Colheita: O Western Medieval Hipnótico de Athina Rachel Tsangari com Caleb Landry Jones 🌾⚔️

A realizadora grega regressa com uma tragicomédia misteriosa e visualmente arrebatadora, onde uma aldeia indefinida mergulha no caos durante sete dias de loucura.

Chegou a época da colheita — e, nas mãos de Athina Rachel Tsangari, nunca a ceifa foi tão bela, enigmática e desconcertante. O novo filme da autora grega, simplesmente intitulado Colheita, é um drama de 2h13min que mistura o tom existencial do cinema europeu com a estrutura mítica de um western medieval. O resultado é uma experiência cinematográfica rara: trágica, surreal e profundamente humana.

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A parábola de uma aldeia à beira da extinção

Baseado no romance homónimo de Jim Crace, Colheita transporta-nos para uma aldeia sem nome, num tempo e espaço indefinidos. Ao longo de sete dias alucinatórios, os habitantes vêem o seu mundo ruir com a chegada de três figuras misteriosas: um cartógrafo, um imigrante e um banqueiro. A sua presença desencadeia uma série de acontecimentos que põem em causa as tradições, a fé e até a própria noção de comunidade.

A realizadora, conhecida por filmes como Attenberg e Chevalier, usa a câmara com a precisão de uma arqueóloga emocional, escavando as camadas simbólicas de uma história que tanto pode ser lida como um retrato da Europa rural quanto uma alegoria universal sobre o poder, a ganância e a transformação.

Caleb Landry Jones: o estrangeiro que incendia o ecrã 🔥

No centro do filme está Caleb Landry Jones, um dos actores mais intensos e imprevisíveis da actualidade (Nitram, Three Billboards Outside Ebbing, Missouri). A sua presença é quase mítica — simultaneamente frágil e ameaçadora —, funcionando como o catalisador do colapso e da revelação. Jones habita o papel com a mesma energia hipnótica que o tornou uma das figuras mais fascinantes do cinema recente.

Um épico poético e brutal

Visualmente, Colheita é deslumbrante: os campos ondulantes, o fogo, a terra e a chuva transformam-se em personagens próprias, num trabalho de fotografia que evoca o simbolismo de Tarkovsky e a fisicalidade de Béla Tarr. Tsangari, fiel à sua tradição de explorar o absurdo e a vulnerabilidade humanas, equilibra o drama com um humor subtil e inesperado — uma tragicomédia onde a beleza e a barbárie caminham lado a lado.

Uma reflexão sobre o fim e o recomeço

Colheita não é apenas uma história sobre uma aldeia em ruínas; é uma meditação sobre o fim dos ciclos — agrícolas, sociais e espirituais. A colheita, aqui, é tanto uma metáfora da fertilidade como da destruição. No fim, resta a pergunta: o que é realmente semeado quando o mundo começa a arder?

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Athina Rachel Tsangari entrega um filme poderoso e hipnótico, que desafia convenções e confirma o seu estatuto como uma das vozes mais originais do cinema europeu contemporâneo.

“A Rapariga que Desapareceu”: o thriller finlandês que vai prender Portugal ao ecrã

A Filmin prepara-se para trazer mais um título de peso ao catálogo português. A 19 de agosto estreia-se em exclusivo A Rapariga que Desapareceu, uma minissérie finlandesa de quatro episódios que promete agarrar o público até ao último minuto.

Do romance ao suspense televisivo

Criada pelo romancista e cineasta Simo Halinen, a série adapta o seu próprio livro Nainen joka katosi (ainda inédito em Portugal), distinguido com o prémio da Associação Finlandesa de Histórias Policiais para melhor romance de estreia. A adaptação marca também a primeira vez que Halinen leva para o ecrã uma das suas obras literárias.

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Segundo o próprio, o processo foi desafiante mas libertador:

“Foi interessante ver como a obra se foi distanciando do material original do livro e se tornou algo novo e independente.”

Uma relação perfeita… até deixar de o ser

A narrativa acompanha Aaro (Johannes Holopainen), um jovem carismático que conhece Maura (Saga Sarkola). O romance entre ambos começa como um conto de fadas moderno, mas depressa se transforma em pesadelo: Maura desaparece subitamente, sem deixar rasto.

Na tentativa de descobrir o que aconteceu, Aaro percebe que a mulher que julgava conhecer escondeu a sua verdadeira identidade. As respostas levam-no a um crime do passado, cujas repercussões se revelam muito mais vastas do que podia imaginar.

Produção com selo de qualidade nórdica

A Rapariga que Desapareceu foi filmada na região de Turku, no sudoeste da Finlândia, e é produzida pela ReelMediapara a C More e a MTV. O produtor Jani Hartikainen descreve a obra como uma “série de suspense de grande qualidade e muito estilo,que mantém o espectador em suspenso até ao seu desfecho surpreendente”.

Com apenas quatro episódios, o formato promete intensidade, ritmo e uma atmosfera carregada, características que têm feito do Nordic Noir um fenómeno global.

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A 19 de agosto, os subscritores portugueses da Filmin terão a oportunidade de mergulhar neste mistério finlandês que mistura romance, identidade e crime num cocktail de tensão.

Pedro Costa em Foco no Japão: Tóquio Dedica Grande Exposição ao Realizador Português 🎥🇯🇵


“Innervisions” celebra 25 anos de cinema, fotografia e instalações de um dos nomes maiores do cinema de autor contemporâneo

O cinema português continua a conquistar admiradores nos quatro cantos do mundo — e o Japão não é exceção. O Museu de Arte Fotográfica de Tóquio inaugura a 28 de Agosto uma exposição dedicada ao universo estético e poético de Pedro Costa, um dos mais aclamados realizadores do cinema de autor europeu. Intitulada “Innervisions”, a mostra ficará patente até 7 de Dezembro e é uma verdadeira homenagem à obra do cineasta português nos últimos 25 anos.

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Stevie Wonder como ponto de partida

O título da exposição não surge por acaso: Innervisions remete para o álbum homónimo de Stevie Wonder, lançado em 1973, e que, segundo o museu, foi uma influência marcante para Pedro Costa durante a adolescência.

“O espírito deste álbum, que sabe equilibrar a mais genial música moderna popular com o comentário social, ressoou profundamente com a práxis cinematográfica de Costa”, pode ler-se na descrição da exposição.

