O Regresso do Horror ao Espaço: Alien: Romulus Chega à Televisão Portuguesa

Um novo capítulo que olha directamente para as origens da saga

A saga Alien está de volta — e desta vez sem rodeios, sem filosofias excessivamente explicadas e sem desvios estilísticos. Alien: Romulus assinala um regresso claro às raízes do terror espacial que fizeram do filme original de 1979 uma obra incontornável do cinema de ficção científica. A estreia em televisão acontece a 16 de Janeiro, às 21h30, em exclusivo no TVCine Top, trazendo para casa dos espectadores portugueses uma experiência intensa, claustrofóbica e desconfortável… no melhor sentido possível.

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Situado cronologicamente após os acontecimentos de Alien, o filme decorre no ano de 2142 e acompanha um grupo de jovens colonizadores presos a uma existência sem futuro na colónia Jackson’s Star, no planeta LV-410. Rain e Andy, irmãos marcados pelo isolamento e pela ausência de qualquer esperança real de fuga, acreditam ter encontrado uma oportunidade de mudança ao descobrirem a Renaissance, uma estação espacial abandonada, dividida em dois módulos com nomes carregados de simbolismo: Romulus e Remus.

Terror claustrofóbico, corredores escuros e más decisões

Como qualquer fã da saga sabe, quando algo parece seguro no universo Alien, é porque não é. A exploração da estação rapidamente se transforma num pesadelo, quando uma presença mortal emerge das sombras. A ameaça não é apenas física — é psicológica, sufocante e constante. Cada corredor mal iluminado, cada porta que se abre lentamente e cada silêncio prolongado servem para reforçar a sensação de que a morte pode surgir a qualquer segundo.

Ao contrário de entradas mais recentes da franquia, Alien: Romulus aposta claramente no horror visceral e na tensão contínua, recusando grandes explicações ou ambições filosóficas desnecessárias. O medo nasce da espera, do desconhecido e da fragilidade humana perante algo que não pode ser controlado.

Fede Álvarez: um realizador que sabe como assustar

A realização está a cargo de Fede Álvarez, um nome bem conhecido entre os fãs de terror moderno. Depois de ter provado o seu talento em títulos como Evil Dead e Don’t Breathe, Álvarez traz para Alien: Romulus uma abordagem segura, eficaz e profundamente respeitadora do ADN da saga.

O realizador compreende que Alien nunca foi apenas sobre monstros, mas sobre ambientes hostis, corpos vulneráveis e decisões tomadas sob pressão extrema. O resultado é um filme que recupera o suspense claustrofóbico, o desconforto físico e o horror cru que tornaram a franquia um marco do género.

Um elenco jovem para uma luta pela sobrevivência

O filme é protagonizado por Cailee Spaeny e David Jonsson, que lideram um elenco jovem e convincente, distante das figuras heróicas clássicas. Aqui não há salvadores predestinados — há apenas pessoas normais, presas num cenário impossível, obrigadas a enfrentar os seus medos mais básicos para sobreviver.

Essa opção reforça a identificação do espectador e aproxima Romulus do espírito do filme original: gente comum confrontada com algo absolutamente extraordinário… e letal.

Uma estreia a não perder no TVCine Top

Alien: Romulus é o sétimo filme da saga Alien e funciona simultaneamente como porta de entrada para novos espectadores e como uma carta de amor para os fãs de longa data. Sem depender excessivamente de nostalgia, o filme entende o que fez da franquia um fenómeno duradouro e aplica essa lição com rigor e inteligência.

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A estreia acontece sexta-feira, 16 de Janeiro, às 21h30, no TVCine Top e também disponível no TVCine+. Para quem sente falta de terror espacial puro, desconfortável e sem concessões, este é um regresso mais do que bem-vindo.

A Obra-Prima de Ficção Científica “Esquecida” da Netflix Que Merece Ser Descoberta Oats Studios  é um diamante escondido do hard sci-fi — e está à espera de ser visto

Entre tantas produções originais de ficção científica que ajudaram a definir a identidade da Netflix nos últimos anos, há uma série que passou quase despercebida, mas que merece um lugar de destaque ao lado de títulos como Love, Death & Robots ou Dark. Falamos de Oats Studios, uma antologia de hard sci-fi intensa, adulta e visualmente impressionante, criada por Neill Blomkamp, o cineasta por detrás de District 9.

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Disponível na Netflix, Oats Studios é uma experiência que não facilita, não explica em excesso e não suaviza o impacto das suas ideias. Pelo contrário: aposta num registo cru, violento e profundamente pessimista sobre o futuro da Humanidade, assumindo-se como ficção científica “a sério”, mais próxima da literatura do género do que do entretenimento familiar.

Episódios que não pedem licença ao espectador

Desde o primeiro episódio, Rakka, a série deixa claro ao que vem. A história decorre numa Terra devastada por uma invasão alienígena de origem reptiliana, que quase extinguiu a Humanidade. Não há heróis clássicos, nem esperança fácil — apenas sobrevivência, brutalidade e um mundo que já perdeu qualquer traço de normalidade.

Outro episódio frequentemente citado como favorito dos fãs é Firebase, uma fusão inesperada entre ficção científica e a Guerra do Vietname. A ideia é tão forte que muitos espectadores defendem que o conceito daria, sem esforço, um filme de longa-metragem. É aqui que Oats Studios se distancia claramente de outras antologias: cada episódio parece um piloto de algo maior, um universo que poderia ser explorado durante horas.

Porque passou despercebida?

Apesar da ambição criativa e da assinatura de Blomkamp, Oats Studios nunca recebeu da Netflix a promoção atribuída a séries como Stranger Things ou Love, Death & Robots. O resultado foi previsível: a série ficou fora do radar do grande público e praticamente ignorada pela crítica.

No Rotten Tomatoes, a série nem sequer reúne críticas suficientes para gerar uma média sólida, contando sobretudo com avaliações de utilizadores — pouco mais de algumas dezenas — o que torna a sua classificação de 51% claramente enganadora e pouco representativa.

A ausência de marketing levantou, desde cedo, suspeitas entre os fãs. Muitos acreditam que Oats Studios foi pensada como o primeiro volume de uma antologia contínua. Essa teoria ganha força quando se observa o cartaz oficial da série no IMDb, onde surge claramente a designação “Volume One”. Até hoje, no entanto, um segundo volume permanece tão ausente quanto o planeta Terra retratado em Rakka.

Uma série à frente do seu tempo?

Talvez o maior problema de Oats Studios seja precisamente aquilo que a torna especial: não tenta agradar a todos. É violenta, sombria, desconfortável e conceptualmente exigente. Não explica tudo, não fecha todas as pontas soltas e confia plenamente na inteligência do espectador. Num catálogo cada vez mais dominado por conteúdos “algorítmicos”, esta abordagem pode ter sido a sua sentença… pelo menos por agora.

Ainda assim, como tantas obras antes dela, Oats Studios pode acabar por encontrar o seu público com o tempo. E se isso acontecer, talvez a Netflix decida dar uma nova oportunidade a este universo cruel, fascinante e visualmente arrebatador.

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Para quem procura ficção científica sem concessões, Oats Studios continua ali, discreta no catálogo, pronta a provar que algumas das melhores séries não são as mais faladas — são as que deixam marca.

Depois de Greenland 2, Estes São 8 Filmes de Catástrofe Perfeitos Para Continuar o Fim do Mundo

Do apocalipse climático a cometas assassinos, há vida (cinematográfica) depois do desastre

Greenland 2: Migration chega aos cinemas determinado a elevar ainda mais a fasquia do cinema-catástrofe. Se no primeiro filme acompanhávamos Gerard Butler numa corrida desesperada para alcançar um bunker antes do impacto de um cometa, a sequela mergulha-nos num mundo já devastado, transformado num verdadeiro deserto pós-apocalíptico. O resultado é aquilo que os fãs do género adoram: destruição em grande escala, drama familiar e uma luta constante pela sobrevivência.

Se ficou com vontade de mais depois de Greenland 2, a boa notícia é que não faltam alternativas — e a maioria pode ser vista em Portugal sem grande esforço, seja em streaming ou através de aluguer digital.

Geostorm (2017)

Mais uma vez, Gerard Butler no centro do caos. Em Geostorm, a Terra depende de uma rede de satélites capaz de controlar o clima… até que tudo corre mal. Tsunamis, terramotos e quedas abruptas de temperatura surgem em catadupa.

🎬 Onde ver em Portugal: disponível para aluguer digital em plataformas como Apple TV, Google Play e Rakuten TV.

O Dia Depois de Amanhã (2004)

Um dos títulos mais populares do género. O Dia Depois de Amanhã, de Roland Emmerich, imagina uma nova era glacial que se instala em tempo recorde, com Nova Iorque congelada e tornados a devastar cidades inteiras.

🎬 Onde ver em Portugal: disponível no catálogo da Disney+.

2012 (2009)

Quando o assunto é destruir o planeta inteiro, Roland Emmerich não conhece limites. Em 2012, a civilização colapsa sob terramotos, tsunamis e falhas tectónicas globais, enquanto uma família tenta sobreviver contra todas as probabilidades.

🎬 Onde ver em Portugal: disponível para aluguer digital (Apple TV, Google Play, Prime Video Store).

