“Isto não estava no meu bingo”: O trailer de The Odyssey de Christopher Nolan apanha fãs de surpresa

Travis Scott surge no épico histórico e a Internet entrou em curto-circuito

Os fãs de Christopher Nolan estão todos a dizer a mesma coisa — e, desta vez, não é sobre cronologias complexas ou teorias mirabolantes. O mais recente teaser de The Odyssey, adaptação ambiciosa do poema épico de Homero, deixou o público genuinamente surpreendido ao revelar uma presença inesperada: Travis Scott.

O teaser, com cerca de um minuto, foi exibido durante um intervalo publicitário da transmissão do jogo do Campeonato AFC da NFL, entre os New England Patriots e os Denver Broncos. Bastou isso para incendiar as redes sociais. Não por causa das imagens grandiosas, nem do tom épico habitual de Nolan — mas porque, no meio da cena, surge Travis Scott, num papel que parece marcar a sua estreia num grande filme de estúdio.

Um bardo, um aviso… e um choque colectivo

No excerto revelado, vemos Jon Bernthal no papel de Menelau e Tom Holland como Telémaco, reunidos numa espécie de refeitório militar. A tensão é palpável. De repente, a personagem interpretada por Travis Scott levanta-se, bate com um bastão no chão e profere um aviso solene sobre uma guerra iminente e um estratagema destinado a destruir Tróia.

O momento é curto, mas suficiente para provocar uma reacção em cadeia. “Travis Scott num filme do Christopher Nolan não estava no meu bingo”, escreveu um utilizador na rede social X. Outros seguiram o mesmo tom de incredulidade: “Nunca pensei ler esta frase” ou “Nem sabia que ele entrava no filme”.

Rappers no cinema: moda passageira ou aposta séria?

Como é habitual nestes casos, nem todas as reacções foram entusiastas. Houve quem questionasse porque razão tantos rappers estão a tentar a sorte na representação. A comparação surgiu rapidamente com A$AP Rocky, que recentemente entrou no drama If I Had Legs I’d Kick You, ao lado da actriz Rose Byrne.

Ainda assim, muitos fãs mostraram curiosidade e até optimismo. Para alguns, Nolan é precisamente o realizador certo para testar este tipo de escolha improvável. “Se há alguém que consegue tirar algo interessante daqui, é o Nolan”, lia-se noutro comentário.

Um épico de luxo com um elenco impressionante

The Odyssey tem estreia marcada para 17 de Julho e apresenta Matt Damon no papel de Ulisses (Odysseus), rei de Ítaca, acompanhando a sua longa e atribulada viagem de regresso a casa após a Guerra de Tróia. O elenco é, sem exagero, de luxo: Robert Pattinson, Zendaya, Charlize Theron, Anne Hathaway, Mia Goth e Benny Safdie completam o grupo.

Uma colaboração que não é totalmente inédita

Apesar de ser a sua estreia num grande épico cinematográfico, Travis Scott já tinha trabalhado com Nolan. O rapper assinou a música “The Plan”, incluída na banda sonora de Tenet. Ainda assim, vê-lo agora em frente à câmara, num universo tão distante do seu habitat musical, é outra conversa.

Se esta escolha vai resultar ou não, só o filme o dirá. Para já, uma coisa é certa: The Odyssey conseguiu aquilo que Nolan raramente falha — pôr toda a gente a falar.

Surpresa, política e ausências sonantes: One Battle After Another lidera as nomeações para os BAFTA

Thriller de Leonardo DiCaprio destaca-se numa edição marcada por diferenças face aos Óscares

As nomeações para os BAFTA Film Awards deste ano confirmam aquilo que já se vinha a desenhar nas últimas semanas: o cinema britânico e internacional segue caminhos próprios, nem sempre alinhados com Hollywood. O grande destaque vai para One Battle After Another, thriller político protagonizado por Leonardo DiCaprio, que lidera a corrida com 14 nomeações, tornando-se o filme mais nomeado desta edição.

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Logo atrás surge o vampírico Sinners, com 13 nomeações, enquanto Hamnet e a inesperada biografia desportiva Marty Supreme arrecadam 11 nomeações cada. Apesar do forte desempenho, nenhum destes títulos conseguiu igualar o recorde absoluto dos BAFTA, fixado nas 16 nomeações por Gandhi (1982).

DiCaprio, Infiniti e Taylor em destaque

Para além de DiCaprio, One Battle After Another valeu nomeações a Chase Infiniti e Teyana Taylor, consolidando o filme como um dos fenómenos críticos do ano. Curiosamente, Infiniti é um dos actores que ficaram de fora das nomeações aos Óscares, mas que aqui encontra reconhecimento — uma tendência que se repete noutras categorias.

Os BAFTA, ao disporem de seis nomeados por categoria (em vez dos cinco habituais nos Óscares), permitem uma maior diversidade de escolhas e dão espaço a desempenhos que ficaram à margem da corrida norte-americana.

Paul Mescal, Jessie Buckley e o peso britânico

13/12/2025 Dublin Ireland. Photo shows actor Paul Mescal and actress Jessie Buckley at the irish premiere of the film Hamnet at the Light House Cinema. Photo: Leah Farrell/© RollingNews.ie

Entre os actores, Paul Mescal e Jessie Buckley surgem nomeados por Hamnet, reforçando a forte presença de talento britânico e irlandês nesta edição. Buckley é, de resto, considerada uma das favoritas também na corrida aos Óscares, ao lado de Timothée Chalamet, que repete igualmente a sua nomeação nos BAFTA.

A lista inclui ainda vários nomes britânicos em evidência, como Carey Mulligan, Emily Watson, Robert Aramayo e Peter Mullan, sublinhando a missão dos BAFTA em promover o cinema produzido no Reino Unido.

As grandes ausências e as escolhas polémicas

Nem tudo são boas notícias. Quatro actores nomeados aos Óscares ficaram de fora dos BAFTA: Amy Madigan, Delroy Lindo, Wagner Moura e Elle Fanning — sendo que Moura e Fanning nem sequer integraram as longlists da academia britânica.

Em contrapartida, Jesse Plemons e Odessa A’Zion, ignorados pelos Óscares, surgem aqui nomeados.

Outro caso curioso é Wicked: For Good, que falhou completamente os Óscares mas conseguiu duas nomeações técnicas nos BAFTA, enquanto o thriller brasileiro The Secret Agent vê reduzido para metade o número de nomeações face à Academia de Hollywood.

A ausência mais notada é, talvez, KPop Demon Hunters, o fenómeno viral da Netflix, que ficou de fora por não ter tido estreia em sala no Reino Unido — um lembrete de que, para os BAFTA, o cinema continua a começar no grande ecrã.

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Cerimónia marcada para Fevereiro

Os BAFTA Film Awards realizam-se no próximo 22 de Fevereiro, no Royal Festival Hall, em Londres, com apresentação de Alan Cumming. Até lá, One Battle After Another parte na dianteira — mas, como sempre, a noite promete surpresas.

Quando a Exaustão Ganha Forma de Thriller: Se Eu Tivesse Pernas, Dava-te Um Pontapé Chega aos Cinemas

Um drama psicológico intenso que promete deixar marcas no espectador

Há filmes que não se limitam a contar uma história — instalam-se no corpo e na cabeça de quem os vê. Se Eu Tivesse Pernas, Dava-te Um Pontapé pertence claramente a essa categoria. O novo filme escrito e realizado por Mary Bronsteinestreia nas salas de cinema portuguesas a 19 de Fevereiro, trazendo consigo uma das interpretações mais comentadas, exigentes e perturbadoras do ano, assinada por Rose Byrne  .

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Rose Byrne num registo cru, físico e emocionalmente devastador

Conhecida sobretudo pelo seu talento para a comédia e por personagens carismáticas, Rose Byrne apresenta aqui uma viragem radical. A actriz interpreta Linda, terapeuta e mãe, cuja vida entra num processo acelerado de implosão quando a filha desenvolve uma doença misteriosa e resistente a qualquer tratamento. A partir desse ponto, tudo parece contribuir para o colapso: um marido emocionalmente ausente, uma paciente que desaparece sem explicação e uma relação profissional cada vez mais tóxica com o seu próprio psicólogo.

Não é por acaso que esta interpretação já foi distinguida com um Globo de Ouro e com o prémio de Melhor Actriz no Festival de Berlim, além de ter garantido nomeações para os BAFTA e para os Óscares. Byrne está presente em praticamente todos os planos do filme, numa entrega física e emocional que não concede descanso ao espectador.

Um thriller emocional sem banda sonora — e por isso ainda mais inquietante

Apesar de se apresentar como um drama psicológico, Se Eu Tivesse Pernas, Dava-te Um Pontapé assume muitas das características de um thriller. O ritmo é tenso, claustrofóbico, e a sensação de ameaça nunca desaparece verdadeiramente — mesmo quando nada de “objectivamente” perigoso parece acontecer.

Um dos elementos mais interessantes da proposta de Mary Bronstein é a ausência de uma banda sonora tradicional. Em vez disso, o filme aposta num desenho sonoro imersivo, que amplifica ruídos, silêncios e sons ambientes. Hospitais, consultórios e quartos de motel transformam-se em extensões da mente de Linda, lugares onde o desgaste emocional se manifesta de forma quase física.

