias originais lideradas por mulheres. Estes personagens não só desafiarão os estereótipos de género, mas também enriquecerão o panorama cinematográfico com narrativas mais variadas e profundas.
Conclusão
Enquanto Hollywood continua a evoluir e a adaptar-se às mudanças sociais, o apelo de Jenna Ortega por franquias mais diversificadas e originais lideradas por mulheres é um lembrete poderoso da necessidade de inovação na indústria. Com a audiência global a mostrar um claro interesse por narrativas inclusivas e diversificadas, há uma oportunidade significativa para criadores de cinema desenvolverem novas histórias que não só entretenham, mas que também inspirem as próximas gerações.
O lendário ator Ian McKellen, conhecido por seu papel icónico como Gandalf nas trilogias de O Senhor dos Anéis e O Hobbit, revelou recentemente que poderá voltar a interpretar o famoso feiticeiro em novos filmes do universo criado por J.R.R. Tolkien. Aos 85 anos, McKellen foi abordado para participar em futuros projetos relacionados com O Senhor dos Anéis.
Entre os possíveis projetos, destaca-se Lord of the Rings: The Hunt for Gollum, que será dirigido e estrelado por Andy Serkis, que também retorna como Gollum. Este filme está previsto para ser lançado em 2026, o que significa que os fãs de Tolkien poderão ver Gandalf novamente em ação.
McKellen, que trouxe Gandalf à vida em A Sociedade do Anel (2001), As Duas Torres (2002), O Retorno do Rei (2003) e na trilogia O Hobbit, confessou que não tem planos de se aposentar enquanto estiver em boa saúde. “Eu vou continuar enquanto as pernas, os pulmões e a mente continuarem a trabalhar”, disse o ator, mostrando que ainda há muito a esperar do seu talento.
Com a promessa de mais aventuras na Terra Média e o possível retorno de um dos seus personagens mais amados, os fãs de O Senhor dos Anéis têm motivos de sobra para estarem entusiasmados.
Tim Burton, o icónico realizador conhecido pelo seu estilo gótico e peculiar, foi homenageado com uma estrela no Passeio da Fama de Hollywood. A cerimónia, que ocorreu em frente à loja de Halloween “Hollywood Toys & Costumes”, trouxe lágrimas aos olhos do cineasta, que expressou a sua profunda ligação emocional com o local. “Quando soube que [a estrela] estaria aqui, quase comecei a chorar porque venho aqui desde pequeno e a loja não mudou nada”, confessou Burton.
Acompanhado pelos atores Winona Ryder e Michael Keaton, estrelas do seu mais recente filme Beetlejuice Beetlejuice, que é uma sequela do clássico de 1988, Burton celebrou a honra ao lado de amigos e colegas de longa data. Ryder elogiou Burton, dizendo que ele tem “uma compreensão tão bela e única do coração humano”, destacando o seu talento para transformar personagens incomuns em figuras memoráveis e queridas.
Burton, que começou a sua carreira na Disney antes de se tornar um dos realizadores mais respeitados de Hollywood, é conhecido por filmes como Edward Scissorhands (Eduardo Mãos de Tesoura), Corpse Bride (A Noiva Cadáver), Batman, e Sweeney Todd: O Terrível Barbeiro de Fleet Street. A sua carreira é marcada por uma estética visual única e histórias que muitas vezes exploram temas de solidão, excentricidade, e o sobrenatural.
Com uma filmografia que inclui inúmeras nomeações e prémios, Tim Burton continua a ser uma força criativa no cinema, e a sua nova estrela no Passeio da Fama serve como um testemunho do impacto duradouro que ele teve na indústria cinematográfica.
A espera pelo novo filme do “Quarteto Fantástico” está a gerar grande expectativa entre os fãs de super-heróis e do universo Marvel. Previsto para estrear em 25 de julho de 2025, o filme é dirigido por Matt Shakman, conhecido pelo seu trabalho em “WandaVision”, e traz um elenco estelar que promete revigorar os icónicos personagens da Marvel.
No papel de Reed Richards, também conhecido como Sr. Fantástico, teremos Pedro Pascal, um ator que tem ganho popularidade e aclamação pelo seu trabalho em séries como “The Mandalorian” e “The Last of Us”. Vanessa Kirby, reconhecida pelo seu talento em “The Crown” e “Missão Impossível: Fallout”, assume o papel de Sue Storm, a Mulher Invisível. Joseph Quinn, que recentemente brilhou em “Stranger Things”, será a Tocha Humana, e Moss-Bacharach dará vida ao Coisa. Este elenco de protagonistas já garante performances memoráveis e traz uma nova dinâmica à equipe.
