O Documentário da Netflix Produzido por 50 Cent Sobre Sean Combs Está a Chocar — e a Dividir

Sean Combs: The Reckoning junta décadas de acusações, rumores e testemunhos num retrato tão perturbador quanto controverso

Poucos documentários recentes conseguiram provocar uma reacção tão intensa como Sean Combs: The Reckoning, a nova produção da Netflix executivamente produzida por 50 Cent. Para muitos espectadores, o filme é simultaneamente infuriador e devastador, não tanto por revelar algo totalmente novo, mas por reunir num só lugar dezenas de histórias, acusações e testemunhos que há anos circulavam de forma dispersa na cultura hip-hop e nos media norte-americanos.

ler também : Fallout Temporada 2 Faz História no Rotten Tomatoes e Confirma que a Série é Muito Mais do que um Sucesso Passageiro

Lançado no final de 2025, o documentário surge num momento particularmente sensível da vida de Sean “Diddy” Combs, que nesse mesmo ano foi condenado em tribunal federal por dois crimes de transporte para fins de prostituição, cumprindo actualmente uma pena de 50 meses de prisão. Ainda assim, o filme opta por não se centrar no julgamento, preferindo traçar um retrato amplo do percurso do magnata da música, desde a infância até à queda pública.

O resultado é um trabalho denso, desconfortável e assumidamente acusatório, que levanta tantas questões sobre o comportamento de Combs como sobre o próprio modo como o poder funcionou — e foi protegido — durante décadas na indústria musical.

Uma infância marcada por violência, excessos e mitologia urbana

O documentário começa por recuar à infância de Diddy, filho de Melvin Earl Combs, um conhecido gangster nova-iorquino assassinado quando Sean tinha apenas três anos. A figura paterna ausente transforma-se rapidamente em mito, enquanto a mãe, Janice Combs, surge como uma presença complexa e controversa.

Testemunhos de amigos de infância descrevem uma casa marcada por festas constantes, figuras ligadas ao submundo criminal e uma exposição precoce a filmes de blaxploitation como Super Fly ou The Mack. O filme sugere que este ambiente terá moldado a visão de poder, masculinidade e sucesso de Diddy. Alegações de castigos físicos violentosdurante a infância são também abordadas, algo que Janice Combs rejeitou publicamente, acusando o documentário de distorcer a realidade.

A ascensão meteórica e o preço do sucesso

The Reckoning dedica grande parte do seu tempo à ascensão de Combs na indústria musical, desde os tempos como estagiário de Andre Harrell na Uptown Records até à fundação da Bad Boy Records, com o apoio financeiro do lendário executivo Clive Davis.

O documentário reconhece o impacto cultural de Diddy, nomeadamente na popularização do som hip-hop soul nos anos 90, através de artistas como Mary J. Blige, Jodeci e The Notorious B.I.G. Mas rapidamente passa do génio empresarial para um padrão recorrente de alegadas práticas abusivas, exploração financeira de artistas e uma cultura de intimidação nos bastidores da editora.

Vários antigos colaboradores e artistas afirmam nunca ter sido pagos de forma justa, descrevendo um ambiente em que o poder estava sempre concentrado numa única figura.

Tupac, Biggie e as acusações mais explosivas

Um dos segmentos mais delicados do documentário é a abordagem ao conflito entre as costas Leste e Oeste, envolvendo Bad Boy e Death Row Records. O filme recupera velhas suspeitas sobre a possível ligação de Diddy às mortes de Tupac Shakur e Notorious B.I.G., apresentando áudios inéditos e testemunhos polémicos.

Entre eles está o de Duane “Keefe D” Davis, actualmente à espera de julgamento pelo homicídio de Tupac, que afirma que Diddy terá oferecido um milhão de dólares para eliminar Tupac e Suge Knight — algo que Combs sempre negou. O documentário não apresenta provas conclusivas, mas expõe contradições, recuos e fragilidades nas versões oficiais que reacendem um debate com quase três décadas.

Abusos, violência e um padrão inquietante

A parte mais perturbadora de Sean Combs: The Reckoning surge quando o filme entra nas acusações de abuso sexual, violência doméstica e coerção psicológica. Mulheres como Joi Dickerson-Neal e Aubrey O’Day relatam experiências de alegado abuso, grooming e manipulação, enquanto antigos colaboradores descrevem comportamentos de humilhação pública e agressões físicas.

O documentário dedica também largos minutos aos chamados “freak-offs”, encontros sexuais prolongados e altamente controlados, envolvendo drogas, gravações e prostituição, descritos por várias testemunhas. Estes relatos são cruzados com mensagens, vídeos e padrões de comportamento que reforçam a imagem de um sistema cuidadosamente montado para garantir silêncio e submissão.

Nenhuma destas acusações é apresentada como sentença definitiva, mas o acumular de histórias cria um retrato difícil de ignorar.

A resposta de Diddy e a polémica em torno do filme

A reacção não tardou. A equipa legal de Sean Combs classificou o documentário como um “ataque unilateral”, acusando a Netflix de utilizar imagens roubadas e de entregar controlo criativo a 50 Cent, descrito como um inimigo declarado com motivações pessoais.

A Netflix e a realizadora Alexandria Stapleton rejeitam essas acusações, garantindo que todo o material foi obtido legalmente e que a equipa tentou, sem sucesso, obter comentários formais de Combs ao longo da produção.

Um documentário impossível de ignorar

Sean Combs: The Reckoning não é um filme confortável, nem pretende sê-lo. Não absolve, não condena judicialmente e não fecha histórias. O que faz é expor padrões, levantar dúvidas e obrigar o espectador a confrontar a forma como o poder, o dinheiro e a fama podem criar zonas de impunidade durante décadas.

Independentemente da opinião que cada um tenha sobre Diddy, o documentário deixa uma sensação clara: o que durante anos foi tratado como “rumor” ganhou finalmente uma forma organizada, documentada e impossível de descartar como simples boato.

ler também : Actores Britânicos Dizem Não à Digitalização e Enfrentam a Inteligência Artificial

É isso que o torna tão perturbador — e tão difícil de esquecer.

