O “Não” Que Mudou Hollywood: Don Johnson Recusou o Filme Que Transformou Kevin Costner numa Estrela

Uma decisão improvável nos anos 80 que continua a intrigar cinéfilos

Há decisões em Hollywood que parecem inexplicáveis à distância. Uma delas aconteceu em 1986, quando Don Johnson, então no auge da popularidade graças a Miami Vice, recusou o papel principal em Os Intocáveis, de Brian De Palma. O filme viria a tornar-se um clássico do cinema de gangsters… e a lançar definitivamente Kevin Costner para o estrelato.

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À primeira vista, parecia dinheiro fácil e prestígio garantido. Um grande realizador, um argumento ambicioso e um lugar de destaque num épico criminal sobre Eliot Ness e Al Capone. Mas Johnson viu exactamente o contrário: um risco sério de ficar preso para sempre ao mesmo tipo de personagem.

Quando Miami Vice era o centro do mundo

Entre 1984 e 1989, Miami Vice foi um fenómeno cultural. Carros desportivos, fatos italianos, cores pastel e música pop definiram uma estética que marcou toda uma década. Don Johnson, no papel do detective Sonny Crockett, tornou-se um ícone global quase da noite para o dia.

Curiosamente, esse sucesso absoluto não lhe trouxe conforto. Pelo contrário. Johnson sentia-se sufocado pela imagem do “polícia estiloso” e receava tornar-se um actor de um só registo. Num meio onde o rótulo pode ser uma sentença, decidiu travar antes que fosse tarde demais.

O convite de Brian De Palma — e a recusa imediata

Quando Brian De Palma lhe apresentou o projecto de Os Intocáveis, Johnson não ficou impressionado. O argumento que leu pareceu-lhe superficial, excessivamente decorativo e pouco desafiante. Eliot Ness, aos seus olhos, era apenas mais um polícia bem-apessoado, sem margem para crescimento dramático.

Anos mais tarde, numa conversa no podcast WTF with Marc Maron, Johnson explicou o seu raciocínio com franqueza: precisava de separar Don Johnson de Sonny Crockett “o mais depressa possível” e escolher projectos diametralmente opostos para evitar o temido typecasting. Recusar Os Intocáveis foi, para ele, um acto consciente de sobrevivência artística.

O actor admitiu ainda que desconhecia um detalhe crucial: Robert De Niro iria interpretar Al Capone. Se soubesse, garante que a decisão teria sido outra.

Kevin Costner: o homem certo, na hora certa

Sem Don Johnson, o papel acabou nas mãos de Kevin Costner, então um actor praticamente desconhecido. O timing foi perfeito. Os Intocáveis não só foi um sucesso comercial e crítico, como abriu caminho a uma carreira fulgurante, que incluiria Dances with Wolves, JFK e The Bodyguard.

Curiosamente, Costner não era o primeiro nome numa longa lista de actores abordados — Gene Hackman, Harrison Ford e Mickey Rourke também terão recusado. Às vezes, Hollywood funciona mesmo assim: quem aceita o papel que ninguém quer acaba por ganhar tudo.

Vida depois da recusa (e depois do Vice)

Após dizer “não” ao filme que podia tê-lo tornado uma estrela de cinema, Don Johnson seguiu outros caminhos — nem sempre felizes. Fez uma comédia romântica discreta (Sweet Hearts Dance), arriscou em projectos menores e acabou por perder o embalo enquanto protagonista de grandes produções.

Ironia das ironias, regressou ao papel de polícia nos anos 90 com Nash Bridges, voltando a patrulhar as ruas — desta vez sem fatos Armani, mas com o mesmo carisma. Mais tarde, reinventou-se como actor de carácter em filmes como Django Unchained e Knives Out.

Arrependimento? Nem pensar

Apesar de tudo, Don Johnson garante que nunca se arrependeu da decisão. Na altura, estava envolvido em música, corridas de lanchas rápidas e múltiplos projectos. Recentemente, participou na série Doctor Odyssey, entretanto cancelada, mostrando que continua activo e selectivo.

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Recusar Os Intocáveis pode ter custado uma carreira de blockbusters. Mas, para Johnson, foi o preço justo por manter controlo sobre quem queria ser — dentro e fora do ecrã.

Wesley Snipes faz 74 anos: o legado de um ícone que redefiniu o cinema de acção

Estilo, intensidade e uma presença impossível de ignorar

Há actores que atravessam décadas sem nunca perderem identidade. Wesley Snipes é um desses casos raros. Aos 74 anos, celebrados hoje, o actor continua a ser uma referência incontornável do cinema de acção — não apenas pelo impacto físico dos seus papéis, mas pela forma como elevou o género, trazendo-lhe carisma, técnica e uma intensidade muito própria.

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Falar de Wesley Snipes é falar de presença. Daquele tipo de magnetismo que prende o olhar do espectador mesmo quando não é o protagonista absoluto da cena. Desde cedo, Snipes mostrou que não queria ser apenas “mais um”. Queria deixar marca. E deixou.

Blade e a revolução silenciosa do género

É impossível não começar por Blade. Lançado numa altura em que o cinema de super-heróis ainda procurava o seu tom, o filme não só foi um sucesso comercial como redefiniu o que era possível fazer dentro do género. Snipes deu corpo a um herói sombrio, letal e profundamente cool, combinando artes marciais de alto nível com uma atitude que se tornaria icónica.

Muito antes do domínio absoluto da Marvel nos cinemas, Blade provou que personagens de banda desenhada podiam resultar em filmes adultos, violentos e esteticamente marcantes. E fê-lo graças, em grande parte, à entrega total do seu protagonista.

Muito mais do que um herói de acção

Reduzir Wesley Snipes ao cinema de acção seria profundamente injusto. Ao longo da carreira, mostrou uma versatilidade notável, tanto em dramas como em comédias. Filmes como White Men Can’t Jump revelaram um talento natural para o humor e o ritmo de comédia, enquanto Jungle Fever, de Spike Lee, expôs uma faceta mais crua e emocionalmente complexa.

Snipes nunca teve medo de arriscar. Escolheu projectos desconfortáveis, personagens ambíguas e histórias que nem sempre seguiam o caminho mais seguro. Essa coragem artística é parte essencial do seu legado.

Disciplina, artes marciais e respeito pelo ofício

Outro elemento que distingue Wesley Snipes é a sua impressionante formação em artes marciais. Praticante de várias disciplinas, o actor trouxe uma autenticidade física raramente vista em Hollywood. Cada movimento, cada combate, cada gesto tinha peso real — não era apenas coreografia, era linguagem corporal.

Essa disciplina reflecte-se também na forma como encara o trabalho de actor: com respeito, entrega e uma ética profissional que sempre falou mais alto do que modas ou tendências passageiras.

Celebrar 74 anos é celebrar uma carreira com impacto

Este aniversário não é apenas uma data simbólica. É a celebração de uma carreira construída com persistência, talento e uma vontade constante de ir mais longe. Wesley Snipes influenciou gerações de actores, abriu portas e ajudou a redefinir o que significa ser uma estrela de cinema de acção.

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Hoje, celebramos 74 anos de um percurso extraordinário — e de um impacto que continua bem vivo. 🎬

“Isto não estava no meu bingo”: O trailer de The Odyssey de Christopher Nolan apanha fãs de surpresa

Travis Scott surge no épico histórico e a Internet entrou em curto-circuito

Os fãs de Christopher Nolan estão todos a dizer a mesma coisa — e, desta vez, não é sobre cronologias complexas ou teorias mirabolantes. O mais recente teaser de The Odyssey, adaptação ambiciosa do poema épico de Homero, deixou o público genuinamente surpreendido ao revelar uma presença inesperada: Travis Scott.

O teaser, com cerca de um minuto, foi exibido durante um intervalo publicitário da transmissão do jogo do Campeonato AFC da NFL, entre os New England Patriots e os Denver Broncos. Bastou isso para incendiar as redes sociais. Não por causa das imagens grandiosas, nem do tom épico habitual de Nolan — mas porque, no meio da cena, surge Travis Scott, num papel que parece marcar a sua estreia num grande filme de estúdio.

Um bardo, um aviso… e um choque colectivo

No excerto revelado, vemos Jon Bernthal no papel de Menelau e Tom Holland como Telémaco, reunidos numa espécie de refeitório militar. A tensão é palpável. De repente, a personagem interpretada por Travis Scott levanta-se, bate com um bastão no chão e profere um aviso solene sobre uma guerra iminente e um estratagema destinado a destruir Tróia.

O momento é curto, mas suficiente para provocar uma reacção em cadeia. “Travis Scott num filme do Christopher Nolan não estava no meu bingo”, escreveu um utilizador na rede social X. Outros seguiram o mesmo tom de incredulidade: “Nunca pensei ler esta frase” ou “Nem sabia que ele entrava no filme”.

Rappers no cinema: moda passageira ou aposta séria?

Como é habitual nestes casos, nem todas as reacções foram entusiastas. Houve quem questionasse porque razão tantos rappers estão a tentar a sorte na representação. A comparação surgiu rapidamente com A$AP Rocky, que recentemente entrou no drama If I Had Legs I’d Kick You, ao lado da actriz Rose Byrne.

