Tom Cruise Celebra Amores Perros e o “Sueño Perro”: A Homenagem Surpreendente Que Reacende a Ligaçāo ao Cinema de Iñárritu

O cinema vive de memórias — das que preservamos e das que julgávamos perdidas. Foi precisamente essa ideia que pairou no ar quando Tom Cruise surgiu num vídeo a celebrar o 25.º aniversário de Amores Perros e a nova instalação artística de Alejandro G. Iñárritu, intitulada Sueño Perro. O momento, discreto mas carregado de significado, apanhou muitos de surpresa e reacendeu a discussão sobre o impacto duradouro do filme que, em 2000, mudou para sempre a paisagem do cinema latino-americano.

Uma Homenagem Inesperada, de Um Ícone a Outro

No vídeo partilhado por Iñárritu, e que rapidamente se espalhou pelas redes sociais, Cruise recorda a primeira vez que viu Amores Perros. Fala com entusiasmo, quase com reverência, descrevendo-o como um “clássico absoluto” e confessando que revisitar o filme ainda hoje o deixa profundamente marcado. Não é todos os dias que vemos um dos maiores protagonistas do cinema de acção a prestar tributo a um drama urbano mexicano que se tornou símbolo de uma nova energia cinematográfica.

A homenagem serve também de convite: é o próprio Cruise que impulsiona as atenções para Sueño Perro, a instalação criada a partir de material nunca utilizado durante a montagem original do filme. E para quem o cinema significa mais do que apenas narrativa — para quem vê magia no celuloide, nos pedaços imperfeitos, no que ficou por contar — esta é uma oportunidade rara.

Sueño Perro: A Memória Oculta a Ganhar Corpo

Aberta ao público no espaço cultural LagoAlgo, na Cidade do México, a instalação mergulha o visitante numa experiência sensorial de luz, som e película recuperada. Iñárritu recolheu e restaurou material descartado há 25 anos: imagens cruas, fragmentadas, intensas. É como regressar ao caos controlado que deu origem ao filme — aquela mistura de violência, ternura, desespero e humanidade que fez de Amores Perros um fenómeno global.

Ao recuperar o que antes era apenas “resto de montagem”, Iñárritu transforma esses fragmentos em memória viva. Sueño Perro não é apenas uma exposição: é um reencontro com a alma do filme, um gesto artístico que resgata o passado para reactivá-lo no presente. E Cruise, com a sua homenagem, ajudou a amplificar esse gesto para o mundo inteiro.

Uma Nova Colaboração no Horizonte

O tributo não surge isolado — é também uma ponte para o futuro. Cruise e Iñárritu têm já um novo filme em marcha, uma comédia negra rodada em inglês e com estreia prevista para Outubro de 2026. Ao seu lado, o actor terá Sandra Hüller, John Goodman, Riz Ahmed e um elenco robusto que promete dar corpo a uma história envolta ainda em mistério.

A cinematografia ficará a cargo de Emmanuel Lubezki, colaborador habitual de Iñárritu, o que indica que podemos esperar algo esteticamente arrebatador — e possivelmente tão ousado quanto o próprio Amores Perros.

O Legado que Continua a Mexer com o Cinema

A homenagem de Tom Cruise não é um gesto promocional nem um simples cumprimento de circunstância. É o reconhecimento directo da força de um filme que redefiniu o storytelling no cinema contemporâneo, que pôs o México no mapa com brutalidade, poesia e coragem. É também um lembrete de que o cinema de Iñárritu permanece incontornável — inquieto, visceral, sempre a desafiar o espectador.

Ao celebrar o “Sueño Perro”, Cruise legitima o que muitos já sabiam: Amores Perros não envelheceu. Cresceu, transformou-se, espalhou raízes. E continua a inspirar tanto quem o viu em 2000 como quem o descobre pela primeira vez em 2025.

Se o futuro reserva um novo encontro artístico entre Cruise e Iñárritu, o presente deixa claro que esta relação criativa está mais forte do que nunca — alimentada pela memória, pelo respeito e pela vontade de continuar a fazer cinema que mexe connosco.

Um Clássico de Diane Keaton Regressa — e a Razão Torna Tudo Ainda Mais Emotiva

A máquina de Hollywood não abranda e, desta vez, decidiu olhar para trás — mas com um toque agridoce. Baby Boom, a comédia clássica de 1987 protagonizada por Diane Keaton, vai ganhar uma nova vida. A notícia chega poucas semanas após a morte inesperada da actriz, deixando no ar um misto de nostalgia, homenagem e inevitável saudade.

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Uma Reimaginação Moderna de um Clássico

O novo projecto será realizado por Michael Showalter, nome bem conhecido pelas suas comédias com personalidade (The Big Sick, The Eyes of Tammy Faye). A Amazon MGM Studios descreve esta nova versão como uma “reimaginação moderna” — expressão que tanto pode significar uma actualização do enredo para os dilemas profissionais e familiares de 2025, como uma reinvenção completa da história. Para já, ainda não há elenco, nem argumentista anunciado, algo que deixa espaço para especulação… e para algum nervoso miudinho dos fãs mais conservadores.

Baby Boom é, afinal, um símbolo da época: Diane Keaton interpretava J.C. Wiatt, uma executiva imparável que vê a vida virada do avesso quando herda o bebé da prima. Humor, caos doméstico e críticas (deliciosamente subtis) ao culto da carreira fizeram do filme um sucesso moderado mas duradouro — e um marco no catálogo da actriz.

O Peso da Perda de Diane Keaton

Diane Keaton morreu há apenas seis semanas, vítima de pneumonia, aos 79 anos. O anúncio abalou Hollywood e, sobretudo, os muitos colegas que a admiravam não só como estrela, mas como presença humana generosa.

Nancy Meyers, argumentista de Baby Boom e amiga de Keaton durante quase quatro décadas, prestou uma das homenagens mais sentidas. Falou de cumplicidade, de gargalhadas, de uma ligação artística rara. “Ela era destemida, como ninguém, nasceu para ser estrela. Trabalhar com ela mudou a minha vida”, escreveu.

Meyers e o então marido, Charles Shyer, reencontraram Keaton várias vezes ao longo da carreira — incluindo nas queridas comédias O Pai da Noiva e Something’s Gotta Give, que cimentaram para sempre a imagem da actriz como rainha da comédia romântica inteligente.

Um Legado que Continua a Inspirar

O novo Baby Boom não é o único projecto ressuscitado após a morte da actriz. Também The Family Stone (2005) terá direito a continuação, com o realizador Thomas Bezucha a preparar o regresso daquela família tão disfuncional quanto adorável.

É uma espécie de constatação: Diane Keaton deixou um rasto tão luminoso que Hollywood continua a segui-lo.

E embora remakes gerem sempre discussão — “era preciso?”, “vão estragar?”, “quem poderá substituir Keaton?” — este parece surgir, acima de tudo, como um tributo. Uma forma de manter viva a energia inconfundível de uma actriz que marcou gerações com humor, elegância e um estilo absolutamente único.

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O desafio agora será honrar esse legado. Mostrar que, mesmo com novos rostos e uma nova era, ainda há espaço para histórias sobre o equilíbrio impossível entre carreira e afectos, contadas com charme, ironia e um piscar de olho muito ao estilo Keaton.

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O Filme de Animação Que Vai Dominar o Natal: “David” Chega aos Cinemas com Vozes Portuguesas de Luxo

Fernando Daniel, Áurea e Pedro Gonçalves lideram a versão portuguesa desta aventura épica para toda a família

O Natal de 2025 acaba de ganhar um novo protagonista: “David”, a animação que promete conquistar famílias inteiras quando chegar aos cinemas a 17 de dezembro. Descrito como “a mais bela aventura de animação deste Natal” no comunicado oficial  , o filme apresenta um trio de vozes portuguesas capaz de fazer tremer até gigantes: Fernando Daniel, Áurea e Pedro Gonçalves dão vida às personagens centrais desta história intemporal que atravessa gerações.

Adaptando a famosa narrativa do jovem pastor que enfrenta Golias e se torna rei, o filme leva-nos numa viagem musical repleta de emoção, fé, coragem e imagens deslumbrantes. A versão portuguesa, distribuída pela NOS Audiovisuais, promete não apenas honrar o espírito épico da história original, mas também imprimir-lhe um toque emocional muito próprio, graças ao carisma e talento dos artistas envolvidos.

Uma Aventura Que Inspira — e Agora Fala Português

No filme, Pedro Gonçalves — conhecido do público pela sua participação no The Voice Portugal — empresta a voz ao jovem David, descrito como cheio de energia, sensibilidade e determinação. A interpretação pretende capturar a essência de alguém que ainda está a descobrir o mundo, mas que já carrega nos ombros um destino maior do que a própria vida.

À medida que David cresce, quem assume é Fernando Daniel, que dá voz ao herói adulto, agora guerreiro, poeta e líder. Segundo o comunicado, a sua interpretação traz “profundidade e intensidade” ao papel  , transformando-o numa figura que inspira pela coragem e pela resiliência. A combinação de força emocional e presença vocal do cantor encaixa de forma natural na metamorfose do jovem pastor num dos nomes mais emblemáticos da tradição bíblica.

