Tom Stoppard: Morre aos 88 anos o dramaturgo que reinventou a inteligência em palco

** Um génio teatral que fez da erudição um espectáculo — e da imaginação uma forma de ver o mundo**

Tom Stoppard, uma das vozes mais brilhantes, inventivas e influentes do teatro contemporâneo, morreu aos 88 anos, deixando para trás uma obra que, durante mais de meio século, iluminou palcos e ecrãs com uma combinação inimitável de humor, erudição e vertigem intelectual. Poucos escritores tiveram o privilégio de ver o seu apelido transformado em adjetivo — “stoppardiano” — consagrado no Oxford English Dictionary. Era a confirmação oficial do óbvio: Stoppard criou um género que só ele sabia executar.

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Desde que Rosencrantz and Guildenstern Are Dead explodiu no Fringe de Edimburgo em 1966, tornando-se rapidamente um fenómeno internacional, cada nova peça sua passou a ser tratada como um acontecimento. As suas histórias cruzavam filosofia com acrobacias, ciência com romantismo, política com poesia — sempre com uma leveza desconcertante e um sentido de humor que nunca diminuía a densidade das ideias.

Stoppard tinha o dom de brincar com o pensamento sério e de pensar com a leveza de quem está a brincar. Em Jumpersfazia dialogar metafísica e ginástica. Em Arcadia colocava lado a lado o século XIX, o caos matemático e o desejo humano. Em Rock ’n’ Roll ligava Cambridge aos Stones, passando pela Primavera de Praga. Era um mestre a explicar o mundo ao mesmo tempo que o desmontava.

Muito mais do que teatro: um gigante também do cinema

A sua obra ultrapassou o palco com enorme naturalidade. Stoppard escreveu e co-escreveu argumentos que hoje fazem parte da história do cinema, entre eles The Russia House, Brazil de Terry Gilliam e, claro, o oscarizado Shakespeare in Love. Mas o alcance real da sua influência vai muito além dos créditos oficiais. Era o “cirurgião de confiança” dos grandes estúdios sempre que um blockbuster precisava de inteligência suplementar. Indiana Jones and the Last Crusade? Tem Stoppard. Revenge of the Sith? Tem Stoppard. Schindler’s List? Também ali passou a sua mão, chamado por Spielberg directamente do duche.

O escritor britânico era admirado, disputado e, acima de tudo, extremamente querido. O dramaturgo Simon Gray resumiu-o de forma exemplar: “Uma das proezas de Tom é ser tão invejável — o talento, o charme, o dinheiro, a sorte — sem que ninguém o inveje.” Era, de facto, difícil não gostar dele.

Uma vida que começou em fuga e renasceu no teatro

Nada no início da sua vida apontava para este destino extraordinário. Nascido Tomáš Straussler na Checoslováquia, fugiu em bebé com os pais do avanço nazi. A família refugiou-se primeiro em Singapura e, após a queda da cidade durante a guerra, Stoppard, a mãe e o irmão seguiram para a Índia. O pai ficou para trás como oficial médico e acabaria por morrer durante a ocupação japonesa. Anos depois, já em Inglaterra, a mãe casou com um major britânico, Kenneth Stoppard, que o adoptou e lhe deu o apelido que viria a tornar-se mundialmente famoso.

Stoppard abandonou a escola aos 17 anos para ser jornalista. O treino apurado de escrita, o faro narrativo e a rapidez mental que o caracterizariam nasceram nesta fase. As primeiras peças de rádio e televisão abriram caminho para a carreira teatral e, com o apoio de uma bolsa, exilou-se em Berlim para terminar a ideia que mudaria tudo: Rosencrantz and Guildenstern.

Da inteligência pura ao coração exposto

Durante anos, Stoppard foi descrito como um dramaturgo “intelectual”, por vezes até “demasiado cerebral”. Mas esta leitura perdeu força com The Real Thing (1982), obra pela qual muitos espectadores descobriram o Stoppard mais vulnerável: o que entendia o amor, a traição, a dúvida e a fragilidade humana tão profundamente como qualquer poeta. A peça marcou uma viragem — e cimentou o respeito total dos críticos.

Seguiram-se Arcadia (1993), muitas vezes citada pelo próprio como o seu trabalho mais perfeito, e The Invention of Love(1997), sobre o poeta A. E. Housman, aquela que dizia ser a sua preferida. Mesmo quando parecia excessivamente complexo, como em Hapgood, o tempo tratava de provar que Stoppard, mesmo quando parecia “demasiado”, estava sempre certo.

O retorno às raízes e o grande épico final

Politicamente independente, assumidamente liberal e sempre avesso a palavras de ordem, Stoppard nunca deixou de regressar à sua herança centro-europeia. As peças sobre dissidência política, sobre o peso do totalitarismo ou sobre as ambiguidades morais da Guerra Fria surgiam da curiosidade, mas também de uma ferida identitária.

