Keanu Reeves e o Cão Que Lhe Lembrou o Significado da Lealdade 🐾

A história real por detrás do homem que perdeu um cão… e ganhou outro

Keanu Reeves pode ter encarnado assassinos implacáveis, guerreiros digitais e salvadores da humanidade — mas talvez o papel mais tocante da sua vida não tenha sido escrito por nenhum argumentista. Entre explosões e coreografias de luta, nasceu uma ligação silenciosa e comovente: a de um homem e o seu cão.

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Durante as filmagens de John Wick (2014), um filme construído sobre a dor e a vingança que nascem da perda de um animal de estimação, Keanu viveu algo mais profundo do que simples ficção. Nos intervalos das cenas, o ator sentava-se com a pequena cadela beagle que interpretava Daisy — a razão de toda a jornada emocional do protagonista. Fazia-lhe festas nas orelhas e murmurava:

“Tu és o coração desta história, sabias?” ❤️

Segundo membros da equipa, a cadelinha seguia-o para todo o lado, abanando a cauda com a confiança de quem se sentia em casa.

Da ficção à vida real

Quando as filmagens terminaram, Keanu não conseguiu desligar-se desse laço. Mais tarde, durante John Wick 2, acabou por adotar um dos pit bulls usados na rodagem. Não foi um gesto mediático, nem uma jogada de imagem. Foi apenas — e exatamente — aquilo que sempre foi: um ato de bondade.

“Os cães dão-nos honestidade”, disse ele numa entrevista. “Um cão não quer saber quem tu és. Quer apenas saber se és bom para ele.”

Palavras simples, mas que dizem tudo sobre o homem que há muito se tornou o símbolo da humildade em Hollywood.

O lado mais humano de um ícone

Em Los Angeles, há quem o veja à noite, a passear o seu cão pelas ruas vazias — sem segurança, sem câmaras, sem fãs. Apenas ele, o animal e o silêncio. Keanu não precisa de plateia: vive como representa — com autenticidade.

Quando um jornalista lhe perguntou porque gostava tanto de cães, o ator sorriu, com aquele ar calmo e quase tímido que todos reconhecem, e respondeu:

“Porque me lembram o que significa a verdadeira lealdade.” 🐶

Talvez esteja aí o segredo. As almas mais gentis acabam sempre por se encontrar — mesmo que uma delas ande de quatro patas.

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O protagonista inesperado

O terror indie Good Boy, que estreia nos EUA a 3 de outubro e no Brasil a 30 de outubro, já está a dar que falar. A razão? O protagonista não é um humano, mas sim Indy, um cão da raça Nova Scotia Duck Tolling Retriever, cuja intensidade no olhar e expressividade valeram-lhe comparações com alguns dos melhores atores da atualidade.

Desde a sua estreia no festival South By Southwest, em março, a crítica não poupa elogios. O IndieWire descreveu Indy como “um dos atores mais emotivos da sua geração… independentemente da espécie”, enquanto o The Hollywood Reporter destacou o seu “poder emocional”.

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Terror visto do ponto de vista canino

Realizado por Ben Leonberg, que escreveu o argumento em parceria com Alex Cannon, Good Boy pega no clássico subgénero da casa assombrada e vira-o do avesso: a história é contada do ponto de vista de um cão.

Indy vive com o dono, Todd (Shane Jensen), que sofre de uma doença grave. Os dois mudam-se para a antiga casa do avô, isolada no campo, onde o cão começa a pressentir presenças sombrias. A narrativa acompanha os seus movimentos, receios e instintos, tornando o espectador cúmplice da frustração de um animal leal que tenta avisar o dono do perigo — e que ninguém ouve.

Como se treina um “ator canino”

Indy é, na verdade, o próprio cão do realizador, escolhido pelo seu “olhar intenso e inabalável”. Ao longo de três anos, Leonberg e a produtora Kari Fischer, sua mulher, filmaram Indy em diferentes situações, captando gestos, expressões e reações instintivas que, depois de editadas, criaram a ilusão de uma performance.

“Se se corta do olhar do cão para o que ele observa, o público completa o sentido. E Indy tinha esse instinto natural”, explica o realizador.

O regresso dos animais ao cinema

Good Boy insere-se numa tendência recente: a de cães que roubam os holofotes. Em 2023, o border collie Messi, de Anatomia de uma Queda, tornou-se sensação internacional e até houve quem pedisse que recebesse um Óscar. Outros exemplos incluem o gato Tonic, que brilhou em Caught Stealing, de Darren Aronofsky, e a cadela Pipa, estrela póstuma do filme espanhol Sirât, premiada em Cannes no Palm Dog, troféu que distingue as melhores atuações caninas.

Para especialistas como Wendy Mitchell, autora de Citizen Canine: Dogs in the Movies, esta “ressurgência” deve-se à forma como os cães conseguem representar emoções humanas de maneira crua e imediata, sem filtros.

Mais do que truques

O treinador Bill Berloni, referência em Hollywood e Broadway, lembra que não se trata de cães a “representar” mas sim de momentos captados e moldados por especialistas: “Os cães não atuam. Jogam. O segredo é respeitar a sua natureza e trabalhar com ela, não contra ela.”

Ainda assim, seja por treino ou instinto, o certo é que Indy já é visto como a nova estrela canina do cinema, a caminho de conquistar plateias em todo o mundo.

Por cá ainda não temos uma data para a estreia!

Dave Chappelle provoca polémica em Riade: “É mais fácil falar aqui do que na América” 🎤🌍

Um festival rodeado de controvérsia

O comediante Dave Chappelle voltou a estar no centro da polémica após a sua atuação no Riyadh Comedy Festival, na Arábia Saudita. Durante o espetáculo, Chappelle comparou a liberdade de expressão no Médio Oriente e nos Estados Unidos, afirmando que era “mais fácil falar ali do que na América”.

