Elas Estão de Volta? Novo Charlie’s Angels Avança em Hollywood — E Drew Barrymore Pode Regressar aos Bastidores

Preparem-se: os Anjos de Charlie podem estar novamente a caminho do grande ecrã. A Sony Pictures está, segundo informações recentes, a desenvolver um novo reboot de Charlie’s Angels, tentando dar nova vida a uma das propriedades de acção mais reconhecíveis da cultura pop.

A saga começou como série televisiva nos anos 70 e 80, tornando-se um fenómeno global antes de saltar para o cinema em 2000 com Drew Barrymore, Cameron Diaz e Lucy Liu. O filme arrecadou mais de 264 milhões de dólares em todo o mundo (valor que hoje equivaleria a quase o dobro), consolidando-se como sucesso de bilheteira e gerando a sequela Charlie’s Angels: Full Throttle em 2003.

Depois disso, o franchise entrou num período irregular. Houve uma tentativa de regresso à televisão em 2011, cancelada ao fim de apenas sete episódios. Mais tarde, em 2019, surgiu um novo reboot realizado por Elizabeth Banks e protagonizado por Kristen Stewart, Naomi Scott e Ella Balinska. O resultado? Recepção crítica morna e fraco desempenho comercial — apenas 73 milhões de dólares a nível global, face a um orçamento estimado em 50 milhões.

ler também : “Está na Hora de Queimar a Casa”: Karim Aïnouz Ataca os Super-Ricos em Rosebush Pruning

Um Novo Argumentista, Uma Nova Estratégia

Desta vez, a Sony chamou Pete Chiarelli para escrever o argumento. O guionista é conhecido por comédias românticas de sucesso como The Proposal e Crazy Rich Asians, além de ter participado em projectos como Now You See Me 2.

A escolha pode indicar uma tentativa de equilibrar acção e leveza, duas características que marcaram o sucesso da versão de 2000. Ainda não é oficial quem produzirá o novo filme, mas há fortes indícios de que Drew Barrymore poderá regressar através da sua produtora, a Flower Films — a mesma responsável pelas adaptações cinematográficas do início do século.

Se confirmado, este envolvimento poderá funcionar como ponte entre gerações, trazendo legitimidade e memória afectiva ao projecto.

O Peso do Fracasso de 2019

O reboot de 2019 ficou marcado por controvérsias em torno do marketing e da recepção pública. Elizabeth Banks declarou posteriormente que sentiu que o filme foi enquadrado como um “manifesto feminista”, quando a sua intenção era simplesmente realizar um filme de acção protagonizado por mulheres.

A realizadora sublinhou também as limitações estruturais de Hollywood, referindo que raramente são atribuídos grandes franchises de acção a mulheres realizadoras, a menos que tenham protagonistas femininas. Segundo Banks, o problema não foi apenas o conteúdo, mas a forma como o filme foi apresentado ao público.

Há Espaço Para Mais Anjos?

A grande questão é inevitável: ainda há público para Charlie’s Angels?

Vivemos numa era dominada por universos partilhados e nostalgia reciclada. Para resultar, este novo projecto terá de encontrar um equilíbrio delicado entre respeito pelo legado e reinvenção efectiva. O charme irreverente, a química entre protagonistas e a mistura de humor com coreografias exageradas foram ingredientes essenciais do sucesso original — mas o mercado mudou.

ler também : O “Teste da Paixão Famosa”: A Nova Mania nos Encontros Está a Deixar Homens em Alerta

Se a Sony conseguir aprender com os erros do passado recente e apostar numa visão clara, talvez os Anjos possam voltar a voar alto.

Resta saber quem aceitará a chamada de Charlie desta vez.

A Série Que Abalou o Género: Porque “Watchmen” Continua a Ser o Último Grande Risco da Televisão de Super-Heróis

Durante mais de uma década, o domínio do Marvel Cinematic Universe sobre o entretenimento de super-heróis foi praticamente absoluto. No cinema e na televisão, a fórmula tornou-se clara: fidelidade estética, humor calibrado, narrativa segura e risco mínimo. Mesmo quando há tentativas de variar o tom — como em Wonder Man — a sensação geral é a de que o género se move dentro de limites bem definidos. A televisão baseada em banda desenhada raramente desafia o espectador. Raramente incomoda. Raramente arrisca.

ler também : O “Teste da Paixão Famosa”: A Nova Mania nos Encontros Está a Deixar Homens em Alerta

Mas houve uma excepção. Em 2019, a Watchmen, produzida pela HBO, fez precisamente o contrário.

Um Legado Impossível de Ignorar

A obra original de Alan Moore e Dave Gibbons não é apenas uma das mais celebradas da história da banda desenhada — é frequentemente apontada como o padrão-ouro do meio. Publicada nos anos 80, Watchmen desconstruiu o mito do super-herói, mergulhando num universo sombrio, politicamente carregado e moralmente ambíguo. Questionava o poder, a vigilância, a idolatria e a corrupção num tempo marcado pela Guerra Fria.

Era, para muitos, inadaptável. E, no entanto, décadas depois, surge uma minissérie que não tenta repetir o que já foi feito — mas sim continuar o debate.

Uma Continuação, Não Uma Reverência

Sob a liderança criativa de Damon Lindelof, a série da HBO optou por uma abordagem ousada: em vez de adaptar directamente a narrativa original, expandiu o universo para o presente, incorporando temas contemporâneos como brutalidade policial, racismo sistémico e desigualdade económica.

A escolha de centrar a história no massacre racial de Tulsa de 1921 — um episódio real durante décadas omitido do discurso público — foi um gesto narrativo de enorme peso simbólico. Não se tratava apenas de super-heróis mascarados. Tratava-se de memória histórica, trauma colectivo e da forma como o poder institucional molda narrativas.

Ao contrário de muitas produções actuais, que se medem pela sua “fidelidade” à fonte, Watchmen recusou a nostalgia como muleta. Não viveu da repetição de ícones. Não transformou o material original numa peça de museu. Pelo contrário, compreendeu-lhe o espírito e actualizou-o com uma identidade própria.

O Problema da “Exactidão”

Nos últimos anos, a discussão em torno das adaptações de banda desenhada passou a girar excessivamente em torno da “exactidão”. Se o fato é igual ao da BD. Se a fala corresponde ao balão original. Se a cena recria o enquadramento clássico.

Produções como Secret Invasion, Agatha All Along, Hawkeye ou Daredevil: Born Again demonstram competência técnica e respeito pelo material de origem. Mas raramente parecem interessadas em questioná-lo ou expandi-lo de forma significativa.

A televisão de super-heróis tornou-se, em muitos casos, uma celebração contínua da propriedade intelectual — não uma exploração artística das suas implicações.

Porque Precisamos de Mais “Watchmen”

O que tornou Watchmen verdadeiramente especial foi a coragem. Coragem para assumir uma posição política clara. Coragem para confrontar temas incómodos. Coragem para não agradar a todos.

A série entendia profundamente a obra de Moore e Gibbons, mas recusava-se a tratá-la como intocável. Em vez disso, perguntava: “E agora?” Como é que estes conceitos vivem num mundo pós-11 de Setembro? Num mundo de redes sociais, extremismo e desconfiança institucional?

É essa ambição intelectual que parece ausente na maioria das produções actuais. O género precisa novamente de criadores dispostos a arriscar — não apenas a replicar fórmulas rentáveis.

Se 2019 marcou o último momento em que a televisão de super-heróis se permitiu verdadeiramente desafiar o público, talvez esteja na hora de recuperar essa ousadia. Porque, sem risco, não há evolução. E sem evolução, o género corre o risco de se tornar apenas um eco do que já foi.

ler também : 100% no Rotten Tomatoes… Mas Quase Ninguém Está a Ver? O Novo Fenómeno Discreto da Netflix

Talvez o verdadeiro legado de Watchmen não esteja nos prémios que venceu, mas na pergunta que deixou no ar: será que ainda estamos dispostos a deixar os super-heróis ser perigosos?

Entre Piratas e Caças Supersónicos: Jerry Bruckheimer Actualiza Duas das Maiores Franquias de Hollywood

Se há produtor em Hollywood que sabe navegar mares agitados e voar a velocidades supersónicas, esse nome é Jerry Bruckheimer. O veterano produtor deu recentemente novidades sobre dois dos seus maiores trunfos comerciais: Pirates of the Caribbean e Top Gun. E, ao que tudo indica, a corrida está renhida.

“É uma corrida de cavalos entre os dois”, afirmou Bruckheimer, deixando claro que tanto o próximo capítulo de Top Gun como o regresso de Pirates of the Caribbean estão a avançar — mas a ritmos ligeiramente diferentes.

Top Gun Ligeiramente à Frente

Segundo o produtor, o novo argumento de Top Gun deverá chegar em breve. Depois do enorme sucesso de Top Gun: Maverick, que revitalizou a franquia e conquistou crítica e público, o entusiasmo em torno de uma continuação é mais do que natural.

O próprio Tom Cruise já confirmou que está “a trabalhar” numa sequela de Maverick, ao mesmo tempo que desenvolve um novo capítulo de Days of Thunder. Bruckheimer não revelou detalhes sobre o enredo, mas deixou implícito que o projecto está bem encaminhado.

Com Maverick a ter arrecadado mais de mil milhões de dólares mundialmente, a pressão para repetir — ou pelo menos aproximar-se — desse fenómeno é enorme. Ainda assim, tudo dependerá da qualidade do argumento que está prestes a chegar às mãos do produtor.