Essa ferida abriu-se completamente em Leopoldstadt (2020), a obra monumental em que revisitou as suas raízes judaicas — descobertas tardiamente — para contar a história de uma família vienense esmagada pelos dois primeiros terços do século XX. Aos 80 anos, Stoppard escreveu uma das peças maiores da sua carreira.

Despedida de um criador raro

A morte de Tom Stoppard marca o fim de uma era para o teatro e para a escrita dramática. Poucos autores combinaram tão bem a inteligência feroz com a humanidade profunda, a comédia brilhante com a tragédia silenciosa, o questionamento filosófico com a pura alegria do espectáculo.

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Perdemos um escritor cuja mente parecia uma máquina de luz — sempre acesa, sempre em movimento. Ganhámos, no entanto, uma obra que continuará a desafiar, a inspirar e a deslumbrar durante muitas gerações.

Rian Johnson Quer Meryl Streep no Próximo “Knives Out” — e Já Deu o Convite Público à Actriz

Às portas da estreia de Wake Up Dead Man — que em Portugal deverá chegar à Netflix a 12 de Dezembro — o realizador revela o seu sonho para o futuro da saga: Meryl Streep ao lado de Daniel Craig.

Rian Johnson está prestes a lançar o terceiro capítulo da sua saga de mistério, Wake Up Dead Man: A Knives Out Mystery, e a tournée de entrevistas tem revelado mais do que detalhes sobre o novo caso do detective Benoit Blanc — revelou também qual é a actriz com quem Johnson mais sonha trabalhar numa futura sequela: Meryl Streep.

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Numa conversa recente com o IndieWire, Johnson explicou que a alegria destes filmes está precisamente em reunir elencos improváveis e descobrir actores com quem nunca trabalhou. Questionado directamente sobre qual seria o seu “casting de sonho”, o realizador não hesitou em dirigir-se à actriz vencedora de três Óscares: “Se estiveres a ler isto, Meryl, acho que te encaixarias lindamente num murder mystery.” O comentário veio acompanhado daquelas notas de humor que Johnson domina, lembrando que se até Lorne Michaels conseguiu levar Streep ao Saturday Night Live, também ele não perde a esperança.

Enquanto Meryl Streep não entra oficialmente no universo Knives Out, Johnson prepara a estreia de Wake Up Dead Man. O filme chega a algumas salas internacionais a 26 de Novembro, mas a sua verdadeira vida será na Netflix, onde entra a 12 de Dezembro de 2025. Em Portugal, salvo anúncio em contrário — que ainda não foi feito — tudo indica que a data será a mesma, uma vez que a Netflix tem histórico de estreias simultâneas desta franquia sobretudo quando envolve um lançamento global em streaming.

O novo capítulo traz Daniel Craig de volta como Benoit Blanc, o detective sulista que já se tornou um ícone moderno do género whodunnit. Para esta aventura, Johnson reuniu um elenco de luxo: Josh O’Connor, Glenn Close, Josh Brolin, Mila Kunis, Jeremy Renner, Kerry Washington e Andrew Scott juntam-se ao investigador numa história que, segundo o próprio realizador, assume um tom diferente dos filmes anteriores. Johnson explicou que escreveu Wake Up Dead Man movido por uma energia mais sombria, uma espécie de indignação inquieta que ajudou a moldar a atmosfera do enredo.

Com este terceiro filme, termina oficialmente o acordo de duas longas-metragens entre Johnson e a Netflix — o que não significa que a série acabe aqui. Tanto o realizador como Daniel Craig querem continuar a explorar o universo de Benoit Blanc, embora Johnson tenha deixado claro que esse futuro depende de ambos continuarem a sentir entusiasmo criativo: “Se um dia um de nós acordar e não sentir vontade de fazer mais um, paramos.”

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Quanto a Meryl Streep, a actriz mantém uma agenda cheia: tem sido presença recorrente na série Only Murders in the Building e prepara-se para regressar ao grande ecrã em The Devil Wears Prada 2, previsto para 1 de Maio de 2026. Mas no mundo de Rian Johnson, nada parece impossível — e a porta está aberta, com convite assinado.

“The Offence”: Quando Sean Connery Rasga o Mito e Desce ao Abismo da Violência Interior

Muito longe do charme letal de James Bond, Connery entrega aqui um dos desempenhos mais perturbadores da sua carreira — um mergulho brutal na mente de um polícia consumido por décadas de horror.

Há filmes que são difíceis de ver não por causa da violência explícita, mas pela violência emocional que transportam. The Offence (1973), realizado por Sidney Lumet, é um desses objectos raros: uma obra seca, dura e profundamente desconfortável que nos confronta com aquilo que resta de um homem depois de décadas a enfrentar o pior da humanidade. E é também, justiça seja feita, uma das interpretações mais devastadoras que Sean Connery alguma vez assinou.