Impacto Profundo (1998)

Mais contido e emocional do que Armageddon, Impacto Profundo aposta no drama humano quando um cometa ameaça extinguir a vida na Terra. Um clássico subestimado do género, com decisões morais duríssimas.

🎬 Onde ver em Portugal: disponível para aluguer digital nas principais lojas online.

O Núcleo (2003)

Cientificamente disparatado, mas irresistível. Em O Núcleo, uma equipa de cientistas tenta salvar o mundo viajando até ao centro da Terra para reiniciar o seu núcleo com uma explosão nuclear.

🎬 Onde ver em Portugal: disponível para aluguer digital (Apple TV, Google Play).

Volcano (1997)

Los Angeles, um vulcão em erupção e lava a correr pelas ruas. Volcano não perde tempo com subtilezas e oferece destruição urbana em modo clássico dos anos 90.

🎬 Onde ver em Portugal: disponível para aluguer digital.

Presságio (2009)

Mistura de ficção científica, catástrofe e existencialismo, Presságio acompanha Nicolas Cage numa investigação que conduz a uma série de desastres inevitáveis, incluindo uma sequência de queda de avião absolutamente memorável.

🎬 Onde ver em Portugal: disponível para aluguer digital; ocasionalmente exibido em canais de cinema por cabo.

San Andreas (2015)

Terramotos, tsunamis e Dwayne Johnson em modo herói total. San Andreas é cinema-catástrofe sem pudor, feito para impressionar e entreter sem pedir desculpa.

🎬 Onde ver em Portugal: disponível em streaming na HBO Max (Max), além de aluguer digital.

O apocalipse… à distância de um comando

O cinema-catástrofe pode não ser o género mais realista do mundo, mas continua a ser um dos mais eficazes quando se trata de espectáculo puro. Entre cometas, falhas tectónicas e colapsos climáticos, estes filmes provam que o fim do mundo é sempre melhor visto do sofá — de preferência com som alto e zero preocupações científicas.

Jon Hamm: Porque Nunca Se Tornou um Nome de Bilheteira à Moda de George Clooney?

Um talento indiscutível… mas sempre à margem do estrelato cinematográfico

A pergunta surge com frequência entre cinéfilos atentos: porque razão Jon Hamm nunca se tornou um verdadeiro “actor de bilheteira” como George Clooney, apesar de ser amplamente reconhecido, respeitado e dono de um talento mais do que comprovado? A resposta parece menos relacionada com falta de capacidade e mais com as escolhas — ou ausência delas — por parte de Hollywood.

Jon Hamm tornou-se uma figura incontornável da cultura popular graças a Mad Men, onde deu vida ao icónico Don Draper. Foi um papel transformador, que lhe trouxe prémios, aclamação crítica e estatuto de actor de primeira linha. No entanto, esse reconhecimento nunca se traduziu numa carreira cinematográfica como protagonista de grandes produções ou filmes “oscarizáveis”.

O cinema viu-o sempre como secundário

Ao contrário de George Clooney, que rapidamente passou da televisão para o cinema como protagonista carismático e rentável, Hamm foi quase sempre empurrado para papéis secundários. Bons papéis, é certo — mas raramente centrais.

Em Top Gun: Maverick, Hamm está irrepreensível como o Vice-Almirante Beau “Cyclone” Simpson, uma figura rígida e institucional que funciona como contraponto perfeito ao Maverick de Tom Cruise. Curiosamente, a sua presença no filme não resultou de uma aposta estratégica do estúdio, mas sim de uma ligação pessoal: Cruise conheceu Hamm anos antes, numa conversa informal em casa de Jimmy Kimmel, e guardou o nome. Quando chegou a hora de arrancar com Top Gun: Maverick, Hamm foi chamado.

Outro exemplo claro surge em The Town, onde Hamm interpreta o agente do FBI Adam Frawley. O papel nasceu do entusiasmo de Ben Affleck, fã declarado de Mad Men, que decidiu integrá-lo no elenco enquanto a série ainda estava no ar. Mais uma vez, Hamm brilhou — mas não liderou.

Uma carreira moldada por decisões de estúdio (e talvez de agência)

Ao longo dos anos, Jon Hamm participou em vários filmes, mas nunca lhe foi confiado um projecto de grande orçamento ou prestígio artístico onde fosse o protagonista absoluto. Não um blockbuster, não um drama pensado para prémios. A responsabilidade parece recair menos sobre o actor e mais sobre os estúdios — e, possivelmente, sobre uma gestão de carreira demasiado conservadora por parte da sua agência.

Hollywood nunca pareceu disposta a “arriscar” em Hamm como cabeça de cartaz, apesar de ele reunir carisma, presença e profundidade dramática suficientes para o efeito.

A televisão continua a ser o seu território natural

Onde Hamm continua a reinar é na televisão. O seu trabalho mais recente em Your Friends and Neighbours voltou a confirmar aquilo que muitos já sabiam: quando lhe dão espaço, material e tempo, Hamm entrega performances ricas, subtis e memoráveis. A primeira temporada foi amplamente elogiada e reforçou a ideia de que os criadores televisivos sabem exactamente como aproveitar o actor — algo que o cinema, até hoje, não conseguiu ou não quis fazer.

Um actor subvalorizado à espera do papel certo

Jon Hamm continua a ser um dos actores mais subvalorizados da sua geração no grande ecrã. Falta-lhe aquele papel decisivo — o filme certo, no momento certo — que prove aquilo que a televisão já demonstrou vezes sem conta. Se esse dia chegar, não será surpresa para quem tem acompanhado a sua carreira de perto. Será apenas justiça tardia.

Luxo, intrigas e mortes à vista: The White Lotus escolhe Saint-Tropez para a 4.ª temporada

Um château do século XIX torna-se o novo epicentro do caos

A próxima paragem de The White Lotus já está definida — e promete elevar ainda mais a fasquia do luxo. A série criada por Mike White* vai instalar-se no imponente Château de la Messardière, em Saint-Tropez, no sul de França, que servirá como principal localização da quarta temporada. O edifício do século XIX fará as vezes de mais um hotel de luxo da fictícia cadeia onde, como manda a tradição da série, os hóspedes raramente saem ilesos.

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Situado ligeiramente afastado do centro da cidade, mas com vistas privilegiadas sobre o Mediterrâneo, o Château de la Messardière é um verdadeiro postal da Riviera Francesa. Aberto apenas entre o final de Abril e meados de Outubro, o hotel pratica preços à altura do seu estatuto: uma noite no quarto mais modesto pode ultrapassar os 1.300 dólares logo no fim-de-semana de abertura da época.

França volta a receber a sátira mordaz da HBO

A HBO confirmou ainda em Novembro que a quarta temporada seria filmada em França, marcando a segunda incursão europeia da série, depois da muito comentada segunda temporada rodada em Itália. Antes disso, The White Lotus passou pelo Havai e pela Tailândia, sempre usando destinos paradisíacos como pano de fundo para uma crítica feroz às elites endinheiradas e às suas contradições morais.

Como é habitual, os detalhes da nova temporada estão a ser mantidos sob forte sigilo. Ainda assim, já se sabe que os primeiros actores confirmados no elenco são Alexander Ludwig e AJ Michalka. Mike White encontra-se actualmente a escrever os novos episódios, ao mesmo tempo que prepara a sua participação na 50.ª temporada do programa Survivor, da CBS — um detalhe curioso para um criador conhecido por explorar jogos de poder, alianças frágeis e conflitos latentes.

Um cenário com história… e passado aristocrático

O Château de la Messardière não foi escolhido ao acaso. De acordo com o site oficial do hotel, o edifício foi construído no século XIX por Gabriel Dupuy d’Angeac, um abastado comerciante de conhaque, que o ofereceu como presente de casamento à filha Louise. Após a morte do marido, Louise transformou a propriedade num hotel, que se tornou refúgio da elite parisiense nos anos 1920.

Depois de décadas de abandono, o château foi restaurado em 1989 e integra hoje o exclusivo grupo Airelles, especializado em hotéis de luxo. Um passado aristocrático, decadência e renascimento — ingredientes que encaixam perfeitamente no ADN de The White Lotus.

Produção arranca na Primavera

As filmagens da quarta temporada deverão arrancar já na Primavera, recorrendo não só ao château como também a outras localizações em França. Mike White volta a assumir a produção executiva ao lado de David Bernad e Mark Kamine, garantindo continuidade criativa a uma das séries mais comentadas e premiadas dos últimos anos.

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Se o cenário promete glamour absoluto, a história deverá, como sempre, expor o lado mais feio por trás das fachadas douradas. Em The White Lotus, quanto mais luxuoso é o hotel, maior costuma ser a contagem de cadáveres.

The Pitt: a série médica que os próprios médicos dizem ser assustadoramente real

Quando a ficção se aproxima demais da urgência dos nossos dias

Nos primeiros cinco minutos da nova temporada de The Pitt, percebe-se que não estamos perante mais um drama hospitalar formatado para romances fáceis ou reviravoltas improváveis. Uma sala de espera caótica, avisos contra comportamentos agressivos, uma placa memorial para vítimas de um tiroteio em massa e um paciente carregado de sacos cheios de suplementos “milagrosos”. Para muitos médicos, isto não é exagero televisivo — é simplesmente mais um turno de trabalho.

