A Obra-Prima de Ficção Científica “Esquecida” da Netflix Que Merece Ser Descoberta Oats Studios  é um diamante escondido do hard sci-fi — e está à espera de ser visto

Entre tantas produções originais de ficção científica que ajudaram a definir a identidade da Netflix nos últimos anos, há uma série que passou quase despercebida, mas que merece um lugar de destaque ao lado de títulos como Love, Death & Robots ou Dark. Falamos de Oats Studios, uma antologia de hard sci-fi intensa, adulta e visualmente impressionante, criada por Neill Blomkamp, o cineasta por detrás de District 9.

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Disponível na Netflix, Oats Studios é uma experiência que não facilita, não explica em excesso e não suaviza o impacto das suas ideias. Pelo contrário: aposta num registo cru, violento e profundamente pessimista sobre o futuro da Humanidade, assumindo-se como ficção científica “a sério”, mais próxima da literatura do género do que do entretenimento familiar.

Episódios que não pedem licença ao espectador

Desde o primeiro episódio, Rakka, a série deixa claro ao que vem. A história decorre numa Terra devastada por uma invasão alienígena de origem reptiliana, que quase extinguiu a Humanidade. Não há heróis clássicos, nem esperança fácil — apenas sobrevivência, brutalidade e um mundo que já perdeu qualquer traço de normalidade.

Outro episódio frequentemente citado como favorito dos fãs é Firebase, uma fusão inesperada entre ficção científica e a Guerra do Vietname. A ideia é tão forte que muitos espectadores defendem que o conceito daria, sem esforço, um filme de longa-metragem. É aqui que Oats Studios se distancia claramente de outras antologias: cada episódio parece um piloto de algo maior, um universo que poderia ser explorado durante horas.

Porque passou despercebida?

Apesar da ambição criativa e da assinatura de Blomkamp, Oats Studios nunca recebeu da Netflix a promoção atribuída a séries como Stranger Things ou Love, Death & Robots. O resultado foi previsível: a série ficou fora do radar do grande público e praticamente ignorada pela crítica.

No Rotten Tomatoes, a série nem sequer reúne críticas suficientes para gerar uma média sólida, contando sobretudo com avaliações de utilizadores — pouco mais de algumas dezenas — o que torna a sua classificação de 51% claramente enganadora e pouco representativa.

A ausência de marketing levantou, desde cedo, suspeitas entre os fãs. Muitos acreditam que Oats Studios foi pensada como o primeiro volume de uma antologia contínua. Essa teoria ganha força quando se observa o cartaz oficial da série no IMDb, onde surge claramente a designação “Volume One”. Até hoje, no entanto, um segundo volume permanece tão ausente quanto o planeta Terra retratado em Rakka.

Uma série à frente do seu tempo?

Talvez o maior problema de Oats Studios seja precisamente aquilo que a torna especial: não tenta agradar a todos. É violenta, sombria, desconfortável e conceptualmente exigente. Não explica tudo, não fecha todas as pontas soltas e confia plenamente na inteligência do espectador. Num catálogo cada vez mais dominado por conteúdos “algorítmicos”, esta abordagem pode ter sido a sua sentença… pelo menos por agora.

Ainda assim, como tantas obras antes dela, Oats Studios pode acabar por encontrar o seu público com o tempo. E se isso acontecer, talvez a Netflix decida dar uma nova oportunidade a este universo cruel, fascinante e visualmente arrebatador.

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Para quem procura ficção científica sem concessões, Oats Studios continua ali, discreta no catálogo, pronta a provar que algumas das melhores séries não são as mais faladas — são as que deixam marca.

Emma Thompson revela o paradoxo de Alan Rickman: o vilão que só queria ser herói


Um actor eternizado pelos maus da fita, mas cansado de viver na sombra dos vilões

Durante décadas, Alan Rickman foi um dos grandes mestres do vilão carismático no cinema. A sua voz grave, o olhar irónico e a presença imponente tornaram-no inesquecível sempre que surgia do lado “errado” da história. No entanto, segundo Emma Thompson, essa imagem pública acabou por se tornar um peso inesperado na carreira do actor.

Numa entrevista à GQ, Emma Thompson recordou o entusiasmo quase juvenil de Rickman quando interpretou o Coronel Brandon em Sentido e Sensibilidade. Para o actor, aquele papel representava algo raro: a oportunidade de ser visto como alguém nobre, gentil e emocionalmente contido — longe da galeria de vilões que o público parecia exigir dele.

“Ele estava tão feliz por interpretar alguém heróico e bom”, contou Thompson. “Estava farto de as pessoas quererem sempre que fosse o Xerife de Nottingham.”

O vilão perfeito… em demasia

A ironia é que um dos papéis que mais contribuiu para esse rótulo foi também um dos mais celebrados da sua carreira. Em Robin Hood: Príncipe dos Ladrões, Rickman transformou o Xerife de Nottingham numa figura absolutamente delirante, roubando cada cena a Kevin Costner com sarcasmo, crueldade exagerada e frases que entraram directamente para a história do cinema popular.

A interpretação foi tão marcante — incluindo a famosa ameaça de arrancar o coração “com uma colher” — que lhe valeu uma nomeação para os BAFTA. Mas o sucesso teve um efeito colateral: Hollywood passou a vê-lo sobretudo como o vilão ideal.

Esse estatuto consolidou-se ainda mais com Hans Gruber em Die Hard e, mais tarde, com Severus Snape na saga Harry Potter. Personagens icónicas, complexas e amadas pelo público — mas que reforçaram a ideia de que Rickman “pertencia” ao lado negro da força.

Quando Alan Rickman era o coração da história

O que muitos esquecem é que algumas das suas interpretações mais belas surgiram precisamente quando fazia o oposto. Para lá do contido e melancólico Coronel Brandon, Rickman emocionou profundamente em Truly, Madly, Deeply, como o namorado que regressa do além para ajudar a mulher a lidar com o luto.

Em Dogma, de Kevin Smith, deu vida ao anjo Metatron com uma mistura perfeita de solenidade e humor, enquanto em Galaxy Quest criou uma das personagens mais queridas da sua carreira: Alexander Dane, também conhecido como Dr. Lazarus — um actor shakespeariano preso num papel de ficção científica que detesta… até aprender a aceitá-lo.

Um legado que vai muito além do bem e do mal

No final, o público pode ter acorrido em massa para ver Alan Rickman como vilão, mas a verdade é simples: fosse herói ou antagonista, estava sempre garantida uma grande interpretação. Rickman tinha o raro talento de elevar qualquer personagem, mesmo as mais caricatas, a um nível de humanidade e complexidade pouco comum.

Talvez por isso a sua frustração seja tão reveladora. Não por rejeitar os vilões — muitos deles brilhantes —, mas por querer ser lembrado também pelo outro lado: o da empatia, da bondade e da vulnerabilidade. Um desejo legítimo para um actor que nunca foi apenas “o mau da fita”, mas um dos intérpretes mais completos e respeitados da sua geração.

Helen Mirren aos 80: a resposta direta e sem filtros aos “tech bros” obcecados com a juventude eterna

A actriz britânica rejeita a fantasia da imortalidade tecnológica e lembra que envelhecer não é perder — é crescer

Aos 80 anos, Helen Mirren continua a ser uma das vozes mais lúcidas — e implacavelmente honestas — de Hollywood. Numa entrevista recente à revista Elle, a actriz deixou uma mensagem clara para os chamados “tech bros”, figuras influentes do sector tecnológico obcecadas com a ideia de prolongar a vida indefinidamente ou, melhor ainda, derrotar o envelhecimento: isso não passa de uma fantasia infantil.

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Para Mirren, a obsessão com a longevidade biológica ignora aquilo que realmente importa. “Para mim, a palavra longevidade significa ser activo, proactivo e produtivo ao longo de um longo período da vida”, explicou. Viver, diz a actriz, não é acumular anos, mas desfrutar da fisicalidade da existência: a beleza da natureza, o entusiasmo do sucesso profissional — quando existe —, a família, os filhos, as pequenas experiências quotidianas que dão sentido ao tempo.

Envelhecer não é perder tempo — é aprender a viver

Na sua leitura profundamente pragmática, a verdadeira longevidade está em “contribuir de tantas formas diferentes quanto possível, durante o maior tempo possível”. O problema, acrescenta, é que a tentativa de “hackear” o envelhecimento acaba por se tornar uma distracção perigosa: enquanto se luta contra o inevitável, perde-se a oportunidade de viver plenamente.

Mirren não poupa ironia quando fala da indústria tecnológica e da sua relação com a morte. “A vida é finita. Não há como lutar contra isso — por mais que algumas pessoas se coloquem no gelo, a sonhar que acordam daqui a 50 anos. É um sonho, uma fantasia. Acho tudo isto muito estranho”, afirmou. Para a actriz, envelhecer não é “ficar velho”, mas sim “crescer”. E quem não consegue aceitar a própria finitude, diz ela, simplesmente ainda não cresceu.

Uma filosofia coerente, dentro e fora do ecrã

Esta não é, de resto, uma posição nova na carreira de Helen Mirren. Em Outubro, numa conversa com a revista Allure, a actriz declarou amar “tudo” no processo de envelhecer. Sem filtros, resumiu a sua visão da vida com uma lista simples e reveladora: estar viva, continuar a trabalhar, beber um copo de vinho, usar maquilhagem, ouvir música, ver um pôr-do-sol, ir ao teatro, ver filmes, fazer maratonas de séries e, sobretudo, viver. “É uma coisa linda”, afirmou.