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“Neste momento, na América, dizem que se falares sobre o Charlie Kirk, és cancelado. Não sei se é verdade, mas vou descobrir”, atirou o humorista.

“É mais fácil falar aqui do que na América.”

A declaração arrancou gargalhadas do público presente, mas gerou fortes críticas no regresso ao Ocidente.

“Vão fazer algo para me calar”

Ainda durante o espetáculo, Chappelle confessou algum receio sobre o regresso aos Estados Unidos:

“Quando voltar, eles vão fazer algo para que eu não possa dizer o que quero dizer.”

A reação da comunidade de comediantes

O festival de Riade reuniu nomes como Bill Burr e Louis C.K., mas foi alvo de duras críticas de vários artistas norte-americanos. O comediante David Cross não poupou palavras, acusando os colegas de legitimarem um “feudo totalitário”:

“Como é que algum de nós pode levar-vos a sério outra vez? Todo o vosso choradinho sobre ‘cancel culture’ e ‘liberdade de expressão’? Acabou. Nunca mais podem falar disso.”

Cross acrescentou ainda que todos já tinham visto os contratos assinados para atuar no festival, insinuando limitações impostas aos humoristas.

Perspetiva diferente de Bill Burr

Se Chappelle gerou polémica, Bill Burr mostrou-se entusiasmado com a experiência. No seu Monday Morning Podcast, de 29 de setembro, o comediante descreveu o festival como uma das três melhores experiências da sua carreira:

“Foi incrível estar naquela parte do mundo e participar no primeiro festival de comédia na Arábia Saudita. Os reais adoraram o espetáculo, todos ficaram felizes. Foi uma experiência incrível.”

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Entre o riso e a política

O Riyadh Comedy Festival está a tornar-se num dos eventos mais falados do ano — não apenas pelas atuações, mas sobretudo pelo debate em torno de liberdade de expressão, política e ética artística. Chappelle voltou a ser a figura central da controvérsia, reforçando a sua reputação de comediante capaz de fazer rir… e de incendiar discussões globais.

‘A Nicole merecia mais’: o gesto polémico de Keith Urban que deixou os fãs em choque”

Do romance à polémica

O divórcio de Nicole Kidman e Keith Urban, tornado público a 30 de setembro, já era um dos temas mais comentados do momento. Mas agora, o caso ganhou uma nova dimensão explosiva: Keith Urban decidiu alterar a letra de uma música que tinha escrito para Nicole… para a dedicar a outra mulher.

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O gesto que incendiou as redes

Durante um concerto recente, o cantor country pegou numa das suas canções mais emblemáticas — originalmente criada em homenagem a Kidman — e reinterpretou-a, mudando a letra para celebrar uma nova mulher. Para muitos fãs, este gesto foi a gota de água.

Nas redes sociais, a revolta disparou:

  • “É de muito mau gosto transformar uma música para a sua ex-mulher numa homenagem a outra. Foi a gota de água.”
  • “Ele estragou a música. Era das minhas favoritas.”
  • “Isto não se faz.”
  • “Os términos acontecem, mas é preciso fazê-lo com dignidade e respeito.”
  • “A Nicole merecia muito mais.”

Uma separação que não para de dar que falar

Como se não bastasse a revelação da polémica “cláusula da cocaína” presente no acordo pré-nupcial de 2006, agora este episódio com a música reacendeu ainda mais o debate sobre a separação do casal.

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Até ao momento, nem Nicole Kidman nem Keith Urban comentaram publicamente o sucedido, mas o gesto do cantor já está a ser considerado por muitos como uma das maiores faltas de respeito do pós-divórcio.

Jane Fonda relança movimento histórico pela liberdade de expressão em Hollywood 🎬✊

O regresso de um comité da era da Guerra Fria

Aos 87 anos, a lendária atriz e ativista Jane Fonda voltou a assumir a linha da frente das lutas políticas em Hollywood. Desta vez, lidera o relançamento do Comité para Defender a Primeira Emenda, um movimento originalmente criado na década de 1940 e que marcou posição durante o período do Macarthismo, quando artistas foram perseguidos e silenciados pelas suas convicções políticas.

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Entre os mais de 550 signatários desta nova iniciativa encontram-se nomes de peso como Natalie Portman, Sean Penn e Anne Hathaway, que se juntam à causa para alertar contra o que descrevem como uma nova ofensiva da Casa Branca para limitar a liberdade de expressão.

As raízes históricas

O comité tem também uma forte carga simbólica para Jane Fonda: o seu pai, Henry Fonda, foi um dos membros fundadores do movimento original. Na altura, figuras como Judy Garland, Humphrey Bogart e Frank Sinatra deram voz à resistência, denunciando nas rádios e em Washington os abusos do governo de então.

Agora, mais de 70 anos depois, a mensagem mantém-se: “Essas forças regressaram. E é a nossa vez de nos levantarmos juntos em defesa dos nossos direitos constitucionais”, lê-se no comunicado oficial.

Da censura ao humor

O relançamento acontece pouco depois da decisão da Disney de retirar temporariamente da programação o late night show de Jimmy Kimmel, na sequência de pressões políticas e regulatórias. O comediante, crítico da direita norte-americana e do aliado de Donald Trump, Charlie Kirk, regressou ao ar após protestos públicos contra o que muitos consideraram um ato de censura.

Kimmel foi direto na sua resposta: “anti-americano”, classificou, referindo-se ao esforço para o silenciar.

Jane Fonda, símbolo de resistência

Com décadas de ativismo, Jane Fonda não mostra sinais de abrandar. Para a atriz, que esteve em inúmeras frentes de protesto desde a Guerra do Vietname até à crise climática, esta luta é também pessoal e histórica: “Este não é um aviso. É o início de uma luta contínua”, afirma o comité no seu manifesto.

A mensagem é clara e dirigida não apenas ao governo, mas também às empresas de Hollywood:

“Para aqueles que lucram com o nosso trabalho enquanto se curvam perante a censura e a intimidação: vemo-los, e a história não esquecerá.”