Tal como a música de Wonder, também o cinema de Pedro Costa mergulha em zonas profundas da condição humana, equilibrando a contemplação estética com uma clara consciência social.

Um universo singular em exposição

A mostra “Innervisions” inclui não só excertos dos filmes de Pedro Costa, mas também instalações, fotografias e materiais inéditos, num mergulho sensorial no seu universo criativo. Estarão em destaque as personagens, lugares e ambientes que marcaram a sua obra — com especial destaque para a Fontainhas, bairro lisboeta que o realizador eternizou com uma sensibilidade única.

Simultaneamente, a sala de cinema do museu exibirá filmes selecionados pelo próprio Pedro Costa, assim como uma retrospetiva integral da sua filmografia, que tem sido redescoberta por novas gerações em todo o mundo.

Portugal no grande ecrã japonês

Em antecipação à exposição, algumas das principais salas de cinema do Japão — em Tóquio, Osaka, Nagoya e Kyoto — começaram já a exibir versões restauradas de “O Sangue” (1989), “Casa de Lava” (1994) e “Ossos” (1997). Obras que mostram o percurso singular de um autor que nunca abdicou da sua linguagem própria, entre o realismo e o onírico.

Pedro Costa, nascido em Lisboa em 1959, é um cineasta profundamente ligado às margens, não só sociais, mas também estéticas. Formado na Escola Superior de Teatro e Cinema, começou por trabalhar como assistente de Jorge Silva Melo e João Botelho, antes de assinar obras que hoje figuram entre os grandes marcos do cinema europeu contemporâneo, como Vitalina Varela (vencedor do Leopardo de Ouro em Locarno), Juventude em Marcha ou Ne Change Rien.

Um autor português de culto… em ascensão mundial

Com exibições e retrospectivas em museus de referência como o Centro Pompidou (França) ou o Museu de Arte Contemporânea de Serralves, Pedro Costa tem vindo a expandir o alcance do seu trabalho muito para além do circuito cinematográfico tradicional. Innervisions, no Japão, representa mais um passo na consolidação internacional de um autor que, com voz própria e estética rigorosa, continua a emocionar e a desafiar públicos um pouco por todo o mundo.

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“Chá Preto”: O Romance Que Se Serve Quente na Nova Jóia de Abderrahmane Sissako ☕💔

Estreia no Filmin o novo filme do realizador nomeado ao Óscar, um drama sensorial sobre amor, cultura e… bules de chá?

Preparem a chaleira e deixem o coração ferver: Chá Preto (Black Tea, no original) acaba de estrear no catálogo da Filmin e promete ser uma das experiências cinematográficas mais aromáticas do ano. Realizado por Abderrahmane Sissako, o cineasta mauritano nomeado ao Óscar por Timbuktu, este novo trabalho é um convite a saborear o amor com a delicadeza de um ritual ancestral.

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Mas não se deixem enganar pela doçura do título — este Chá Preto vem carregado de notas fortes: desejo, identidade, pertença e escolhas difíceis. Tudo servido com a sensibilidade poética a que Sissako já nos habituou.

Amor (quase) proibido entre porcelana e tradição

O filme conta a história de Aya, uma mulher da Costa do Marfim que rompe com o seu casamento arranjado e viaja para a cidade chinesa de Guangzhou. Ali, começa a trabalhar numa loja de chá pertencente a Cai, um homem reservado e solitário. O que se segue é uma delicada dança de aproximação, num espaço onde a tradição chinesa e a herança africana se encontram — entre bules, infusões e silêncios carregados de significado.

Sissako usa o universo do chá como metáfora visual e sensorial para explorar o amor, a migração e o confronto (ou fusão) entre culturas. O romance entre Aya e Cai desenvolve-se lentamente, com a mesma paciência com que se prepara um bom chá — e com a mesma intensidade no sabor final.

Um filme que se vê com os sentidos

Visualmente deslumbrante, com uma paleta quente e uma mise-en-scène cuidada, Chá Preto é cinema que apela aos sentidos. Cada cena parece pensada para nos fazer sentir o aroma da infusão, o calor das mãos em redor da chávena, o peso da memória e do desejo.

É também um filme sobre escuta — entre pessoas, entre culturas, entre silêncios. Com interpretações contidas mas profundamente humanas, Sissako cria um universo onde os gestos mais pequenos carregam a força de uma revolução interior.

Entre o realismo e a fábula

Apesar do seu enraizamento em temas sociais reais — migração, racismo, solidão — Chá Preto nunca se torna panfletário. Antes, aproxima-se da fábula, sem nunca perder a ligação à realidade. Como em Timbuktu, há uma elegância na forma como o realizador filma a dor e a beleza do mundo.

É um romance, sim. Mas também é um filme sobre resistência, escolhas e encontros improváveis. Um lembrete de que o amor pode nascer mesmo nos lugares mais inesperados — como uma loja de chá, numa cidade onde ninguém parece falar a mesma língua.

Uma estreia discreta, um impacto profundo

A estreia discreta em plataformas como o Filmin não deve enganar ninguém: Chá Preto é um dos grandes filmes do ano. Uma obra que merece ser descoberta com tempo, atenção e um coração aberto. E, claro, com uma chávena de chá na mão.

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Um Monge, Uma Espingarda e Muitas Surpresas: A Joia Nepalesa Chegou ao FilmIn 🎥

“O Monge e a Espingarda” mistura espiritualidade, acção e humor com um toque de Wes Anderson… nos Himalaias

Preparem-se para uma das experiências cinematográficas mais inesperadas e deliciosamente originais do ano: O Monge e a Espingarda (The Monk and the Gun), de Pawo Choyning Dorji, já está disponível no FilmIn Portugal. E se o nome do realizador vos soa familiar, é porque o seu anterior filme Lunana: A Yak in the Classroom foi nomeado ao Óscar de Melhor Filme Internacional em 2022. Agora, o cineasta do Butão volta a surpreender com esta obra singular que combina política, espiritualidade e… armas de fogo.

