Pai Mãe Irmã Irmão: Jim Jarmusch Regressa ao Cinema Íntimo e Humano

Um tríptico delicado sobre relações familiares com estreia anunciada para Janeiro em Portugal

Jim Jarmusch está de volta ao grande ecrã com Pai Mãe Irmã Irmão, um filme que cruza drama e comédia através de um olhar sereno, observador e profundamente humano sobre as relações familiares. A longa-metragem tem estreia anunciada para 8 de Janeiro nas salas de cinema portuguesas, de acordo com a informação divulgada no press.

Conhecido pelo seu cinema de personagens, diálogos contidos e atenção ao não-dito, Jarmusch apresenta aqui uma obra estruturada como um tríptico narrativo, composta por três histórias independentes, ligadas por temas comuns e por uma abordagem emocionalmente contida, mas reveladora.

ler também: 28 Years Later: The Bone Temple Promete Ser o Capítulo Mais Perturbador da Saga

Três histórias, três países, as mesmas distâncias emocionais

Pai Mãe Irmã Irmão acompanha filhos adultos e a forma como se relacionam entre si e com figuras parentais emocionalmente distantes. Cada uma das três histórias decorre no presente e em contextos geográficos distintos, sublinhando a universalidade dos conflitos familiares, independentemente do lugar.

O primeiro segmento, “Pai”, decorre no nordeste dos Estados Unidos. Segue uma dinâmica marcada por silêncios, expectativas não verbalizadas e a dificuldade em estabelecer pontes emocionais numa relação paterna desgastada pelo tempo.

Em “Mãe”, a acção desloca-se para Dublin, na Irlanda, onde a relação entre filhos e mãe é explorada a partir de reencontros, memórias partilhadas e tensões latentes, num registo onde a melancolia convive com um humor subtil.

Por fim, “Irmã Irmão”, passado em Paris, França, centra-se na ligação entre irmãos adultos, examinando afectos, rivalidades e cumplicidades moldadas por uma história familiar comum.

Um cinema de observação, sem julgamentos

Fiel ao seu estilo, Jim Jarmusch constrói o filme como uma sequência de estudos de personagem. Não há dramatizações excessivas nem conflitos explosivos. O interesse do realizador está nos pequenos gestos, nas pausas, nos olhares e na forma como as personagens lidam com emoções que raramente sabem nomear.

O tom é descrito como tranquilo, observador e sem preconceitos, assumindo-se como uma comédia subtil, mas atravessada por traços de melancolia. O riso surge de situações humanas reconhecíveis, muitas vezes desconfortáveis, onde o afecto e a distância coexistem.

ler também: Hokum: Adam Scott Mergulha no Terror Sobrenatural no Teaser Mais Perturbador do Dia

Jim Jarmusch e o regresso ao essencial

Com Pai Mãe Irmã Irmão, Jarmusch parece regressar a um território que lhe é particularmente caro: histórias simples na forma, mas complexas naquilo que revelam sobre a condição humana. A fragmentação narrativa do tríptico permite olhar para diferentes configurações familiares sem hierarquias ou conclusões fechadas, convidando o espectador a reconhecer algo de si próprio em cada uma delas.

Mais do que respostas, o filme propõe observação, empatia e tempo — três elementos cada vez mais raros no cinema contemporâneo.

Estreia em Portugal

De acordo com a informação disponibilizada, Pai Mãe Irmã Irmão tem estreia anunciada para 8 de Janeiro nas salas de cinema portuguesas. Até lá, o filme perfila-se como uma das propostas mais discretas, mas potencialmente mais marcantes, do início do ano para quem acompanha cinema de autor.

28 Years Later: The Bone Temple Promete Ser o Capítulo Mais Perturbador da Saga

Nia DaCosta assume a realização e descreve o filme como “estranho, demente e chocante”

Quando 28 Years Later chegou às salas de cinema no início do ano, ficou claro que Danny Boyle e Alex Garland não estavam interessados em repetir fórmulas. O regresso ao universo iniciado com 28 Days Later trouxe infectados ainda mais violentos, uma Grã-Bretanha em ruínas passadas quase três décadas sobre o surto e novas mutações do vírus da raiva. Mas trouxe também algo inesperado: um tom surpreendentemente contemplativo, quase espiritual, atravessado por uma energia indomável e, para muitos espectadores, profundamente desconcertante.

ler também: Fallout Regressa Mais Cedo do que o Previsto: Temporada 2 Estreia Antecipadamente no Prime Video

E depois houve o final. Um desfecho que deixou o público dividido entre o choque e o espanto, com a entrada em cena dos Jimmies, um culto juvenil acrobático, violento e grotesco, cuja estética evocava — de forma deliberadamente inquietante — referências como Jimmy Savile. Um momento que confirmou que esta saga já não tem medo de ir a territórios desconfortáveis.