Mas nenhuma jornada começa sozinha. Áurea completa o trio principal dando voz a Nitzevet, mãe de David — descrita como uma presença “calorosa e resiliente”  . É ela quem molda, com a sua fé silenciosa e as suas canções, o coração do futuro rei. A cantora, conhecida pelo timbre doce e emotivo, parece ser uma escolha óbvia para uma personagem que representa a força tranquila que sustém heróis quando tudo à volta fraqueja.

Música, Emoção e a Magia do Natal

“David” aposta numa narrativa épica, mas transporta-a para um formato acessível a todas as idades, com momentos musicais que procuram atingir tanto o lado espiritual como o lado emocional da história. A promessa é clara: um filme onde nenhum gigante é demasiado grande quando o coração permanece firme — frase que condensa na perfeição o espírito da obra e que sublinha a mensagem universal de esperança que a acompanha  .

A estética visual, descrita como “deslumbrante” no comunicado, pretende envolver o espectador num espetáculo sensorial que combina aventura, fé e emoção em partes iguais. A abordagem musical reforça essa ambição, transformando a história de David não apenas noutra adaptação, mas numa experiência envolvente pensada para emocionar tanto adultos como crianças.

Um Natal Feito de Coragem, Música e História

A estreia marcada para 17 de dezembro coloca “David” no centro da programação natalícia, numa época em que as famílias procuram histórias com coração — e este filme parece ter muito para oferecer. Com um elenco vocal português de grande popularidade e capacidade interpretativa, a animação aproxima-se do público local sem perder a dimensão universal da narrativa original.

Ao mesmo tempo, o filme resgata valores que continuam a ressoar com força no século XXI: a coragem diante do impossível, a procura de um propósito maior, a força das raízes familiares e a certeza de que mesmo o mais improvável dos heróis pode mudar o destino de uma nação.

“David” não é apenas mais uma animação de Natal — é uma promessa de emoção, música e inspiração. E, com Fernando Daniel, Áurea e Pedro Gonçalves a dar voz a esta aventura, tudo indica que estamos perante um dos títulos obrigatórios deste final de ano.

O Filme Que Está a Dividir Críticos: A Estranha Odisseia de Hamnet

Quando Shakespeare Inspira um Drama Fantástico… e Umas Quantas Gripezinhas Criativas

Hamnet chega envolto numa onda de entusiasmo que quase parece maior do que o próprio filme. Depois de conquistar o People’s Choice Award no Festival de Toronto — um prémio que, curiosamente, tem o dom quase místico de irritar sempre os mesmos críticos — o novo trabalho de Chloé Zhao aterra nas salas com a confiança própria de quem já foi proclamado “o melhor filme de sempre” numa citação publicitária tão hiperbolizada que nem o site que a supostamente escreveu parece saber onde ela está. Convenhamos: é um começo… peculiar.

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Adaptado do romance de Maggie O’Farrell, Hamnet reinventa a história por detrás da criação de Hamlet, imaginando um Shakespeare em modo devaneio espiritual, a transformar a morte real do filho de onze anos numa catarse literária. O problema é que, segundo o texto original que inspirou este artigo, esta transformação cinematográfica não só exige um salto de fé, como um salto ornamental completo — daqueles dignos de competição olímpica.

Zhao anuncia desde o primeiro plano que não está interessada no rigor histórico. Jessie Buckley surge enrolada no chão da floresta, vestida de vermelho vivo, quase como uma divindade pagã caída num postal ilustrado de Terrence Malick. A sua Agnes (o nome pelo qual Anne Hathaway, mulher de Shakespeare, é aqui chamada) é apresentada como uma espécie de criatura mística que conversa com aves de rapina, tem poderes telúricos e transforma um parto numa cheia bíblica. Buckley, sempre impecável, tenta dar humanidade a esta figura mitológica, mas nem o seu talento evita que a personagem oscile entre o excêntrico e o involuntariamente cómico.

Depois temos Shakespeare, interpretado por Paul Mescal num registo tão trapalhão e desarticulado que o espectador fica a pensar se a ausência de eloquência será uma piada interna. A decisão artística é ousada, sem dúvida, mas acaba por ser estranha numa narrativa que gira à volta de um dos maiores escritores da História. Mescal — brilhante em Aftersun — vê-se aqui preso a um papel que insiste em transformá-lo num bobalhão melancólico perseguido por ravinas simbólicas que gritam “DESTINO TRÁGICO” com letras gigantes.

Quando chega a morte da criança, Zhao puxa do manual de melodrama com tanta intensidade que qualquer comparação com E.T. passa a parecer elogio moderado. A encenação do sacrifício do pequeno Hamnet, que supostamente “engana” a doença para salvar a irmã, estica o conceito de realismo mágico para lá da elasticidade possível. Buckley entrega uma performance visceral, repleta de gritos, lágrimas e toda a carga emocional possível, mas o filme parece mais interessado em provocar soluços do que em explorar a dor com subtileza.

O luto dá depois lugar ao ressentimento: Agnes transforma Shakespeare no saco de pancada emocional da casa, acusando-o de estar ausente em Londres, ocupado a escrever algumas das maiores obras da literatura, enquanto devia… assistir à tragédia em directo. A tensão culmina numa cena no Globe Theatre que desafia qualquer lógica histórica e que apresenta Agnes como alguém que, ao ver uma peça pela primeira vez, encontra redenção espiritual no exacto momento em que o argumento o exige.

O texto fornecido afirma ainda que Hamnet adopta uma visão quase simplista do processo criativo, atribuindo a génese de Hamlet a um momento de dor tão imediato que ignora completamente o trabalho, reescrita e complexidade inerentes à criação artística. Shakespeare, tal como aqui apresentado, praticamente tropeça no famoso “Ser ou não ser” entre um abismo e outro, como se as palavras lhe caíssem do céu. É um retrato algo redutor, por mais poético que Zhao o tente tornar.

Também há ecos de Nomadland, com os mesmos enquadramentos poético-rústicos ao pôr-do-sol e um uso intensivo da música de Max Richter — incluindo “On the Nature of Daylight”, peça recorrente em tantas produções que já rivaliza com “Carmina Burana” na categoria “banda sonora incontornável, mas desgastada”.

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No fim, Hamnet pode ser visto como uma tentativa ambiciosa de transformar Shakespeare em mito e dor em fantasia. Mas, segundo a crítica que esteve na base deste texto, é uma obra que procura lágrimas antes de procurar verdade, preferindo adornar a emoção em vez de a explorar. O resultado é um filme que divide, que provoca reacções fortes — nem sempre pelas razões pretendidas — e que deixa no ar uma pergunta: será este épico emocional um poema visual ou apenas um truque dramático à procura de prémios?

Glen Powell Está de Volta — e Agora Quer Chocar Hollywood com a Comédia Teen Mais Descarada do Ano

Glen Powell está imparável. Depois de se ter tornado o novo menino-prodígio de Hollywood graças a sucessos como The Running Man e Chad Powers, o ator norte-americano continua a expandir território — agora como produtor — e prepara uma comédia adolescente que promete dar muito que falar. O título? The Fuckboat. Sim, leu bem. E não, não é sequer metáfora.

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O filme, concebido como uma comédia “R-rated” no espírito de Risky Business e Easy A, está a ser desenvolvido para a Paramount e tem todos os ingredientes para se tornar num daqueles fenómenos irreverentes que Hollywood tenta disfarçar mas, no fundo, adora. Os detalhes da história estão guardados a sete chaves, o que só aumenta a curiosidade em torno do projeto. Sabe-se, contudo, que o argumento foi escrito por Caroline Glenn e Sean Doherty, que assinam aqui a sua primeira colaboração oficial enquanto dupla criativa.

O guião de The Fuckboat gerou uma autêntica corrida entre produtores, acabando por aterrar na recém-criada Barnstorm, a produtora fundada por Powell e Dan Cohen no início do ano. A Paramount entrou em cena pouco depois, garantindo os direitos após o argumento ser finalizado e enviado para vários estúdios. Um daqueles movimentos de bastidores que revelam uma verdade simples: Hollywood ainda vibra com boas ideias atrevidas — especialmente quando trazem Glen Powell na ficha técnica.

Mesmo sem sinopse revelada, o entusiasmo é palpável. A Barnstorm, que está sob um acordo first-look com a Universal, está já a desenvolver projetos com nomes como Judd Apatow, Barry Jenkins e Ron Howard. Não é um mau começo para uma produtora que mal fez um ano de vida e que tem em The Fuckboat uma das suas primeiras grandes apostas.

Caroline Glenn, que lançará o seu romance de estreia Cruelty Free em 2026, junta-se à produção executiva, enquanto Doherty — atualmente produtor sénior na Team Coco, de Conan O’Brien — traz a sua experiência no humor televisivo para o projeto. Uma dupla jovem, trocada muito cedo pelo mundo académico por ideias que pedem ecrã grande. Powell e Cohen assumem a produção principal, com Ryan Schwartz e Jacquelina Rosso a completar a equipa da Barnstorm.

