O Mago do Kremlin: Um Thriller Político Que Nos Leva ao Centro do Poder Russo

Paul Dano e Jude Law protagonizam o novo filme de Olivier Assayas, que estreia a 12 de Março

Há filmes que chegam às salas como entretenimento. E há outros que chegam como radiografias de uma época. O Mago do Kremlin, realizado por Olivier Assayas, pertence claramente à segunda categoria. Inspirado no romance homónimo de Giuliano da Empoli, o filme estreia nos cinemas portugueses a 12 de Março, prometendo um mergulho vertiginoso nos bastidores do poder russo  .

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Assayas, vencedor do Prémio de Melhor Realização em Cannes e autor de obras como Wasp Network e Personal Shopper, adapta aqui um dos romances políticos mais relevantes dos últimos anos. O argumento, escrito em parceria com Emmanuel Carrère, transforma reflexão histórica e análise geopolítica num thriller denso, onde cada diálogo carrega implicações estratégicas.

A ascensão silenciosa de um estratega

A narrativa começa na Rússia do início dos anos 90, após o colapso da URSS. No meio do caos de um país em reconstrução surge Vadim Baranov, interpretado por Paul Dano, num registo contido mas profundamente magnético. Primeiro artista de vanguarda, depois produtor de um reality show, Baranov revela-se um estratega brilhante, capaz de compreender o poder da narrativa num mundo onde a política já não se faz apenas nos gabinetes, mas também nos ecrãs.

O seu percurso leva-o a tornar-se conselheiro informal de um ex-agente do KGB destinado a ascender ao poder absoluto — Vladimir Putin. É aqui que Jude Law assume uma das interpretações mais desafiantes da sua carreira, construindo um líder contido, quase impenetrável, cuja ambição se insinua mais nos silêncios do que nas palavras.

Entre os dois estabelece-se uma relação complexa, feita de cálculo, cumplicidade e tensão latente. Baranov torna-se o arquitecto da propaganda da nova Rússia, moldando discursos, percepções e fantasias colectivas. Mas à medida que o poder se consolida em torno do Kremlin, também se adensa a sensação de clausura.

Entre propaganda e humanidade

No contraponto surge Ksenia, interpretada por Alicia Vikander, figura que introduz uma dimensão humana e emocional num universo dominado por estratégia e manipulação. Representa a possibilidade de fuga — não apenas geográfica, mas moral. É através dela que o filme questiona até que ponto a proximidade do poder corrói as convicções individuais.

Tom Sturridge e Jeffrey Wright completam um elenco sólido que sustenta esta engrenagem política, onde desejo, ambição e desilusão coexistem num equilíbrio frágil  .

Filmado em CinemaScope, o filme utiliza o espaço e a arquitectura como elementos dramáticos. Corredores amplos, salas imponentes e ambientes austeros reflectem visualmente a lógica de um poder que se expande e se fecha sobre si próprio. A escala histórica — três décadas decisivas da Rússia moderna — convive com uma abordagem intimista, focada nas fissuras psicológicas das personagens.

Um retrato inquietante da política contemporânea

Mais do que uma biografia encapotada, O Mago do Kremlin é uma reflexão sobre o papel da narrativa na construção da autoridade. O filme mostra como meios de comunicação social, propaganda e, mais recentemente, algoritmos, se tornam instrumentos essenciais na consolidação de regimes e na modelação da opinião pública  .

Assayas não procura respostas fáceis. Em vez disso, conduz o espectador por uma descida aos corredores obscuros do poder, onde a verdade se confunde com estratégia e onde cada palavra serve um objectivo maior. Quinze anos depois dos acontecimentos centrais, Baranov decide falar — mas o que revela apenas torna mais turva a fronteira entre ficção e realidade.

Num momento em que a política internacional continua a ser marcada por narrativas cuidadosamente construídas, o filme ganha uma pertinência inquietante.

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A 12 de Março, as salas portuguesas recebem um thriller político que não se limita a contar uma história: convida a reflectir sobre os mecanismos invisíveis que moldam o mundo contemporâneo.

