Um monstro diferente do que conhecemos

Guillermo Del Toro está prestes a estrear a sua versão muito aguardada de Frankenstein, e já deixou claro que o seu olhar sobre a icónica Criatura vai surpreender. Em entrevista à Entertainment Weekly, o realizador vencedor de três Óscares explicou que a interpretação de Jacob Elordi como o monstro é “de uma beleza estonteante, de uma forma quase sobrenatural”.

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Del Toro sublinha que não queria que a audiência sentisse que estava a ver “uma vítima de acidente remendada de forma descuidada”. Pelo contrário, o Criador — o Dr. Frankenstein — trata o seu projeto como a obra máxima da sua vida:

“Victor é tanto um artista como um cirurgião, e se sonhou com esta criatura toda a vida, ia fazê-la perfeita. Parece um recém-nascido, uma criatura de alabastro. As cicatrizes são belas, quase aerodinâmicas.”

Detalhes visuais da Criatura

Segundo Del Toro, a pele do monstro resulta de diferentes corpos, o que cria uma paleta de tons variados:

“As cores são pálidas, quase translúcidas. Dá a sensação de uma alma recém-nascida.”

Ou seja, longe da imagem clássica do ser grotesco e remendado, aqui temos um ser que mistura inocência, fragilidade e estranheza hipnótica.

Um elenco de luxo

Na nova adaptação, Oscar Isaac interpreta o brilhante — mas egocêntrico — Dr. Victor Frankenstein, cuja obsessão leva ao inevitável desastre. Jacob Elordi dá vida à Criatura, num papel que promete redefinir a forma como o público encara esta figura histórica do terror.

O filme tem estreia marcada para 17 de outubro em cinemas selecionados e 7 de novembro na Netflix, garantindo que também o público português poderá assistir à mais recente visão gótica de Del Toro.

Uma obsessão de infância

Na estreia mundial em Veneza, Del Toro confessou que este projeto é quase religioso para si:

“Desde criança, criado de forma muito católica, nunca percebi bem os santos. Mas quando vi Boris Karloff no ecrã, percebi o que era um santo ou um messias. Sigo esta criatura desde pequeno e esperei pelas condições certas, criativas e de escala, para reconstruir este mundo da forma como sempre imaginei.”

Com esta paixão e detalhe obsessivo, Del Toro promete nada menos do que a versão definitiva de Frankenstein para o século XXI.

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A Netflix já revelou o primeiro trailer de The Rip, o novo thriller policial que junta novamente Ben Affleck e Matt Damon como dois polícias de Miami cuja vida se complica depois de encontrarem milhões em dinheiro vivo escondidos numa casa. O filme só chega em janeiro de 2026, mas os fãs que ficaram entusiasmados com a prévia podem desde já revisitar outro título da plataforma que partilha muito do ADN de The Rip — o intenso e pouco valorizado Triple Frontier.

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Triple Frontier: um comentário sobre moralidade e ganância

Lançado em 2019, Triple Frontier apresenta um enredo clássico e intemporal: um grupo de antigos operacionais das Forças Especiais reúne-se para um último grande golpe na América do Sul, esperando sair rico com milhões. Mas o plano rapidamente se transforma num pesadelo de sobrevivência, testando não só a sua perícia militar, como também a lealdade entre amigos.

Com Ben Affleck, Oscar Isaac, Charlie Hunnam, Pedro Pascal, Garrett Hedlund e Adria Arjona, o filme foi elogiado por críticos e público. No Rotten Tomatoes, soma 71% de aprovação, com destaque para o elenco e para o argumento ambicioso. Apesar de não ser perfeito, o filme acerta em cheio no retrato da corrosão causada pelo medo e pela ganância, que destrói até as alianças mais fortes.

The Rip

: o reencontro de Affleck e Damon

Tal como Triple Frontier, The Rip aposta num elenco de luxo, com nomes como Steven Yeun (Minari), Teyana Taylor, Kyle Chandler, Scott Adkins, Sasha Calle, Néstor Carbonell e Catalina Sandino Moreno.