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A segunda temporada da série, disponível na HBO Max, tem sido amplamente elogiada por profissionais de saúde pela forma crua e honesta como retrata a medicina nos anos 2020: um sistema pressionado, politizado, corporativo e profundamente humano.

Um dia inteiro no inferno… contado hora a hora

Cada temporada de The Pitt decorre ao longo de um único dia num serviço de urgência de um hospital fictício de Pittsburgh. Cada episódio corresponde a uma hora de um turno de 15 horas. Esta estrutura impõe um ritmo implacável e elimina qualquer tentação de enredos paralelos artificiais.

Não há tempo para romances de corredor ou diagnósticos milagrosos de última hora. Há, sim, jargon médico lançado a alta velocidade, decisões difíceis tomadas sob pressão e profissionais exaustos a tentar fazer o melhor possível com recursos claramente insuficientes. É um retrato que funciona como microcosmo não só da medicina, mas também de uma América fragmentada.

“A série médica mais fiel alguma vez feita”

Muitos médicos já tinham elogiado a primeira temporada, mas a nova leva de episódios parece ir ainda mais longe. Profissionais de urgência chegaram mesmo a convidar Noah Wyle, protagonista da série, para a sua conferência anual — um selo de autenticidade raro neste género.

Segundo o pediatra Alok Patel, que acompanha de perto a série e co-apresenta o podcast oficial, The Pitt consegue captar “a totalidade da experiência de trabalhar na saúde: os altos, os baixos e as frustrações”. Não significa que todos os turnos sejam sempre caóticos, mas a série assume, sem pudor, as licenças dramáticas necessárias — sem trair a essência da realidade.

Burocracia, contas médicas e desinformação

Um dos aspectos mais elogiados desta nova temporada é a forma como aborda temas habitualmente ignorados pela televisão: burocracia hospitalar, seguros de saúde, contas médicas incomportáveis e a constante interferência administrativa na prática clínica.

A desinformação médica também ocupa um lugar central. Há pacientes que chegam munidos de “verdades” encontradas nas redes sociais, desconfiados da ciência, mas sobretudo confusos — sem saber em quem confiar. A série não os retrata como vilões, mas como reflexo de um sistema falhado.

Violência, desgaste emocional e médicos que também são pessoas

The Pitt volta a abordar a crescente violência física e verbal contra profissionais de saúde, um problema real e cada vez mais comum. Os ataques são frequentemente desvalorizados pelas próprias personagens, revelando uma cultura de normalização do abuso que tem consequências profundas na saúde mental de quem cuida.

A chegada da nova médica assistente, Dr. Baran Al-Hashimi, interpretada por Sepideh Moafi, introduz um choque geracional com o veterano Dr. Michael “Robby” Robinavitch, de Noah Wyle. O confronto entre visões sobre inteligência artificial, produtividade e humanidade no cuidado médico torna-se um dos eixos mais interessantes da temporada.

Uma série que ensina sem dar lições

No meio do caos, The Pitt encontra espaço para algo raro: lições de vida discretas, quase escondidas, que só se revelam plenamente com o tempo — ou numa segunda visualização. Porque, como a série lembra, a humanidade não fica à porta do hospital quando alguém adoece.

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É precisamente por isso que The Pitt não é apenas uma série sobre medicina. É uma série sobre pessoas, sistemas em ruptura e a difícil arte de continuar a cuidar quando tudo à volta parece estar a falhar.

Black Mirror regressa para a oitava temporada na Netflix — e a realidade continua a aproximar-se perigosamente

Charlie Brooker confirma novos episódios da série distópica mais influente da televisão moderna

É oficial: Black Mirror vai regressar para uma oitava temporada na Netflix. O anúncio foi feito pelo próprio Charlie Brooker, que confirmou estar já a escrever os novos episódios daquela que se tornou uma das séries mais duradouras — e inquietantes — do catálogo da plataforma.

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“I can confirm that Black Mirror will return, just in time for reality to catch up with it”, afirmou Brooker, num comentário que resume na perfeição o espírito da série: um espelho negro que, ao longo dos anos, deixou de parecer ficção científica para se transformar num exercício desconfortavelmente próximo do quotidiano.

Uma série que continua a reinventar-se — sem perder identidade

Quase 15 anos depois da sua estreia original no Channel 4, Black Mirror mantém-se relevante precisamente porque nunca se acomodou. Brooker explicou que o processo criativo da nova temporada segue a lógica habitual: questionar o que ainda não foi explorado e decidir qual o “tom” adequado para este novo capítulo.

A analogia musical usada pelo criador é reveladora: cada temporada funciona como uma faixa diferente no mesmo álbum, com variações de ritmo, intensidade e género. Essa liberdade criativa tem permitido à série oscilar entre a sátira tecnológica, o drama existencial e, mais recentemente, o terror puro.

Do “Red Mirror” ao regresso às origens

Brooker já havia explicado que a sexta temporada funcionou como uma espécie de “Red Mirror”, com histórias mais próximas do horror clássico e menos centradas na tecnologia. Já a sétima temporada, segundo o próprio, regressou a uma abordagem mais alinhada com os primeiros anos da série — uma combinação de tecnologia, comportamento humano e consequências morais.

A oitava temporada, para já, mantém-se envolta em mistério. Não foram revelados detalhes sobre o elenco nem sobre o tom dominante, o que só aumenta a expectativa em torno dos novos episódios.

Uma série premiada… e em constante mutação

A confirmação da nova temporada surge numa altura particularmente simbólica. Black Mirror está nomeada para Melhor Série Limitada ou Antologia nos Golden Globes, com Rashida Jones e Paul Giamatti também nomeados pelas suas participações na sétima temporada.

Essa temporada incluiu episódios como “Common People”, protagonizado por Jones, “Eulogy”, com Giamatti, e ainda a primeira sequela oficial da série: o regresso ao universo de “USS Callister”, um dos episódios mais icónicos de Black Mirror.

Um futuro para lá do espelho

Entretanto, Brooker continua a expandir o seu universo criativo fora de Black Mirror. O autor está actualmente a desenvolver uma nova série policial para a Netflix, ainda sem título, protagonizada por Paddy Considine, Lena Headeye Georgina Campbell. Descrita com humor como “o mais sério policial de todos os tempos”, a série promete seguir uma linha deliberadamente auto-consciente — uma marca registada do criador.

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Quanto a Black Mirror, mais informações sobre a oitava temporada deverão ser reveladas em breve. Até lá, fica a certeza de que, enquanto a tecnologia continuar a avançar mais depressa do que a nossa capacidade de a compreender, haverá sempre espaço para mais um reflexo perturbador no espelho negro.

Heated Rivalry: a série que incendiou as redes chega finalmente à HBO Max em Portugal

Rivalidade no gelo, paixão fora dele — e uma data de estreia muito aguardada

Depois de semanas de expectativa e de um burburinho constante nas redes sociais, já há confirmação oficial: Heated Rivalry estreia em Portugal no próximo 23 de Janeiro, em exclusivo na HBO Max. A primeira temporada, composta por seis episódios, será lançada semanalmente, com novos capítulos até ao desfecho marcado para 27 de Fevereiro.

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Descrita por muitos como “a série do momento”, Heated Rivalry chega envolta numa aura de fenómeno cultural raro, impulsionado por uma base de fãs fervorosa, trailers virais e uma história que cruza desporto de alta competição com um romance intenso e emocionalmente complexo.

Uma criação de Jacob Tierney que vai muito além do desporto

Criada por Jacob Tierney, conhecido pelo trabalho em Letterkenny e Shoresy, a série acompanha a trajectória de dois jogadores de hóquei rivais: Shane Hollander (Hudson Williams) e Ilya Rozanov (Connor Storrie).

Ambos são estrelas emergentes da fictícia Major League Hockey e partilham uma ambição feroz, um espírito competitivo quase obsessivo… e uma atracção que nenhum dos dois consegue explicar — ou aceitar — de imediato. O que começa como um caso secreto entre dois jovens atletas transforma-se, ao longo de oito anos, numa relação marcada por negação, desejo, medo e autodescoberta.

Amor, identidade e pressão num mundo implacável

Heated Rivalry distingue-se por não romantizar o desporto profissional. Pelo contrário, expõe a pressão constante, a cultura de masculinidade tóxica e o silêncio emocional que ainda domina muitos balneários. Shane e Ilya são obrigados a dividir-se entre o gelo — onde tudo é força, resistência e agressividade — e a vida privada, onde sentimentos considerados “frágeis” podem ser vistos como uma ameaça à carreira.

A série questiona, com sensibilidade e frontalidade, se há espaço para o amor verdadeiro num mundo ferozmente competitivo, onde a imagem pública vale tanto quanto o talento.

Dos livros para o ecrã… e para o TikTok

A série é uma adaptação dos livros Game Changers, da autora canadiana Rachel Reid, e foi originalmente produzida para a plataforma Crave. No entanto, foi o primeiro trailer — com pouco mais de 90 segundos — que lançou Heated Rivalrypara o estrelato global, tornando-se viral no TikTok e alimentando uma avalanche de reacções, teorias e excertos partilhados.