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Jacob Elordi como 007 e Chloé Zhao na saga de Ethan Hunt? Para já, nada disso é verdade

O ciclo repete-se. Sempre que um grande franchise entra em fase de transição, surgem rumores, listas de favoritos e “informações exclusivas” que rapidamente se transformam em manchetes globais. Foi exactamente isso que aconteceu esta semana com dois dos maiores nomes do cinema de entretenimento: James Bond e Mission: Impossible.

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Durante dias, circularam relatos de que Jacob Elordi — conhecido por Euphoria e recentemente associado a grandes produções de estúdio — teria recebido uma proposta para interpretar o próximo 007. A ideia incendiou redes sociais e dividiu fãs: um actor australiano a assumir o papel do mais icónico agente secreto britânico?

No entanto, segundo o jornalista Jeff Sneider, essa informação não corresponde à realidade. A razão é simples e quase prosaica: não existe ainda um guião finalizado para o próximo filme de Bond. Sem argumento fechado, dificilmente haverá propostas formais ou decisões definitivas de casting.

Sneider acrescenta ainda que acredita que o papel deverá acabar nas mãos de um actor britânico, mantendo a tradição da saga. Entre os nomes mais referidos nos últimos meses surge Callum Turner, frequentemente apontado como favorito nas casas de apostas, mas também aqui não existe qualquer confirmação oficial.

Denis Villeneuve ainda está em Arrakis

Outro detalhe importante ajuda a contextualizar o momento actual da franquia: o realizador escolhido para o novo Bond, Denis Villeneuve, encontra-se ainda profundamente envolvido na produção de Dune: Parte Três. Só depois de concluir esse projecto deverá avançar para o universo 007.

Isto significa que o desenvolvimento do filme ainda está numa fase relativamente preliminar. Sem argumento fechado e com o realizador ocupado, qualquer decisão sobre o próximo James Bond parece, no mínimo, prematura.

No universo Bond, o silêncio estratégico faz parte da tradição. Mas isso não impede que a máquina de especulação continue a trabalhar a todo o vapor.

Também Mission: Impossible entra na dança dos rumores

A mesma vaga de especulação atingiu outra franquia de peso. Surgiram relatos de que Chloé Zhao, vencedora do Óscar por Nomadland e recentemente ligada ao drama histórico Hamnet, teria sido abordada para realizar o próximo capítulo de Mission: Impossible.

Também aqui Jeff Sneider foi claro: não há fundamento sólido para essa informação. O jornalista classificou o rumor como “altamente improvável”, apontando ainda reservas quanto à fiabilidade da fonte original.

Há também um factor industrial a considerar. A experiência de Zhao com grandes produções de estúdio em Eternals não foi consensualmente bem recebida, e a Paramount procura garantir que o próximo filme da saga protagonizada por Tom Cruise seja um verdadeiro acontecimento comercial. A escolha do realizador será, portanto, estratégica e cuidadosamente ponderada.

Hollywood entre expectativa e prudência

Tanto Bond como Mission: Impossible encontram-se num momento de transição. São propriedades valiosas, com públicos fiéis e expectativas elevadíssimas. Qualquer decisão criativa — seja na escolha do protagonista ou do realizador — terá impacto directo na identidade futura das sagas.

Por agora, o que existe são apenas hipóteses e especulação. O próximo 007 continua sem rosto oficial, e o futuro de Ethan Hunt ainda não tem realizador confirmado.

Num panorama mediático em que cada rumor ganha dimensão viral em poucas horas, talvez a maior novidade seja precisamente esta: nem tudo o que parece iminente está, de facto, a acontecer.

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E no cinema de grandes franquias, a paciência continua a ser uma virtude.

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Ted Sarandos garante 45 dias nas salas antes da chegada ao streaming

A possível aquisição da Warner Bros. Discovery pela Netflix continua a agitar a indústria — e uma das grandes questões prende-se com o futuro da janela de exibição cinematográfica. Agora, a gigante do streaming veio a público esclarecer: os filmes da Warner continuarão a ter pelo menos 45 dias nas salas antes de chegarem às plataformas on demand.

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A garantia foi dada por Ted Sarandos, co-CEO da Netflix, durante um episódio do podcast The Town. Segundo o executivo, a empresa não pretende “matar” o modelo tradicional de exibição, mas sim integrá-lo no seu ecossistema de negócios.