O realizador e argumentista Joe Carnahan (Smokin’ Aces, Boss Level) revelou que a história se inspira em parte na vida de um amigo seu da polícia de Miami-Dade e no seu amor pelos thrillers policiais dos anos 70, como Serpico ou Prince of the City. Também mencionou Heat de Michael Mann como referência direta.

Além de protagonistas, Affleck e Damon assinam The Rip através da sua produtora conjunta, Artists Equity, fundada em 2022. Para Damon, este regresso ao trabalho em equipa é natural:

“O que mais gostamos de fazer é isto, e a única coisa melhor é fazermos juntos.”

Onde ver

• Triple Frontier já está disponível na Netflix em Portugal.
• The Rip estreia mundialmente a 16 de janeiro de 2026, também na Netflix.

Enquanto a espera por The Rip continua, Triple Frontier é a escolha perfeita para perceber como Affleck já explorou, de forma crua, os dilemas entre amizade, sobrevivência e a tentação do dinheiro fácil.

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Uma história de coragem, resiliência e champanhe

No dia 25 de setembro, chega às salas portuguesas Viúva Clicquot, o filme que traz para o grande ecrã a vida extraordinária de Barbe-Nicole Ponsardin Clicquot – a mulher que ousou desafiar convenções, enfrentar guerras e revoluções e transformar um pequeno negócio de vinhos num império mundial do champanhe.

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Inspirado na biografia best-seller do New York Times, este retrato íntimo e inspirador mostra como uma jovem viúva se recusou a aceitar o papel que a sociedade do século XIX lhe reservava. Em vez disso, assumiu o comando da adega que fundara com o marido e, contra todas as probabilidades, revolucionou o processo de produção de champanhe, transformando o nome Veuve Clicquot num símbolo global de inovação e audácia.

Um elenco de luxo e uma produção com alma francesa

Haley Bennett brilha no papel principal, dando corpo e emoção à figura marcante de Barbe-Nicole. A seu lado estão Tom Sturridge e Sam Riley, enquanto a realização fica a cargo de Thomas Napper. A produção é assinada por Joe Wright, cineasta aclamado por obras como Orgulho e Preconceito e A Hora Mais Negra.

Rodado inteiramente em França, o filme mergulha-nos na autenticidade dos locais históricos: desde a região de Chablis, na Borgonha, até Reims, no coração da produção de champanhe. O majestoso Château de Béru serve de cenário para a propriedade da família Clicquot, reforçando o ambiente histórico e a atmosfera da época.

O rigor histórico esteve sempre em primeiro plano, graças ao apoio direto dos arquivos da Maison Clicquot, que ajudaram a garantir não só a fidelidade da narrativa, mas também a riqueza visual da recriação.

Uma celebração do espírito feminino

Viúva Clicquot não é apenas uma história sobre negócios ou vinho espumante. É sobretudo um tributo à coragem feminina e à visão transformadora de uma mulher que se recusou a ser definida pelas circunstâncias. É um filme sobre perda, perseverança e legado — e, claro, sobre a capacidade de brindar à vida, mesmo quando tudo parece perdido.

Prepare-se para levantar a sua taça no cinema: a 25 de setembro, Viúva Clicquot estreia nas salas nacionais.

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O romance mais sombrio de King finalmente no grande ecrã

Escrito em 1966, quando ainda estava na universidade, The Long Walk foi o primeiro romance de Stephen King, mas só viu a luz do dia em 1979, sob o pseudónimo Richard Bachman. Agora, quase meio século depois, a obra mais pessimista do mestre do terror chega finalmente aos cinemas — e com uma atualidade assustadora.

A premissa é simples e brutal: 100 rapazes são escolhidos por sorteio para participar numa maratona sem fim, vigiados por soldados e transmitida para todo o mundo. Quem andar abaixo dos 6,5 km/h recebe avisos. Ao terceiro, é executado. O último sobrevivente ganha um prémio à escolha.