Em declarações ao Hollywood Reporter, o produtor executivo Brendan Brady reconheceu o peso da comunidade de fãs no sucesso da série: “Queríamos corresponder às expectativas dos fãs. O envolvimento deles abriu portas a oportunidades incríveis”.

Um fenómeno pronto a conquistar Portugal

Com um elenco secundário sólido — que inclui François Arnaud, Christina Chang, Dylan Walsh, Sophie Nélisse e Ksenia Daniela Kharlamova — e uma abordagem emocionalmente honesta, Heated Rivalry chega à HBO Max com tudo para conquistar também o público português.

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Mais do que uma série sobre hóquei, trata-se de uma história sobre identidade, desejo e coragem num mundo que raramente perdoa quem foge às regras não escritas. E é precisamente aí que reside a sua força.

Wonder Man: quando Hollywood, super-heróis e ego colidem na nova aposta da Marvel

A série que promete olhar para o MCU… por dentro

A Disney Plus estreia a 28 de Janeiro Wonder Man, uma das propostas mais curiosas e meta do universo Marvel até à data. Longe das batalhas cósmicas e dos destinos do multiverso, Wonder Man aposta num olhar irónico, quase satírico, sobre a própria indústria do entretenimento — e fá-lo a partir do ponto de vista de quem sonha com a fama… e de quem já a perdeu.

Situada algures entre a comédia dramática e a desconstrução do mito do super-herói, a série promete mostrar um lado raramente explorado do MCU: os bastidores de Hollywood, onde a ambição, o fracasso e o ego têm tanto peso como super-poderes.

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Simon Williams: um herói antes de ser herói

No centro da narrativa está Simon Williams, um aspirante a actor que luta para lançar a sua carreira num meio ferozmente competitivo. Simon é talento em bruto, mas ainda invisível — um rosto entre milhares à procura da oportunidade certa. Essa oportunidade surge de forma inesperada quando cruza o caminho de Trevor Slattery, actor em queda livre cuja fama pertence claramente ao passado.

O encontro entre estes dois homens, em extremos opostos da carreira, desencadeia uma descoberta improvável: o lendário e excêntrico realizador Von Kovak está a preparar um remake de Wonder Man, um antigo filme de super-heróis. De repente, o cinema dentro do cinema torna-se o verdadeiro palco da série.

Uma história sobre papéis — dentro e fora do ecrã

Wonder Man joga deliberadamente com camadas de ficção. Simon e Trevor não estão apenas a disputar um papel num filme fictício; estão a lutar por relevância, redenção e reconhecimento. A série explora a fragilidade da fama, o medo de ser esquecido e a obsessão de “chegar lá”, num meio onde o sucesso é volátil e implacável.

Ao mesmo tempo, o público é convidado a espreitar os bastidores da máquina de Hollywood: castings, egos inflados, decisões criativas absurdas e a tensão constante entre arte e indústria. Tudo isto filtrado pelo humor mordaz e autoconsciente que a Marvel tem vindo a afinar nos seus projectos mais recentes.

Uma Marvel diferente — e assumidamente meta

O grande trunfo de Wonder Man é assumir que o género dos super-heróis já tem história suficiente para brincar consigo próprio. A série não tenta reinventar o género pela acção, mas sim pelo comentário. É uma proposta que dialoga com o próprio público do MCU, convidando-o a rir, reflectir e reconhecer os clichés de um universo que conhece bem.

Sem abdicar do espectáculo, Wonder Man promete ser uma série mais adulta no discurso, mais subtil no tom e claramente interessada em explorar personagens — não apenas poderes.

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Estreia marcada

Com estreia marcada para 28 de Janeiro, Wonder Man posiciona-se como uma das apostas mais originais da Marvel no pequeno ecrã em 2026. Uma série sobre actores, filmes de super-heróis e o preço da ambição, onde o maior desafio pode não ser salvar o mundo… mas sobreviver a Hollywood.

Fevereiro no Cinemundo: um mês para cinéfilos sem pressa (e com memória)

Quando o frio aperta, o cinema responde à altura

Fevereiro pode ser curto, mas no Canal Cinemundo é um mês pensado para quem gosta de ficar — e sentir — até ao fim. A programação aposta numa combinação feliz entre estrelas consagradas, romances que atravessam décadas e filmes que marcaram gerações, daqueles que continuam a ganhar novas leituras sempre que regressam ao ecrã. É um Fevereiro para ver com tempo, atenção e aquela sensação confortável de rever velhos amigos.

Colin Farrell: a estrela do mês e um actor em permanente reinvenção

O grande destaque do mês é Colin Farrell, um actor que construiu a sua carreira a partir da recusa em ser previsível. Longe de se deixar prender a um único tipo de personagem, Farrell tem alternado entre superproduções, dramas intensos e cinema mais autoral, sempre com a mesma entrega física e emocional.

O especial Estrela do Mês ocupa as noites de sexta-feira, às 20h20, e traça um retrato sólido dessa versatilidade. Rumo à Liberdade abre o ciclo com uma narrativa de sobrevivência e resistência; Alexandre, o Grande mostra Farrell num dos papéis mais ambiciosos da sua carreira; Viúvas revela-o num registo mais contido, mas carregado de tensão; e Ava fecha o mês com um thriller moderno, seco e eficaz. Quatro filmes que ajudam a perceber porque é que Farrell continua a ser um nome incontornável do cinema contemporâneo.

Amores que não pedem licença ao tempo

Os domingos pertencem ao coração. O especial Amores por Entre Montes e Vendavais aposta em histórias que recusam a facilidade e preferem mostrar o amor como força transformadora — por vezes suave, outras vezes devastadora. Há romances clássicos como As Pontes de Madison County, onde cada silêncio pesa tanto como cada palavra, mas também títulos mais recentes que exploram o desejo, a imperfeição e as segundas oportunidades.

Eiffel, Alguém Tem Que Ceder e Viajantes: Instinto e Desejo convivem com propostas mais populares como Mr. & Mrs. Smith ou After – Depois do Desencontro, criando uma programação equilibrada entre romantismo adulto, paixão turbulenta e entretenimento puro. Filmes ideais para manhãs e tardes de domingo, quando o mundo pode esperar mais um pouco.

Lost in Translation: solidão, ligação e cinema no seu estado mais puro

Entre os filmes que merecem atenção especial este mês está Lost in Translation, uma obra que continua a tocar fundo em quem a revê. Realizado por Sofia Coppola, o filme é um estudo delicado sobre solidão, encontros improváveis e as ligações que nascem nos lugares mais inesperados.

Mais do que uma história de amor, Lost in Translation é um estado de espírito. A química entre Bill Murray e Scarlett Johansson, os silêncios carregados de significado e a cidade de Tóquio como personagem fazem deste filme uma escolha certeira para um público que aprecia cinema sensível, introspectivo e emocionalmente honesto. Um daqueles títulos que nunca perde força com o passar dos anos.

O Chacal: tensão clássica para quem gosta de thrillers à moda antiga

Outro regresso que fala directamente à memória cinéfila é O Chacal, um thriller tenso e eficaz que aposta na construção meticulosa do suspense. Com Bruce Willis num dos seus papéis mais frios e calculistas, o filme mantém um ritmo sólido e uma atmosfera de ameaça constante que o tornam perfeito para uma sessão nocturna.

O Chacal pertence a uma linhagem de thrillers que confiam mais na narrativa e na tensão psicológica do que no excesso de efeitos. É cinema de género bem feito, directo, e que continua a funcionar precisamente porque respeita o espectador.

Um mês pensado para quem gosta de cinema — e de voltar a ele

Fevereiro no Canal Cinemundo não é apenas sobre novidades ou estrelas do momento. É também sobre memória, redescoberta e a certeza de que há filmes que ganham ainda mais peso quando regressam ao pequeno ecrã no momento certo. Entre Colin Farrell, amores impossíveis, encontros silenciosos em Tóquio e assassinos metódicos, o canal constrói uma grelha que respeita quem vê cinema como algo mais do que simples passatempo.

Porque, no fim de contas, há meses que pedem pressa — e há outros, como este, que pedem apenas que carreguemos no play e fiquemos.

O ciclo percorre algumas das personagens mais marcantes do actor: começa com Rumo à Liberdade (6 de Fevereiro), passa pelo épico histórico Alexandre, o Grande (13 de Fevereiro), mergulha no thriller dramático Viúvas (20 de Fevereiro) e termina com Ava (27 de Fevereiro). Quatro filmes, quatro registos distintos, e a prova definitiva de que Farrell nunca escolhe o caminho mais fácil.

Amores que resistem a tudo — domingos dedicados à paixão no grande ecrã

Se as sextas são de intensidade dramática, os domingos são entregues ao coração. O especial Amores por Entre Montes e Vendavais ocupa as manhãs e tardes de Fevereiro com histórias de paixão que desafiam o tempo, a distância e as escolhas impossíveis.

Entre os destaques estão Eiffel, As Pontes de Madison County, Alguém Tem Que Ceder e Viajantes: Instinto e Desejo, acompanhados por títulos como After – Depois do Desencontro, O Amor é o Melhor Remédio, Mr. & Mrs. Smith e Resistir-lhe é Impossível. São filmes que falam de reencontros, despedidas, desejos adiados e sentimentos que teimam em não desaparecer — perfeitos para um domingo sem pressas.