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Uma sátira budista no coração do Himalaia

Ambientado em 2006, o filme acompanha um pequeno vilarejo butanês prestes a realizar eleições democráticas pela primeira vez. Mas o centro da narrativa é um velho monge que acredita que, para restaurar o equilíbrio cósmico, precisa de obter duas armas de fogo — e depressa. O insólito pedido desencadeia uma cadeia de eventos que vai envolver candidatos ambiciosos, turistas americanos apaixonados por armamento e uma população que mal compreende o que é o voto secreto.

À semelhança de Lunana, o realizador continua a explorar as tensões entre tradição e modernidade, mas aqui fá-lo com um tom mais satírico e mordaz, sem nunca perder a ternura pelas suas personagens. O resultado é uma espécie de dramedy transcendental, onde o absurdo do mundo moderno colide com a sabedoria ancestral do Budismo.

Uma fábula moderna com cheiro a Mosteiro

Rodado com paisagens deslumbrantes do Butão e um elenco de não-profissionais que conferem autenticidade tocante à história, O Monge e a Espingarda é um daqueles filmes que dificilmente se esquece. É ao mesmo tempo uma crítica subtil à globalização, uma reflexão sobre a fé, uma comédia política e uma fábula sobre escolhas — tudo embrulhado num ritmo contemplativo, mas pontuado por momentos de inesperada acção e ironia.

Não esperem tiroteios à Tarantino (apesar do título), mas sim uma abordagem cheia de simbolismo, humor e compaixão budista — o tipo de filme que poderia sair da mente de Wes Anderson se este trocasse os cenários coloridos de Paris pelos vales de Paro.

Uma estreia discreta… mas obrigatória

Depois de ter passado por festivais como Telluride, Toronto e Berlim, O Monge e a Espingarda chegou silenciosamente ao FilmIn, onde aguarda agora por espectadores curiosos, pacientes e dispostos a mergulhar num universo que raramente vemos no grande ecrã.

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Para quem procura cinema que desafia convenções, que mistura géneros com elegância e que nos obriga a pensar com um sorriso nos lábios, esta é uma paragem obrigatória. Como o próprio filme sugere, às vezes é preciso um monge e uma espingarda para nos lembrar que o mundo pode ser absurdo, mas também cheio de sentido.

“Bruno Reidal”: Um Retrato Sombrio da Mente de um Assassino Chega ao Filmin 🧠🩸

Estreou agora no Filmin aquele que é um dos filmes mais perturbadores e intelectualmente exigentes do cinema francês recente. “Bruno Reidal – Confissão de um assassino”, primeira longa-metragem de Vincent Le Port, baseia-se num caso real que chocou França no início do século XX e promete deixar os espectadores com o estômago às voltas e a mente em ebulição.

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Aclamado em festivais internacionais e elogiado pela crítica pelo rigor psicológico e estilístico, este filme não é uma simples obra criminal. É uma imersão profunda no abismo da psicopatia, um estudo de personagem rigoroso e inquietante, e, acima de tudo, uma reflexão sobre a origem do mal.

Baseado em factos reais: o caso de Bruno Reidal

Corria o ano de 1905 quando Bruno Reidal, um jovem seminarista de 17 anos, cometeu um crime brutal: assassinou e decapitou um rapaz de 12 anos numa floresta do sul de França. Após se entregar à polícia, o jovem escreveu, por sugestão dos psiquiatras que o avaliaram, uma longa e meticulosa confissão autobiográfica, onde tentava explicar — ou pelo menos entender — os motivos do seu gesto.

É precisamente esse documento real que serve de base ao argumento do filme. A narrativa acompanha, em forma de flashbacks clínicos, a infância, a adolescência e os conflitos interiores de Bruno, guiando-nos pelos labirintos da sua sexualidade reprimida, da sua obsessão com a morte e da sua angústia existencial.

Um exercício cinematográfico frio… e fascinante

“Bruno Reidal” não é um filme fácil, nem pretende ser. Com uma estética austera, montagem precisa e fotografia que quase parece querer esconder as emoções, o realizador Vincent Le Port convida o espectador a olhar, quase como um médico-legista da alma, para o processo de desumanização que levou Bruno ao homicídio.

O jovem ator Dimitri Doré entrega uma performance absolutamente magnética e assustadora — uma mistura de fragilidade e intensidade que transforma cada cena num campo minado de inquietação. O seu Bruno é simultaneamente vítima e monstro, produto do meio e aberração individual, despertando no espectador mais questões do que certezas.

Uma experiência cinematográfica para espíritos fortes

A exibição de “Bruno Reidal” no Filmin representa uma excelente oportunidade para quem procura cinema que vá além do entretenimento. Aqui não há soluções fáceis, nem catarse moral: há apenas a inquietante possibilidade de olhar de frente para aquilo que a sociedade prefere esquecer — a violência fria, o desejo inconfessável, o peso do silêncio familiar e religioso.

É uma obra que convida ao debate, seja em torno da psiquiatria forense, da repressão sexual em contextos religiosos, ou da própria natureza do mal.

Já disponível no Filmin

“Bruno Reidal – Confissão de um assassino” já está disponível na plataforma Filmin, com legendas em português. É um daqueles filmes que nos deixam sem fôlego — não por excesso de ação, mas pela intensidade psicológica e ética do que se está a ver.

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Para quem gosta de cinema que desafia, que incomoda e que nos obriga a pensar para além dos créditos finais, este é, sem dúvida, um visionamento obrigatório. Prepare-se. E veja com tempo.

Tesouro Cinematográfico: 32 filmes de Ingmar Bergman restaurados chegam ao streaming em Portugal 🎥✨

Obras inéditas do mestre sueco estreiam-se finalmente no nosso país — e sem precisar sair do sofá

Se o cinema é uma forma de arte, então Ingmar Bergman é um dos seus pintores mais profundos, meticulosos e intensos. Agora, pela primeira vez, grande parte da sua obra vai estar disponível — legalmente e em versão restaurada — para o público português. E não é numa sala escura de cinema, mas sim no conforto do lar.

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A partir desta quinta-feira, a plataforma Filmin estreia 32 filmes de Ingmar Bergman, muitos deles inéditos no circuito comercial português, numa coleção cuidadosamente restaurada que promete fazer as delícias de cinéfilos e curiosos. A iniciativa é mais do que uma estreia: é uma reparação histórica.