Ao que tudo indica, isso foi apenas o início.

Um “primo estranho e demente” no universo de 28

Filmado consecutivamente com 28 Years Later, o novo capítulo intitulado The Bone Temple foi novamente escrito por Alex Garland e produzido por Danny Boyle, mas passa o testemunho da realização para Nia DaCosta, cineasta responsável por Candyman. E, segundo quem já leu o guião, o tom será ainda mais sombrio, estranho e radical.

Em declarações à Empire, DaCosta não deixou margem para dúvidas:

“O meu filme é bastante… estranho. É surpreendente. Houve vários momentos em que, ao ler o guião, fiquei literalmente de boca aberta.”

Uma reacção partilhada por Jack O’Connell, que interpreta Sir Lord Jimmy Crystal, líder dos Jimmies. O actor descreve The Bone Temple como “o primo estranho e demente” do que vimos até agora — um filme de que se diz “orgulhoso”, precisamente por estar enraizado em questões de alma e em enormes “e se?”. “É mesmo chocante”, garante.

Cultos, crenças distorcidas e novos horrores

Em The Bone Temple, o perigo representado pelos Jimmies aumenta significativamente. O jovem protagonista Spike(Alfie Williams) acaba por ser integrado no culto, enquanto o aparentemente benevolente Dr. Kelson (Ralph Fiennes) desenvolve uma relação improvável com Samson, um Alpha infectado particularmente violento.

O filme irá aprofundar o sistema de crenças bizarro criado por Sir Lord Jimmy, uma ideologia moldada por memórias da cultura popular da sua infância — Teletubbies, Power Rangers, cricket e até Jimmy Savile, numa referência contextualizada pelo facto de, em 2002, a verdadeira natureza do apresentador ainda não ser publicamente conhecida.

Jack O’Connell sublinha que o objectivo não é provocar gratuitamente, mas confrontar o espectador com o choque entre a nossa percepção actual e a realidade distorcida das personagens: “Espero que convide as pessoas a pensar naquele tempo, naquele zeitgeist, naquele momento em que o mundo simplesmente colapsou.”

Horror que corrompe o que era inocente

Nia DaCosta faz questão de clarificar que o filme não pretende explorar Jimmy Savile enquanto figura histórica. O foco está na perversão simbólica: “Jimmy Crystal corrompe coisas que eram inocentes e boas e transforma-as em algo horrível.” Uma abordagem que reforça o desconforto e a violência psicológica que parecem estar no centro deste novo capítulo.

Tudo indica que 28 Years Later: The Bone Temple será mais do que uma simples sequela. Será uma descida ainda mais profunda num mundo devastado — não apenas pelo vírus, mas pela forma como a humanidade reconstrói sentido no caos.

ler também: A Febre de Zootopia 2 na China Está a Levar Jovens a Comprar Cobras Venenosas 

Preparem-se: o apocalipse da raiva ainda tem muito para mostrar.

Trump Avança com Processo de 10 Mil Milhões contra a BBC por Edição de Discurso de 6 de Janeiro

Presidente dos EUA acusa estação britânica de difamação e tentativa de influenciar eleições

Donald Trump apresentou esta semana um processo judicial contra a BBC, exigindo 10 mil milhões de dólares em indemnizações, acusando o serviço público britânico de difamação, práticas comerciais enganosas e manipulação política. Em causa está a edição de um discurso proferido pelo então presidente norte-americano a 6 de Janeiro de 2021, horas antes da invasão do Capitólio por apoiantes seus.

ler também : Trump goza com a morte de Rob Reiner e provoca indignação nos EUA

O processo, com 33 páginas, foi entregue num tribunal da Florida e acusa a BBC de ter difundido uma “representação falsa, difamatória, enganadora, inflamatória e maliciosa” de Trump. Segundo a queixa, o documentário Trump: A Second Chance?, exibido dias antes das eleições presidenciais de 2024, terá fundido excertos de diferentes momentos do discurso, separados por quase uma hora, criando a ideia de que Trump incitou directamente à violência.