Onde o cinema continua a acontecer

Com perto de 400 estreias por ano, ciclos dedicados a grandes nomes do cinema e uma programação que respeita o espectador exigente, o Canal Cinemundo continua a afirmar-se como um espaço onde o cinema é tratado com paixão e variedade. Fevereiro é apenas mais uma prova de que, quando o frio aperta lá fora, o melhor lugar pode muito bem ser o sofá — desde que esteja sintonizado no canal certo 🎬.

Punhos, Poder e Sobrevivência: Mil Golpes Regressa ao Disney+ com uma Segunda Temporada Ainda Mais Brutal

O submundo de Londres volta a subir ao ringue

Depois de uma estreia que surpreendeu pela crueza, intensidade emocional e rigor histórico, Mil Golpes está de regresso para a sua segunda temporada, que estreia no dia 9 de Janeiro no Disney+. A série, criada por Steven Knight, aprofunda agora o mergulho num mundo onde a sobrevivência se conquista punho a punho, num ringue improvisado ou nas ruas implacáveis da Londres vitoriana.

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Se a primeira temporada estabeleceu o terreno — social, político e físico — esta nova leva de episódios promete elevar as apostas, tanto no combate como nos conflitos internos das personagens.

Um mundo onde cada combate deixa marcas

Ambientada no brutal circuito do boxe ilegal do século XIX, Mil Golpes destacou-se desde o início por retratar um lado raramente romantizado da época: a luta pela sobrevivência de homens e mulheres empurrados para a margem da sociedade, num sistema que favorece os poderosos e esmaga quem nasce sem privilégios.

A segunda temporada retoma a narrativa exactamente onde as feridas ainda estão abertas. As alianças são testadas, as rivalidades tornam-se mais pessoais e o preço da ambição revela-se cada vez mais alto. O ringue continua a ser o centro simbólico da série, mas é fora dele que se travam algumas das batalhas mais perigosas.

Personagens em transformação — e em rota de colisão

Um dos maiores trunfos de Mil Golpes está no desenvolvimento das personagens. Longe de arquétipos simples, a série constrói figuras complexas, moldadas pela violência do meio em que vivem. Nesta nova temporada, vemos protagonistas mais endurecidos, mas também mais vulneráveis, confrontados com escolhas que podem definir — ou destruir — o seu futuro.

Steven Knight mantém o seu estilo característico: diálogos cortantes, tensão constante e uma abordagem quase política às dinâmicas de poder. O boxe surge não apenas como espectáculo físico, mas como metáfora de classe, identidade e resistência.

Produção ambiciosa e identidade visual marcante

Visualmente, a série continua a impressionar. A recriação da Londres vitoriana mantém um nível elevado de detalhe, com cenários sombrios, ruas enlameadas e espaços fechados que reforçam a sensação de claustrofobia social. As cenas de combate são filmadas com brutalidade directa, evitando glamour e apostando num realismo que quase se sente no estômago.

O Disney+ aposta claramente em Mil Golpes como uma das suas séries adultas de referência, mostrando que a plataforma vai muito além do entretenimento familiar.

Uma segunda ronda que promete deixar marcas

A segunda temporada de Mil Golpes não chega para suavizar o que veio antes — chega para aprofundar, complicar e intensificar. Para quem procura uma série histórica sem filtros, com personagens fortes e uma narrativa que não foge à violência nem às suas consequências, este regresso é obrigatório.

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Prepare-se: quando o primeiro sino tocar a 9 de Janeiro, não haverá espaço para recuar. 🥊

Presas no Fundo do Mar: O Thriller Subaquático Que Vai Tirar o Fôlego Chega à Cinemundo

Quando cada respiração pode ser a última

Há filmes que apostam em grandes explosões, perseguições intermináveis e vilões de opereta. E depois há aqueles que fazem exactamente o contrário: fecham-nos num espaço limitado, retiram-nos o ar — literalmente — e transformam o tempo num inimigo implacável. Mergulho Profundo, que estreia no dia 12 no canal Cinemundo, pertence claramente a esta segunda categoria.

Ambientado nas águas geladas da Noruega, o filme parte de uma premissa simples, mas extremamente eficaz: duas irmãs fazem uma viagem de mergulho recreativo quando um acidente natural transforma o passeio numa luta desesperada pela sobrevivência. Um deslizamento de rochas prende uma delas no fundo do mar, a dezenas de metros de profundidade, com o oxigénio a esgotar-se minuto a minuto. À superfície — e contra todas as probabilidades — fica a outra irmã, obrigada a tomar decisões impossíveis numa corrida contra o relógio.

Um thriller de sobrevivência onde o mar é o maior inimigo

Realizado por Joachim Hedén, Mergulho Profundo aposta num realismo cru e numa tensão constante, evitando excessos narrativos. Não há espaço para subtramas desnecessárias ou explicações longas: cada cena existe para reforçar a urgência da situação e o peso emocional da ligação entre as duas protagonistas.

O filme explora com eficácia o medo primordial da falta de ar, amplificado por um ambiente claustrofóbico e hostil. A água gelada, a visibilidade reduzida e a profundidade tornam-se obstáculos tão perigosos como o próprio acidente inicial. Hedén filma o oceano não como um cenário exótico, mas como uma força indiferente, bela e mortal — um elemento que não perdoa erros.

Duas protagonistas, uma ligação inquebrável

O coração do filme está na relação entre as irmãs, interpretadas por Moa Gammel e Madeleine Martin. As actuações são contidas, mas intensas, apostando mais em olhares, respirações e pequenos gestos do que em diálogos explicativos. O resultado é uma empatia imediata com o espectador, que sente cada segundo a passar como se estivesse dentro do fato de mergulho.

O elenco secundário, onde se destacam Trine Wiggen e Jitse Jonathan Buitink, surge apenas quando necessário, sem nunca quebrar o foco central da narrativa.

Tensão pura, sem truques

Com uma duração contida e um ritmo sempre controlado, Mergulho Profundo é um daqueles filmes que se vê quase sem pestanejar. Não reinventa o género, mas executa-o com precisão cirúrgica, apostando numa experiência sensorial intensa e emocionalmente eficaz.

Para os fãs de thrillers de sobrevivência, histórias de resgate extremo e cenários naturais transformados em armadilhas mortais, esta estreia na Cinemundo promete uma noite de cortar a respiração — literalmente.

Estreia: Dia 12 às 22:00

Canal: Cinemundo

Género: Acção / Aventura / Thriller

La Ruta – Conquistar a Noite regressa com uma segunda temporada ainda mais intensa

Ibiza, música electrónica e choques geracionais marcam o novo capítulo da série espanhola

Depois de uma estreia que conquistou público e crítica no último verão, La Ruta – Conquistar a Noite está de volta aos ecrãs portugueses com a sua segunda temporada, prometendo elevar ainda mais a intensidade emocional e musical da narrativa. A nova temporada estreia esta quinta-feira, 8 de Janeiro, às 22h10, em exclusivo no TVCine Edition e no TVCine+, dando continuidade ao retrato vibrante de uma geração moldada pela noite, pela música electrónica e por uma ideia quase absoluta de liberdade

Se a primeira temporada mergulhava no fenómeno da Ruta Destroy e nas noites intermináveis de Valência, a segunda desloca a acção para um novo epicentro do hedonismo europeu: Ibiza, em 1996. A ilha transforma-se na capital mundial da música electrónica, mas a mudança de cenário traz também novos conflitos e desafios para as personagens que o público já conhece.

DJs espanhóis contra promotores britânicos

Em Ibiza, o domínio até então quase absoluto dos DJs espanhóis é posto em causa com a chegada de promotores britânicos, que começam a impor novas regras, estéticas e dinâmicas de poder na noite da ilha. Este confronto cultural e profissional obriga os protagonistas a reinventarem-se, a provar o seu valor e a lutar pelo reconhecimento numa cena cada vez mais competitiva e globalizada.

No centro desta nova fase está Marc Ribó, que enfrenta não só a transformação da indústria musical, mas também questões pessoais mal resolvidas. Numa noite decisiva, reencontra Vicky, uma antiga amiga e empregada de mesa que não via há meses. Este reencontro reabre feridas do passado e reacende uma ligação emocional que terá impacto profundo no percurso de ambos fileciteturn1file0.

Música, família e passagem de testemunho

Um dos temas centrais desta segunda temporada é a relação entre pais e filhos e a forma como a música atravessa gerações, criando pontes mas também conflitos. La Ruta – Conquistar a Noite não se limita a retratar pistas de dança e excessos noturnos; a série olha para o impacto dessas escolhas na vida pessoal, familiar e emocional das personagens.

Entre rivalidades inesperadas, amanheceres intensos e decisões que mudam destinos, a narrativa acompanha a evolução do movimento musical e das personagens para uma nova fase de maturidade — ainda que nem todos estejam preparados para crescer.

Um elenco forte e uma série premiada

A realização continua a cargo de Borja Soler, mantendo a identidade visual e o realismo que marcaram a primeira temporada. O elenco regressa em força, com Àlex Monner, Claudia Salas, Ricardo Gómez, Elisabet Casanovas e Guillem Barbosa, a que se juntam novas personagens determinantes para o rumo da história.