Fallout Temporada 2 Faz História no Rotten Tomatoes e Confirma que a Série é Muito Mais do que um Sucesso Passageiro

A adaptação da Amazon bate recordes, melhora os números da primeira temporada e passa a ser oficialmente canónica no universo dos jogos

A segunda temporada de Fallout chegou mais cedo do que o previsto — a Amazon decidiu antecipar a estreia do primeiro episódio — e bastaram poucas horas para a série entrar directamente para a história das adaptações de videojogos. As avaliações da crítica e do público no Rotten Tomatoes não só confirmam o entusiasmo em torno da nova temporada, como estabelecem múltiplos recordes inéditos, consolidando Fallout como a melhor adaptação live-action de um videojogo alguma vez feita.

ler também : Do Paddington a um Ícone Pop Global: Paul King Vai Realizar Filme de Labubu

À chegada, a temporada 2 apresentava uns impressionantes 98% de aprovação da crítica e 96% do público, tornando-se automaticamente a temporada 2 mais bem avaliada de sempre entre todas as séries live-action baseadas em videojogos. Um feito particularmente relevante num género onde as segundas temporadas costumam ser mais escrutinadas e, muitas vezes, mais divisivas.

Somando os resultados da primeira temporada, Fallout alcançou outro marco histórico: 95% de aprovação tanto da crítica como da audiência, superando concorrentes de peso. Para comparação, The Last of Us apresenta 94% da crítica, mas apenas 62% do público; Halo fica-se pelos 80% e 61%; Twisted Metal pelos 79% e 89%. Mesmo The Witcher, frequentemente citado como referência, surge bastante abaixo nestes indicadores. A conclusão é clara: os fãs de videojogos são difíceis de agradar — e Fallout conseguiu agradar a quase todos.

Há ainda um terceiro recorde relevante. A temporada 2 de Fallout está empatada com as adaptações de videojogos mais bem avaliadas de sempre pelo público, incluindo animação. Neste grupo entram títulos como Arcane, Castlevania e Cyberpunk: Edgerunners. No momento do lançamento, Fallout igualava Cyberpunk: Edgerunners com 95% de aprovação da audiência, chegando mesmo a ultrapassá-lo temporariamente com 96%.

Entretanto, após 24 horas adicionais de avaliações, registou-se uma ligeira actualização nos números: a temporada 2 desceu para 96% da crítica e 95% do público. Ainda assim, estes valores continuam a garantir todos os recordes previamente alcançados. Para perder o estatuto de melhor adaptação live-action, Fallout teria de descer até aos 94%, o que, neste momento, parece pouco provável.

Este sucesso é também uma vitória estratégica para a Amazon. A série já tinha arrecadado 17 nomeações para os Emmy, incluindo Melhor Série Dramática e Melhor Actor Principal, acabando por vencer nas categorias técnicas de figurinos e maquilhagem prostética. A segunda temporada surge agora como uma confirmação de que Fallout não foi um golpe de sorte, mas sim uma aposta criativa sólida e sustentada.

Narrativamente, a nova temporada leva a história até New Vegas, um dos cenários mais icónicos e adorados da saga de videojogos. Esta escolha representava um risco claro: mexer em território sagrado para os fãs poderia facilmente gerar rejeição. No entanto, pelo menos a avaliar pela recepção inicial, a série navegou essas águas com segurança. Momentos como a aparição do famoso dinossauro da torre de sniper funcionam como sinais claros de respeito e conhecimento profundo do material original.

A importância da série foi ainda reforçada por declarações recentes de Todd Howard, figura central da Bethesda, que confirmou que Fallout é canónica dentro do universo dos jogos. Em declarações à BBC, Howard afirmou que os eventos da série terão impacto directo no futuro da franquia, incluindo Fallout 5. Isso significa que o próximo jogo decorrerá num mundo onde os acontecimentos da série já ocorreram ou estão a ocorrer, algo inédito na relação entre videojogos e televisão.

Segundo a cronologia oficial, a série passa-se em 2296, nove anos depois de Fallout 4 e 219 anos após a Grande Guerra nuclear. O problema é que Fallout 5 continua a parecer distante: sem data para The Elder Scrolls VI, o próximo capítulo da saga Fallout poderá estar ainda a quase uma década de distância. Um contraste curioso com o momento de enorme popularidade que a série televisiva vive agora.

ler também : Avatar: Fire and Ash: O Filme Mais Longo — e Mais Fraco — da Saga de James Cameron

Seja como for, uma coisa é certa: Fallout deixou de ser apenas “uma boa adaptação”. É agora um ponto central do universo da franquia, um fenómeno crítico e popular, e um raro exemplo de como respeitar fãs antigos sem afastar novos públicos.

Do Paddington a um Ícone Pop Global: Paul King Vai Realizar Filme de Labubu

O criador de alguns dos filmes mais encantadores dos últimos anos prepara-se para levar ao cinema o fenómeno das bonecas que conquistaram a Ásia — e o mundo

Paul King, realizador dos adorados Paddington e do recente Wonka, prepara-se para dar um salto inesperado — mas perfeitamente coerente — para um novo universo cinematográfico. O cineasta britânico foi escolhido para realizar o filme de Labubu, projecto ainda em fase inicial de desenvolvimento, depois de a Sony Pictures ter adquirido os direitos de adaptação desta popular linha de bonecos de peluche que se tornou um verdadeiro fenómeno cultural.

ler também : Avatar: Fire and Ash: O Filme Mais Longo — e Mais Fraco — da Saga de James Cameron

O anúncio surge poucos meses depois de a Sony ter garantido os direitos cinematográficos de Labubu, aproveitando a onda de interesse global em propriedades intelectuais ligadas a brinquedos e cultura pop, numa estratégia que Hollywood tem vindo a intensificar desde o sucesso estrondoso de Barbie. A escolha de Paul King para liderar o projecto parece tudo menos aleatória: poucos realizadores contemporâneos conseguiram combinar imaginação visual, humor e ternura com tanto sucesso como ele.

Antes de conquistar o grande público com Paddington (2014) e o ainda mais aclamado Paddington 2 (2017), King construiu a sua carreira na comédia britânica mais surreal. Começou como assistente de realização em Garth Marenghi’s Darkplace e foi responsável por todas as temporadas de The Mighty Boosh, uma série que ajudou a definir uma estética absurda e fantasiosa muito própria. Essa sensibilidade viria a revelar-se essencial no seu trabalho posterior no cinema.