Bergman em todo o seu esplendor (e angústia)

Entre os títulos mais conhecidos da coleção estão alguns dos clássicos imortais do sueco: Mónica e o Desejo (1953), O Sétimo Selo (1957), Morangos Silvestres (1957), A Hora do Lobo (1968), Lágrimas e Suspiros (1972), Cenas da Vida Conjugal (1973), A Flauta Mágica (1975) e o majestoso Fanny e Alexandre (1982).

Mas o verdadeiro trunfo está nas raridades: filmes que, apesar do prestígio internacional de Bergman, nunca chegaram a ser exibidos comercialmente em Portugal. Entre eles, destacam-se Cidade Portuária (1948), A Sede (1949), Mulheres que Esperam (1952) e Depois do Ensaio (1984). Para os mais aficionados, isto é equivalente a encontrar um manuscrito perdido de Shakespeare numa arrecadação.

Um olhar íntimo sobre o génio

Para complementar esta maratona bergmaniana, a Filmin disponibiliza ainda o documentário Ingmar Bergman – A Vida e Obra do Génio (2018), realizado por Margarethe von Trotta. Nesta homenagem íntima e informada, von Trotta percorre os lugares simbólicos da vida e carreira do realizador — da Suécia à França e Alemanha — e junta testemunhos de colaboradores, familiares e realizadores da nova geração influenciados pelo seu legado.

Com excertos emblemáticos, reflexões sobre os temas obsessivos da sua obra (a morte, a fé, o silêncio de Deus, o amor, a crise conjugal…), o documentário é a porta de entrada ideal para quem ainda não se aventurou pelos labirintos psicológicos e existenciais de Bergman.

Um mestre eterno

Ingmar Bergman (1918–2007) realizou 41 longas-metragens, 12 curtas e centenas de peças de teatro. Morreu com 89 anos na ilha báltica de Fårö, que tão frequentemente serviu de cenário para os seus filmes — um local que ele transformou num território mental, cinematográfico e espiritual.

Se nunca viu O Sétimo Selo, agora é a altura certa para conhecer a morte mais icónica da história do cinema. Se já viu, talvez esteja na hora de descobrir Mulheres que Esperam ou Cidade Portuária, títulos que agora finalmente chegam a Portugal — ainda que com décadas de atraso.

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Mas como bem nos ensinou Bergman, nunca é tarde demais para encarar os fantasmas — ou o génio.

“Red Rooms”: Obsessão, True Crime e a Dark Web no thriller que vai perturbar os nossos ecrãs

Estreia a 26 de Junho em Portugal o perturbador e fascinante filme de Pascal Plante, que já está a dar que falar entre os amantes de true crime e cinema psicológico.

🩸 Se alguma vez se perguntou até onde pode ir o fascínio pelo true crime, Red Rooms promete responder… da forma mais desconfortável possível. O novo filme do canadiano Pascal Plante, que estreia nas salas portuguesas a 26 de Junho, é um thriller psicológico afiado como uma lâmina, que desmonta — e questiona — a nossa obsessão moderna com os monstros da realidade.

O que se esconde por trás do fascínio pelo horror real?

Em Red Rooms, seguimos Kelly-Anne (brilhantemente interpretada por Juliette Gariépy), uma modelo de comportamentos metódicos e uma vida à superfície irrepreensível. Mas, nos bastidores da sua rotina glamorosa, esconde-se um interesse doentio: Kelly-Anne é absolutamente obcecada pelo julgamento de Ludovic Chevalier, um homem acusado de ser um dos assassinos em série mais sádicos da história recente do Canadá — o chamado Demónio de Rosemont — que gravou os assassinatos das suas vítimas e, alegadamente, os difundiu na dark web.

Kelly-Anne assiste religiosamente às sessões de julgamento, lado a lado com Clémentine (Laurie Babin), uma adolescente que partilha a mesma obsessão mórbida. Juntas, vão descer lentamente ao inferno de um voyeurismo digital sem limites, procurando a peça em falta: o vídeo desaparecido de um dos assassinatos, uma prova macabra que poderá condenar — ou redimir — Ludovic.

Um thriller elegante e gélido que deixa cicatrizes

Pascal Plante constrói o filme como uma cirúrgica reflexão sobre a sociedade contemporânea. Red Rooms não é só sobre serial killers — é sobre quem os venera, quem os mitifica e quem, por detrás de um ecrã ou de uma fachada socialmente aceitável, consome o horror como entretenimento. O filme dialoga com fenómenos como os documentários da Netflix, os podcasts de true crime e a estética dos fóruns mais obscuros da internet.

Mas, mais do que julgar, Red Rooms observa. Com uma realização minimalista, fria e precisa, Pascal Plante encena o desequilíbrio emocional de Kelly-Anne como um thriller de câmara lenta: inquietante, mas hipnotizante.

A dark web como espelho do nosso pior

Com referências assumidas a obras como The Poughkeepsie Tapes, Zodiac ou mesmo Nightcrawler, Red Rooms mergulha nas profundezas daquilo que a internet permite — e daquilo que cada um de nós é capaz de fazer quando o ecrã se fecha.

E se é verdade que “todos os assassinos em série têm os seus admiradores”, então este filme é o alerta vermelho que nos faz olhar ao espelho. Que voyeurismos cultivamos? Que verdades preferimos ignorar?

A resposta chega a 26 de Junho, e garantimos: vai dar que falar.

🎬 “Red Rooms”, de Pascal Plante

🗓️ A patir de 26 de Junho no Filmin

🎭 Com: Juliette Gariépy, Laurie Babin, Maxwell McCabe-Lokos

Em Busca da Quimera: Josh O’Connor Brilha Num Poético Assalto ao Passado e à Alma 💎🎥

Alice Rohrwacher assina um filme mágico sobre aquilo que todos procuramos mas nunca encontramos

Há filmes que se vêem com os olhos, outros com o coração. La Chimera, da realizadora italiana Alice Rohrwacher, pertence ao segundo grupo — uma obra melancólica, terrosa e encantada sobre perdas, luto, beleza e a eterna procura de algo que talvez não exista. Josh O’Connor, o actor britânico que brilhou recentemente em Challengers, dá corpo (e alma) a um salteador arqueológico que escava muito mais do que túmulos. Escava o passado. E a sua própria dor.