E os Piratas? Reboot à Vista

No que toca a Pirates of the Caribbean, o cenário é mais complexo. Bruckheimer confirmou anteriormente que o próximo filme será um reboot, com argumento de Jeff Nathanson, responsável também por Dead Men Tell No Tales (2017).

Paralelamente, existe um projecto alternativo escrito por Christina Hodson, pensado como spin-off e associado ao nome de Margot Robbie. Bruckheimer revelou ter reunido com a actriz recentemente, sugerindo que o seu envolvimento continua em cima da mesa.

Quanto ao eterno Capitão Jack Sparrow, interpretado por Johnny Depp, o produtor admitiu que o actor poderia regressar caso o argumento fosse suficientemente forte. No entanto, reforçou que a próxima longa-metragem será, em princípio, uma reinvenção da saga.

Uma Decisão Estratégica

A metáfora da “corrida de cavalos” não é inocente. Ambos os projectos representam apostas milionárias, mas exigem abordagens distintas. Top Gun beneficia de um sucesso recente e de uma fórmula revitalizada. Pirates, por seu lado, procura reencontrar rumo após um quinto filme que dividiu opiniões e marcou o fim de uma era.

No actual panorama de Hollywood, onde as grandes franquias continuam a ser a espinha dorsal da indústria, a escolha de qual avançará primeiro poderá definir o calendário de blockbusters dos próximos anos.

Seja nos céus ou nos mares, uma coisa é certa: Jerry Bruckheimer continua a apostar alto. E quando ele fala em corrida, Hollywood escuta.

Em Apenas 24 Horas, Tornou-se Rei do Streaming — E Está a Chegar a Portugal

Há sequelas que chegam discretamente ao streaming. E depois há casos como Predator: Badlands, que em apenas um dia se tornou o filme mais visto da Hulu nos Estados Unidos.

A produção da Disney, que arrecadou 184 milhões de dólares nas salas de cinema em 2025 — o melhor resultado de sempre da saga Predator — estreou na plataforma norte-americana a 12 de Fevereiro e subiu imediatamente ao topo da tabela de visualizações, segundo dados da FlixPatrol. Um desempenho fulgurante que confirma que o apetite pelo universo Yautja está longe de esmorecer.

Do Cinema ao Streaming… Sempre em Alta

O percurso comercial de Predator: Badlands tem sido tudo menos modesto. A estreia em sala arrancou com 40 milhões de dólares no primeiro fim-de-semana, um recorde interno da franquia, face a um orçamento de 105 milhões. Posteriormente, também dominou o mercado PVOD mal ficou disponível nesse formato.

Realizado por Dan Trachtenberg, o filme representa um ponto de viragem criativo: pela primeira vez, um Yautja — a espécie conhecida popularmente como Predator — assume o papel de protagonista. A narrativa acompanha Dek (Dimitrius Schuster-Koloamatangi), um jovem guerreiro que tenta provar o seu valor caçando uma presa considerada impossível de matar. Ao seu lado surge Thia, uma andróide da Weyland-Yutani interpretada por Elle Fanning, numa jornada através do temível “Planeta da Morte”.

O filme surge na sequência directa do sucesso de Prey, também realizado por Trachtenberg e lançado directamente na Hulu em 2022, bem como do projecto animado Predator: Killer of Killers, estreado no início de 2025.

E Em Portugal, Quando Estreia?

Nos Estados Unidos, Predator: Badlands está disponível na Hulu, serviço que não opera em Portugal. Por cá, os conteúdos da Hulu integram normalmente o catálogo da Disney+.

De acordo com o calendário europeu da plataforma, Predator: Badlands estreia em Portugal na Disney+ a 21 de Fevereiro de 2026, integrando a secção Star do serviço. A confirmação surge após a habitual janela de exclusividade norte-americana.

Crítica Sólida e Futuro em Aberto

No agregador Rotten Tomatoes, o filme apresenta 86% de aprovação “Certified Fresh”. Não supera os impressionantes 95% de Killer of Killers ou os 94% de Prey, mas consolida a fase positiva da franquia.

Apesar de Dan Trachtenberg ter assinado recentemente um acordo com a Paramount, o realizador já garantiu que continua comprometido com o futuro da saga. Em entrevistas recentes, deixou claro que há múltiplos caminhos por explorar — tanto em live-action como em animação — incluindo novas épocas históricas e abordagens ainda não vistas numa grande franquia de ficção científica.

Se o desempenho nas salas e no streaming servir de indicador, o caçador interestelar está longe de pendurar as lâminas. Pelo contrário: parece ter encontrado um novo fôlego — e um público renovado.

Antes da Estreia Já É um Fenómeno: O Novo Sherlock de Guy Ritchie Parte Recordes na Prime Video

Ainda falta chegar à Prime Video, mas já está a fazer história. Young Sherlock, a nova série produzida e realizada por Guy Ritchie, que reinventa a juventude do detective mais famoso da literatura, quebrou um recorde impressionante antes mesmo da estreia.

O primeiro trailer, lançado a 5 de Fevereiro, alcançou 223 milhões de visualizações em apenas sete dias, segundo dados da Wavemetrix citados pela Deadline. Trata-se do trailer mais visto de sempre de uma série da Prime Video no espaço de uma semana. Um feito notável num catálogo que inclui algumas das produções mais aguardadas da última década.

Mais Visto do Que The Rings of Power

Para termos noção da dimensão do fenómeno: o trailer de The Lord of the Rings: The Rings of Power, uma das apostas mais caras da história da televisão, somou 163,6 milhões de visualizações no mesmo período. Um número gigantesco — mas ainda assim significativamente abaixo do registo de Young Sherlock.

Num mercado saturado de conteúdos e trailers lançados diariamente, ultrapassar um colosso como The Rings of Powernão é apenas um detalhe estatístico. É um sinal claro de que o público está curioso — e talvez faminto — por uma nova abordagem ao universo de Sherlock Holmes.

Um Sherlock Adolescente e um Moriarty… Amigo?

Na série, o jovem detective é interpretado por Hero Fiennes Tiffin, que encarna uma versão adolescente e ainda indomável de Sherlock Holmes. O trailer revela também um encontro inesperado: um jovem James Moriarty, vivido por Dónal Finn, que surge inicialmente como amigo de Sherlock.

Sim, leu bem — amigo.

Mas a aparente cumplicidade poderá transformar-se rapidamente em tensão quando Sherlock é acusado de um crime que não cometeu e se vê envolvido numa conspiração global. A narrativa promete mistério, intriga internacional e um confronto que moldará o destino do detective para sempre.

Guy Ritchie Regressa a um Velho Conhecido

Ritchie não é um novato no universo criado por Arthur Conan Doyle. Em 2009, realizou Sherlock Holmes, protagonizado por Robert Downey Jr. e Jude Law, filme que recebeu uma sequela em 2011, Sherlock Holmes: A Game of Shadows, onde Moriarty foi interpretado por Jared Harris.

Agora, porém, o realizador opta por regressar às origens — literalmente. A série é baseada na colecção literária Young Sherlock Holmes, do autor britânico Andrew Lane, que explora os primeiros casos do detective durante a adolescência.

“Vamos revelar uma versão electrizante do detective que todos pensam conhecer, mas como nunca o imaginaram”, afirmou Ritchie aquando do anúncio oficial da série. A promessa é clara: desconstruir o mito para perceber o que moldou o génio de Baker Street.

Um Novo Capítulo na Era Vitoriana

Descrita como uma aventura irreverente, cheia de acção e mistério, Young Sherlock transporta-nos para uma Inglaterra vitoriana vibrante, mas não se limita a Londres. A narrativa levará o protagonista além-fronteiras, numa conspiração internacional que definirá o seu percurso.

A série conta ainda com nomes como Zine Tseng, Joseph Fiennes, Natascha McElhone, Max Irons e Colin Firth no elenco, com Matthew Parkhill como showrunner.

A estreia está marcada para 6 de Março. Se o entusiasmo do trailer for indicador da recepção futura, a Prime Video pode ter nas mãos o seu próximo grande fenómeno global.

Sherlock Holmes já teve muitas encarnações. Mas poucas começaram a investigação… com números destes.

O Regresso ao Areal Que Ninguém Esperava: Stephen Amell Lidera Novo Baywatch na Fox

Mais de três décadas depois de ter dominado as praias e os ecrãs de televisão em todo o mundo, Baywatch prepara-se para um regresso inesperado — e já tem protagonista confirmado. Stephen Amell foi escolhido para liderar o reboot da icónica série de nadadores-salvadores, que a Fox encomendou para a temporada televisiva 2026-2027.

ler também : Juntos… Até Que o Psicanalista Nos Separe: Terapia de  Estreia no TVCine TopFamília

A nova versão contará com uma primeira temporada de 12 episódios, cuja produção arranca esta primavera em Los Angeles. A estação norte-americana prepara ainda um casting aberto no próximo dia 18 de Fevereiro, sinal de que o projecto quer misturar nomes sonantes com novos talentos — exactamente como aconteceu com a série original.

Hobie Buchannon Cresceu… e Agora É Capitão

Amell interpretará Hobie Buchannon, personagem bem conhecida dos fãs da série clássica. O “miúdo rebelde” que marcou várias temporadas regressa agora já adulto — e com responsabilidades acrescidas. Segundo a descrição oficial, Hobie é actualmente Capitão da Baywatch, seguindo as pisadas do lendário pai, Mitch Buchannon.

A grande reviravolta dramática surge quando Charlie, a filha que ele nunca soube que tinha, aparece à sua porta determinada a integrar a equipa de nadadores-salvadores e a continuar o legado da família Buchannon. Drama familiar, herança emocional e o peso de um nome histórico prometem ser o motor narrativo desta nova fase.