A realizadora descreve o filme como uma tentativa de capturar aquele estado mental específico em que sentimos que tudo está a ruir e que, de alguma forma, a culpa é exclusivamente nossa. É uma abordagem pouco romantizada da maternidade, do cuidar e da responsabilidade emocional — temas raramente tratados com esta frontalidade no cinema contemporâneo.

Um elenco inesperado e uma estreia portuguesa aguardada

Para além de Rose Byrne, o elenco inclui escolhas surpreendentes. Conan O’Brien surge aqui na sua estreia em cinema dramático, enquanto A$AP Rocky integra também o elenco, contribuindo para um conjunto de personagens que reforçam a estranheza e a instabilidade emocional do universo do filme.

Depois de uma recepção muito positiva nos festivais internacionais, o filme chega finalmente ao público português, com uma duração de 113 minutos e a promessa de ser uma das experiências cinematográficas mais intensas do início do ano.

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Se Eu Tivesse Pernas, Dava-te Um Pontapé não é um filme confortável — e ainda bem. É cinema que arrisca, que provoca e que permanece muito depois de as luzes da sala se acenderem.

Send Help: Sam Raimi volta ao terror com um thriller de sobrevivência feroz protagonizado por Rachel McAdams

Quando o inferno são os outros… numa ilha deserta

Há filmes que partem de uma ideia simples e outros que pegam nessa ideia e a levam até ao limite da loucura. Send Helppertence claramente à segunda categoria. O novo filme de Sam Raimi, mestre do terror com sentido de humor perverso, junta Rachel McAdams e Dylan O’Brien num thriller de sobrevivência que troca a tensão romântica pelo desejo muito real de homicídio.

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A premissa é tão simples quanto cruel: Linda Liddle, uma funcionária apagada e constantemente humilhada numa empresa de consultoria, vê-se presa numa ilha deserta com o seu chefe abusivo, Bradley Preston, após a queda de um avião. O que começa como mais um exercício de poder corporativo transforma-se rapidamente num jogo psicológico e físico onde as hierarquias se invertem — e ninguém sai ileso.

Rachel McAdams como nunca a vimos

McAdams surge completamente despida de glamour, num papel que subverte tudo aquilo a que a actriz habituou o público ao longo da sua carreira. Linda é inicialmente submissa, invisível e desprezada, mas revela-se rapidamente uma sobrevivente nata, capaz de construir abrigo, caçar e enfrentar javalis selvagens sem pestanejar. A transformação da personagem é um dos grandes trunfos do filme e McAdams abraça o desafio com entrega total, tornando cada viragem narrativa credível e, acima de tudo, divertida.

O’Brien acompanha-a com igual energia. Primeiro como o chefe arrogante e desprezível que remindinga tudo o que está errado no mundo corporativo, depois como alguém que parece aprender humildade — embora, em Send Help, as aparências sejam sempre perigosas.

Sam Raimi em modo festa macabra

Este é o primeiro mergulho de Raimi no terror desde Drag Me to Hell (2009), e nota-se que o realizador está claramente a divertir-se. As sequências do desastre aéreo e do confronto com o javali são filmadas com uma exuberância quase caricatural, combinando gore, humor negro e um ritmo que nunca deixa o espectador respirar demasiado fundo. Raimi sabe exactamente quando chocar, quando provocar riso nervoso e quando baralhar completamente as expectativas.

O argumento de Damian Shannon e Mark Swift aposta numa sucessão de reviravoltas que mantêm o filme constantemente imprevisível. Nem todas são essenciais, é verdade, e o último acto perde algum fôlego, mas o desfecho surpreendente e um epílogo mordaz compensam largamente.

Datas de estreia: o que já se sabe

Send Help tem estreia marcada nos Estados Unidos a 30 de Janeiro de 2026.

Como sempre, estas datas poderão ser actualizadas nas próximas semanas, sobretudo tendo em conta a distribuição internacional da Disney, que está a acompanhar de perto a recepção crítica muito positiva do filme.

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Uma coisa é certa: Send Help não é um simples thriller de sobrevivência. É uma experiência cruel, divertida, excessiva e assumidamente louca — exactamente aquilo que se espera quando Sam Raimi decide brincar com os nervos do público

Óscares 2026: As Grandes Omissões (e as Surpresas) Que Dizem Mais do Que os Vencedores

Entre recordes, ausências gritantes e apostas inesperadas, as nomeações voltam a revelar o estado de Hollywood

As nomeações para os Óscares 2026 trouxeram um misto de espanto e previsibilidade. Por um lado, Sinners entrou directamente para a história com 16 nomeações, um recorde absoluto. Por outro, alguns dos melhores filmes e interpretações do ano ficaram inexplicavelmente de fora. E como a própria Amanda Seyfried lembrou recentemente, ganhar um Óscar não é sinónimo de carreira bem-sucedida — mas uma omissão continua a doer, sobretudo quando revela contradições difíceis de ignorar.

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Ao longo da história da Academia, os snubs (essas exclusões dolorosas) acabaram por ser, muitas vezes, um barómetro mais honesto do cinema de um determinado ano do que os próprios vencedores. Em 2026, não é diferente.

Surpresa: “Train Dreams” | Omissão: Joel Edgerton

A estreia da nova categoria de Melhor Casting parecia feita à medida de filmes como One Battle After Another, Sinnersou Hamnet. Ainda assim, Train Dreams conseguiu a proeza de ser nomeado para Melhor Filme… sem qualquer nomeação para os seus actores. A ausência de Joel Edgerton, protagonista absoluto, levanta uma pergunta incómoda: o que torna um filme digno de Melhor Filme se não as interpretações que o sustentam?

Omissão: “Avatar: Fire and Ash”

É oficial: pela primeira vez, um filme da saga Avatar ficou fora da corrida a Melhor Filme. Avatar: Fire and Ash até marca presença noutras categorias técnicas, mas a Academia parece ter perdido o deslumbramento com o universo criado por James Cameron. Eywa continua viva em Pandora — mas claramente ausente em Hollywood…

Surpresa (e polémica): “F1”

Talvez a nomeação mais inesperada do ano. F1 chega a Melhor Filme depois de dominar o box office de Verão, mas a decisão divide opiniões. O filme funciona como thriller desportivo competente, mas é difícil ignorar o seu lado promocional da Fórmula 1. Mais estranho ainda: ficou fora de Melhor Fotografia, a categoria onde parecia ter caminho aberto.

Omissão: Paul Mescal em “Hamnet”

Em Hamnet, Paul Mescal assume um papel secundário — e é precisamente isso que torna a sua ausência tão curiosa. Num filme nomeado para Melhor Filme, Realização, Argumento Adaptado e Casting, a exclusão de um dos intérpretes-chave soa a incoerência. Especialmente quando Jessie Buckley surge como forte favorita.

Surpresa: Delroy Lindo em “Sinners”

Nem todas as histórias são de frustração. A nomeação de Delroy Lindo para Actor Secundário é um dos momentos mais celebrados do ano. A sua personagem em Sinners protagoniza uma das cenas mais intensas e memoráveis de 2025 — e, no meio de um recorde histórico de nomeações, esta pode ser finalmente a consagração que lhe escapava há décadas.

Omissão: Odessa A’Zion em “Marty Supreme”

Se Marty Supreme está nomeado para Melhor Casting, a ausência de Odessa A’Zion torna-se difícil de justificar. Num ano de afirmação e visibilidade crescente, a actriz entregou uma das interpretações secundárias mais vibrantes de 2025 — e foi ignorada.

Omissão total: “No Other Choice”

Talvez o caso mais gritante. No Other Choice, de Park Chan-wook, ficou fora de todas as categorias, incluindo Filme Internacional. É mais um capítulo estranho na relação da Academia com um dos autores mais respeitados do cinema contemporâneo, ainda sem qualquer Óscar no currículo.

Quando os Óscares falam… e quando se calam

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As nomeações de 2026 mostram uma Academia dividida entre abertura e conservadorismo, espectáculo e autor, técnica e emoção. Como sempre, os prémios dirão quem vence — mas as omissões já disseram muito sobre o momento actual de Hollywood 🎬.

“Shelter: Sem Limites” — Jason Statham Enfrenta o Passado Num Thriller de Sobrevivência à Beira do Abismo

Um homem isolado, uma jovem em perigo e uma ilha onde não existe refúgio possível

Há filmes que não precisam de grandes voltas para deixar clara a sua proposta. Shelter: Sem Limites é um deles. Com estreia marcada em Portugal para 5 de Fevereiro, o novo thriller protagonizado por Jason Statham aposta numa combinação clássica — isolamento, redenção e violência inevitável — para contar uma história onde o instinto de sobrevivência fala sempre mais alto.

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Com o título original Shelter, o filme transporta-nos para uma ilha escocesa remota, um cenário agreste e implacável que funciona quase como mais uma personagem. É aqui que vive um homem recluso, afastado do mundo e claramente a fugir de um passado que prefere não revisitar. A tranquilidade forçada da sua existência termina no momento em que resgata uma jovem do mar, um acto aparentemente simples que desencadeia uma sucessão de acontecimentos cada vez mais perigosos.