Vencedora de prémios como o Feroz e o Ondas para Melhor Série Dramática, La Ruta – Conquistar a Noite afirma-se como um retrato autêntico de uma geração que viveu a noite no limite. Uma série imperdível para quem se deixou envolver pelo fenómeno Ruta Destroy — e para quem quer perceber como a música electrónica ajudou a definir uma era.

Estreia: 8 de Janeiro, quinta-feira, às 22h10

Onde ver: TVCine Edition e TVCine+

Belas, ricas, perigosas… e armadas: The Hunting Wives – Ninho de Víboras chega à televisão portuguesa

Glamour, segredos e crime no coração do Texas

A televisão portuguesa prepara-se para receber uma nova série onde o luxo e o perigo caminham lado a lado. The Hunting Wives – Ninho de Víboras estreia a 8 de janeiro, às 22h10, em exclusivo no TVCine Emotion e no TVCine+, trazendo consigo uma história de sedução, poder e crime escondida por detrás das fachadas impecáveis de uma comunidade abastada do Texas  .

Inspirada no romance homónimo de May Cobb, a série aposta num thriller psicológico envolto em glamour, explorando o lado mais sombrio de um grupo de mulheres ricas que parecem ter tudo — excepto limites. Aqui, a perfeição social é apenas uma máscara, e cada sorriso esconde segredos capazes de destruir vidas.

Uma amizade perigosa que descamba em obsessão

No centro da narrativa está Sophie, uma esposa e mãe que abandona Boston para recomeçar a vida numa pequena e exclusiva comunidade texana. Rapidamente, é atraída para o círculo magnético de Margo, uma socialite carismática e influente que lidera um grupo selecto conhecido como The Hunting Wives. O que começa como uma amizade fascinante transforma-se numa espiral de manipulação, desejo e jogos de poder.

À medida que Sophie se aproxima deste grupo, o luxo e a sensação de pertença dão lugar a uma atmosfera cada vez mais inquietante. A tensão atinge o ponto de ruptura quando uma adolescente é encontrada morta no bosque onde as Hunting Wives costumam reunir-se, lançando suspeitas, medos e revelações perturbadoras sobre todas as envolvidas  .

Thriller psicológico com tensão erótica q.b.

The Hunting Wives – Ninho de Víboras cruza com eficácia o drama social com o thriller psicológico, oferecendo um retrato provocador de uma comunidade aparentemente perfeita, mas corroída por rivalidades, desejos reprimidos e ambições perigosas. A série destaca-se pelas personagens femininas fortes, relações de poder complexas e uma tensão erótica subtil, mas constante, que contribui para o clima de inquietação.

A realização está a cargo de Julie Anne Robinson, conhecida pelo seu trabalho em séries como Bridgerton, The Good Place e Orange Is the New Black. O elenco conta com nomes como Malin Akerman, Brittany Snow, Jaime Ray Newman, Evan Jonigkeit e George Ferrier, que dão vida a um conjunto de personagens tão sedutoras quanto perigosas  .

Estreia a não perder nos Canais TVCine

Com novos episódios todas as semanas, The Hunting Wives – Ninho de Víboras promete ser uma das estreias mais provocadoras do início do ano, ideal para quem aprecia histórias onde o luxo esconde crimes e onde nada é tão inocente como parece. Uma série feita para ver… e desconfiar de tudo e de todos.

Estreia: 8 de janeiro, quinta-feira, às 22h10

Onde ver: TVCine Emotion e TVCine+

Tony Dokoupil Assume o CBS Evening News com Promessa de Independência: “Eu Reporto para Si”

Novo pivot do noticiário garante distância de políticos, anunciantes e interesses corporativos num momento crítico para a credibilidade dos media

O jornalismo televisivo norte-americano prepara-se para uma mudança simbólica. Tony Dokoupil vai assumir, a partir de 5 de Janeiro, a condução do CBS Evening News, um dos noticiários históricos dos Estados Unidos, prometendo uma ruptura clara com pressões políticas, interesses empresariais e lógicas corporativas. A mensagem é directa e deliberadamente pessoal: “Eu reporto para si.”

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Num vídeo divulgado no Dia de Ano Novo, Dokoupil apresentou aquilo que descreveu como um compromisso com os espectadores — e, implicitamente, um reconhecimento de que os media tradicionais perderam a confiança do público. “Muita coisa mudou desde que a primeira pessoa se sentou nesta cadeira”, afirmou. “Mas a maior diferença é simples: as pessoas já não confiam em nós como confiavam.”

Reconhecer o problema para tentar resolvê-lo

Dokoupil não poupou críticas ao estado actual do jornalismo de legado. Referiu temas como a guerra do Iraque, os e-mails de Hillary Clinton, os confinamentos durante a pandemia e o caso do portátil de Hunter Biden como exemplos de uma cobertura percepcionada por muitos como enviesada, distante das preocupações do cidadão comum e excessivamente alinhada com elites políticas e académicas.

A partir desse diagnóstico, o novo pivot traça a sua linha vermelha: os espectadores vêm primeiro. “Não os anunciantes. Não os políticos. Não os interesses corporativos. E sim, isso inclui os próprios donos da CBS”, afirmou, numa referência directa à liderança da Paramount e ao seu presidente executivo, David Ellison.

Um noticiário em crise de relevância

Tony Dokoupil herda um CBS Evening News que há vários anos ocupa um distante terceiro lugar nas audiências, atrás dos concorrentes da NBC e da ABC. O declínio da relevância dos noticiários de horário nobre acompanha uma crise mais profunda de confiança no jornalismo televisivo tradicional, num ecossistema dominado por redes sociais, plataformas digitais e polarização extrema.

O desafio é ainda maior porque a mudança acontece num momento turbulento para a própria redacção da CBS. A recente decisão da directora editorial Bari Weiss de retirar uma reportagem do 60 Minutes poucos dias antes da emissão provocou desconforto interno e reacendeu o debate sobre critérios editoriais, censura preventiva e independência jornalística.

Uma nova cultura editorial?

Numa comunicação interna enviada na véspera de Natal, Bari Weiss defendeu que recuperar a confiança do público exige mais trabalho de campo, histórias inesperadas e atenção a temas negligenciados ou mal compreendidos. Por vezes, acrescentou, isso implica adiar reportagens para garantir rigor e equilíbrio.

Dokoupil mostrou-se alinhado com essa visão. No vídeo, comprometeu-se a explicar sempre o que sabe, quando sabe e como sabe — e a assumir publicamente os erros quando eles acontecem. “Também significa falar com toda a gente”, disse, “e aplicar o mesmo padrão a todas as figuras da vida pública”.

“Digam-me se eu falhar”

Ao contrário de discursos vagos sobre objectividade, a intervenção de Tony Dokoupil aposta num tom quase contratual com o público. “Telling the truth” — dizer a verdade — foi apresentado não como um slogan, mas como uma prática quotidiana que exige coerência, humildade e abertura ao contraditório.

“Sou o Tony Dokoupil, o pivot do CBS Evening News”, concluiu. “Cobrem-me por isto.”

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Num tempo em que a desconfiança em relação aos media é estrutural e transversal a todo o espectro político, a promessa é ambiciosa. Resta saber se a prática conseguirá acompanhar as palavras — mas, pelo menos, o novo rosto do noticiário parece consciente do peso da cadeira onde se senta.

Stranger Things Despede-se em Grande: Final da Série Faz História nas Salas de Cinema na Passagem de Ano

Último episódio rendeu entre 20 e 25 milhões de dólares e tornou-se o maior sucesso teatral de sempre de uma produção Netflix

Poucas séries televisivas conseguiram marcar uma geração como Stranger Things. E poucas despedidas foram tão simbólicas quanto a do fenómeno criado pelos irmãos Duffer. O episódio final da série estreou na noite de 31 de Dezembro, simultaneamente na Netflix e em cerca de 600 salas de cinema, transformando a passagem de ano num verdadeiro evento cinematográfico — e num inesperado triunfo de bilheteira.

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De acordo com estimativas da indústria, Stranger Things: The Finale terá gerado entre 20 e 25 milhões de dólares em receitas, estabelecendo um novo recorde para uma produção da Netflix exibida em salas de cinema. Um resultado que surpreendeu até os exibidores mais optimistas e que simboliza uma reaproximação improvável entre o streaming e o circuito tradicional.

Um evento híbrido que ninguém previu

Durante anos, a relação entre a Netflix e os donos de salas de cinema foi marcada por tensão e desconfiança. A decisão de levar o episódio final de Stranger Things ao grande ecrã — durante apenas dois dias — acabou por funcionar como um inesperado ramo de oliveira entre dois mundos que raramente se entendem.

A exibição decorreu na noite de Passagem de Ano e ao longo do dia 1 de Janeiro, com sessões esgotadas em várias cidades. Uma parte significativa das salas envolvidas pertencia à maior cadeia de cinemas do mundo, a AMC, que revelou ter arrecadado cerca de 15 milhões de dólares apenas em créditos de comida e bebida associados ao evento.

Bilhetes… sem bilhetes

Curiosamente, a Netflix evitou o habitual escrutínio de números de bilheteira graças a um modelo alternativo: os espectadores não compravam bilhetes tradicionais, mas sim vouchers de consumo, adquiridos directamente nos cinemas. Em muitas salas, o preço foi fixado nos 20 dólares; noutras, desceu para 11 dólares — uma piscadela de olho à personagem Eleven, o coração da série.