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Com Jane Fonda no comando, este novo capítulo do Comité pela Primeira Emenda promete reacender um debate essencial sobre os limites da liberdade artística e política em Hollywood.

Jimmy Kimmel revela: “Soube que ia ser retirado do ar… na casa de banho” 🚽📺

O momento insólito

Jimmy Kimmel contou como descobriu, da forma mais improvável, que o seu programa seria retirado do ar pela ABC. O episódio aconteceu em meados de setembro, quando a estação decidiu suspender temporariamente o Jimmy Kimmel Live!após um monólogo polémico sobre o suposto assassino de Charlie Kirk e a reação da direita norte-americana.

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Segundo relatou a Stephen Colbert no The Late Show, Kimmel recebeu a chamada crucial enquanto estava… na casa de banho.

“Disseram-me: ‘Queremos baixar a temperatura. Estamos preocupados com o que vais dizer esta noite e decidimos que o melhor será tirar o programa do ar.’”

Na altura, o público já estava sentado, o chef convidado Christian Petroni tinha começado a cozinhar e o músico Howard Jones preparava-se para atuar. O programa foi cancelado em cima da hora, e até as almôndegas com polenta acabaram no lixo.

O medo de não voltar

Kimmel confessou que pensou que a sua carreira televisiva tinha acabado:

“Pensei: pronto, acabou. Estou acabado. Achei mesmo que nunca mais voltava a estar no ar.”

O público presente foi mandado para casa, e apenas Howard Jones chegou a gravar uma música para um episódio futuro — ironicamente, “Things Can Only Get Better”.

O regresso com força

Após alguns dias fora do ar, e apesar das pressões políticas — incluindo ameaças da FCC de retirar licenças de transmissão a canais afiliados da ABC —, Kimmel regressou com um monólogo emocionado e audiências em alta.

Colbert também partilhou a sua experiência

Na mesma conversa, Stephen Colbert revelou que também soube do fim anunciado do seu Late Show de forma inesperada, quando estava de férias. O apresentador confessou que teve dificuldade em dar a notícia ao público e chegou a enganar-se várias vezes no discurso.

A decisão da Paramount, que justificou o cancelamento com motivos “puramente comerciais”, foi recebida com ceticismo. Muitos consideram que terá sido uma cedência política para agradar à administração Trump, que precisava de aprovar a fusão da Paramount com a Skydance.

Trump, o alvo comum

Tanto Colbert como Kimmel têm sido críticos frequentes de Donald Trump — algo que o ex-presidente não esqueceu. Trump celebrou publicamente o fim do programa de Colbert e, mais tarde, a suspensão de Kimmel, embora tenha criticado a ABC quando este regressou ao ar.

Kimmel respondeu com humor, recebendo Colbert e Seth Meyers no seu programa numa noite especial, posando juntos para uma fotografia com a legenda: “Olá, Donald!”

“O programa que a FCC não quer que vejas”

Entre piadas e provocações, Kimmel apresentou Colbert como “o apresentador de talk show noturno vencedor de um Emmy que, graças à administração Trump, agora está disponível por tempo limitado”. E rematou com ironia:

“Estou muito honrado por estar com os meus colegas fracassados e sem talento dos programas noturnos. Convidar o Stephen foi apenas uma maneira divertida de irritar o presidente.”

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“Uma das três melhores experiências da minha vida”

O comediante norte-americano Bill Burr partilhou no seu podcast detalhes da sua participação no Riyadh Comedy Festival, na Arábia Saudita, evento que foi promovido como o maior festival de comédia do mundo. Burr, que dividiu palco com nomes como Dave Chappelle, Louis C.K. e Kevin Hart, descreveu a experiência como “inesquecível”, afirmando que o público local “queria comédia verdadeira” e que o ambiente foi surpreendentemente acolhedor.

“Definitivamente, está no top 3 das melhores experiências que já tive. Acho que vai trazer coisas muito positivas”, disse Burr.

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Do nervosismo à descoberta

Antes de subir ao palco em Riade, Burr testou o material com uma atuação em Bahrain, país vizinho mais liberal, onde confessou ter chegado ansioso. A experiência, contudo, foi tranquila, e o humorista notou que as pessoas “são como nós: querem rir, querem divertir-se”.

Ao chegar à Arábia Saudita, admitiu ter carregado estereótipos sobre a região, mas acabou surpreendido pela forte presença de marcas ocidentais e pelo entusiasmo do público. Durante a atuação, foi avançando no seu repertório habitual, incluindo piadas arriscadas, e percebeu que o público estava recetivo.

Regras suavizadas para os artistas

Segundo Burr, as restrições iniciais sobre o que os comediantes poderiam dizer foram renegociadas antes do festival. No fim, apenas dois temas ficaram proibidos: não fazer piadas sobre a família real nem sobre religião.

“O público sabia da reputação que têm e por isso foram ainda mais calorosos. Senti uma troca de energia incrível”, contou Burr.

Críticas e acusações de “comedy-washing”

Apesar do entusiasmo de Burr, a presença de comediantes no festival não passou despercebida às críticas. O humorista David Cross foi particularmente duro, acusando colegas como Burr de legitimar um “feudo totalitário” em troca de dinheiro:

“Estou profundamente desiludido. Pessoas talentosas que admiro cederam por um barco, por mais ténis? É nojento.”

Na mesma linha, um artigo de opinião da MSNBC classificou o evento como “comedy-washing”, defendendo que serviu para projetar uma falsa imagem de abertura cultural num país onde continuam a existir fortes restrições às liberdades civis.

O eterno debate cultural

A discussão insere-se num debate antigo: boicotar regimes autoritários ou usar a cultura como ferramenta de abertura?. O conceito de soft power, popularizado pelo cientista político Joseph Nye, defende que a arte e a cultura podem influenciar positivamente sociedades fechadas.