Ainda assim, muitos fãs mostraram curiosidade e até optimismo. Para alguns, Nolan é precisamente o realizador certo para testar este tipo de escolha improvável. “Se há alguém que consegue tirar algo interessante daqui, é o Nolan”, lia-se noutro comentário.

Um épico de luxo com um elenco impressionante

The Odyssey tem estreia marcada para 17 de Julho e apresenta Matt Damon no papel de Ulisses (Odysseus), rei de Ítaca, acompanhando a sua longa e atribulada viagem de regresso a casa após a Guerra de Tróia. O elenco é, sem exagero, de luxo: Robert Pattinson, Zendaya, Charlize Theron, Anne Hathaway, Mia Goth e Benny Safdie completam o grupo.

Uma colaboração que não é totalmente inédita

Apesar de ser a sua estreia num grande épico cinematográfico, Travis Scott já tinha trabalhado com Nolan. O rapper assinou a música “The Plan”, incluída na banda sonora de Tenet. Ainda assim, vê-lo agora em frente à câmara, num universo tão distante do seu habitat musical, é outra conversa.

Se esta escolha vai resultar ou não, só o filme o dirá. Para já, uma coisa é certa: The Odyssey conseguiu aquilo que Nolan raramente falha — pôr toda a gente a falar.

Surpresa, política e ausências sonantes: One Battle After Another lidera as nomeações para os BAFTA

Thriller de Leonardo DiCaprio destaca-se numa edição marcada por diferenças face aos Óscares

As nomeações para os BAFTA Film Awards deste ano confirmam aquilo que já se vinha a desenhar nas últimas semanas: o cinema britânico e internacional segue caminhos próprios, nem sempre alinhados com Hollywood. O grande destaque vai para One Battle After Another, thriller político protagonizado por Leonardo DiCaprio, que lidera a corrida com 14 nomeações, tornando-se o filme mais nomeado desta edição.

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Logo atrás surge o vampírico Sinners, com 13 nomeações, enquanto Hamnet e a inesperada biografia desportiva Marty Supreme arrecadam 11 nomeações cada. Apesar do forte desempenho, nenhum destes títulos conseguiu igualar o recorde absoluto dos BAFTA, fixado nas 16 nomeações por Gandhi (1982).

DiCaprio, Infiniti e Taylor em destaque

Para além de DiCaprio, One Battle After Another valeu nomeações a Chase Infiniti e Teyana Taylor, consolidando o filme como um dos fenómenos críticos do ano. Curiosamente, Infiniti é um dos actores que ficaram de fora das nomeações aos Óscares, mas que aqui encontra reconhecimento — uma tendência que se repete noutras categorias.

Os BAFTA, ao disporem de seis nomeados por categoria (em vez dos cinco habituais nos Óscares), permitem uma maior diversidade de escolhas e dão espaço a desempenhos que ficaram à margem da corrida norte-americana.

Paul Mescal, Jessie Buckley e o peso britânico

13/12/2025 Dublin Ireland. Photo shows actor Paul Mescal and actress Jessie Buckley at the irish premiere of the film Hamnet at the Light House Cinema. Photo: Leah Farrell/© RollingNews.ie

Entre os actores, Paul Mescal e Jessie Buckley surgem nomeados por Hamnet, reforçando a forte presença de talento britânico e irlandês nesta edição. Buckley é, de resto, considerada uma das favoritas também na corrida aos Óscares, ao lado de Timothée Chalamet, que repete igualmente a sua nomeação nos BAFTA.

A lista inclui ainda vários nomes britânicos em evidência, como Carey Mulligan, Emily Watson, Robert Aramayo e Peter Mullan, sublinhando a missão dos BAFTA em promover o cinema produzido no Reino Unido.

As grandes ausências e as escolhas polémicas

Nem tudo são boas notícias. Quatro actores nomeados aos Óscares ficaram de fora dos BAFTA: Amy Madigan, Delroy Lindo, Wagner Moura e Elle Fanning — sendo que Moura e Fanning nem sequer integraram as longlists da academia britânica.

Em contrapartida, Jesse Plemons e Odessa A’Zion, ignorados pelos Óscares, surgem aqui nomeados.

Outro caso curioso é Wicked: For Good, que falhou completamente os Óscares mas conseguiu duas nomeações técnicas nos BAFTA, enquanto o thriller brasileiro The Secret Agent vê reduzido para metade o número de nomeações face à Academia de Hollywood.

A ausência mais notada é, talvez, KPop Demon Hunters, o fenómeno viral da Netflix, que ficou de fora por não ter tido estreia em sala no Reino Unido — um lembrete de que, para os BAFTA, o cinema continua a começar no grande ecrã.

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Cerimónia marcada para Fevereiro

Os BAFTA Film Awards realizam-se no próximo 22 de Fevereiro, no Royal Festival Hall, em Londres, com apresentação de Alan Cumming. Até lá, One Battle After Another parte na dianteira — mas, como sempre, a noite promete surpresas.

Quando a Exaustão Ganha Forma de Thriller: Se Eu Tivesse Pernas, Dava-te Um Pontapé Chega aos Cinemas

Um drama psicológico intenso que promete deixar marcas no espectador

Há filmes que não se limitam a contar uma história — instalam-se no corpo e na cabeça de quem os vê. Se Eu Tivesse Pernas, Dava-te Um Pontapé pertence claramente a essa categoria. O novo filme escrito e realizado por Mary Bronsteinestreia nas salas de cinema portuguesas a 19 de Fevereiro, trazendo consigo uma das interpretações mais comentadas, exigentes e perturbadoras do ano, assinada por Rose Byrne  .

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Rose Byrne num registo cru, físico e emocionalmente devastador

Conhecida sobretudo pelo seu talento para a comédia e por personagens carismáticas, Rose Byrne apresenta aqui uma viragem radical. A actriz interpreta Linda, terapeuta e mãe, cuja vida entra num processo acelerado de implosão quando a filha desenvolve uma doença misteriosa e resistente a qualquer tratamento. A partir desse ponto, tudo parece contribuir para o colapso: um marido emocionalmente ausente, uma paciente que desaparece sem explicação e uma relação profissional cada vez mais tóxica com o seu próprio psicólogo.

Não é por acaso que esta interpretação já foi distinguida com um Globo de Ouro e com o prémio de Melhor Actriz no Festival de Berlim, além de ter garantido nomeações para os BAFTA e para os Óscares. Byrne está presente em praticamente todos os planos do filme, numa entrega física e emocional que não concede descanso ao espectador.

Um thriller emocional sem banda sonora — e por isso ainda mais inquietante

Apesar de se apresentar como um drama psicológico, Se Eu Tivesse Pernas, Dava-te Um Pontapé assume muitas das características de um thriller. O ritmo é tenso, claustrofóbico, e a sensação de ameaça nunca desaparece verdadeiramente — mesmo quando nada de “objectivamente” perigoso parece acontecer.

Um dos elementos mais interessantes da proposta de Mary Bronstein é a ausência de uma banda sonora tradicional. Em vez disso, o filme aposta num desenho sonoro imersivo, que amplifica ruídos, silêncios e sons ambientes. Hospitais, consultórios e quartos de motel transformam-se em extensões da mente de Linda, lugares onde o desgaste emocional se manifesta de forma quase física.

A realizadora descreve o filme como uma tentativa de capturar aquele estado mental específico em que sentimos que tudo está a ruir e que, de alguma forma, a culpa é exclusivamente nossa. É uma abordagem pouco romantizada da maternidade, do cuidar e da responsabilidade emocional — temas raramente tratados com esta frontalidade no cinema contemporâneo.

Um elenco inesperado e uma estreia portuguesa aguardada

Para além de Rose Byrne, o elenco inclui escolhas surpreendentes. Conan O’Brien surge aqui na sua estreia em cinema dramático, enquanto A$AP Rocky integra também o elenco, contribuindo para um conjunto de personagens que reforçam a estranheza e a instabilidade emocional do universo do filme.

Depois de uma recepção muito positiva nos festivais internacionais, o filme chega finalmente ao público português, com uma duração de 113 minutos e a promessa de ser uma das experiências cinematográficas mais intensas do início do ano.

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Se Eu Tivesse Pernas, Dava-te Um Pontapé não é um filme confortável — e ainda bem. É cinema que arrisca, que provoca e que permanece muito depois de as luzes da sala se acenderem.

Eric Dane ausente de gala sobre ELA devido à doença, mas emociona com mensagem poderosa

Actor distinguido pela ALS Network apesar das limitações físicas

A luta de Eric Dane contra a Esclerose Lateral Amiotrófica voltou a ganhar destaque público este fim-de-semana, depois de o actor ter sido forçado a cancelar, à última hora, a sua presença na Champions for Cures and Care Gala, organizada pela ALS Network. A ausência foi motivada pelas limitações físicas impostas pela doença, diagnosticada em Abril de 2025.

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Apesar de não ter conseguido marcar presença na cerimónia, Eric Dane foi homenageado com o prémio Advocate of the Year, distinção que reconhece o seu envolvimento activo na sensibilização e defesa da causa da ELA. O galardão foi recebido em seu nome por Aaron Lazar, também ele diagnosticado com a mesma doença.