Os dois filmes de Paddington, que King co-escreveu e realizou, arrecadaram perto de 500 milhões de dólares em todo o mundo, tornando-se exemplos raros de cinema familiar unanimemente elogiado pela crítica e pelo público. Mais recentemente, Wonka, protagonizado por Timothée Chalamet, confirmou o seu talento para revisitar universos já conhecidos sem lhes retirar frescura, somando 635 milhões de dólares nas bilheteiras globais. King esteve ainda envolvido como argumentista e produtor executivo em Paddington in Peru e tem já um novo projecto em desenvolvimento para a Disney, centrado no Príncipe Encantado, com Chris Hemsworth em conversações para o papel principal.

Quanto ao filme de Labubu, ainda há muitas incógnitas. Não é claro se será uma produção em imagem real, animação ou uma combinação de ambas, algo que poderá ser decisivo para definir o tom final da adaptação. O material de origem, no entanto, oferece um potencial visual vastíssimo.

As bonecas Labubu foram criadas pelo artista Kasing Lung, natural de Hong Kong e radicado na Europa, e surgiram inicialmente como parte de uma linha de figuras monstruosas produzidas pela How2Work. Inspiradas em contos nórdicos e num imaginário de fábula ligeiramente sombrio, as personagens ganharam verdadeira dimensão global a partir de 2019, quando passaram a ser comercializadas pela gigante chinesa Pop Mart.

A ascensão foi meteórica. Impulsionadas por vídeos de unboxing nas redes sociais, pela procura obsessiva por edições raras e pela adopção das bonecas como acessórios de moda por celebridades, as Labubu tornaram-se objectos de culto. Novos lançamentos esgotam em minutos, os lucros da Pop Mart terão aumentado 350% num único ano, e algumas edições limitadas já atingiram valores de seis dígitos em leilões, alimentando um mercado secundário altamente especulativo.

O filme de Labubu insere-se numa tendência clara de Hollywood: a inversão do caminho tradicional entre cinema e merchandising. Se durante décadas os filmes geravam brinquedos, agora são os brinquedos que geram filmes. Barbieabriu definitivamente essa porta em 2023, ultrapassando a marca dos mil milhões de dólares e desencadeando uma corrida aos catálogos de fabricantes como a Mattel. Desde então, já foram anunciados projectos baseados em Hot Wheels, He-Man, Polly Pocket e até no clássico View-Master, numa parceria entre a Sony e a Mattel.

ler também : SpongeBob Junta-se à Surfrider Portugal para Defender o Oceano na Estreia do Novo Filme

Resta saber se Labubu seguirá o caminho mais comercial ou se Paul King conseguirá, como fez antes, transformar um produto altamente mercantilizado numa experiência cinematográfica com identidade própria. Se há alguém capaz de encontrar humanidade, humor e encanto num universo aparentemente improvável, é precisamente o realizador que nos fez acreditar num urso educado vindo do Peru — e num chocolatier sonhador com sotaque francês.

Actores Britânicos Dizem Não à Digitalização e Enfrentam a Inteligência Artificial

Votação histórica do sindicato Equity mostra oposição esmagadora ao uso de IA e ameaça travar produções no Reino Unido

Os actores britânicos deram um passo decisivo na luta contra a utilização abusiva da Inteligência Artificial nas artes, ao votarem de forma quase unânime contra a prática de digitalização dos seus corpos e rostos em rodagem. Numa votação promovida pelo sindicato Equity, 99% dos participantes declararam que estariam dispostos a recusar ser digitalmente escaneados, num claro sinal de resistência a uma tecnologia que muitos consideram uma ameaça directa aos seus direitos e meios de subsistência.

ler também: Avatar: Fire and Ash: O Filme Mais Longo — e Mais Fraco — da Saga de James Cameron

A digitalização de actores tornou-se prática comum em produções de cinema e televisão, permitindo aos estúdios reutilizar a imagem, o corpo ou a voz de um intérprete em cenas futuras, reshoots ou até em projectos completamente diferentes. O problema, segundo os actores, é a falta de controlo sobre o destino desses dados e a possibilidade de serem usados sem consentimento, compensação ou sequer conhecimento do intérprete.

Paul Fleming, secretário-geral do Equity, descreveu o resultado da votação como um momento geracional. “A Inteligência Artificial é um desafio definidor da nossa geração”, afirmou. “Pela primeira vez em décadas, os membros do sindicato mostraram que estão dispostos a recorrer a acções industriais. Isto demonstra que a força de trabalho está preparada para disruptar seriamente as produções se não for respeitada.”

A votação, de carácter indicativo, envolveu mais de 7.000 membros, com uma taxa de participação de 75%. Embora não tenha, para já, valor legal — os actores ainda não estão juridicamente protegidos caso recusem a digitalização —, o sindicato sublinha que o objectivo foi medir o grau de indignação e união da classe, algo que ficou amplamente demonstrado.

Segundo o Equity, cerca de 90% da produção televisiva e cinematográfica no Reino Unido é realizada ao abrigo de acordos colectivos negociados pelo sindicato, e mais de três quartos dos profissionais envolvidos são seus membros. Este peso dá ao sindicato uma margem de manobra significativa para pressionar produtores e estúdios.

O próximo passo passa por negociações com a Pact, a associação que representa a maioria das produtoras britânicas, com o objectivo de estabelecer novos padrões mínimos de pagamento, condições de trabalho e regras claras sobre o uso de dados biométricos. Caso essas negociações não produzam resultados satisfatórios, o Equity admite avançar para uma votação formal, que poderá conferir protecção legal aos actores que recusem a digitalização em rodagem.

A preocupação com a IA tem vindo a crescer nos últimos meses, alimentada por testemunhos de actores consagrados e emergentes. Hugh Bonneville, Adrian Lester e Harriet Walter apoiaram publicamente a iniciativa do sindicato. Bonneville defendeu que “as vozes e imagens dos actores não devem ser exploradas em benefício de terceiros sem licença ou consentimento”, enquanto Lester alertou para a vulnerabilidade dos profissionais em início de carreira, frequentemente pressionados a aceitar cláusulas abusivas.