O músico Sting, por exemplo, já se posicionou neste sentido quando atuou no Uzbequistão em 2009:

“Acredito que boicotes culturais são contraproducentes. Ao isolar, só se torna uma sociedade ainda mais fechada e paranoica.”

Entre política e gargalhadas

No caso de Burr, a escolha está feita: o comediante defende que a experiência foi não só memorável como também uma oportunidade de mostrar o valor da stand-up comedy num país onde, até há pouco tempo, isso seria impensável.

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Demi Lovato regressa a “Camp Rock” – agora como produtora 🎬🎶

Um regresso inesperado

Os fãs de Camp Rock tiveram uma surpresa emocionante: Demi Lovato revelou nas redes sociais a sua primeira fotografia no set de “Camp Rock 3”, o novo filme musical que volta a juntar os Jonas Brothers. Só que, desta vez, o papel de Lovato vai muito além do microfone e da câmara – a artista assume agora funções de produtora executiva do projeto.

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A nova função de Demi Lovato

Na imagem partilhada no Instagram, Demi surge sentada numa cadeira de realizador personalizada com o seu nome e a função no filme. À frente, um monitor de filmagens, sinal de que está atenta a todos os detalhes da produção. Na legenda, a cantora e atriz escreveu:

“Esta sou eu (na minha era produtora)”

Uma referência divertida a “This Is Me”, canção emblemática da banda sonora do primeiro Camp Rock (2008), que marcou o início da sua carreira no Disney Channel.

“Camp Rock 3”: o que esperar

Ainda são escassos os detalhes sobre a história do novo filme, mas sabe-se que os Jonas Brothers regressam como protagonistas e que Lovato terá influência direta não só na narrativa, mas também na produção musical. A franquia, que se tornou um fenómeno global no final dos anos 2000, continua a ser recordada com nostalgia por toda uma geração que cresceu ao som das suas canções.

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Agora, com Demi Lovato a acumular o papel de atriz e produtora executiva, o terceiro capítulo promete ser não só uma viagem nostálgica, mas também uma evolução criativa do universo Camp Rock.

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O nascimento de Tilly Norwood

O nome Tilly Norwood tornou-se rapidamente num dos temas mais comentados em Hollywood. Mas não se trata de uma atriz de carne e osso. Criada por inteligência artificial, Tilly é um projeto da produtora e comediante holandesa Eline Van der Velden, que lançou a sua “carreira” no estúdio de IA Particle6. Apresentada no passado fim de semana no Zurich Summit, evento paralelo ao Festival de Cinema de Zurique, a personagem digital é apontada como “o primeiro talento artificial do mundo” e até já despertou o interesse de algumas agências.

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Mas a reação na indústria foi tudo menos entusiástica.

Rejeição imediata em Hollywood

O sindicato norte-americano SAG-AFTRA emitiu um comunicado duro contra a criação de Norwood:

“Para ser claro, ‘Tilly Norwood’ não é uma atriz. É uma personagem gerada por computador, criada a partir do trabalho de inúmeros artistas profissionais — sem permissão ou remuneração.”

O sindicato sublinha ainda que a criatividade deve permanecer centrada no ser humano e critica a falta de emoção ou de experiência de vida que uma criação artificial nunca poderá replicar.

Vozes contra: de Melissa Barrera a Natasha Lyonne

As críticas multiplicaram-se nas redes sociais. A atriz Melissa Barrera, conhecida por Em Um Bairro de Nova Iorque e Pânico, escreveu:

“Espero que todos os atores representados pelo agente que faz isto se deem mal. Que nojo. Leiam o ambiente.”

Também Natasha Lyonne, estrela de Boneca Russa, foi categórica:

“Qualquer agência de talentos envolvida nisto deveria ser boicotada por todas as corporações. É profundamente equivocado e perturbador.”

Curiosamente, Lyonne está a realizar o filme Uncanny Valley, onde pretende explorar o uso de inteligência artificial “ética”, mas sempre em conjugação com técnicas tradicionais de produção.

O debate sobre a IA no cinema

O tema da inteligência artificial tem estado no centro das tensões em Hollywood. Foi um dos pontos mais sensíveis nas greves prolongadas de 2023, que resultaram em cláusulas específicas para proteger a imagem e as atuações dos atores. Até na indústria dos videojogos houve paralisações, com contratos a exigir agora consentimento escrito para criar réplicas digitais.

Apesar disso, a IA continua a ser usada. O filme vencedor do Óscar de 2024, O Brutalista, recorreu a inteligência artificial para gerar diálogos em húngaro, uma decisão que também levantou debates acesos.

A defesa da criadora

Perante a onda de críticas, Van der Velden defendeu o projeto no Instagram:

“Tilly Norwood não é uma substituta de um ser humano, mas uma obra criativa. Como muitas formas de arte, desperta conversas — e isso demonstra o poder da criatividade.”

A criadora argumenta que personagens de IA deveriam ser vistos como um género próprio e comparou o processo de desenvolvimento à escrita de um papel ou à criação de uma personagem para cinema.

Uma atriz virtual em ascensão digital

Enquanto isso, Tilly Norwood vai conquistando seguidores. A sua conta oficial no Instagram já ultrapassou os 33 mil fãs, onde publica imagens “a tomar café, a comprar roupas ou a preparar-se para novos projetos”. Numa das legendas, pode ler-se:

“Diverti-me imenso a filmar alguns testes de câmara recentemente. Cada dia sinto que estou mais perto do grande ecrã.”

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Se Tilly Norwood alguma vez chegará de facto às salas de cinema é uma incógnita. Mas uma coisa é certa: a sua mera existência já está a abalar os alicerces de Hollywood.