Ainda é cedo para saber até onde The Fuckboat irá levar o atrevimento — ou que tipo de tempestade cómica este “barco” vai realmente causar. Mas quando um título deste género se junta à energia criativa de Glen Powell, a probabilidade de turbulência é alta. A boa, claro. Daquela que enche salas e faz manchetes.

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Hollywood pode fingir que se surpreende, mas a verdade é que ninguém resiste a uma comédia adolescente descarada, criativa e com ambição de culto. Powell sabe isso melhor do que ninguém — e parece mais do que preparado para navegar águas agitada.

“Zootrópolis 2”: Uma Continuação Que Cumpre o Mínimo… e Pouco Mais

Há dias assim: acordamos, respiramos fundo e percebemos que estreou mais uma comédia de animação sobre animais falantes que resolvem problemas em cenários digitais impecáveis. Zootrópolis 2 — ou Zootopia 2, como é conhecido nos Estados Unidos — encaixa exactamente neste molde. Não é um filme produzido por inteligência artificial, mas não seria difícil acreditar no contrário.

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O original de 2016 conquistou o público com uma proposta fresca: uma cidade onde predadores e presas convivem numa utopia altamente funcional, recheada de humor, metáforas sociais e um duo improvável de protagonistas. Desta vez, porém, a sequela parece seguir uma cartilha corporativa tão rígida que as suas piadas soam pré-aprovadas por comité e a sua estrutura avança com o automático ligado.

Regressamos a Zootrópolis, esse mundo tecnicolor onde coelhos, ursos, antílopes, preguiças e leões vivem side by side — e onde, claro, Alan Tudyk aparece mais uma vez em modo cameo vocal, como se fosse uma tradição contratual. Judy Hopps, a coelha persistente e idealista, continua a patrulhar a cidade; Nick Wilde, a raposa streetwise promovida a agente da autoridade, mantém o charme cínico mas domesticado. A dupla continua funcional, simpática, eficaz. Mas muito pouco além disso.

A nova aventura começa com um crime improvável: um réptil — o único grupo animal que a cidade continua a rejeitar de forma óbvia — é acusado de roubar um diário pertencente à família aristocrática dos linces fundadores de Zootrópolis. O caderno esconde segredos sobre as “paredes meteorológicas”, as estruturas que permitem coexistirem dentro da mesma cidade múltiplos climas e biomas. A investigação rapidamente os leva a uma conspiração que, como sempre, atinge o topo da pirâmide social. Nada de novo, nada inesperado, nada particularmente ousado.

Há piadas, claro. Algumas até funcionam. Mas têm aquela precisão tão mecânica — quase estéril — que parece resultante de fórmulas testadas à exaustão em focus groups. O filme é limpinho, seguro, funcional. Mas falta-lhe alma. A sensação dominante é a de estarmos perante um “produto” que cumpre tabela, em vez de uma sequela com identidade própria.

Zootrópolis 2 é, no fundo, um filme ideal para entreter crianças num voo longo ou numa viagem de carro. E isto não é uma crítica — há valor em obras que cumprem essa função. Mas, ao contrário do primeiro capítulo, que surpreendia pelo humor inteligente e pela ambição temática, esta continuação avança sem riscos e sem entusiasmo, como se fosse apenas mais uma entrada encomendadíssima num catálogo de streaming.

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Disney já fez melhor. E os espectadores também já viram melhor. Talvez a terceira parte — se vier aí um Z3 — tenha a coragem de regressar às raízes mais sombrias, satíricas e criativamente desafiantes do original. Por agora, ficamos com este capítulo ameno, competente, mas quase indistinguível de uma criação algorítmica.

Sadie Sink Finalmente Responde aos Rumores Sobre Spider-Man 4 — Mas o Mistério Continua

Desde que Sadie Sink foi anunciada como parte do elenco de Spider-Man: Brand New Day, a internet entregou-se a uma verdadeira maratona de teorias. A actriz de Stranger Things, que se prepara para entrar oficialmente no Universo Cinematográfico da Marvel ao lado de Tom Holland, tornou-se numa das peças mais discutidas do enorme puzzle que é a Fase 6 da Marvel. E até agora, ninguém parece saber realmente quem ela vai interpretar.

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Em conversa recente sobre o assunto, Sink confessou que os boatos começaram muito antes de ela sequer ter assinado contrato para o novo filme do Homem-Aranha. “Isso já andava a acontecer antes de eu saber que iria trabalhar neste projecto”, disse, visivelmente surpreendida. “Eu pensava: ‘O que é que as pessoas estão a dizer?’”

Entre as teorias mais persistentes está a possibilidade de Sink interpretar Jean Grey — ideia que, segundo a própria, não tem qualquer fundamento e surgiu completamente fora de contexto. Outro rumor muito discutido é o de que Sink possa ser Rachel Cole-Alves, uma aliada do Justiceiro. Quando questionada sobre esse cenário, Sink respondeu com humor e pragmatismo: “As pessoas esquecem-se de que a cor do cabelo pode mudar. Mas percebo todas as teorias.”

A actriz não se compromete com nenhuma das hipóteses e deixou claro que prefere manter o público em suspense: “As pessoas vão ter de esperar para ver. Estou entusiasmada para que tudo isso possa, talvez, ser esclarecido.”

As filmagens de Spider-Man: Brand New Day decorrem há meses, e há quem defenda que Sadie Sink pode ser, afinal, a nova Gwen Stacy do MCU — algo que, mais uma vez, nem a Sony nem a Marvel confirmam. A história do filme também permanece firmemente trancada a sete chaves. Sabe-se apenas que será o último capítulo do MCU antes de Avengers: Doomsday e Avengers: Secret Wars, um detalhe que por si só basta para aumentar a pressão e o secretismo.

Outra questão importante continua em aberto: será que Tom Holland regressará também para os próximos filmes dos Vingadores? Oficialmente, nada foi decidido — ou, pelo menos, nada foi anunciado. A única certeza é que Spider-Man: Brand New Day tem estreia marcada para 31 de Julho de 2026, e até lá o mistério em torno da personagem de Sadie Sink só deverá crescer.

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Por agora, todos os cenários continuam em cima da mesa. E Sink, discreta mas divertida, parece estar a apreciar cada minuto de especulação.

O Maior Mistério dos Filmes Knives Out? Talvez Seja Mesmo Benoit Blanc

Ao longo de três filmes, Rian Johnson tem construído um dos detectives mais fascinantes do cinema moderno — não apenas pelos casos que resolve, mas pelo enigma que ele próprio representa. Benoit Blanc, interpretado por Daniel Craig com um sotaque sulista tão exagerado quanto deliciosamente calculado, tornou-se o elemento mais intrigante de Knives Out. E o que Johnson revela sobre ele… revela, precisamente, pouco.

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Desde Knives Out (2019), passando por Glass Onion e chegando agora a Wake Up Dead Man: A Knives Out Mystery, que estreia nos cinemas esta quarta-feira antes de aterrar na Netflix a 12 de Dezembro, a construção de Blanc tem sido feita com parcimónia e humor. Sabemos que vive com Hugh Grant (ou pelo menos presume-se fortemente). Que detesta o jogo Clue. Que tem um gosto surpreendentemente sólido por teatro musical. E que, ao longo da vida, resolveu casos que envolvem um campeão de ténis, uma bailarina e até um crime insólito no Kentucky Derby.

Johnson e Craig preferem mostrar Benoit Blanc por fragmentos, como um velho manuscrito policial do qual só se lêem as páginas que o detective escolhe partilhar. Isso obriga o público a imaginá-lo. E talvez essa seja a magia.

“A primeira descrição que escrevi dizia apenas ‘um leve toque de sotaque sulista’”, recorda Johnson. Mas Craig, inspirado em Tennessee Williams e no escritor Shelby Foote, decidiu transformar esse “leve toque” num verdadeiro Foghorn Leghorn vindo directamente de Looney Tunes. Em Glass Onion, o sotaque ficou ainda mais carregado — algo que, descobrimos mais tarde, fazia parte de um dos truques narrativos do filme.

Para Craig, a única regra é esta: nunca cair no ridículo. “Se um dia se tornar pastiche, acabou”, diz o actor. Para evitar isso, segue a filosofia de Gene Wilder: “Se fores verdadeiro na cena, a comédia acontece naturalmente.”

Curiosamente, Craig quase não interpretou Benoit Blanc. Quando Johnson escreveu Knives Out, o actor estava comprometido com No Time to Die. Só uma mudança inesperada no calendário de Bond lhe abriu uma janela de oportunidade. Craig leu o argumento, ficou perplexo por o terem enviado para si — e aceitou de imediato. “Li aquilo e visualizei tudo”, diz, com um entusiasmo que parece intacto cinco anos depois.

O novo filme, Wake Up Dead Man, leva Benoit Blanc até uma pequena paróquia onde um monsenhor — interpretado por Josh Brolin — cai morto a meio de uma missa. O tom é mais sério, as questões existenciais mais vincadas, mas o espírito continua igual: um detective a caminhar entre pecadores, segredos e excentricidades humanas, enquanto cita frases que só podem existir no universo de Rian Johnson: “Sou um orgulhoso herege. O meu altar é o da razão”.