Quando salvar alguém significa declarar guerra

A jovem resgatada, interpretada por Naomi Ackie, não é apenas uma vítima indefesa. A sua presença traz consigo ameaças invisíveis, inimigos determinados e segredos que rapidamente colocam o protagonista na mira de forças implacáveis. Aquilo que começou como um gesto de humanidade transforma-se numa luta brutal pela sobrevivência, obrigando o personagem de Statham a confrontar tudo aquilo que tentou deixar para trás.

O filme constrói a sua tensão a partir dessa ideia simples, mas eficaz: não existe salvação sem consequências. Cada passo dado para proteger a jovem aproxima o protagonista de um passado violento que volta a reclamar o seu preço.

Acção crua e personagens com peso

Na realização está Ric Roman Waugh, conhecido por thrillers de acção de tom sério e físico, onde a violência não é estilizada nem glorificada. Em Shelter: Sem Limites, essa abordagem traduz-se em confrontos directos, poucos diálogos explicativos e uma narrativa que confia mais nas acções do que nas palavras.

O elenco conta ainda com Bill Nighy, cuja presença acrescenta densidade dramática a um filme que, apesar de assente na acção, não abdica de trabalhar temas como culpa, isolamento e redenção. Não estamos perante um herói clássico, mas sim um homem quebrado, empurrado para a violência porque todas as outras opções lhe foram retiradas.

Um thriller pensado para o grande ecrã

Visualmente, o filme tira partido da paisagem escocesa para criar uma atmosfera fria, opressiva e permanentemente ameaçadora. O isolamento geográfico reforça a ideia central da história: quando não há para onde fugir, resta apenas resistir.

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Shelter: Sem Limites não promete reinventar o cinema de acção, mas entrega exactamente aquilo que propõe — um thriller intenso, seco e eficaz, sustentado por um protagonista que sabe ocupar o centro do ecrã como poucos. Para os fãs de Jason Statham, é mais uma variação sólida do seu arquétipo preferido; para os restantes, um filme de tensão constante onde cada decisão pode ser a última 💥🎬.

A estreia acontece a 5 de Fevereiro, nas salas de cinema portuguesas.

A BBC Vai Criar Conteúdos Originais para o YouTube num Acordo Histórico

A televisão pública britânica aposta no digital para conquistar audiências jovens e reforçar o seu futuro

A BBC anunciou um acordo histórico com o YouTube que marca uma mudança profunda na estratégia digital da estação pública britânica. Pela primeira vez, a BBC vai produzir conteúdos pensados de raiz para o YouTube, deixando de usar a plataforma apenas como montra promocional para excertos e trailers dos seus programas tradicionais.

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Este novo passo surge num momento particularmente sensível para a BBC, cujo modelo de financiamento está a ser amplamente debatido no Reino Unido. A parceria permitirá não só alcançar públicos mais jovens e habituados ao consumo digital, como também gerar receitas adicionais através de publicidade internacional — algo que não acontecerá dentro do território britânico, onde os conteúdos continuarão sem anúncios.

Conteúdos pensados para uma geração “digital-first”

Os novos programas serão direccionados sobretudo para uma audiência mais jovem, nativa digital, habituada a consumir conteúdos curtos, dinâmicos e adaptados às linguagens das plataformas online. Ainda assim, parte desse material poderá também ser disponibilizado no BBC iPlayer e no BBC Sounds, criando pontes entre o ecossistema digital e os serviços tradicionais da estação.

A oferta será variada e ambiciosa, incluindo entretenimento, documentários, conteúdos infantis, informação noticiosa e desporto. Um dos primeiros grandes destaques será a cobertura dos Jogos Olímpicos de Inverno, já em Fevereiro, pensada especificamente para o público do YouTube.

Num comunicado conjunto, BBC e YouTube sublinham que o objectivo é mostrar “o melhor da narrativa e do jornalismo britânicos”, adaptados a novos formatos e hábitos de consumo.

Uma resposta directa à mudança de hábitos

O director-geral da BBC, Tim Davie, destacou a importância estratégica do acordo, afirmando que este permitirá à corporação “ligar-se às audiências de novas formas”. Segundo Davie, trata-se de “levar conteúdos ousados e genuinamente britânicos para os formatos que o público já procura no YouTube”, ao mesmo tempo que se cria uma porta de entrada para os serviços tradicionais da BBC.

Os números ajudam a perceber a urgência desta mudança. Em Dezembro, o YouTube ultrapassou pela primeira vez a BBC em número de espectadores no Reino Unido — 52 milhões contra 51 milhões, de acordo com dados da entidade de medição Barb. Nos Estados Unidos, estudos recentes indicam que as redes sociais e plataformas de vídeo já superaram a televisão tradicional como principal fonte de notícias.

Formação e aposta nos criadores do futuro

O acordo não se fica pela produção de conteúdos. A BBC e o YouTube vão também lançar um programa de formação sem precedentes, integrado no plano governamental para as indústrias criativas. Liderada pela National Film and Television School, a iniciativa vai convidar 150 profissionais dos media a participar em workshops e eventos focados no desenvolvimento de competências específicas para o YouTube.

Pedro Pina, vice-presidente do YouTube para a região EMEA, afirmou estar “entusiasmado” com a parceria, defendendo que esta vai “redefinir os limites da narrativa digital” e garantir que o impacto cultural da BBC chega a uma audiência mais jovem e global.

Um futuro em aberto para a BBC

Este acordo surge num contexto político delicado. A secretária da Cultura britânica, Lisa Nandy, já classificou a taxa de licença da BBC como “inaplicável”, admitindo que “nenhuma opção está fora da mesa” na revisão do modelo de financiamento da estação pública.

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Ao apostar de forma clara no YouTube, a BBC não está apenas a seguir uma tendência — está a tentar garantir a sua relevância num mundo onde o consumo audiovisual mudou radicalmente. Resta agora perceber até que ponto esta estratégia conseguirá equilibrar serviço público, sustentabilidade financeira e uma nova geração de espectadores.

Vergonha, Glitter e Mau Cinema: Snow White e War of the Worlds  Lideram as Nomeações aos Razzie 2026

Os prémios do pior do ano já chegaram — e não poupam estrelas, estúdios nem egos gigantes

Um ano depois de Gal Gadot e Rachel Zegler subirem juntas ao palco dos Óscares para promover a aguardada versão em imagem real de Snow White, a realidade é bem menos encantada. Em 2026, o filme da Disney surge no topo das nomeações… mas para os Razzie Awards, os infames prémios que distinguem o pior que o cinema tem para oferecer.

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Snow White lidera a lista com seis nomeações, empatando com War of the Worlds, protagonizado por Ice Cube, outro dos grandes “vencedores” desta edição. Ambos competem, entre outras categorias, pelo temido título de Pior Filme do Ano.

A edição de 2026 dos Razzies promete ser particularmente demolidora, apontando baterias não só a produções falhadas, mas também a decisões criativas questionáveis, remakes sem alma e estrelas que, desta vez, não escaparam ao escrutínio mais cruel de Hollywood.

O prémio de pior filme está bem disputado

Na corrida para Pior Filme, Snow White e War of the Worlds enfrentam concorrência de peso — ou falta dele. Entre os nomeados estão Hurry Up Tomorrow, protagonizado por The Weeknd, Star Trek: Section 31, um spin-off ambicioso que acabou por desapontar, e The Electric State, a superprodução da Netflix assinada pelos irmãos Russo.

A ironia não passa despercebida: muitos destes projectos nasceram com ambições de blockbuster, orçamentos generosos e elencos de luxo. O resultado, segundo os Razzies, foi precisamente o oposto.

Remakes, egos e decisões duvidosas

Snow White e War of the Worlds voltam a cruzar caminhos em várias categorias, incluindo Pior Remake, Pior Realização, Pior Argumento e Pior Combinação em Cena — com destaque para a nomeação colectiva dos “sete anões artificiais” e para Ice Cube & a sua câmara de Zoom, uma das piadas mais cruéis (e eficazes) da lista.

Os Razzies de 2026 também não poupam actores consagrados. Entre os nomeados encontramos vencedores de Óscares como Natalie Portman, Michelle Yeoh e Jared Leto, provando que nem estatuetas douradas protegem contra más escolhas.

A cerimónia… no pior dia possível

Os Razzie Awards 2026 serão entregues a 14 de Março, precisamente no dia anterior à cerimónia dos Óscares. O troféu, fiel à tradição, continua a ser uma estatueta dourada pintada com spray, avaliada em 4,97 dólares — um símbolo perfeito para celebrar o lado menos glorioso da indústria.