Além disso, a presença de Julia Garner como a Surfista Prateada e Ralph Ineson como Galactus aumenta a complexidade do enredo e promete desafios épicos para os nossos heróis. O filme contará ainda com participações de Paul Walter Hauser, Natasha Lyonne e John Malkovich em papéis ainda não revelados, o que adiciona um elemento de mistério e intriga ao projeto.
O Regresso de um Clássico
O “Quarteto Fantástico” já teve várias adaptações cinematográficas, mas esta promete ser uma versão mais fiel e grandiosa, refletindo o atual estilo cinematográfico da Marvel, que combina profundidade emocional com efeitos visuais impressionantes. A direção de Shakman, juntamente com o roteiro de Josh Friedman, conhecido pelo trabalho em “Avatar: O Caminho da Água”, sugere uma abordagem que mistura espetacularidade com uma narrativa envolvente e personagens bem desenvolvidos.
Expectativas para o Futuro da Marvel
Este filme é um dos muitos projetos que a Marvel Studios está a preparar para os próximos anos, numa tentativa de manter a sua posição como líder no género de filmes de super-heróis. A inclusão do Quarteto Fantástico no Universo Cinematográfico da Marvel (UCM) abre portas para novas histórias e crossovers que podem explorar as vastas possibilidades dos quadrinhos. O público pode esperar interações emocionantes com outras franquias da Marvel e, quem sabe, até a introdução de novos vilões e heróis no UCM.
Com um elenco talentoso e uma produção ambiciosa, o novo “Quarteto Fantástico” tem tudo para se tornar um marco no cinema de super-heróis. A combinação de talento atuante e uma equipa de produção de alto calibre promete uma experiência cinematográfica inesquecível que deve agradar tanto aos fãs de longa data quanto a uma nova geração de espectadores.
🚨Nova foto do set de 'THE FANTASTIC FOUR: FIRST STEPS'.
Segundo o paparazzi, nessa cena os figurantes assistem ao retorno do Fantasticar à terra.
No Festival de Cinema de Veneza de 2024, o ator Ethan Hawke revelou a extraordinária e longa jornada para levar o filme “Blue Moon” ao grande ecrã. Dirigido por Richard Linklater, este filme é uma cinebiografia do compositor Lorenz Hart, conhecido pela sua colaboração com Richard Rodgers. Hawke contou que o projeto levou 12 anos para se concretizar devido a uma razão curiosa: ele era considerado “bonito demais” para o papel quando a ideia foi inicialmente proposta.
Durante uma masterclass no festival, Hawke relembrou o momento em que leu o roteiro pela primeira vez e imediatamente quis começar as filmagens. No entanto, Richard Linklater, o realizador com quem Hawke já havia colaborado em filmes como “Boyhood” e a trilogia “Before”, tinha uma abordagem diferente. “Ele disse ‘Legal, vamos fazer, mas precisamos esperar um pouco’. Eu perguntei por quê, e ele respondeu ‘Você ainda é atraente demais. Precisamos esperar até que você seja um pouco menos atraente'”, compartilhou Hawke, arrancando risos da audiência.
Linklater insistiu que a maturidade física de Hawke era crucial para a autenticidade do personagem, que enfrenta sérios problemas pessoais como alcoolismo e depressão, temas centrais na vida de Lorenz Hart, especialmente na última fase da sua vida. O filme se passa na noite da estreia de “Oklahoma!” de Rodgers e Hammerstein em 1943, um momento marcante para a dupla criativa, enquanto Hart luta contra os seus demónios pessoais.
Após anos de espera, durante os quais o roteiro foi revisto várias vezes, Linklater finalmente viu Hawke em uma entrevista na televisão e sentiu que o momento havia chegado. “Ele ligou para mim e disse que era a hora. Eu brinquei dizendo que agora eu não estava mais ‘bonito demais'”, contou Hawke, demonstrando bom humor sobre o longo atraso.
A produção de “Blue Moon” foi desafiadora. Filmado em tempo real, o filme segue uma estrutura contínua que exige um intenso nível de comprometimento dos atores e da equipe técnica. Ethan Hawke descreveu a experiência como exaustiva, mas gratificante, enfatizando a autenticidade que este método de filmagem trouxe para o retrato de Lorenz Hart, um homem talentoso, mas assombrado por seus próprios excessos e inseguranças.