“Estamos a comprar um modelo de negócios, não a destruí-lo”, afirmou Sarandos, sublinhando que os filmes continuarão a passar pelas salas de cinema — durante 45 dias — antes de seguirem para o streaming.

45 dias… mas com nuances

A chamada “janela de 45 dias” tornou-se, nos últimos anos, um padrão da indústria após o abalo provocado pela pandemia. Antes de 2020, era comum que os filmes permanecessem cerca de 90 dias em exclusivo nas salas. O encurtamento desse prazo foi uma resposta às novas dinâmicas de consumo e à pressão das plataformas digitais.

Se a aquisição for aprovada, a Warner deverá manter a política actual. Contudo, Sarandos deixou escapar uma nuance importante: nem todos os filmes terão necessariamente exactamente 45 dias. Obras com desempenho comercial abaixo do esperado poderão ter uma janela mais curta — prática que, aliás, já é utilizada por vários estúdios.

O executivo citou como exemplo um grande sucesso recente, Superman, que terá trabalhado com prazos ligeiramente ajustados. A declaração, embora apresentada como pragmática, reacendeu algumas dúvidas.

Um histórico que alimenta desconfiança

A preocupação das redes exibidoras não surge do nada. Em 2023, Sarandos classificou publicamente o modelo tradicional de cinema como “antiquado”, defendendo que o streaming representava o futuro do entretenimento. Mais recentemente, circularam relatos de que, sob a liderança da Netflix, a Warner poderia reduzir as janelas para apenas 17 dias — um cenário que teria impacto directo nas receitas das salas.

É precisamente essa memória recente que leva muitos exibidores e analistas a questionar se a promessa dos 45 dias é um compromisso duradouro ou apenas uma estratégia para tranquilizar reguladores e accionistas antes da votação decisiva.

O fantasma do modelo Netflix

A relação da Netflix com as salas de cinema tem sido, historicamente, tensa. A empresa já lançou vários filmes em exibição limitada para cumprir critérios de elegibilidade aos Óscares, mas sem apostar numa estratégia comercial tradicional e prolongada.

Um caso paradigmático é a saga Entre Facas e Segredos, realizada por Rian Johnson. O primeiro filme tornou-se um êxito de bilheteira, ultrapassando os 300 milhões de dólares. Já as sequelas produzidas pela Netflix tiveram passagens muito breves pelas salas comerciais, privilegiando a estreia rápida na plataforma.

Para muitos exibidores independentes, este modelo é motivo de apreensão. A Warner Bros. é responsável por alguns dos maiores blockbusters anuais e uma eventual mudança estrutural poderia afectar todo o ecossistema de distribuição.

Decisão iminente

Os próximos desenvolvimentos deverão ser conhecidos a 20 de Março, quando os accionistas da Warner Bros. Discovery se reunirem para votar a proposta de aquisição. Em cima da mesa estará também uma alternativa apresentada pela Paramount Skydance, que poderá disputar o negócio.

Até lá, a indústria observa com atenção cada declaração pública. A promessa dos 45 dias surge como um gesto conciliador, mas o verdadeiro teste será a prática. Num momento em que o equilíbrio entre salas e streaming continua a redefinir-se, qualquer alteração pode ter efeitos estruturais no futuro do cinema tradicional.

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A grande questão mantém-se: a Netflix quer mesmo proteger o modelo cinematográfico… ou apenas ganhar tempo?

AI no grande ecrã? AMC recua após polémica em torno de curta-metragem criada com Inteligência Artificial

Cadeia de cinemas decide não exibir “Thanksgiving Day” depois de onda de críticas online

A discussão sobre o papel da Inteligência Artificial no cinema acaba de ganhar um novo capítulo — e desta vez envolve uma das maiores cadeias de exibição dos Estados Unidos. A AMC Theatres decidiu não exibir a curta-metragem de animação Thanksgiving Day, vencedora do festival inaugural Frame Forward AI Animated Film Festival, depois de uma forte reacção negativa nas redes sociais.