Segundo dados divulgados pelos criadores, mais de 1,1 milhões de vouchers tinham sido vendidos antes do evento, número que subiu para cerca de 1,3 milhões de espectadores até ao final do Dia de Ano Novo, de acordo com empresas de análise de mercado.

Um recorde para a Netflix nas salas

O valor estimado entre 20 e 25 milhões de dólares coloca Stranger Things: The Finale no topo das produções Netflix exibidas em cinema. O anterior recorde pertencia a um evento especial lançado no verão, que tinha arrecadado cerca de 18 milhões de dólares.

Ainda que a Netflix continue oficialmente a não divulgar números de bilheteira, a dimensão do fenómeno tornou-se impossível de ignorar — e começou a surgir em vários rankings e relatórios do sector como um facto consumado.

“A forma perfeita de dizer adeus”

Os irmãos Duffer já tinham anunciado, em Outubro, que o episódio final chegaria às salas de cinema, contrariando declarações anteriores que afastavam essa hipótese. Na altura, assumiram que ver o final no grande ecrã era um desejo antigo.

“Estamos para lá de entusiasmados por os fãs poderem viver o último episódio no cinema”, afirmaram. “Vê-lo num ecrã gigante, com som poderoso e uma sala cheia de fãs, parece-nos a forma perfeita — atrever-nos-emos a dizer bitchin’ — de celebrar o fim desta aventura.”

O adeus a um fenómeno global

Desde a sua estreia em 2016, Stranger Things tornou-se uma das séries mais vistas de sempre da Netflix. Só a quarta temporada ultrapassou os 140 milhões de visualizações a nível global, consolidando o estatuto da série como um dos maiores sucessos da história do streaming.

A despedida em salas de cinema não foi apenas um golpe de marketing eficaz. Foi também um gesto simbólico: uma série que sempre viveu do imaginário cinematográfico dos anos 80 encontrou no grande ecrã a sua última casa.

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E, contra todas as probabilidades, provou que o cinema e o streaming ainda conseguem partilhar o mesmo espaço — pelo menos quando o fenómeno é verdadeiramente irresistível.

O Fim de Uma Era: a MTV Desliga os Canais de Videoclipes ao Som de “Video Killed The Radio Star”

A televisão musical fecha um capítulo histórico no último dia de 2025 — e fá-lo com a canção que deu início a tudo

O último dia de 2025 marcou o encerramento silencioso — mas simbólico — de uma das maiores aventuras culturais da televisão. A MTV desligou os seus canais dedicados exclusivamente a videoclipes, pondo termo a um formato que ajudou a definir gerações, lançar carreiras e moldar a relação entre música e imagem durante mais de quatro décadas.

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Em Portugal, os canais MTV Live e MTV 00s deixaram de estar disponíveis a 31 de Dezembro. A despedida surgiu sob a forma de uma mensagem simples e directa: “A MTV está agora fechada. Obrigado por nos ter visto”. No MEO, o canal principal da MTV Portugal também ficou offline, com o aviso de que deixara de integrar a grelha.

Não foi um corte isolado nem meramente local. No Reino Unido, vários canais temáticos — MTV Music, MTV 80s, MTV 90s, Club MTV e MTV Live — foram igualmente desligados. E, como não podia deixar de ser, a música escolhida para o momento final foi “Video Killed The Radio Star”, dos The Buggles.

A canção que abriu — e fechou — a história

A escolha não foi um acaso. “Video Killed The Radio Star” foi o primeiro videoclip transmitido pela MTV nos Estados Unidos, a 1 de Agosto de 1981. A letra, que falava do impacto da imagem sobre a música, tornou-se uma espécie de profecia cultural. Quarenta e quatro anos depois, a mesma canção encerra o ciclo.

O gesto é irónico, melancólico e profundamente consciente do seu próprio simbolismo. A MTV sempre soube trabalhar a sua mitologia — e esta despedida confirma-o.

Da revolução cultural ao declínio do videoclip televisivo

Quando surgiu, a MTV não foi apenas um canal de música. Foi um fenómeno cultural. Transformou artistas em ícones visuais, redefiniu a estética pop e aproximou música, moda, cinema e publicidade. O videoclip deixou de ser promoção para se tornar arte, narrativa e identidade.

A expansão foi rápida. Depois do lançamento nos EUA, a MTV Europe arrancou em 1987, abrindo emissões com “Money For Nothing”, dos Dire Straits — uma escolha igualmente carregada de ironia, já que a canção menciona o próprio canal. A MTV UK surgiu em 1997, mas, significativamente, deixou de passar videoclipes de forma regular já em 2011.

Esse dado é essencial para compreender o que agora acontece. O fim dos canais de videoclipes não é uma ruptura súbita: é o culminar de um processo longo, em que a música migrou para outras plataformas.

O streaming venceu — e a MTV mudou de pele

A ascensão do YouTube, das plataformas de streaming e das redes sociais alterou radicalmente o consumo musical. O videoclip passou a ser visto sob demanda, no telemóvel, no computador, fora da grelha televisiva. A MTV respondeu mudando o foco para reality shows, séries juvenis e formatos de entretenimento — uma estratégia que garantiu sobrevivência, mas afastou o canal da sua identidade original.

Com o desligar destes canais, a MTV assume oficialmente aquilo que já era evidente: o videoclip deixou de precisar da televisão.

Um adeus que é também um legado

Para muitos espectadores, este encerramento tem um peso emocional difícil de ignorar. A MTV foi banda sonora visual da adolescência, janela para novos géneros, novos artistas e novas atitudes. Foi ali que muitos descobriram o rock alternativo, o hip hop, a pop dos anos 80, 90 e 2000 — e aprenderam que a música também se vê.

O fim dos canais de videoclipes não apaga esse legado. Pelo contrário, cristaliza-o. A MTV pode já não passar música como antigamente, mas a forma como hoje consumimos imagem e som continua a carregar a sua influência.

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No silêncio do ecrã desligado, ecoa uma verdade simples: a MTV não morreu — transformou-se. E deixou para trás uma história que dificilmente será repetida.

As Noites de Chicago Estão de Volta — E a Cidade Continua em Estado de Emergência

Médicos, bombeiros e polícias regressam com novas temporadas cheias de tensão, dilemas morais e escolhas impossíveis

Chicago nunca dorme — e quando o novo ano começa, a cidade volta a provar que cada noite pode ser decisiva. As chamadas Noites de Chicago regressam à televisão portuguesa com novas temporadas de Chicago Med, Chicago Fire e Chicago P.D., retomando o universo criado por Dick Wolf que transformou a rotina de médicos, bombeiros e polícias num dos mais consistentes dramas televisivos da última década.

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Entre 5 e 7 de Janeiro, sempre às 22h10, as três séries estreiam episódios inéditos, reforçando uma fórmula que continua a funcionar: histórias intensas, personagens em constante desgaste emocional e uma cidade onde salvar vidas nunca é um acto simples.

Chicago Med: quando cada decisão tem um custo

A 11.ª temporada de Chicago Med mergulha ainda mais fundo no quotidiano do Gaffney Chicago Medical Center, onde a urgência médica se cruza com conflitos pessoais e dilemas éticos cada vez mais complexos. Aqui, não se trata apenas de tratar doentes — trata-se de escolher quem pode ser salvo, quando o tempo, os recursos e as circunstâncias jogam contra.

O regresso de figuras familiares volta a agitar o hospital, trazendo à superfície histórias mal resolvidas e tensões antigas. A liderança continua a ser posta à prova, e a fronteira entre o profissional e o pessoal torna-se cada vez mais ténue. A série mantém aquilo que sempre a definiu: intensidade emocional, casos-limite e personagens que carregam o peso das decisões para lá do turno.

Chicago Fire: o quartel como campo de batalha

Na 14.ª temporada de Chicago Fire, o Quartel 51 enfrenta talvez um dos seus períodos mais instáveis. Mudanças na liderança, cortes e novas hierarquias criam um ambiente de tensão interna que se soma ao perigo constante das missões no terreno.

A série explora o impacto dessas transformações na identidade do quartel: o que significa liderar quando os valores estão em choque? Como manter a coesão quando o sistema parece desfazer-se por dentro? Entre incêndios, resgates e decisões de alto risco, Chicago Fire continua a ser, acima de tudo, uma história sobre pertença, lealdade e sacrifício.

Chicago P.D.: justiça sob pressão constante

A 13.ª temporada de Chicago P.D. regressa às ruas com o seu tom mais sombrio e directo. A Unidade de Inteligência enfrenta investigações cada vez mais perigosas, num ambiente onde a linha entre o certo e o necessário se torna progressivamente difusa.

O peso da responsabilidade recai sobre cada elemento da equipa, confrontado com dilemas morais que desafiam a própria noção de justiça. A série não suaviza o impacto das decisões: cada escolha tem consequências, e nem sempre há finais limpos. É este realismo cru que continua a distinguir Chicago P.D. dentro do universo policial televisivo.