Mas se há algo que distingue Blanc dos detectives clássicos é a irreverência. Muitas das suas melhores exclamações — desde o já lendário “Halle Berry!” ao inesperado “Scooby Dooby Doo!” — foram improvisos de Craig. Johnson, longe de se irritar, aproveita cada pérola. “As melhores falas são dele”, admite.

As comparações com Hercule Poirot são inevitáveis — e bem-vindas. Tal como Poirot, Blanc aparece, desvenda tudo, e desaparece novamente para uma vida privada que permanece praticamente invisível. Johnson defende que assim deve ser: detectives não precisam de histórias trágicas nem de explicações psicológicas — precisam de acção, inteligência e presença.

Agora, com três filmes e planos activos para um quarto, há um detalhe curioso: para muitos jovens cinéfilos, Daniel Craig já não é apenas Bond. É Benoit Blanc. Um homem de fatos impecáveis, frases elaboradas e um charme deslocado no tempo, mas absolutamente irresistível.

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Talvez seja este o maior mistério de Knives Out: descobrir quanto de Benoit Blanc ainda vamos conhecer — e quanto Johnson continuará a esconder.

Porque, como tudo nos filmes de Rian Johnson, a resposta está sempre algures… mas nunca onde esperamos.

Nicole Kidman Quebra o Silêncio Após Separação de Keith Urban — e Faz Revelações ao Lado de Ariana Grande

Nicole Kidman voltou a pronunciar-se, de forma rara e cautelosa, sobre como tem vivido a separação de Keith Urban, após quase duas décadas de casamento. A actriz, actualmente com 58 anos, abriu uma pequena janela para o seu estado emocional durante uma conversa com Ariana Grande para a Interview Magazine. Quando a cantora lhe perguntou como estava, Kidman respondeu com honestidade desarmante: “Estou a aguentar-me.”

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A entrevista foi publicada a 24 de Novembro, mas decorreu a 19 de Outubro — poucas semanas depois de Kidman ter dado entrada no pedido oficial de divórcio, apresentado a 30 de Setembro. Foi o ponto final num casamento que começou em 2006 e que, até à ruptura confirmada, parecia ser um dos mais sólidos de Hollywood.

Apesar da reserva, Kidman permitiu-se algum entusiasmo ao falar sobre Practical Magic 2, a sequela filmada este verão em Londres, na qual partilha o protagonismo com Sandra Bullock, Maisie Williams e Joey King. “Tenho uma relação muito forte com todas aquelas mulheres, por isso senti-me protegida e amada. Foi tudo muito seguro.” Foi uma das raras passagens em que a actriz deixou transparecer conforto e pertença — duas sensações que, admitiu, nem sempre acompanharam o início da sua carreira.

Tanto Kidman como Grande conversaram também sobre o impacto de se tornarem figuras públicas em idades muito jovens. Ariana recordou o período turbulento em que a sua carreira pop explodiu: um momento de conquista, sim, mas também de desorientação. Kidman compreendeu perfeitamente. Ao recordar a fama repentina trazida por Days of Thunder, o filme de 1990 onde contracenou com Tom Cruise, a actriz confessou que a exposição extrema pode ser sufocante. “De repente, tudo é dissecado. Começas a pensar demais, ficas assustada, depois magoada, e subitamente não queres sair, não queres enfrentar o mundo.” Uma observação feita com serenidade, mas que transmite uma vulnerabilidade que ainda hoje parece acompanhar-a.

No capítulo pessoal, a separação de Keith Urban continua a ser tema sensível. O antigo casal partilha duas filhas, Sunday (17) e Faith (14). Kidman pediu para ser nomeada “progenitora residencial principal” e sugeriu um plano em que as adolescentes passariam a maior parte do ano consigo. Urban, por seu lado, tem mantido discrição, embora fontes próximas do casal garantam que a separação não foi uma surpresa para nenhum dos dois. Segundo um desses relatos, foi um processo longo, silencioso e gradual, mais próximo de uma aceitação inevitável do que de um choque repentino.

O que se percebe agora, nas palavras medidas de Nicole Kidman, é que a actriz está a atravessar uma fase de reajuste — delicada, sim, mas não devastadora. Há uma força tranquila na forma como admite que está “a aguentar-se”, combinada com a alegria genuína que sente no trabalho e no reencontro com colegas que lhe oferecem segurança e afeto.

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E talvez seja esse o retrato mais honesto da Nicole Kidman de 2025: uma mulher que fecha um capítulo, abre outro e segue em frente, com a mesma graça com que sempre caminhou no centro — e às vezes nas margens — da fama.

Scarlett Johansson Vai Liderar o Novo “O Exorcista” de Mike Flanagan — e Promete Assustar Mesmo

Scarlett Johansson está oficialmente confirmada como protagonista do novo filme de The Exorcist, realizado por Mike Flanagan — um dos nomes mais respeitados do terror moderno, responsável por The Haunting of Hill House, Doctor Sleep e Midnight Mass. A produção junta Blumhouse, Atomic Monster (de James Wan) e Morgan Creek Entertainment, com distribuição da Universal, num projeto que já é descrito como uma abordagem “radical” ao clássico de William Peter Blatty.

Este novo The Exorcist não será uma sequela de The Exorcist: Believer, lançado em 2023 e mal recebido pelos fãs, nem um prolongamento direto da história de Chris ou Regan MacNeil. A promessa é clara: uma história totalmente original, ambientada no mesmo universo conceptual do romance e do filme de 1973, mas sem depender de nostalgia ou repetição.

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Ainda não se sabe que papel Johansson irá interpretar, mas uma coisa é certa: não a veremos a fazer de Regan, Chris… ou — embora fosse fascinante — Pazuzu. O filme parte de uma folha em branco, e isso parece entusiasmar Flanagan, que tem repetidamente defendido que só vale a pena reinventar um colosso destes se houver algo novo, relevante e assustador a acrescentar.

O realizador não tem escondido a ambição do projecto. Numa entrevista recente, admitiu que quer criar “o filme mais assustador” da sua carreira — o que, conhecendo o autor de Gerald’s Game, não é frase dita de ânimo leve. Flanagan explicou ainda que lutou activamente para ficar com este projecto: “Acreditei que tinha algo para acrescentar. Isto é uma oportunidade para fazer algo que nunca foi feito dentro da franquia.”

Quanto a Scarlett Johansson, Flanagan não poupou elogios ao anunciar a sua entrada no elenco. Para o realizador, a actriz tem uma capacidade ímpar de manter os pés assentes na realidade mesmo nos papéis mais fantásticos, o que é precisamente o tipo de presença que pretende para esta nova perspectiva sobre o exorcismo. Embora associada sobretudo ao cinema de acção e drama, Johansson não é estranha ao terror — basta recordar Eight Legged Freaks ou a marcante Under the Skin, onde interpretou uma das personagens mais misteriosas e inquietantes da última década.

A combinação entre a sensibilidade narrativa de Flanagan e a intensidade interpretativa de Johansson já está a gerar fortes expectativas entre os fãs do género. Para um universo tão venerado como The Exorcist, a margem de erro é mínima, mas o clima à volta desta produção tem sido de confiança: nada de refazer o passado, nada de tributos preguiçosos — apenas uma nova história, com personalidade própria, pronta a desafiar o público e a testar até onde se pode levar o terror psicológico em 2026.

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A estreia está marcada para 13 de Março de 2026. Até lá, é esperar para ver se Flanagan cumpre a promessa de entregar não só uma nova visão sobre o clássico, mas aquele que poderá ser — nas palavras dele — o filme mais aterrador que alguma vez fez.

Zack Snyder Partilha Nova Foto de Ben Affleck como Batman — e os Fãs Sentem o Terramoto a Aproximar-se

Zack Snyder voltou a acender o rastilho. Depois de vários dias a publicar imagens do seu elenco da era DCEU, o realizador partilhou agora uma nova fotografia de Ben Affleck como Batman — uma imagem sombria, elegante e perfeitamente sintonizada com o estilo que definiu o chamado SnyderVerse. Na legenda, Snyder escreveu apenas: “Uma das minhas fotos favoritas do Batman, tirada pelo meu amigo Clay Enos.”

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É precisamente Enos, fotógrafo de confiança do realizador, quem assina alguns dos registos mais icónicos de Batman v Superman e Justice League. E esta nova imagem de Affleck, em grande plano, com o cowl a traçar sombras tão escuras quanto o seu Cavaleiro das Trevas, parece tudo menos uma publicação inocente.

Nos últimos meses, Snyder tem divulgado fotografias de Henry Cavill, Jason Momoa, Amber Heard, Joe Manganiello e até Jared Leto — todos actores associados directamente à sua visão da DC. Não são imagens aleatórias, retiradas ao acaso de um disco rígido antigo: são publicações coordenadas, quase cirúrgicas, lançadas num momento em que a indústria discute abertamente o futuro da DC e o destino da Warner Bros. Discovery.