“Blue Moon” não é apenas uma celebração da música de Hart e Rodgers, mas também uma exploração das complexidades emocionais e psicológicas de um artista que influenciou profundamente o teatro musical americano. O filme tem sido muito aguardado não apenas pelo seu conteúdo, mas também pela colaboração única entre Hawke e Linklater, dois criativos que sempre desafiaram as normas da indústria cinematográfica.
O consagrado realizador espanhol Pedro Almodóvar estreou no Festival de Veneza o seu primeiro filme em língua inglesa, “The Room Next Door” (“O Quarto ao Lado”), um drama introspectivo que aborda temas como a morte, a amizade e o direito à eutanásia. O filme, protagonizado por Julianne Moore e Tilda Swinton, segue a história de uma escritora de sucesso que acompanha os últimos dias de uma amiga, uma correspondente de guerra com cancro terminal.
Almodóvar, conhecido pelos seus filmes coloridos e emotivos que frequentemente exploram a complexidade das relações humanas, optou por uma abordagem mais sombria e melancólica com este novo trabalho. Durante a conferência de imprensa, o realizador revelou que o filme é uma “reflexão melancólica sobre a morte e a aceitação do fim da vida”. Ele também destacou o impacto pessoal que a história teve sobre ele, referindo-se à sua própria dificuldade em aceitar a inevitabilidade da morte.
Tilda Swinton, que já colaborou com Almodóvar em projetos anteriores, elogiou o filme pela sua honestidade emocional e pela forma como aborda a amizade entre duas mulheres mais velhas, um tema raramente explorado no cinema contemporâneo. Julianne Moore, por sua vez, falou sobre a profundidade do seu personagem e a forma como a narrativa explora a eutanásia de uma maneira que é tanto respeitosa quanto provocadora.
“The Room Next Door” é baseado no livro “What Are You Going Through” de Sigrid Nunez e é uma meditação sobre a mortalidade que desafia o público a refletir sobre o significado da vida e da morte. O filme será lançado em Portugal no dia 5 de dezembro, proporcionando aos espectadores uma oportunidade de experimentar a mais recente obra-prima de Almodóvar.
O próximo filme da franquia “Mundo Jurássico”, intitulado “Jurassic World Rebirth”, teve o seu título e as primeiras imagens reveladas, prometendo trazer uma nova vida à icónica série de dinossauros. Com estreia prevista para o verão de 2025, o sétimo filme da saga será um reinício completo, sem a presença dos protagonistas anteriores como Chris Pratt e Bryce Dallas Howard, nem das estrelas veteranas da trilogia original.
Scarlett Johansson, Jonathan Bailey e Mahershala Ali lideram o elenco do novo filme, que será dirigido por Gareth Edwards, conhecido por “Rogue One: Uma História de Star Wars” e “O Criador”. A história segue uma equipa que tenta obter amostras de ADN das três criaturas mais colossais da terra, do mar e do ar, cinco anos após os eventos de “Mundo Jurássico: Domínio”.
As filmagens, que começaram na Tailândia e se deslocaram para Malta, estão previstas para terminar em outubro. Com uma combinação de aventura, suspense e efeitos especiais de última geração, “Jurassic World Rebirth” promete renovar a franquia para uma nova geração de fãs.
O Festival de Cinema de Veneza deste ano, marcado por um desfile de estrelas no tapete vermelho, enfrenta críticas de jornalistas internacionais devido à falta de acesso às celebridades. Grandes nomes como Brad Pitt, Angelina Jolie, George Clooney, Nicole Kidman e Joaquin Phoenix estão presentes no evento, mas muitos optaram por não conceder entrevistas exclusivas à imprensa internacional, restringindo-se apenas às conferências de imprensa oficiais do festival.
Esta decisão, tomada pelos estúdios e agentes de relações públicas, tem gerado insatisfação entre os jornalistas, especialmente os freelancers, que dependem dessas entrevistas para vender suas histórias a meios de comunicação regionais e internacionais. Uma carta aberta, assinada por mais de 50 jornalistas, foi publicada, protestando contra a política de “não entrevistas”, destacando a importância do trabalho jornalístico para o sucesso e a promoção dos filmes.
A ausência de entrevistas exclusivas ameaça o modelo de cobertura de festivais de cinema, que depende do acesso direto aos talentos para gerar interesse e cobertura mediática. Apesar das reclamações, o diretor artístico do Festival de Veneza, Alberto Barbera, prometeu investigar a situação, embora tenha lembrado que as decisões de marketing são tomadas pelas empresas privadas e não pelo festival em si.