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🏆 Lista Completa de Nomeados aos Razzie Awards 2026

Pior Filme

  • Snow White (2025)
  • The Electric State
  • Hurry Up Tomorrow
  • Star Trek: Section 31
  • War of the Worlds (2025)

Pior Actor

  • Dave Bautista – In the Lost Lands
  • Ice Cube – War of the Worlds
  • Scott Eastwood – Alarum
  • Jared Leto – Tron: Ares
  • Abel “The Weeknd” Tesfaye – Hurry Up Tomorrow

Pior Actriz

  • Ariana DeBose – Love Hurts
  • Milla Jovovich – In the Lost Lands
  • Natalie Portman – Fountain of Youth
  • Rebel Wilson – Bride Hard
  • Michelle Yeoh – Star Trek: Section 31

Pior Remake / Cópia / Sequela

  • Five Nights at Freddy’s 2
  • I Know What You Did Last Summer (2025)
  • Smurfs (2025)
  • Snow White (2025)
  • War of the Worlds (2025)

Pior Actriz Secundária

  • Anna Chlumsky – Bride Hard
  • Ema Horvath – The Strangers: Chapter 2
  • Scarlet Rose Stallone – Gunslingers
  • Kacey Rohl – Star Trek: Section 31
  • Isis Valverde – Alarum

Pior Actor Secundário

  • Os Sete Anões Artificiais – Snow White (2025)
  • Nicolas Cage – Gunslingers
  • Stephen Dorff – Bride Hard
  • Greg Kinnear – Off the Grid
  • Sylvester Stallone – Alarum

Pior Combinação em Cena

  • Todos os Sete Anões – Snow White (2025)
  • James Corden & Rihanna – Smurfs (2025)
  • Ice Cube & a sua câmara de Zoom – War of the Worlds (2025)
  • Robert De Niro & Robert De Niro – The Alto Knights
  • The Weeknd & o seu ego colossal – Hurry Up Tomorrow

Pior Realização

  • Rich Lee – War of the Worlds (2025)
  • Olatunde Osunsanmi – Star Trek: Section 31
  • Irmãos Russo – The Electric State
  • Trey Edward Shults – Hurry Up Tomorrow
  • Marc Webb – Snow White (2025)

Pior Argumento

  • The Electric State – Christopher Markus & Stephen McFeely
  • Hurry Up Tomorrow – Trey Edward Shults, Abel Tesfaye, Reza Fahim
  • Snow White (2025) – Erin Cressida Wilson e muitos outros
  • Star Trek: Section 31 – Craig Sweeny
  • War of the Worlds (2025) – Kenny Golde & Marc Hyman (a “destruir” H.G. Wells)

Justiça Sob Algoritmo: Mercy: Prova de Culpa Chega a Portugal com Chris Pratt em Modo Sombrio

O thriller futurista estreia nos cinemas portugueses a 22 de Janeiro de 2026 e questiona quem deve julgar: humanos ou máquinas

À primeira vista, Mercy parecia um projecto condenado ao cepticismo. Um thriller distópico sobre justiça algorítmica protagonizado por Chris Pratt, actor que passou a última década soterrado pelo peso das grandes franquias, dificilmente soaria a proposta refrescante. No entanto, o filme revela-se uma surpresa moderada — não revolucionária, mas mais inteligente, dinâmica e provocadora do que o seu ponto de partida fazia prever.

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Em Portugal, o filme chega com o título Mercy: Prova de Culpa e tem estreia marcada para 22 de Janeiro de 2026, alinhando-se com o lançamento internacional. Uma data que coloca este thriller de ficção científica mesmo no início do ano cinematográfico, com ambições claras de captar a atenção de quem gosta de histórias tensas, tecnológicas e moralmente desconfortáveis.

Um julgamento onde o relógio dita a sentença

A acção decorre num futuro próximo, demasiado plausível para conforto. Chris Raven é um agente da polícia de Los Angeles que acorda após uma noite de excessos para descobrir que foi detido e colocado numa cadeira de interrogatório digital. A acusação é devastadora: o homicídio da própria mulher. Sem direito a um julgamento tradicional, Raven é integrado no programa “Mercy”, uma experiência judicial radical onde o arguido é avaliado por uma inteligência artificial.

Essa entidade chama-se Judge Maddox, interpretada com frieza elegante por Rebecca Ferguson, e acumula os papéis de juíza, júri e carrasca. A lógica do sistema é simples e aterradora: Raven dispõe de 90 minutos para provar a sua inocência. Se a probabilidade calculada de inocência ultrapassar os 94%, é libertado. Caso contrário, a execução acontece automaticamente quando o tempo termina.

A culpa é presumida. A dúvida razoável é um número. A justiça é um algoritmo.

Menos panfleto, mais mistério

Seria fácil transformar Mercy: Prova de Culpa num manifesto anti-tecnologia ou numa sátira pesada ao Estado policial. O filme evita esse caminho mais óbvio e opta por algo mais interessante. O tribunal virtual não está completamente viciado contra o arguido. Pelo contrário, Raven tem acesso total a provas, testemunhas, imagens de vigilância e documentos, navegando por um arquivo digital quase infinito.

Este dispositivo transforma o filme num híbrido curioso: parte thriller em tempo real, parte investigação criminal acelerada, com ecos de Minority Report, Memento e até de videojogos de detectives. As pistas acumulam-se rapidamente, o ritmo raramente abranda e a narrativa mantém-se envolvente mesmo quando a conspiração central não foge a terrenos muito inovadores.

Um Chris Pratt mais áspero e eficaz

Chris Raven é um protagonista imperfeito: alcoólico em recaída, emocionalmente instável, divorciado e com um passado profissional que o coloca numa posição irónica — foi ele próprio responsável por levar a tribunal o primeiro arguido julgado pelo programa Mercy, num processo pensado para legitimar o sistema.

Pratt interpreta-o como um herdeiro directo dos detectives dos anos 90, à la Bruce Willis, abandonando a persona de boa disposição genérica que marcou a sua fase mais comercial. Aqui, está mais duro, mais agressivo e mais convincente. É uma das suas performances mais interessantes fora do universo das franquias.

Rebecca Ferguson domina o filme

Apesar de um elenco secundário competente, é Judge Maddox quem verdadeiramente marca o filme. Rebecca Fergusonconsegue dar a uma entidade programada uma estranha sensação de presença e quase-consciência, falando com uma lógica autoritária que nunca perde o controlo.

É através desta personagem que o filme lança a sua questão mais provocadora: será que uma inteligência artificial pode avaliar provas com mais objectividade do que um júri humano? Mercy: Prova de Culpa não responde de forma simplista. Pelo contrário, sugere que o problema não está apenas na tecnologia, mas na forma como os humanos a utilizam — ou se escondem atrás dela.

Um thriller eficaz, mesmo sem reinventar o género

Realizado por Timur Bekmambetov, conhecido por Wanted, o filme aposta numa montagem nervosa, numa estética digital agressiva e num ritmo quase constante, ao ponto de justificar a existência de três editores. Nem todas as personagens secundárias são plenamente desenvolvidas, mas o foco mantém-se onde interessa: no dilema moral e na corrida contra o tempo.

Mercy: Prova de Culpa não vai redefinir o cinema de ficção científica nem o thriller judicial, mas é um exemplo sólido de entretenimento adulto, consciente do mundo em que vivemos e das perguntas desconfortáveis que já não podemos evitar.

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Veredicto final

Sem ser brilhante, Mercy: Prova de Culpa é um thriller eficaz, tenso e surpreendentemente equilibrado na forma como aborda a justiça, a tecnologia e o papel humano no meio de ambos. Uma estreia interessante para quem procura mais do que explosões e respostas fáceis.

O Regresso Sombrio a Sleepy Hollow: Clássico de Tim Burton ganha prequela inesperada… em banda desenhada

27 anos depois, o universo gótico de Sleepy Hollow expande-se com uma história mais negra, violenta e centrada na vilã do filme

Vinte e sete anos depois da estreia de Sleepy Hollow, um dos filmes mais marcantes da colaboração entre Tim Burton e Johnny Depp, o universo do Cavaleiro Sem Cabeça prepara-se para regressar — mas de uma forma que poucos fãs esperavam. Não se trata de um novo filme nem de uma série televisiva, mas sim de uma prequela em banda desenhada que promete mergulhar o terror gótico em águas ainda mais sombrias.

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A editora IDW Publishing anunciou o lançamento de Sleepy Hollow: The Witches of the Western Wood, uma minissérie de cinco números que chega às lojas a 6 de Maio, através do selo IDW Dark. A nova história irá explorar as origens de Lady Mary Van Tassel, a enigmática antagonista do filme, interpretada por Miranda Richardson na versão cinematográfica de 1999.

A origem de uma bruxa — e da sua ligação ao Cavaleiro Sem Cabeça

No filme original, Lady Van Tassel surge como a mente por detrás dos assassinatos que aterrorizam Sleepy Hollow, acabando tragicamente arrastada para o Inferno pelo próprio Hessian depois de o seu plano ser desmascarado por Ichabod Crane. A nova banda desenhada recua no tempo e revela quem ela era antes de adoptar essa identidade.

Segundo a sinopse oficial, a personagem chamava-se originalmente Sarah Archer e cresceu num ambiente marcado por abuso e negligência, aprendendo os caminhos da bruxaria ao lado da sua irmã gémea. O momento decisivo surge quando presencia a decapitação do temível Hessian, dando início a uma ligação sobrenatural que a transformará numa figura temida e poderosa.