Corpo em movimento, sem obsessões

No plano prático, Mirren defende uma relação saudável — e descomplicada — com o corpo. Há anos que promove um treino militar de 12 minutos desenvolvido nos anos 1950 pela Força Aérea Real Canadiana, mas sublinha que nunca é tarde para começar a mexer-se. Especialmente para quem está nos 50 ou 60 anos, o segredo não está em ginásios de luxo ou rotinas extremas, mas em pequenas mudanças: uma caminhada curta, yoga, manter o corpo activo de forma prazerosa.

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Um discurso raro numa indústria obcecada com a juventude

Num meio como Hollywood, onde a juventude continua a ser tratada como moeda de troca, a frontalidade de Helen Mirren soa quase revolucionária. Aos 80 anos, a actriz não está interessada em promessas de imortalidade nem em negar o tempo. Prefere algo bem mais radical: aceitar a vida como ela é, com limites incluídos — e aproveitar cada segundo com lucidez, humor e maturidade.

Depois de Greenland 2, Estes São 8 Filmes de Catástrofe Perfeitos Para Continuar o Fim do Mundo

Do apocalipse climático a cometas assassinos, há vida (cinematográfica) depois do desastre

Greenland 2: Migration chega aos cinemas determinado a elevar ainda mais a fasquia do cinema-catástrofe. Se no primeiro filme acompanhávamos Gerard Butler numa corrida desesperada para alcançar um bunker antes do impacto de um cometa, a sequela mergulha-nos num mundo já devastado, transformado num verdadeiro deserto pós-apocalíptico. O resultado é aquilo que os fãs do género adoram: destruição em grande escala, drama familiar e uma luta constante pela sobrevivência.

Se ficou com vontade de mais depois de Greenland 2, a boa notícia é que não faltam alternativas — e a maioria pode ser vista em Portugal sem grande esforço, seja em streaming ou através de aluguer digital.

Geostorm (2017)

Mais uma vez, Gerard Butler no centro do caos. Em Geostorm, a Terra depende de uma rede de satélites capaz de controlar o clima… até que tudo corre mal. Tsunamis, terramotos e quedas abruptas de temperatura surgem em catadupa.

🎬 Onde ver em Portugal: disponível para aluguer digital em plataformas como Apple TV, Google Play e Rakuten TV.

O Dia Depois de Amanhã (2004)

Um dos títulos mais populares do género. O Dia Depois de Amanhã, de Roland Emmerich, imagina uma nova era glacial que se instala em tempo recorde, com Nova Iorque congelada e tornados a devastar cidades inteiras.

🎬 Onde ver em Portugal: disponível no catálogo da Disney+.

2012 (2009)

Quando o assunto é destruir o planeta inteiro, Roland Emmerich não conhece limites. Em 2012, a civilização colapsa sob terramotos, tsunamis e falhas tectónicas globais, enquanto uma família tenta sobreviver contra todas as probabilidades.

🎬 Onde ver em Portugal: disponível para aluguer digital (Apple TV, Google Play, Prime Video Store).

Impacto Profundo (1998)

Mais contido e emocional do que Armageddon, Impacto Profundo aposta no drama humano quando um cometa ameaça extinguir a vida na Terra. Um clássico subestimado do género, com decisões morais duríssimas.

🎬 Onde ver em Portugal: disponível para aluguer digital nas principais lojas online.

O Núcleo (2003)

Cientificamente disparatado, mas irresistível. Em O Núcleo, uma equipa de cientistas tenta salvar o mundo viajando até ao centro da Terra para reiniciar o seu núcleo com uma explosão nuclear.

🎬 Onde ver em Portugal: disponível para aluguer digital (Apple TV, Google Play).

Volcano (1997)

Los Angeles, um vulcão em erupção e lava a correr pelas ruas. Volcano não perde tempo com subtilezas e oferece destruição urbana em modo clássico dos anos 90.

🎬 Onde ver em Portugal: disponível para aluguer digital.

Presságio (2009)

Mistura de ficção científica, catástrofe e existencialismo, Presságio acompanha Nicolas Cage numa investigação que conduz a uma série de desastres inevitáveis, incluindo uma sequência de queda de avião absolutamente memorável.

🎬 Onde ver em Portugal: disponível para aluguer digital; ocasionalmente exibido em canais de cinema por cabo.

San Andreas (2015)

Terramotos, tsunamis e Dwayne Johnson em modo herói total. San Andreas é cinema-catástrofe sem pudor, feito para impressionar e entreter sem pedir desculpa.

🎬 Onde ver em Portugal: disponível em streaming na HBO Max (Max), além de aluguer digital.

O apocalipse… à distância de um comando

O cinema-catástrofe pode não ser o género mais realista do mundo, mas continua a ser um dos mais eficazes quando se trata de espectáculo puro. Entre cometas, falhas tectónicas e colapsos climáticos, estes filmes provam que o fim do mundo é sempre melhor visto do sofá — de preferência com som alto e zero preocupações científicas.

Antes Mesmo de Começar a Rodar, Tangled Já Tem um Flynn Rider Perfeito

A arte de fãs, a reação do elenco original e o entusiasmo em torno de Milo Manheim

Ainda as câmaras não começaram a rodar e já há certezas quase absolutas entre os fãs: Milo Manheim parece ter nascido para interpretar Flynn Rider — ou Eugene Fitzherbert, para os mais atentos à mitologia de Tangled. A futura adaptação em imagem real do clássico animado da Disney, realizada por Michael Gracey, começa assim a ganhar forma muito antes da estreia, graças ao entusiasmo dos fãs e, curiosamente, à força das redes sociais.

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Anunciado recentemente como protagonista ao lado de Teagan Croft, que dará vida a Rapunzel, Manheim herdou automaticamente um dos papéis mais acarinhados do catálogo moderno da Disney. Desde a estreia da animação em 2010, Flynn Rider tornou-se um favorito do público graças ao seu humor sarcástico, charme auto-irónico e inesperada profundidade emocional — uma combinação que nem todos os actores conseguem equilibrar.

Quando a arte antecipa o casting ideal

A confirmação de Manheim no papel rapidamente deu origem a debates, entusiasmo… e alguma ansiedade. Mas foi uma peça de fan art que parece ter inclinado definitivamente a balança. O artista e criador de conteúdos conhecido como @braeden.obrien partilhou no Instagram um vídeo onde desenha Milo Manheim como Flynn Rider, ao som da icónica canção I See the Light. O resultado tornou-se viral.

A ilustração sublinha as semelhanças físicas entre o actor e a versão animada da personagem — o sorriso confiante, o olhar maroto, a postura despreocupada — e gerou reacções imediatas. Um comentário resumiu o sentimento geral: “O filme ainda nem começou a ser filmado e já há fangirls por todo o lado”.

A aprovação que conta (e muito)

Pouco depois do anúncio oficial, o próprio Manheim recorreu ao Instagram para reagir, deixando uma mensagem simples, mas reveladora: “Demasiado grato para pôr em palavras. Vou fazer-lhe justiça, prometo.” Uma declaração que não passou despercebida… nem aos colegas de profissão.

Zachary Levi, a voz original de Flynn Rider na versão animada, fez questão de comentar a publicação: “Parabéns, Milo! Agora vai fazer Eugene Fitzherbert orgulhoso.” A própria Disney entrou na conversa com humor: “Here comes the smolder!”, numa piscadela de olho ao famoso “olhar sedutor” da personagem.

Um actor com ADN Disney

Para quem acompanha a carreira de Milo Manheim, esta escolha não surge do nada. O actor já é uma cara conhecida do universo Disney graças à saga Zombies, onde contracenou com Meg Donnelly, e tem vindo a construir uma imagem de versatilidade, carisma e empatia com o público jovem — exactamente o tipo de energia que Flynn Rider exige.

Do lado de Rapunzel, Teagan Croft traz consigo experiência em personagens intensas e emocionalmente complexas, depois de se destacar como Raven em Titans. Quanto à vilã Mother Gothel, o mistério mantém-se, embora Kathryn Hahn esteja, segundo rumores, a ser considerada para o papel.

Um conto que ainda vai crescer

Sem data de estreia definida, Tangled deverá iniciar filmagens a meio de 2026, no Reino Unido. Até lá, o entusiasmo continua a crescer — e se a reacção inicial servir de barómetro, a Disney poderá ter encontrado em Milo Manheim não apenas um Flynn Rider competente, mas o Flynn Rider certo.

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Às vezes, os fãs reconhecem um casting perfeito muito antes de Hollywood o confirmar em cena.

O Regresso do Rei? O Nome Que Volta a Agitar o Futuro de Black Panther no MCU

Damson Idris reage aos rumores e a Marvel prepara o terreno para uma nova era em Wakanda

Poucos papéis no cinema contemporâneo carregam um peso simbólico tão forte como T’Challa, o Pantera Negra. Desde a sua estreia no Universo Cinematográfico da Marvel, o personagem tornou-se um ícone cultural muito para lá do género de super-heróis, graças à interpretação de Chadwick Boseman. A sua morte prematura, em 2020, vítima de cancro do cólon, levou a Marvel Studios a tomar uma decisão rara em Hollywood: não recastar o papel de imediato e integrar a perda do actor na própria narrativa de Black Panther: Wakanda Forever, transformando o filme numa sentida homenagem.