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Um arqueólogo fora da lei, mas dentro da poesia

O filme situa-se na Itália dos anos 80, onde Arthur (O’Connor), um arqueólogo britânico de passado misterioso, junta-se a um grupo de “tombaroli” — saqueadores de túmulos etruscos — que procuram artefactos para vender no mercado negro. Mas o que move Arthur não é apenas ganância. É a ausência. A perda de Beniamina, o grande amor da sua vida. A sua quimera.

Enquanto os companheiros de crime procuram objectos de valor, Arthur parece escavar obsessivamente na esperança de encontrar algo intangível: um vestígio, um sinal, uma ligação ao que perdeu. A câmara de Rohrwacher, sempre sensível ao mundo rural, às tradições e à fantasia do quotidiano, capta tudo com uma leveza quase mágica, como se estivéssemos num sonho filmado em película desgastada pelo tempo.

Um filme que flutua entre o real e o imaginário

Alice Rohrwacher — autora de As Maravilhas e Lazzaro Felice — volta a mostrar que ninguém filma como ela as margens da Itália: as casas em ruínas, as festas populares, os rostos marcados e os rituais perdidos. Mas aqui vai mais longe, misturando elementos mitológicos com um tom quase de fábula — sem nunca perder o pé no mundo real.

Há humor (muito, aliás), mas também uma tristeza profunda, quase mineral, que atravessa o filme como uma corrente subterrânea. As personagens secundárias — entre elas uma velhinha encantadora interpretada por Isabella Rossellini — ajudam a criar um universo excêntrico, mas de uma humanidade desarmante.

Josh O’Connor: um actor com alma antiga

É impossível falar de La Chimera sem destacar a interpretação de Josh O’Connor. O seu Arthur é contido, ferido, distante — e, ainda assim, magnético. Há nele algo de santo e de ladrão, de arqueólogo e de fantasma. Com um sotaque italiano vacilante (propositado), o actor parece sempre deslocado, como alguém que vive entre dois mundos — o dos vivos e o dos mortos, o do presente e o da memória.

Depois de papéis marcantes em The Crown e no recente sucesso Challengers, esta é talvez a sua interpretação mais delicada e madura. Um homem a quem falta algo — e que decide procurar esse algo nos lugares mais improváveis.

A quimera somos todos nós

O título do filme, claro, remete para a criatura mitológica feita de partes incompatíveis. Mas também para o conceito de um desejo impossível. E é isso que Rohrwacher nos mostra com mestria: que todos temos uma quimera. Algo que perdemos, algo que queremos, algo que talvez nunca tenha existido.

O Regresso de Henrique Galvão ao Cinema: “Palácio do Cidadão” Brilha em Cannes com Estreia Mundial 🎬🇵🇹

La Chimera é uma carta de amor ao que está perdido — no solo, no tempo e no coração. Um filme sobre a beleza da busca, mesmo quando não há nada para encontrar.

🍂 Folhas Caídas: Uma História de Amor com Vodka e Melancolia Estreia na Filmin

Chega este mês à Filmin Portugal uma daquelas pérolas cinematográficas que não aparecem todos os dias. Chama-se Folhas Caídas (Kuolleet lehdet, no original finlandês) e é assinada por Aki Kaurismäki, um dos mais singulares e acarinhados realizadores do cinema europeu. 🎬

Aclamado em Cannes, onde venceu o Prémio do Júri, o filme foi desde logo apontado como uma obra-prima discreta, comovente e irresistivelmente humana. Um retrato de duas almas solitárias a tentarem encontrar-se num mundo frio — em todos os sentidos.

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Um Amor Tímido, Mas Profundo

Folhas Caídas conta a história de Ansa e Hollapa, dois trabalhadores precários da Helsínquia contemporânea que se conhecem por acaso numa noite aparentemente banal. Ela trabalha num supermercado, ele num estaleiro — dois destinos cruzados pelo acaso e pela solidão.

A partir deste encontro, Aki Kaurismäki constrói um romance minimalista, com diálogos curtos, silêncios longos e gestos contidos, mas com uma carga emocional esmagadora. O resultado é um filme onde o que não se diz pesa tanto como o que se diz — e onde cada olhar vale mais do que mil palavras.

Entre tragos de vodka e sorrisos envergonhados, os protagonistas tentam construir algo juntos. Algo simples, mas precioso: um lugar onde possam finalmente pertencer.

Kaurismäki no Seu Melhor

Com uma carreira marcada por obras como O Homem Sem Passado, Luzes na Escuridão ou Le Havre, Kaurismäki volta aqui à sua essência: personagens melancólicos mas cheios de dignidade, uma estética vintage encantadoramente anacrónica, e um humor seco que se insinua quando menos se espera. 🥃

A fotografia é sóbria mas belíssima, a banda sonora alterna entre fado finlandês e rock à antiga, e o ritmo pausado convida à contemplação. É cinema como já se faz pouco — e como tanta falta faz.

Como escreveu um crítico francês após a estreia em Cannes: “Kaurismäki filma como se o mundo estivesse sempre prestes a acabar… mas ainda assim vale a pena amar.” 💔❤️

Um Filme para Sentir — e Repetir

Folhas Caídas não grita, não chora, não dramatiza. Limita-se a existir — e a mostrar-nos que, por vezes, isso é tudo o que é preciso. É um filme para quem gosta de cinema com alma, com tempo e com ternura. Um verdadeiro antídoto para o ruído e o cinismo que tantas vezes dominam os ecrãs.

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📅 Já disponível na Filmin Portugal, esta é uma estreia imperdível para quem valoriza as pequenas grandes histórias. E para quem ainda acredita que, mesmo entre as ruínas, é possível encontrar amor.

Nas Sombras: a Nova Série Política da Filmin Inspirada por um Ex-Primeiro-Ministro Francês

Estreia já na próxima terça-feira, 15 de abril, na plataforma Filmin, uma série que promete lançar luz sobre os bastidores mais obscuros do poder político. Chama-se Nas Sombras (Dans l’Ombre), e é inspirada no romance homónimo coassinado por ninguém menos que Édouard Philippe, antigo primeiro-ministro de França, e o eurodeputado Gilles Boyer.