Em Outubro, Olivia Williams denunciou que muitos actores são levados a aceitar a digitalização dos seus corpos sem qualquer controlo posterior sobre a utilização desses dados. A actriz comparou a situação à necessidade de consentimento em cenas de nudez, defendendo que o mesmo princípio deveria aplicar-se aos body scans. Algumas cláusulas contratuais, segundo Williams, concedem aos estúdios direitos quase ilimitados sobre a imagem dos actores “em todas as plataformas existentes ou ainda por inventar, em todo o universo e para sempre”.

A polémica intensificou-se ainda mais com o surgimento da primeira “actriz de IA”, Tilly Norwood, reacendendo o debate sobre os limites éticos da tecnologia no entretenimento. As preocupações ecoam o que já se viveu em Hollywood em 2023, quando a utilização de IA esteve no centro das greves históricas de argumentistas e actores, que alertaram para o risco de a tecnologia redefinir radicalmente a indústria.

ler também : Óscares Vão Deixar a Televisão Tradicional e Passar a Ser Transmitidos no YouTube a Partir de 2029

A votação do Equity deixa claro que, pelo menos no Reino Unido, os actores não estão dispostos a ceder silenciosamente. A batalha entre criatividade humana e automação algorítmica entrou numa nova fase — e promete ter impacto real nos bastidores do cinema e da televisão.

Avatar: Fire and Ash: O Filme Mais Longo — e Mais Fraco — da Saga de James Cameron

Depois de Avatar (2009) e Avatar: O Caminho da Água se terem tornado dois dos filmes mais lucrativos da história do cinema, era previsível que James Cameron quisesse continuar a explorar Pandora. O problema diz a crítica internacional é que Avatar: Fire and Ash, o terceiro capítulo da saga, deixa a sensação clara de que esta viagem já devia ter terminado — ou, pelo menos, precisava urgentemente de ser repensada.

Com 197 minutos de duração, o novo filme é meia hora mais longo do que o original e transforma-se num teste sério à paciência do espectador. O que deveria ser uma grande aventura de ficção científica acaba por se arrastar num desfile de imagens bonitas mas vazias, diálogos pouco inspirados, uma narrativa dispersa e uma espiritualidade new age que roça o enfadonho. É desconfortável pensar que ainda estão planeados mais dois filmes depois deste.

ler também : Óscares Vão Deixar a Televisão Tradicional e Passar a Ser Transmitidos no YouTube a Partir de 2029

O mais frustrante é que, apesar da duração quase épica, Avatar: Fire and Ash não funciona como filme autónomo. Cameron parte do princípio de que o público está profundamente investido na mitologia, nas personagens e nas relações familiares dos Na’vi, dispensando-se de construir uma história com verdadeiro início, meio e fim. Para quem não é fã incondicional da saga, a experiência torna-se ainda mais distante.

O contraste com o primeiro Avatar é gritante. Em 2009, o filme parecia genuinamente futurista: a história de um planeta exuberante explorado por humanos desesperados por recursos, em conflito com uma civilização indígena, combinava espectáculo, aventura e uma metáfora ambiental clara. Era, no fundo, Pocahontas com Smurfs no espaço — simples, eficaz e emocionalmente funcional.

Agora, Cameron parece ter perdido interesse em Jake Sully (Sam Worthington) e Neytiri (Zoe Saldaña), focando-se sobretudo nos seus filhos adolescentes. Essa escolha revela-se um erro grave. As novas personagens são difíceis de distinguir entre si, pouco carismáticas e, em muitos momentos, francamente irritantes. Onde antes havia um protagonista claro, há agora um grupo de jovens quase intercambiáveis, todos igualmente pouco memoráveis.

O filme alterna entre grandes batalhas, aparições esporádicas de personagens humanas que desaparecem durante longos períodos e intermináveis discussões reverenciais sobre as crenças dos Na’vi. Pelo meio, surgem breves lampejos do filme que Avatar: Fire and Ash poderia ter sido: um thriller ecológico mais duro, focado no conflito entre império e resistência. Mas esses momentos são rapidamente engolidos por uma espécie de telenovela californiana intergaláctica, onde surfistas de rastas montam dragões e gritam frases como “Isto foi insano, mano!” ou “Isto é brutal, primo!”.

Visualmente, o desgaste também é evidente. Pandora já não tem o impacto de outrora. Depois de quase nove horas passadas neste mesmo cenário tropical alienígena, a sensação de maravilha dissipou-se. Onde outras sagas, como Star Wars, teriam explorado múltiplos mundos, Avatar insiste sempre no mesmo pano de fundo. Pior ainda: aquilo que em 2009 parecia revolucionário, hoje soa a reliquia de uma era passada do cinema digital.

Durante a década de 2010, o público habituou-se a personagens digitais hiper-realistas em mundos totalmente gerados por computador. Na altura, Pandora parecia imersiva e tecnologicamente espantosa. Em Fire and Ash, no entanto, tudo parece artificial, quase como um videojogo antigo. Quando um Na’vi cai do dragão em pleno voo, não há verdadeiro sentido de perigo — a cena parece tão falsa que se perde qualquer envolvimento emocional.

Há ainda outro problema estrutural: com mais dois filmes já anunciados, existe realmente alguma sensação de risco?Alguém acredita que personagens centrais vão sofrer consequências irreversíveis? Se Cameron cumprir o plano, ainda faltam cerca de seis horas para o fim da saga — e, depois deste capítulo, essa perspectiva soa mais a ameaça do que a promessa.

ler também : Susan Boyle Emociona-se com Elogio de Timothée Chalamet: “Foi Incrivelmente Tocante”

Avatar: Fire and Ash confirma aquilo que muitos já suspeitavam: a saga continua a impressionar pelo orçamento e pela escala, mas está cada vez mais vazia de urgência narrativa e emoção genuína. Um espectáculo enorme, cansado e auto-indulgente, que vive sobretudo da glória passada.