Na série original, Hobie foi interpretado por Brandon Call e mais tarde por Jeremy Jackson, enquanto o patriarca Mitch Buchannon foi eternizado por David Hasselhoff.

De Arrow às Ondas do Pacífico

Para Stephen Amell, este papel mantém-no firmemente no universo das grandes produções televisivas. O actor tornou-se mundialmente conhecido ao protagonizar Arrow, onde interpretou Oliver Queen durante oito temporadas, ajudando a consolidar o chamado “Arrowverse” da DC na televisão.

Mais recentemente, liderou o spin-off Suits LA e participou na série de wrestling Heels, além dos filmes Code 8. Agora, troca o arco e flecha pela prancha de salvamento — mas, a julgar pelas palavras do showrunner Matt Nix, a intensidade heróica mantém-se intacta.

“Desde a primeira conversa, Stephen trouxe exactamente aquilo que este novo capítulo exige: coração, intensidade e energia de herói”, afirmou Nix, sublinhando que o actor tem a capacidade de equilibrar acção e emoção sem perder o lado divertido.

Um Fenómeno Global Difícil de Repetir

A série original Baywatch estreou em 1989 na NBC, tendo sido posteriormente distribuída em regime de syndication, onde viveu o seu verdadeiro auge. Ao longo de 11 temporadas e quase 250 episódios, tornou-se o programa mais visto do mundo, exibido em mais de 200 países.

O elenco ajudou a lançar ou consolidar carreiras como as de Pamela Anderson, Jason Momoa, Yasmine Bleeth e Carmen Electra. Houve ainda um spin-off, Baywatch Nights, e uma adaptação cinematográfica em 2017 protagonizada por Dwayne Johnson e Zac Efron.

A pergunta que fica no ar é inevitável: será possível replicar o impacto cultural de uma série que definiu uma era da televisão? A Fox parece acreditar que sim, apostando numa abordagem que combina nostalgia, legado familiar e novos conflitos geracionais.

Produção com ADN Original

O reboot conta com produção executiva de Matt Nix, McG (que também realizará o episódio piloto), Michael Berk, Greg Bonann, Doug Schwartz, Dante Di Loreto e Mike Horowitz. A série será co-produzida pela Fox Entertainment e pela Fremantle, duas estruturas com forte experiência no mercado internacional.

Se tudo correr como previsto, voltaremos a ver corridas em câmara lenta na praia — mas agora com uma camada emocional mais profunda e uma narrativa centrada na herança e responsabilidade.

ler também : Universo Bosch Expande-se: Ariana Guerra Junta-se à Prequela Bosch: Start of Watch

Uma coisa é certa: as ondas estão prontas. Falta saber se o público está preparado para regressar à praia mais famosa da televisão.

Universo Bosch Expande-se: Ariana Guerra Junta-se à Prequela Bosch: Start of Watch

Nova série da MGM+ recua até 1991 para explorar os primeiros dias de Harry Bosch na polícia de Los Angeles

O universo televisivo de Bosch continua a crescer e ganha agora um novo rosto. Ariana Guerra foi confirmada no elenco de Bosch: Start of Watch, a nova série da MGM+ que servirá de prequela às histórias do célebre detective criado por Michael Connelly. A actriz junta-se aos protagonistas já anunciados, Cameron Monaghan e Omari Hardwick, numa produção que promete explorar um período ainda pouco conhecido da vida de Harry Bosch.

ler também : Chris Hemsworth “Subornou” a Filha para Voltar ao Universo Marvel: “Já Acabámos?”

Ambientada em 1991, em Los Angeles, a série acompanha um Bosch de apenas 26 anos, nos seus primeiros dias como agente da polícia. Interpretado por Cameron Monaghan, o jovem Harry enfrenta uma cidade à beira do colapso, marcada por tensões raciais, violência de gangues e um Departamento de Polícia profundamente fracturado. Entre ocorrências aparentemente rotineiras e um clima de crescente instabilidade social, Bosch vê-se envolvido num assalto de grande escala e numa teia de corrupção criminal que irá moldar o seu futuro e consolidar o código moral que viria a definir a personagem: “Everybody counts or nobody counts.”

Um território inexplorado no universo de Michael Connelly

Ao contrário da série original, Bosch: Start of Watch não adapta directamente um livro específico da saga literária. Michael Connelly nunca escreveu uma prequela formal das aventuras de Harry Bosch. Em vez disso, a narrativa foi construída a partir de referências dispersas ao passado do detective, espalhadas por diferentes romances. O próprio autor descreveu esta nova série como uma incursão em “território inexplorado da personagem”, abrindo espaço para aprofundar as origens do seu carácter e da sua ética.

Omari Hardwick dará vida a Eli Bridges, uma personagem inédita que não existe nos livros. Bridges será o agente de formação de Bosch, desempenhando um papel crucial nos primeiros passos do jovem polícia dentro de um sistema complexo e muitas vezes contraditório.

Ariana Guerra será Rosa, uma rookie sob pressão

Ariana Guerra interpretará Rosa, também ela agente em início de carreira na LAPD e natural de Los Angeles. Criada nos bairros que agora patrulha, Rosa representa uma nova geração de polícias numa cidade ainda marcada pelo caso Rodney King. A personagem combina maturidade e astúcia de rua, mas carrega inseguranças profundas: uma gravidez precoce, uma primeira carreira falhada e a responsabilidade de sustentar o filho durante o seu ano probatório.

O argumento promete explorar ainda uma relação nascente entre Rosa e Bosch, romance que poderá pôr em causa a sua credibilidade profissional. A jovem agente terá de provar que é capaz de concluir o que começa, num ambiente onde qualquer fragilidade pode ser fatal para uma carreira em formação.

Equipa criativa e próximos projectos

Produzida pela Fabel Entertainment, a série é co-criada por Tom Bernardo e Brian Anthony, ambos envolvidos em Bosch: Legacy. Bernardo assume também o cargo de showrunner. Michael Connelly integra a equipa de produtores executivos, ao lado de Henrik Bastin, Jamie Boscardin Martin e Jasmine Russ, enquanto Theresa Snider participa como co-produtora executiva.

Ariana Guerra prepara-se ainda para integrar o elenco principal de Nemesis, nova série dramática criada por Courtney Kemp para a Netflix. No pequeno ecrã, a actriz já passou por produções como CSI: Vegas, Promised Land e Helstrom. No cinema, destacou-se como protagonista de Madres, produção da Amazon que lhe valeu uma nomeação para os Imagen Awards.

ler também : Produtor de Melania Acusa Nomeados aos Óscares de Mentira: “Temos Direito Legal à Música”

Com Bosch: Start of Watch, a MGM+ aposta numa expansão ambiciosa de um universo que continua a conquistar fãs. Resta agora perceber se o jovem Harry Bosch conseguirá cativar o público tanto quanto a sua versão mais experiente.

Produtor de Melania Acusa Nomeados aos Óscares de Mentira: “Temos Direito Legal à Música”

Disputa sobre banda sonora de Phantom Thread aquece polémica em torno do documentário da primeira-dama

A polémica em torno do documentário Melania ganhou um novo capítulo depois de o produtor Marc Beckman ter reagido publicamente às críticas de Paul Thomas Anderson e Jonny Greenwood. Em causa está a utilização de música composta para o filme Phantom Thread (2017), que os dois artistas consideram ter sido usada sem o devido respeito pelo acordo contratual existente.

ler também : Revelada a Causa da Morte de Catherine O’Hara: Ícone de “Sozinho em Casa” Partiu aos 72 Anos

Beckman, produtor do documentário realizado por Brett Ratner sobre Melania Trump, rejeitou categoricamente as acusações. Em declarações ao site Breitbart News, classificou as críticas como “uma mentira flagrante” e garantiu que a produção detém todos os direitos necessários para utilizar a música em questão. “Temos o direito legal e a permissão para usar cada música e cada peça musical no filme. Fizemos tudo correctamente, seguimos o protocolo, respeitamos os artistas e compensámos todos pela utilização da sua música”, afirmou.

A posição de Paul Thomas Anderson e Jonny Greenwood

Do outro lado, Paul Thomas Anderson e Jonny Greenwood divulgaram uma declaração conjunta onde expressam desagrado com a inclusão de uma peça da banda sonora de Phantom Thread no documentário. Segundo os dois criadores, a Universal — estúdio responsável pelo filme original — não terá consultado Greenwood relativamente à utilização da música num projecto de terceiros, o que consideram uma violação do acordo celebrado com o compositor.

Na declaração enviada à Entertainment Weekly, afirmam que, embora Greenwood não detenha os direitos de autor sobre a partitura, o contrato previa consulta prévia para este tipo de utilização. Como consequência, pediram que a música fosse retirada do documentário.

Importa sublinhar que as críticas foram dirigidas à Universal e não directamente à equipa de produção de Melania, que foi produzido pela Amazon MGM Studios.

Contexto de prémios e tensão na indústria

A controvérsia surge numa altura particularmente visível para os envolvidos. Greenwood foi nomeado para o Óscar de Melhor Banda Sonora Original por Phantom Thread em 2018, enquanto Anderson recebeu nomeações para Melhor Filme e Melhor Realização pelo mesmo projecto. Este ano, ambos voltaram a ser nomeados pelos seus trabalhos em One Battle After Another, com Anderson a somar ainda uma nomeação para Melhor Argumento Adaptado.

O episódio acrescenta mais um elemento à já debatida trajectória do documentário Melania, que marca o regresso de Brett Ratner à realização depois de, em 2017, ter sido acusado de má conduta sexual por várias mulheres. Desde então, o realizador afastou-se de grandes produções até este projecto.