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Se é fã de intrigas políticas, manipulação nos corredores do poder e dilemas morais nos bastidores das campanhas, esta é uma série que vai querer ver com atenção. E talvez com um bloco de notas na mão. 📝

Política, Ambição… e Conspiração

A trama de Nas Sombras gira em torno de César Casalonga, um assessor político profundamente leal ao seu chefe, Paul Francoeur, um candidato presidencial em ascensão. Após uma vitória decisiva nas primárias do seu partido — derrotando a rival Marie-France Trémeau — tudo parece correr como o previsto. Mas a aparente vitória é abalada por uma chamada anónima: alguém afirma que as primárias foram… manipuladas. 😮

É neste momento que o mundo de César começa a desabar. Entre dúvidas, conspirações e uma teia de interesses que se torna cada vez mais densa, o espectador é convidado a mergulhar na realidade muitas vezes invisível do jogo político — aquela que acontece longe dos microfones, dos palcos e dos slogans.

Da Direita à Ficção

Embora o livro original não tenha uma afiliação partidária clara, para a adaptação televisiva Gilles Boyer defendeu que era importante situar a narrativa num contexto político concreto. O universo escolhido foi o da direita francesa — mas com um subtexto mais amplo: a ideia de que a velha divisão entre esquerda e direita, embora esbatida, ainda não desapareceu por completo. 🗳️

A série segue assim os passos de outras produções políticas francesas como Baron Noir, mas com uma abordagem própria e com um elenco e realização pensados para elevar o drama político a novos patamares.

“Uma Série Louca”, Diz o Realizador 🎬

O realizador Pierre Schoeller, conhecido por filmes como L’Exercice de l’État, sublinha que esta não é uma recriação realista da política francesa atual. “Penso que é uma série bastante louca e com elementos irrealistas”, comentou. O que não significa que falte autenticidade emocional. Pelo contrário, Schoeller reforça que a ficção permite aproximar os cidadãos da realidade política — não pelo caminho do realismo seco, mas sim pela exploração das motivações, das contradições e da humanidade de quem vive da política.

E esse poderá ser o maior trunfo de Nas Sombras: não pretende julgar, mas sim mostrar — e deixar que cada espectador tire as suas próprias conclusões. 🤔

Uma Nova Visão Sobre o Poder

Com estreia marcada para 15 de abril na Filmin, Nas Sombras oferece uma viagem intensa ao interior da “máquina política”, com todos os seus jogos de bastidores, manobras de poder e dilemas éticos. E, tal como na política real, as aparências são frequentemente ilusórias — e os aliados, nem sempre leais.

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Se gosta de narrativas tensas e inteligentes, de personagens complexas e de séries que não tratam o espectador como ingénuo, então esta produção francesa pode muito bem tornar-se o seu novo vício de primavera. 🇫🇷📺

🎬 5 Filmes Imperdíveis Para Ver em Streaming em Portugal: Excelência Garantida pela Crítica

Com tantas opções disponíveis nas plataformas de streaming, escolher o próximo filme pode ser uma tarefa complicada. Para facilitar a decisão, reunimos cinco filmes que não só estão disponíveis em Portugal, como também contam com pontuações impressionantes no IMDb e no Metacritic. Esta lista abrange géneros variados e representa o melhor que o cinema tem oferecido nos últimos anos — todos com o selo de aprovação da crítica especializada.

1. Oppenheimer

📺 Disponível em Sky ShowTime e TV Cine e disponível para aluguer em Amazon Prime Video e Apple TV

⭐ IMDb: 8.4

🟢 Metacritic: 88

Christopher Nolan assina uma das suas obras mais ambiciosas com Oppenheimer, um retrato intenso e complexo de J. Robert Oppenheimer, o pai da bomba atómica. O filme não é apenas um biopic; é uma reflexão profunda sobre ciência, moralidade e responsabilidade histórica. Cillian Murphy brilha num papel que lhe valeu o Óscar de Melhor Ator, e o filme em si conquistou sete Óscares, incluindo Melhor Filme e Melhor Realização.

A crítica foi unânime: o filme é visualmente deslumbrante, narrativamente desafiante e intelectualmente estimulante. O New York Times chamou-lhe “um dos épicos históricos mais densos e impactantes dos últimos tempos”, enquanto a Variety o classificou como “um triunfo cinematográfico”.

2. Dune: Parte Dois

📺 Disponível no HBO Max

⭐ IMDb: 8.8

🟢 Metacritic: 79

A tão aguardada continuação da saga de Denis Villeneuve aprofunda o universo de Arrakis e mergulha o público num épico de escala colossal. Dune: Parte Dois mistura intriga política, guerra e profecia num enredo arrebatador com visuais de cortar a respiração. Timothée Chalamet e Zendaya lideram um elenco que foi amplamente elogiado pela entrega emocional e intensidade dramática.

A crítica reconheceu a maturidade narrativa do filme em relação à primeira parte, elogiando especialmente a forma como Villeneuve conjuga espectáculo visual com profundidade temática. Para a Empire, “é ficção científica da mais alta ordem: desafiante, visualmente deslumbrante e emocionalmente gratificante”.

3. Mad Max: Estrada da Fúria

📺 Disponível na Netflix e HBO Max

⭐ IMDb: 8.1

🟢 Metacritic: 90

George Miller regressou em força com esta reinvenção moderna da sua icónica saga. Mad Max: Estrada da Fúria é um verdadeiro turbilhão de ação, adrenalina e metáforas ambientais, com Charlize Theron a roubar a cena como a inesquecível Imperator Furiosa. O filme venceu seis Óscares e foi aclamado como uma das melhores produções de ação do século XXI.

O The Guardian descreveu-o como “uma explosão de criatividade visual e narrativa rara num blockbuster”, enquanto a Rolling Stone destacou a “ousadia artística e a intensidade dramática” como traços diferenciadores.

4. Clonaram o Tyrone (They Cloned Tyrone)

📺 Disponível na Netflix

⭐ IMDb: 6.7

🟢 Metacritic: 75

Uma comédia de ficção científica com comentários sociais bem vincados, Clonaram o Tyrone apresenta um trio improvável que descobre uma conspiração governamental nas suas ruas. Com Jamie Foxx e John Boyega, o filme mistura humor, crítica racial e teorias da conspiração num tom que recorda obras como Get Out.