O momento não podia ser mais oportuno. Entre rumores de que investidores sauditas estão dispostos a financiar um renascimento do SnyderVerse sob a alçada da Paramount ou da Comcast, a confirmação de que James Gunn ajustou profundamente o seu plano inicial para o novo DCU, e as inúmeras publicações de Snyder a demonstrar apoio a mensagens sobre o regresso do seu universo, cada novo “tease” ganha um peso inesperado.

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E agora, novamente, o foco recai sobre Ben Affleck — talvez a peça mais simbólica de toda esta equação. O actor, cuja interpretação de Batman continua a ser das mais debatidas da história recente do género, tem sido apontado como uma possível presença num eventual retorno da narrativa de Snyder. Não há confirmações, mas há sinais. E para os fãs, sinais são quase sinónimos de promessas.

Nos bastidores, as conversas são cada vez mais insistentes: Henry Cavill estará de volta; Gal Gadot e Jason Momoa também; Ray Fisher, diz-se, regressaria sem hesitar. Ezra Miller parece ser a única baixa definitiva. E Affleck? Continua a pairar naquele limbo onde todos os actores ficam quando a indústria se recusa a admitir negociações. O facto de ter sido visto recentemente em Las Vegas, num evento da F1 que o próprio perfil oficial associou a um “momento Batman”, não ajudou a acalmar as águas.

O que Snyder está a preparar permanece um mistério — mas não é um mistério silencioso. É um daqueles que se anuncia, que se insinua, que se deixa fotografar pela sombra. E numa altura em que o mercado de entretenimento vive uma das maiores reestruturações da última década, a hipótese de um renascer do SnyderVerse já deixou de ser um delírio de fãs para se tornar, pelo menos, numa possibilidade estratégica.

Por agora, resta observar. E Snyder sabe exactamente como manter os olhos do público onde quer: numa fotografia cuidadosamente publicada, acompanhada por uma legenda curta e um silêncio que diz tudo.

A Ascensão, a Ruína e o Presente de Kevin Spacey: Quanto Vale Agora o Actor e Onde Vive Realmente

Depois de dominar Hollywood durante décadas, Kevin Spacey enfrenta hoje uma realidade financeira drasticamente diferente — e esclarece os rumores sobre estar “sem-abrigo”.

Kevin Spacey foi, durante quase quarenta anos, uma das figuras mais influentes do cinema e da televisão norte-americana. Venceu dois Óscares, acumulou Globos de Ouro e deixou interpretações marcantes em filmes como American Beauty, Se7en e L.A. Confidential. Mais tarde, transformou House of Cards num fenómeno global e num dos pilares da era dourada do streaming. O seu nome definia prestígio, prémios e confiança artística.

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Mas a partir de 2017, tudo mudou. As acusações de abuso sexual — que o actor continua a negar — interromperam carreiras, anularam contratos e desencadearam uma avalanche de processos judiciais. De estrela incontornável, Spacey tornou-se persona non grata em Hollywood. E a repercussão financeira não tardou.

Movido por anos de despesas legais, projectos cancelados e ausência de grandes trabalhos, o actor viu o seu património encolher de forma dramática. Em 2025, uma entrevista sugeriu que Spacey estaria sem-abrigo, o que lançou um rastilho mediático imediato. Dias depois, o actor publicou um vídeo a clarificar que não vive nas ruas, embora admita não ter residência fixa.

Onde está Kevin Spacey agora?

A vida do actor tornou-se itinerante. Em 2025, passou vários meses em Telavive, onde apresentou Songs & Stories, um espectáculo a solo que mistura música, leituras e memórias teatrais. Tem circulado entre a Europa e os Estados Unidos, aceitando oportunidades mais pequenas em palco — frequentemente fora do circuito tradicional — enquanto tenta reconstruir parte da carreira.

Hoje, Spacey vive entre hotéis, apartamentos temporários e plataformas de arrendamento de curta duração. Não tem casa própria, mas insiste que não deve ser considerado “sem-abrigo no sentido comum da palavra”. A ausência de uma morada fixa resulta de circunstâncias financeiras e profissionais, e não de situações de rua. “Vou para onde há trabalho”, sublinhou. “Mas não vivo na rua.”

A verdade sobre a fortuna actual de Kevin Spacey

O património do actor é uma das partes mais afectadas desta nova fase da sua vida. No auge, Spacey acumulava grandes salários de cinema, acordos de produção, receitas de House of Cards e projectos no teatro. Hoje, a estimativa é radicalmente diferente.

Segundo o site Celebrity Net Worth, em 2025 a fortuna de Kevin Spacey é avaliada em 100 mil dólares — um valor quase simbólico para alguém que foi, durante décadas, uma presença permanente nos círculos de elite de Hollywood. Antes desta actualização, o mesmo site chegou a listá-lo com um património negativo de dois milhões de dólares, reflectindo o peso das despesas judiciais, indemnizações, perdas de contratos e anos de inactividade forçada.

O actor, que sempre negou as acusações que motivaram o colapso da sua carreira, enfrenta ainda várias limitações profissionais. O seu nome tornou-se tóxico para estúdios, plataformas e financiadores, reduzindo drasticamente a sua capacidade de gerar novos rendimentos.

De onde veio a riqueza que perdeu?

A fortuna de Kevin Spacey foi construída ao longo de décadas através de papéis icónicos em cinema, televisão e teatro. Recebeu salários milionários por American Beauty, Se7en, L.A. Confidential e vários projectos de prestígio. Em House of Cards, onde além de protagonista foi também produtor, tornou-se um dos actores mais bem pagos da televisão. Adicionalmente, realizou, produziu e participou em campanhas publicitárias e negócios próprios.

Mas a abrupta interrupção da carreira, somada aos custos legais acumulados em processos prolongados, apagou quase por completo esse capítulo financeiro.

O presente e o futuro incerto de Kevin Spacey

Apesar do cenário adverso, Spacey tenta manter uma presença artística através de espectáculos ao vivo e pequenos projectos internacionais. A itinerância constante reflecte tanto a falta de estabilidade financeira como a ausência de uma estrutura tradicional de trabalho. Embora longe do estrelato que moldou, o actor procura reinventar-se, ainda que o caminho de regresso a Hollywood pareça improvável.

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Entre a recuperação da reputação, os desafios legais e a reinvenção artística, Kevin Spacey vive hoje numa espécie de limbo — visível o suficiente para continuar a ser notícia, mas distante do poder e da influência que outrora exerceu.

Hugh Jackman Dá Atualização Promissora Sobre o Futuro de Wolverine no Cinema

O actor volta a alimentar a esperança dos fãs e deixa a porta escancarada para mais aventuras com as garras de adamantio.

Hugh Jackman está novamente a incendiar as expectativas dos fãs do universo Marvel. Depois do regresso triunfal em Deadpool & Wolverine (2024), o actor voltou a pronunciar-se sobre a possibilidade de retomar o papel que interpretou ao longo de 17 anos — e as suas palavras foram suficientemente ambíguas para reabrir todas as teorias da comunidade MCU.

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Questionado no The Graham Norton Show sobre a possibilidade de voltar a vestir o fato de Wolverine, Jackman começou com um simples “Talvez”, mas rapidamente reforçou a ideia com algo ainda mais sugestivo: “Nunca mais digo ‘nunca’.” Para quem o viu despedir-se definitivamente em Logan (2017), onde a personagem morreu num dos finais mais aclamados da história dos filmes de super-heróis, estas palavras são tudo menos neutras.

O actor explicou que a promessa de abandono foi real, durante vários anos, mas admitiu que o seu estado de espírito mudou quando surgiu a oportunidade de se juntar a Ryan Reynolds num crossover há muito desejado pelos fãs. “Eu disse que estava acabado, e acreditava nisso. Mas um dia, enquanto conduzia, tive aquela sensação súbita de que queria mesmo fazer este filme com o Ryan”, recordou, reafirmando o impulso quase instintivo que o fez regressar da “reforma”.

Sempre bem-humorado, Jackman brincou também com o facto de a tecnologia actual permitir que os estúdios recriem actores sem que estes estejam fisicamente presentes: “Já têm material suficiente… Podia estar no camarim neste momento, e eles faziam o resto.” A referência à inteligência artificial reflete uma preocupação crescente na indústria — mas, no caso de Jackman, foi também uma forma de esclarecer que não está fechado a novas interpretações.

A parceria entre Deadpool e Wolverine, agora celebrada no MCU, foi um sonho antigo tanto para Jackman como para Reynolds. Durante anos, os dois discutiram informalmente a possibilidade de juntar as personagens, mas só a fusão entre a Disney e a Fox permitiu que a união se tornasse realidade dentro do universo oficial da Marvel. “Sonhei com isto desde que me lembro”, disse Reynolds à Entertainment Weekly.

Naturalmente, as especulações sobre o futuro começam a multiplicar-se. Parte do fandom acredita que Wolverine poderá surgir em Avengers: Doomsday ou noutras fases de transição do MCU, agora mais aberto a universos paralelos e reinterpretações icónicas. A Marvel, porém, mantém silêncio absoluto sobre qualquer plano envolvendo Jackman.