Bilheteira e investimento milionário

Apesar da polémica, Melania tem tido um percurso sólido nas salas de cinema, acumulando cerca de 13,3 milhões de dólares em bilheteira mundial até ao momento. A Amazon terá investido aproximadamente 75 milhões de dólares na aquisição e promoção do documentário, num movimento que chamou a atenção da indústria pelo valor envolvido num projecto documental.

ler também : “Parem de Falar da Minha Idade”: Halle Berry Responde Sem Filtros em Plena Promoção de Crime 101

Resta agora perceber se a disputa sobre a banda sonora terá implicações legais ou se será resolvida nos bastidores. Para já, as posições estão bem definidas: de um lado, criadores que alegam violação contratual; do outro, produtores que garantem ter seguido todos os trâmites legais.

Yoshi Faz Aquilo Que Todos Esperavam: Novo Teaser de Super Mario Galaxy Assume o Absurdo e Conquista os Fãs

O dinossauro verde engole um inimigo, cospe um ovo e confirma que o espírito Mario está bem vivo no novo filme da Nintendo e da Illumination

Era apenas uma questão de tempo. Desde que Yoshi foi sugerido no final de The Super Mario Bros. Movie, havia uma pergunta que pairava no ar entre os fãs: quando é que o íamos ver fazer aquilo que faz melhor? O novo teaser de Super Mario Galaxy, divulgado esta semana, responde finalmente — e sem qualquer pudor — mostrando Yoshi a engolir um inimigo inteiro e a devolvê-lo ao mundo… em forma de ovo.

ler também . Colin Farrell em Estado Puro: Três Filmes, Três Rostos e um Actor em Plena Maturidade no Cinemundo

O momento dura apenas alguns segundos, mas é suficiente para provocar gargalhadas, nostalgia e uma sensação clara de alívio criativo. Sim, este filme sabe exactamente o que é. E não tem vergonha nenhuma disso.

O momento do ovo… e da confirmação

Nos instantes finais do teaser de 30 segundos, Yoshi surge frente a frente com Kamek. O confronto é apresentado em câmara lenta, com uma solenidade quase épica — apenas para ser imediatamente sabotado pela lógica cartoonesca do universo Mario. Yoshi abre a boca, engole Kamek inteiro e vira-se de costas para a câmara. O som clássico de “ovo” ecoa. Um ovo verde com os óculos de Kamek é projectado para dentro de um cockpit… e Yoshi assume calmamente o lugar de piloto.

É absurdo, autoconsciente e perfeitamente fiel à lógica da série. Mais do que uma piada visual, é uma declaração de intenções: Super Mario Galaxy não quer parecer “adulto” nem “cinematograficamente sério”. Quer ser Mario — em toda a sua glória disparatada.

Bowser Jr. sobe ao palco

O teaser não vive apenas do gag final. Logo na abertura, Bowser Jr. proclama solenemente: “The great battle of my life draws near!” Uma fala inédita que sugere um papel mais central do vilão no novo filme. Segue-se uma sequência de várias aeronaves a cercar um planeta de aparência ameaçadora — possivelmente a armada pessoal de Bowser Jr. — num momento que aponta para uma escala mais ambiciosa do que a do filme anterior.

Há ainda tempo para um plano deliciosamente simples: Yoshi sentado numa mota, a dizer apenas “Vroom vroom”. Porque, claro, isto é um filme onde um dinossauro verde anda de mota e faz sons de motor com a boca. E isso é maravilhoso.

Peach, Toad e uma cidade saída de um delírio retro-futurista

Um dos segmentos mais interessantes do teaser afasta-se momentaneamente do humor físico para apostar na construção de mundo. Peach e Toad surgem juntos numa cidade iluminada por néons, com uma estética claramente cyberpunk e recheada de referências ao universo Nintendo.

As imagens passam rapidamente, mas há detalhes que saltam à vista: figuras pixelizadas que evocam os primeiros jogos da série, um bar com temática arcade frequentado por capangas de Bowser, e — talvez o pormenor mais delicioso — um gigantesco logótipo da Nintendo 64 a girar lentamente no topo de um edifício. Um piscar de olho descarado à era dourada da consola, pensado claramente para quem cresceu com o comando tridente nas mãos.

A entrada de Peach e Toad nesse bar, rodeados por inimigos que interrompem subitamente as suas bebidas, sugere que esta visita à cidade não será exactamente pacífica. Entre nostalgia, ameaça e humor visual, o filme parece querer equilibrar vários tons sem nunca perder identidade.

Um entusiasmo cuidadosamente alimentado

A Illumination e a Nintendo têm vindo a dosear a promoção de Super Mario Galaxy com uma sucessão constante de teasers, revelações de personagens e novos actores de voz. Cada novo material parece acrescentar mais uma camada de referências — algumas óbvias, outras profundamente enterradas na história da série.

Este novo teaser não revela muito sobre a narrativa global, mas cumpre algo igualmente importante: tranquiliza os fãs. Mostra que o filme compreende o ADN de Mario, abraça o humor infantil sem cinismo e não tem medo de ser ridículo quando é suposto sê-lo.

ler também : Spielberg Volta aos Aliens — e o Super Bowl Revelou o Dia em Que a Verdade Chega a Todos

A espera já não é longa. Super Mario Galaxy estreia em Abril de 2026 e, se este teaser servir de indicador, Yoshi vai finalmente ter o protagonismo que merece — língua comprida, ovos incluídos.

A Música Não Era Para Aqui: Paul Thomas Anderson e Jonny Greenwood Exigem Remoção de Tema de Phantom Thread do Documentário Melania

Utilização não autorizada da banda sonora gera polémica e levanta questões sobre direitos criativos em Hollywood

Nem todo o silêncio é elegante — e, neste caso, a música também não estava no sítio certo. Paul Thomas Anderson e Jonny Greenwood pediram formalmente a remoção de um excerto da banda sonora de Phantom Thread do controverso documentário Melania, alegando uma violação directa do acordo contratual do compositor.

ler também : O Regresso de Ghostface Está Próximo… e Nunca Foi Tão Pessoal

A revelação foi feita através de um comunicado conjunto, obtido pela Variety, depois de ter sido detectada a utilização de música do filme de 2017 no documentário realizado por Brett Ratner, centrado na figura da antiga Primeira-Dama dos Estados Unidos. Greenwood foi claro: apesar de não deter os direitos de autor da partitura — pertencentes à Universal —, o estúdio falhou ao não o consultar para esta utilização por terceiros, algo que constitui uma quebra explícita do seu contrato como compositor.

Phantom Thread: uma identidade sonora demasiado específica para ser reciclada

A decisão não surpreende quem conhece a relação quase simbiótica entre Anderson e Greenwood. Em Phantom Thread, a música não é mero acompanhamento: é nervo, tensão, desejo e ameaça contida. A partitura, marcada por cordas inquietas e uma elegância venenosa, foi amplamente elogiada pela crítica, incluindo Owen Gleiberman, da Variety, que destacou a sua atmosfera “rapturária, carregada de ansiedade”, evocando o suspense hitchcockiano dos anos 50.

Transportar essa identidade sonora para um documentário político — ainda por cima sem consentimento criativo — não é apenas uma questão legal, mas também artística. Para Anderson e Greenwood, a música foi retirada do seu contexto narrativo e emocional, perdendo significado e integridade.

Um documentário caro, polémico… e financeiramente difícil de justificar

O caso ganha ainda mais peso quando se olha para os números em redor de Melania. O documentário arrecadou cerca de 13,35 milhões de dólares nas bilheteiras norte-americanas após duas semanas — um valor respeitável para o género, mas claramente insuficiente face ao investimento colossal da Amazon MGM Studios.

Segundo dados revelados pela imprensa especializada, o estúdio terá pago cerca de 40 milhões de dólares pelos direitos do filme e de uma série documental associada, somando depois mais 35 milhões em marketing para a estreia em sala. Um gasto praticamente sem precedentes no universo dos documentários, levantando suspeitas na indústria sobre possíveis motivações políticas por detrás da operação.

Jonny Greenwood: mais compositor de cinema do que rockstar

Nos últimos 25 anos, Jonny Greenwood tem sido mais prolífico no cinema do que nos palcos com os Radiohead. Para além de Phantom Thread, assinou ou colaborou em bandas sonoras de filmes como There Will Be Blood, Inherent Vice, Liquorice Pizza e One Battle After Another, consolidando-se como um dos compositores mais singulares do cinema contemporâneo.

ler também : Muito Barulho Mediático, Poucos Bilhetes Vendidos: Melania  Falha Estreia no Reino Unido

Este episódio reforça uma ideia essencial: a música no cinema não é decorativa. É autoria. É narrativa. E não pode ser usada como papel de parede sonora sem o consentimento de quem a criou.

Park City Perde Sundance e a Fatura é Pesada: Menos 180 Milhões de Euros na Economia Local

A despedida do Sundance Film Festival deixa um vazio económico — e cultural — no Utah

Depois de mais de 40 anos a transformar Park City, no Utah, num dos epicentros mundiais do cinema independente, o Sundance Film Festival despediu-se definitivamente da cidade. A partir de 2027, o festival muda-se para Boulder, no Colorado, deixando para trás não apenas memórias cinéfilas, mas também um impacto económico difícil de ignorar: cerca de 196 milhões de dólares, o equivalente a aproximadamente 180 milhões de euros, que deixaram de entrar anualmente na economia local.

ler também : Estes São Mesmo os 8 Melhores Filmes do Sundance 2026 Segundo a Rotten Tomatoes

Em 2025, a última edição completa em Park City atraiu 85.472 visitantes, um crescimento de 17% face ao ano anterior. Durante cerca de dez dias, hotéis, restaurantes, bares, transportes e comércio local funcionavam em modo de sobrecarga máxima. A partir de agora, esse fluxo económico seguirá para outro destino.