A crítica elogiou o equilíbrio entre sátira e entretenimento, com destaque para a originalidade do argumento e o estilo retro-futurista da realização. O IndieWire escreveu: “É raro ver um filme que consegue ser tão provocador quanto divertido – este acerta em cheio.”

5. A Grande Ambição (La Grande Ambizione)

📺 Disponível na Netflix

⭐ IMDb: 7.3

🟢 Metacritic: Ainda sem avaliação oficial

Este drama político italiano retrata a ascensão e queda de Enrico Berlinguer, uma das figuras centrais do Partido Comunista Italiano no século XX. Elio Germano lidera o elenco com uma performance poderosa, mergulhando nas contradições e dilemas ideológicos de uma época turbulenta.

Apesar de menos mediático, o filme conquistou aclamação em festivais internacionais. A Cineuropa destacou “a sensibilidade com que o realizador Andrea Segre retrata a tensão entre ideais e pragmatismo político”. Uma escolha ideal para quem procura cinema europeu com conteúdo e contexto histórico.

Conclusão

Estes cinco filmes representam o que de melhor se pode ver hoje nas plataformas de streaming disponíveis em Portugal. Seja pela profundidade emocional de Oppenheimer, o impacto visual de Dune: Parte Dois, ou a energia frenética de Mad Max, todos eles foram aclamados pela crítica e oferecem experiências cinematográficas ricas e inesquecíveis.

Critics Choice Awards 2025: “Shōgun” Lidera Nomeações e Novas Séries Ganham Destaque

Os Critics Choice Awards 2025, uma das cerimónias mais prestigiadas da indústria televisiva e cinematográfica, anunciaram os seus nomeados para a categoria de televisão. Este ano, a liderança vai para “Shōgun”, aclamada série da FX/Disney+, com um total de seis nomeações, incluindo Melhor Série de Drama, Melhor Ator (Hiroyuki Sanada), Melhor Atriz (Anna Sawai), Melhor Ator Secundário (Tadanobu Asano e Takehiro Hira) e Melhor Atriz Secundária (Moeka Hoshi).

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Destaques da Lista de Nomeados

O reconhecimento estende-se a novas séries como “The Penguin”, “The Day of the Jackal”, “Professor de Inglês” e “Disclaimer”, que competem lado a lado com veteranas como “Abbott Elementary”, “Hacks”, “A Diplomata” e “What We Do in the Shadows”.

Enquanto isso, produções como “The Bear” e “Foi Sempre a Agatha” garantiram apenas uma nomeação cada, mostrando a competitividade desta edição.

Cerimónia e Anúncios Futuros

Os vencedores serão revelados numa cerimónia marcada para 12 de janeiro, em Los Angeles, que também incluirá a entrega dos prémios de cinema. As nomeações para estas categorias serão anunciadas a 12 de dezembro, prometendo ainda mais surpresas e grandes disputas entre produções de peso.

Lista Completa dos Nomeados

Melhor Série de Drama

• “The Day of the Jackal” (SkyShowtime)

• “A Diplomata” (Netflix)

• “Evil” (SkyShowtime)

• “Industry” (Max)

• “Interview with the Vampire” (AMC)

• “The Old Man” (FX / Disney+)

• “Shōgun” (FX / Disney+)

• “Slow Horses” (Apple TV+)

Melhor Ator em Série de Drama

• Jeff Bridges – “The Old Man” (FX / Disney+)

• Ncuti Gatwa – “Doctor Who” (Disney+)

• Eddie Redmayne – “The Day of the Jackal” (SkyShowtime)

• Hiroyuki Sanada – “Shōgun” (FX / Disney)

• Rufus Sewell – “A Diplomata” (Netflix)

• Antony Starr – “The Boys” (Amazon Prime Video)

Melhor Atriz em Série de Drama

• Caitriona Balfe – “Outlander” (Starz / Netflix)

• Kathy Bates – “Matlock” (CBS)

• Shanola Hampton – “Found” (NBC)

• Keira Knightley – “Black Doves” (Netflix)

• Keri Russell – “A Diplomata” (Netflix)

• Anna Sawai – “Shōgun” (FX / Disney+)

Melhor Série de Comédia

• “Abbott Elementary” (Disney+)

• “Hacks” (HBO | Max)

• “Homicídios ao Domicílio” (Disney+)

• “Nobody Wants This” (Netflix)

• “Professor de Inglês” (FX / Disney+)

• “Somebody Somewhere” (Max)

• “St. Denis Medical” (NBC)

• “What We Do in the Shadows” (FX / Disney+)

Melhor Minissérie

• “Baby Reindeer” (Netflix)

• “Disclaimer” (Apple TV+)

• “Masters of the Air” (Apple TV+)

• “Mr Bates vs the Post Office” (PBS)

• “The Penguin” (Max)

• “Ripley” (Netflix)

• “True Detective: Night Country” (Max)

• “We Were the Lucky Ones” (Disney+)

Para consultar a lista completa de nomeados, visite o site oficial dos Critics Choice Awards.

“Shōgun”: A Grande Favorita

A adaptação do clássico de James Clavell, disponível no Disney+ em Portugal, reafirma o seu estatuto como um dos maiores sucessos televisivos do ano. As suas nomeações refletem o impacto global da série, que combina narrativa histórica com um elenco brilhante, liderado por Hiroyuki Sanada e Anna Sawai.

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Festival “Triste Para Sempre”: O Cinema Como Reflexão da Tristeza

Lisboa acolhe a quinta edição do Festival de Cinema Triste Para Sempre, um evento único dedicado a explorar a complexidade da tristeza através da sétima arte. Entre os dias 12 e 15 de dezembro, o festival terá lugar no Cinema Fernando Lopes e na Sala Fórum Lisboa, prometendo momentos de introspeção e emoção com uma seleção de filmes que abordam a tristeza sob diferentes perspetivas.

Uma Celebração da Tristeza em Toda a Sua Complexidade

O festival, criado em 2019, nasceu da perceção de que a tristeza, apesar de ser um tema universal, raramente ocupa o centro das narrativas cinematográficas. Segundo a programadora Carolina Serranito, o evento pretende ir além das representações mais comuns da tristeza, como tragédias ou luto:

“A tristeza é uma coisa muito, muito complexa e muito vasta. Não é apenas tragédia, mas também saudade, isolamento ou até nostalgia.”