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A curta, realizada por Igor Alferov, estava inicialmente prevista para ser exibida durante duas semanas em salas de cinema norte-americanas já no próximo mês. A ideia era simples: integrar o filme no pré-programa publicitário exibido antes das sessões principais. No entanto, assim que a notícia começou a circular online, multiplicaram-se as críticas à possibilidade de conteúdos gerados com recurso a IA entrarem nos circuitos comerciais tradicionais.

O papel da Screenvision Media — e o recuo da AMC

Importa esclarecer um ponto essencial: o filme não seria programado directamente pela AMC. O conteúdo fazia parte do pré-show gerido pela Screenvision Media, empresa responsável por cerca de 20 minutos de publicidade e conteúdos promocionais exibidos antes do início dos filmes. A Screenvision fornece este serviço a várias cadeias de cinema, não apenas à AMC.

Depois de a polémica ganhar dimensão e de a imprensa especializada, incluindo o The Hollywood Reporter, questionar a empresa, a AMC emitiu um comunicado claro: não esteve envolvida na criação do projecto e informou a Screenvision de que as suas salas não participariam na exibição da curta. Acrescentou ainda que o conteúdo apenas estava previsto para menos de 30% das suas localizações nos EUA.

Não é, para já, claro se outras cadeias irão avançar com a exibição.

Um festival, um prémio e uma nova frente na guerra cultural

O Frame Forward AI Animated Film Festival foi co-organizado pela Screenvision e pela Modern Uprising Studios (MUS). O prémio atribuído a Thanksgiving Day incluía precisamente essa exposição nacional em salas comerciais — uma espécie de teste à receptividade do público ao cinema narrativo gerado com recurso a ferramentas de Inteligência Artificial.

Segundo o presidente da MUS, Joel Roodman, a exibição nacional — ainda que agora reduzida — seria apenas o início. O plano passa por adaptar o filme para espaços imersivos próprios, com o primeiro a ser construído em Nova Iorque. Roodman defende que a paisagem mediática está a mudar rapidamente e que novas linguagens e ferramentas devem encontrar espaço nas experiências cinematográficas partilhadas.

Ainda assim, o episódio demonstra que a resistência à IA em Hollywood continua viva — especialmente num momento em que o sector criativo debate direitos de autor, autoria artística e o impacto laboral da automação.

Já houve IA em salas de cinema — mas não assim

Convém sublinhar que esta não seria a primeira vez que conteúdos criados com IA chegariam ao grande ecrã. Em Agosto de 2025, uma selecção de curtas do Runway AI Film Festival foi exibida em 10 salas IMAX. No entanto, tratava-se de sessões especiais e limitadas.

O caso de Thanksgiving Day poderia ter marcado uma diferença significativa: seria provavelmente a primeira vez que uma narrativa animada criada com ferramentas de IA teria uma exposição comercial alargada, integrada no circuito regular de exibição.

A curta acompanha um urso e o seu assistente ornitorrinco numa nave espacial com forma de contentor do lixo, enquanto enfrentam polícias espaciais corruptos e um insólito serviço de entrega de comida. De acordo com a imprensa norte-americana, Alferov recorreu a ferramentas como Gemini 3.1 e Nano Banana Pro para desenvolver o projecto.

O futuro começa… mas ainda encontra resistência

A grande questão mantém-se: quando começarão os filmes de IA a ocupar espaço regular nas salas de cinema? Este episódio sugere que a transição não será imediata nem pacífica.

A AMC optou pela prudência, numa altura em que o debate em torno da IA continua a dividir criadores, estúdios e espectadores. Se este recuo é apenas temporário ou um sinal de que a indústria ainda não está preparada para dar este passo, só o tempo dirá.

O Ajuste de Contas Que Pode Mudar Tudo: “Peaky Blinders” Regressa Mais Sombrio do Que Nunca

Uma coisa é certa: a discussão sobre o lugar da Inteligência Artificial no cinema deixou definitivamente de ser teórica. E, como sempre acontece quando a tecnologia avança mais depressa do que o consenso cultural, o grande ecrã transforma-se no palco da controvérsia.

Desejo, Poder e Submissão: O Filme Britânico Que Está a Dividir Plateias Chega a Portugal em Março

“Pillion” junta Alexander Skarsgård e Harry Melling num drama intenso sobre obsessão e consentimento

Há filmes que procuram agradar. E depois há filmes que provocam, desconcertam e obrigam o espectador a confrontar zonas menos confortáveis da intimidade humana. Pillion pertence claramente à segunda categoria.