“Puseram palavras na minha boca”

De acordo com o processo, a BBC terá editado selectivamente três excertos de duas partes distintas do discurso, apresentando-os como uma única declaração contínua. Entre os trechos omitidos encontrava-se uma passagem em que Trump apelava explicitamente a uma manifestação “pacífica” — um detalhe que, segundo os seus advogados, altera substancialmente o sentido do discurso.

O próprio Trump comentou o caso numa intervenção espontânea na Sala Oval:

“Puseram palavras terríveis na minha boca sobre o 6 de Janeiro que eu nunca disse. As palavras bonitas, sobre patriotismo e coisas boas, essas não passaram.”

Pedido de desculpas, mas sem admissão de difamação

A BBC já tinha pedido desculpa publicamente no mês passado, classificando a edição como um “erro de julgamento”. Essa admissão levou à demissão do director-geral da BBC e do responsável pela área de informação, um abalo raro numa instituição conhecida pela sua rigidez editorial.

Ainda assim, o grupo rejeitou formalmente qualquer acusação de difamação. Até ao momento, a BBC não respondeu oficialmente ao pedido de comentário da Associated Press sobre o processo agora apresentado.

Um caso juridicamente complexo

Especialistas em direito levantam várias dúvidas quanto à viabilidade do processo em tribunais norte-americanos. O documentário não foi transmitido na televisão dos EUA, e os prazos para intentar uma acção judicial no Reino Unido já expiraram há mais de um ano.

A defesa de Trump argumenta, no entanto, que o conteúdo está acessível nos Estados Unidos através da plataforma BritBox, que disponibiliza produções originais da BBC, incluindo a série Panorama, onde o documentário foi exibido.

A BBC sob escrutínio máximo

Com 103 anos de existência, a BBC é financiada por uma taxa anual obrigatória paga pelos agregados familiares britânicos e está legalmente vinculada a princípios de imparcialidade editorial. Ainda assim, tem sido alvo recorrente de críticas tanto da direita como da esquerda, precisamente pelo seu papel central no debate público.

ler também : Netflix Quer Comprar a Warner Bros — e Trump Diz Que “Pode Ser um Problema”

Este processo coloca novamente a estação no centro de uma polémica internacional — e reabre o debate sobre edição jornalística, contexto político e responsabilidade editorial numa era de polarização extrema.

Point Break Vai Regressar — AMC Desenvolve Série de Continuação do Clássico de 1991

Trinta e cinco anos depois, Johnny Utah e Bodhi voltam a fazer ondas… pelo menos em espírito

Hollywood tem uma relação curiosa com o passado: quando parece que já não há mais nada para reciclar, alguém decide voltar a pegar numa prancha antiga e tentar outra vez. É exactamente isso que está a acontecer com Point Break, o icónico filme de Kathryn Bigelow de 1991, que está agora a caminho de uma série de continuação em desenvolvimento na AMC.

ler também : Voando Sobre um Ninho de Cucos  Faz 50 Anos — e Michael Douglas Recorda o Filme Que Mudou Tudo

Segundo avança a Deadline, o canal está a trabalhar numa série que decorre em 2026, ou seja, 35 anos após os acontecimentos do filme original. O projecto ainda não recebeu luz verde oficial, mas já está em fase activa de desenvolvimento, com Dave Kalstein como produtor principal — um nome bem conhecido da televisão norte-americana, sobretudo pelo seu trabalho no universo NCIS e, mais recentemente, na série Butterfly.

Um clássico improvável que se tornou culto

Realizado por Kathryn Bigelow, Point Break acompanha Johnny Utah, um jovem agente do FBI interpretado por Keanu Reeves, que se infiltra num grupo de surfistas suspeitos de uma série de assaltos a bancos. O líder do grupo é Bodhi, vivido por Patrick Swayze, um carismático filósofo do risco que vê o surf, o crime e a liberdade como partes do mesmo impulso vital.

O filme tornou-se um clássico improvável, misturando cinema de acção, espiritualidade new age, adrenalina e uma relação de camaradagem masculina que rapidamente entrou para o imaginário popular. A química entre Reeves e Swayze foi decisiva para o estatuto de culto que o filme viria a alcançar.

Uma continuação cheia de incógnitas

A grande questão em torno desta série prende-se, inevitavelmente, com o elenco. Patrick Swayze morreu em 2009, o que torna improvável — para não dizer impossível — um regresso de Bodhi. Também não há qualquer indicação de que Keanu Reeves esteja envolvido no projecto, sendo pouco provável que a AMC conte com a sua participação.