A quinta edição do Triste Para Sempre contará com uma mistura de curtas e longas-metragens, refletindo a diversidade de emoções e histórias associadas à tristeza.

Abertura e Encerramento: Duas Longas-Metragens de Destaque

Este ano, o festival abre com o documentário “Alma Ansiana”, de Helen Aschauer e Fábio Mota, que explora o quotidiano de idosos no Porto, Havana e Viena, oferecendo uma reflexão delicada sobre o envelhecimento e a solidão.

O encerramento será marcado pela animação “Os Demónios do Meu Avô”, de Nuno Beato, uma obra que combina emoção e fantasia para abordar questões de família e identidade.

Sessões Temáticas e Filmes de Destaque

As curtas-metragens são a alma do festival, organizadas em sessões temáticas que convidam o público a explorar diferentes facetas da tristeza. Entre os destaques estão:

• “Terras Fantásticas”, uma ode à fantasia, com filmes como “Era uma vez no apocalipse”, de Tiago Pimentel, e “Pai”, de Edgar Feldman.

• “Isolamento, Abandonamento e Exclusão”, que inclui obras como “Nobody”, de Marcela Jacobina, e “As Cores do Luto”, de Mariana Lima Mateus, explorando temas como luto e exclusão social.

Além disso, o festival aborda temas como o luto, dramas familiares, e o desafio de transitar da infância para a idade adulta, refletindo sobre rejeição e integração social.

Prémios e Reconhecimento

Como em edições anteriores, o festival atribuirá os prémios Lágrima Nacional e Lágrima Internacional, reconhecendo os filmes que melhor capturam a essência do evento. Para Carolina Serranito, o cinema português destaca-se na forma como explora narrativas tristes com sensibilidade, elevando o festival a um espaço de reflexão sobre a arte e a emoção.

Um Festival Que Convida à Reflexão

O Triste Para Sempre não é apenas um festival de cinema, mas também uma celebração da riqueza emocional e da capacidade do cinema para transformar a tristeza em arte. Entre a fantasia e o realismo, o evento oferece uma programação única que promete tocar profundamente o público.

Xavier Dolan Retorna ao Cinema Após Longa Pausa

O talentoso realizador canadiano Xavier Dolan, conhecido pelo seu trabalho em filmes como Mamã e Amores Imaginários, anunciou que está a preparar o seu regresso ao grande ecrã após uma pausa de seis anos. O realizador, que em 2022 expressou dúvidas sobre a sua continuidade na indústria cinematográfica, revelou no Festival Lumière, em Lyon, que já tem um argumento pronto e que pretende começar as filmagens em 2025.

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Descrito como um “enfant terrible” do cinema, Dolan marcou a última década com uma série de filmes aclamados, mas nos últimos anos tinha revelado uma profunda desmotivação em relação ao cinema e ao mundo, em parte devido às suas próprias desilusões profissionais, como foi o caso do filme A Minha Vida com John F. Donovan. Contudo, Dolan parece ter reencontrado a paixão pelo cinema com este novo projeto, que se passa em 1895 no ambiente das elites literárias de Paris. Segundo o realizador, será uma obra híbrida, misturando vários géneros, com elementos cómicos e momentos sombrios.

A pausa de Dolan incluiu uma incursão pela televisão com a série A Noite em que Logan Despertou, disponível na plataforma Filmin, mas este novo filme marcará o seu regresso ao formato cinematográfico que o tornou famoso. Durante o Festival Lumière, Dolan explicou que o argumento do novo filme está pronto, mas que só avançará com a rodagem quando sentir que o projeto está totalmente alinhado com a sua visão artística.

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Aos 35 anos, Dolan reflete sobre a sua evolução enquanto cineasta e como a sua visão do mundo tem influenciado o seu trabalho. Este próximo filme, previsto para estrear em 2026, será um marco importante no que parece ser o “segundo capítulo” da sua carreira.

A MESA DE CAFÉ: O FILME CHOCANTE QUE IMPRESSIONOU STEPHEN KING

Uma História de Terror e Crise

María e Jesús acabam de ser pais, mas a sua relação não está a atravessar o melhor momento. Envolvidos numa crise e enfrentando vários problemas, o casal decide comprar uma pequena mesa de café para a sala de jantar. No entanto, o que parecia ser uma simples aquisição transforma-se no seu pior pesadelo, tornando-se na pior decisão das suas vidas.

O Filme Espanhol Mais Premiado da Temporada

“A Mesa de Café” é, de longe, o filme espanhol mais premiado em festivais de cinema nesta temporada, acumulando mais de 40 prémios em todo o mundo. Entre as distinções, destacam-se o Prémio de Melhor Filme e o Prémio do Público no TerrorMolins, o Prémio de Melhor Filme no Festival de Cinema Fantástico de Bruxelas e o Prémio do Público na Semana de Cinema de Terror e Fantasia de San Sebastian.

Elogios de Stephen King

A popularidade de “A Mesa de Café” multiplicou-se depois de o próprio Stephen King, indiscutivelmente a maior figura mundial do género fantasia e terror, ter publicado uma mensagem nas suas redes sociais a elogiar o filme. King escreveu: “Acho que nunca, nem uma vez na vossa vida, viram um filme tão negro como este. É horrível e terrivelmente engraçado. É o sonho mais negro dos irmãos Coen.” Estas palavras, vindas do mestre do terror, catapultaram o filme para um novo nível de reconhecimento, transformando-o num fenómeno no Letterbox e IMDb.

Sucesso e Distribuição Internacional

Apesar do seu inegável êxito e do prestígio adquirido nos últimos meses graças ao boca a boca, “A Mesa de Café” enfrentava dificuldades em conseguir distribuição em Espanha e Portugal. No entanto, esta situação mudou, e o filme chegará em exclusivo à Filmin a 20 de Junho. Esta estreia é aguardada com grande expectativa pelos fãs de cinema, especialmente aqueles que apreciam o género de terror e fantasia.

Uma Experiência Única

“A Mesa de Café” promete ser uma experiência única e inesquecível para os espectadores, oferecendo uma mistura de terror e humor negro que tem encantado críticos e público ao redor do mundo. A capacidade do filme de combinar elementos de horror com situações humorísticas de forma eficaz é um dos fatores que contribuíram para o seu sucesso e reconhecimento.