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Francis Lawrence à frente da adaptação

O filme é realizado por Francis Lawrence, nome já associado a competições distópicas graças aos últimos quatro filmes de The Hunger Games. Em entrevista, o realizador garantiu que não quis suavizar a violência nem o desespero do livro:

“É preciso sentir os quilómetros e a degradação — emocional, psicológica, física. Não ia diluir isso para deixar o estúdio confortável.”

A obra passou décadas nas mãos de cineastas como George A. Romero e Frank Darabont, que nunca conseguiram avançar. Coube a Lawrence finalmente levar a adaptação à meta.

Um livro sombrio, mas cheio de humanidade

Especialistas lembram que The Long Walk é considerado por muitos como o romance mais cruel de King, rivalizando apenas com Pet Sematary. Ainda assim, como lembra o investigador Simon Brown, a obra está cheia de solidariedade entre os rapazes:

“Eles não se voltam uns contra os outros. Há amizade e fraternidade. O que interessa não é a caminhada, são as pessoas na caminhada.”

É esta capacidade de King de usar o terror para explorar a natureza humana que fez do livro um modelo para tantos outros: The Stand, Under the Dome ou The Mist.

Influências e legado

King admitiu ter sido inspirado por 1984, de Orwell, e Lord of the Flies, de William Golding, além do conto The Lotteryde Shirley Jackson. Mas a originalidade de The Long Walk foi tal que o livro acabou por influenciar gerações de obras distópicas, de Battle Royale a The Hunger Games, passando por Squid Game.

Mais do que protótipo, é a origem de um subgénero: o do “jogo mortal” que hoje domina a cultura popular.

Relevância em 2025

Se na época a história parecia uma fantasia negra, hoje lê-se como uma metáfora para a cultura da competição extrema e da exploração mediática. A crítica já destacou como o livro antecipou a lógica de reality shows e até da voragem das redes sociais.

Lawrence sublinha que não quis fazer um filme político, mas sim relacionável:

“Queria que qualquer pessoa, de qualquer lado do espectro político, se visse nisto. É sobre a pressão financeira, o desespero, a luta pela sobrevivência.”

A caminhada chega a Portugal

Com estreia mundial neste fim de semana, The Long Walk prepara-se também para chegar às salas portuguesas. Será uma oportunidade para ver no grande ecrã o que muitos consideram o romance mais perturbador de Stephen King, agora transformado em cinema por um realizador habituado a dar forma a distopias brutais.

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Um retrato cru, mas sem verdadeira expiação

O documentário em dois episódios AKA Charlie Sheen, agora disponível na Netflix, é descrito como uma experiência emocionalmente extenuante — e não exclusivamente pela duração de mais de três horas. Segundo a crítica da The Guardian, a série oferece “deixa pouco espaço para arrependimento genuíno”, com Sheen muitas vezes se vangloriando dos seus dias de festa em vez de assumir todas as suas ações, particularmente no que toca às consequências sobre as pessoas à sua volta  .

Apesar de entrevistas com ex-mulheres, amigos e colegas — como Heidi Fleiss, que não escondeu a sua raiva, e Jon Cryer, visivelmente exausto pelo ciclo de destruição — o filme acaba por dar demasiado controlo à narrativa do próprio Sheen, suavizando partes mais sombrias e dolorosas da sua trajetória  .

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Revelações chocantes, mas a superfície permanece

Aka Charlie Sheen traz à tona factos sensacionais — ele pilotou um avião embriagado na sua lua-de-mel, cresceu numa casa de nudistas, teve encontros sexuais com homens durante fases de dependência, teve overdoses, e sofreu do HIV — mas muitos críticos apontam que a sua honestidade é calculada, contemplando destempero e glamour como parte do mesmo pacote de sofrimento e redenção  .

Tratando-se de um relato belamente cronometrado, há momentos poderosos, como o telefonema de Clint Eastwood a convencê-lo a ir para a reabilitação, e a intervenção familiar que quase não aconteceu. “Foi realmente poderoso”, admite Sheen sobre essa viragem decisiva  .