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No entanto, com o MCU a entrar numa fase de profunda transformação, os rumores de um eventual regresso de T’Challa — agora com outro rosto — voltaram a ganhar força. E, desta vez, há um nome que se destaca.

Damson Idris e a resposta que diz tudo… sem dizer nada

Questionado pela Variety na passadeira vermelha dos Globos de Ouro de 2026, Damson Idris reagiu à especulação de que poderia ser o próximo Pantera Negra com uma diplomacia que não passou despercebida. “Sou grato aos fãs”, afirmou, sublinhando que se tratam apenas de rumores, mas confessando o seu amor pelo filme, pelo universo de Wakanda e pela direcção criativa da saga. Mais revelador do que as palavras foi o que Idris não disse: não houve qualquer negação categórica.

Num estúdio conhecido por contratos confidenciais e estratégias de silêncio absoluto, esta ambiguidade é, para muitos, um sinal claro de que algo está a ser preparado nos bastidores.

O momento ideal para recastar T’Challa

A especulação surge numa altura-chave para o MCU. A chamada Multiverse Saga aproxima-se do fim com Avengers: Doomsday e Avengers: Secret Wars, dois filmes que prometem lidar com o colapso de realidades alternativas e redefinir completamente o universo Marvel. O próprio Kevin Feige já confirmou que estes eventos funcionarão como uma espécie de “soft reboot”, abrindo a porta à reintrodução de personagens clássicos com novos intérpretes.

Feige chegou mesmo a referir explicitamente a possibilidade de figuras como Iron Man ou Captain America voltarem a existir noutras versões, estabelecendo um precedente claro para o eventual regresso de T’Challa sem apagar o legado de Boseman.

Black Panther 3 e o futuro de Wakanda

Importa recordar que Black Panther 3 é um dos poucos projectos de grande escala que a Marvel confirmou oficialmente como estando em desenvolvimento activo para o período pós-Secret Wars. A utilização do multiverso permitiria introduzir uma nova versão de T’Challa proveniente de outra realidade, preservando o impacto emocional da perda retratada em Wakanda Forever e, ao mesmo tempo, garantindo que o Pantera Negra continua a ser um pilar central do MCU na próxima década.

Esta abordagem permitiria uma distinção clara entre a era marcada por Chadwick Boseman e um novo capítulo, evitando comparações directas e respeitando o peso histórico do personagem.

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Um legado que não se apaga — transforma-se

Mais do que uma simples questão de casting, o eventual regresso de T’Challa levanta uma pergunta maior: como continuar um legado sem o desvirtuar? A Marvel parece consciente de que qualquer decisão terá de equilibrar respeito, inovação e necessidade narrativa. Se Damson Idris será ou não o próximo Rei de Wakanda, o tempo dirá. Mas uma coisa é certa: o Pantera Negra ainda tem muitas histórias para contar.

O Homem dos Olhos Tristes: A Humanidade Ímpar de Vincent Schiavelli

Como um rosto improvável se tornou inesquecível na História do Cinema

Era conhecido como o homem dos olhos tristes. Um olhar melancólico, uma voz quebrada, uma presença que parecia carregar sempre um peso invisível. Vincent Schiavelli nunca correspondeu aos padrões clássicos de Hollywood — e foi precisamente isso que o tornou inesquecível. Com 1,96 metros de altura e traços faciais singulares, consequência da síndrome de Marfan, Schiavelli transformou aquilo que poderia ser visto como uma limitação num verdadeiro selo artístico. O cinema ganhou, assim, um actor capaz de dar alma, fragilidade e humanidade aos personagens mais estranhos e desconfortáveis.

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Um secundário que nunca passava despercebido

Ao longo de uma carreira com mais de 150 participações entre cinema e televisão, Vincent Schiavelli construiu uma galeria de personagens que permanecem na memória colectiva. Em Ghost, foi o icónico fantasma do metro — uma aparição breve, mas suficiente para se tornar uma das imagens mais perturbadoras e recordadas do filme. Em Voando Sobre um Ninho de Cucos, realizado por Miloš Forman, interpretou Frederickson, um paciente frágil e atormentado, símbolo perfeito da vulnerabilidade emocional que atravessa o filme.

A sua capacidade para habitar o desconforto levou-o também ao universo gótico de Batman Returns, onde deu vida ao grotesco Organ Grinder, e a clássicos como Amadeus, O Povo Contra Larry Flynt ou O Amanhã Nunca Morre. Em todos eles, Schiavelli tinha o raro talento de transformar o papel secundário em algo profundamente humano e impossível de ignorar.

O actor preferido dos realizadores que procuravam humanidade

Miloš Forman chamou-o repetidamente porque sabia exactamente o que Schiavelli oferecia: empatia onde outros veriam caricatura. Colegas de profissão lembram-no como um actor generoso, capaz de rir de si próprio e de dar densidade emocional a personagens marginais. Onde muitos optariam pelo exagero, Schiavelli escolhia a contenção, o detalhe e o silêncio.

Era um intérprete que compreendia que o estranho não é o oposto do humano — é, muitas vezes, apenas a sua expressão mais honesta.

Entre o cinema e a cozinha: uma vida longe dos holofotes

Fora do ecrã, Vincent Schiavelli cultivava uma paixão aparentemente distante do cinema: a gastronomia. Neto de um cozinheiro siciliano, herdou o amor pela culinária italiana e chegou a escrever vários livros de receitas. Acabaria por se instalar em Polizzi Generosa, a aldeia da família materna, na Sicília, onde viveu de forma simples, cozinhando, escrevendo e acreditando que a comida era uma ponte entre gerações, memória e afectos.

Na vida pessoal, teve dois grandes amores. Foi casado com a actriz Allyce Beasley, com quem teve um filho, Andrea. Mais tarde, encontrou estabilidade ao lado de Carol Mukhalian, harpista, com quem viveu até ao fim.

Um adeus prematuro, um legado duradouro

Vincent Schiavelli morreu aos 57 anos, vítima de um cancro do pulmão, agravado pelo hábito de fumar. Na sua terra siciliana, foi decretado um dia de luto, e a câmara municipal acolheu a sua capela ardente — um gesto raro, reservado a quem deixa uma marca profunda na comunidade.

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O seu legado não se mede apenas no número impressionante de participações, mas na intensidade de cada uma. Schiavelli provou que mesmo os personagens mais breves podem conter um universo inteiro. E ensinou-nos, dentro e fora do cinema, que a vida — tal como a arte — é feita de ingredientes simples: memória, carinho, raízes… e humanidade.

O Filme Que Nasce da Dor: Hamnet Estreia em Fevereiro Depois de Conquistar Dois Globos de Ouro

A poderosa história de amor e perda que inspirou Hamlet chega finalmente aos cinemas portugueses

Depois de se afirmar como um dos títulos mais elogiados da temporada de prémios, Hamnet, da realizadora Chloé Zhao, prepara-se para chegar às salas de cinema portuguesas a 5 de Fevereiro. Distinguido com dois Globos de Ouro — Melhor Filme – Drama e Melhor Actriz – Drama — o filme surge como uma das obras mais emocionais e sensoriais do cinema recente, explorando as origens íntimas de Hamlet, a obra-prima de William Shakespeare.

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Protagonizado por Jessie Buckley, Paul Mescal e Emily Watson, Hamnet afasta-se deliberadamente do drama de época tradicional para construir um retrato profundamente humano sobre o amor conjugal, o luto e a forma como a criação artística nasce, muitas vezes, da dor mais íntima.

Inglaterra, 1580: amor, ausência e tragédia

A narrativa transporta-nos até à Inglaterra do século XVI, onde William Shakespeare é apresentado não como o génio consagrado, mas como um tutor de latim empobrecido, em busca de um lugar no mundo. É neste contexto que conhece Agnes, uma mulher de espírito livre, profundamente ligada à natureza e ao conhecimento intuitivo. A relação intensa entre ambos conduz ao casamento e ao nascimento de três filhos, mas também a uma separação geográfica e emocional, quando Will parte para Londres para perseguir uma carreira teatral em ascensão.

Agnes permanece no espaço doméstico, ligada à terra, aos filhos e a uma existência marcada pela espera. Quando a tragédia atinge a família, o filme mergulha sem filtros na experiência do luto, mostrando como a perda de um filho transforma irremediavelmente uma relação — e como dessa dor nasce uma das maiores obras da literatura ocidental.

Uma adaptação sensorial e profundamente contemporânea

Baseado no romance multipremiado de Maggie O’Farrell, Hamnet é descrito pela própria Chloé Zhao como “uma história sobre amor e morte e sobre a forma como estas experiências fundamentais se transformam mutuamente através da arte”. A realizadora, vencedora de um Óscar por Nomadland, constrói aqui um filme ancorado no corpo, na memória e na relação com a natureza, oferecendo uma experiência cinematográfica intensa, quase táctil.

O filme evita o academicismo e opta por uma abordagem sensorial, onde o silêncio, os gestos e os espaços naturais têm tanto peso narrativo como as palavras. O resultado é um retrato urgente e contemporâneo da condição humana, que fala directamente ao presente, apesar do seu enquadramento histórico.