Outros nomes do elenco original permanecem, no entanto, no radar. Lori Petty, que interpretou Tyler, teve recentemente uma presença regular em NCIS: Origins, enquanto John C. McGinley — o agente Ben Harp — está confirmado no revival de Scrubs. Já Gary Busey, figura incontornável do filme original, representa um território mais delicado, estando actualmente em liberdade condicional após acusações de assédio em 2022.

Tudo indica que a série apostará mais no legado temático e estético de Point Break do que numa continuação directa das personagens centrais, explorando uma nova geração de surfistas, agentes da lei e criminosos atraídos pelo mesmo “rush” que definia o original.

O peso de um reboot falhado

Esta não é a primeira tentativa de ressuscitar Point Break. Em 2015, Hollywood lançou um reboot em imagem real que tentou modernizar o conceito, substituindo o surf por desportos radicais globais. O resultado foi amplamente rejeitado por público e crítica, reforçando a ideia de que Point Break é um daqueles filmes cuja magia reside num equilíbrio muito específico de tempo, lugar e pessoas.

A aposta numa série — e não num novo filme — pode ser a forma encontrada para contornar esse problema, permitindo desenvolver personagens e mitologia com mais espaço e menos pressão de bilheteira.

Nostalgia, risco e o apelo do perigo

Ainda sem guião fechado, realizador anunciado ou data de estreia, esta série de Point Break vive, para já, no território da intenção. Mas a própria existência do projecto revela algo claro: a nostalgia continua a ser uma força motriz na televisão contemporânea, sobretudo quando associada a marcas com identidade forte.

ler também: Fallout Regressa Mais Cedo do que o Previsto: Temporada 2 Estreia Antecipadamente no Prime Video

Resta saber se a AMC conseguirá captar o espírito rebelde, livre e perigosamente sedutor do original — ou se esta será apenas mais uma onda que se desfaz antes de chegar à praia

Disney Avança com Filme em Imagem Real Centrado em Gaston, o Vilão de A Bela e o Monstro

Argumento ficará a cargo de Dave Callaham e o projecto promete uma abordagem “swashbuckling” e original

A Disney continua determinada a explorar o seu catálogo de personagens clássicas em imagem real — e desta vez o foco recai sobre um dos vilões mais carismáticos (e detestáveis) do seu panteão. Gaston, antagonista de A Bela e o Monstro, vai ser o protagonista de um novo filme autónomo em imagem real, actualmente em desenvolvimento nos estúdios da Casa do Rato.

De acordo com informações avançadas pela Deadline, o argumento está a ser desenvolvido por Dave Callaham, conhecido pelo seu trabalho em Spider-Man: Across the Spider-Verse, enquanto a produção ficará a cargo de Michelle Rejwan, que já colaborou com a Disney em projectos como Star Wars: O Despertar da Força e a série Andor. Trata-se, desde já, de um sinal claro de que o estúdio quer dar ao projecto uma dimensão cinematográfica ambiciosa e não apenas um exercício derivativo.

ler também : Voando Sobre um Ninho de Cucos  Faz 50 Anos — e Michael Douglas Recorda o Filme Que Mudou Tudo

Um novo Gaston, uma nova abordagem

Importa esclarecer desde já um ponto essencial: este filme não tem qualquer ligação directa à série prequela de A Bela e o Monstro anunciada para o Disney+, protagonizada por Josh Gad e Luke Evans, que acabou por ser cancelada antes de entrar em produção. O novo projecto será totalmente independente, com um novo actor a interpretar Gaston e uma abordagem que se afasta deliberadamente do filme em imagem real de 2017.

Segundo a Deadline, o argumento — que teve versões anteriores assinadas por Kate Herron e Briony Redman(conhecidas pelo trabalho em Doctor Who) — está agora a ser reformulado como uma história “nova e original”, com um tom assumidamente aventureiro e espadachim, algo que terá agradado bastante aos executivos da Disney nesta fase inicial de desenvolvimento.

Não se espera, para já, que o filme seja um musical, nem que inclua personagens como LeFou. A ideia parece ser reinventar Gaston fora do contexto imediato de Belle e da aldeia que conhecemos, apostando numa narrativa mais expansiva e cinematográfica.

Vilões Disney: entre sucessos e tropeções

A aposta da Disney em filmes centrados nos seus vilões tem tido resultados irregulares. Maleficent e a sua sequela Mistress of Evil dividiram opiniões e nunca alcançaram o estatuto de clássico moderno, enquanto Cruella, realizado por Craig Gillespie, acabou por surpreender pela energia visual e pela reinvenção estilística da personagem.