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Nem “La La Land” nem “Pobres Criaturas”

Aos 36 anos, Emma Stone, uma das atrizes mais aclamadas da atualidade e já vencedora de dois Óscares de Melhor Atriz, surpreendeu os fãs ao revelar qual foi o papel mais exigente da sua carreira. Em entrevista à revista Vogue, a estrela confessou que não foi em La La Land (2016) nem em Pobres Criaturas (2023), mas sim em A Favorita (2018), de Yorgos Lanthimos, que enfrentou o maior desafio físico.

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Os espartilhos que mudaram o corpo da atriz

No filme de época, Stone interpretava Abigail Masham, personagem que a obrigava a usar roupas típicas do século XVIII – incluindo espartilhos extremamente apertados. A atriz contou que o desconforto foi tão intenso que chegou a afetar o seu corpo:

“Posso confirmar que, com o tempo, os órgãos mudam. O meu corpo ficou com uma forma diferente por cerca de um mês depois das filmagens de A Favorita. Era extremamente tenso, comprimia. E eu também tenho uma caixa torácica muito grande, então era muito difícil movimentar-me. O meu corpo definitivamente não foi feito para um espartilho.”

O preço da autenticidade no cinema

Apesar das dificuldades, o esforço valeu a pena: A Favorita foi um enorme sucesso de crítica, arrecadando dez nomeações aos Óscares e rendendo a Olivia Colman a estatueta de Melhor Atriz. Para Emma Stone, porém, a experiência serviu de lição sobre os sacrifícios físicos que um papel pode exigir.

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Hoje, a atriz olha para trás com humor, mas não esconde que “ficar com os órgãos fora do sítio” foi um preço demasiado alto a pagar pela autenticidade histórica.

Nicole Kidman e Keith Urban: O Fim de um Casamento de Cinema

Quase 20 anos de união terminam em tribunal

O conto de fadas terminou: Nicole Kidman, uma das atrizes mais consagradas de Hollywood, deu entrada no tribunal de Nashville com o pedido oficial de divórcio de Keith Urban, cantor country e seu companheiro desde 2006. O motivo apresentado? As famosas “diferenças irreconciliáveis”, fórmula discreta que esconde o peso de quase duas décadas de partilha, altos e baixos e, claro, a criação de duas filhas em comum, Sunday Rose (17 anos) e Faith Margaret (14 anos).

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O sonho que não se cumpriu

“Quero ser uma anciã, estar ainda casada com Keith e olhar para trás a dizer: que bela viagem fizemos juntos.” – foi assim que Nicole descreveu o seu desejo de envelhecer ao lado do marido, numa entrevista há alguns anos. Mas a vida nem sempre segue o guião mais romântico. Segundo fontes próximas, a atriz lutou para salvar o casamento, mas a rutura parecia inevitável.

Um verão em continentes diferentes

Enquanto Keith Urban corria palcos com a sua digressão High and Alive World Tour, passando pela Austrália e Canadá, Nicole Kidman estava em Londres, nas filmagens de Practical Magic 2, a sequela do filme de culto de 1998 que protagoniza novamente ao lado de Sandra Bullock. Foi nesse afastamento que se consolidou a distância entre os dois.

Curiosamente, a última vez que foram vistos juntos foi em junho, em Nashville, durante um jogo do Mundial de Clubes da FIFA. Poucos dias depois, Nicole assinalava nas redes sociais os 19 anos de casamento com uma foto cúmplice e a legenda: “Happy Anniversary Baby @KeithUrban”. Hoje, sabemos que esse gesto foi uma despedida silenciosa.

O futuro de cada um

Apesar do fim da relação, a ligação entre os dois nunca deixará de existir: as filhas adolescentes que partilham serão o elo permanente desta história. Nicole, aos 58 anos, concentra-se agora nos seus projetos profissionais – entre eles, a nova temporada de Big Little Lies e a já referida sequela de Practical Magic, com estreia marcada para setembro de 2026.

Keith, por seu lado, mantém-se fiel aos palcos, regressando esta semana com um concerto em Hershey, Pensilvânia, o primeiro desde que a separação se tornou pública.

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O que resta é a memória de um dos casais mais sólidos do estrelato, cuja rutura mostra, mais uma vez, que nem sempre a vida real segue o guião perfeito do cinema.

The Social Reckoning: Sequela de A Rede Social Estreia em 2026 com Aaron Sorkin na Realização

O regresso de um clássico moderno

Quase duas décadas após A Rede Social (2010), a história do Facebook volta ao grande ecrã. A Sony Pictures anunciou que a sequela terá o título oficial de The Social Reckoning e estreia marcada para 9 de outubro de 2026.

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Desta vez, o projeto estará nas mãos de Aaron Sorkin — argumentista vencedor do Óscar pelo filme original — que, além de escrever, assumirá também a realização. O foco estará nos escândalos mais recentes envolvendo a gigante tecnológica, incluindo a denúncia de Frances Haugen, ex-funcionária que revelou documentos internos comprometendo a empresa.

Um novo elenco para uma nova era

No elenco já estão confirmados:

  • Jeremy Strong (Succession) como Mark Zuckerberg, substituindo Jesse Eisenberg no papel do fundador do Facebook;
  • Mikey Madison (Anora) como Frances Haugen;
  • Jeremy Allen White (The Bear) como Jeff Horwitz, o jornalista do Wall Street Journal que revelou os Facebook Files em 2021.

O peso do legado

O filme original de David Fincher foi um marco do cinema da década passada. Nomeado para oito Óscares, arrecadou três estatuetas: Melhor Roteiro Adaptado (Aaron Sorkin), Melhor Banda Sonora (Trent Reznor e Atticus Ross) e Melhor Montagem. Para muitos críticos, continua a ser um dos retratos mais contundentes da era digital e do nascimento das grandes redes sociais.

A questão que se coloca agora é se The Social Reckoning conseguirá repetir esse impacto cultural e crítico, explorando não o nascimento da plataforma, mas as suas consequências éticas, sociais e políticas.