Após um período de afastamento voluntário da realização e atuação, Angelina Jolie retorna ao cinema com um papel desafiador e pessoal no filme biográfico “Maria”, onde interpreta a icónica soprano Maria Callas. O filme, dirigido por Pablo Larraín, será exibido nos prestigiados festivais de Veneza, Telluride e Nova Iorque, marcando um regresso significativo para Jolie, que passou anos focada principalmente em sua família.
Na entrevista recente ao The Hollywood Reporter, Jolie abriu-se sobre o processo intenso e emocional de se preparar para o papel de Callas, descrevendo-o como uma “redescoberta pessoal”. Para incorporar a famosa soprano, Jolie dedicou mais de seis meses aprendendo a cantar, respirar e até mesmo andar como Callas. “Foi uma experiência muito intensa e emocionante”, disse Jolie. “Passei meses tendo aulas de canto e aprendendo italiano para poder me aproximar o máximo possível do que era necessário para retratar Callas com precisão.”
A atriz também falou sobre como este papel a ajudou a redescobrir a sua própria voz, tanto literal quanto metaforicamente. Durante a preparação para o filme, Jolie enfrentou dificuldades pessoais e emocionais que tornaram o processo de atuação ainda mais significativo. “Foi um desafio abrir minha voz novamente, emocional e fisicamente”, confessou. “Tive que sentir tudo de novo, respirar de novo e me abrir de uma maneira que não fazia há muito tempo. Foi uma experiência de libertação.”
Além de “Maria”, Angelina Jolie também apresentará “Without Blood”, um drama de guerra que ela escreveu e dirigiu, baseado no romance de Alessandro Baricco. O filme, que explora os impactos do conflito na vida das pessoas, especialmente crianças, é um retorno ao tema recorrente de Jolie sobre as cicatrizes emocionais deixadas pela guerra. “Sempre fui atraída por histórias de conflito porque é onde vejo o melhor e o pior da humanidade”, explicou Jolie. “Este filme é uma continuação dessa exploração, mas também uma reflexão sobre como esses traumas nos moldam e nos mudam.”
Jolie, que é também uma ativista e mãe dedicada, compartilhou como foi difícil equilibrar sua vida pessoal com seu retorno ao cinema. Após seu divórcio público e conturbado de Brad Pitt, ela se concentrou em criar seus seis filhos, agora adolescentes e jovens adultos. “Eu precisava estar em casa mais com meus filhos, especialmente durante esse período difícil”, afirmou. “Mas agora que eles estão um pouco mais velhos e mais independentes, senti que era o momento certo para voltar a trabalhar.”
Filmando em locais icónicos como La Scala, em Milão, Jolie descreveu a experiência como “fora do corpo”. “Nunca cantei antes, e alguém na minha vida me disse que eu não sabia cantar”, revelou. “Foi um choque descobrir que eu era soprano. A experiência toda foi uma grande jornada de autodescoberta para mim.”
A preparação intensa e a dedicação de Jolie para o papel de Maria Callas refletem seu compromisso com sua arte e sua busca contínua por desafios que ressoam profundamente com suas experiências pessoais e profissionais. À medida que ela retorna ao cenário cinematográfico, tanto na frente quanto atrás das câmaras, Jolie reafirma sua posição como uma das figuras mais multifacetadas de Hollywood, trazendo à tona personagens que refletem suas próprias complexidades e traumas.
O filme argentino “El Jockey”, dirigido por Luis Ortega, estreou na mostra competitiva do Festival de Veneza, onde compete pelo cobiçado Leão de Ouro. Estrelado por Nahuel Pérez Biscayart, o filme é descrito como uma jornada onírica que explora a transformação de um jóquei a serviço da máfia em Buenos Aires. A narrativa mistura realismo com elementos surreais, criando uma atmosfera única que desafia as convenções do cinema argentino tradicional.
Ortega, conhecido por seus trabalhos anteriores como “El Ángel”, utiliza “El Jockey” para brincar com conceitos de identidade e transformação, questionando a própria natureza da existência e da percepção. O filme foi elogiado pela sua cinematografia inovadora e pela abordagem não convencional da narrativa, que reflete a complexidade e o caos da vida urbana na capital argentina.
A recepção crítica em Veneza tem sido positiva, com muitos destacando a capacidade de Ortega de criar uma obra que é simultaneamente provocadora e profundamente introspectiva. “El Jockey” é um dos dois filmes latino-americanos em competição este ano, destacando a força e a diversidade do cinema da região.