É precisamente nesse equilíbrio delicado que o filme de Gaston se posiciona. O personagem é, desde há décadas, um dos vilões mais icónicos da Disney: narcisista, fisicamente imponente, convencido da sua superioridade e profundamente tóxico. Transformá-lo num protagonista exige cuidado — e uma clara consciência do que o torna fascinante sem o tornar simpático à força.

ler também : A Febre de Zootopia 2 na China Está a Levar Jovens a Comprar Cobras Venenosas 

Curiosidade em alta, cautela mantida

Com um argumentista sólido, uma produtora experiente e uma personagem que o público adora odiar, o projecto desperta curiosidade. Resta saber se a Disney conseguirá evitar os lugares-comuns e justificar verdadeiramente a existência deste spin-off.

Por agora, o filme de Gaston está ainda numa fase embrionária, sem realizador ou data de estreia anunciados. Mas, conhecendo a estratégia recente do estúdio, dificilmente ficará esquecido na gaveta.

Voando Sobre um Ninho de Cucos  Faz 50 Anos — e Michael Douglas Recorda o Filme Que Mudou Tudo


“A minha parte do cachet de produtor dei-a ao meu pai”: meio século depois, o espírito de rebeldia continua intacto

Há filmes que envelhecem. Outros transformam-se em documentos do seu tempo. E depois há casos raros como Voando Sobre um Ninho de Cucos (One Flew Over the Cuckoo’s Nest), que não pertencem a época nenhuma — pertencem a todas. Cinquenta anos depois da estreia, o clássico realizado por Miloš Forman continua a ecoar com uma força quase desconfortável, num mundo cada vez mais marcado por autoritarismos, instituições opressivas e a eterna luta entre o indivíduo e o sistema.

ler também : Hokum: Adam Scott Mergulha no Terror Sobrenatural no Teaser Mais Perturbador do Dia

Para Michael Douglas, hoje com 81 anos, o filme não é apenas um marco da história do cinema. É também o momento em que deixou de ser “o filho de Kirk Douglas” para se afirmar como produtor — numa estreia que poucos ousariam repetir com tamanha ambição… e risco.

Um filme nascido da rebeldia (e da persistência)

Quando Michael Douglas decidiu avançar com Voando Sobre um Ninho de Cucos, tinha apenas 31 anos e uma carreira ainda fortemente moldada pelo clima político da Guerra do Vietname. O projecto parecia-lhe natural: uma história de resistência, de confronto com o poder instituído, de liberdade individual esmagada por mecanismos burocráticos.

Os direitos do romance de Ken Kesey, publicado em 1962, tinham sido adquiridos anos antes por Kirk Douglas, que chegou a interpretar Randle McMurphy numa adaptação teatral em 1963. Durante muito tempo, Kirk tentou levar a história ao cinema — sem sucesso. Cansado, decidiu vender os direitos. Foi aí que Michael pediu para assumir o projecto.

“Eu nunca tinha pensado em ser produtor”, recorda. “Mas pedi para tentar. E o meu pai foi generoso o suficiente para deixar.” O gesto teve consequências inesperadas: Michael entregou a sua parte do cachet de produtor ao pai, que acabou por ganhar mais dinheiro com o filme do que com qualquer outro da sua carreira. Ainda assim, Kirk Douglas nunca escondeu a desilusão por não ter interpretado McMurphy no cinema — um papel que acabaria por se tornar indissociável de Jack Nicholson.

Miloš Forman, Jack Nicholson e um casting irrepetível

Depois de um primeiro guião falhado escrito pelo próprio Kesey, o projecto começou finalmente a ganhar forma com o argumentista Lawrence Hauben e, sobretudo, com a escolha de Miloš Forman, cineasta checo então exilado nos Estados Unidos. Ao contrário de outros realizadores, Forman discutiu o guião página a página com Douglas — uma franqueza que o convenceu de imediato.

A espera de seis meses por Jack Nicholson revelou-se providencial, permitindo um casting mais alargado e certeiro. Danny DeVito foi o primeiro a entrar, mas a escolha de Will Sampson como o Chefe Bromden tornou-se lendária: um encontro quase acidental que parecia saído de um mito de Hollywood. Quando Nicholson o viu pela primeira vez, percebeu-se que tinham encontrado algo irrepetível.

O mesmo aconteceu com Louise Fletcher no papel da enfermeira Ratched. Numa época em que vilãs femininas eram mal vistas em Hollywood, várias actrizes recusaram o papel. Fletcher aceitou — e criou uma das personagens mais perturbadoras da história do cinema.