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Por enquanto, o actor apenas confirma o essencial: não garante que volte, mas também já não promete que saia. E, no mundo de Wolverine, esse espaço intermédio é mais do que suficiente para reacender a esperança dos fãs — afinal, a lenda das garras nunca fica adormecida por muito tempo.

Donald Trump Quer Reboot de Franchise Aposada — e Já Pressiona Hollywood Para o Fazer

O antigo actor/ figura televisiva e actual presidente dos EUA está a aproveitar a sua ligação a um dos homens mais ricos do mundo para tentar ressuscitar uma das suas sagas de acção favoritas.

Aos 79 anos, Donald Trump continua a manter uma relação curiosa — e muitas vezes inesperada — com o mundo do entretenimento. Agora, segundo o site Semafor, o presidente terá pedido directamente ao bilionário Larry Ellison que a sua companhia cinematográfica avance com o ressurgimento da saga Rush Hour, protagonizada por Jackie Chan e Chris Tucker.

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A amizade entre Trump e Ellison, fundador da Oracle e actualmente o terceiro homem mais rico do mundo, é conhecida. Ellison tem sido um dos maiores financiadores das campanhas de Trump e, através do filho David, gere o novo grupo responsável pelos grandes activos da Paramount — que está prestes a assumir o catálogo e a produção da Warner Bros.

É precisamente nessa nova conjuntura que, de acordo com fontes citadas pelo Semafor, Trump terá “pressionado pessoalmente” Ellison para trazer de volta Rush Hour, a trilogia de acção policial que marcou o final dos anos 90 e início dos 2000.

Porquê Rush Hour? E porquê agora?

O primeiro filme da saga estreou em 1998 e arrecadou mais de 245 milhões de dólares a nível global, seguido por duas sequelas em 2001 e 2007. Desde então, várias tentativas de reboot foram consideradas — mas todas emperraram devido a um nome: Brett Ratner, realizador original, afastado pela Warner em 2017 após várias acusações de má conduta sexual, incluindo por parte do actor Elliot Page.

Ratner nega todas as acusações, mas o seu nome tornou-se tóxico em Hollywood. Vários estúdios recusaram avançar com um novo Rush Hour enquanto ele estivesse ligado ao projecto.

Mas, segundo a reportagem, a Paramount pode não ter essa preocupação. Ratner tem demonstrado proximidade ideológica com Trump e está a preparar um documentário de 40 milhões de dólares sobre Melania Trump, com estreia marcada para Janeiro na Amazon.

Ou seja: há um alinhamento político que pode tornar viável um projecto que outros estúdios preferiram evitar.

O elenco voltaria? Jackie Chan foi diplomático; Chris Tucker é outra história

Jackie Chan, hoje com 71 anos, falou sobre Trump em 2016 de forma cautelosa, dizendo que se devia “dar-lhe uma oportunidade para tentar mudar a América”. Nada indica, porém, que esteja confirmado para qualquer reboot.

Mais complicado é o regresso de Chris Tucker, que tem ligações públicas a figuras do Partido Democrata, incluindo Barack Obama e Bill Clinton. Em 2024 chegou mesmo a ser fotografado num comício de Kamala Harris, segurando um cartaz de apoio à então candidata presidencial. É possível que isso complique as coisas num eventual projecto patrocinado ou incentivado por Trump.

Trump tem um historial peculiar de filmes favoritos

O interesse presidencial por Rush Hour não é totalmente inesperado. Trump já citou vários clássicos — e alguns filmes mais duvidosos — como favoritos pessoais. Entre eles:

  • Bloodsport (1988), com Jean-Claude Van Damme — a que chamou “um filme fantástico e incrível”
  • Goodfellas
  • Gone With the Wind
  • Citizen Kane
  • The Godfather
  • The Good, The Bad and the Ugly

Curiosamente, Trump também tem uma ligação directa ao cinema: recebeu a sua estrela no Hollywood Walk of Fame em 2007 pelo trabalho em The Apprentice, muito antes de imaginar que ocuparia a Sala Oval.

A Paramount e a Casa Branca foram questionadas — mas permanecem em silêncio

Nem a Paramount, nem a Casa Branca comentaram ainda estas notícias. Mas, com a reorganização dos grandes estúdios de Hollywood e o crescente peso dos investidores privados (como Ellison), não seria surpreendente ver um reboot avançar — nem que fosse pelo valor simbólico e mediático.

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Se haverá novo Rush Hour? Ainda é cedo para saber.

Que Trump está a tentar fazê-lo acontecer? Isso, ao que tudo indica, já ninguém duvida.

Sydney Sweeney Fala Sobre “Ter de Aguentar Tudo” — e o Que a Nova Biopic Christy Revela Sobre as Pressões Sobre as Mulheres

A actriz interpreta a lendária pugilista Christy Martin e reflecte sobre a dificuldade de pedir ajuda, o machismo na indústria e a história brutal mas inspiradora da atleta.

Sydney Sweeney está de volta ao grande ecrã com “Christy”, o novo filme biográfico realizado por David Michôd, que se centra na vida complexa e muitas vezes trágica de Christy Martin, uma das primeiras mulheres a conquistar fama mundial no boxe profissional. Mas, para Sweeney, a experiência trouxe mais do que um papel desafiante: trouxe também um espelho das próprias pressões que sente enquanto mulher na indústria.

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Em entrevista à Sky News, a actriz admite que tem enorme dificuldade em pedir ajuda — algo que reconheceu imediatamente na personagem.

“Tenho muita dificuldade em pedir ajuda. As minhas amigas dizem-me constantemente: ‘Sydney, podes pedir. Não há mal nenhum.’ Mas custa-me mesmo.”

Sweeney explica que esta resistência é alimentada por expectativas profundamente enraizadas:

“Especialmente sendo mulher, há tantas expectativas para termos tudo sob controlo. Se pedimos ajuda, é visto como fraqueza. Quando um homem pede ajuda, ninguém questiona. Mas se uma realizadora pedir ajuda, dizem logo que não está preparada.”

Uma luta real dentro e fora do ringue

O realizador David Michôd, que escreveu o argumento juntamente com a esposa Mirrah Foulkes, confirma que essa pressão é algo que a própria Foulkes sentiu repetidamente na indústria:

“Para muitas mulheres, assim que admitem que não sabem algo, surge imediatamente o julgamento: ‘não está preparada’, ‘não consegue’, ‘está fora de profundidade’. Eu digo que não sei o que estou a fazer vinte vezes por dia.”

É neste contexto que nasce “Christy”, filme que retrata não só a carreira lendária de Christy Martin, mas também a violência doméstica, o controlo coercivo e o sofrimento silencioso que marcaram a sua vida privada.

A ascensão de uma pioneira — e o inferno que viveu em segredo

Christy Martin tornou-se, em 1993, a primeira mulher contratada por Don King, um dos mais poderosos promotores de boxe do mundo. Conhecida como “The Coal Miner’s Daughter”, conquistou o título mundial WBC de super-meio-médio em 2009 e foi mais tarde incluída no International Boxing Hall of Fame.

Mas a sua vida pessoal era dominada por James “Jim” Martin, marido e treinador, 25 anos mais velho. Conheceram-se no final dos anos 80, casaram um ano depois e, durante décadas, Christy sofreu abuso físico e psicológico, enquanto tentava manter a carreira e ocultar a sua orientação sexual.

Em 2010, o caso tornou-se público da forma mais violenta possível: Jim esfaqueou-a e baleou-a no quarto da própria casa. Pensando que ela morreria, foi tomar banho, dando-lhe tempo para escapar e pedir ajuda. Sobreviveu. Ele foi condenado a 25 anos de prisão e morreu sob custódia em 2024.

“Incrível, inspiradora” — a verdadeira Christy Martin

Michôd encontrou-se com a atleta semanas antes do início das filmagens e ficou marcado pela sua humanidade:

“É incrivelmente doce, apesar de tudo o que viveu. E no mundo do boxe, é uma autêntica estrela.”

Um filme de impacto, não de números

Nos EUA, Christy estreou com 1,3 milhões de dólares, uma das piores aberturas para um filme lançado em mais de 2.000 salas. Mas Sydney Sweeney defende que o valor artístico e emocional do projecto não deve ser medido apenas pela bilheteira:

“Nem sempre fazemos arte para números. Fazemo-la pelo impacto.”

E impacto é precisamente o que Christy procura — ao expor a violência escondida por trás de uma atleta lendária e ao questionar as expectativas sufocantes que continuam a recair sobre as mulheres, tanto no desporto como no quotidiano.

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Christy: A Força de Uma Campeã estreou nas salas portuguesas a 13 de Novembro de 2025.

“Sisu: Road to Revenge” Aumenta a Escala, a Velocidade e a Brutalidade — E Conquista 96% no Rotten Tomatoes

A saga finlandesa regressa com mais acção, mais sangue e um humor negro que faz tremer até os mais resistentes.