Um filme biográfico controverso sobre Donald Trump, intitulado “O Aprendiz”, está programado para estrear nos cinemas dos Estados Unidos em outubro, apenas um mês antes das eleições presidenciais. Esta produção independente, que tem gerado polêmica e ameaças legais, retrata episódios sombrios da juventude do ex-presidente americano, incluindo uma cena em que Trump é mostrado a violar sua primeira esposa, Ivana Trump, após um episódio de ridicularização. Ivana, que faleceu em 2022, havia acusado Trump de abuso sexual durante o divórcio, mas depois retirou a acusação.
A Briarcliff Entertainment, um pequeno estúdio independente, está por trás do lançamento do filme, que também explora aspectos íntimos da vida de Trump, como a sua disfunção erétil e os procedimentos estéticos a que se submeteu. A representação de Trump por Sebastian Stan, conhecido por “Capitão América: O Soldado do Inverno”, tem sido elogiada pela crítica, particularmente após a exibição do filme no Festival de Cinema de Cannes.
Apesar das reações negativas e ameaças de processos legais por parte dos advogados de Trump, o filme promete ser uma análise profunda do personagem de Trump, representando-o como um jovem ambicioso cuja decência é corroída pelo seu envolvimento com figuras de poder, como o seu mentor Roy Cohn, interpretado por Jeremy Strong. O filme será lançado nos Estados Unidos a 11 de outubro, e o estúdio espera que “O Aprendiz” seja um forte concorrente na próxima temporada de prémios de Hollywood.
Após um hiato prolongado do grande ecrã, Gwyneth Paltrow está pronta para fazer um retorno marcante ao cinema. A atriz, que se afastou de papéis substanciais desde “Vingadores: Endgame” (2019), irá co-estrelar ao lado de Timothée Chalamet no próximo filme de Josh Safdie, intitulado “Marty Supreme”. Este projeto promete ser uma adição intrigante ao cinema independente, produzido pela aclamada A24.
Gwyneth Paltrow, que ganhou um Óscar por “A Paixão de Shakespeare” (1998), tem estado maioritariamente afastada do cinema nos últimos anos, concentrando-se na sua carreira como empresária de ‘lifestyle’. No entanto, “Marty Supreme” marca o seu regresso a um papel substancial e a uma colaboração com um dos talentos mais promissores da nova geração de Hollywood, Timothée Chalamet.
O Projeto “Marty Supreme”
“Marty Supreme” é descrito como uma história de ficção inspirada na vida do lendário jogador de pingue-pongue Marty Reisman, conhecido pelo seu estilo flamboyant e carreira duradoura. O filme será dirigido por Josh Safdie, metade da dupla conhecida como os Safdie Brothers, que conquistou grande atenção com filmes como “Good Time” (2017) e “Diamante Bruto” (2019). Este será o primeiro grande projeto de Josh Safdie desde que os irmãos decidiram seguir carreiras solo, embora ainda mantenham uma produtora conjunta para outros projetos.
Timothée Chalamet e o Cinema Independente
Para Timothée Chalamet, que recentemente interpretou Bob Dylan num biopic sobre a juventude do músico, “Marty Supreme” é mais um passo na sua carreira dedicada ao cinema de autor. Chalamet tem expressado frequentemente a sua admiração pelos Safdie Brothers, chegando a escrever um ensaio sobre “Diamante Bruto” para a revista Variety, destacando o impacto do filme na sua visão do cinema.
“Marty Supreme” é um projeto produzido pela A24, um estúdio que tem sido fundamental na revitalização do cinema independente nos últimos anos, com filmes inovadores e de grande prestígio, incluindo o vencedor do Óscar “Tudo em Todo o Lado ao Mesmo Tempo”. Este novo projeto é esperado para continuar essa tradição, oferecendo uma narrativa única e performances poderosas de Paltrow e Chalamet.
Conclusão
O regresso de Gwyneth Paltrow ao cinema com “Marty Supreme” é um evento significativo, marcando a sua reentrada no mundo da interpretação após anos de ausência. Com Josh Safdie a assumir o papel de realizador e Timothée Chalamet como co-estrela, o filme promete ser uma adição fascinante ao panorama do cinema independente. Os fãs de cinema estão ansiosos para ver como este trio de talentos irá trazer a história de Marty Reisman para a vida de uma forma inovadora e emocionante.
A série “Peaky Blinders”, que se tornou um fenómeno global, está prestes a expandir o seu universo para o grande ecrã, e a mais recente adição ao elenco promete aumentar ainda mais as expectativas. Barry Keoghan, o talentoso ator irlandês recentemente nomeado para os Óscares, juntou-se ao elenco do próximo filme de “Peaky Blinders”, que contará também com Cillian Murphy, o rosto da série original.