Um hospital real, pacientes reais, verdade real

O filme foi rodado num hospital psiquiátrico em funcionamento, no Oregon, durante o Inverno. Muitos pacientes foram integrados na produção, incluindo membros da equipa técnica. Os actores participaram em sessões reais de terapia de grupo, assistiram a tratamentos de electrochoque e viveram durante semanas naquele ambiente.

O objectivo de Forman era claro: naturalismo absoluto. Nada de exageros, nada de “loucos caricaturais”. Brad Dourif, que interpretou Billy Bibbit, recorda a insistência do realizador: “Natural, natural”. Para Forman, o verdadeiro terror estava na normalidade — na ideia de que aquelas pessoas não estavam assim tão longe do mundo exterior.

Um triunfo improvável que fez história

Recusado por todos os grandes estúdios, Voando Sobre um Ninho de Cucos tornou-se um fenómeno. Em 1976, venceu os chamados “Big Five” dos Óscares: Melhor Filme, Realização, Actor, Actriz e Argumento — um feito raríssimo. Até Steven Spielberg, cujo Tubarão concorria no mesmo ano, admitiu que teria votado em Cuckoo’s Nest para Melhor Filme.

Mais do que prémios, o filme deixou um legado: um final inesquecível, uma metáfora poderosa sobre liberdade e um grito contra o esmagamento da individualidade pelas instituições.

Cinco décadas depois, Michael Douglas resume melhor do que ninguém:

“Foi um daqueles filmes em que tudo funcionou. Aprendi mais com este projecto do que com qualquer outro. E continuo orgulhoso por falar dele 50 anos depois.”

ler também : A Febre de Zootopia 2 na China Está a Levar Jovens a Comprar Cobras Venenosas 

Poucos filmes podem dizer o mesmo.

Hokum: Adam Scott Mergulha no Terror Sobrenatural no Teaser Mais Perturbador do Dia

O realizador de Oddity e Caveat regressa com o seu filme mais ambicioso — e promete arrepiar até os mais resistentes

Há teasers que informam. Outros que despertam curiosidade. E depois há aqueles que, em escassos segundos, instalam desconforto, inquietação e uma sensação de ameaça difícil de explicar. O primeiro teaser de Hokum, novo filme de terror protagonizado por Adam Scott, pertence claramente a este último grupo. São apenas 40 segundos — mas chegam perfeitamente para deixar marca.

ler também : A Febre de Zootopia 2 na China Está a Levar Jovens a Comprar Cobras Venenosas 

Conhecido do grande público sobretudo por Severance, Adam Scott aventura-se agora num território bem mais sombrio, ao protagonizar o novo filme do realizador irlandês Damien McCarthy, autor de Caveat (2020) e do perturbador Oddity(2024). Para quem acompanha o terror contemporâneo com atenção, o nome de McCarthy já é sinónimo de atmosfera sufocante, tensão psicológica e sustos que não dependem de artifícios fáceis.

Um salto de escala… sem perder a identidade

Hokum é, até agora, o projecto mais visível de Damien McCarthy, muito graças ao envolvimento de Adam Scott, mas também à equipa que o rodeia. O filme é produzido pelos mesmos responsáveis por Late Night With the Devil, um dos títulos de terror mais falados de 2024, e conta com distribuição da Neon, estúdio que tem vindo a afirmar-se como uma das casas mais consistentes do género, com filmes como Longlegs e Presence.

O teaser faz questão de sublinhar essas ligações — não como mero marketing, mas como uma espécie de aviso ao espectador: este não será um terror convencional.

Uma história de luto, isolamento… e uma bruxa

Os detalhes narrativos continuam envoltos em mistério, mas a sinopse oficial ajuda a compor o cenário. Adam Scott interpreta Ohm Bauman, um romancista recluso que se refugia numa estalagem remota na Irlanda para espalhar as cinzas dos pais. É nesse local que começa a ouvir histórias sobre uma antiga bruxa que assombra a suite de lua-de-mel do edifício.

A partir daí, o filme mergulha num território familiar para McCarthy: visões perturbadoras, um desaparecimento inexplicável e um confronto progressivo com traumas do passado. Tudo indica que Hokum irá explorar o terror não apenas como ameaça externa, mas como reflexo de culpas, memórias reprimidas e luto mal resolvido.