“Não me senti bem o suficiente para comparecer”

Em comunicado, a organização explicou que o actor cancelou a participação poucas horas antes do evento, devido às “realidades físicas” da Esclerose Lateral Amiotrófica. Ainda assim, a ALS Network fez questão de sublinhar o impacto do seu trabalho: “Continuamos profundamente gratos pela sua coragem, defesa da causa e compromisso contínuo com a comunidade ELA, e homenageamo-lo esta noite com o nosso mais profundo respeito e apoio.”

Mesmo ausente fisicamente, Dane fez-se ouvir através de uma mensagem pré-gravada, exibida durante a gala, que acabou por ser um dos momentos mais emocionantes da noite.

Uma mensagem de gratidão e esperança

No vídeo, o actor deixou claro que o prémio ultrapassa a sua própria história pessoal. “Este prémio não é apenas para mim. É para a minha bela família e entes queridos, para cada pessoa que enfrentou a ELA com coragem, para cada cuidador que dá o coração todos os dias e para cada defensor que se torna uma voz pelo progresso”, afirmou.

Eric Dane destacou ainda o papel fundamental da ALS Network na articulação entre cuidados médicos e investigação científica, reforçando uma mensagem de esperança: “Com a ajuda da ALS Network, finalmente vamos derrotar esta doença.”

A luta diária contra a ELA

Conhecido mundialmente pelo papel de Mark Sloan na série Anatomia de Grey, Eric Dane falou publicamente sobre o impacto do diagnóstico numa entrevista a Diane Sawyer, no Good Morning America. “Acordo todos os dias e sou imediatamente lembrado de que isto está a acontecer. Não é um sonho”, confessou, num testemunho marcado pela frontalidade.

O actor é pai de duas filhas, Billie e Georgia, fruto do casamento com a actriz Rebecca Gayheart. Apesar de um pedido de divórcio em 2018, o casal reconciliou-se anos mais tarde e tem enfrentado a doença em conjunto. Em declarações anteriores, Gayheart explicou que a família vive o processo “dia a dia”, com apoio profissional, procurando lidar com a situação com “esperança, dignidade, graça e amor”.

Uma carreira celebrada, uma causa reforçada

A gala incluiu ainda um vídeo emotivo com momentos marcantes da carreira de Eric Dane, bem como depoimentos de colegas como Ellen Pompeo e Jacob Elordi, celebrando não apenas o percurso artístico do actor, mas também o seu compromisso humano e social.

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Mesmo longe dos holofotes nessa noite, Eric Dane voltou a provar que a sua voz continua presente — e profundamente relevante.

Send Help: Sam Raimi volta ao terror com um thriller de sobrevivência feroz protagonizado por Rachel McAdams

Quando o inferno são os outros… numa ilha deserta

Há filmes que partem de uma ideia simples e outros que pegam nessa ideia e a levam até ao limite da loucura. Send Helppertence claramente à segunda categoria. O novo filme de Sam Raimi, mestre do terror com sentido de humor perverso, junta Rachel McAdams e Dylan O’Brien num thriller de sobrevivência que troca a tensão romântica pelo desejo muito real de homicídio.

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A premissa é tão simples quanto cruel: Linda Liddle, uma funcionária apagada e constantemente humilhada numa empresa de consultoria, vê-se presa numa ilha deserta com o seu chefe abusivo, Bradley Preston, após a queda de um avião. O que começa como mais um exercício de poder corporativo transforma-se rapidamente num jogo psicológico e físico onde as hierarquias se invertem — e ninguém sai ileso.

Rachel McAdams como nunca a vimos

McAdams surge completamente despida de glamour, num papel que subverte tudo aquilo a que a actriz habituou o público ao longo da sua carreira. Linda é inicialmente submissa, invisível e desprezada, mas revela-se rapidamente uma sobrevivente nata, capaz de construir abrigo, caçar e enfrentar javalis selvagens sem pestanejar. A transformação da personagem é um dos grandes trunfos do filme e McAdams abraça o desafio com entrega total, tornando cada viragem narrativa credível e, acima de tudo, divertida.

O’Brien acompanha-a com igual energia. Primeiro como o chefe arrogante e desprezível que remindinga tudo o que está errado no mundo corporativo, depois como alguém que parece aprender humildade — embora, em Send Help, as aparências sejam sempre perigosas.

Sam Raimi em modo festa macabra

Este é o primeiro mergulho de Raimi no terror desde Drag Me to Hell (2009), e nota-se que o realizador está claramente a divertir-se. As sequências do desastre aéreo e do confronto com o javali são filmadas com uma exuberância quase caricatural, combinando gore, humor negro e um ritmo que nunca deixa o espectador respirar demasiado fundo. Raimi sabe exactamente quando chocar, quando provocar riso nervoso e quando baralhar completamente as expectativas.

O argumento de Damian Shannon e Mark Swift aposta numa sucessão de reviravoltas que mantêm o filme constantemente imprevisível. Nem todas são essenciais, é verdade, e o último acto perde algum fôlego, mas o desfecho surpreendente e um epílogo mordaz compensam largamente.

Datas de estreia: o que já se sabe

Send Help tem estreia marcada nos Estados Unidos a 30 de Janeiro de 2026.

Como sempre, estas datas poderão ser actualizadas nas próximas semanas, sobretudo tendo em conta a distribuição internacional da Disney, que está a acompanhar de perto a recepção crítica muito positiva do filme.

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Uma coisa é certa: Send Help não é um simples thriller de sobrevivência. É uma experiência cruel, divertida, excessiva e assumidamente louca — exactamente aquilo que se espera quando Sam Raimi decide brincar com os nervos do público

Protestos contra o ICE marcam Sundance: estrelas de Hollywood denunciam “o pior da humanidade”

Cinema, activismo e indignação em Park City

O Sundance Film Festival, que decorre actualmente em Park City, no estado do Utah, ficou este fim-de-semana marcado por um forte momento de activismo político. Para lá das estreias e debates cinematográficos, centenas de participantes juntaram-se numa manifestação contra o ICE (Immigration and Customs Enforcement), na sequência de dois homicídios recentes atribuídos a agentes federais nos Estados Unidos.

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O protesto, intitulado “Sundancers Melt ICE”, teve lugar ao pôr-do-sol na Main Street de Park City e foi pensado como um momento “respeitoso” de homenagem a Renee Good, morta a 7 de Janeiro por um agente do ICE, e a Alex Pretti, abatido no sábado por um agente do Departamento de Segurança Interna. Durante cerca de dez minutos, os participantes ergueram os telemóveis iluminados e entoaram o cântico “love melts ICE”, enquanto alguns elementos das forças de segurança observavam à distância.

Elijah Wood junta-se à manifestação

Entre os presentes esteve Elijah Wood, conhecido mundialmente pela saga O Senhor dos Anéis. Em declarações à Deadline, o actor sublinhou a dimensão simbólica do protesto num festival dedicado à diversidade e à empatia: “As pessoas que foram ilegalmente abatidas no Minnesota… é terrível. Estamos aqui num festival que serve para unir pessoas e contar histórias de todo o mundo. Não estamos divididos; estamos a unir-nos.”

As palavras de Wood reforçaram a ideia de que, para muitos profissionais do cinema presentes em Sundance, o silêncio deixou de ser uma opção num contexto político cada vez mais polarizado nos Estados Unidos.

Natalie Portman e Olivia Wilde endurecem o discurso

Uma das vozes mais contundentes foi a de Natalie Portman, que apareceu em compromissos de imprensa com pins onde se lia “ICE out” e “Be Good”. A actriz foi directa nas suas críticas: “O que está a acontecer neste país neste momento é absolutamente horrível. O que o governo federal, o governo de Donald Trump, Kristi Noem e o ICE estão a fazer é realmente o pior do pior da humanidade.”

Também Olivia Wilde se pronunciou, em declarações à Variety, classificando a situação como “ultrajante” e recusando aceitar a violência como uma nova normalidade. Para Wilde, apoiar movimentos que visem “delegitimar” o ICE é uma responsabilidade cívica.

Um festival que volta a ser palco político

O Sundance Film Festival tem um longo historial de cruzamento entre cinema independente e intervenção social, e este episódio confirma que o evento continua a ser um espaço privilegiado para debates políticos e culturais. Num momento em que a imigração, o papel das forças federais e os direitos humanos estão no centro da discussão pública nos EUA, a tomada de posição de figuras influentes do cinema dá maior visibilidade internacional ao tema.

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Entre filmes, protestos e declarações inflamadas, Sundance 2026 mostra que, para muitos dos seus protagonistas, contar histórias no ecrã não é dissociável de tentar mudar a realidade fora dele.

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Um regresso pouco consensual antes do Super Bowl

Matthew McConaughey voltou a juntar-se à Uber Eats para um novo anúncio promocional, mas aquilo que deveria ser mais um momento leve de entretenimento pré-Super Bowl acabou por gerar uma onda inesperada de indignação entre os fãs da NFL. O spot, exibido pela primeira vez durante uma pausa publicitária de uma das transmissões decisivas da pós-temporada, foi rapidamente apelidado de “atroz” e “insuportável” nas redes sociais.