Um percurso sólido na temporada de prémios

Hamnet tem sido uma presença constante e marcante na temporada de prémios 2025/2026. Para além dos dois Globos de Ouro — Melhor Filme – Drama e Melhor Actriz – Drama —, Jessie Buckley foi também distinguida com o prémio de Melhor Actriz nos Critics Choice Awards, e o filme recebeu o People’s Choice Award no Festival Internacional de Cinema de Toronto (TIFF), uma distinção frequentemente associada a futuros sucessos nos Óscares  .

Em Portugal, o filme teve a sua estreia nacional no LEFFEST e chega agora ao circuito comercial com distribuição da NOS Audiovisuais, consolidando-se como uma das estreias mais relevantes do início do ano cinematográfico.

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Quando a arte dá sentido à perda

Mais do que um filme sobre Shakespeare, Hamnet é uma obra sobre o que fica quando tudo parece perdido. Sobre como o amor não desaparece, mas se transforma. E sobre como a arte pode ser, simultaneamente, um acto de sobrevivência e de memória. Um filme que convida à contemplação, à empatia e ao silêncio — e que promete ficar com o espectador muito depois das luzes da sala se acenderem.

vê o trailer aqui

Uma Noite para a História: O Brasil Brilha nos Globos de Ouro e Hollywood Rende-seWagner Moura e O Agente Secreto fazem história numa cerimónia marcada por cinema, política e emoção

A 83.ª edição dos Globos de Ouro ficará para sempre gravada na história do cinema brasileiro — e não só. Numa noite intensa, politizada e cinematograficamente rica, O Agente Secreto e Wagner Moura colocaram o Brasil no centro do mapa da temporada de prémios, enquanto Batalha Atrás de Batalha, de Paul Thomas Anderson, emergia como o grande vencedor da noite em Los Angeles.

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O filme brasileiro venceu o Globo de Ouro de Melhor Filme em Língua Não Inglesa, enquanto Wagner Moura conquistou o prémio de Melhor Ator em Filme de Drama — uma estreia absoluta para um intérprete brasileiro nesta categoria. Um momento simbólico, mas também profundamente político e artístico, que confirma o excelente momento do cinema brasileiro nos grandes palcos internacionais.

https://twitter.com/goldenglobes/status/2010585131040616644?s=61

Um filme sobre memória, trauma e resistência

Realizado por Kléber Mendonça Filho, O Agente Secreto mergulha nos anos da ditadura militar brasileira, explorando a tensão psicológica, a ambiguidade moral e as marcas deixadas pelo trauma colectivo. Desde a sua estreia no Festival de Cannes, onde arrecadou os prémios de Melhor Realização e Melhor Ator, o filme tornou-se um dos títulos mais comentados do ano, tanto pela crítica como pelos votantes das principais academias.

No discurso de aceitação, Wagner Moura definiu o filme como “uma obra sobre memória, a falta de memória e o trauma geracional”, lembrando que, tal como o trauma, também os valores podem ser transmitidos entre gerações. O actor terminou o discurso em português, dirigindo-se directamente ao público brasileiro — um momento de forte carga emocional numa sala repleta de estrelas de Hollywood.

A consagração de um momento brasileiro

Este triunfo surge na continuidade de um período particularmente fértil para artistas brasileiros nos Globos de Ouro. No ano anterior, Fernanda Torres venceu o prémio de Melhor Actriz em Drama por Ainda Estou Aqui, de Walter Salles, filme que viria mais tarde a conquistar o Óscar de Melhor Filme Internacional.

Ao receber o prémio de Melhor Filme em Língua Não Inglesa, Kléber Mendonça Filho dedicou-o aos jovens cineastas, sublinhando que este é “um momento crucial para fazer cinema”, tanto nos Estados Unidos como no Brasil.

Batalha Atrás de Batalha: o grande vencedor da noite

Se o Brasil viveu um momento histórico, a noite teve um claro dominador. Batalha Atrás de Batalha, drama com contornos de sátira política sobre um revolucionário envelhecido e a sua filha adolescente, chegou aos Globos com nove nomeações e saiu com quatro estatuetas: Melhor Filme em Musical ou Comédia, Melhor Argumento, Melhor Realização e Melhor Actriz Secundária para Teyana Taylor.

No seu discurso, Taylor deixou uma das frases mais marcantes da noite: “A nossa luz não precisa de permissão para brilhar”, dirigindo-se às mulheres e raparigas racializadas que se viram representadas naquele momento.

Cinema nos cinemas — e séries em alta

Outro dos discursos mais aplaudidos foi o de Stellan Skarsgård, vencedor de Melhor Actor Secundário por Valor Sentimental, que aproveitou para defender a experiência colectiva das salas de cinema: “O cinema deve ser visto nos cinemas”.

Na televisão, a grande surpresa foi The Pitt, da HBO Max, eleita Melhor Série Dramática, com Noah Wyle a vencer como Melhor Actor. Já Adolescência, da Netflix, dominou a categoria de Minissérie, arrecadando quatro prémios, incluindo Melhor Série e três distinções de interpretação.

Uma cerimónia com consciência social

Apresentada por Nikki Glaser, a cerimónia não fugiu à sátira política nem à crítica social, com referências a figuras como Donald Trump e ao caso Jeffrey Epstein. Várias celebridades desfilaram ainda na passadeira vermelha com pins “Be good”, numa homenagem a Renee Good e num gesto de protesto contra a violência policial e as políticas migratórias nos EUA.

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Uma noite onde o cinema, a televisão e a política se cruzaram — e onde o Brasil escreveu, finalmente, uma das suas páginas mais importantes na história dos Globos de Ouro.

Jon Hamm: Porque Nunca Se Tornou um Nome de Bilheteira à Moda de George Clooney?

Um talento indiscutível… mas sempre à margem do estrelato cinematográfico

A pergunta surge com frequência entre cinéfilos atentos: porque razão Jon Hamm nunca se tornou um verdadeiro “actor de bilheteira” como George Clooney, apesar de ser amplamente reconhecido, respeitado e dono de um talento mais do que comprovado? A resposta parece menos relacionada com falta de capacidade e mais com as escolhas — ou ausência delas — por parte de Hollywood.

Jon Hamm tornou-se uma figura incontornável da cultura popular graças a Mad Men, onde deu vida ao icónico Don Draper. Foi um papel transformador, que lhe trouxe prémios, aclamação crítica e estatuto de actor de primeira linha. No entanto, esse reconhecimento nunca se traduziu numa carreira cinematográfica como protagonista de grandes produções ou filmes “oscarizáveis”.

O cinema viu-o sempre como secundário

Ao contrário de George Clooney, que rapidamente passou da televisão para o cinema como protagonista carismático e rentável, Hamm foi quase sempre empurrado para papéis secundários. Bons papéis, é certo — mas raramente centrais.

Em Top Gun: Maverick, Hamm está irrepreensível como o Vice-Almirante Beau “Cyclone” Simpson, uma figura rígida e institucional que funciona como contraponto perfeito ao Maverick de Tom Cruise. Curiosamente, a sua presença no filme não resultou de uma aposta estratégica do estúdio, mas sim de uma ligação pessoal: Cruise conheceu Hamm anos antes, numa conversa informal em casa de Jimmy Kimmel, e guardou o nome. Quando chegou a hora de arrancar com Top Gun: Maverick, Hamm foi chamado.

Outro exemplo claro surge em The Town, onde Hamm interpreta o agente do FBI Adam Frawley. O papel nasceu do entusiasmo de Ben Affleck, fã declarado de Mad Men, que decidiu integrá-lo no elenco enquanto a série ainda estava no ar. Mais uma vez, Hamm brilhou — mas não liderou.

Uma carreira moldada por decisões de estúdio (e talvez de agência)

Ao longo dos anos, Jon Hamm participou em vários filmes, mas nunca lhe foi confiado um projecto de grande orçamento ou prestígio artístico onde fosse o protagonista absoluto. Não um blockbuster, não um drama pensado para prémios. A responsabilidade parece recair menos sobre o actor e mais sobre os estúdios — e, possivelmente, sobre uma gestão de carreira demasiado conservadora por parte da sua agência.

Hollywood nunca pareceu disposta a “arriscar” em Hamm como cabeça de cartaz, apesar de ele reunir carisma, presença e profundidade dramática suficientes para o efeito.

A televisão continua a ser o seu território natural

Onde Hamm continua a reinar é na televisão. O seu trabalho mais recente em Your Friends and Neighbours voltou a confirmar aquilo que muitos já sabiam: quando lhe dão espaço, material e tempo, Hamm entrega performances ricas, subtis e memoráveis. A primeira temporada foi amplamente elogiada e reforçou a ideia de que os criadores televisivos sabem exactamente como aproveitar o actor — algo que o cinema, até hoje, não conseguiu ou não quis fazer.

Um actor subvalorizado à espera do papel certo

Jon Hamm continua a ser um dos actores mais subvalorizados da sua geração no grande ecrã. Falta-lhe aquele papel decisivo — o filme certo, no momento certo — que prove aquilo que a televisão já demonstrou vezes sem conta. Se esse dia chegar, não será surpresa para quem tem acompanhado a sua carreira de perto. Será apenas justiça tardia.