A confirmação de Barry Keoghan no elenco do filme “Peaky Blinders” foi recebida com entusiasmo pelos fãs e pela indústria cinematográfica. Keoghan é amplamente reconhecido como um dos melhores talentos da sua geração, tendo sido nomeado para um Óscar pelo seu papel em “Os Espíritos de Inisherin” e tendo recentemente causado impacto com a sua performance em “Saltburn”.
Além de Keoghan, o filme contará também com Rebecca Ferguson, conhecida pelos seus papéis nas sagas “Missão Impossível” e “Dune”. Cillian Murphy, que interpretou Tommy Shelby ao longo das seis temporadas da série, regressará ao seu papel icónico como o líder do gangue de Birmingham. No entanto, os detalhes sobre as personagens que Keoghan e Ferguson interpretarão ainda estão por revelar.
Continuação da História na Segunda Guerra Mundial
“Peaky Blinders”, que começou a sua jornada televisiva em 2013 na BBC Two antes de se tornar um sucesso global na Netflix, terminou a sua série em 2022 após seis temporadas. O criador da série, Steven Knight, já tinha sugerido que a história continuaria com um filme que se passaria durante a Segunda Guerra Mundial, dando continuidade aos eventos finais da série, que se situavam na década de 1930.
Tom Harper, que dirigiu vários episódios da primeira temporada da série, será o realizador do filme. O enredo está a ser mantido em segredo, mas espera-se que o filme explore o impacto da guerra na vida de Tommy Shelby e dos membros restantes do seu gangue, enquanto enfrentam novos desafios e inimigos.
Uma Expansão Muito Esperada
A transição de “Peaky Blinders” para o cinema é vista como um passo natural para uma série que sempre teve uma abordagem cinematográfica na sua narrativa e estilo visual. A adição de Barry Keoghan ao elenco aumenta as expectativas de que o filme trará uma nova energia à franquia, mantendo o espírito sombrio e intenso que tornou a série um fenómeno.
Com as filmagens programadas para começar ainda este ano, os fãs estão ansiosos por ver como esta história se desenrolará na tela grande. A colaboração entre Cillian Murphy e Barry Keoghan, dois dos maiores talentos irlandeses da atualidade, promete ser um dos destaques do próximo capítulo de “Peaky Blinders”.
O filme “Peaky Blinders” é um dos projetos mais esperados dos próximos anos, reunindo um elenco de estrelas e um enredo que promete expandir ainda mais o universo da série. Com a direção de Tom Harper e o argumento de Steven Knight, o filme está destinado a capturar a mesma intensidade e complexidade que fizeram da série um sucesso global. Barry Keoghan e Cillian Murphy são uma combinação poderosa, e o público aguarda ansiosamente para ver o que esta nova fase de “Peaky Blinders” trará.
Winona Ryder, uma das atrizes mais icónicas da sua geração, expressou recentemente a sua frustração com o desinteresse dos jovens atores pela história do cinema. Ryder, que começou a sua carreira aos 14 anos com o filme “Lucas” e se tornou uma estrela com obras como “Eduardo Mãos de Tesoura” e “As Mulherzinhas”, notou uma mudança preocupante na atitude dos jovens atores de hoje em dia.
Durante uma entrevista recente ao Los Angeles Times, citada pela revista Variety, Ryder falou sobre o seu amor pelo cinema e como isso contrasta com a atitude de muitos dos seus colegas mais jovens. “Há alguns que simplesmente não estão interessados em filmes”, afirmou. “A primeira coisa que perguntam é: ‘Quanto tempo é que dura?'”. A atriz, que ganhou uma nova geração de fãs com a série “Stranger Things”, destacou que, apesar de haver jovens atores entusiasmados como Finn Wolfhard, que é obcecado por atores clássicos como Elliott Gould, há uma falta generalizada de curiosidade entre os mais novos.
A Relevância dos Clássicos
Ryder é conhecida por ser uma verdadeira cinéfila, algo que ficou evidente na sua recente visita ao arquivo da Criterion Collection, onde escolheu e discutiu os seus filmes favoritos. O vídeo da visita, que se tornou viral com mais de 14 milhões de visualizações, mostra o profundo conhecimento e paixão da atriz pela história do cinema. Este entusiasmo contrasta fortemente com a tendência atual de jovens atores que preferem produções modernas e rápidas, sem se envolverem nas obras que moldaram a sétima arte.