Óscares Vão Deixar a Televisão Tradicional e Passar a Ser Transmitidos no YouTube a Partir de 2029

A maior cerimónia do cinema mundial abandona a ABC após meio século e aposta no streaming gratuito para chegar a novas gerações

Os Óscares preparam-se para uma das maiores mudanças da sua história. A partir de 2029, a cerimónia dos Academy Awards deixará de ser transmitida pela televisão tradicional nos Estados Unidos e passará a ser emitida em exclusivo no YouTube, em directo e de forma gratuita, marcando o fim de uma ligação de mais de 50 anos à ABC.

ler também : Susan Boyle Emociona-se com Elogio de Timothée Chalamet: “Foi Incrivelmente Tocante”

O anúncio foi feito esta quarta-feira pela Academy of Motion Picture Arts and Sciences, que confirmou a assinatura de um acordo plurianual com o YouTube, garantindo à plataforma os direitos globais exclusivos da cerimónia até 2033. Até lá, a ABC manterá a transmissão das próximas edições, incluindo a gala já marcada para 15 de Março, encerrando assim um ciclo histórico iniciado em 1976.

A decisão representa mais do que uma simples mudança de parceiro de transmissão. É um sinal claro de como Hollywood está a reposicionar os seus maiores eventos numa indústria em profunda transformação, marcada por fusões, vendas de estúdios, cortes drásticos na produção e uma migração constante do público para o streaming.

Em comunicado conjunto, o CEO da Academia, Bill Kramer, e a presidente Lynette Howell Taylor sublinharam o carácter global da decisão. “A Academia é uma organização internacional, e esta parceria permitirá expandir o acesso ao nosso trabalho para a maior audiência mundial possível, o que beneficiará os nossos membros e toda a comunidade cinematográfica”, afirmaram.

A escolha do YouTube não é inocente. Ao longo das últimas décadas, as audiências televisivas dos Óscares têm vindo a cair de forma consistente, reflexo de hábitos de consumo cada vez mais fragmentados. Ainda assim, a edição de 2025 registou uma ligeira recuperação, impulsionada sobretudo por espectadores mais jovens, que acompanharam a cerimónia através de telemóveis, computadores e plataformas digitais.

Para o YouTube, a conquista dos direitos da cerimónia mais prestigiada do cinema é um enorme golpe simbólico. O CEO da plataforma, Neal Mohan, descreveu os Óscares como “uma das instituições culturais essenciais do nosso tempo” e afirmou que a parceria com a Academia pretende “inspirar uma nova geração de criadores e amantes de cinema, respeitando ao mesmo tempo o legado histórico da cerimónia”.

A ABC, por seu lado, reagiu de forma diplomática, garantindo que está entusiasmada com “as próximas três transmissões” que ainda irá assegurar antes da mudança definitiva. Ainda assim, a saída dos Óscares representa uma perda significativa para a televisão generalista norte-americana, que durante décadas fez da gala um dos seus maiores eventos anuais.

Este anúncio surge num contexto particularmente turbulento para a indústria. No mesmo dia, a Warner Bros. Discoveryrecomendou aos seus accionistas a rejeição de uma oferta hostil de aquisição por parte da Paramount Skydance, optando antes por um acordo com a Netflix — uma decisão vista por muitos como mais um sintoma da fragilidade estrutural dos grandes estúdios e canais de cabo face ao domínio crescente das plataformas digitais.

Com o YouTube a garantir os direitos dos Óscares, torna-se cada vez mais evidente que o futuro dos grandes eventos culturais passa pelo streaming, mesmo quando se trata de instituições com quase um século de história. A partir de 2029, a noite mais importante do cinema deixará de depender de um canal de televisão e passará a estar a um clique de distância — para qualquer pessoa, em qualquer parte do mundo.

ler também : The Six Billion Dollar Man: O Documentário Mais Perturbador de 2025 Sobre Julian Assange

Resta saber se esta mudança trará novas formas de interacção, formatos mais flexíveis e, sobretudo, se conseguirá devolver aos Óscares a relevância cultural que já tiveram. Uma coisa é certa: a era da televisão como palco exclusivo do cinema está oficialmente a chegar ao fim.

Susan Boyle Emociona-se com Elogio de Timothée Chalamet: “Foi Incrivelmente Tocante”

A cantora escocesa reage às palavras do actor, que a destacou como uma das suas maiores heroínas britânicas

Susan Boyle confessou ter ficado “incrivelmente tocada” depois de Timothée Chalamet a ter destacado como uma das suas maiores referências britânicas, num momento inesperado que rapidamente conquistou fãs de ambos os lados do Atlântico. A cantora escocesa, que se tornou um fenómeno global em 2009 após a sua memorável audição no Britain’s Got Talent, reagiu com emoção às palavras do actor norte-americano, actualmente uma das maiores estrelas de Hollywood.

ler também : Timothée Chalamet, Pingue-Pongue e Susan Boyle: o Actor que Não Tem Medo de Sonhar em Grande

Chalamet mencionou Susan Boyle numa entrevista à BBC News, quando foi desafiado a nomear personalidades britânicas que considera verdadeiramente inspiradoras. Ao lado de nomes como Lewis Hamilton, David e Victoria Beckham e o rapper underground Fakemink, o actor surpreendeu ao incluir a cantora escocesa, hoje com 64 anos, sublinhando o impacto duradouro da sua história.

“Ela sonhou maior do que todos nós”, afirmou Chalamet, recordando a interpretação de I Dreamed A Dream, do musical Les Misérables, que Boyle apresentou em 2009. “Quem é que não ficou comovido com aquilo?”, acrescentou, referindo-se a um dos momentos mais marcantes da história recente da televisão e da internet.

A resposta de Susan Boyle não tardou. “Foi muito lisonjeiro ouvir isso”, afirmou a cantora, acrescentando que aquelas primeiras semanas de exposição mediática “foram qualquer coisa de extraordinário”. “Saber que aquele momento significou algo para ti, tantos anos depois, deixa-me verdadeiramente humilde”, disse ainda.

Num tom caloroso e inspirador, Boyle aproveitou para devolver o elogio e partilhar uma mensagem de esperança. “Todos começamos algures, com um sonho e um pouco de esperança, não é?”, escreveu. “Devemos todos sonhar em grande. Desejo-te todo o sucesso enquanto continuas a sonhar o teu próprio sonho. Obrigada pela tua gentileza e por te lembrares desse momento com tanto carinho.”