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O homem por trás da lenda — ainda escapando à autocrítica

A narrativa atravessa as fases “Festas”, “Festas com problemas” até aos “Puros problemas”, com um arco que culmina na sobriedade desde 2017. Mas, como nota o The Guardian, a série enfatiza recordações nostálgicas em vez de responsabilização, com pouca contrição palpável  .

A omissão de Martin Sheen e Emilio Estevez, que recusaram participar, foi tratada de forma respeitosa — Sheen insiste que mantêm um vínculo firme — e descreve o filme como uma espécie de “carta de amor” ao pai  .

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Um sobrevivente que ainda não se perdoa

Apesar dos deslizes grotescos que entraram para a história — como relatar que já “voou um avião enquanto estava bêbado” — ou usar cubos de gelo em locais inusitados para se manter acordado em cena  , Sheen parece ambivalente: aliviado por expor tudo, mas ainda relutante em encarar integralmente quem feriu. Como ele próprio descreve sobre a vergonha, “a vergonha sufoca… mas pode tornar-se uma Estrela do Norte, ou da Morte” — uma frase que oscila entre reflexão e confusão  .

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Em síntese:

AKA Charlie Sheen é uma viagem brutal e barulhenta pela queda e ressurgimento de uma estrela danoosa, exibindo-se mais como um espetáculo do que como uma rendição emocional. Existem momentos genuínos de remissão e humor negro revelador, mas a falta de verdadeira autocrítica aprofunda o desconforto em vez de oferecer reconciliação — tanto para Charlie como para quem o rodeia.

EPiC: Elvis Presley in Concert estreia em Toronto

Baz Luhrmann e Elvis Presley parecem estar ligados para sempre. Depois do sucesso mundial de Elvis (2022), filme que rendeu mais de 288 milhões de dólares e oito nomeações para os Óscares, o realizador regressa ao universo do Rei do Rock com o documentário EPiC: Elvis Presley in Concert, que acaba de estrear no Festival de Toronto 2025.

A produção traz à luz filmagens inéditas da residência de Elvis em Las Vegas nos anos 70, restauradas por Luhrmann a partir de material há muito considerado perdido. O filme será distribuído pela Warner Bros., incluindo em IMAX e outros formatos premium

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Tesouro escondido no subsolo

As primeiras pistas sobre as gravações chegaram ainda durante a preparação de Elvis. A existência dos registos era quase um mito, até que a equipa de Luhrmann foi investigar os arquivos da MGM, armazenados em minas de sal no Kansas.

“O cofre era como Indiana Jones e os Salteadores da Arca Perdida. Não estou a exagerar”, contou o realizador. O achado: 35 horas de negativo sem som magnético. Para reconstruir o áudio, Luhrmann contou com a colaboração de Peter Jackson e a sua equipa da Park Road, especialistas em restauro de material histórico, que já tinham trabalhado em documentários dos Beatles.

O processo implicou misturar gravações originais de palco, registos alternativos e novas orquestrações, criando o que o cineasta descreve como “um sonho audiovisual”.

Elvis em Las Vegas: glória e prisão

Para Luhrmann, as filmagens revelam o paradoxo da carreira de Presley nos anos 70: “Las Vegas foi um ponto de viragem. Ele tinha ambições de ir a Inglaterra e ao Japão. Mas ficou preso, como um pássaro a bater contra o vidro. Nunca devia ter ficado em Las Vegas mais do que uma vez. E lá esteve até ao dia da sua morte.”

O documentário recupera também imagens nunca vistas de outros projetos, como Elvis: That’s the Way It Is (1970) e Elvis on Tour (1972), e inclui um concerto completo em Hampton Road que, segundo Luhrmann, custaria meio milhão de dólares a preparar para exibição.

Do cinema ao palco

Além do documentário, Luhrmann confirmou que está em desenvolvimento uma adaptação musical de palco de Elvis, prolongando ainda mais a relação do realizador com a figura do cantor.

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Atualmente, Luhrmann encontra-se já em pré-produção do seu próximo projeto, um filme sobre Joana d’Arc, mas reconhece: “Melhor ou pior, Elvis vai fazer parte da minha vida para sempre. De alguma forma, estamos inextricavelmente ligados.”