Uma visão ainda mais negra do que o filme

A série é escrita por Delilah S. Dawson e ilustrada por Jose Jaro, dupla que promete levar o terror a um novo patamar. Dawson descreveu o projecto como um “sonho tornado realidade”, assumindo-se fã de Sleepy Hollow desde a sua estreia nos cinemas e de Tim Burton desde Pee-Wee’s Big Adventure.

De acordo com Riley Farmer, editora da IDW, a série foi desenvolvida com aprovação da Paramount Pictures, detentora dos direitos do filme, que deu liberdade criativa para explorar uma abordagem “mais negra e mais horrífica do que tudo o que Sleepy Hollow mostrou até hoje”. Uma promessa que deverá entusiasmar os fãs mais devotos do lado macabro do universo burtoniano.

Um universo que continua a crescer

Esta prequela surge depois de Return to Sleepy Hollow, uma sequela em banda desenhada lançada no ano passado, situada 15 anos após os acontecimentos do filme. Juntas, estas histórias estão a transformar Sleepy Hollow numa mitologia expandida, capaz de sobreviver — e prosperar — fora do cinema.

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Para quem cresceu com o filme de 1999 e mantém um carinho especial pela sua atmosfera gótica, The Witches of the Western Wood surge como uma oportunidade rara de revisitar esse mundo sob uma nova luz… ou melhor, numa escuridão ainda mais profunda.

O Último Inverno em Park City: Sundance despede-se da sua casa histórica e do legado de Robert Redford

O festival independente mais influente dos Estados Unidos vive uma edição emotiva, marcada pela mudança de cidade e pela ausência do seu fundador

O Sundance Film Festival prepara-se para um adeus carregado de simbolismo. A edição de 2026, que arranca esta semana em Park City, no Utah, será a última a realizar-se nesta pequena cidade de montanha que, durante mais de quatro décadas, se tornou sinónimo de cinema independente norte-americano. Para agravar a carga emocional do momento, é também a primeira edição sem a presença do seu fundador, Robert Redford, falecido em Setembro.

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À superfície, tudo parecerá familiar: estrelas de cinema, filas intermináveis para as sessões, voluntários incansáveis apesar do frio intenso e uma programação que mistura dramas comoventes, comédias inesperadas, thrillers e filmes difíceis de catalogar. No entanto, por detrás dessa normalidade aparente, o festival atravessa um dos períodos de maior transformação da sua história. Em 2027, o Sundance muda-se definitivamente para Boulder, no Colorado, encerrando um capítulo essencial da sua identidade.

Um festival moldado por um legado

Não surpreende que a palavra “legado” atravesse toda a programação desta última edição em Park City. Estão previstas exibições de cópias restauradas de títulos marcantes do passado do festival, como Little Miss Sunshine, Mysterious Skin, House Party e Humpday, bem como Downhill Racer (1969), o primeiro filme verdadeiramente independente de Robert Redford. O actor e realizador será também homenageado num evento de angariação de fundos do Instituto Sundance, que distinguirá nomes como Chloé Zhao, Ed Harris e Nia DaCosta.

Para muitos cineastas, o Sundance foi mais do que um festival: foi um ponto de viragem. Realizadores como Paul Thomas Anderson, Ryan Coogler ou a própria Zhao viram as suas carreiras ganhar forma graças ao apoio do Instituto. Gregg Araki, presença habitual desde os anos 90, recorda que sem o Sundance “muitos cineastas simplesmente não teriam tido carreira”.

Estrelas, riscos e cinema sem medo

A programação de 2026 mantém a aposta em “grandes riscos” artísticos. Entre os títulos mais aguardados estão The Gallerist, sátira ao mundo da arte protagonizada por Natalie Portman, Carousel, drama romântico com Chris Pine e Jenny Slate, e I Want Your Sex, novo filme provocador de Araki. Olivia Wilde surge tanto à frente como atrás das câmaras, enquanto Alexander Skarsgård e Olivia Colman protagonizam Wicker. A presença de Charli XCX, em vários projectos, reforça a ligação do festival à cultura pop contemporânea.

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No campo documental, o Sundance volta a afirmar-se como espaço de reflexão urgente, com filmes sobre figuras públicas, direitos humanos, conflitos internacionais e injustiças históricas, mantendo a tradição de lançar obras que frequentemente chegam aos Óscares.

O fim de um lugar, não de uma ideia

Entre os habituais encontros na Main Street e as salas emblemáticas como o Egyptian Theatre, sente-se uma melancolia inevitável. Muitos participantes admitem que Park City já não comportava a dimensão do festival, mas isso não torna a despedida menos emotiva. Como recorda Gregg Araki, “os lugares mudam, mas a identidade do Sundance sobrevive”.

O festival pode abandonar Park City, mas a sua missão — dar voz ao cinema independente — segue intacta. O último inverno nesta cidade será, acima de tudo, uma celebração de tudo o que ali nasceu.

Cinema português em destaque na Europa: Laura Carreira vence Prémio Descoberta com 

On Falling Uma primeira longa-metragem que confirma um novo talento a seguir de perto

O cinema português voltou a merecer atenção internacional este fim-de-semana com a distinção de Laura Carreira, vencedora do Prémio Descoberta atribuído pela Academia Europeia de Cinema. O galardão foi entregue ao filme On Falling, a primeira longa-metragem da realizadora, que tem vindo a construir um percurso sólido e coerente entre Portugal e o Reino Unido.

Produzido numa parceria luso-britânica entre a BRO Cinema e a Sixteen Films, On Falling confirma Laura Carreira como uma das vozes mais interessantes do cinema europeu emergente, apostando num registo intimista, socialmente atento e profundamente contemporâneo.

Precariedade, solidão e emigração no centro da narrativa

O filme acompanha Aurora, uma jovem portuguesa emigrada na Escócia, cuja vida é marcada por empregos precários, rotinas extenuantes e uma solidão silenciosa que se vai instalando de forma quase invisível. Longe de discursos fáceis ou dramatizações excessivas, On Falling observa o quotidiano da personagem com uma câmara contida, quase documental, deixando que os pequenos gestos e silêncios falem por si.

É precisamente nesta abordagem discreta, mas emocionalmente incisiva, que reside a força do filme. Laura Carreira constrói um retrato honesto da experiência migrante contemporânea, tocando em temas como a alienação laboral, a fragilidade das redes de apoio e o desgaste psicológico de quem vive permanentemente “em queda”, num equilíbrio instável entre sobrevivência e identidade.

Um percurso de prémios que não pára de crescer

A distinção agora atribuída pela Academia Europeia de Cinema junta-se a um impressionante conjunto de prémios conquistados por On Falling ao longo do último ano. Em 2024, Laura Carreira venceu um prémio de realização no Festival de San Sebastián, um dos mais prestigiados eventos cinematográficos da Europa. O filme foi também distinguido no Festival de Cinema de Londres com o Prémio de Primeira Longa-Metragem.

Na Escócia, onde a realizadora vive e trabalha há mais de uma década, On Falling recebeu ainda dois prémios BAFTA Scotland — Melhor Argumento e Melhor Filme de Ficção — consolidando a recepção entusiasta da crítica britânica.

Joana Santos também em evidência

O reconhecimento internacional estende-se igualmente ao elenco. A actriz Joana Santos, protagonista do filme, foi distinguida no Festival Internacional de Cinema de Salónica, na Grécia, graças a uma interpretação contida, sensível e profundamente humana, que evita qualquer tentação de exagero dramático.

A sua composição de Aurora é fundamental para o impacto do filme, funcionando como âncora emocional de uma história onde o não-dito é tão importante quanto o que é verbalizado.

Um nome a fixar no novo cinema europeu

Depois das curtas-metragens Red Hill (2018) e The Shift (2020), On Falling marca um passo decisivo na carreira de Laura Carreira. A distinção da Academia Europeia de Cinema não só valida o percurso já feito, como projeta a realizadora portuguesa para um futuro onde o seu nome deverá continuar a surgir associado ao melhor cinema de autor europeu.

Sem ruído, sem pressa e sem concessões fáceis, On Falling prova que, por vezes, é nos gestos mais simples que se escondem os filmes mais duradouros.

Speedy Gonzales acelera rumo ao cinema: Warner Bros. recupera o rato mais rápido do México

Um clássico dos Looney Tunes prepara finalmente o salto a solo

Depois de anos a surgir apenas de raspão no grande ecrã, Speedy Gonzales está novamente em desenvolvimento para um filme próprio. A Warner Bros. Pictures Animation voltou a pôr o projecto em marcha e já escolheu quem vai liderar esta nova corrida: Jorge R. Gutiérrez, um dos nomes mais reconhecidos da animação contemporânea com forte identidade cultural.

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Para já, o estúdio mantém tudo em segredo: não há elenco anunciado, não existe data de estreia e o argumento ainda não tem guionista associado. Ainda assim, a simples confirmação de que Speedy Gonzales terá finalmente um filme autónomo é suficiente para entusiasmar fãs de várias gerações.