As declarações de Chalamet surgem no contexto da promoção do seu novo filme, Marty Supreme, e de uma iniciativa peculiar do actor: a oferta de casacos personalizados com o título do filme a figuras que considera verdadeiros ícones culturais e desportivos. Entre os homenageados estão nomes como Frank Ocean, Tom Brady e o jovem prodígio do Barcelona, Lamine Yamal.

A escolha de Susan Boyle destacou-se precisamente por não ser óbvia. Quando questionado pelo correspondente de entretenimento da BBC, Colin Paterson, sobre quem merecia esse estatuto, Chalamet pensou longamente antes de chegar ao nome da cantora. Um gesto que muitos interpretaram como sinal de sensibilidade e memória cultural, num meio frequentemente acusado de esquecer rapidamente os seus próprios fenómenos.

ler também : Timothée Chalamet Quebra o Silêncio (Só Um Pouco) Sobre a Vida Pessoal em Plena Promoção de Novo Filme

Quando Susan Boyle se tornou conhecida, Chalamet tinha apenas 13 anos, mas o impacto daquele momento ficou gravado. “Lembro-me como se fosse ontem”, confessou o actor. “Foi mais ou menos o início da era do YouTube.” Mais de uma década depois, o cruzamento improvável entre uma estrela de Hollywood e uma cantora que desafiou preconceitos continua a provar que certos momentos culturais não envelhecem — apenas ganham novas leituras.

Chris Evans Regressa como Capitão América em Avengers Doomsday  — e Agora é Pai

Primeiro teaser confirma o regresso de Steve Rogers e abre um novo mistério no Universo Marvel

Deixem-me começar por dizer que andam algumas dezenas de Pseudo Traillers do novo Avengers pelas redes sociais, a maioria nota-se claramente que são produzidos por AI e há que dizê-lo com frontalidade, que estão cada vez mais difíceis de destinguir.

No entanto esta notícia é suportada por notícias que podemos apanhar em outlets internacionais dignos de credibilidade…O Capitão América está de volta. Contra todas as expectativas, Chris Evans regressa ao papel de Steve Rogers em Avengers: Doomsday, o próximo grande evento do Universo Cinematográfico da Marvel, e fá-lo com uma reviravolta inesperada: Steve é agora pai de um recém-nascido.

O regresso foi confirmado através do primeiro teaser trailer oficial, exibido discretamente junto a sessões de Avatar: Fire and Ash, numa estratégia clássica da Marvel para gerar entusiasmo gradual. O filme tem estreia marcada para 18 de Dezembro de 2026, exactamente dentro de um ano, e este teaser funciona como o primeiro sinal claro de que Doomsday pretende mexer a sério na mitologia estabelecida.

ler também : The Six Billion Dollar Man: O Documentário Mais Perturbador de 2025 Sobre Julian Assange

O vídeo é curto, contido e deliberadamente enigmático. Num cenário rural e tranquilo, Steve Rogers surge a chegar a casa de mota, enquanto uma versão para piano do tema dos Avengers toca em fundo. O capacete azul faz lembrar imediatamente o uniforme clássico do herói. Dentro da casa, Steve segura um bebé nos braços, observando-o com orgulho silencioso. O teaser termina com a frase: “Steve Rogers will return for Avengers: Doomsday”, seguida de uma contagem decrescente até à data de estreia.

A Marvel não revela mais nada — e é precisamente aí que começa o frenesim.

Os fãs viram Steve Rogers pela última vez em Avengers: Endgame (2019), quando, após derrotar Thanos e devolver as Jóias do Infinito às respectivas linhas temporais, decide ficar no passado para viver uma vida com Peggy Carter. Já idoso, regressa brevemente à linha temporal principal apenas para entregar o escudo a Sam Wilson, passando-lhe o legado de Capitão América.

Este novo teaser levanta várias questões centrais. Estamos perante o mesmo Steve Rogers? Terá regressado à linha temporal principal depois de décadas no passado? Ou será esta uma variante do multiverso, algo que Doomsday deverá explorar de forma intensa? E, talvez a pergunta mais óbvia: quem é o bebé? Será filho de Steve e Peggy? Terá alguma ligação ao soro do supersoldado?

A Marvel, como é habitual, não confirma nada. Mas o simples facto de trazer Steve Rogers de volta — depois de um final que parecia definitivo — indica que Avengers: Doomsday não pretende jogar pelo seguro.

Curiosamente, este não é tecnicamente o primeiro regresso de Chris Evans ao MCU desde Endgame. Em Deadpool & Wolverine (2024), o actor apareceu num cameo hilariante como o Tocha Humana, personagem que interpretou nos filmes Fantastic Four da Fox em 2005 e 2007. No entanto, este é o verdadeiro regresso ao papel que o tornou um dos rostos mais icónicos da Marvel.

Evans não está sozinho. Avengers: Doomsday promete ser um dos elencos mais ambiciosos de sempre. Robert Downey Jr. regressa ao MCU, mas não como Tony Stark — desta vez interpreta Doctor Doom, o grande vilão do filme. Estão também confirmados Chris Hemsworth (Thor), Anthony Mackie, Sebastian Stan, Paul Rudd, Tom Hiddleston, Florence Pugh, Letitia Wright, Winston Duke, Simu Liu, Pedro Pascal, Vanessa Kirby, Joseph Quinn, David Harbour e muitos outros.

O filme irá ainda cruzar definitivamente o MCU com o universo dos X-Men, trazendo de volta nomes como Patrick Stewart, Ian McKellen, James Marsden, Alan Cumming e Rebecca Romijn, num verdadeiro festival de multiverso.

ler também : SpongeBob Junta-se à Surfrider Portugal para Defender o Oceano na Estreia do Novo Filme

Se o teaser de Avengers: Doomsday prova alguma coisa, é que a Marvel está disposta a reabrir capítulos que pareciam encerrados — e a fazê-lo com impacto emocional. Steve Rogers regressa não como soldado ou símbolo, mas como pai. E essa mudança pode ser mais explosiva do que qualquer batalha cósmica.