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O actor, conhecido por filmes como Interstellar, já tinha protagonizado um anúncio da Uber Eats durante o Super Bowl de 2025, ao lado de nomes como Kevin Bacon, Greta Gerwig e Martha Stewart, num conceito humorístico que sugeria — em tom conspirativo — que a NFL teria sido criada para incentivar as pessoas a comer mais. Na altura, a campanha foi recebida com curiosidade e até alguma simpatia.

De piada recorrente a motivo de revolta

A edição de 2026, no entanto, parece ter cruzado uma linha para muitos espectadores. Após a estreia do novo anúncio durante uma pausa publicitária de um jogo decisivo do campeonato da AFC, as reacções não tardaram. Comentários nas redes sociais multiplicaram-se, com vários adeptos a manifestarem frustração extrema.

“Este anúncio da Uber Eats com o McConaughey consegue ser mais irritante do que o próprio jogo”, escreveu um utilizador. Outro foi ainda mais longe: “O anúncio da Uber Eats com o Matthew McConaughey pode muito bem ser o mais irritante que já vi na vida.” Houve até quem ameaçasse boicotar a marca durante o Super Bowl LX, como forma de protesto simbólico.

O efeito colateral da saturação publicitária

A reacção negativa levanta uma questão recorrente em torno da publicidade associada ao Super Bowl: quando uma campanha regressa com a mesma estrela e uma variação mínima do conceito original, o risco de saturação é elevado. O que num ano é visto como engenhoso, no seguinte pode parecer forçado — sobretudo quando exibido perante uma audiência já emocionalmente carregada por jogos decisivos.

Apesar das críticas, é improvável que a polémica tenha impacto real na estratégia da Uber Eats ou na presença de McConaughey no grande evento. Afinal, a conversa gerada — mesmo negativa — mantém o anúncio no centro da atenção mediática, um dos principais objectivos de qualquer campanha associada ao Super Bowl.

O Super Bowl LX está marcado para 8 de Fevereiro de 2026, nos Estados Unidos.

Gritos 7 regressa aos cinemas com novo poster e promessa de terror mais pessoal do que nunca

Gostem ou não do anúncio, uma coisa é certa: Matthew McConaughey e a Uber Eats já garantiram o que todas as marcas procuram nesta altura do ano — atenção total antes do apito inicial.

James Cameron Diz Adeus aos EUA: “Para a Minha Sanidade, a Nova Zelândia é Casa”

O realizador de Avatar explica porque decidiu sair definitivamente dos Estados Unidos — e aponta o dedo à polarização política e ao negacionismo científico

James Cameron já não vive nos Estados Unidos — e, ao que tudo indica, não tenciona voltar. O realizador canadiano, responsável por alguns dos maiores fenómenos da história do cinema, revelou que deixou o país de forma permanente, fixando-se na Nova Zelândia, onde está prestes a tornar-se cidadão. A decisão, segundo o próprio, não foi apenas logística ou profissional: foi uma questão de sanidade mental.

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Em declarações ao jornal Stuff e numa entrevista posterior ao programa In Depth with Graham Bensinger, Cameron explicou que a forma como a Nova Zelândia lidou com a pandemia de Covid-19 foi determinante para a mudança. “Fiz isto para a minha sanidade”, afirmou, descrevendo a experiência de viver nos EUA durante o período mais intenso da pandemia — e sob a presidência de Donald Trump — como “ver um acidente de automóvel vezes sem conta”.

Ciência, coesão social e um país “são”

Segundo Cameron, o contraste entre os dois países tornou-se impossível de ignorar. O realizador sublinha que a Nova Zelândia conseguiu eliminar o vírus por completo em duas ocasiões, e que, quando uma variante acabou por romper o controlo, o país já tinha uma taxa de vacinação de 98%. Nos Estados Unidos, pelo contrário, a taxa ficou pelos 62% — e, como nota Cameron, “a descer, no sentido errado”.

“É por isso que adoro a Nova Zelândia”, afirmou. “As pessoas aqui são, na sua maioria, sãs. Acreditam na ciência, conseguem trabalhar em conjunto para um objectivo comum.” Do outro lado do Pacífico, diz Cameron, encontrou um país “extremamente polarizado, de costas voltadas para a ciência, onde toda a gente está à garganta uns dos outros”.

O cineasta não poupa nas palavras: questiona directamente onde faria mais sentido viver caso surja uma nova pandemia — num país organizado e cooperante ou num em “completo estado de desordem”.

Uma ligação antiga à Nova Zelândia

A mudança não foi repentina. James Cameron e a mulher compraram uma propriedade agrícola na Nova Zelândia em 2011, muito antes da pandemia. O país tornou-se, entretanto, a base logística para a produção dos novos filmes da saga Avatar, grande parte deles rodados no hemisfério sul. Foi após a Covid-19 que o casal decidiu tornar a mudança definitiva, com o pedido de cidadania já em fase final.

Um êxodo silencioso de Hollywood?

Cameron junta-se a um número crescente de figuras do cinema que estão a abandonar os Estados Unidos, apontando a instabilidade política e o segundo mandato de Trump como factores decisivos. George Clooney obteve recentemente cidadania francesa; Jim Jarmusch anunciou que está a fazer o mesmo; Ellen DeGeneres mudou-se para o Reino Unido; e Rosie O’Donnell fixou-se na Irlanda.

Não se trata, para muitos, de um gesto simbólico, mas de uma decisão prática sobre onde viver, criar, trabalhar — e envelhecer.

Um cineasta global, um gesto político

James Cameron sempre foi um realizador de escala global, tanto nos temas como na ambição técnica. A sua saída definitiva dos EUA reforça essa imagem: menos um gesto de protesto isolado, mais uma escolha consciente sobre valores, ciência e futuro.

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Num mundo cada vez mais dividido, Cameron escolheu um lugar onde — nas suas palavras — “as pessoas ainda conseguem trabalhar juntas”. Para um cineasta obcecado com a sobrevivência da humanidade, talvez esta seja apenas mais uma decisão coerente com tudo o que tem filmado ao longo de décadas 🌍🎬.

Bastidores em Chamas: Executivos da Sony Apontam o Dedo a Blake Lively na Crise de “It Ends With Us”

Mensagens agora tornadas públicas revelam tensão extrema, acusações duras e o receio de que o filme ficasse para sempre marcado pela polémica

A polémica em torno de It Ends With Us acaba de ganhar uma nova e explosiva dimensão. Documentos e mensagens internas, recentemente tornados públicos no âmbito do processo judicial que envolve Blake Lively e Justin Baldoni, expõem o que vários executivos da Sony Pictures pensavam realmente sobre o comportamento da actriz durante o lançamento do filme — e as palavras estão longe de ser diplomáticas.

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Entre emails e mensagens trocadas nos bastidores do estúdio, surgem descrições de um ambiente caótico, marcado por exigências consideradas excessivas, estratégias de comunicação falhadas e um crescente medo de que o ruído mediático acabasse por engolir o próprio filme. Para alguns dos responsáveis da Sony, a conclusão era clara: Blake Lively “trouxe tudo isto para cima de si própria”.

Exigências, ameaças e um filme em risco

Uma das revelações mais contundentes envolve Andrea Giannetti, vice-presidente executiva de produção da Sony, que confirmou ter chamado a actriz de “fucking terrorist” numa conversa privada com o produtor Jamey Heath. A origem da frustração estaria numa lista de 17 exigências apresentada por Lively, acompanhada da ameaça de abandonar o projecto caso não fossem cumpridas.

Segundo Giannetti, o estúdio já tinha investido somas avultadas e não terminar o filme torná-lo-ia “irrealizável” do ponto de vista comercial. A prioridade era simples: concluir o filme a qualquer custo, mesmo num clima de tensão crescente entre a actriz e o realizador.

Da celebração ao colapso da narrativa pública

A ironia não passou despercebida a ninguém dentro do estúdio. Após a estreia comercial bem-sucedida do filme — que arrancou com 50 milhões de dólares no box office — a mesma executiva enviou uma mensagem entusiástica a Lively, elogiando o seu trabalho e impacto no sucesso inicial. Mas o tom mudou rapidamente quando começaram a circular rumores de uma ruptura irreconciliável entre a actriz e Baldoni.

A situação agravou-se com decisões altamente simbólicas: Lively comunicou que não queria estar na passadeira vermelha com Baldoni, nem sentar-se perto dele, nem sequer aparecer em fotografias conjuntas. Em paralelo, membros do elenco começaram a deixar de seguir o realizador nas redes sociais, um gesto que rapidamente chamou a atenção dos fãs e alimentou teorias online.

Uma executiva de marketing da Sony resumiu o momento de forma crua: “O unfollow disparou hoje.” A resposta veio de um produtor: “É a Blake, de certeza.”

“O desastre é a história agora”

À medida que a polémica crescia, os responsáveis máximos do estúdio trocaram mensagens cada vez mais pessimistas. Tom Rothman, CEO da Sony Pictures Motion Picture Group, descreveu a situação como um “fucking disaster”, lamentando que o debate público já não fosse sobre o filme, mas apenas sobre o conflito.