A franquia mais selvagem de caça-a-nazis dos últimos anos está de volta. Sisu: Road to Revenge, novamente escrito e realizado por Jalmari Helander, retoma a história dois anos após os acontecimentos do primeiro filme. Aatami (Jorma Tommila) regressa a casa mais rico, mas profundamente marcado pelo assassinato brutal da família às mãos do oficial soviético Igor Draganov (Stephen Lang). O fim da guerra não lhe trouxe descanso — e muito menos segurança.

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Quando o KGB decide libertar Draganov e dar-lhe meios quase ilimitados para eliminar “o homem que se recusa a morrer”, Aatami vê a sua tentativa de recomeçar ser substituída por uma corrida explosiva através da Finlândia. E não é metáfora: é literalmente uma perseguição feita de camiões, motas, comboios, metal retorcido e violência visceral.

Uma nova abordagem: mais movimento, mais escala — e muito mais velocidade

Se o primeiro Sisu tinha uma estrutura mais próxima de John Wick, a sequela abraça por completo o espírito de road movie, com claras influências de Mad Max: Fury Road. Segundo Helander, esta mudança foi totalmente intencional:

“A resposta é velocidade.”

“Queria mais movimento, mais energia. Era algo que sentia faltar nos meus filmes anteriores.”

Aatami desmonta a própria casa, coloca tudo num camião e atravessa o país em busca de um novo começo. Mas a cada quilómetro, Draganov aproxima-se, apoiado por um pequeno exército e por uma determinação quase sobrenatural.

Helander admitiu que filmar sequências com veículos em movimento foi exaustivo e demoradíssimo: “Cada nova tomada era um suplício de resets”, explicou. Mas também confessou que as grandes explosões foram as partes mais entusiasmantes de planear — ainda que só exista “uma hipótese” para acertar no momento da filmagem.

Mais coração, mais história — e um vilão construído a partir do vazio

Ao contrário de muitas séries de acção centradas num único herói, Sisu: Road to Revenge expande o passado de Aatami e aprofunda a dor que o move. Para Helander, esta dimensão emocional era essencial para justificar uma sequela:

“Precisava de uma ideia que igualasse — ou superasse — o primeiro filme. Torná-lo mais pessoal era o caminho certo.”

E para equilibrar um protagonista praticamente mitológico, o realizador sabia que precisava de um antagonista à altura. Stephen Lang, conhecido por Avatar, assume o papel de Igor Draganov — uma força fria, calculada e desprovida de empatia.

Lang contou que criou Draganov a partir de uma espécie de “vazio psicológico”, imaginando-o como um produto do Estado desde a infância: alguém moldado para eliminar emoções e cultivar crueldade sistemática.

A luta final entre Tommila e Lang, filmada dentro de um comboio destruído e cheio de perigos físicos, exigiu coordenação impecável. O actor descreve o processo como “um dueto perigoso”, onde ambos tinham um acordo tácito de proteger o outro. Ainda assim, não faltam golpes, quedas e… facadas com colheres, que Lang recorda com humor.

A morte do vilão? Brutal, estilizada — e planeada desde o início

Helander confirma que sempre soube que Draganov morreria de forma épica:

“O comboio movido pelo motor de um míssil veio-me à cabeça, e percebi logo: é assim que ele tem de morrer.”

É uma morte exagerada, visualmente delirante e totalmente adequada ao universo de Sisu: onde tudo é maior, mais violento e mais inesperado do que parece possível.

Crítica rendida, público entusiasmado

Com 96% no Rotten Tomatoes, a recepção crítica tem sido esmagadoramente positiva. O filme foi elogiado pela criatividade das cenas de acção, pelo humor negro e pela capacidade de expandir o mundo da saga sem perder a essência. A estreia na Finlândia rendeu quase 2 milhões de dólares, e a abertura nos EUA está prevista para atingir os 3 milhões — um resultado impressionante para um orçamento de 12 milhões.

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Se havia dúvidas de que Sisu se tornaria uma saga de culto, Road to Revenge confirma que Helander tem nas mãos algo especial: brutal, estilizado, loucamente inventivo — e com velocidade para dar e vender.

Brendan Fraser Recorda Audição Para o Superman de J.J. Abrams: “Era Shakespeare no Espaço”

O actor relembra como esteve perto de vestir o fato do Homem de Aço — e porque não estava pronto para carregar o peso do símbolo

Brendan Fraser continua a surpreender com histórias inesperadas da sua carreira — e a mais recente leva-nos até ao início dos anos 2000, quando esteve seriamente em consideração para interpretar Superman numa versão desenvolvida por J.J. Abrams e produzida por Brett Ratner. O projecto nunca chegou a ver a luz do dia, mas deixou uma marca profunda na memória do actor.

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Em conversa com Josh Horowitz no podcast Happy Sad Confused, Fraser revelou que chegou a fazer screen-tests para o icónico papel, numa fase em que estava no auge do sucesso com The Mummy. E, segundo ele, o guião era algo de extraordinário.

“Deixaram-me lê-lo numa sala vazia — era magnífico”

Fraser conta que teve acesso ao argumento apenas sob condições quase paranóicas de segurança:

“Assinei um NDA, trancaram-me sozinho numa sala vazia num estúdio, e o guião estava impresso a preto sobre papel vermelho-escuro para não poder ser fotocopiado. Era Shakespeare no espaço. Um guião realmente muito bom.”

Apesar de estar entusiasmado com o texto, Fraser admite que sentiu o peso da responsabilidade:

“Se eu conseguisse aquele trabalho, Superman ficaria cravado na minha lápide. Passaria a ser isso para o resto dos meus dias.”

O actor sublinha que assumir o papel implica não apenas o compromisso físico e emocional, mas também a inevitabilidade de ser para sempre associado ao super-herói — algo para o qual não sabia se estava preparado.

O medo de ficar “preso” ao símbolo

Fraser fala de uma ansiedade natural antes de qualquer grande projecto, mas no caso de Superman, o receio era muito maior:

“Torna-se parte da tua marca, de quem és. E não sei se estava pronto na altura.”

Ainda assim, reconhece que teria sido uma enorme oportunidade e que se sentia motivado pela possibilidade.

Mas a decisão acabou por ser tomada sem ele: a Warner Bros. optou por seguir outro caminho e avançou com Superman Returns (2006), realizado por Bryan Singer e protagonizado por Brandon Routh.

“O que não é para ti, passa por ti”

Fraser resume a experiência com uma frase que lhe foi dita anos mais tarde pelo cineasta Terry George, no set de Whole Lotta Sole (2012):

“O que não é para ti, passa-te ao lado.”

Foi uma forma elegante de aceitar que aquele capítulo não lhe pertencia.

O projecto de Abrams… ainda não morreu

Curiosamente, apesar do enorme sucesso do novo Superman de James Gunn — com David Corenswet no papel de Kal-El — a versão de J.J. Abrams ainda está em desenvolvimento.

Em 2021, foi noticiado que Abrams produziria um reboot escrito por Ta-Nehisi Coates, com uma abordagem alternativa e situada noutra continuidade, não ligada ao universo de Gunn. Os detalhes continuam em segredo, mas o projecto permanece vivo nos bastidores da DC.

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Fraser, por sua vez, segue em frente — agora mais venerado do que nunca após o seu regresso triunfal com The Whale. Mas imaginar um “Superman Fraser” continua a ser um exercício que intriga muitos fãs… e que ele próprio descreve como uma versão grandiosa, poética e espacial da lenda kryptoniana.

Pixar Revela Novo Trailer Alargado de Hoppers — E Anuncia um Elenco de Vozes Absolutamente Gigante

A estreia cinematográfica de Daniel Chong promete ser uma das apostas mais ousadas da Pixar em anos

A Pixar decidiu levantar (ainda mais) o véu sobre Hoppers, o filme que marca a estreia de Daniel Chong — criador de We Bare Bears — na realização de longas-metragens para cinema. O novo trailer estendido, lançado esta semana, mergulha profundamente no conceito de ficção científica que serve de motor à história e apresenta um dos elencos de vozes mais impressionantes de toda a história do estúdio.

Um mundo onde humanos “saltam” para corpos de animais robóticos

O ponto de partida de Hoppers é deliciosamente absurdo e cativante: num futuro próximo, os humanos conseguem “hop”, ou seja, transferir a sua consciência para animais robóticos. Para Mabel — uma jovem apaixonada por tecnologia e por tudo o que mexe, pia ou mastiga madeira — isto é a oportunidade perfeita para viver a vida como… um castor.

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Mas aquilo que começa como um sonho transformador rapidamente se torna num pesadelo cheio de pelos, penas e patas: Mabel, sem querer, inspira um levante de animais contra os humanos que monopolizam territórios naturais. Agora, cabe-lhe a ela tentar controlar a revolta que ajudou a iniciar — antes que a própria civilização entre em colapso por culpa de um castor hiper-entusiasta.