The Six Billion Dollar Man: O Documentário Mais Perturbador de 2025 Sobre Julian Assange

Eugene Jarecki desmonta, com frieza cirúrgica, a máquina de poder que fez da destruição de Assange uma prioridade global

Há documentários que informam. Outros que indignam. The Six Billion Dollar Man, realizado por Eugene Jarecki, faz algo mais inquietante: arrefece o sangue. Não tanto pela figura de Julian Assange, mas pela clareza com que expõe um sistema vasto, articulado e implacável onde se cruzam Estados, serviços secretos, interesses privados e uma hostilidade mediática persistente. O resultado é, sem exagero, um dos filmes mais perturbadores de 2025.

ler também : Melania: Amazon Revela Trailer do Documentário sobre a Primeira-Dama

Curiosamente, Assange é quase uma presença fantasmagórica ao longo das mais de duas horas de duração. É falado, analisado, perseguido — mas raramente visto. Essa ausência funciona como estratégia narrativa: Jarecki usa o vazio deixado pela figura central para alargar o foco e contar uma história maior, sobre como funciona o poder quando decide esmagar alguém. O documentário não é um retrato de personalidade; é uma autópsia política.

O filme revisita inevitavelmente os momentos mais conhecidos da trajectória de Assange e do WikiLeaks: o impacto sísmico do vídeo Collateral Murder, as revelações sobre as guerras no Iraque e no Afeganistão, e a divulgação massiva de telegramas diplomáticos que colocaram governos inteiros em estado de alerta. Jarecki não se limita a recapitular factos. Vai mais fundo, cruzando documentos, testemunhos e padrões de actuação que revelam até que ponto Assange se tornou um alvo prioritário para forças muito além da esfera judicial.

Um dos momentos mais explosivos do documentário prende-se com as acusações de violação na Suécia, em 2010. Durante anos, este caso funcionou como um elemento tóxico no debate público, frequentemente usado para descredibilizar Assange. The Six Billion Dollar Man apresenta entrevistas anonimizadas e mensagens trocadas à época pelas duas mulheres envolvidas, sugerindo algo profundamente perturbador: nenhuma delas acusou Assange de violação, e ambas demonstraram preocupação com a forma como as autoridades estavam a orientar os seus depoimentos.

Aquilo que durante anos circulou como suspeita surge aqui documentado de forma rigorosa: o caso parece ter sido moldado tanto por conveniência política como por factos concretos. Não se trata de absolver ou condenar, mas de demonstrar como processos judiciais podem ser instrumentalizados quando se tornam úteis a agendas mais amplas.

Ainda mais inquietante é o capítulo dedicado ao período em que Assange esteve refugiado na embaixada do Equador em Londres. Jarecki expõe como a empresa de segurança espanhola UC Global, contratada para garantir a protecção do fundador do WikiLeaks, acabou por transformar o espaço num verdadeiro laboratório de vigilância. Um antigo funcionário — assumidamente a fonte-chave do documentário — descreve um ambiente digno de um thriller paranoico: gravações clandestinas, recolha sistemática de dados, conversas sobre possíveis envenenamentos e até a captação de encontros íntimos.

Segundo o filme, esse material era depois transferido para um endereço IP nos Estados Unidos, localizado no Venetian Hotel, em Las Vegas, propriedade do magnata Sheldon Adelson, um dos maiores financiadores de Donald Trump. Jarecki não precisa de sublinhar ironias; elas impõem-se sozinhas.

Outro momento devastador envolve Sigurdur “Siggi” Thordarson, a principal testemunha da acusação norte-americana contra Assange. Condenado por crimes graves, incluindo abuso sexual de menores, Thordarson admite em frente à câmara que inventou partes essenciais do seu testemunho, nomeadamente a alegação de que Assange o teria instruído a piratear sistemas parlamentares da Islândia. Quando confrontado, encolhe os ombros: diz que “já não se lembra”.

É aqui que o documentário se torna verdadeiramente desconcertante. Mesmo para quem nunca teve grande simpatia por Julian Assange, The Six Billion Dollar Man obriga a encarar uma realidade difícil de ignorar: os mecanismos utilizados para o perseguir são, eles próprios, profundamente alarmantes. Doze anos de confinamento, vigilância constante, manipulação judicial e mediática — tudo isto é apresentado não como excepção, mas como método.

Jarecki não esconde a sua empatia pelo protagonista, mas isso não enfraquece o filme. Pelo contrário, torna-o mais claro naquilo que realmente importa: se este aparelho de poder pode ser activado contra Assange, pode sê-lo contra qualquer outro. A questão central deixa de ser se gostamos ou não da personagem, e passa a ser se estamos confortáveis com o mundo que o documentário revela.

ler também : Trump Avança com Processo de 10 Mil Milhões contra a BBC por Edição de Discurso de 6 de Janeiro

The Six Billion Dollar Man não procura fechar debates. Abre-os. E fá-lo de forma metódica, inquietante e impossível de ignorar.

Não há data prevista para a estreia em Portugal, mas poderá ser vista em streaming no Mubi.

SpongeBob Junta-se à Surfrider Portugal para Defender o Oceano na Estreia do Novo Filme

A esponja mais famosa do mundo chega aos cinemas a 24 de Dezembro com uma missão que vai além do entretenimento

SpongeBob O Filme: À Procura das Calças Quadradas estreia a 24 de Dezembro nos cinemas portugueses e traz consigo mais do que uma nova aventura subaquática. No âmbito desta estreia, a Paramount Animation e a Nickelodeon Movies associam-se à Surfrider Foundation, em Portugal representada pela Surfrider Foundation Portugal, numa parceria global de sensibilização ambiental que procura envolver crianças e famílias na proteção do oceano.  

ler também : SpongeBob – À Procura das Calças Quadradas: Fresco, Divertido e com Imaginação de Sobra

A iniciativa nasce da vontade de aproveitar a força cultural de uma das personagens mais icónicas da animação para transmitir uma mensagem clara e positiva: proteger o oceano começa com pequenos gestos no dia a dia. SpongeBob, Patrick e o resto dos habitantes de Bikini Bottom assumem aqui o papel de embaixadores ambientais, colocando a sua popularidade ao serviço de uma causa urgente e universal.

O principal eixo da parceria é o lançamento de um livreto educativo gratuito, desenvolvido em colaboração com a Surfrider Foundation. Pensado para um público jovem, o material combina atividades de colorir, ilustrações exclusivas do universo SpongeBob SquarePants e informação acessível sobre boas práticas ambientais, incentivando as crianças a aprender de forma divertida e a partilhar esse conhecimento em família.