Luxo, intrigas e mortes à vista: The White Lotus escolhe Saint-Tropez para a 4.ª temporada

Um château do século XIX torna-se o novo epicentro do caos

A próxima paragem de The White Lotus já está definida — e promete elevar ainda mais a fasquia do luxo. A série criada por Mike White* vai instalar-se no imponente Château de la Messardière, em Saint-Tropez, no sul de França, que servirá como principal localização da quarta temporada. O edifício do século XIX fará as vezes de mais um hotel de luxo da fictícia cadeia onde, como manda a tradição da série, os hóspedes raramente saem ilesos.

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Situado ligeiramente afastado do centro da cidade, mas com vistas privilegiadas sobre o Mediterrâneo, o Château de la Messardière é um verdadeiro postal da Riviera Francesa. Aberto apenas entre o final de Abril e meados de Outubro, o hotel pratica preços à altura do seu estatuto: uma noite no quarto mais modesto pode ultrapassar os 1.300 dólares logo no fim-de-semana de abertura da época.

França volta a receber a sátira mordaz da HBO

A HBO confirmou ainda em Novembro que a quarta temporada seria filmada em França, marcando a segunda incursão europeia da série, depois da muito comentada segunda temporada rodada em Itália. Antes disso, The White Lotus passou pelo Havai e pela Tailândia, sempre usando destinos paradisíacos como pano de fundo para uma crítica feroz às elites endinheiradas e às suas contradições morais.

Como é habitual, os detalhes da nova temporada estão a ser mantidos sob forte sigilo. Ainda assim, já se sabe que os primeiros actores confirmados no elenco são Alexander Ludwig e AJ Michalka. Mike White encontra-se actualmente a escrever os novos episódios, ao mesmo tempo que prepara a sua participação na 50.ª temporada do programa Survivor, da CBS — um detalhe curioso para um criador conhecido por explorar jogos de poder, alianças frágeis e conflitos latentes.

Um cenário com história… e passado aristocrático

O Château de la Messardière não foi escolhido ao acaso. De acordo com o site oficial do hotel, o edifício foi construído no século XIX por Gabriel Dupuy d’Angeac, um abastado comerciante de conhaque, que o ofereceu como presente de casamento à filha Louise. Após a morte do marido, Louise transformou a propriedade num hotel, que se tornou refúgio da elite parisiense nos anos 1920.

Depois de décadas de abandono, o château foi restaurado em 1989 e integra hoje o exclusivo grupo Airelles, especializado em hotéis de luxo. Um passado aristocrático, decadência e renascimento — ingredientes que encaixam perfeitamente no ADN de The White Lotus.

Produção arranca na Primavera

As filmagens da quarta temporada deverão arrancar já na Primavera, recorrendo não só ao château como também a outras localizações em França. Mike White volta a assumir a produção executiva ao lado de David Bernad e Mark Kamine, garantindo continuidade criativa a uma das séries mais comentadas e premiadas dos últimos anos.

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Se o cenário promete glamour absoluto, a história deverá, como sempre, expor o lado mais feio por trás das fachadas douradas. Em The White Lotus, quanto mais luxuoso é o hotel, maior costuma ser a contagem de cadáveres.

Processo contra Top Gun: Maverick entra em queda livre e Paramount soma nova vitória em tribunal

Juiz federal rejeita alegações de co-autoria do argumento

A turbulência judicial em torno de Top Gun: Maverick voltou a terminar com uma vitória clara para a Paramount. Pela segunda vez em menos de uma semana, um tribunal federal norte-americano rejeitou uma acção judicial que colocava em causa a autoria do argumento do sucesso de 2022, desta vez de forma ainda mais contundente.

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O juiz federal Jed Rakoff decidiu arquivar definitivamente o processo movido por Shaun Gray, que alegava ter contribuído de forma substancial para o argumento do filme. Mais do que isso, o magistrado abriu caminho para que avancem as contra-acusações da Paramount Pictures, incluindo alegações de fraude e violação de direitos de autor por parte do próprio queixoso.

Na decisão, o juiz foi directo: o alegado copyright de Gray é inválido, o que torna inútil analisar qualquer outro argumento apresentado pela defesa. Um veredicto que, na prática, coloca o processo “fora de combate” antes mesmo de ganhar altitude.

Alegações frágeis e um argumento já protegido

Shaun Gray, primo e antigo assistente do argumentista creditado Eric Warren Singer, defendia que trabalhou directamente no guião com Singer e com o realizador Joseph Kosinski, tendo escrito cenas-chave de acção que ajudaram a transformar o filme num fenómeno de bilheteira.

O problema, segundo o tribunal, é simples: Gray nunca informou formalmente a Paramount de que estaria a escrever para o projecto. Mais ainda, o juiz sublinhou que Top Gun é uma propriedade intelectual totalmente protegida desde o filme original de 1986, sendo “evidente” que quaisquer cenas alegadamente escritas por Gray derivam directamente desse universo, personagens e estrutura narrativa.

Ou seja, mesmo que tivesse contribuído, estaria sempre a trabalhar sobre material pré-existente pertencente ao estúdio, o que enfraquece de forma decisiva qualquer pretensão de direitos de autor independentes.

Contra-ataque da Paramount segue para julgamento

A decisão judicial não se limitou a encerrar o processo de Gray. Pelo contrário, mantém vivas as contra-acusações da Paramount, que alega que o autor desvalorizou deliberadamente a propriedade intelectual do estúdio ao ocultar as suas alegadas contribuições enquanto colaborava informalmente com Singer.

Para o estúdio, este silêncio estratégico terá criado riscos legais desnecessários e potenciais danos comerciais. Um argumento que o tribunal considerou suficientemente sólido para seguir para julgamento.

Em comunicado, a Paramount mostrou-se satisfeita com o desfecho: o estúdio sublinha que a decisão confirma a fragilidade das alegações e permite avançar com a defesa activa da sua propriedade intelectual.

Um historial recente favorável ao estúdio

Este caso surge pouco depois de outra derrota judicial relacionada com Top Gun, quando um tribunal de recurso rejeitou a tentativa da família de Ehud Yonay — autor do artigo “Top Guns” que inspirou o filme original — de travar legalmente Top Gun: Maverick e futuros projectos da saga, incluindo um eventual Top Gun 3.

The Pitt: a série médica que os próprios médicos dizem ser assustadoramente real

Com estas decisões, o franchise protagonizado por Pete “Maverick” Mitchell parece finalmente livre de ameaças legais sérias. Tal como no ecrã, também nos tribunais, mexer com Top Gun continua a revelar-se uma má ideia.

De Hollywood para África Ocidental: Meagan Good e Jonathan Majors tornam-se cidadãos da Guiné

Uma cerimónia discreta, mas carregada de simbolismo

Meagan Good e Jonathan Majors, um dos casais mais comentados de Hollywood nos últimos anos, receberam oficialmente a cidadania da Guiné, país da África Ocidental, após terem rastreado a sua ascendência até à região através de testes de ADN. A distinção foi atribuída numa cerimónia privada realizada na sexta-feira, em Conacri, capital do país, longe dos holofotes mediáticos, mas com um forte peso simbólico e político.

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Durante o evento, Djiba Diakité, chefe do gabinete do Presidente da Guiné, deixou palavras claras sobre o significado do gesto: “Pensamos que fazem parte dos filhos e filhas dignos desta Guiné. Representam o nosso país, a bandeira vermelho-amarelo-verde, em todo o mundo.” O casal tem ainda prevista uma visita a vários pontos turísticos do país, num gesto que procura reforçar a ligação agora formalizada.

O percurso atribulado de Jonathan Majors

Para Jonathan Majors, esta distinção surge num momento particularmente delicado da sua carreira. O actor parecia destinado ao topo absoluto da indústria cinematográfica após o reconhecimento crítico em filmes como Da 5 Bloods e na série Lovecraft Country. A sua escolha para interpretar Kang, o Conquistador, no universo da Marvel colocava-o como uma das grandes apostas do estúdio para os próximos anos.

Tudo mudou em 2023, quando foi detido após uma altercação com a então namorada, acabando por ser condenado por agressão e assédio. A Marvel afastou-o imediatamente dos seus projectos futuros e Magazine Dreams, filme que chegou a ser apontado como potencial candidato aos Óscares, ficou congelado até ao ano passado. Desde então, Majors tem tentado reconstruir a sua imagem pública e profissional, num processo longo e longe de consensos.

Uma relação sob escrutínio constante

Meagan Good, actriz com uma carreira sólida em cinema e televisão, começou a namorar Majors em 2023 e manteve-se sempre ao seu lado durante o mediático julgamento em Nova Iorque. O casal ficou noivo em 2024 e acabou por casar no ano passado, numa cerimónia pequena e improvisada, coincidindo com a promoção de Magazine Dreams. A atribuição da cidadania guineense surge, assim, como um novo capítulo numa história pessoal e pública marcada por altos e baixos.

Um movimento mais amplo de regresso às origens

A Guiné junta-se a outros países africanos que têm concedido cidadania a descendentes de pessoas escravizadas. Em 2024, a cantora Ciara tornou-se cidadã do Benim, enquanto o Gana naturalizou mais de 500 afro-americanos, na sequência do convite lançado em 2019 pelo então Presidente Nana Akufo-Addo, no âmbito das comemorações dos 400 anos da chegada dos primeiros africanos escravizados à América do Norte.