“Já ninguém consegue ver o filme da mesma forma. Isso é trágico”, escreveu Rothman, acrescentando mais tarde que, embora Lively não merecesse o ódio online, tinha recusado ouvir conselhos e contribuído para a situação ao lançar simultaneamente a sua marca de cuidados capilares — um movimento considerado profundamente imprudente.

“Ela fez isto a si própria”

A posição mais dura surge nas mensagens de Sanford Panitch, presidente do grupo cinematográfico da Sony. Para Panitch, o problema foi simples: Lively não seguiu a regra mais antiga de Hollywood — proteger o espectáculo acima de tudo.

Segundo ele, se a actriz tivesse permitido a presença de Baldoni na promoção, evitado os gestos públicos de ruptura e não tentado vender produtos pessoais durante o lançamento do filme, “nada disto teria acontecido”. A decisão de associar o filme ao lançamento da marca de cabelo foi descrita como “epic level stupid”.

Panitch foi ainda mais longe, sugerindo que, apesar de o filme caminhar para valores próximos dos 300 milhões de dólares, a carreira de Lively poderia ficar seriamente comprometida: “Provavelmente não vai trabalhar durante algum tempo. Talvez recupere. Até a Anne Hathaway recuperou.”

Um futuro em suspenso

Nem todos dentro do estúdio concordaram com este diagnóstico apocalíptico. Um executivo respondeu de forma mais optimista: “Isto vai passar. Ela vai ficar bem.” A resposta de Panitch foi seca: “Discordo. Está feita. Pelo menos por agora.”

O caso judicial entre Blake Lively e Justin Baldoni tem julgamento marcado para 18 de Maio, e promete manter-se no centro do debate mediático. Independentemente do desfecho legal, as mensagens agora conhecidas oferecem um retrato raro — e brutalmente honesto — de como os grandes estúdios lidam com crises públicas, egos criativos e a difícil separação entre arte, negócio e imagem.

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No final, como um dos executivos escreveu, o problema maior não foi quem tinha razão. Foi que “a confusão passou a ser a história” — e isso, em Hollywood, é quase sempre o pior dos finais 🎬.

Óscares 2026: As Grandes Omissões (e as Surpresas) Que Dizem Mais do Que os Vencedores

Entre recordes, ausências gritantes e apostas inesperadas, as nomeações voltam a revelar o estado de Hollywood

As nomeações para os Óscares 2026 trouxeram um misto de espanto e previsibilidade. Por um lado, Sinners entrou directamente para a história com 16 nomeações, um recorde absoluto. Por outro, alguns dos melhores filmes e interpretações do ano ficaram inexplicavelmente de fora. E como a própria Amanda Seyfried lembrou recentemente, ganhar um Óscar não é sinónimo de carreira bem-sucedida — mas uma omissão continua a doer, sobretudo quando revela contradições difíceis de ignorar.

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Ao longo da história da Academia, os snubs (essas exclusões dolorosas) acabaram por ser, muitas vezes, um barómetro mais honesto do cinema de um determinado ano do que os próprios vencedores. Em 2026, não é diferente.

Surpresa: “Train Dreams” | Omissão: Joel Edgerton

A estreia da nova categoria de Melhor Casting parecia feita à medida de filmes como One Battle After Another, Sinnersou Hamnet. Ainda assim, Train Dreams conseguiu a proeza de ser nomeado para Melhor Filme… sem qualquer nomeação para os seus actores. A ausência de Joel Edgerton, protagonista absoluto, levanta uma pergunta incómoda: o que torna um filme digno de Melhor Filme se não as interpretações que o sustentam?

Omissão: “Avatar: Fire and Ash”

É oficial: pela primeira vez, um filme da saga Avatar ficou fora da corrida a Melhor Filme. Avatar: Fire and Ash até marca presença noutras categorias técnicas, mas a Academia parece ter perdido o deslumbramento com o universo criado por James Cameron. Eywa continua viva em Pandora — mas claramente ausente em Hollywood…

Surpresa (e polémica): “F1”

Talvez a nomeação mais inesperada do ano. F1 chega a Melhor Filme depois de dominar o box office de Verão, mas a decisão divide opiniões. O filme funciona como thriller desportivo competente, mas é difícil ignorar o seu lado promocional da Fórmula 1. Mais estranho ainda: ficou fora de Melhor Fotografia, a categoria onde parecia ter caminho aberto.

Omissão: Paul Mescal em “Hamnet”

Em Hamnet, Paul Mescal assume um papel secundário — e é precisamente isso que torna a sua ausência tão curiosa. Num filme nomeado para Melhor Filme, Realização, Argumento Adaptado e Casting, a exclusão de um dos intérpretes-chave soa a incoerência. Especialmente quando Jessie Buckley surge como forte favorita.

Surpresa: Delroy Lindo em “Sinners”

Nem todas as histórias são de frustração. A nomeação de Delroy Lindo para Actor Secundário é um dos momentos mais celebrados do ano. A sua personagem em Sinners protagoniza uma das cenas mais intensas e memoráveis de 2025 — e, no meio de um recorde histórico de nomeações, esta pode ser finalmente a consagração que lhe escapava há décadas.

Omissão: Odessa A’Zion em “Marty Supreme”

Se Marty Supreme está nomeado para Melhor Casting, a ausência de Odessa A’Zion torna-se difícil de justificar. Num ano de afirmação e visibilidade crescente, a actriz entregou uma das interpretações secundárias mais vibrantes de 2025 — e foi ignorada.

Omissão total: “No Other Choice”

Talvez o caso mais gritante. No Other Choice, de Park Chan-wook, ficou fora de todas as categorias, incluindo Filme Internacional. É mais um capítulo estranho na relação da Academia com um dos autores mais respeitados do cinema contemporâneo, ainda sem qualquer Óscar no currículo.

Quando os Óscares falam… e quando se calam

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As nomeações de 2026 mostram uma Academia dividida entre abertura e conservadorismo, espectáculo e autor, técnica e emoção. Como sempre, os prémios dirão quem vence — mas as omissões já disseram muito sobre o momento actual de Hollywood 🎬.

John Hurt e “O Homem Elefante”: O Papel Que Doeu no Corpo — e Mudou a História dos Óscares

O nascimento de uma interpretação lendária e o sacrifício invisível por detrás da maquilhagem

Assinala-se hoje o aniversário de John Hurt (23 de Janeiro de 1944 – 19 de Julho de 2017), um dos actores mais respeitados e versáteis da história do cinema. Entre dezenas de papéis memoráveis, há um que continua a definir a grandeza do seu talento e da sua entrega absoluta: O Homem Elefante, realizado por David Lynch.

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Lançado em 1980, o filme tornou-se imediatamente um marco emocional e artístico, mas poucos imaginavam, na altura, o verdadeiro preço físico e psicológico pago por John Hurt para dar vida a John Merrick.

Doze horas para se transformar — todos os dias

A maquilhagem que transformava Hurt em Merrick era uma proeza técnica inédita. Demorava cerca de 12 horas a ser aplicada diariamente, num processo concebido por Christopher Tucker. O próprio actor confessaria mais tarde que, ao perceber o impacto da transformação, pensou: “Eles encontraram uma forma de eu não gostar de fazer um filme.”

No primeiro dia de rodagem, completamente caracterizado, Hurt entrou no estúdio com medo. Medo real. Temia que alguém risse, que um gesto impensado quebrasse a delicada ilusão emocional construída à sua volta. Esse receio dissipou-se num silêncio absoluto — apenas interrompido por Anthony Hopkins, que, com serenidade, disse: “Vamos fazer o teste.” A partir daí, a magia aconteceu.

Humanidade sob camadas de látex

Apesar da prótese pesada e limitadora, John Hurt construiu uma interpretação profundamente humana, delicada e devastadora. Cada movimento, cada olhar, cada pausa carregava dignidade. O público não via o monstro — via o homem.

Curiosamente, Hurt era fumador inveterado e conseguiu, de alguma forma, continuar a fumar durante as longas horas no plateau, mesmo envolto na complexa maquilhagem facial. Um detalhe quase surreal que diz muito sobre a resistência física exigida pelo papel.

No final das filmagens, Hurt guardou o molde da cabeça de Merrick num armário em casa. Anos mais tarde, a sua casa foi assaltada. Nada foi roubado. Segundo contou com humor, o ladrão terá aberto o armário, visto a máscara… e fugido em pânico.

Um filme que criou uma categoria dos Óscares

Quando as nomeações para os 53.º Óscares foram anunciadas, em 1981, a indústria ficou chocada: O Homem Elefantenão foi distinguido pela maquilhagem. Na altura, ainda não existia uma categoria regular para esse trabalho, apenas prémios especiais atribuídos esporadicamente.

A indignação foi tanta que uma carta formal de protesto foi enviada à Academy of Motion Picture Arts and Sciences. A Academia recusou atribuir um prémio retroactivo, mas reconheceu o erro histórico. No ano seguinte, nasceu oficialmente o Óscar de Melhor Maquilhagem — uma mudança directamente motivada por este filme.

Ironia do destino: obras anteriores como Dr. Jekyll and Mr. Hyde (1931), O Feiticeiro de Oz (1939) ou O Corcunda de Notre-Dame (1939) nunca puderam ser premiadas na categoria que ajudaram a justificar.