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Expectativa em alta

Se o primeiro filme mostrou a ascensão meteórica de Zuckerberg e os conflitos que marcaram a fundação do Facebook, a sequela promete confrontar o público com o preço desse império — e com o papel das redes sociais na nossa vida contemporânea.

Demon Slayer: O Castelo Infinito Ultrapassa Missão Impossível nas Bilheteiras Mundiais

O anime que desafia Hollywood

O fenómeno do cinema japonês voltou a fazer história. Demon Slayer: O Castelo Infinito já arrecadou 605 milhões de dólares em bilheteira, superando o desempenho de Missão: Impossível – O Ajuste de Contas Final, um dos grandes blockbusters de verão de 2025.

O feito confirma a força do anime como fenómeno global e coloca a produção da Aniplex no restrito grupo dos filmes mais vistos do ano.

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Recordes atrás de recordes

Antes de deixar para trás a saga de Tom Cruise, o novo Demon Slayer já tinha ultrapassado os três filmes da Marvel lançados este ano, incluindo Quarteto Fantástico, que ficou pelos 521 milhões. Agora, o alvo está bem definido:

  • Superman (a apenas 21 milhões de distância)
  • F1: O Filme (também a 21 milhões)
  • O remake de Como Treinares o Teu Dragão (a 29 milhões)

Se conseguir superar estes títulos, O Castelo Infinito entrará diretamente no top 5 mundial de 2025.

Uma bilheteira cada vez mais diversa

Com este desempenho, Demon Slayer junta-se ao chinês Ne Zha 2 como os únicos filmes não produzidos por Hollywood entre os oito maiores sucessos de 2025. É um sinal claro de que o mercado global de cinema está mais aberto à diversidade de origens, estéticas e linguagens.

O futuro imediato

A questão já não é se O Castelo Infinito vai passar a barreira dos 610 milhões, mas sim até onde conseguirá chegar. Hollywood que se cuide: o anime japonês já provou que consegue enfrentar, e até derrotar, as maiores sagas do cinema americano.

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Tom Holland Atualiza Fãs Após Acidente em Set de Spider-Man: Brand New Day

Um susto para o aranhiço

Na semana passada, os fãs de Tom Holland foram apanhados de surpresa com a notícia de que o ator tinha sofrido uma lesão na cabeça durante as filmagens de Spider-Man: Brand New Day. O incidente ocorreu durante a execução de uma acrobacia, levando-o ao hospital por precaução e originando rumores preocupantes sobre o estado de saúde do intérprete do Homem-Aranha.

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O esclarecimento do ator

Agora, foi o próprio Holland a tranquilizar os fãs através do Instagram. Numa publicação dedicada à gala de beneficência da The Brothers Trust — fundação criada pela sua família —, o ator explicou que se está a recuperar bem:

“Lamento ter tido de sair mais cedo, mas estou a sentir-me melhor e a recuperar. Um enorme obrigado ao meu pai por ter assumido o controlo depois de eu sair. O espetáculo ficou consideravelmente mais engraçado?”

Com o humor que lhe é característico, Holland transformou a preocupação em sorriso, garantindo que a situação está controlada.

Produção suspensa, mas sem impacto na estreia

A Sony Pictures confirmou que as filmagens foram suspensas por uma semana para permitir a recuperação total do ator. No entanto, o estúdio sublinhou que o atraso não afeta a data de estreia, que continua marcada para 31 de julho de 2026.

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O próximo capítulo do Homem-Aranha

Descrito por Holland como o “primeiro filme do próximo capítulo” da sua saga como Spider-Man, Brand New Daypromete inaugurar uma nova fase na história do super-herói. Com a recuperação encaminhada e o regresso às filmagens previsto para breve, os fãs podem respirar de alívio: o Aranha continua firme na sua teia.

Quentin Tarantino Recorda o Fracasso de Death Proof e Como Voltou ao Topo

O “namoro” falhado com o público

Na longa e aplaudida carreira de Quentin Tarantino, há um título que continua a ser lembrado como a sua maior pedra no sapato: Death Proof (2007). Parte do projeto duplo Grindhouse, em parceria com Robert Rodriguez, o filme foi pensado como homenagem ao cinema de exploração dos anos 70. Mas a aposta não resultou. Com um orçamento de 67 milhões de dólares, o projeto abriu apenas em quarto lugar na bilheteira norte-americana, arrecadando 11,5 milhões no fim de semana de estreia.

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No Festival de Cinema de Burbank, onde recebeu o Vanguard Award, Tarantino confessou que esse fracasso “abalou a sua confiança”:

“Na altura senti que a audiência era a minha namorada… e que tinha acabado comigo.”

Conselhos de gigantes

O realizador contou que procurou conforto junto de dois mentores: Tony Scott e Steven Spielberg. Ambos o tranquilizaram, lembrando-lhe que o essencial era ter feito o filme que queria fazer. Spielberg deixou-lhe ainda uma lição que Tarantino nunca esqueceu:

“Agora que sabes o que é ter um flop, o próximo sucesso vais saboreá-lo mais do que todos os anteriores.”

O regresso triunfal

A profecia cumpriu-se em 2009. Dois anos após Death Proof, Tarantino lançou Inglourious Basterds, que se tornou num sucesso global: 321 milhões de dólares em bilheteira mundial, superando até o fenómeno Pulp Fiction. Três anos depois, com Django Unchained (2012), bateu todos os recordes da sua carreira, atingindo 426 milhões a nível global.

O futuro em aberto

Questionado em Burbank sobre o mítico “10º e último filme”, Tarantino reiterou: “Esse é o plano, vamos ver.” Depois de cancelar o projeto The Critic em 2024, o realizador admite estar a escrever uma peça de teatro, que poderá ou não ser adaptada ao cinema.

Um legado celebrado

A conversa no festival percorreu a sua carreira, desde os dias em que trabalhava num videoclube até ao apoio decisivo de Harvey Keitel em Reservoir Dogs, passando por curiosidades como a insistência de Bruce Willis para entrar em Pulp Fiction.