Mais de 70 anos de velocidade, humor e polémica

Criado nos anos 40, Speedy Gonzales é uma das personagens mais icónicas do universo Looney Tunes, conhecido como “o rato mais rápido de todo o México”. Ao longo de décadas, conquistou público com a sua astúcia, rapidez e humor físico, mas também se tornou uma figura controversa, frequentemente discutida à luz das mudanças culturais e sociais.

Nos últimos anos, a Warner optou por reduzir a sua presença a participações pontuais em projectos como Space Jam: A New Legacy ou na série infantil Bugs Bunny Builders. Agora, o estúdio parece confiante numa reinterpretação que respeite o legado da personagem, mas que fale para um público global e contemporâneo.

Jorge R. Gutiérrez: identidade visual e cultural forte

A escolha de Jorge R. Gutiérrez não é inocente. O realizador destacou-se com projectos como The Book of Life e a série Maya and the Three, sempre com uma abordagem visual exuberante e um profundo respeito pela cultura mexicana e latino-americana.

Bill Damaschke, presidente da Warner Bros. Pictures Animation, descreveu Gutiérrez como “um contador de histórias singular”, sublinhando que a sua voz artística consegue ser simultaneamente intemporal e moderna — uma combinação essencial para reinventar Speedy Gonzales sem o descaracterizar.

Um projecto antigo que regressa à vida

Esta não é a primeira tentativa de levar Speedy Gonzales para o cinema. Em 2016, esteve em desenvolvimento um filme intitulado Speedy, com Eugenio Derbez associado ao projecto. A ideia acabou por morrer na secretária dos estúdios, muito por receios ligados à sensibilidade cultural da personagem. Em 2024, Derbez chegou mesmo a afirmar que Hollywood tinha “medo” do politicamente incorrecto.

Resta saber se algum elemento dessa versão será reaproveitado ou se esta nova abordagem começará completamente do zero.

Um futuro animado para os Looney Tunes

O regresso de Speedy Gonzales surge numa fase curiosa para a Warner. Ao mesmo tempo que o estúdio volta a apostar nas suas personagens clássicas, projectos outrora dados como perdidos começam a ressurgir, como Coyote vs. Acme, agora com estreia prevista para Agosto de 2026 através da Ketchup Entertainment.

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Ainda sem data definida, o filme de Speedy Gonzales deverá chegar depois disso, integrando uma nova vaga de adaptações animadas que procuram equilibrar nostalgia, identidade cultural e sensibilidades modernas. Uma coisa é certa: desta vez, o rato mais rápido do México parece mesmo não estar disposto a ficar para trás.

O Exorcista regressa aos carris: Mike Flanagan e Scarlett Johansson apontam estreia para 2027

A nova visão para um clássico do terror volta a ter data marcada

Depois de meses de incerteza, o novo The Exorcist já tem finalmente uma data oficial de estreia. A Universal confirmou que o filme, descrito como um “radical redo” do clássico do terror, chegará aos cinemas a 12 de Março de 2027, reassumindo um lugar de destaque no calendário de lançamentos de primavera.

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O projecto, escrito, realizado e produzido por Mike Flanagan, contará com Scarlett Johansson no papel principal e representa uma aposta clara do estúdio numa reinvenção profunda — e não numa simples continuação — de um dos títulos mais influentes da história do cinema de terror.

Inicialmente previsto para Março de 2026, o filme acabou por ser retirado do calendário no Verão passado, levantando dúvidas sobre o seu estado de desenvolvimento. A confirmação agora divulgada devolve alguma estabilidade ao projecto e reforça a confiança da Universal nesta nova abordagem ao universo criado por William Friedkin em 1973.

Um Exorcista desligado do franchise recente

Ao contrário do que aconteceu com The Exorcist: Believer, este novo filme não terá qualquer ligação narrativa ao reboot iniciado em 2023. A versão de Flanagan será uma história totalmente independente, sem continuidade directa com os capítulos recentes do franchise, uma decisão que parece alinhar-se com a filosofia criativa do realizador.

The Exorcist: Believer, recorde-se, arrecadou 65,5 milhões de dólares na América do Norte e 136,2 milhões a nível mundial — números respeitáveis, mas aquém das expectativas criadas após a aquisição dos direitos por parte da NBCUniversal, Peacock e Blumhouse em 2021. A nova estratégia passa, assim, por começar do zero.

Flanagan em modo total, após uma década de sucesso

A confirmação do envolvimento total de Mike Flanagan surgiu em Maio de 2024, numa altura em que o realizador vivia um dos pontos mais altos da sua carreira. Séries como The Haunting of Hill House, Midnight Mass e The Fall of the House of Usher consolidaram o seu estatuto como uma das vozes mais respeitadas do terror contemporâneo, tanto junto do público como da crítica.

No cinema, Flanagan deixou igualmente marca com Doctor Sleep e, mais recentemente, com The Life of Chuck, provando uma versatilidade rara dentro do género.

A entrada de Scarlett Johansson no elenco reforçou ainda mais o peso do projecto, seguindo-se a confirmação de Jacobi Jupe, conhecido pelo drama Hamnet.

Uma produção de luxo para um regresso ambicioso

O filme é uma co-produção entre Blumhouse Productions, Atomic Monster e Morgan Creek Entertainment, em associação com Red Room Pictures. A produção está a cargo de Jason Blum, David Robinson e do próprio Flanagan, com Alexandra Magistro e Ryan Turek como produtores executivos.

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Com uma data sólida, uma equipa criativa de peso e a promessa de uma abordagem verdadeiramente nova, The Exorcistde Mike Flanagan perfila-se como um dos títulos de terror mais aguardados da segunda metade da década. A questão que se coloca agora é simples — mas assustadora: conseguirá esta nova visão fazer justiça a um dos filmes mais perturbadores de sempre?

O Futuro de Star Wars Começa a Ganhar Forma: Taika Waititi, Filmes Independentes e Personagens-Chave em Jogo

Kathleen Kennedy revela o que avança, o que espera… e o que ainda mete respeito em Hollywood

Numa altura de profunda reorganização criativa na Lucasfilm, Kathleen Kennedy decidiu levantar um pouco o véu sobre o futuro imediato (e menos imediato) de Star Wars. Em declarações à Deadline, a histórica presidente do estúdio — agora em transição para um papel focado na produção — confirmou avanços concretos em vários projectos, esclareceu dúvidas antigas e admitiu, sem rodeios, que o clima à volta da saga continua a intimidar criadores.

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Star Wars: Starfighter: um filme pensado para ser… só um filme

Uma das confirmações mais relevantes prende-se com Star Wars: Starfighter, realizado por Shawn Levy e protagonizado por Ryan Gosling, ao lado do jovem Flynn Gray. Segundo Kennedy, o projecto foi concebido desde início como uma história totalmente independente do resto da saga.

“Foi pensado como um verdadeiro filme stand-alone. Podemos simplesmente fazer um filme e contar uma história”, explicou. Ainda assim, deixou a porta aberta a possíveis continuações, elogiando o desempenho de Gray e admitindo que seria difícil ignorar o potencial do actor se o público responder positivamente.

O próximo passo no cinema: 

The Mandalorian and Grogu

Antes disso, o próximo lançamento cinematográfico de Star Wars já está fechado: The Mandalorian and Grogu, realizado por Jon Favreau, chega aos cinemas em Maio de 2026. O filme terminou as filmagens em Novembro e encontra-se agora em pós-produção, com Kathleen Kennedy a acompanhar de perto o trabalho de efeitos visuais.

Este projecto representa um passo simbólico importante: a transição de personagens nascidas no streaming para o grande ecrã, algo que poderá definir o futuro modelo da saga.

Taika Waititi, Lando e outros guiões… todos em cima da mesa

Depois de anos envolto em incerteza, o filme de Taika Waititi parece finalmente ganhar tração. Kennedy confirmou que o realizador já entregou um guião completo — e que a sua reacção foi bastante clara: “é hilariante e óptimo”. Um comentário que sugere que o tom irreverente de Waititi continua intacto.

Também Donald Glover entregou um guião relacionado com Lando, enquanto um projecto inesperado envolvendo Steve Soderbergh, Adam Driver e o argumentista Scott Burns foi igualmente elogiado. No entanto, Kennedy fez questão de sublinhar que as decisões finais não dependerão apenas dela, sobretudo nesta fase de transição.

O peso dos fãs… e o medo de criar Star Wars

Talvez a parte mais reveladora da entrevista tenha sido a reflexão sobre o impacto da reacção online nos criadores. Kennedy admitiu que Rian Johnson terá ficado “assustado” com a negatividade gerada após The Last Jedi, algo que, segundo ela, não é caso único.

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“Todos os realizadores e actores perguntam: ‘o que vai acontecer?’ Estão um pouco assustados”, confessou, acrescentando que as mulheres são frequentemente alvo de ataques injustos. Uma realidade que ajuda a explicar porque tantos projectos Star Wars demoram anos a sair do papel — ou nunca chegam a fazê-lo.

Um futuro aberto… mas cauteloso

Entre filmes independentes, regressos aguardados e criadores de peso à espera de luz verde, Star Wars continua a avançar — mas com mais prudência do que nunca. O próximo capítulo da saga será, ao que tudo indica, menos sobre quantos filmes serão feitos… e mais sobre como contar histórias sem medo.