O contexto político guineense

Esta decisão surge num momento politicamente sensível para o país. A Guiné é governada desde 2021 pelo líder da junta militar, o general Mamadi Doumbouya, que chegou ao poder após um golpe de Estado. No mês passado, foi declarado vencedor das eleições presidenciais, num processo fortemente criticado pela repressão da oposição e pela ausência de adversários relevantes.

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Ainda assim, a atribuição da cidadania a figuras internacionais como Good e Majors reforça a estratégia do país em projectar uma imagem de reconexão histórica e cultural com a diáspora africana.

The Pitt: a série médica que os próprios médicos dizem ser assustadoramente real

Quando a ficção se aproxima demais da urgência dos nossos dias

Nos primeiros cinco minutos da nova temporada de The Pitt, percebe-se que não estamos perante mais um drama hospitalar formatado para romances fáceis ou reviravoltas improváveis. Uma sala de espera caótica, avisos contra comportamentos agressivos, uma placa memorial para vítimas de um tiroteio em massa e um paciente carregado de sacos cheios de suplementos “milagrosos”. Para muitos médicos, isto não é exagero televisivo — é simplesmente mais um turno de trabalho.

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A segunda temporada da série, disponível na HBO Max, tem sido amplamente elogiada por profissionais de saúde pela forma crua e honesta como retrata a medicina nos anos 2020: um sistema pressionado, politizado, corporativo e profundamente humano.

Um dia inteiro no inferno… contado hora a hora

Cada temporada de The Pitt decorre ao longo de um único dia num serviço de urgência de um hospital fictício de Pittsburgh. Cada episódio corresponde a uma hora de um turno de 15 horas. Esta estrutura impõe um ritmo implacável e elimina qualquer tentação de enredos paralelos artificiais.

Não há tempo para romances de corredor ou diagnósticos milagrosos de última hora. Há, sim, jargon médico lançado a alta velocidade, decisões difíceis tomadas sob pressão e profissionais exaustos a tentar fazer o melhor possível com recursos claramente insuficientes. É um retrato que funciona como microcosmo não só da medicina, mas também de uma América fragmentada.

“A série médica mais fiel alguma vez feita”

Muitos médicos já tinham elogiado a primeira temporada, mas a nova leva de episódios parece ir ainda mais longe. Profissionais de urgência chegaram mesmo a convidar Noah Wyle, protagonista da série, para a sua conferência anual — um selo de autenticidade raro neste género.

Segundo o pediatra Alok Patel, que acompanha de perto a série e co-apresenta o podcast oficial, The Pitt consegue captar “a totalidade da experiência de trabalhar na saúde: os altos, os baixos e as frustrações”. Não significa que todos os turnos sejam sempre caóticos, mas a série assume, sem pudor, as licenças dramáticas necessárias — sem trair a essência da realidade.

Burocracia, contas médicas e desinformação

Um dos aspectos mais elogiados desta nova temporada é a forma como aborda temas habitualmente ignorados pela televisão: burocracia hospitalar, seguros de saúde, contas médicas incomportáveis e a constante interferência administrativa na prática clínica.

A desinformação médica também ocupa um lugar central. Há pacientes que chegam munidos de “verdades” encontradas nas redes sociais, desconfiados da ciência, mas sobretudo confusos — sem saber em quem confiar. A série não os retrata como vilões, mas como reflexo de um sistema falhado.

Violência, desgaste emocional e médicos que também são pessoas

The Pitt volta a abordar a crescente violência física e verbal contra profissionais de saúde, um problema real e cada vez mais comum. Os ataques são frequentemente desvalorizados pelas próprias personagens, revelando uma cultura de normalização do abuso que tem consequências profundas na saúde mental de quem cuida.

A chegada da nova médica assistente, Dr. Baran Al-Hashimi, interpretada por Sepideh Moafi, introduz um choque geracional com o veterano Dr. Michael “Robby” Robinavitch, de Noah Wyle. O confronto entre visões sobre inteligência artificial, produtividade e humanidade no cuidado médico torna-se um dos eixos mais interessantes da temporada.

Uma série que ensina sem dar lições

No meio do caos, The Pitt encontra espaço para algo raro: lições de vida discretas, quase escondidas, que só se revelam plenamente com o tempo — ou numa segunda visualização. Porque, como a série lembra, a humanidade não fica à porta do hospital quando alguém adoece.

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É precisamente por isso que The Pitt não é apenas uma série sobre medicina. É uma série sobre pessoas, sistemas em ruptura e a difícil arte de continuar a cuidar quando tudo à volta parece estar a falhar.

Surpresas nos BAFTA: George Clooney, Dwayne Johnson e Julia Roberts ficam fora da longlist

A corrida aos Óscares começa a ganhar contornos inesperados

A divulgação das longlists dos BAFTA Film Awards trouxe algumas surpresas de peso e deixou desde já claro que a temporada de prémios está longe de ser previsível. Entre os grandes ausentes deste primeiro corte estão nomes tão sonantes como George Clooney, Dwayne Johnson e Julia Roberts, todos eles com forte presença mediática nesta época e nomeações garantidas nos Golden Globes, que decorrem este domingo.

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As longlists, agora tornadas públicas, funcionam tradicionalmente como um importante termómetro para os Óscares, já que os BAFTA têm vindo a espelhar com frequência os resultados da Academia norte-americana. As nomeações finais serão anunciadas a 27 de Janeiro, com seis candidatos em cada categoria de interpretação.

Quando os BAFTA antecipam os Óscares… e quando não

Os números falam por si. Nos últimos 15 anos, 13 vencedores do BAFTA de Melhor Actor acabaram por repetir o triunfo nos Óscares. No caso das actrizes, 10 das últimas 12 vencedoras dos BAFTA arrecadaram também a estatueta dourada. Desde o início do século, apenas por duas vezes um actor venceu o Óscar sem sequer ter sido nomeado para um BAFTA — Matthew McConaughey (Dallas Buyers Club, 2014) e Denzel Washington (Training Day, 2002). O mesmo padrão raro repete-se na categoria feminina, com Jessica Chastain e Sandra Bullock como excepções.

Este historial torna ainda mais intrigante a ausência de Clooney, Johnson e Roberts da longlist.

Clooney elogiado, Johnson ovacionado… mas sem BAFTA

George Clooney tem recebido elogios entusiásticos pela sua interpretação em Jay Kelly, com a New York Magazine a afirmar tratar-se “da melhor performance da sua vida”. Ainda assim, o actor ficou fora da longlist principal, ao contrário do seu colega de elenco Adam Sandler, que surge na lista de Melhor Actor Secundário, mantendo viva a possibilidade da sua primeira nomeação aos BAFTA.

Já Dwayne Johnson era apontado como um potencial candidato forte aos Óscares graças a The Smashing Machine, filme sobre as origens do UFC que arrancou uma ovação de 15 minutos no Festival de Cinema de Veneza. A reacção emocionada do actor correu mundo — mas não chegou para convencer os votantes britânicos nesta fase.

Julia Roberts, por sua vez, concorre este fim-de-semana a um Globo de Ouro pelo seu papel em After the Hunt, de Luca Guadagnino, onde interpreta uma professora da Universidade de Yale. A sua última nomeação aos BAFTA remonta já a 2013, com August: Osage County.

Filmes excluídos, elegibilidade polémica e apostas fortes

A lista revelou ainda algumas exclusões inesperadas. O favorito ao Óscar de Melhor Filme de Animação, KPop Demon Hunters, foi considerado inelegível por ter estreado primeiro em streaming no Reino Unido, antes da sua curta passagem pelas salas de cinema. Também o actor brasileiro Wagner Moura ficou de fora pela sua participação no thriller político The Secret Agent, apesar de surgir como forte aposta nos sites de previsão como o Gold Derby.

Entre os filmes totalmente ignorados pelos BAFTA destacam-se o biopic Springsteen: Deliver Me from Nowhere e Anemone, o aguardado regresso de Daniel Day-Lewis após oito anos afastado do cinema.

Quem domina a corrida até agora

No topo da longlist surge One Battle After Another, de Paul Thomas Anderson, com 16 menções, incluindo Leonardo DiCaprio e um elenco de luxo que passa por Sean Penn, Benicio Del Toro e Teyana Taylor. Seguem-se Hamnet e Sinners(14), Marty Supreme (13), Bugonia e Frankenstein (12).

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Destaque ainda para o sucesso britânico I Swear, baseado na história real de John Davidson, e para The Ballad of Wallis Island, com Carey Mulligan na lista de Melhor Actriz Secundária. Já Goodbye June, a estreia na realização de Kate Winslet, marca presença na categoria de Melhor Filme Britânico.

Com as nomeações finais prestes a serem reveladas, a corrida aos BAFTA — e aos Óscares — promete ainda muitas reviravoltas.

Black Mirror regressa para a oitava temporada na Netflix — e a realidade continua a aproximar-se perigosamente

Charlie Brooker confirma novos episódios da série distópica mais influente da televisão moderna

É oficial: Black Mirror vai regressar para uma oitava temporada na Netflix. O anúncio foi feito pelo próprio Charlie Brooker, que confirmou estar já a escrever os novos episódios daquela que se tornou uma das séries mais duradouras — e inquietantes — do catálogo da plataforma.