Um legado que continua a comover

John Hurt morreu em 2017, mas a sua interpretação em O Homem Elefante permanece como uma das mais emocionantes da história do cinema. Um papel que exigiu sofrimento físico, disciplina extrema e uma empatia rara — dentro e fora do ecrã 🎬.

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Hoje, mais do que celebrar um aniversário, celebramos um actor que provou que a verdadeira beleza do cinema nasce, muitas vezes, do sacrifício silencioso.

Rutger Hauer: O Actor Que Trouxe Humanidade aos Monstros do Cinema

Uma carreira irrepetível, entre o cinema europeu e Hollywood, marcada por personagens intensas e inesquecíveis

Assinala-se hoje o nascimento de Rutger Oelsen Hauer (23 de Janeiro de 1944 – 19 de Julho de 2019), um dos actores mais singulares da história do cinema moderno. Holandês de origem, cidadão do mundo por vocação artística, Hauer construiu uma carreira absolutamente extraordinária: mais de 170 papéis ao longo de quase 50 anos, atravessando o cinema europeu de autor, Hollywood e até a publicidade, sempre com a mesma intensidade magnética no olhar.

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Em 1999, o reconhecimento foi oficial e simbólico: o público dos Países Baixos escolheu Rutger Hauer como Melhor Actor Holandês do Século, uma distinção que resume bem o impacto duradouro do seu trabalho.

Das raízes holandesas ao reconhecimento internacional

A carreira de Hauer começou em 1969, no papel principal da série televisiva Floris, mas foi no cinema que rapidamente se afirmou. O grande ponto de viragem deu-se com Turkish Delight, filme que viria a ser eleito, também em 1999, Melhor Filme Holandês do Século.

Seguiram-se colaborações decisivas com o realizador Paul Verhoeven, em títulos como Soldier of Orange e Spetters, que abriram definitivamente as portas de Hollywood.

Roy Batty e a imortalidade cinematográfica

Nos Estados Unidos, Rutger Hauer rapidamente se destacou, mas foi em Blade Runner que alcançou a verdadeira imortalidade cinematográfica. Como Roy Batty, o replicante consciente da sua própria morte, Hauer criou uma das personagens mais complexas e emocionantes da ficção científica. O famoso monólogo final — improvisado em parte pelo próprio actor — continua a ser estudado, citado e celebrado como um dos momentos mais humanos do cinema.

A partir daí, seguiram-se títulos hoje clássicos: Ladyhawke, The Hitcher, Escape from Sobibor, The Legend of the Holy Drinker ou Blind Fury. Hauer tinha o raro talento de tornar memorável qualquer papel, fosse herói, vilão ou algo indefinido entre ambos.

Um actor sem preconceitos artísticos

A partir dos anos 90, Hauer optou por uma carreira mais livre, alternando filmes de baixo orçamento com participações em grandes produções como Batman Begins, Sin City ou The Rite. Nunca pareceu preocupado com estatuto ou prestígio, mas sim com o prazer de interpretar.

Nos últimos anos, regressou ao cinema holandês e foi distinguido com o Prémio Rembrandt de Melhor Actor, graças ao filme The Heineken Kidnapping.

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Um legado que não se apaga

Rutger Hauer morreu a 19 de Julho de 2019, vítima de cancro do pâncreas, aos 75 anos, na sua casa nos Países Baixos. Deixou um legado raro: o de um actor que nunca teve medo de ser estranho, intenso ou profundamente humano. Poucos conseguiram, como ele, fazer com que até os monstros parecessem compreender-nos melhor do que nós próprios 🎬.

“Shelter: Sem Limites” — Jason Statham Enfrenta o Passado Num Thriller de Sobrevivência à Beira do Abismo

Um homem isolado, uma jovem em perigo e uma ilha onde não existe refúgio possível

Há filmes que não precisam de grandes voltas para deixar clara a sua proposta. Shelter: Sem Limites é um deles. Com estreia marcada em Portugal para 5 de Fevereiro, o novo thriller protagonizado por Jason Statham aposta numa combinação clássica — isolamento, redenção e violência inevitável — para contar uma história onde o instinto de sobrevivência fala sempre mais alto.

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Com o título original Shelter, o filme transporta-nos para uma ilha escocesa remota, um cenário agreste e implacável que funciona quase como mais uma personagem. É aqui que vive um homem recluso, afastado do mundo e claramente a fugir de um passado que prefere não revisitar. A tranquilidade forçada da sua existência termina no momento em que resgata uma jovem do mar, um acto aparentemente simples que desencadeia uma sucessão de acontecimentos cada vez mais perigosos.

Quando salvar alguém significa declarar guerra

A jovem resgatada, interpretada por Naomi Ackie, não é apenas uma vítima indefesa. A sua presença traz consigo ameaças invisíveis, inimigos determinados e segredos que rapidamente colocam o protagonista na mira de forças implacáveis. Aquilo que começou como um gesto de humanidade transforma-se numa luta brutal pela sobrevivência, obrigando o personagem de Statham a confrontar tudo aquilo que tentou deixar para trás.

O filme constrói a sua tensão a partir dessa ideia simples, mas eficaz: não existe salvação sem consequências. Cada passo dado para proteger a jovem aproxima o protagonista de um passado violento que volta a reclamar o seu preço.

Acção crua e personagens com peso

Na realização está Ric Roman Waugh, conhecido por thrillers de acção de tom sério e físico, onde a violência não é estilizada nem glorificada. Em Shelter: Sem Limites, essa abordagem traduz-se em confrontos directos, poucos diálogos explicativos e uma narrativa que confia mais nas acções do que nas palavras.

O elenco conta ainda com Bill Nighy, cuja presença acrescenta densidade dramática a um filme que, apesar de assente na acção, não abdica de trabalhar temas como culpa, isolamento e redenção. Não estamos perante um herói clássico, mas sim um homem quebrado, empurrado para a violência porque todas as outras opções lhe foram retiradas.

Um thriller pensado para o grande ecrã

Visualmente, o filme tira partido da paisagem escocesa para criar uma atmosfera fria, opressiva e permanentemente ameaçadora. O isolamento geográfico reforça a ideia central da história: quando não há para onde fugir, resta apenas resistir.

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Shelter: Sem Limites não promete reinventar o cinema de acção, mas entrega exactamente aquilo que propõe — um thriller intenso, seco e eficaz, sustentado por um protagonista que sabe ocupar o centro do ecrã como poucos. Para os fãs de Jason Statham, é mais uma variação sólida do seu arquétipo preferido; para os restantes, um filme de tensão constante onde cada decisão pode ser a última 💥🎬.

A estreia acontece a 5 de Fevereiro, nas salas de cinema portuguesas.

Jennifer Lawrence e os Nomes Que Não Passam Pelo Agente (Mas Passam Pelos Amigos)

A actriz revela alcunhas improváveis — e confirma que o sentido de humor continua intacto

Jennifer Lawrence sempre foi uma das raras estrelas de Hollywood capaz de rir de si própria sem rede de segurança. Esta semana voltou a prová-lo ao participar no podcast Good Hang, apresentado por Amy Poehler, onde acabou por revelar um detalhe tão inesperado quanto… pouco glamoroso: as alcunhas que os amigos lhe atribuíram ao longo dos anos. E sim, algumas delas dificilmente apareceriam num press release oficial 🎬.

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Entre risos, a actriz de No Hard Feelings confessou que já foi chamada de tudo um pouco. Desde “Floffin” até “Nitro”, passando por uma alcunha mais directa e impossível de ignorar: “Boobs”. “Boobs Lawrence. O nome completo, como se estivesse num documento oficial”, brincou a actriz, com aquele tom descontraído que já se tornou a sua marca registada. Não há aqui pose de diva intocável — apenas alguém confortável com a própria imagem e com o olhar pouco cerimonioso dos amigos.

“She’s just Ken”: humor interno e auto-gozo assumido

Como se não bastasse, Jennifer Lawrence revelou ainda que o seu grupo de amigos a chama de “Ken, do filme Barbie”. A explicação é simples e deliciosa: sempre que faz uma pergunta mais ingénua ou diz algo menos inspirado, a resposta surge automática — “Ela é só o Ken”. A actriz admite que a piada é uma forma carinhosa (ou nem tanto) de a chamarem “tonta”, mas aceita tudo com desportivismo. Afinal, rir primeiro de si própria sempre foi uma das suas maiores armas públicas.

Corpo, maternidade e sessões fotográficas desconfortáveis

A conversa acabou por entrar também num território mais íntimo, mas sempre tratado com humor. Jennifer Lawrence falou abertamente sobre como se sente em sessões fotográficas, especialmente depois de ter sido mãe duas vezes. “Eles dizem: ‘Estávamos a pensar que não usavas soutien’, e eu penso: ‘Eu já tive dois filhos’”, contou, sem filtros. A actriz descreveu estas situações como “embaraçosas”, mas não deixou de ironizar sobre as expectativas quase surreais que ainda recaem sobre o corpo feminino em Hollywood.

A maternidade, aliás, foi um dos temas mais honestos da conversa. Lawrence explicou que, após o nascimento do segundo filho, passou por um período difícil de pós-parto, que afectou a relação com o próprio corpo. Ainda assim, encontrou espaço para brincar com o assunto, recordando que chegou a fazer sessões fotográficas poucas semanas depois do parto com uma confiança que hoje lhe parece quase absurda.