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Realizado por Harry Lighton, que aqui se estreia na longa-metragem, o filme chega às salas portuguesas a 5 de Março, com distribuição da NOS Audiovisuais. Nomeado para três BAFTA®, afirma-se como uma das propostas mais discutidas do recente cinema britânico.

Uma relação que começa como fascínio — e se transforma em entrega total

No centro da narrativa está Colin, interpretado por Harry Melling, um jovem tímido, reservado e aprisionado numa rotina previsível. A sua vida sofre uma rutura quando conhece Ray, um motociclista carismático e misterioso, vivido por Alexander Skarsgård.

A atração é imediata. Mas o que começa como fascínio transforma-se rapidamente numa relação marcada por uma devoção absoluta. Colin entrega-se — emocional e fisicamente — a Ray, entrando num universo onde desejo, controlo e submissão se entrelaçam de forma intensa.

A sinopse oficial deixa pouco espaço para dúvidas: à medida que se submete e mergulha nesse mundo de desejo, Colin é forçado a confrontar os limites da sua própria devoção. Não se trata apenas de um romance ousado, mas de um estudo sobre poder, vulnerabilidade e as fronteiras do consentimento.

O filme posiciona-se assim num território delicado. Não procura moralizar nem oferecer respostas fáceis. Pelo contrário, convida o espectador a observar uma dinâmica relacional complexa, onde o equilíbrio entre entrega voluntária e manipulação psicológica se torna progressivamente mais ténue.

Reconhecimento crítico no Reino Unido

O impacto de Pillion fez-se sentir no circuito de prémios britânico. O filme soma três nomeações para os BAFTA®, incluindo Melhor Argumento Adaptado, Melhor Filme Britânico e Melhor Estreia de um Realizador, Produtor ou Argumentista Britânico. Trata-se de um reconhecimento significativo para uma obra que arrisca abordar dinâmicas emocionais densas sem recorrer a simplificações narrativas.

Harry Lighton revela uma abordagem segura e confiante, apostando numa realização contida, mas carregada de tensão emocional. A câmara aproxima-se dos corpos e dos silêncios, deixando que o desconforto se instale gradualmente. Cada gesto, cada olhar, parece carregado de significado.

O realizador constrói o filme a partir da intimidade, evitando o excesso de dramatização. A intensidade nasce da proximidade e da forma como as personagens se expõem — ou se escondem — dentro da própria relação.

Duas interpretações no limite

Grande parte da força de Pillion reside nas interpretações centrais. Alexander Skarsgård constrói um Ray simultaneamente sedutor e intimidante, alguém cuja presença domina o espaço e a narrativa. O actor, conhecido pela sua intensidade física, utiliza aqui a contenção como ferramenta dramática, criando uma personagem que impõe autoridade sem precisar de elevar o tom.

Harry Melling, por seu lado, oferece talvez o desempenho mais vulnerável da sua carreira. O seu Colin é um homem à procura de pertença, disposto a atravessar fronteiras que nunca imaginou cruzar. A transformação da personagem é subtil, mas profundamente inquietante. O espectador acompanha a sua entrega quase como um cúmplice silencioso, partilhando dúvidas e desconfortos.

O duelo interpretativo sustenta todo o filme. Sem efeitos grandiosos ou reviravoltas artificiais, a narrativa apoia-se na tensão entre os dois protagonistas, explorando o impacto emocional de uma relação construída sobre assimetrias de poder.

Um drama para ver — e discutir

 não é um filme confortável. É uma obra que questiona até onde pode ir o desejo quando se mistura com dependência emocional e necessidade de validação. Ao colocar o foco na vulnerabilidade masculina e nas dinâmicas de controlo dentro de uma relação intensa, o filme insere-se num debate contemporâneo sobre consentimento e identidade.

A 5 de Março, o público português terá oportunidade de descobrir uma das propostas mais faladas do cinema britânico recente. Resta saber como reagirá a uma história que não oferece respostas simples — apenas perguntas difíceis.