A falta de interesse pelos clássicos é vista por Ryder como uma oportunidade perdida para os atores jovens, que poderiam aprender muito ao estudar filmes antigos e os métodos de atuação que os definiram. “Não quero parecer tão desanimada, mas sinto que há uma falta de conexão com o passado”, explicou Ryder, sublinhando a importância de uma base sólida no cinema para qualquer ator que queira compreender profundamente a sua arte.
Reflexão sobre o Futuro do Cinema
A preocupação de Ryder reflete uma mudança mais ampla na indústria do entretenimento, onde o foco se deslocou para conteúdos de consumo rápido e menos desafiantes. O comentário de Millie Bobby Brown, também estrela de “Stranger Things”, sobre a sua falta de interesse em ver filmes inteiros, tornou-se viral, exemplificando esta tendência. “As pessoas vêm ter comigo e dizem: ‘Precisas mesmo de ver este filme, mudaria a tua vida’. E eu respondo: ‘Quanto tempo é terei que ficar ali sentada?’”, contou Brown.
A observação de Ryder levanta uma questão importante sobre o futuro do cinema e a importância de preservar o legado dos clássicos. À medida que novas gerações de atores surgem, a conexão com a rica história da sétima arte pode se perder, a menos que haja um esforço consciente para educar e inspirar através do cinema clássico.
Conclusão
Winona Ryder continua a ser uma defensora apaixonada do cinema clássico e da importância de conhecer e respeitar a história da sua profissão. O seu desabafo revela uma preocupação válida sobre o futuro da indústria e a necessidade de manter viva a chama do amor pelo cinema em todas as suas formas. Enquanto algumas estrelas jovens mantêm o espírito cinéfilo vivo, Ryder espera que mais sigam o exemplo e se envolvam com o passado para enriquecer o futuro da arte cinematográfica.
Em uma entrevista franca para a Interview Magazine com o escritor e diretor Cameron Crowe, conhecido por seu trabalho em “Almost Famous”, Frances McDormand foi desafiada a reagir, em uma única frase, a alguns de seus filmes mais admirados por ele. A atriz, reconhecida por sua versatilidade e autenticidade em cada papel, não decepcionou e ofereceu respostas que revelaram tanto o seu humor quanto sua visão única sobre cada produção.
Madeline: “Vivi em Paris — que experiência incrível. Mais importante, aquelas meninas pequenas pisaram nos meus pés e eu tive duas unhas encravadas quando fui embora.” McDormand destacou o seu tempo em Paris durante as filmagens de “Madeline”, um filme para crianças baseado na popular série de livros. A atriz lembrou com humor o desafio físico de trabalhar com um elenco jovem, mencionando que terminou a produção com duas unhas encravadas, uma memória peculiar que parece ter marcado a sua experiência.
Frances McDormand extending her hand to help Michael Douglas get up off the floor in a scene from the film ‘Wonder Boys’, 2000. (Photo by Universal Pictures/Getty Images)
Wonder Boys: “Um daqueles papéis que foi difícil para mim aceitar, sendo uma mulher de meia-idade. Embora o fato de a personagem estar grávida tenha ajudado muito.” No drama “Wonder Boys”, McDormand enfrentou o desafio de interpretar uma mulher de meia-idade grávida, um papel que ela admite ter sido difícil de aceitar. No entanto, o aspecto da gravidez da personagem trouxe um elemento de complexidade e profundidade que tornou o papel mais atraente para ela.
Mississippi Burning: “Poderia ter sido um pesadelo. Mas felizmente não foi — pessoalmente. Como uma declaração política, deu muito errado.” Sobre “Mississippi Burning”, McDormand refletiu sobre o potencial do filme de ter sido uma experiência negativa, mas felizmente não foi, pelo menos a nível pessoal. No entanto, ela reconhece que, como uma declaração política, o filme pode ter se desviado da sua intenção original, talvez tocando temas de forma controversa ou com impacto indesejado.
Lone Star: “Eu estava completamente privada de sono. Eu tinha conhecido o meu filho três semanas antes. Ele estava comigo. Eu ia para o set, abria a boca, dizia as minhas falas, dormia no almoço por uma hora e meia, acordava, terminava as minhas falas e ia para casa. E foi um trabalho perfeito.” Para o filme “Lone Star”, McDormand descreveu uma experiência de filmagem marcada pela privação de sono, já que ela tinha acabado de adotar o seu filho. Apesar do cansaço, ela lembra o papel como “perfeito”, indicando que, mesmo exausta, conseguiu cumprir suas obrigações de forma satisfatória.