Uma decisão polémica… mas não inesperada

A decisão de abandonar Park City foi tomada após um processo competitivo de candidaturas, no qual uma proposta conjunta entre Park City e Salt Lake City chegou à fase final, juntamente com Cincinnati. Ainda assim, o festival acabou por escolher Boulder, decisão que caiu como um choque para muitos residentes.

Apesar disso, o presidente da câmara de Park City, Ryan Dickey, tenta desdramatizar o impacto imediato.

“Não diria que isto é esmagador. Fizemos tudo para manter o festival, mas também conhecemos bem os desafios que o Sundance enfrentava aqui”, afirmou ao SFGATE.

Mesmo que o festival tivesse permanecido no Utah, o plano do estado previa deslocar o centro de gravidade para Salt Lake City, mantendo Park City apenas como pólo secundário para eventos especiais.

Incentivos: Utah perdeu para o Colorado

O Utah apresentou uma proposta robusta: mais de 11 milhões de euros por ano em incentivos financeiros e apoios em espécie, acrescidos de cerca de 9 milhões de euros em donativos privados. No entanto, parte significativa desses apoios dependia de candidaturas a fundos e processos burocráticos.

O Colorado foi mais directo e agressivo: um pacote de cerca de 63 milhões de euros em incentivos ao longo de 10 anos, incluindo créditos fiscais, transportes gratuitos, passes para bicicletas eléctricas, estacionamento, segurança pública e apoio municipal garantido. Para Boulder, o dinheiro foi apenas parte do argumento.

Segundo Cris Jones, director de parcerias estratégicas da cidade, o Sundance “já tinha ultrapassado há muito a escala física de Park City”.

Trânsito, alojamento e frustração local

Para muitos residentes, o festival sempre foi uma relação de amor-ódio. Durante quatro ou cinco dias, a pequena cidade de montanha entrava em colapso total de trânsito, com SUVs pretos, estrelas de cinema e equipas de imprensa a dominar as ruas.

Além disso, 88% da força laboral de Park City vive fora da cidade, o que agravava ainda mais os constrangimentos diários. O alojamento era outro problema crónico: preços médios de cerca de 630 euros por noite, levando muitos participantes a dividir quartos, dormir em sofás ou até no chão.

“Se pensarmos nos jovens cineastas que frequentam festivais, muitos simplesmente não conseguiam pagar para ficar em Park City”, reconheceu Dickey.

Park City continua a ser… uma estância de ski

Apesar da associação mediática ao Sundance, a verdadeira espinha dorsal económica da região continua a ser o ski. Na temporada 2024-2025, a indústria do ski gerou cerca de 2,3 mil milhões de euros no Utah, sendo 1,2 mil milhões apenas no condado de Summit, onde se localiza Park City.

As grandes operadoras — Vail Resorts e Alterra Mountain Company — continuam a investir fortemente, com novas pistas, infra-estruturas e teleféricos. A esperança da autarquia é que dois fins-de-semana extra de ski possam compensar parte da ausência do festival.

Ainda assim, as contas não fecham totalmente: 10 dias fortes de ski geram cerca de 80 milhões de euros, bem abaixo do impacto anual do Sundance.

Restaurantes cheios… mas sem pânico

Negócios locais como o bar O’Shucks White House confirmam que o festival representa os 10 dias mais lucrativos do ano, com aumentos de faturação entre 200% e 400%. Ainda assim, o gerente Manny Luna acredita que o impacto será amortecido com mais visitantes locais e esquiadores.

“O que assusta mesmo é não haver neve. Se não houver neve, não vem ninguém — isso sim é preocupante.”

Um vazio cultural difícil de substituir

Mais difícil de quantificar é o impacto cultural. O histórico Egyptian Theatre, berço original do Sundance, tornou-se um símbolo do festival. Recebeu figuras como Robert Redford, Bill Gates e até Bill e Hillary Clinton, tudo no pequeno átrio de um teatro de montanha.

Apesar da saída do festival, o proprietário garante que não haverá despedimentos e aponta vantagens para os residentes, como preços mais acessíveis e menos filas.

“É como ver um amigo partir”

Para os cinéfilos de longa data, nada substitui o Sundance. Sean Baker, voluntário durante 20 anos e espectador de mais de 850 filmes no festival, resume o sentimento:

“É incrível ver realizadores começarem aqui e tornarem-se gigantes do cinema. Ver o festival sair de Park City é, honestamente, de partir o coração.”

Ler também : Paixão, Vento e Carne Viva: As Primeiras Reacções a Wuthering Heights de Emerald Fennell

Baker irá seguir o Sundance até Boulder, mas admite: não será a mesma coisa.

Cinema Independente vs. Gigante de Hollywood: Amazon Impede Exibição de Melania num Cinema de Portland

Um cartaz provocador, um telefonema inesperado e uma decisão polémica

Um pequeno cinema independente na área de Portland está no centro de uma nova controvérsia que cruza cinema, política e liberdade de programação. O Lake Theater & Cafe, uma sala conhecida pelo seu tom irreverente e provocador, revelou ter sido impedido pela Amazon MGM Studios de continuar a exibir o documentário Melania, centrado na actual primeira-dama dos Estados Unidos. A decisão terá sido comunicada por telefone no início da semana e, segundo o cinema, prende-se não com o filme em si, mas com a forma como foi promovido.

ler também : Paixão, Vento e Carne Viva: As Primeiras Reacções a Wuthering Heights de Emerald Fennell

O documentário acompanha Melania Trump durante os 20 dias que antecederam a tomada de posse presidencial de Donald Trump e chegou às salas norte-americanas a 30 de Janeiro, com uma estreia comercial que rondou os sete milhões de dólares no primeiro fim-de-semana — um valor significativo para um documentário, ainda que longe de consensual junto da crítica.

Frases no letreiro que não agradaram à Amazon

De acordo com Jordan Perry, gerente-geral do Lake Theater & Cafe, o contacto da Amazon surgiu após a exibição de mensagens provocatórias no letreiro exterior da sala. Entre elas estavam frases como “Para derrotar o inimigo, é preciso conhecê-lo” e “A Melania veste Prada?”, uma referência óbvia ao filme The Devil Wears Prada. Para a distribuidora, este tom foi considerado inadequado, levando à retirada imediata do filme da programação.

Perry defende, no entanto, que a intenção nunca foi partidária nem propagandística. Pelo contrário: o cinema encara a exibição de filmes como um acto cultural, não como um endosso político. “Mostrar Melania não é apoiar Melania, nem esta administração, nem as suas políticas”, escreveu o responsável numa publicação no site oficial do cinema. “Para mim, não existe uma linha divisória entre querer ver um filme e querer mostrá-lo aqui.”

Um filme caro, polémico e divisivo

Produzido e promovido com um orçamento estimado em 75 milhões de dólares, Melania tem sido alvo de críticas severas, com alguns analistas a descrevê-lo como uma “viagem ao vazio”. Ainda assim, conseguiu despertar curiosidade suficiente para gerar receitas consideráveis e reacções intensas, tanto de apoio como de rejeição.

No caso do Lake Theater, a exibição do documentário já tinha provocado uma onda de críticas e mensagens negativas por parte de clientes habituais, que associavam a projecção do filme a uma posição política. Perry rejeita essa leitura e sublinha que o cinema não classifica os seus filmes como “políticos”, mas sim como obras que merecem ser vistas e debatidas.

Entre a programação e a sobrevivência

O responsável acrescenta ainda que as alternativas disponíveis naquele período — como o thriller classificado para adultos Send Help ou The Bone Temple — dificilmente teriam o mesmo impacto junto do público local. Para um cinema independente, a escolha de programação é também uma questão de sobrevivência económica.

ler também : Nada Volta a Ser Igual: The Last of Us Mexe no Elenco e Redefine o Rumo da Série

Até ao momento, a Amazon MGM Studios não respondeu aos pedidos de esclarecimento feitos pela estação local KOIN 6. O episódio levanta, mais uma vez, a questão do equilíbrio de poder entre grandes estúdios e salas independentes — e até que ponto a liberdade de exibição resiste quando entra em conflito com a imagem de um produto altamente sensível.

Um fenómeno independente chamado Iron Lung abala o box office e emociona Markiplier

Filme auto-financiado estreia com 21 milhões de dólares e prova que o cinema indie ainda pode vencer

Contra todas as expectativas — e praticamente contra todas as regras não escritas da indústria — Iron Lung tornou-se num dos casos mais falados do box office recente. O filme, escrito, realizado, protagonizado, financiado e distribuído de forma independente por Markiplier (nome verdadeiro: Mark Fischbach), estreou com 21,7 milhões de dólares a nível mundial, incluindo 17,8 milhões na América do Norte, onde alcançou o segundo lugar do top semanal em 3.015 salas.

ler também : Um documentário de 75 milhões, protestos à porta e um país em combustão

Um feito notável por várias razões: Iron Lung custou cerca de 3 milhões de dólares, não teve apoio de grandes estúdios e esteve inicialmente previsto para uma estreia muito mais modesta, em apenas 50 salas. Em vez disso, acabou a disputar o topo da tabela com Send Help, o novo thriller de Sam Raimi, produzido pela Disney, que arrecadou cerca de 30 milhões no mesmo período.