Gravidez, cinema e a ausência de rumores

Outro momento curioso surgiu quando a actriz falou sobre Die My Love, filme que rodou enquanto estava grávida. Surpreendentemente — pelo menos para ela — ninguém comentou o facto de parecer “demasiado magra”. “Nunca tive um rumor de Ozempic”, disse, em tom de piada, quase desapontada com a falta de especulação gratuita.

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Uma estrela que continua… humana

Entre alcunhas pouco elegantes, histórias de família e confissões desarmantes, Jennifer Lawrence reforça aquilo que a tornou especial desde o início da carreira: a capacidade de ser uma super-estrela sem deixar de parecer uma pessoa real. Talvez seja por isso que, mesmo quando é chamada de “Boobs” ou “Ken”, continua a ser uma das figuras mais queridas do cinema contemporâneo 🎥.

James Bond Mudou de Lado? A História “Unwoke” de Pierce Brosnan Que Está a Agitar as Redes — e Levanta Muitas Dúvidas

Entre manchetes explosivas e factos escassos, o alegado “abandono” de Hollywood merece ser analisado com calma

Nos últimos dias começou a circular nas redes sociais e em alguns sites de origem pouco clara uma notícia bombástica: Pierce Brosnan, antigo intérprete de James Bond, teria abandonado o sistema dos grandes estúdios de Hollywood para se juntar a um novo estúdio “não-woke” fundado por Mel Gibson. A narrativa é sedutora, recheada de frases fortes, promessas de “liberdade criativa total” e até de um suposto primeiro projecto “proibido” que teria deixado a Disney e a Warner Bros. em pânico. O problema? Nada disto está confirmado.

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O texto, atribuído a um site obscuro e amplamente replicado em tom sensacionalista, apresenta todos os ingredientes clássicos da desinformação moderna: citações não verificáveis, fontes anónimas, ausência total de comunicados oficiais e uma linguagem pensada mais para incendiar debates culturais do que para informar. Não existe qualquer declaração pública de Pierce Brosnan que confirme esta alegada mudança radical de carreira, nem qualquer anúncio formal de um estúdio “Non-Woke Productions” com a dimensão e os nomes avançados.

Um discurso alinhado com a “guerra cultural”

O conteúdo da notícia encaixa perfeitamente na retórica da chamada “guerra cultural” norte-americana. Fala-se de “rebelião contra Hollywood”, de “listas ideológicas” e de uma vaga “maioria silenciosa” de celebridades pronta a abandonar o sistema. No entanto, para além de Mel Gibson — figura conhecida pelas suas polémicas e posições controversas — não há registo credível de que nomes como Mark Wahlberg ou Roseanne Barr estejam envolvidos num projecto estruturado com este propósito.

No caso de Brosnan, a alegação é ainda mais frágil. O actor irlandês tem mantido, ao longo de décadas, uma postura pública discreta em relação a debates políticos e culturais. A sua carreira recente continua ligada a produções de estúdios tradicionais e plataformas de streaming de grande escala, sem qualquer sinal de ruptura ideológica ou profissional.

O “projecto proibido” que ninguém viu

Outro ponto revelador é o alegado filme The Quiet Patriot, descrito como um thriller político rejeitado pelos grandes estúdios por ser “sensível demais”. Até ao momento, não existe qualquer registo deste projecto em bases de dados da indústria, nem referências em publicações especializadas. Em Hollywood, projectos recusados são comuns; projectos completamente inexistentes, infelizmente, também.

Conclusão: cautela antes do clique fácil

Para um site como o Clube de Cinema, que privilegia o rigor jornalístico, é importante sublinhar: não há, até ao momento, qualquer evidência sólida de que Pierce Brosnan tenha “mudado de lado”, aderido a um estúdio “unwoke” ou declarado guerra a Hollywood. Estamos perante um exemplo clássico de conteúdo desenhado para provocar reacções emocionais, gerar partilhas e alimentar narrativas polarizadoras.

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James Bond pode ter licença para matar no ecrã 🎬, mas na vida real continua, ao que tudo indica, fiel a uma carreira construída com pragmatismo — e não com manchetes duvidosas.

A BBC Vai Criar Conteúdos Originais para o YouTube num Acordo Histórico

A televisão pública britânica aposta no digital para conquistar audiências jovens e reforçar o seu futuro

A BBC anunciou um acordo histórico com o YouTube que marca uma mudança profunda na estratégia digital da estação pública britânica. Pela primeira vez, a BBC vai produzir conteúdos pensados de raiz para o YouTube, deixando de usar a plataforma apenas como montra promocional para excertos e trailers dos seus programas tradicionais.

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Este novo passo surge num momento particularmente sensível para a BBC, cujo modelo de financiamento está a ser amplamente debatido no Reino Unido. A parceria permitirá não só alcançar públicos mais jovens e habituados ao consumo digital, como também gerar receitas adicionais através de publicidade internacional — algo que não acontecerá dentro do território britânico, onde os conteúdos continuarão sem anúncios.

Conteúdos pensados para uma geração “digital-first”

Os novos programas serão direccionados sobretudo para uma audiência mais jovem, nativa digital, habituada a consumir conteúdos curtos, dinâmicos e adaptados às linguagens das plataformas online. Ainda assim, parte desse material poderá também ser disponibilizado no BBC iPlayer e no BBC Sounds, criando pontes entre o ecossistema digital e os serviços tradicionais da estação.

A oferta será variada e ambiciosa, incluindo entretenimento, documentários, conteúdos infantis, informação noticiosa e desporto. Um dos primeiros grandes destaques será a cobertura dos Jogos Olímpicos de Inverno, já em Fevereiro, pensada especificamente para o público do YouTube.

Num comunicado conjunto, BBC e YouTube sublinham que o objectivo é mostrar “o melhor da narrativa e do jornalismo britânicos”, adaptados a novos formatos e hábitos de consumo.

Uma resposta directa à mudança de hábitos

O director-geral da BBC, Tim Davie, destacou a importância estratégica do acordo, afirmando que este permitirá à corporação “ligar-se às audiências de novas formas”. Segundo Davie, trata-se de “levar conteúdos ousados e genuinamente britânicos para os formatos que o público já procura no YouTube”, ao mesmo tempo que se cria uma porta de entrada para os serviços tradicionais da BBC.

Os números ajudam a perceber a urgência desta mudança. Em Dezembro, o YouTube ultrapassou pela primeira vez a BBC em número de espectadores no Reino Unido — 52 milhões contra 51 milhões, de acordo com dados da entidade de medição Barb. Nos Estados Unidos, estudos recentes indicam que as redes sociais e plataformas de vídeo já superaram a televisão tradicional como principal fonte de notícias.

Formação e aposta nos criadores do futuro

O acordo não se fica pela produção de conteúdos. A BBC e o YouTube vão também lançar um programa de formação sem precedentes, integrado no plano governamental para as indústrias criativas. Liderada pela National Film and Television School, a iniciativa vai convidar 150 profissionais dos media a participar em workshops e eventos focados no desenvolvimento de competências específicas para o YouTube.

Pedro Pina, vice-presidente do YouTube para a região EMEA, afirmou estar “entusiasmado” com a parceria, defendendo que esta vai “redefinir os limites da narrativa digital” e garantir que o impacto cultural da BBC chega a uma audiência mais jovem e global.

Um futuro em aberto para a BBC

Este acordo surge num contexto político delicado. A secretária da Cultura britânica, Lisa Nandy, já classificou a taxa de licença da BBC como “inaplicável”, admitindo que “nenhuma opção está fora da mesa” na revisão do modelo de financiamento da estação pública.

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Ao apostar de forma clara no YouTube, a BBC não está apenas a seguir uma tendência — está a tentar garantir a sua relevância num mundo onde o consumo audiovisual mudou radicalmente. Resta agora perceber até que ponto esta estratégia conseguirá equilibrar serviço público, sustentabilidade financeira e uma nova geração de espectadores.

Vergonha, Glitter e Mau Cinema: Snow White e War of the Worlds  Lideram as Nomeações aos Razzie 2026

Os prémios do pior do ano já chegaram — e não poupam estrelas, estúdios nem egos gigantes

Um ano depois de Gal Gadot e Rachel Zegler subirem juntas ao palco dos Óscares para promover a aguardada versão em imagem real de Snow White, a realidade é bem menos encantada. Em 2026, o filme da Disney surge no topo das nomeações… mas para os Razzie Awards, os infames prémios que distinguem o pior que o cinema tem para oferecer.

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Snow White lidera a lista com seis nomeações, empatando com War of the Worlds, protagonizado por Ice Cube, outro dos grandes “vencedores” desta edição. Ambos competem, entre outras categorias, pelo temido título de Pior Filme do Ano.

A edição de 2026 dos Razzies promete ser particularmente demolidora, apontando baterias não só a produções falhadas, mas também a decisões criativas questionáveis, remakes sem alma e estrelas que, desta vez, não escaparam ao escrutínio mais cruel de Hollywood.