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“I can confirm that Black Mirror will return, just in time for reality to catch up with it”, afirmou Brooker, num comentário que resume na perfeição o espírito da série: um espelho negro que, ao longo dos anos, deixou de parecer ficção científica para se transformar num exercício desconfortavelmente próximo do quotidiano.

Uma série que continua a reinventar-se — sem perder identidade

Quase 15 anos depois da sua estreia original no Channel 4, Black Mirror mantém-se relevante precisamente porque nunca se acomodou. Brooker explicou que o processo criativo da nova temporada segue a lógica habitual: questionar o que ainda não foi explorado e decidir qual o “tom” adequado para este novo capítulo.

A analogia musical usada pelo criador é reveladora: cada temporada funciona como uma faixa diferente no mesmo álbum, com variações de ritmo, intensidade e género. Essa liberdade criativa tem permitido à série oscilar entre a sátira tecnológica, o drama existencial e, mais recentemente, o terror puro.

Do “Red Mirror” ao regresso às origens

Brooker já havia explicado que a sexta temporada funcionou como uma espécie de “Red Mirror”, com histórias mais próximas do horror clássico e menos centradas na tecnologia. Já a sétima temporada, segundo o próprio, regressou a uma abordagem mais alinhada com os primeiros anos da série — uma combinação de tecnologia, comportamento humano e consequências morais.

A oitava temporada, para já, mantém-se envolta em mistério. Não foram revelados detalhes sobre o elenco nem sobre o tom dominante, o que só aumenta a expectativa em torno dos novos episódios.

Uma série premiada… e em constante mutação

A confirmação da nova temporada surge numa altura particularmente simbólica. Black Mirror está nomeada para Melhor Série Limitada ou Antologia nos Golden Globes, com Rashida Jones e Paul Giamatti também nomeados pelas suas participações na sétima temporada.

Essa temporada incluiu episódios como “Common People”, protagonizado por Jones, “Eulogy”, com Giamatti, e ainda a primeira sequela oficial da série: o regresso ao universo de “USS Callister”, um dos episódios mais icónicos de Black Mirror.

Um futuro para lá do espelho

Entretanto, Brooker continua a expandir o seu universo criativo fora de Black Mirror. O autor está actualmente a desenvolver uma nova série policial para a Netflix, ainda sem título, protagonizada por Paddy Considine, Lena Headeye Georgina Campbell. Descrita com humor como “o mais sério policial de todos os tempos”, a série promete seguir uma linha deliberadamente auto-consciente — uma marca registada do criador.

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Quanto a Black Mirror, mais informações sobre a oitava temporada deverão ser reveladas em breve. Até lá, fica a certeza de que, enquanto a tecnologia continuar a avançar mais depressa do que a nossa capacidade de a compreender, haverá sempre espaço para mais um reflexo perturbador no espelho negro.

Heated Rivalry: a série que incendiou as redes chega finalmente à HBO Max em Portugal

Rivalidade no gelo, paixão fora dele — e uma data de estreia muito aguardada

Depois de semanas de expectativa e de um burburinho constante nas redes sociais, já há confirmação oficial: Heated Rivalry estreia em Portugal no próximo 23 de Janeiro, em exclusivo na HBO Max. A primeira temporada, composta por seis episódios, será lançada semanalmente, com novos capítulos até ao desfecho marcado para 27 de Fevereiro.

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Descrita por muitos como “a série do momento”, Heated Rivalry chega envolta numa aura de fenómeno cultural raro, impulsionado por uma base de fãs fervorosa, trailers virais e uma história que cruza desporto de alta competição com um romance intenso e emocionalmente complexo.

Uma criação de Jacob Tierney que vai muito além do desporto

Criada por Jacob Tierney, conhecido pelo trabalho em Letterkenny e Shoresy, a série acompanha a trajectória de dois jogadores de hóquei rivais: Shane Hollander (Hudson Williams) e Ilya Rozanov (Connor Storrie).

Ambos são estrelas emergentes da fictícia Major League Hockey e partilham uma ambição feroz, um espírito competitivo quase obsessivo… e uma atracção que nenhum dos dois consegue explicar — ou aceitar — de imediato. O que começa como um caso secreto entre dois jovens atletas transforma-se, ao longo de oito anos, numa relação marcada por negação, desejo, medo e autodescoberta.

Amor, identidade e pressão num mundo implacável

Heated Rivalry distingue-se por não romantizar o desporto profissional. Pelo contrário, expõe a pressão constante, a cultura de masculinidade tóxica e o silêncio emocional que ainda domina muitos balneários. Shane e Ilya são obrigados a dividir-se entre o gelo — onde tudo é força, resistência e agressividade — e a vida privada, onde sentimentos considerados “frágeis” podem ser vistos como uma ameaça à carreira.

A série questiona, com sensibilidade e frontalidade, se há espaço para o amor verdadeiro num mundo ferozmente competitivo, onde a imagem pública vale tanto quanto o talento.

Dos livros para o ecrã… e para o TikTok

A série é uma adaptação dos livros Game Changers, da autora canadiana Rachel Reid, e foi originalmente produzida para a plataforma Crave. No entanto, foi o primeiro trailer — com pouco mais de 90 segundos — que lançou Heated Rivalrypara o estrelato global, tornando-se viral no TikTok e alimentando uma avalanche de reacções, teorias e excertos partilhados.

Em declarações ao Hollywood Reporter, o produtor executivo Brendan Brady reconheceu o peso da comunidade de fãs no sucesso da série: “Queríamos corresponder às expectativas dos fãs. O envolvimento deles abriu portas a oportunidades incríveis”.

Um fenómeno pronto a conquistar Portugal

Com um elenco secundário sólido — que inclui François Arnaud, Christina Chang, Dylan Walsh, Sophie Nélisse e Ksenia Daniela Kharlamova — e uma abordagem emocionalmente honesta, Heated Rivalry chega à HBO Max com tudo para conquistar também o público português.

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Mais do que uma série sobre hóquei, trata-se de uma história sobre identidade, desejo e coragem num mundo que raramente perdoa quem foge às regras não escritas. E é precisamente aí que reside a sua força.

Wonder Man: quando Hollywood, super-heróis e ego colidem na nova aposta da Marvel

A série que promete olhar para o MCU… por dentro

A Disney Plus estreia a 28 de Janeiro Wonder Man, uma das propostas mais curiosas e meta do universo Marvel até à data. Longe das batalhas cósmicas e dos destinos do multiverso, Wonder Man aposta num olhar irónico, quase satírico, sobre a própria indústria do entretenimento — e fá-lo a partir do ponto de vista de quem sonha com a fama… e de quem já a perdeu.

Situada algures entre a comédia dramática e a desconstrução do mito do super-herói, a série promete mostrar um lado raramente explorado do MCU: os bastidores de Hollywood, onde a ambição, o fracasso e o ego têm tanto peso como super-poderes.

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Simon Williams: um herói antes de ser herói

No centro da narrativa está Simon Williams, um aspirante a actor que luta para lançar a sua carreira num meio ferozmente competitivo. Simon é talento em bruto, mas ainda invisível — um rosto entre milhares à procura da oportunidade certa. Essa oportunidade surge de forma inesperada quando cruza o caminho de Trevor Slattery, actor em queda livre cuja fama pertence claramente ao passado.

O encontro entre estes dois homens, em extremos opostos da carreira, desencadeia uma descoberta improvável: o lendário e excêntrico realizador Von Kovak está a preparar um remake de Wonder Man, um antigo filme de super-heróis. De repente, o cinema dentro do cinema torna-se o verdadeiro palco da série.

Uma história sobre papéis — dentro e fora do ecrã

Wonder Man joga deliberadamente com camadas de ficção. Simon e Trevor não estão apenas a disputar um papel num filme fictício; estão a lutar por relevância, redenção e reconhecimento. A série explora a fragilidade da fama, o medo de ser esquecido e a obsessão de “chegar lá”, num meio onde o sucesso é volátil e implacável.

Ao mesmo tempo, o público é convidado a espreitar os bastidores da máquina de Hollywood: castings, egos inflados, decisões criativas absurdas e a tensão constante entre arte e indústria. Tudo isto filtrado pelo humor mordaz e autoconsciente que a Marvel tem vindo a afinar nos seus projectos mais recentes.

Uma Marvel diferente — e assumidamente meta

O grande trunfo de Wonder Man é assumir que o género dos super-heróis já tem história suficiente para brincar consigo próprio. A série não tenta reinventar o género pela acção, mas sim pelo comentário. É uma proposta que dialoga com o próprio público do MCU, convidando-o a rir, reflectir e reconhecer os clichés de um universo que conhece bem.

Sem abdicar do espectáculo, Wonder Man promete ser uma série mais adulta no discurso, mais subtil no tom e claramente interessada em explorar personagens — não apenas poderes.

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Estreia marcada

Com estreia marcada para 28 de Janeiro, Wonder Man posiciona-se como uma das apostas mais originais da Marvel no pequeno ecrã em 2026. Uma série sobre actores, filmes de super-heróis e o preço da ambição, onde o maior desafio pode não ser salvar o mundo… mas sobreviver a Hollywood.