Um criador digital a jogar no campo dos gigantes

Baseado num videojogo indie de terror, Iron Lung decorre num cenário pós-apocalíptico, onde um fugitivo é forçado a explorar um oceano de sangue em busca de recursos, após um evento semelhante ao arrebatamento bíblico. A premissa é extrema, claustrofóbica e longe do cinema “seguro” que costuma dominar os multiplex — o que torna o seu sucesso ainda mais improvável.

Visivelmente emocionado, Markiplier reagiu aos resultados durante uma transmissão em directo no YouTube, onde não escondeu as lágrimas. Para o criador, o impacto financeiro do filme vai muito além de números ou rankings: significa poder pagar bónus à equipa e provar que modelos alternativos de produção e distribuição ainda são viáveis.

Ao optar por uma divisão de receitas próxima dos 50/50 com as salas de cinema, algo pouco comum nas grandes produções, Iron Lung tornou-se igualmente atractivo para os exibidores. “Toda a gente ganha”, sublinhou o realizador, numa indústria cada vez mais pressionada por margens reduzidas e pela concorrência do streaming.

Uma estreia curta… mas altamente lucrativa

Curiosamente, Iron Lung não deverá manter uma longa carreira nas salas. O próprio Markiplier confirmou que o filme terá uma exibição limitada no tempo, tornando esta estreia ainda mais impressionante do ponto de vista económico. Com um orçamento controlado e receitas já muito acima do investimento inicial, o filme posiciona-se como um dos exemplos mais claros de rentabilidade no cinema independente recente.

Houve, segundo o próprio, contactos de estúdios interessados em ajudar na distribuição, mas a decisão foi manter o controlo total do projecto. Uma escolha arriscada — e que acabou por se revelar acertada.

Um “momento de herói” para o cinema independente

Durante a transmissão, Markiplier fez questão de sublinhar que o seu objectivo não era “derrotar” Sam Raimi, mas sim mostrar que o domínio quase permanente dos grandes estúdios pode ser interrompido. Depois de várias semanas consecutivas com a Disney a liderar o box office, Iron Lung surgiu como um lembrete de que ainda há espaço para vozes exteriores ao sistema.

“Se isto inspirar alguém a continuar a fazer filmes de forma independente, já valeu a pena”, afirmou. Um discurso raro num momento em que o cinema parece cada vez mais fechado sobre si próprio.

Ironia das ironias: terminado o fim-de-semana de estreia, o próprio Markiplier revelou os seus planos imediatos. Ir ao cinema ver Send Help. Porque, apesar da competição, o amor pelo cinema continua a ser o ponto de partida.

ler também : Quatro décadas a filmar o país sem concessões: TVCine homenageia João Canijo

De A Coisa a Inception: 25 filmes entram no Registo Nacional de Cinema dos Estados Unidos

O cinema enquanto património cultural voltou a ser celebrado nos Estados Unidos com o anúncio da mais recente selecção do Registo Nacional de Cinema, iniciativa da Library of Congress que visa preservar obras consideradas essenciais para a memória colectiva do país. Este ano, 25 novos filmes foram escolhidos, elevando o total para 925 títulos, abrangendo mais de um século de História do cinema, desde o final do século XIX até à segunda década do século XXI.

ler também : Brian De Palma prepara novo regresso a Hollywood com talento brasileiro — e filmagens em Portugal

A decisão foi tornada pública a 29 de Janeiro, pelo National Film Preservation Board, e reflete uma selecção particularmente eclética: cinema mudo, clássicos de Hollywood, documentários, animação e filmes contemporâneos que, apesar da sua relativa juventude, já demonstraram um impacto cultural duradouro.

Entre os títulos agora consagrados encontram-se A Coisa, de John Carpenter, Antes do Amanhecer, de Richard Linklater, e Inception, de Christopher Nolan — três obras muito diferentes entre si, mas unidas pela forma como moldaram o imaginário cinematográfico das últimas décadas.

Um século de cinema preservado

O arco temporal desta selecção é particularmente expressivo. O filme mais antigo incluído é The Tramp and the Dog(1896), enquanto o mais recente é O Grande Hotel Budapeste, de Wes Anderson. Pelo meio, surgem obras que marcaram épocas, géneros e gerações, confirmando que a noção de “clássico” já não está limitada ao cinema do passado distante.

Entre os títulos mais reconhecidos pelo grande público estão Karate Kid – O Momento da Verdade, Glory, Philadelphia, As Meninas de Beverly Hills, O Show de Truman e Os Incríveis. Filmes que, apesar de recentes quando comparados com os primórdios do cinema, já provaram a sua relevância cultural e estética.

Seis filmes mudos e histórias recuperadas do esquecimento

Um dos aspectos mais sublinhados pela organização é a inclusão de seis filmes mudos, demonstrando um esforço contínuo de preservação dos primeiros anos da produção cinematográfica norte-americana. Segundo Jacqueline Stewart, presidente do conselho e rosto habitual da Turner Classic Movies, esta selecção “mostra a diversidade temática e estilística do cinema nos seus anos formativos”.

Entre estes títulos destaca-se The Tramp and the Dog, considerado perdido durante décadas e redescoberto apenas em 2021 na Biblioteca Nacional da Noruega. O filme tem ainda a particularidade de ser o primeiro comercialmente produzido em Chicago e incluir aquele que muitos historiadores consideram o primeiro exemplo de humor físico envolvendo… a perda de calças em cena.

Outros títulos mudos agora preservados incluem The Oath of the Sword, um dos primeiros exemplos conhecidos de cinema asiático-americano, The Maid of McMillan, considerado o mais antigo filme estudantil existente, The Lady, um melodrama realizado por Frank Borzage, e Sparrows, protagonizado por Mary Pickford, numa das suas interpretações mais elogiadas.

Autores modernos entram definitivamente no cânone

A lista de 2025 confirma também a consolidação de vários cineastas contemporâneos no cânone cultural norte-americano. Para além de Carpenter, Linklater e Nolan, surgem nomes como Amy Heckerling, com As Meninas de Beverly Hills, e Ken Burns, que entra pela primeira vez no Registo Nacional com um dos seus documentários históricos — um reconhecimento simbólico da importância do documentário enquanto forma de cinema.

Cinema como memória colectiva

Segundo Robert R. Newlen, “quando preservamos filmes, preservamos a cultura americana para as gerações futuras”. Uma ideia reforçada por representantes da indústria exibidora, que sublinham o papel das salas de cinema como espaços de memória social, descoberta e formação cultural.

Os 25 filmes agora escolhidos foram seleccionados a partir de quase 8.000 nomeações feitas pelo público, num processo que continua aberto a novas propostas. Qualquer filme com mais de dez anos pode ser nomeado até 15 de Agosto de 2026.

Para assinalar a selecção deste ano, a Turner Classic Movies vai emitir um especial televisivo a 19 de Março, com a exibição de vários dos filmes agora integrados no Registo Nacional.

ler também : Há imagens novas… e a imortalidade regressa: Henry Cavill assume o legado de Highlander

Entre o cinema mudo e os grandes filmes contemporâneos, esta lista lembra-nos de algo essencial: o cinema não é apenas entretenimento — é História, identidade e memória projectada em luz.

Há imagens novas… e a imortalidade regressa: Henry Cavill assume o legado de Highlander

Quase quatro décadas depois de se tornar um clássico improvável da cultura pop, Highlander – O Guerreiro Imortalprepara-se para regressar ao grande ecrã — e as primeiras imagens oficiais do remake já começaram a circular. O responsável pela revelação foi o próprio Henry Cavill, que recorreu ao Instagram para mostrar um primeiro vislumbre da sua transformação no novo Connor MacLeod, o lendário guerreiro imortal que ficou eternamente associado a Christopher Lambert.

Ainda sem data oficial de estreia, o novo Highlander é realizado por Chad Stahelski, cineasta conhecido sobretudo pelo universo John Wick, o que desde logo levanta expectativas quanto ao tratamento da acção, do combate corpo-a-corpo e, claro, das inevitáveis decapitações.

ler também : O vento da mudança não espera: Living the Land e a China num ponto de viragem histórico

Cavill: do Super-Homem ao guerreiro imortal

Na legenda que acompanha as imagens, Cavill mostrou-se visivelmente entusiasmado com o projecto:

“Divirtam-se com esta primeira prévia de Highlander! Tem sido uma grande jornada para mim, que contarei quando chegar a altura certa. É um momento especial poder partilhar isto convosco.”

Depois de ter vestido a capa de Superman em O Homem de Aço, Batman v Superman: Dawn of Justice e Liga da Justiça, Cavill regressa agora a um território que parece talhado à sua imagem: um herói físico, solene, marcado pelo peso do tempo e da violência — características que encaixam naturalmente no mito de Connor MacLeod.

O regresso de uma mitologia muito própria

O Highlander original, realizado por Russell Mulcahy, contava a história de MacLeod, um guerreiro escocês do século XVI que descobre ser imortal e é treinado por Ramirez, também ele um imortal, interpretado por Sean Connery. A premissa era simples e absolutamente irresistível: guerreiros imortais espalhados pelo mundo enfrentam-se ao longo dos séculos, sabendo que “só pode haver um” — e que a única forma de morrer é pela decapitação.

No remake, o papel de Ramirez passa para Russell Crowe, numa escolha que promete dar uma nova gravidade à personagem. Já o antagonista principal será interpretado por Dave Bautista, actor que tem vindo a construir uma carreira curiosamente equilibrada entre o cinema de acção e projectos mais autorais.