Um elenco que parece saído de uma cerimónia dos Óscares

Às vozes já conhecidas de Piper Curda, Bobby Moynihan e Jon Hamm juntam-se agora nomes verdadeiramente colossais:

  • Meryl Streep
  • Dave Franco
  • Kathy Najimy
  • Eduardo Franco
  • Melissa Villaseñor
  • Ego Nwodim
  • Vanessa Bayer
  • Sam Richardson
  • Aparna Nancherla
  • Nichole Sakura
  • Isiah Whitlock Jr.
  • Steve Purcell
  • Karen Huie
  • Tom Law

Sim, leu bem: Meryl Streep vai dar voz a uma personagem num filme sobre humanos que habitam corpos de animais robóticos. A Pixar não está a brincar.

Daniel Chong e a produtora Nicole Paradis Grindle afirmam que o elenco superou todas as expectativas: “Seja humor, emoção ou barulhos animalescos completamente caóticos, deram tudo o que tinham.”

Um tom mais cómico, mais caótico — e mais centrado no mundo natural

O novo trailer deixa claro que Hoppers aposta forte na comédia e no espectáculo visual, com um espírito mais energético e irreverente do que o primeiro teaser sugeria. Embora o conceito sci-fi esteja no centro da acção, o filme mantém ligação ao mundo natural — algo que aproxima o tom mais de The Wild Robot (da DreamWorks, recente sucesso) do que de tentativas recentes menos bem recebidas como Elio ou Lightyear.

A grande questão é: poderá Hoppers ser o pontapé de saída para uma nova era de sucesso comercial da Pixar? A verdade é que o estúdio precisa de um regresso em força… e esta aventura cheia de animais robóticos revoltados pode ser exactamente o tipo de caos encantador que conquista o público.

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A resposta chega a 6 de Março de 2026, quando a Pixar libertar esta pequena revolução animal cinematográfica no grande ecrã.

Christopher Nolan Revela Que Ia Realizar Troy — E Que Batman Begins Foi-lhe Oferecido Como “Prémio de Consolação”

Duas décadas depois, o realizador concretiza finalmente o épico grego que sempre o perseguiu

Christopher Nolan está prestes a levar ao cinema The Odyssey, a sua adaptação épica da obra de Homero, mas a história desta ligação ao imaginário grego é muito mais antiga do que muitos fãs imaginam. Em entrevista à Empire Magazine, o cineasta revelou que foi originalmente contratado pela Warner Bros. para realizar Troy — mais de 20 anos antes de avançar com The Odyssey. E o que se seguiu envolve mudanças súbitas, decisões de estúdio e uma ironia digna de Hollywood: o projecto foi-lhe retirado e, em troca, ofereceram-lhe Batman Begins como “prémio de consolação”.

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Nolan explicou que Troy, inicialmente desenvolvido por Wolfgang Petersen, já estava bem encaminhado quando ele foi chamado para assumir a realização. No entanto, quando a Warner decidiu abandonar o projecto Batman vs Superman que Petersen preparava, devolveu-lhe Troy — e Nolan ficou sem filme.

“Era um mundo que me fascinava explorar”, confessou. “Tinha em mente certas imagens, especialmente a forma como queria filmar o Cavalo de Tróia. Era algo que nunca me saiu da cabeça.”

O destino viria a dar outras voltas: Petersen realizou Troy com Brad Pitt, Eric Bana, Orlando Bloom e Diane Kruger, enquanto Nolan recebeu Batman Begins — que acabaria por redefinir o género e lançar uma trilogia histórica para o estúdio.

De Insomnia ao épico que sempre desejou filmar

No início dos anos 2000, Nolan tinha acabado de fazer a transição para Hollywood com Insomnia (2002), depois de surpreender o mundo com Memento. A Warner queria mantê-lo na sua lista de talentos internos e via Troy como o próximo passo natural.

Mas a inversão do estúdio alterou tudo. Petersen, vindo do sucesso de Air Force One e The Perfect Storm, recuperou o épico para si e deixou Nolan de mãos vazias — até que a Warner lhe ofereceu o projecto que mudaria a história dos filmes de super-heróis. O resto é, literalmente, história do cinema.

Troy estreou em 2004 com críticas mornas, mas quase 500 milhões de dólares em bilheteira. Um ano depois, Nolan apresentava Batman Begins, lançando uma das trilogias mais elogiadas de sempre.

The Odyssey: o sonho adiado torna-se realidade

Com The Odyssey, Nolan regressa finalmente ao terreno mítico que o fascinava desde os tempos de Troy. E fá-lo com uma ambição colossal — ao estilo IMAX, claro.

O elenco é digno dos deuses do Olimpo:

  • Matt Damon como Ulisses,
  • Tom Holland como Telémaco,
  • Anne Hathaway,
  • Zendaya,
  • Lupita Nyong’o,
  • Robert Pattinson,
  • Charlize Theron,
  • Jon Bernthal.

O realizador explicou ainda porque acredita que a Odisseia é o épico perfeito para esta nova fase da sua carreira: “Procuramos lacunas na cultura cinematográfica, coisas que nunca foram feitas com o peso que um grande orçamento e uma produção Hollywood/IMAX podem dar. Cresci a ver os filmes de Ray Harryhausen, mas nunca vi este tipo de mitologia tratada com essa escala e credibilidade.”

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Tróia ficou para trás — mas nunca saiu da sua imaginação

Mesmo que Troy nunca tenha sido o filme de Nolan, a mitologia que o inspirou acompanha-o há décadas. Agora, com meios incomparavelmente maiores, liberdade criativa total e o estatuto de um dos realizadores mais influentes da actualidade, Nolan prepara-se para dar ao público a visão épica que guardou na gaveta durante tantos anos.

The Odyssey chega aos cinemas a 17 de Julho de 2026 pela Universal Pictures — e promete ser um dos eventos cinematográficos do ano.

Brendan Fraser Confirma The Mummy 4 — E Diz Que Esta É a Sequela Que Espera Há 20 Anos

O actor promete finalmente a continuação que sempre quis filmar

Brendan Fraser está de volta ao centro de uma das sagas que o transformou numa estrela mundial: The Mummy. Depois de o Deadline revelar que The Mummy 4 está oficialmente em desenvolvimento na Universal Pictures — com Fraser e Rachel Weisz preparados para regressar aos seus papéis clássicos — o actor confirmou que esta será, finalmente, a sequela que desejava fazer desde o início dos anos 2000.

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“É o filme que sempre quis fazer”, disse à Associated Press. Fraser explicou que The Mummy: Tomb of the Dragon Emperor (2008) nunca foi, para si, a continuação ideal — embora mantenha orgulho no resultado. O actor revelou que esse terceiro capítulo nasceu de uma estratégia de estúdio para coincidir com os Jogos Olímpicos de Pequim. A NBC detinha os direitos televisivos do evento e a Universal decidiu aproveitar a conjuntura, levando a produção para a China.

“Trabalhar em Xangai foi uma experiência incrível”, afirmou. “Tenho orgulho do terceiro filme porque funciona por si só. Fizemos o melhor que podíamos com uma nova equipa e um contexto completamente diferente.” Ainda assim, nunca perdeu o sentimento de que a verdadeira sequela, aquela que prolongava a visão original dos primeiros dois filmes, ficou por fazer.

Agora, diz Fraser, o momento chegou. “Esperei 20 anos por este telefonema. Às vezes parecia óbvio, outras vezes era só um sussurro distante. Mas agora? Agora é altura de dar aos fãs aquilo que querem.”

Realizadores de Radio Silence assumem o comando, Rachel Weisz regressa e o futuro da saga volta a ganhar força

A nova sequela será realizada pelo duo Matt Bettinelli-Olpin e Tyler Gillett, conhecidos colectivamente como Radio Silence e responsáveis por títulos como Scream (2022) e Ready or Not. O argumento está entregue a David Coggeshall (The Family Plan, The Deliverance), e o produtor Sean Daniel — veterano da saga — regressa acompanhado por William Sherak, James Vanderbilt e Paul Neinstein, da Project X Entertainment.

O regresso de Rachel Weisz é particularmente simbólico: a actriz abandonou a saga após os dois primeiros filmes, tendo sido substituída por Maria Bello no terceiro capítulo. Para os fãs, este reencontro entre Fraser e Weisz recupera o espírito clássico de Rick e Evelyn O’Connell, um dos casais mais carismáticos do cinema de aventura dos anos 90 e início dos 2000.

Um retorno muito esperado — e que pode reavivar o género de aventura no grande ecrã

The Mummy (1999) e The Mummy Returns (2001) marcaram uma geração com uma mistura rara de humor, aventura à moda clássica e efeitos especiais que, para a época, eram revolucionários. O charme de Fraser, a química com Weisz e o tom leve e fantasioso criaram um fenómeno que deixou saudades — especialmente numa Hollywood onde este tipo de aventura pulp se tornou cada vez mais raro.

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O entusiasmo em torno de The Mummy 4 não é apenas nostalgia. É também o regresso de um actor que viveu um renascimento notável nos últimos anos, culminando com o Óscar por The Whale. Fraser parece saber exactamente o que os fãs querem — e, desta vez, sente que está finalmente na posição certa para entregar.

Com realizadores energéticos, argumento em desenvolvimento e o elenco original a alinhar-se, a expectativa é elevada: terá The Mummy 4 conseguido capturar a magia perdida? Se depender de Fraser, a resposta será um rotundo sim.