Um universo que resiste ao desgaste

O que torna as Noites de Chicago particularmente interessantes não é apenas a longevidade das séries, mas a forma como conseguem evoluir sem perder identidade. Ao longo dos anos, o universo foi-se tornando mais adulto, mais consciente do desgaste psicológico das profissões que retrata e menos interessado em soluções fáceis.

Há um fio comum que atravessa as três séries: ninguém sai ileso. Seja numa sala de emergência, num incêndio fora de controlo ou numa investigação criminal, as personagens pagam um preço real pelo trabalho que fazem. E é essa continuidade temática que mantém o público investido, temporada após temporada.

Chicago continua a chamar

Num panorama televisivo cada vez mais fragmentado, poucas franquias conseguem manter coerência e relevância ao longo de tantos anos. As Noites de Chicago não reinventam a roda, mas refinam aquilo que sempre fizeram bem: contar histórias humanas em contextos extremos.

Para quem acompanha estas séries desde o início — ou para quem procura dramas sólidos, intensos e emocionalmente consequentes — o regresso a Chicago é menos um reencontro e mais uma necessidade.

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Porque, naquela cidade, todas as noites contam.

Verdades Difíceis: Mike Leigh Regressa à Televisão com um Retrato Cru da Dor e da Família

Um drama intenso sobre solidão, raiva e empatia, em estreia no TVCine Top

Há filmes que não procuram agradar nem oferecer conforto fácil. Verdades Difíceis é um desses casos. O mais recente trabalho de Mike Leigh chega à televisão portuguesa como uma proposta exigente, profundamente humana e emocionalmente desarmante. A estreia acontece no dia 4 de Janeiro, às 21h50, no TVCine Top, numa sessão que promete marcar quem se deixar envolver pela história.

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Leigh, um dos grandes cronistas das fragilidades humanas no cinema britânico contemporâneo, regressa aqui ao território que melhor conhece: o das relações familiares tensas, das feridas emocionais não resolvidas e das palavras que custam a ser ditas — ou que são ditas da pior forma possível.

Pansy e Chantelle: duas formas opostas de sobreviver

No centro de Verdades Difíceis estão duas irmãs. Pansy vive consumida por uma dor profunda e por uma raiva constante que a leva a enfrentar o mundo com hostilidade, desconfiança e uma agressividade quase defensiva. Nada parece oferecer-lhe alívio. Cada interação é um confronto, cada gesto do outro uma ameaça.

Do outro lado está Chantelle, mãe solteira, de espírito aberto e atitude descontraída, que encontra algum sentido de pertença na relação com as filhas e na comunidade que construiu à sua volta, nomeadamente no salão onde trabalha. Onde Pansy se fecha, Chantelle abre-se. Onde uma reage com ressentimento, a outra responde com empatia.

Mike Leigh constrói este contraste sem moralismos fáceis. Não há heroínas nem vilãs. Há apenas pessoas a tentar lidar com a dor da forma que conseguem — mesmo quando essa forma é destrutiva.

A depressão que não se diz em voz alta

Um dos aspectos mais fortes de Verdades Difíceis é a forma como aborda a dor emocional e a depressão, sem nunca recorrer a discursos explicativos ou diagnósticos evidentes. O sofrimento de Pansy manifesta-se no corpo, na linguagem, na relação com os outros. É uma dor que não pede ajuda porque já desistiu de a receber.

O filme observa, com enorme sensibilidade, como esta dor se infiltra na dinâmica familiar, criando ciclos de incompreensão e afastamento. As tentativas de aproximação geram conflito; os silêncios tornam-se mais pesados do que as palavras. Leigh filma tudo isto com o seu habitual realismo, sem música manipuladora ou cenas feitas para “funcionar”.

Uma interpretação que sustenta o filme

Grande parte da força de Verdades Difíceis reside na interpretação de Marianne Jean-Baptiste, no papel de Pansy. A actriz entrega uma composição exigente, desconfortável e absolutamente convincente, que lhe valeu o prémio de Melhor Interpretação Principal nos British Independent Film Awards.

Não é uma personagem fácil de acompanhar — e isso é intencional. Leigh não procura criar empatia imediata, mas compreensão gradual. O espectador é desafiado a permanecer, a observar, a tentar perceber de onde vem aquela raiva constante e o que ela esconde.

Mike Leigh, o cronista das relações humanas

Autor de obras fundamentais como Segredos e Mentiras, Vera Drake ou Happy-Go-Lucky, Mike Leigh mantém em Verdades Difíceis a sua abordagem característica: histórias construídas a partir de personagens aparentemente comuns, mas emocionalmente complexas, interpretadas com uma naturalidade quase documental.

O filme confirma a relevância contínua do realizador como observador atento das tensões sociais e familiares, sobretudo daquelas que raramente chegam ao centro do discurso público. Aqui, Leigh fala de solidão, de falhas de comunicação, de dores herdadas e da dificuldade de amar quando se está em guerra consigo próprio.

Um filme que não facilita — e por isso importa

Verdades Difíceis não é um drama para ver de forma distraída. Exige atenção, disponibilidade emocional e alguma coragem por parte do espectador. Em troca, oferece um retrato honesto e profundamente actual de relações familiares marcadas por feridas invisíveis.

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Num panorama televisivo dominado por narrativas rápidas e emoções simplificadas, esta estreia no TVCine Top é um lembrete poderoso de que o cinema também pode — e deve — ser um espaço de confronto.

Magia e Sedução  Chega Hoje ao Prime Video em Portugal e Brasil — e o Filme Ganha Uma Sequela em 2026

Um clássico das bruxas finalmente disponível no streaming antes do regresso

Os fãs de magia, comédia romântica e cinema com alma têm motivos para sorrir em Portugal e no Brasil: o filme Practical Magic, protagonizado por Nicole Kidman e Sandra Bullock, acaba de ser adicionado à biblioteca do Prime Video. A estreia na plataforma acontece esta terça-feira, uma oportunidade perfeita para rever o título quase três décadas após a sua estreia original — e com um motivo extra de celebração: o filme terá uma sequela nos cinemas a 18 de Setembro de 2026.

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Embora tenha recebido críticas mistas na altura do seu lançamento em 1998, Practical Magic conquistou um lugar especial no coração de muitos espectadores, acumulando uma base de seguidores leal ao longo dos anos. Agora, a magia regressa em força, com o elenco original a retomar papéis que marcaram várias gerações.

O que é Practical Magic e por que continua tão amado

Realizado por Griffin Dunne, Practical Magic combina romance, humor e fantasia de um modo raro. A trama centra-se em Gillian e Sally Owens, duas irmãs provenientes de uma longa linhagem de bruxas que vivem numa pequena cidade da Nova Inglaterra. À medida que crescem, descobrem que a magia que corre nas suas veias é tão encantadora quanto perigosa — especialmente quando se trata de amor.

A sinopse clássica resume assim a essência da história: para estas irmãs, “apaixonar-se pode ser o feitiço mais complicado de todos”. A maldição da família faz com que qualquer homem por quem se apaixonem esteja fadado a uma morte prematura, obrigando as irmãs a confrontar não apenas forças sobrenaturais, mas também os medos, culpas e paixões que as definem.

Além de Kidman e Bullock, o elenco original inclui Dianne Wiest, Stockard Channing e Aidan Quinn, contribuindo para uma narrativa rica em personagens memoráveis e relações emotivas.

A sequela que os fãs esperavam

A maior novidade não é apenas a chegada do filme ao streaming em Portugal e no Brasil, mas o facto de que Practical Magic 2 está a caminho dos cinemas. Maracado para 18 de Setembro de 2026, o projecto reúne o elenco original e novos nomes, prometendo expandir o universo mágico de Owens de forma moderna e envolvente.

Regressam aos seus papéis Nicole Kidman e Sandra Bullock, acompanhadas novamente por Dianne Wiest como Tia Jet e Stockard Channing como Tia Franny. A realização está a cargo de Griffin Dunne, que também esteve presente no filme original, com argumento de Akiva Goldsman e Georgie Pritchett.

Ao lado das estrelas veteranas, a sequela contará com um elenco contemporâneo que inclui Joey King, Lee Pace, Maisie Williams, Xolo Maridueña e Solly McLeod — uma mistura entre gerações que promete revitalizar a história com novas perspectivas e olhares.

Por que este é o momento certo para (re)ver o filme

A chegada de Practical Magic ao Prime Video em Portugal e Brasil não podia ser mais oportuna. Além de permitir que novos espectadores descubram a história, dá aos fãs antigos a possibilidade de se prepararem para o regresso mágico em 2026. É uma excelente porta de entrada para quem procura um filme que mistura fantasia, comédia romântica e laços familiares fortes — tudo isso com uma estética e sensibilidade que resistiram ao tempo.

Além disso, com a popularidade crescente de filmes de fantasia e adaptações modernas de clássicos, a sequência promete trazer nova vida a uma narrativa que sempre valorizou personagens femininas fortes, relações complexas entre irmãs e um olhar sensível sobre o amor e a identidade.

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Como ver em Portugal e no Brasil

O filme está agora disponível no catálogo do Prime Video tanto em Portugal como no Brasil, sem necessidade de compras adicionais, desde que faça parte da sua subscrição. Esta adição aproxima um pouco mais o público dos grandes títulos que definiram uma geração, ao mesmo tempo que serve de prelúdio perfeito para a nova aventura prevista para 2026.