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Num panorama cinematográfico frequentemente dominado por fórmulas seguras, Pillion surge como um risco assumido. E, por vezes, é precisamente aí que o cinema encontra a sua verdadeira força.

O Ajuste de Contas Que Pode Mudar Tudo: “Peaky Blinders” Regressa Mais Sombrio do Que Nunca

Tommy Shelby volta em plena Segunda Guerra Mundial — e o trailer promete um confronto devastador

“Por ordem dos Peaky Blinders.” A frase ecoa no novo trailer como uma sentença inevitável. A Netflix revelou finalmente as primeiras imagens de Peaky Blinders: O Homem Imortal, o filme que dá continuidade à série britânica que redefiniu o drama criminal televisivo na última década. A estreia está marcada para 20 de Março — e o regresso de Tommy Shelby promete não ser pacífico.

Depois de seis temporadas exibidas entre 2013 e 2022, a história criada por Steven Knight avança agora para 1940. Birmingham está mergulhada no caos da Segunda Guerra Mundial, e o mundo é um lugar mais brutal, mais instável, mais imprevisível. É neste cenário que reencontramos Tommy Shelby, novamente interpretado por Cillian Murphy, agora vencedor do Óscar e definitivamente consagrado como um dos actores mais intensos da sua geração.

Um homem em guerra com o mundo — e consigo próprio

O trailer deixa claro que este não é apenas mais um capítulo da saga criminosa. É um ajuste de contas. Segundo a sinopse oficial, Tommy é forçado a abandonar o seu exílio auto-imposto para enfrentar o mais destrutivo confronto da sua vida. Com o futuro da família em risco e o país a arder sob a ameaça nazi, o líder dos Peaky Blinders terá de decidir se abraça finalmente o seu legado ou se o destrói de vez.

A atmosfera é densa, carregada de tensão. A guerra mundial serve como pano de fundo, mas a verdadeira batalha continua a ser interior. O homem que sempre controlou tudo parece agora encurralado pelo peso das decisões passadas. A promessa é clara: este será o momento em que Tommy Shelby deixará de fugir às consequências.

Continuidade criativa — e ambição cinematográfica

Há algo particularmente tranquilizador para os fãs: o filme reúne as principais figuras da série, tanto à frente como atrás das câmaras. Steven Knight regressa ao argumento, garantindo coerência temática e fidelidade ao universo que construiu ao longo de quase uma década. A realização fica a cargo de Tom Harper, que já conhecia bem este mundo, tendo dirigido metade da primeira temporada em 2013.

Produzido em parceria com a BBC, o projecto mantém a identidade visual que tornou a série inconfundível: fotografia contrastada, enquadramentos calculados, silêncios pesados interrompidos por explosões de violência súbita. Mas a escala parece maior. Mais épica. Mais definitiva.

O elenco acompanha essa ambição. Rebecca Ferguson junta-se ao universo Shelby, assim como Tim Roth, Barry Keoghan, Sophie Rundle e Stephen Graham. São nomes que acrescentam peso dramático e intensidade a uma história que já nasceu carregada de tensão.

O fim de uma era?

Desde o final da série que a pergunta permanece no ar: será este o verdadeiro desfecho de Tommy Shelby? Steven Knight sempre afirmou que queria concluir a história de forma cinematográfica, e tudo indica que esta é a concretização dessa visão.

Há algo quase inevitável na trajectória de Tommy. Desde o regresso da Primeira Guerra Mundial que vive num estado permanente de conflito — externo e interno. Agora, com a Europa novamente mergulhada numa guerra total, o paralelismo é impossível de ignorar. O soldado que nunca deixou de ser soldado pode finalmente encontrar o seu destino.

O trailer não revela tudo, mas deixa uma certeza: este não será apenas um regresso nostálgico. Será um confronto com as consequências, com o passado e com a própria identidade de um homem que sempre viveu à beira do abismo.

Março aproxima-se. E quando Tommy Shelby regressa, o mundo treme.

Morreu aos 53 anos uma das figuras mais marcantes da televisão das últimas décadas

Eric Dane, o eterno “McSteamy”, não resistiu à batalha contra a ELA

O mundo da televisão acordou mais pobre com a notícia da morte de Eric Dane, ator norte-americano que conquistou milhões de fãs com os seus papéis em Anatomia de Grey e Euphoria. Tinha 53 anos e travava uma batalha contra a Esclerose Lateral Amiotrófica (ELA), doença que tornara pública em Abril do ano passado.