Irlanda, folk horror e desconforto prolongado

Tal como Caveat e Oddity, Hokum decorre na Irlanda, um cenário que McCarthy utiliza de forma exemplar, transformando paisagens rurais e interiores aparentemente banais em espaços de inquietação permanente. O teaser sugere uma forte presença de folk horror, aliada a elementos sobrenaturais e a uma atmosfera opressiva que se constrói lentamente — antes de explodir quando menos se espera.

Não se trata de terror ruidoso ou excessivamente gráfico, mas daquele que se infiltra, permanece e cresce.

ler também : Fallout Regressa Mais Cedo do que o Previsto: Temporada 2 Estreia Antecipadamente no Prime Video

Estreia marcada — e expectativas em alta

Hokum chega às salas de cinema a 1 de Maio, e tudo indica que será um dos títulos de terror mais comentados do ano, especialmente entre os fãs de cinema de género mais autoral. Para Adam Scott, representa também uma viragem interessante na carreira, afastando-se do registo dramático e irónico para algo muito mais sombrio.

Se o teaser é indicativo do que aí vem, convém preparar os nervos.

A Febre de Zootopia 2 na China Está a Levar Jovens a Comprar Cobras Venenosas 🐍🎬

O carismático Gary De’Snake conquistou o público — e está a ter consequências bem reais

Quando a Disney lançou Zootopia 2, dificilmente alguém imaginaria que um dos seus efeitos colaterais mais comentados surgiria fora das salas de cinema… e dentro de terrários. Na China, o novo personagem Gary De’Snake — uma cobra azul simpática, entusiasta e com voz de Ke Huy Quan — tornou-se um fenómeno cultural tão forte que está a inspirar jovens a comprar víboras altamente venenosas como animais de estimação.

Um dos casos mais emblemáticos é o de Qi Weihao, um estudante de 21 anos da província de Jiangxi, que decidiu adquirir uma víbora-de-bambu indonésia, conhecida localmente como island bamboo pit viper, apenas dois dias depois da estreia do filme. O preço? Cerca de 1.850 yuan (aproximadamente 260 dólares). O motivo? Gary.

ler também: Fallout Regressa Mais Cedo do que o Previsto: Temporada 2 Estreia Antecipadamente no Prime Video

Qi, apaixonado por répteis, confessou à CNN que sempre quis ter uma cobra azul, mas foi a representação positiva da personagem em Zootopia 2 que o fez avançar. Para ele, Gary ajudou a combater o preconceito associado a quem gosta de répteis, muitas vezes vistos na China como pessoas com “gostos estranhos por criaturas assustadoras”.

Um sucesso de bilheteira… e um efeito inesperado

O fenómeno não surgiu do nada. Zootopia 2 tornou-se rapidamente a animação estrangeira mais lucrativa de sempre na China, ultrapassando os 3,55 mil milhões de yuan em receitas, destronando o primeiro filme da saga, lançado em 2016. A nível global, o filme já ultrapassou mil milhões de dólares, consolidando-se como um dos maiores sucessos recentes da Disney.

No enredo, Gary De’Snake luta para limpar a reputação da sua família — e dos répteis em geral — com a ajuda de Judy Hopps e Nick Wilde. Uma mensagem nobre… mas que alguns espectadores parecem ter levado demasiado à letra.

Após a estreia do filme, plataformas chinesas de comércio electrónico registaram um aumento súbito nas pesquisas e nos preços da víbora-de-bambu indonésia, com valores a variar entre algumas centenas e vários milhares de yuan. Um entusiasmo que rapidamente começou a preocupar autoridades e especialistas.

Répteis exóticos: uma tendência em crescimento

A verdade é que a moda dos animais exóticos já vinha a crescer antes de Gary entrar em cena. Segundo dados citados pela agência estatal Xinhua, mais de 17 milhões de pessoas na China tinham animais exóticos no final de 2024, num mercado avaliado em cerca de 10 mil milhões de yuan. Mais de 60% dos donos pertencem à Geração Z.

Um relatório de 2025 indica ainda que as cobras representam mais de metade de todos os répteis mantidos como animais de estimação no país. Embora muitas sejam criadas em cativeiro e vendidas legalmente, a compra de espécies venenosas levanta sérias questões de segurança.

Qi, apesar de entusiasta, deixa um aviso claro:

“Se não têm experiência e equipamento adequado, não comprem cobras venenosas por impulso.”

Quando a ficção morde a realidade

A imprensa estatal chinesa não tardou a reagir. O Beijing News alertou que, apesar de Gary ser retratado como corajoso e adorável no filme, a versão real da víbora azul está longe de ser um brinquedo da moda. Uma fuga ou uma mordida podem transformar-se rapidamente num problema de segurança pública.