Entre os temas abordados estão a redução do plástico, o respeito pela vida marinha e a importância de atitudes simples, como não deixar lixo na praia ou reduzir o uso de descartáveis. O objetivo não é moralizar, mas sim despertar curiosidade e criar uma ligação emocional entre as crianças e o mar, reforçando desde cedo a noção de responsabilidade coletiva.

Esta ação enquadra-se perfeitamente na missão da Surfrider Foundation Portugal, uma ONG dedicada à proteção do oceano, das zonas costeiras e das comunidades que delas dependem. Integrada na rede europeia da Surfrider Foundation, a organização atua através da educação, da ciência e da mobilização cidadã, apoiando-se numa rede ativa de voluntários em todo o país. A parceria com SpongeBob permite amplificar essa missão junto de um público mais jovem, num tom optimista e acessível.

A iniciativa acompanha a estreia de SpongeBob O Filme: À Procura das Calças Quadradas, reforçando a mensagem positiva do próprio filme. Na nova longa-metragem, SpongeBob embarca na maior aventura cinematográfica da sua vida, decidido a provar que é um verdadeiro herói. Para impressionar o Sr. Krabs, segue o lendário Holandês Voador, um pirata fantasma misterioso, numa jornada que o leva às profundezas do oceano, onde nenhuma esponja jamais esteve.

Realizado por Derek Drymon, um nome histórico do universo SpongeBob, o filme aposta numa mistura de comédia marítima, imaginação visual e espírito aventureiro, mantendo o humor característico da série e acrescentando uma escala cinematográfica mais ambiciosa. A produção conta com um elenco de vozes de luxo, incluindo Tom Kenny, Clancy Brown, Bill Fagerbakke, Rodger Bumpass, Carolyn Lawrence, Mark Hamill e participações especiais como George Lopez e Ice Spice.

A chegada do filme aos cinemas na véspera de Natal torna-o numa proposta ideal para sessões em família, agora enriquecida por uma componente educativa que prolonga a experiência para lá da sala de cinema. Ao associar entretenimento e consciência ambiental, SpongeBob prova que continua a evoluir com o seu público, sem perder a leveza e o optimismo que o tornaram um fenómeno global.

ler também :Sozinho em Casa Invade o STAR Channel e Promete o Natal Mais Animado do Ano

SpongeBob O Filme: À Procura das Calças Quadradas estreia a 24 de Dezembro, em versões dobrada e legendada, e chega acompanhado de uma mensagem clara: cuidar do oceano pode — e deve — começar desde cedo.  

TVCine Prepara Dois Dias de Cinema em Festa: Assim Vai Ser a Programação Especial de Natal 🎄🎬

O Natal aproxima-se e, como manda a tradição, os Canais TVCine voltam a assumir-se como um dos grandes refúgios para quem prefere trocar o ruído das prendas pelo conforto do sofá e de um bom filme. Nos dias 24 e 25 de Dezembro, os quatro canais — TVCine Top, TVCine Edition, TVCine Emotion e TVCine Action — apresentam uma programação especial com mais de 50 filmes, pensada para públicos de todas as idades e estados de espírito.

ler também : Jurado #2: Clint Eastwood Explora um Dilema Moral Devastador no Seu Novo Drama

Entre estreias recentes, clássicos intemporais, animação para os mais novos, romances natalícios e grandes doses de acção, há razões de sobra para manter a televisão ligada durante toda a quadra festiva  .

Véspera de Natal: da animação à consoada em grande estilo

No dia 24 de Dezembro, o TVCine Top aposta numa programação transversal. A manhã começa com propostas familiares como Super Pai Natal, seguindo-se comédias e dramas leves ao longo da tarde. À noite, a consoada ganha brilho especial com Bridget Jones: Louca por Ele e o destaque do dia, Red One: Missão Secreta, onde Dwayne Johnson e Chris Evans embarcam numa missão natalícia para salvar o Pai Natal.

Já o TVCine Edition dedica a véspera aos grandes clássicos do cinema, reunindo nomes como Tom Hanks, Barbra Streisand, Sophia Loren, John Wayne, Tom Cruise e Dustin Hoffman. Um alinhamento pensado para cinéfilos que gostam de revisitar obras maiores da história do cinema.

O TVCine Emotion entra plenamente no espírito da época com uma maratona de comédias românticas natalícias, muitas delas ao estilo Hallmark e Lifetime, ideais para quem procura histórias leves, previsíveis e reconfortantes.

Para quem prefere adrenalina, o TVCine Action transforma a véspera numa verdadeira corrida contra o tempo, com uma maratona de Velocidade Furiosa e dois clássicos protagonizados por Bruce Willis: Assalto ao Arranha-Céus e Assalto ao Aeroporto.

Dia de Natal: grandes sagas, animação e clássicos modernos

No dia 25 de Dezembro, o TVCine Top começa com animação para os mais novos — Patos! e O Panda do Kung Fu 4— e passa por mundos de fantasia como Wonka, antes de acelerar com títulos de acção e aventura. A noite fecha com Profissão: Perigo, que junta Ryan Gosling e Emily Blunt num espectáculo de alto risco.

O TVCine Edition mantém o tom clássico e inspirador, com histórias de superação e grandes interpretações, culminando em Um Sonho Possível, o filme que valeu o Óscar a Sandra Bullock.

No TVCine Emotion, a maratona de romances natalícios continua, recheada de neve, lareiras e reencontros emotivos, enquanto o TVCine Action leva a maratona Velocidade Furiosa até ao limite e encerra o dia com dois capítulos explosivos da saga Die Hard.

Um Natal à medida de todos os públicos

Com propostas que vão do cinema familiar à acção mais musculada, passando pelo romance e pelos grandes clássicos, os Canais TVCine oferecem uma programação natalícia completa, pensada para acompanhar todos os momentos da quadra — da manhã tranquila à noite em família.

ler também : Sozinho em Casa Invade o STAR Channel e Promete o Natal Mais Animado do Ano

Uma coisa é certa: nos dias 24 e 25 de Dezembro, não faltam bons motivos para dizer “só mais um filme”.