Mudança Histórica na Lucasfilm: Dave Filoni Assume o Comando Criativo Após Saída de Kathleen Kennedy

Uma nova era começa numa das casas mais icónicas da história do cinema

A Lucasfilm entra oficialmente numa nova fase da sua história. Após 14 anos à frente do estúdio, Kathleen Kennedydeixa o cargo de presidente da Lucasfilm para regressar em exclusivo à produção, abrindo caminho a uma nova liderança que promete moldar o futuro de Star Wars e muito mais. A transição foi anunciada pela própria Lucasfilm em conjunto com The Walt Disney Studios, confirmando Dave Filoni como Presidente e Chief Creative Officer, ao lado de Lynwen Brennan, que assume o cargo de Co-Presidente.

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Não se trata apenas de uma mudança administrativa. É, acima de tudo, uma redefinição criativa num estúdio que gere um dos universos mais influentes da cultura popular contemporânea.

Kathleen Kennedy: o fim de um ciclo decisivo

Kathleen Kennedy assumiu a presidência da Lucasfilm em 2012, no mesmo ano em que a Disney adquiriu o estúdio fundado por George Lucas. Ao longo de mais de uma década, liderou uma expansão sem precedentes do universo Star Wars, tanto no cinema como na televisão, enfrentando elogios, polémicas e expectativas colossais.

Sob a sua liderança nasceram fenómenos como Star Wars: The Force Awakens, que quebrou recordes de bilheteira, e Rogue One: A Star Wars Story, que não só superou mil milhões de dólares como deu origem à aclamada série Andor. Kennedy foi também a grande impulsionadora da aposta em séries de imagem real para o streaming, abrindo caminho a títulos como The Mandalorian, Obi-Wan Kenobi e Ahsoka.

Agora, regressa à produção a tempo inteiro, mantendo-se ligada a projectos-chave como The Mandalorian and Grogu e Star Wars: Starfighter, realizado por Shawn Levy.

Dave Filoni: o discípulo assume o legado

A escolha de Dave Filoni para liderar criativamente a Lucasfilm é tudo menos surpreendente. Presença central no estúdio desde 2005, Filoni trabalhou directamente com George Lucas em Star Wars: The Clone Wars, ajudando a definir o tom moderno da saga. Mais tarde, foi uma peça-chave na transição para a televisão de imagem real, ao lado de Jon Favreau, com The Mandalorian.

Filoni tornou-se, aos olhos de muitos fãs, o grande guardião do espírito de Star Wars, equilibrando mitologia, emoção e coerência narrativa. Actualmente, é showrunner de Ahsoka, cuja segunda temporada já se encontra em produção, e prepara-se para estrear o filme The Mandalorian and Grogu nos cinemas a 22 de Maio de 2026.

Nas suas primeiras declarações, Filoni fez questão de sublinhar a influência determinante de Kathleen Kennedy e George Lucas na sua formação, assumindo o novo cargo com um tom de humildade pouco comum em posições desta dimensão.

Lynwen Brennan: estabilidade e inovação nos bastidores

Se Filoni representa a visão criativa, Lynwen Brennan simboliza a continuidade operacional e tecnológica. Na Lucasfilm desde 1999, começou na Industrial Light & Magic, onde chegou à liderança em 2009. Mais tarde, assumiu funções executivas centrais no grupo Lucasfilm, guiando o estúdio por profundas transformações tecnológicas.

O seu percurso foi reconhecido com distinções como o Lifetime Achievement Award da Visual Effects Society e o título de Comendadora da Ordem do Império Britânico. A sua nomeação como Co-Presidente garante equilíbrio entre criatividade, inovação e gestão — uma combinação essencial num estúdio com esta dimensão.

Um legado que atravessa gerações

Para lá da Lucasfilm, o nome de Kathleen Kennedy confunde-se com a própria história do cinema moderno. Co-fundadora da Amblin Entertainment ao lado de Steven Spielberg e Frank Marshall, esteve ligada a clássicos absolutos como E.T., Jurassic Park, Back to the Future e Schindler’s List. Ao longo de uma carreira de 50 anos, produziu mais de 70 filmes, responsáveis por 25 Óscares e centenas de nomeações.

A sua saída da liderança da Lucasfilm não representa um adeus, mas antes uma passagem de testemunho cuidadosamente preparada.

O futuro da Força

Com Dave Filoni e Lynwen Brennan ao leme, a Lucasfilm entra num novo capítulo com uma promessa clara: respeitar o legado, mas olhar em frente. Entre novos filmes, séries e abordagens narrativas mais coesas, a expectativa é elevada — e a responsabilidade também.

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Como o próprio Filoni diria: a Força continua a estar presente. Resta saber como será usada.

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“The Bride” promete virar do avesso um dos mitos mais incompreendidos do cinema

Depois de 2025 ter sido marcado pelo muito aguardado Frankenstein de Guillermo del Toro, 2026 prepara-se para ser o ano de The Bride. A Warner Bros. acaba de divulgar o primeiro trailer do novo filme realizado por Maggie Gyllenhaal, uma reinterpretação arrojada, punk rock e declaradamente feminista de The Bride of Frankenstein, que promete devolver protagonismo a uma personagem historicamente secundarizada.

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Protagonizado por Jessie Buckley no papel da Noiva e Christian Bale como o monstro de Frankenstein, The Bride surge desde cedo como um dos títulos mais falados do próximo ano. E não apenas pelo conceito, mas também pelo elenco de luxo que inclui Peter Sarsgaard, Annette Bening, Jake Gyllenhaal e Penélope Cruz.

A sombra de Elsa Lanchester e um impacto que atravessa décadas

Durante uma conferência de imprensa virtual realizada a 13 de Janeiro, Maggie Gyllenhaal explicou que a génese do projecto nasceu do impacto quase inexplicável que Elsa Lanchester teve no clássico de 1935 The Bride of Frankenstein. Apesar de aparecer apenas alguns minutos e não ter uma única fala, a actriz tornou-se uma presença icónica na história do cinema.

Gyllenhaal confessou que só mais tarde percebeu o paradoxo: um filme chamado The Bride of Frankenstein que, na verdade, pouco ou nada se interessa pela Noiva enquanto personagem. Ainda assim, Lanchester conseguiu criar uma figura “formidável”, quase ameaçadora, que ficou gravada na memória colectiva. Foi precisamente essa ausência de desenvolvimento que despertou o interesse da realizadora.

Dar agência à Noiva: a verdadeira revolução

O grande objectivo de The Bride é preencher aquilo que Maggie Gyllenhaal considera uma falha estrutural na mitologia de Frankenstein: a ausência total de agência da Noiva. Ao longo das várias versões da história, o monstro é retratado como uma figura trágica — violenta, sim, mas também solitária, humana e profundamente carente de afecto. O seu pedido por uma companheira surge, muitas vezes, como compreensível.

Mas… e ela?

A nova abordagem parte exactamente dessa pergunta incómoda. O que acontece quando alguém é trazido de volta à vida apenas para satisfazer as necessidades emocionais de outro? E se essa mulher regressar com desejos próprios, medos, ambições e uma agenda que não passa por ser “a namorada do monstro”? É nesse território que The Bride promete mergulhar, dando a Jessie Buckley espaço para construir uma personagem complexa, inquietante e imprevisível.

Um evento cinematográfico à porta

Com estreia marcada para 6 de Março, The Bride beneficia ainda de um momento particularmente favorável da Warner Bros., que atravessa uma fase de forte afirmação criativa e comercial. O trailer deixa antever um filme visualmente ousado, emocionalmente intenso e longe de qualquer reverência excessiva ao material original.

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Mais do que revisitar um clássico, Maggie Gyllenhaal parece interessada em reescrevê-lo — e, desta vez, colocando a Noiva no centro da narrativa.

A Promessa Que Pode Ter Prazo Curto: Marvel Está a Preparar Mais Wolverine de Hugh Jackman?

“Só mais uma vez”… afinal talvez não

Quando Ryan Reynolds anunciou, em Setembro de 2022, o regresso de Hugh Jackman ao papel de Wolverine, a mensagem parecia clara e definitiva. O actor canadiano, sempre consciente do peso emocional de Logan (2017), garantiu que esta seria apenas “mais uma vez”. Um último adeus ao mutante mais famoso da Marvel, agora integrado no MCU ao lado de Wade Wilson.

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No entanto, “no que dizem lá fora”, essa promessa poderá estar prestes a ser quebrada. Segundo vários insiders ligados à indústria, a Marvel Studios não está minimamente disposta a despedir-se tão cedo de um dos seus trunfos mais valiosos — sobretudo depois do sucesso estrondoso de Deadpool & Wolverine, que ultrapassou a marca dos mil milhões de dólares em bilheteira.

Wolverine escondido… mas não ausente

Os rumores mais insistentes apontam para um regresso mais rápido do que o esperado. Aparentemente, a Marvel estará a tentar ocultar a presença de Wolverine em Avengers: Doomsday, com estreia marcada para 18 de Dezembro de 2026, evitando assim grandes spoilers antes do tempo.