Entretanto, várias plataformas removeram anúncios de venda da cobra após alertas da CNN, incluindo a JD, que afirmou proibir estritamente a comercialização de animais venenosos. Ainda assim, o episódio deixou claro como a cultura pop pode ter impactos muito concretos — e perigosos.

Gary continua a vender… mas em versão segura 🧸

Felizmente, muitos fãs estão a optar por alternativas menos mortíferas. Bonecos de peluche, blind boxes e merchandising de Gary estão a voar das prateleiras. Em algumas lojas da Disneyland de Xangai, o peluche do personagem já está esgotado, sem previsão de reposição.

ler também : Trump goza com a morte de Rob Reiner e provoca indignação nos EUA

Com mais de 70 parcerias comerciais na China, Zootopia voltou a provar que a Disney sabe criar personagens irresistíveis. Talvez só não contasse que alguns fãs quisessem levar a experiência tão longe.

Fallout Regressa Mais Cedo do que o Previsto: Temporada 2 Estreia Antecipadamente no Prime Video

A série baseada no icónico videojogo da Bethesda volta ao Wasteland ainda em Dezembro

Os fãs de Fallout podem começar a contar os dias — e são agora menos do que o esperado. A Amazon confirmou que a segunda temporada de Fallout vai estrear mais cedo do que o inicialmente anunciado, chegando ao Prime Video na terça-feira, 16 de Dezembro, às 18h00 (hora do Pacífico), antecipando em 24 horas a data anteriormente divulgada, que apontava para 17 de Dezembro.

A revelação não foi discreta. Pelo contrário: a Amazon decidiu transformar o anúncio num verdadeiro evento promocional, em parceria com a Exosphere do Sphere, em Las Vegas, um dos espaços mais impressionantes do mundo no que toca a projecções imersivas. O local foi convertido num gigantesco “globo de neve pós-apocalíptico”, evocando o universo da série e transportando simbolicamente o público para New Vegas, um dos cenários mais emblemáticos da saga Fallout.

ler também : Trump goza com a morte de Rob Reiner e provoca indignação nos EUA

De Vaults de luxo a New Vegas: o caminho da segunda temporada

De acordo com a descrição oficial da Amazon, a Temporada 2 de Fallout retoma a narrativa logo após o final explosivo da primeira temporada, levando os espectadores numa nova viagem pelo Wasteland do Mojave, com destino à lendária cidade pós-apocalíptica de New Vegas. Para os fãs do videojogo Fallout: New Vegas, esta escolha de cenário não é apenas simbólica — é quase uma declaração de intenções.

A série continua a explorar o contraste central do universo Fallout: um mundo dividido entre os que tudo tinham e os que nunca tiveram nada. Duzentos anos após o apocalipse nuclear, os habitantes dos luxuosos abrigos subterrâneos são forçados a regressar à superfície, confrontando-se com uma realidade brutal, violenta, estranhamente absurda e surpreendentemente complexa.

O regresso do elenco e da equipa criativa

A nova temporada volta a contar com Ella Purnell, Aaron Moten, Walton Goggins, Kyle MacLachlan, Moisés Arias e Frances Turner, retomando personagens que rapidamente se tornaram favoritas do público na primeira temporada.

Nos bastidores, mantém-se a mesma equipa criativa que ajudou a transformar Fallout num dos maiores sucessos televisivos recentes da Amazon. A série é criada e supervisionada por Geneva Robertson-Dworet e Graham Wagner, com produção executiva de Jonathan Nolan, Lisa Joy e Athena Wickham (Kilter Films), bem como Todd Howard, figura central da Bethesda Game Studios, e James Altman, da Bethesda Softworks. A produção está a cargo da Amazon MGM Studios e da Kilter Films, em associação com a Bethesda.

Um fenómeno que vai além dos fãs de videojogos

A primeira temporada de Fallout conseguiu algo raro: agradar simultaneamente aos fãs de longa data da franquia e a um público que nunca tinha tocado num dos jogos. O tom violento mas irónico, a construção de mundo detalhada e a fidelidade estética ao material original transformaram a série num fenómeno cultural e num dos títulos mais comentados do streaming em 2024.

ler também : George Clooney fecha a porta ao romance no cinema: “Já não faz sentido competir com homens de 25 anos”

A antecipação da estreia da segunda temporada surge, assim, como um sinal claro da confiança da Amazon no projecto — e da expectativa elevada em torno do regresso a este universo radioactivo, imprevisível e irresistivelmente estranho.