Fevereiro no Cinemundo: um mês para cinéfilos sem pressa (e com memória)

Quando o frio aperta, o cinema responde à altura

Fevereiro pode ser curto, mas no Canal Cinemundo é um mês pensado para quem gosta de ficar — e sentir — até ao fim. A programação aposta numa combinação feliz entre estrelas consagradas, romances que atravessam décadas e filmes que marcaram gerações, daqueles que continuam a ganhar novas leituras sempre que regressam ao ecrã. É um Fevereiro para ver com tempo, atenção e aquela sensação confortável de rever velhos amigos.

Colin Farrell: a estrela do mês e um actor em permanente reinvenção

O grande destaque do mês é Colin Farrell, um actor que construiu a sua carreira a partir da recusa em ser previsível. Longe de se deixar prender a um único tipo de personagem, Farrell tem alternado entre superproduções, dramas intensos e cinema mais autoral, sempre com a mesma entrega física e emocional.

O especial Estrela do Mês ocupa as noites de sexta-feira, às 20h20, e traça um retrato sólido dessa versatilidade. Rumo à Liberdade abre o ciclo com uma narrativa de sobrevivência e resistência; Alexandre, o Grande mostra Farrell num dos papéis mais ambiciosos da sua carreira; Viúvas revela-o num registo mais contido, mas carregado de tensão; e Ava fecha o mês com um thriller moderno, seco e eficaz. Quatro filmes que ajudam a perceber porque é que Farrell continua a ser um nome incontornável do cinema contemporâneo.

Amores que não pedem licença ao tempo

Os domingos pertencem ao coração. O especial Amores por Entre Montes e Vendavais aposta em histórias que recusam a facilidade e preferem mostrar o amor como força transformadora — por vezes suave, outras vezes devastadora. Há romances clássicos como As Pontes de Madison County, onde cada silêncio pesa tanto como cada palavra, mas também títulos mais recentes que exploram o desejo, a imperfeição e as segundas oportunidades.

Eiffel, Alguém Tem Que Ceder e Viajantes: Instinto e Desejo convivem com propostas mais populares como Mr. & Mrs. Smith ou After – Depois do Desencontro, criando uma programação equilibrada entre romantismo adulto, paixão turbulenta e entretenimento puro. Filmes ideais para manhãs e tardes de domingo, quando o mundo pode esperar mais um pouco.

Lost in Translation: solidão, ligação e cinema no seu estado mais puro

Entre os filmes que merecem atenção especial este mês está Lost in Translation, uma obra que continua a tocar fundo em quem a revê. Realizado por Sofia Coppola, o filme é um estudo delicado sobre solidão, encontros improváveis e as ligações que nascem nos lugares mais inesperados.

Mais do que uma história de amor, Lost in Translation é um estado de espírito. A química entre Bill Murray e Scarlett Johansson, os silêncios carregados de significado e a cidade de Tóquio como personagem fazem deste filme uma escolha certeira para um público que aprecia cinema sensível, introspectivo e emocionalmente honesto. Um daqueles títulos que nunca perde força com o passar dos anos.

O Chacal: tensão clássica para quem gosta de thrillers à moda antiga

Outro regresso que fala directamente à memória cinéfila é O Chacal, um thriller tenso e eficaz que aposta na construção meticulosa do suspense. Com Bruce Willis num dos seus papéis mais frios e calculistas, o filme mantém um ritmo sólido e uma atmosfera de ameaça constante que o tornam perfeito para uma sessão nocturna.

O Chacal pertence a uma linhagem de thrillers que confiam mais na narrativa e na tensão psicológica do que no excesso de efeitos. É cinema de género bem feito, directo, e que continua a funcionar precisamente porque respeita o espectador.

Um mês pensado para quem gosta de cinema — e de voltar a ele

Fevereiro no Canal Cinemundo não é apenas sobre novidades ou estrelas do momento. É também sobre memória, redescoberta e a certeza de que há filmes que ganham ainda mais peso quando regressam ao pequeno ecrã no momento certo. Entre Colin Farrell, amores impossíveis, encontros silenciosos em Tóquio e assassinos metódicos, o canal constrói uma grelha que respeita quem vê cinema como algo mais do que simples passatempo.

Porque, no fim de contas, há meses que pedem pressa — e há outros, como este, que pedem apenas que carreguemos no play e fiquemos.

O ciclo percorre algumas das personagens mais marcantes do actor: começa com Rumo à Liberdade (6 de Fevereiro), passa pelo épico histórico Alexandre, o Grande (13 de Fevereiro), mergulha no thriller dramático Viúvas (20 de Fevereiro) e termina com Ava (27 de Fevereiro). Quatro filmes, quatro registos distintos, e a prova definitiva de que Farrell nunca escolhe o caminho mais fácil.

Amores que resistem a tudo — domingos dedicados à paixão no grande ecrã

Se as sextas são de intensidade dramática, os domingos são entregues ao coração. O especial Amores por Entre Montes e Vendavais ocupa as manhãs e tardes de Fevereiro com histórias de paixão que desafiam o tempo, a distância e as escolhas impossíveis.

Entre os destaques estão Eiffel, As Pontes de Madison County, Alguém Tem Que Ceder e Viajantes: Instinto e Desejo, acompanhados por títulos como After – Depois do Desencontro, O Amor é o Melhor Remédio, Mr. & Mrs. Smith e Resistir-lhe é Impossível. São filmes que falam de reencontros, despedidas, desejos adiados e sentimentos que teimam em não desaparecer — perfeitos para um domingo sem pressas.

Onde o cinema continua a acontecer

Com perto de 400 estreias por ano, ciclos dedicados a grandes nomes do cinema e uma programação que respeita o espectador exigente, o Canal Cinemundo continua a afirmar-se como um espaço onde o cinema é tratado com paixão e variedade. Fevereiro é apenas mais uma prova de que, quando o frio aperta lá fora, o melhor lugar pode muito bem ser o sofá — desde que esteja sintonizado no canal certo 🎬.

Uma nova curta pode nascer no meio do Atlântico: MiratecArts lança a segunda edição do Prémio Curta Pico

Um anúncio feito em noite de cinema e celebração

A MiratecArts anunciou oficialmente a segunda edição do Prémio Curta Pico, reforçando o seu compromisso com a criação cinematográfica nos Açores e, em particular, na ilha do Pico. O anúncio foi feito na noite de abertura do Montanha Pico Festival, no Auditório Municipal das Lajes do Pico, num momento que serviu também para celebrar o percurso internacional do vencedor da primeira edição do prémio.

A ocasião contou com a apresentação de First Date, da autoria de Luís Filipe Borges, uma curta-metragem que rapidamente se transformou num verdadeiro cartão-de-visita do talento emergente apoiado pelo Prémio Curta Pico.

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Um prémio pensado para filmar a ilha — e com a ilha

O Prémio Curta Pico é um projecto da MiratecArts com investimento directo dos três municípios da ilha montanha, num raro e significativo exemplo de cooperação cultural intermunicipal. Na apresentação estiveram presentes representantes das três autarquias: Catarina Manito, presidente da Câmara Municipal da Madalena, Susana Vasconcelos, vice-presidente da Câmara Municipal de São Roque do Pico, e Amílcar Goulart, vereador da Câmara Municipal das Lajes do Pico, acompanhados por Terry Costa, presidente da associação MiratecArts.

O concurso destina-se a realizadores, produtores ou produtoras que apresentem uma ideia para a rodagem de uma curta-metragem de ficção a filmar na ilha do Pico. O regulamento privilegia propostas que tenham a ilha como centro narrativo — seja pela sua história, tradições, paisagens, comunidades ou mesmo pela montanha enquanto personagem cinematográfica.

Um processo em duas fases e um olhar profissional

A selecção decorre em duas fases bem definidas. Numa primeira etapa, as propostas serão avaliadas por um júri composto por três elementos, um representante de cada município da ilha do Pico. Os projectos finalistas serão depois convidados a avançar para a segunda fase, onde terão de desenvolver a pré-produção da curta-metragem, incluindo equipa, orçamento e guião.

Nesta fase final, as propostas serão avaliadas por um júri de profissionais do sector audiovisual, sendo escolhida apenas uma ideia vencedora. O projecto seleccionado será anunciado em Janeiro de 2027, ano em que a curta-metragem será produzida e finalizada, com antestreia marcada para o Montanha Pico Festival 2028.

“Este é o plano para a segunda edição do Prémio Curta Pico”, sublinhou Terry Costa, destacando a ambição de continuar a criar cinema a partir da ilha, mas com alcance internacional.

Um exemplo de sucesso que continua a viajar

O impacto do prémio é já visível. First Date, vencedor da primeira edição, foi exibido em cerca de 50 festivais, em 16 países, e arrecadou 21 prémios, mantendo-se actualmente em circuito de distribuição no seu segundo ano. Um percurso que confirma a importância de iniciativas estruturadas de apoio à criação cinematográfica fora dos grandes centros urbanos.

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O regulamento e o documento oficial de candidatura estão disponíveis em www.picofestival.com, estando a MiratecArts aberta ao contacto de criadores interessados. O Montanha Pico Festival prossegue até 29 de Janeiro, com sessões regulares nas Lajes do Pico, São Roque e Madalena, reforçando o Pico como território vivo de cinema.