Um elenco recheado… e ambições renovadas

Além de Cavill, Crowe e Bautista, o elenco inclui ainda Karen Gillan, Djimon Hounsou, Marisa Abela e Max Zhang. Um conjunto de nomes que sugere uma abordagem mais global e contemporânea ao universo Highlander, sem perder a sua essência mitológica.

A escolha de Chad Stahelski para a realização é particularmente reveladora. Depois de redefinir o cinema de acção moderno com John Wick, o realizador tem agora nas mãos uma mitologia que pede precisamente isso: coreografias rigorosas, combate estilizado e uma linguagem visual forte que ajude a diferenciar épocas, espaços e séculos.

Um legado difícil… mas tentador

O filme de 1986 teve duas sequelas cinematográficas — Highlander II: A Ressurreição e Highlander III: O Feiticeiro —, além de uma série televisiva extremamente popular nos anos 90, animações, bandas desenhadas e romances. Nem tudo envelheceu bem, mas o conceito base manteve sempre um poder quase mítico.

Este remake surge, por isso, como uma oportunidade rara: respeitar o espírito do original, corrigir excessos do passado e apresentar Highlander a uma nova geração de espectadores. As primeiras imagens com Henry Cavill não revelam muito — mas dizem o suficiente para perceber que a imortalidade está longe de estar gasta.

ler também: Paul Dano reage às críticas de Tarantino — com classe, gratidão e o apoio de Hollywood

No fim, continua a aplicar-se a velha regra: só pode haver um. Resta saber se este Highlander será o escolhido.

O vento da mudança não espera: Living the Land e a China num ponto de viragem histórico

Há filmes que chegam às salas como simples estreias semanais e há outros que se impõem como verdadeiros retratos de um país em transformação. Living the Land – O Vento é Imparável, que se estreia esta quinta-feira em Portugal, pertence claramente ao segundo grupo. Vencedor do Urso de Prata para Melhor Realização no Festival de Cinema de Berlim em 2025, o segundo filme do realizador Huo Meng afirma-se como um olhar delicado, sensorial e profundamente humano sobre uma China em mutação acelerada.

ler também : Falso documentário, sucesso bem real: filme de Charli XCX esgota sessões e agita Sundance

Da Revolução Cultural à explosão criativa

Durante décadas, o cinema chinês viveu sob fortes limitações, especialmente no período da Revolução Cultural. O seu ressurgimento internacional começou nos anos 1980 com a chamada Quinta Geração, onde se destacaram nomes como Zhang Yimou e Chen Kaige. Hoje, essa classificação tornou-se quase irrelevante: o número de cineastas chineses revelados e premiados em grandes festivais é tal que já não se contam gerações — contam-se filmes marcantes.

Huo Meng é um desses novos nomes a acompanhar de perto. Com apenas a sua segunda longa-metragem, conquista Berlim e confirma que o cinema chinês contemporâneo continua a reinventar-se, agora com um olhar mais íntimo, menos épico e mais atento ao quotidiano.

Um ano, um lugar, um país em transição

Living the Land decorre numa região rural do nordeste da China, em 1991, um ano simbólico num país que acelerava a modernização económica e social. Partindo das suas próprias memórias de infância, Huo Meng constrói um retrato sensível das consequências dessa mudança, sobretudo na relação entre campo e cidade.

A narrativa acompanha uma família rural ao longo de um ciclo completo das estações do ano. No centro está Chuang, um rapaz de dez anos que vê os dois irmãos mais velhos partirem para a cidade em busca de trabalho e futuro, enquanto ele permanece no campo, ligado à terra, aos rituais e a uma forma de vida que começa lentamente a desaparecer.

Cinema como experiência sensorial

Mais do que uma história linear, Living the Land propõe uma experiência impressionista. Pessoas e paisagem surgem em pé de igualdade, num cinema que observa gestos, silêncios e rituais com paciência quase contemplativa. O realizador recorre maioritariamente a actores amadores, reforçando a autenticidade dos rostos e das emoções, e constrói um universo onde o som — do vento, da terra, dos animais — é tão importante quanto a imagem.

Sem negar o progresso nem cair na nostalgia fácil, o filme sublinha algo essencial: a modernização tem custos, e a ruptura total com a tradição pode significar a perda de uma identidade espiritual profunda, enraizada na vida rural chinesa.

ler também: Paul Dano reage às críticas de Tarantino — com classe, gratidão e o apoio de Hollywood

Um filme necessário

Encantador enquanto espectáculo cinematográfico e revelador na sua dimensão sociológica, Living the Land – O Vento é Imparável confirma Huo Meng como uma voz a seguir com atenção. Um filme discreto, mas poderoso, que observa a História a partir do chão — literalmente — e lembra que, por mais imparável que seja o vento da mudança, a terra guarda sempre memória.

Falso documentário, sucesso bem real: filme de Charli XCX esgota sessões e agita Sundance

O que acontece quando uma mega-estrela pop decide rir de si própria, da indústria que a rodeia e do circo mediático que ajudou a criar? A resposta chama-se The Moment — um falso documentário protagonizado por Charli XCX que está a provar ser tudo menos uma brincadeira passageira. Apresentado recentemente no Festival de Sundance, o filme tornou-se no lançamento limitado da A24 com vendas mais rápidas de sempre nos Estados Unidos.

De acordo com o estúdio, mais de 50 sessões esgotaram em tempo recorde nos chamados mercados estratégicos, com bilhetes a desaparecerem antes mesmo da estreia oficial. Para completar o fenómeno, uma sessão especial com perguntas e respostas, em Brooklyn, com Charli XCX e o realizador Aidan Zamiri, esgotou de imediato e viu os ingressos a serem revendidos online — algo raro para um filme de lançamento limitado e ainda sem distribuição alargada.

Uma diva fictícia… demasiado próxima da realidade

Em The Moment, Charli XCX interpreta uma versão exagerada e autoconsciente de si própria: uma “diva” controladora, obsessiva com detalhes e presa entre a vontade de evoluir artisticamente e a pressão constante para manter uma imagem rentável. O ponto de partida é simples e irónico: depois de dominar um verão inteiro, lançar um álbum multimilionário (Brat) e até influenciar dicionários a elegerem a palavra do ano, o que deve fazer uma estrela pop a seguir?

A resposta surge sob a forma de crise existencial, sátira mordaz e um olhar desconfortavelmente honesto sobre a fama contemporânea. A Charli do filme tenta afastar-se da estética “brat”, das tank tops justas e da atitude “IDGAF” que definiram 2024, mas encontra resistência precisamente onde menos queria: na máquina industrial que vive dessa persona.

Indústria vs. artista, com humor ácido

O elenco secundário reforça esta guerra de visões criativas. Hailey Benton Gates interpreta Celeste, a directora criativa da digressão, aliada na tentativa de mudança estética. Do outro lado da barricada estão a executiva da editora discográfica, vivida por Rosanna Arquette, e Johannes, um realizador egocêntrico contratado para supervisionar o filme da digressão, interpretado por Alexander Skarsgård.

O choque de egos e ideias transforma o planeamento da digressão num campo de batalha criativo: luzes estroboscópicas e mensagens directas dão lugar a pulseiras luminosas e a um palco que, segundo uma das personagens, “parece uma lâmpada de lava”. Pelo meio, surgem absurdos deliciosos, como uma campanha publicitária de um cartão de crédito dirigido a jovens queer ou uma fuga para um spa em Ibiza, símbolo máximo da alienação pop.

Críticos divididos, público rendido

A estreia em Sundance dividiu a crítica — como costuma acontecer com obras que brincam com o ego da indústria —, mas o público respondeu em força. Durante a sessão no festival, Charli XCX assumiu com humor a proximidade entre ficção e realidade:

“Gostaria de acreditar que não sou tão problemática como a Charli do filme”, brincou, arrancando gargalhadas.

O argumento, assinado por Bertie Brandes e pelo próprio Zamiri, assume conscientemente os arquétipos do clássico “artista contra a indústria”, algo que a cantora defendeu como realista: “Conheci versões de todas estas pessoas. Algumas torcem mesmo por ti; outras só querem estar perto do artista.”

De Spinal Tap à Berlim

O estilo de falso documentário deve muito a This Is Spinal Tap, influência assumida por Zamiri, que aproveitou a estreia para prestar homenagem a Rob Reiner, realizador do clássico de 1984.

Depois de Sundance, The Moment prepara-se para a estreia europeia na Festival de Berlim, que decorre de 12 a 22 de Fevereiro, levando consigo o estatuto de fenómeno inesperado. Para Charli XCX, o cinema surge também como uma tentativa consciente de se afastar da persona “brat” — ou, como a própria resumiu citando uma das suas canções: quando se ama algo, simplesmente faz-se, sem dormir nem parar.

De McDreamy a assassino: Patrick Dempsey estreia-se na acção numa série que está a dividir a crítica

Durante anos, Patrick Dempsey foi sinónimo de charme televisivo. Para milhões de espectadores, será sempre o eterno “McDreamy” de Grey’s Anatomy. Mas os tempos mudam — e Dempsey decidiu trocar o bloco operatório por algo bem mais sombrio. A nova série Memory of a Killer, da Fox, marca a sua estreia como protagonista num registo de acção pura e dura… com resultados curiosos.

ler também : Depois de longa espera, o novo thriller de acção de Guy Ritchie com Henry Cavill já tem data marcada

Um assassino com Alzheimer e uma vida dupla

Em Memory of a Killer, Dempsey interpreta Angelo, um assassino profissional de elite que vê a sua vida virar do avesso após ser diagnosticado com Alzheimer de início precoce. À medida que a memória começa a falhar, algo inesperado acontece: a consciência desperta. Como se não bastasse, Angelo começa a suspeitar que a recente morte da mulher pode não ter sido um simples acidente, empurrando-o para um caminho de vingança inevitável.