Raising Arizona: “Esse foi o primeiro trabalho em que usei seios protéticos. Eu amei aquela personagem.” Em “Raising Arizona”, McDormand trouxe humor ao mencionar que foi o primeiro filme em que usou seios protéticos. A atriz adorou interpretar a personagem, mostrando como pequenos detalhes do processo de atuação podem contribuir para a criação de papéis memoráveis e divertidos.
Blood Simple: “Fiquei extremamente desapontada quando descobri que todos os sets de filmagem não eram assim. Todas as minhas expectativas foram baseadas naquela experiência. Eu julgo cada set de filmagem em que estou por aquele.” “Blood Simple” foi uma experiência formativa para McDormand, sendo o seu primeiro filme e a sua introdução ao mundo dos sets de filmagem. Ela expressou o quanto ficou desapontada ao descobrir que nem todos os sets eram como aquele, indicando que a experiência inicial estabeleceu um padrão elevado para o resto de sua carreira.
As respostas de Frances McDormand não só destacam as suas experiências únicas em cada filme, mas também oferecem um vislumbre da sua abordagem honesta e reflexiva à sua carreira. Ela valoriza tanto os desafios quanto as peculiaridades de cada papel, o que reflete o seu compromisso com a autenticidade e a paixão pelo seu ofício.
“Taxi Driver” (1976) é um dos filmes mais icónicos de Martin Scorsese e apresenta um dos anti-heróis mais memoráveis da história do cinema: Travis Bickle. Interpretado por Robert De Niro, Bickle é um veterano da Guerra do Vietname que se afunda progressivamente em paranoia e solidão, navegando por uma sociedade que não compreende e que não o compreende. A personagem é perturbadora e magnética, provocando uma mistura de repulsa e fascínio enquanto o público tenta desvendar a sua verdadeira essência.
O que muitos não sabem é que Travis Bickle foi, em grande parte, inspirado pela vida pessoal do próprio roteirista do filme, Paul Schrader. Na época em que Schrader escreveu o roteiro, a sua vida estava num verdadeiro caos. Ele havia sido despedido do American Film Institute, não tinha amigos, estava a passar por um divórcio e tinha sido rejeitado por uma namorada. Este período sombrio culminou num colapso nervoso.
Sem ter onde morar, Schrader instalou-se no apartamento da sua ex-namorada em Los Angeles enquanto ela estava fora da cidade. Isolado numa grande metrópole e vindo de uma região rural dos EUA, Schrader passou semanas sem falar com ninguém, vagueando pelas ruas da cidade, frequentando cinemas e desenvolvendo uma obsessão por arm@s. Naqueles dias solitários, ele trabalhava como entregador de uma rede de frango frito e passava os dias sozinho no seu carro. Foi então que uma ideia surgiu: “Eu poderia muito bem ser motorista de táxi”, refletiu Schrader. Esta ideia tornou-se o ponto de partida para o roteiro de “Taxi Driver”.
Uma Obra Inspirada na Vida Real
Embora o roteiro original de Schrader fosse ambientado em Los Angeles, ele decidiu mudar o cenário para Nova Iorque, onde a cultura dos motoristas de táxi era muito mais proeminente. Este detalhe ajudou a enriquecer a atmosfera do filme, alinhando-se com a vida tumultuosa de Travis Bickle, que se transformou numa versão ficcional da experiência de Schrader, uma vida marcada pela alienação e pelo desespero.
Albert Brooks, que interpretou Tom, um “bom rapaz” no filme, contou uma história curiosa sobre Schrader durante a festa de encerramento do elenco. Segundo Brooks, Schrader aproximou-se dele e disse: “Quero agradecer-te. Esse (personagem) era o único do roteiro que eu não conhecia (da vida real).” Brooks respondeu com humor: “Esse é o cara que você não conhecia? Você conhecia todos os c@fetões e ass@ssinos, mas o cara que se levanta e vai trabalhar todos os dias – ele você não conhecia?”
O Legado de “Taxi Driver”
O sucesso de “Taxi Driver” deve-se, em grande parte, à sua capacidade de explorar a complexidade da mente humana e o impacto da guerra e da solidão na psique. O desempenho de Robert De Niro como Travis Bickle é considerado um dos melhores da sua carreira, capturando a essência de um homem perturbado e alienado que se sente desconectado da sociedade ao seu redor.
O filme continua a ser um estudo fascinante de personagem e um exemplo poderoso de como as experiências pessoais podem moldar uma narrativa cinematográfica. A profundidade emocional e a intensidade de “Taxi Driver” fazem dele uma obra-prima intemporal, que ainda hoje ressoa tanto com críticos como com o público