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No final, a cidade de El Segundo, onde Tarantino viveu parte da infância, declarou oficialmente 28 de setembro como o “Dia de Quentin Tarantino” — mais uma homenagem a um cineasta que, mesmo após um tropeço, voltou a erguer-se e cimentou o estatuto de lenda viva de Hollywood.

Trump Quer Impor Tarifas de 100% a Filmes Estrangeiros: Hollywood em Alerta

Uma medida inédita e polémica

Donald Trump voltou a lançar faíscas na indústria do entretenimento. O presidente norte-americano anunciou, na sua rede Truth Social, a intenção de impor uma tarifa de 100% sobre todos os filmes produzidos fora dos EUA. Caso se confirme, será a primeira vez que uma taxa deste género será aplicada ao setor audiovisual.

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Sem indicar prazos ou mecanismos concretos, Trump justificou a medida acusando outros países de “roubarem” a indústria cinematográfica americana:

“Foi como roubar doces a um bebé. A nossa indústria de cinema foi saqueada por outros países. Vou resolver este problema com uma tarifa de 100% sobre todo e qualquer filme feito fora dos EUA.”

A ofensiva contra a concorrência internacional

A proposta não surge do nada. Já em maio, Trump tinha avisado que pretendia combater os incentivos fiscais oferecidos por outros países para atrair produções de Hollywood. Reino Unido, Austrália, Nova Zelândia, Hungria, Canadá — e até Portugal, em menor escala — têm-se tornado destinos populares para grandes produções, desde Missão Impossível a Velocidade Furiosa, passando por Avatar e James Bond.

A Marvel, por exemplo, rodou grande parte dos seus filmes em Atlanta, mas transferiu o próximo Avengers para os estúdios Pinewood, em Londres, além de filmagens no Bahrain.

Uma indústria fragilizada

O anúncio surge num momento delicado. Hollywood ainda tenta recuperar de cinco anos turbulentos: pandemia, mudanças no consumo devido ao streaming e greves de atores e argumentistas em 2023 que paralisaram a produção.

Hoje, menos de um em cada cinco filmes ou séries exibidos nos EUA é produzido na Califórnia, segundo dados da FilmLA.

Reações de Hollywood e pedidos de alternativa

A primeira vez que Trump lançou a ideia, em maio, gerou reuniões de emergência e uma carta conjunta da Motion Picture Association (que representa os cinco maiores estúdios), sindicatos e até atores como Jon Voight e Sylvester Stallone — dois aliados do presidente.

O apelo foi claro: em vez de tarifas, pediam um plano federal de benefícios fiscais para manter a produção no país. O governador da Califórnia, Gavin Newsom, chegou a admitir colaboração com Trump para um pacote de 7,5 mil milhões de dólares em créditos fiscais.

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O que está em jogo

A medida, se avançar, poderá provocar uma rutura no mercado global, encarecendo o acesso a produções estrangeiras e levantando dúvidas sobre a exibição de filmes não americanos nos EUA. Para Trump, é uma questão de “segurança nacional”. Para Hollywood, o receio é que a indústria fique ainda mais isolada e menos competitiva a nível mundial.

Leonardo DiCaprio Revela: “Quiseram que eu mudasse de nome para Lenny Williams”

O peso dos nomes em Hollywood

Leonardo DiCaprio pode hoje ser um dos nomes mais reconhecidos e respeitados do mundo, mas o início da sua carreira esteve longe de ser assim tão fácil. Numa recente entrevista no podcast New Heights, apresentado por Jason e Travis Kelce, o ator revelou que o seu primeiro agente lhe disse que nunca conseguiria trabalho em Hollywood por ter um nome “demasiado étnico”.

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A “solução” proposta foi radical: abandonar o apelido DiCaprio e adotar o nome artístico “Lenny Williams”. Segundo o próprio ator, o agente explicou:

“O teu nome é demasiado étnico, nunca vais ser contratado.”

O apoio decisivo do pai

A história podia ter tomado outro rumo se não fosse o pai do ator, George DiCaprio, que rejeitou imediatamente a ideia. Ao ver um headshot do filho já com o novo nome, rasgou a fotografia e disse:

“Por cima do meu cadáver.”

Esse gesto acabou por ser determinante. Poucos anos depois, Leonardo conquistava o público em Growing Pains, recebia a sua primeira nomeação ao Óscar aos 19 anos com What’s Eating Gilbert Grape e tornava-se estrela mundial com Romeo + Juliet e Titanic.

Um problema estrutural

DiCaprio sublinhou que não foi o único a enfrentar pressões para “americanizar” o seu nome. O ator Benicio Del Toro, seu colega no novo filme de Paul Thomas Anderson, One Battle After Another, contou que também lhe sugeriram mudar para “Benny Del”. Ambos rejeitaram.

Este tipo de recomendações reflete uma prática antiga em Hollywood, onde nomes considerados “difíceis” ou “étnicos” eram muitas vezes vistos como obstáculos. Daí surgiram inúmeros nomes artísticos — de Whoopi Goldberg a Jamie Foxx e Lady Gaga — escolhidos como estratégias de sobrevivência num sistema marcado por preconceitos.

Uma lição de persistência

Hoje, com uma carreira que inclui sucessos de bilheteira e um Óscar de Melhor Ator por The Revenant, Leonardo DiCaprio é prova de que o talento falou mais alto do que qualquer conselho de marketing. Ao recusar ser “Lenny Williams”, manteve a sua identidade e construiu um nome que é, ironicamente, impossível de esquecer.

J.K. Rowling Responde a Emma Watson Após Comentários de Reconciliação

O gesto de Emma Watson

Numa recente entrevista ao podcast On Purpose with Jay Shetty, Emma Watson abordou a sua relação com J.K. Rowling, autora de Harry Potter, com quem tem estado afastada devido às polémicas declarações da escritora sobre pessoas transgénero.