Mais do que uma simples aparição, há quem afirme que Logan terá um papel relevante também em Avengers: Secret Wars, onde deverá contracenar não só com Deadpool, mas também com versões alternativas do Homem-Aranha interpretadas por Tobey Maguire e Tom Holland. Se se confirmar, estamos perante uma aposta clara no factor nostalgia para fechar em grande a chamada Saga do Multiverso.

Até aos 90? A piada começa a parecer séria

O próprio Reynolds brincou, em Deadpool & Wolverine, com a ideia de Jackman continuar no papel “até aos 90 anos”. O que parecia apenas humor meta pode, afinal, estar perigosamente perto da realidade. Fala-se mesmo no desenvolvimento de um novo filme a solo do Wolverine, novamente com Jackman, já depois de Secret Wars.

Do ponto de vista financeiro, a decisão é fácil de entender. Abandonar um actor que continua a ser um dos Wolverine mais adorados da história do cinema — talvez o Wolverine definitivo — seria, para muitos executivos, um erro difícil de justificar.

Mas será saudável para o futuro dos X-Men?

Aqui começa a divisão de opiniões. Embora o novo Wolverine apresentado em Deadpool & Wolverine respeite o final emocional de Logan, abrindo espaço para uma variante alternativa, muitos defendem que a Marvel deveria aproveitar o reset pós-Secret Wars para reformular os X-Men com novos actores.

Nomes como Taron Egerton ou Jeremy Allen White têm surgido em fan casts recorrentes, e até Henry Cavill chegou a vestir as garras numa breve aparição — a famosa “Cavillrine”. O recasting é inevitável… a questão é apenas quando.

Fan service ou estratégia legítima?

No fim de contas, faz todo o sentido que Hugh Jackman esteja presente no clímax do Multiverso. É um desejo antigo dos fãs e um triunfo simbólico para o MCU. Mas prolongar indefinidamente esta versão de Wolverine pode tornar-se um exercício de nostalgia excessiva, adiando decisões que terão de ser tomadas mais cedo ou mais tarde.

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Por agora, uma coisa parece certa: aquela promessa de “só mais uma vez” já não soa assim tão definitiva. E, em Hollywood, quando o sucesso fala mais alto, até as despedidas mais bonitas podem ser reescritas

The Mummy 4: Brendan Fraser Dá Boas e Más Notícias aos Fãs da Saga

Esperança renovada… mas ainda sem sinal verde oficial

Os fãs de The Mummy voltaram a ter motivos para sonhar — ainda que com alguma cautela. Brendan Fraser, rosto incontornável da trilogia original, partilhou recentemente uma actualização sobre The Mummy 4, deixando claro que o projecto continua vivo… mas longe de estar garantido.

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Em entrevista à Radio Times, o actor foi fiel ao seu estilo afável e honesto, oferecendo palavras que tanto alimentam a esperança como sublinham a frustração de anos de espera. “Os meus lábios estão selados”, começou por dizer Fraser, antes de acrescentar que espera ter boas notícias em breve, reconhecendo o impacto geracional da saga. “As pessoas dizem-me: ‘Cresci a ver esse filme e agora já tenho filhos’. Vamos cruzar os dedos e acender uma vela.”

Rick O’Connell: um regresso desejado por todos

Fraser interpretou Rick O’Connell em The Mummy, The Mummy Returns e The Mummy: Tomb of the Dragon Emperor, tornando-se um dos heróis de aventura mais carismáticos do cinema popular dos anos 90 e início dos 2000. Questionado directamente sobre se gostaria de regressar ao papel, a resposta foi inequívoca: “Gostava? Absolutamente. Sempre disse que gosto da ideia e sempre gostarei. Mas… não sou eu quem carrega no gatilho.”

Essa frase resume bem o estado actual do projecto. Apesar do entusiasmo do actor e do carinho evidente do público, Universal Pictures ainda não anunciou qualquer data de estreia ou sequer confirmou oficialmente que o filme avançará para produção.

Um filme “em falta” há mais de 20 anos

Esta não é a primeira vez que Brendan Fraser fala abertamente sobre The Mummy 4. Em Novembro de 2025, numa entrevista à Associated Press, o actor revelou algo particularmente revelador: o quarto filme que sempre quis fazer nunca chegou a existir.

“Estou orgulhoso do terceiro filme”, explicou, referindo-se a Tomb of the Dragon Emperor. “Acho que funciona bem como filme independente. Tínhamos uma equipa diferente, fizemos o nosso melhor. Mas o filme que eu queria fazer nunca foi feito. Esse está a caminho. Esperei 20 anos por esta chamada.”

Uma declaração forte, que sugere que Fraser vê The Mummy 4 não apenas como mais uma sequela, mas como uma espécie de acerto de contas criativo — uma oportunidade para fechar o ciclo da forma que sempre idealizou.

O momento certo… finalmente?

Depois do aclamado regresso ao cinema, coroado com um Óscar, Brendan Fraser vive hoje uma fase de enorme respeito crítico e popular. Esse contexto pode jogar a favor de The Mummy 4, sobretudo numa era em que Hollywood procura constantemente revisitar propriedades conhecidas, agora com uma abordagem mais nostálgica e consciente do seu legado.

Ao mesmo tempo, o silêncio da Universal continua a ser o maior obstáculo. Não há realizador anunciado, não há guião confirmado, nem calendário definido. O entusiasmo existe, mas a decisão final permanece nos bastidores.

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Entre a esperança e a realidade

Para já, The Mummy 4 vive nesse limbo tão familiar aos fãs de cinema: demasiado falado para ser esquecido, mas demasiado indefinido para ser celebrado. Brendan Fraser quer fazê-lo. O público quer vê-lo. Falta apenas que alguém, do lado dos estúdios, acenda finalmente essa vela.

Até lá, resta esperar… e cruzar os dedos.

Timothée Chalamet bate DiCaprio e conquista o Globo de Ouro numa noite cheia de surpresas Marty Supreme dá a vitória ao actor, enquanto One Battle After Another domina a cerimónia

A 83.ª edição dos Globos de Ouro confirmou aquilo que Hollywood já vinha a sussurrar: Timothée Chalamet está cada vez mais perto de se afirmar como um dos grandes nomes da sua geração. O actor venceu o prémio de Melhor Actor em Filme de Musical ou Comédia pela sua prestação em Marty Supreme, batendo uma concorrência de luxo que incluía Leonardo DiCaprio e George Clooney.

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A vitória representa um momento simbólico na carreira de Chalamet: depois de cinco nomeações, foi a primeira vez que subiu ao palco para receber um Globo de Ouro. No discurso, sublinhou a importância da gratidão, recordando os ensinamentos do pai, e admitiu que as derrotas passadas tornaram este triunfo “ainda mais doce”. O actor aproveitou ainda para agradecer aos pais e à companheira, Kylie Jenner, presente na plateia.

DiCaprio perde o actor, mas vence o filme

Apesar de Leonardo DiCaprio ter saído de mãos a abanar na categoria de interpretação, o seu filme One Battle After Another foi o grande vencedor da noite em termos absolutos. A produção arrecadou quatro estatuetas, incluindo Melhor Filme de Musical ou Comédia, Melhor Realização e Melhor Argumento para Paul Thomas Anderson.

Visivelmente emocionado, Anderson agradeceu o carinho demonstrado pela indústria, sublinhando o privilégio de continuar a fazer cinema com liberdade criativa. O filme confirmou-se, assim, como um dos pesos pesados da actual temporada de prémios.

Hamnet surpreende no drama

Uma das maiores surpresas da noite foi a vitória de Hamnet na categoria de Melhor Filme Dramático, numa corrida onde Sinners era apontado como favorito. A protagonista Jessie Buckley venceu também o prémio de Melhor Actriz em Drama, agradecendo a oportunidade de participar numa produção internacional que cruzou culturas, equipas e sensibilidades.

A realizadora Chloé Zhao mostrou-se surpreendida ao receber o prémio, enquanto o produtor Steven Spielberg elogiou o romance de Maggie O’Farrell e afirmou que Zhao era “a única cineasta capaz de contar esta história”.

Discursos marcantes e afirmação internacional

Outro dos momentos mais emocionantes da noite pertenceu a Teyana Taylor, distinguida como Melhor Actriz Secundária por One Battle After Another. Em lágrimas, deixou uma mensagem poderosa dirigida às “irmãs e raparigas racializadas”, lembrando que a sua luz não precisa de permissão para brilhar.

Na vertente internacional, o thriller político brasileiro The Secret Agent venceu o prémio de Melhor Filme Internacional, com Wagner Moura a conquistar o Globo de Melhor Actor em Drama. No discurso, falou de trauma geracional e da importância de manter valores em tempos difíceis.

Televisão também em destaque

Como é tradição, os Globos de Ouro distinguiram igualmente a televisão. A série Adolescence continuou a somar prémios, com Owen Cooper, de apenas 16 anos, a vencer como Melhor Actor Secundário. Humilde, descreveu-se como “um aprendiz que ainda está a aprender todos os dias”.

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A cerimónia confirmou, assim, que os Globos continuam a ser um termómetro essencial rumo aos Óscares — e que uma nova geração de talentos está pronta para assumir o protagonismo.