O conceito joga deliberadamente com contrastes fortes. Angelo vive duas vidas completamente separadas: durante a semana é um pacato vendedor de fotocopiadoras em Cooperstown e pai dedicado; nas sombras, é um temido assassino em Nova Iorque. Uma compartimentação perfeita… até deixar de o ser.

Um remake com várias camadas de ADN cinematográfico

A série é um remake directo do filme Memory, protagonizado por Liam Neeson, que por sua vez foi inspirado no premiado filme belga De Zaak Alzheimer. Segundo Michael Thorn, responsável da Fox, o tom da série pode ser descrito como uma mistura improvável entre 24 e House — acção, urgência e dilemas morais em doses generosas.

Crítica dividida, elogios a Dempsey

As primeiras reacções não tardaram e são tudo menos consensuais. No Rotten Tomatoes, Memory of a Killer apresenta, para já, uma pontuação modesta de 43%, reflectindo uma recepção claramente dividida. Ainda assim, há um elemento que reúne elogios quase transversais: Patrick Dempsey.

O Wall Street Journal considera-o “sólido”, destacando as cenas de perseguição, enquanto a USA Today sublinha que sem o carisma de Dempsey — e de Michael Imperioli, seu colega de elenco — a série seria facilmente esquecível. Já a Variety e a Hollywood Reporter são menos simpáticas, apontando falta de personalidade e um excesso de suspensão de descrença.

Vale a pena dar uma oportunidade?

Apesar das fragilidades apontadas, Memory of a Killer tem curiosidade suficiente para justificar uma espreitadela. Ver Patrick Dempsey abandonar definitivamente o estatuto de galã televisivo para abraçar um anti-herói marcado pela culpa, pela doença e pela violência não deixa de ser um passo arrojado. Mesmo que a série ainda não saiba exactamente o que quer ser, o potencial está lá.

ler também : Um homem armado de canções: Bob Marley: One Love chega à televisão portuguesa

McDreamy pode já não salvar vidas num hospital, mas como “McKiller”, pelo menos, conseguiu dar que falar. 🔫🧠

“Uma pantera com boas intenções”: Tennessee Williams sobre Paul Newman e o peso da beleza

Quando o talento luta contra o próprio mito

Poucos actores da história do cinema carregaram a sua beleza como Paul Newman. Idolatrado pelo público, desejado pelos estúdios e venerado pela crítica, Newman poderia facilmente ter seguido uma carreira confortável, feita de charme, sorrisos perfeitos e personagens seguras. Mas, como sublinhou Tennessee Williams, esse nunca foi o seu caminho.

ler também : A audição que mudou A Lista de Schindler — e a carreira de um actor

Numa entrevista conduzida por James Grissom, o autor de Um Eléctrico Chamado Desejo deixou um dos retratos mais lúcidos e profundos alguma vez escritos sobre Paul Newman. Um texto que não se limita a elogiar o actor, mas que revela a luta constante entre a aparência, o talento e a necessidade quase dolorosa de ir mais longe.

A beleza como dádiva… e como maldição

Para Tennessee Williams, Newman era “insaciavelmente curioso”, alguém com uma tendência quase masoquista para se testar e esticar os próprios limites. O dramaturgo não nega que o actor tivesse plena consciência da sua beleza — e do poder que ela lhe conferia — mas sublinha algo mais interessante: essa beleza era também o seu fardo, a sua “cruz estética”.

Segundo Williams, Newman combatia activamente a sua aparência em cena. Não a escondia, mas recusava deixar-se definir por ela. A luta não era física, mas expressiva: na voz, no rosto, nos silêncios e nas subtilezas emocionais. Era aí que desmontava o mito do galã para revelar personagens frágeis, gananciosas, contraditórias ou mesmo moralmente duvidosas.

Chance Wayne e o confronto com o eu mais jovem

Essa tensão atinge um ponto particularmente fascinante em Sweet Bird of Youth, adaptação cinematográfica da peça homónima de Tennessee Williams. Newman interpreta Chance Wayne, um homem obcecado com a juventude perdida, o sucesso que nunca chegou e o medo visceral do tempo.

Williams observa que, neste papel, Newman manteve o corpo belo e a apresentação física intacta, mas transformou completamente o interior da personagem. Através da voz e da expressão facial, revelou a chicana, a ambição vazia e a ganância emocional de Chance. E quando a personagem se confronta simbolicamente com o seu “eu” mais jovem — cheio de sonhos e ilusões — Newman adquire, nas palavras do autor, uma aparência quase angelical, luminosa, como se o passado ainda tivesse o poder de o redimir.

Um actor incapaz de “ir a meio gás”

Talvez o elogio mais poderoso de Tennessee Williams seja este: Paul Newman era incapaz de facilitar. Incapaz de “coasting”, de viver apenas do prestígio acumulado. Havia nele uma ética quase moral de trabalho, uma recusa em aceitar o caminho mais simples.

Descrito como silencioso e lacónico, Newman surge neste testemunho como alguém sempre presente para ajudar, elogiar ou apoiar — amigos e desconhecidos. Alguém que entra e sai das situações com naturalidade, sem alarido, mas com impacto real. Daí a imagem final, memorável e perfeita: “uma pantera com boas intenções”.

O retrato definitivo de um gigante do cinema

Este testemunho de Tennessee Williams não é apenas uma declaração de admiração. É um documento precioso sobre a natureza do verdadeiro talento: aquele que não se acomoda, que questiona os próprios privilégios e que transforma até a beleza numa ferramenta dramática, em vez de um atalho.

ler também : “Isto não estava no meu bingo”: O trailer de The Odyssey de Christopher Nolan apanha fãs de surpresa

Paul Newman foi muito mais do que um rosto inesquecível. Foi um actor que enfrentou o seu próprio mito — e venceu.

A audição que mudou A Lista de Schindler — e a carreira de um actor

Quando Ralph Fiennes entrou na sala de audições de A Lista de Schindler, em 1992, nada indicava que aquele momento ficaria gravado na história do cinema. Vindo do teatro clássico britânico, dono de uma voz suave e de uma postura contida, Fiennes parecia uma escolha improvável para interpretar um dos vilões mais aterradores alguma vez retratados no grande ecrã.

ler também : “Isto não estava no meu bingo”: O trailer de The Odyssey de Christopher Nolan apanha fãs de surpresa

Mas bastaram poucos minutos para o ambiente se transformar. À medida que começava a dar corpo ao comandante nazi Amon Goeth, algo mudou. O olhar endureceu, os movimentos tornaram-se calculados, a respiração mais lenta. O silêncio que se instalou não foi de concentração — foi de desconforto.

No final, Steven Spielberg não aplaudiu. Saiu da sala. Minutos depois regressou, visivelmente perturbado, e disse apenas: “Acho que acabei de me deparar com o mal”.

Um papel que ninguém queria — nem o próprio actor

Ironicamente, Ralph Fiennes não desejava aquele papel. Anos mais tarde confessaria que tinha medo de Amon Goeth. “Não queria habitar a mente daquele homem”, admitiu. Mas Spielberg viu algo raro: uma tranquilidade profundamente inquietante, aquela calma quase clínica que antecede os actos mais cruéis.

Durante as filmagens, Fiennes tomou uma decisão radical. Mantinha o uniforme nazi mesmo fora das cenas. Não por vaidade ou método performativo vazio, mas porque precisava “sentir o peso e a repulsa” da personagem. Era uma forma de não romantizar o horror — de o enfrentar.

Quando a ficção se torna demasiado real

O impacto da sua presença foi tão intenso que sobreviventes do Holocausto que visitavam o set evitavam aproximar-se dele. Uma mulher chegou a chorar ao vê-lo. Disse-lhe: “Não é você… é ele. Você parece-se demasiado com ele”. Poucas validações são tão devastadoras quanto esta.

A interpretação foi amplamente elogiada e valeu-lhe uma nomeação para o Óscar. Mas deixou marcas profundas. “O que mais me assustou foi perceber o quão fácil a crueldade pode surgir”, contou Fiennes. Uma constatação que o acompanhou durante anos.

Recusar rótulos, preservar o mistério

Hollywood tentou empurrá-lo para o papel de vilão elegante e sofisticado. Ele recusou. Para Fiennes, o mistério é uma das últimas formas de poder de um actor. Assim, construiu uma carreira feita de contrastes: do monstro ao amante, do poeta ao assassino, do espião ao sacerdote.

Até que surgiu Lord Voldemort. A proposta arrancou-lhe uma gargalhada inicial. “Não gosto de fantasia”, disse. Só aceitou quando encontrou uma abordagem concreta e física. Estudou serpentes, trabalhou a voz como se respirasse através de vidro e decidiu que Voldemort não deveria ser uma caricatura, mas algo mais perturbador: “como se a morte tivesse aprendido a andar”.

Daniel Radcliffe resumiu melhor do que ninguém: quando Ralph Fiennes entrava no set, não eram precisos efeitos especiais — o ar gelava.

O silêncio como antídoto ao mal

Fora das câmaras, Fiennes é o oposto das figuras que interpreta. Escreve poesia, evita telemóveis e procura o silêncio. “A fama é barulho. Eu prefiro o silêncio”, diz.

ler também : Surpresa, política e ausências sonantes: One Battle After Another lidera as nomeações para os BAFTA

Ralph Fiennes não se limita a representar o mal. Ele desmonta-o, compreende-o e devolve-o ao público com algo ainda mais inquietante: humanidade. Porque o verdadeiro horror, como ele próprio demonstrou, não grita.

Sussurra.