A atriz, que deu vida a Hermione Granger na saga, disse que, apesar das divergências, continua a valorizar os momentos que partilhou com Rowling:

“Acredito que o facto de ter o amor e o apoio que tenho pelas pessoas transgénero não significa que não possa também guardar carinho pela Jo e pelas experiências pessoais que tive com ela.”

Foi uma espécie de “ramo de oliveira”, uma tentativa de mostrar que, mesmo discordando profundamente, ainda é possível reconhecer o que viveram juntas durante os anos de Harry Potter.

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A resposta irónica de Rowling

Rowling, que desde 2019 tem feito várias publicações consideradas transfóbicas, não demorou a reagir. No X (antigo Twitter), a autora escreveu:

“Estou aqui para todos os ‘spoofs’.”

A resposta foi vista como sarcástica, mantendo o tom desafiante que tem marcado a sua postura pública sobre o tema.

Uma relação cada vez mais distante

As tensões entre Rowling e o elenco de Harry Potter não são novidade. Muitos dos atores, incluindo Watson e Daniel Radcliffe, manifestaram publicamente apoio à comunidade trans, distanciando-se das opiniões da autora. Em 2020, Watson escreveu: “As pessoas trans são quem dizem ser e merecem viver as suas vidas sem serem constantemente questionadas ou deslegitimadas.”

Na altura, Rowling chegou a afirmar que “nunca perdoaria” os atores que a criticaram.

Entre a nostalgia e a polémica

A troca recente mostra que, mesmo anos após o fim da saga cinematográfica, Harry Potter continua envolto em debates que vão para lá da magia dos livros. Para Watson, a memória dos tempos de filmagens mantém-se intocável. Para Rowling, a resposta sugere que a reconciliação está longe de ser uma realidade.

Selena Gomez e Benny Blanco: Casamento de Luxo com Estrelas de Hollywood na Lista de Convidados

O grande dia em Santa Bárbara

Selena Gomez, de 33 anos, prepara-se para dar o “sim” ao produtor musical Benny Blanco, de 37, num casamento que promete ser um dos eventos do ano em Hollywood. A cerimónia decorre na romântica Sea Crest Nursery, uma propriedade privada de 70 hectares em Goleta, Califórnia, rodeada de palmeiras e cicadáceas, criando o cenário perfeito para um enlace digno de cinema.

Um fim de semana recheado de glamour

As celebrações arrancaram na sexta-feira à noite com um jantar de ensaio num palacete em Hope Ranch, uma exclusiva área residencial situada nos contrafortes das montanhas de Santa Ynez. A mansão, com dez quartos e fachada branca, recebeu cerca de 170 convidados que chegaram de Mercedes e SUVs, em grande estilo.

Entre os presentes esteve a inseparável amiga de Selena, Taylor Swift, que entrou discretamente no local acompanhada por um pequeno comboio de três viaturas.

Estrelas de comédia na festa

A lista de convidados também contou com colegas de elenco de Only Murders in the Building. Steve Martin (80), Martin Short (75) e Paul Rudd (56) foram vistos a conviver animadamente no hotel de luxo El Encanto, em Santa Bárbara, antes de serem levados para o jantar. O resort acolhe a maioria dos convidados, que depois são transportados para os diferentes eventos ao longo do fim de semana.

Um casamento ao estilo de Hollywood

Com a junção de estrelas da música, do cinema e da televisão, o casamento de Selena Gomez e Benny Blanco não é apenas uma celebração romântica, mas também um acontecimento mediático. Entre palmeiras californianas, luxuosos resorts e uma lista de convidados repleta de ícones pop, a união da cantora com o produtor promete entrar diretamente para a galeria dos casamentos mais comentados de Hollywood.

Bill Murray Surpreende Fãs na Irlanda: Actor Compra Bebidas e Tira Fotografias

Um encontro inesperado em Londonderry

Bill Murray, conhecido por papéis inesquecíveis em Ghostbusters, Lost in Translation e Groundhog Day, mostrou na Irlanda que está longe de ser um verdadeiro “Scrooge”. O ator de 75 anos foi apanhado de surpresa por fãs numa loja em Greysteel, County Londonderry, onde não só aceitou conversar, como ainda posou para fotografias com os funcionários.

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O momento tornou-se ainda mais divertido quando foi o próprio irmão do ator, Joel Murray, quem se ofereceu para tirar a fotografia ao lado dos trabalhadores do balcão da charcutaria.

Uma viagem pela ilha esmeralda

A visita à loja foi apenas mais uma paragem na jornada de Murray pela Irlanda. Nos últimos dias, o ator deslocou-se até ao County Sligo, onde entrou de forma espontânea num pub local e ofereceu bebidas a alguns clientes habituais. Em Ardara, County Donegal, voltou a mostrar a sua simpatia, sempre disposto a conversar e a divertir quem o abordava.

No Beach Bar, em Sligo, Murray esteve acompanhado pelo irmão Joel e pela comediante irlandesa Joanne McNally. O gerente do espaço, Darren McDermott, contou à BBC News NI que já suspeitava da visita:

“Tínhamos ouvido que alguns famosos poderiam aparecer, mas não sabíamos quem. Como sabíamos que o Bill estava pela zona, já desconfiava. Mas só quando entrou é que tivemos a confirmação.”

Sempre bem-disposto e “down to earth”

Segundo o gerente, Murray não desiludiu: comprou rodadas de bebidas, riu-se com os clientes e mostrou-se acessível e humilde. Apesar de não ser a primeira vez que celebridades passam pelo bar — já lá tinham estado Cillian Murphy e Peter Dinklage —, a presença de Bill Murray deixou uma marca especial.

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A lenda continua

A espontaneidade do ator, tanto no grande ecrã como fora dele, parece ser um traço que o acompanha sempre. Para muitos, encontrar Bill Murray é como viver dentro de uma das suas comédias: inesperado, surreal e cheio de charme.