O prémio de pior filme está bem disputado

Na corrida para Pior Filme, Snow White e War of the Worlds enfrentam concorrência de peso — ou falta dele. Entre os nomeados estão Hurry Up Tomorrow, protagonizado por The Weeknd, Star Trek: Section 31, um spin-off ambicioso que acabou por desapontar, e The Electric State, a superprodução da Netflix assinada pelos irmãos Russo.

A ironia não passa despercebida: muitos destes projectos nasceram com ambições de blockbuster, orçamentos generosos e elencos de luxo. O resultado, segundo os Razzies, foi precisamente o oposto.

Remakes, egos e decisões duvidosas

Snow White e War of the Worlds voltam a cruzar caminhos em várias categorias, incluindo Pior Remake, Pior Realização, Pior Argumento e Pior Combinação em Cena — com destaque para a nomeação colectiva dos “sete anões artificiais” e para Ice Cube & a sua câmara de Zoom, uma das piadas mais cruéis (e eficazes) da lista.

Os Razzies de 2026 também não poupam actores consagrados. Entre os nomeados encontramos vencedores de Óscares como Natalie Portman, Michelle Yeoh e Jared Leto, provando que nem estatuetas douradas protegem contra más escolhas.

A cerimónia… no pior dia possível

Os Razzie Awards 2026 serão entregues a 14 de Março, precisamente no dia anterior à cerimónia dos Óscares. O troféu, fiel à tradição, continua a ser uma estatueta dourada pintada com spray, avaliada em 4,97 dólares — um símbolo perfeito para celebrar o lado menos glorioso da indústria.

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🏆 Lista Completa de Nomeados aos Razzie Awards 2026

Pior Filme

  • Snow White (2025)
  • The Electric State
  • Hurry Up Tomorrow
  • Star Trek: Section 31
  • War of the Worlds (2025)

Pior Actor

  • Dave Bautista – In the Lost Lands
  • Ice Cube – War of the Worlds
  • Scott Eastwood – Alarum
  • Jared Leto – Tron: Ares
  • Abel “The Weeknd” Tesfaye – Hurry Up Tomorrow

Pior Actriz

  • Ariana DeBose – Love Hurts
  • Milla Jovovich – In the Lost Lands
  • Natalie Portman – Fountain of Youth
  • Rebel Wilson – Bride Hard
  • Michelle Yeoh – Star Trek: Section 31

Pior Remake / Cópia / Sequela

  • Five Nights at Freddy’s 2
  • I Know What You Did Last Summer (2025)
  • Smurfs (2025)
  • Snow White (2025)
  • War of the Worlds (2025)

Pior Actriz Secundária

  • Anna Chlumsky – Bride Hard
  • Ema Horvath – The Strangers: Chapter 2
  • Scarlet Rose Stallone – Gunslingers
  • Kacey Rohl – Star Trek: Section 31
  • Isis Valverde – Alarum

Pior Actor Secundário

  • Os Sete Anões Artificiais – Snow White (2025)
  • Nicolas Cage – Gunslingers
  • Stephen Dorff – Bride Hard
  • Greg Kinnear – Off the Grid
  • Sylvester Stallone – Alarum

Pior Combinação em Cena

  • Todos os Sete Anões – Snow White (2025)
  • James Corden & Rihanna – Smurfs (2025)
  • Ice Cube & a sua câmara de Zoom – War of the Worlds (2025)
  • Robert De Niro & Robert De Niro – The Alto Knights
  • The Weeknd & o seu ego colossal – Hurry Up Tomorrow

Pior Realização

  • Rich Lee – War of the Worlds (2025)
  • Olatunde Osunsanmi – Star Trek: Section 31
  • Irmãos Russo – The Electric State
  • Trey Edward Shults – Hurry Up Tomorrow
  • Marc Webb – Snow White (2025)

Pior Argumento

  • The Electric State – Christopher Markus & Stephen McFeely
  • Hurry Up Tomorrow – Trey Edward Shults, Abel Tesfaye, Reza Fahim
  • Snow White (2025) – Erin Cressida Wilson e muitos outros
  • Star Trek: Section 31 – Craig Sweeny
  • War of the Worlds (2025) – Kenny Golde & Marc Hyman (a “destruir” H.G. Wells)

Justiça Sob Algoritmo: Mercy: Prova de Culpa Chega a Portugal com Chris Pratt em Modo Sombrio

O thriller futurista estreia nos cinemas portugueses a 22 de Janeiro de 2026 e questiona quem deve julgar: humanos ou máquinas

À primeira vista, Mercy parecia um projecto condenado ao cepticismo. Um thriller distópico sobre justiça algorítmica protagonizado por Chris Pratt, actor que passou a última década soterrado pelo peso das grandes franquias, dificilmente soaria a proposta refrescante. No entanto, o filme revela-se uma surpresa moderada — não revolucionária, mas mais inteligente, dinâmica e provocadora do que o seu ponto de partida fazia prever.

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Em Portugal, o filme chega com o título Mercy: Prova de Culpa e tem estreia marcada para 22 de Janeiro de 2026, alinhando-se com o lançamento internacional. Uma data que coloca este thriller de ficção científica mesmo no início do ano cinematográfico, com ambições claras de captar a atenção de quem gosta de histórias tensas, tecnológicas e moralmente desconfortáveis.

Um julgamento onde o relógio dita a sentença

A acção decorre num futuro próximo, demasiado plausível para conforto. Chris Raven é um agente da polícia de Los Angeles que acorda após uma noite de excessos para descobrir que foi detido e colocado numa cadeira de interrogatório digital. A acusação é devastadora: o homicídio da própria mulher. Sem direito a um julgamento tradicional, Raven é integrado no programa “Mercy”, uma experiência judicial radical onde o arguido é avaliado por uma inteligência artificial.

Essa entidade chama-se Judge Maddox, interpretada com frieza elegante por Rebecca Ferguson, e acumula os papéis de juíza, júri e carrasca. A lógica do sistema é simples e aterradora: Raven dispõe de 90 minutos para provar a sua inocência. Se a probabilidade calculada de inocência ultrapassar os 94%, é libertado. Caso contrário, a execução acontece automaticamente quando o tempo termina.

A culpa é presumida. A dúvida razoável é um número. A justiça é um algoritmo.

Menos panfleto, mais mistério

Seria fácil transformar Mercy: Prova de Culpa num manifesto anti-tecnologia ou numa sátira pesada ao Estado policial. O filme evita esse caminho mais óbvio e opta por algo mais interessante. O tribunal virtual não está completamente viciado contra o arguido. Pelo contrário, Raven tem acesso total a provas, testemunhas, imagens de vigilância e documentos, navegando por um arquivo digital quase infinito.

Este dispositivo transforma o filme num híbrido curioso: parte thriller em tempo real, parte investigação criminal acelerada, com ecos de Minority Report, Memento e até de videojogos de detectives. As pistas acumulam-se rapidamente, o ritmo raramente abranda e a narrativa mantém-se envolvente mesmo quando a conspiração central não foge a terrenos muito inovadores.

Um Chris Pratt mais áspero e eficaz

Chris Raven é um protagonista imperfeito: alcoólico em recaída, emocionalmente instável, divorciado e com um passado profissional que o coloca numa posição irónica — foi ele próprio responsável por levar a tribunal o primeiro arguido julgado pelo programa Mercy, num processo pensado para legitimar o sistema.

Pratt interpreta-o como um herdeiro directo dos detectives dos anos 90, à la Bruce Willis, abandonando a persona de boa disposição genérica que marcou a sua fase mais comercial. Aqui, está mais duro, mais agressivo e mais convincente. É uma das suas performances mais interessantes fora do universo das franquias.

Rebecca Ferguson domina o filme

Apesar de um elenco secundário competente, é Judge Maddox quem verdadeiramente marca o filme. Rebecca Fergusonconsegue dar a uma entidade programada uma estranha sensação de presença e quase-consciência, falando com uma lógica autoritária que nunca perde o controlo.

É através desta personagem que o filme lança a sua questão mais provocadora: será que uma inteligência artificial pode avaliar provas com mais objectividade do que um júri humano? Mercy: Prova de Culpa não responde de forma simplista. Pelo contrário, sugere que o problema não está apenas na tecnologia, mas na forma como os humanos a utilizam — ou se escondem atrás dela.

Um thriller eficaz, mesmo sem reinventar o género

Realizado por Timur Bekmambetov, conhecido por Wanted, o filme aposta numa montagem nervosa, numa estética digital agressiva e num ritmo quase constante, ao ponto de justificar a existência de três editores. Nem todas as personagens secundárias são plenamente desenvolvidas, mas o foco mantém-se onde interessa: no dilema moral e na corrida contra o tempo.

Mercy: Prova de Culpa não vai redefinir o cinema de ficção científica nem o thriller judicial, mas é um exemplo sólido de entretenimento adulto, consciente do mundo em que vivemos e das perguntas desconfortáveis que já não podemos evitar.

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Veredicto final

Sem ser brilhante, Mercy: Prova de Culpa é um thriller eficaz, tenso e surpreendentemente equilibrado na forma como aborda a justiça, a tecnologia e o papel humano no meio de ambos. Uma estreia interessante para quem procura mais do que explosões e respostas fáceis.