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A confirmação foi feita pela família através de um comunicado enviado à revista People. “É com o coração apertado que partilhamos a notícia da morte de Eric Dane na tarde de quinta-feira, após uma corajosa batalha contra a Esclerose Lateral Amiotrófica. Passou os seus últimos dias rodeado dos seus entes queridos, da sua dedicada esposa, Rebecca Gayheart, e das suas duas lindas filhas, Billie e Georgia, que eram o centro do seu mundo”, pode ler-se.

A família sublinhou ainda o empenho do actor na sensibilização para a doença: ao longo do último ano, tornou-se uma voz activa na promoção da investigação sobre a ELA, procurando dar visibilidade a uma patologia rara e devastadora.

Do início discreto ao fenómeno global

Nascido a 9 de Novembro de 1972, em São Francisco, Eric Dane iniciou a carreira televisiva no início da década de 90, com pequenas participações em várias séries. O reconhecimento viria em 2006, quando integrou o elenco de Anatomia de Grey no papel do Dr. Mark Sloan — o inesquecível “McSteamy”. Entre 2006 e 2012, tornou-se uma das figuras mais carismáticas da série, ajudando a consolidar o estatuto do drama médico como fenómeno cultural.

Em 2024, numa conversa no podcast Armchair Expert, de Dax Shepard, falou abertamente sobre a sua saída da produção. Admitiu ter enfrentado problemas de toxicodependência e alcoolismo durante esse período, mas reconheceu também que os custos associados ao seu contrato terão pesado na decisão da estação. Foi um momento de franqueza rara, que revelou um actor consciente das suas fragilidades e do funcionamento implacável da indústria.

Após Anatomia de Grey, protagonizou a série de acção The Last Ship e, mais tarde, reinventou-se perante uma nova geração de espectadores com o papel de Cal Jacobs em Euphoria, produção da HBO que se tornou um dos maiores sucessos televisivos da última década.

Uma presença marcante também no cinema

No grande ecrã, Eric Dane participou em títulos como X-Men: The Last Stand, Marley & Eu e Burlesque. Mais recentemente, integrou o elenco de Bad Boys: Ride or Die, onde assumiu o papel de vilão principal, demonstrando versatilidade num registo mais físico e intenso.

Embora nunca tenha sido uma estrela de primeira linha em Hollywood, construiu uma carreira sólida, alternando entre televisão e cinema, sempre com uma presença magnética e uma confiança que transparecia no ecrã.

A luta contra a Esclerose Lateral Amiotrófica

A Esclerose Lateral Amiotrófica, também conhecida como Doença de Lou Gehrig ou Doença de Charcot, é uma doença neurodegenerativa progressiva e sem cura. Afecta os neurónios motores responsáveis pelo controlo dos músculos voluntários, levando gradualmente à perda de mobilidade, fala e capacidade respiratória.

Com uma esperança média de vida entre dois e cinco anos após o diagnóstico, a ELA ganhou notoriedade global com iniciativas como o “ice bucket challenge”, que ajudou a angariar fundos para investigação científica. Entre os nomes conhecidos afectados pela doença contam-se o físico Stephen Hawking e os cantores Zeca Afonso e Roberta Flack.

Eric Dane enfrentou a doença com discrição e dignidade, mantendo-se profissionalmente activo enquanto a saúde o permitiu. Pouco antes de regressar ao ‘set’ de Euphoria para a terceira temporada, anunciou publicamente o diagnóstico, numa decisão que foi recebida com uma onda de apoio por parte de colegas e fãs.

Um legado que permanece

Para muitos, será sempre “McSteamy”. Para outros, o perturbador patriarca de Euphoria. Para a família, foi marido e pai dedicado. Para os fãs, uma presença que marcou duas gerações de televisão.

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Eric Dane deixa duas filhas adolescentes e uma carreira que ficará ligada a alguns dos maiores fenómenos televisivos das últimas duas décadas. Num tempo em que as séries moldam o imaginário colectivo, o seu contributo não será esquecido.