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Longe da figura icónica de James Bond, Connery veste a pele de Detective Sergeant Johnson, um polícia britânico veterano que passou a carreira a lidar com homicídios, violações e agressões a crianças. O filme mostra-nos, sem pressa e sem filtros, como esse contacto constante com a escuridão corroeu cada centímetro da sua psique. Johnson não é o herói cansado do costume — é um homem em cacos, cuja humanidade se vai desfazendo à medida que a narrativa avança.

A história centra-se na detenção de Kenneth Baxter, interpretado por Ian Bannen, suspeito de uma série de ataques a meninas. Johnson conduz o interrogatório, mas o que acontece naquela sala está a léguas de um simples procedimento policial. É um duelo psicológico extenuante, mais próximo de um colapso emocional do que de qualquer busca convencional pela verdade. A culpa de Baxter, por mais que paire sobre a sala, torna-se secundária; o verdadeiro foco é aquilo que a confrontação revela sobre Johnson — as fissuras, os traumas, a raiva acumulada ao longo dos anos.

Lumet, mestre em transformar espaços fechados em campos de batalha emocionais, recorre a flashbacks fragmentados e a uma encenação claustrofóbica para desmontar a mente do protagonista. O filme lança a pergunta mais inquietante de todas: pode um homem passar tanto tempo a caçar monstros sem começar a parecer-se com eles? O resultado é um retrato profundamente humano e terrivelmente ambíguo, onde a linha entre perseguidor e perseguido, entre culpado e inocente, se dissolve quase por completo.

Connery, numa clara tentativa de se libertar da sombra de 007, entrega-se a uma interpretação crua, vulnerável e assustadora. Há nele uma violência silenciosa, um desespero por detrás dos olhos, uma sensação constante de que o homem que está ali já não reconhece quem foi antes de a escuridão o engolir. É um desempenho que rasga a aura de super-homem sofisticado e deixa exposta uma alma em queda livre.

Nos momentos finais de The Offence, não há revelações reconfortantes nem sentido de justiça restaurada. Há apenas a constatação de que, às vezes, o maior inimigo vive dentro do próprio protagonista. Lumet recusa soluções fáceis e oferece apenas a verdade nua e crua: alguns danos são irreparáveis.

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The Offence permanece, meio século depois, como um filme que não pede desculpa por ser incómodo. É austero, tenso, impiedoso — mas também extraordinariamente honesto. E a prestação de Sean Connery continua a ser um monumento à capacidade do actor de ir muito além dos papéis que o tornaram famoso, mergulhando numa escuridão que poucos estariam dispostos a explorar.

“Sleepless City” Conquista o Grande Prémio no Estreante Doha Film Festival — Uma Primeira Edição Marcada por Cinema Político, Olhar Global e Fortíssima Identidade Regional

O drama híbrido de Guillermo Galoe lidera uma edição inaugural que surpreendeu pela maturidade, ambição e compromisso com histórias urgentes vindas de vários cantos do mundo.

A primeira edição do Doha Film Festival encerrou com uma declaração clara ao panorama internacional: o Catar quer ser um novo centro de descoberta cinematográfica — e começou com o pé firmemente assente no acelerador. O grande vencedor foi Sleepless City, de Guillermo Galoe, um drama híbrido filmado ao longo de vários anos na vasta e esquecida Cañada Real, o maior bairro informal da Europa, situado nos arredores de Madrid. O filme, que mistura ficção e observação documental, foi distinguido unanimemente pelo júri liderado por Rithy Panh, que elogiou a forma sensível como retrata a vida de jovens apanhados entre a tradição e uma modernidade cada vez mais distante.

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O festival, dirigido por Fatma Hassan Alremaihi, assumiu desde o início a ambição de dar palco a “vozes ousadas e histórias que atravessam fronteiras”. Essa intenção viu-se no alinhamento e confirmou-se na lista de premiados, que viajou por Espanha, Líbia, Brasil, Palestina, Sudão e México, num mapa cinematográfico que privilegiou obras politizadas, íntimas e profundamente enraizadas nas suas comunidades.

Sleepless City acompanha Toni, um adolescente que vê o bairro onde cresceu ameaçado por demolições iminentes. Sem recorrer à dramatização artificial, Galoe segue os gestos quotidianos de uma família e de uma comunidade inteira, transformando essa simplicidade numa força narrativa poderosa. A distinção confirma o percurso do filme, que já tinha passado por Cannes, onde venceu o prémio SACD de argumento.

A competição documental distinguiu My Father and Qaddafi, de Jihan K., uma investigação profundamente pessoal sobre o desaparecimento do pai da realizadora, um diplomata líbio tornado dissidente e raptado no Cairo. A obra articula depoimentos e arquivos para reconstruir não só uma vida, mas a memória política de um país marcado pela ditadura e pelo silêncio forçado.

A programação internacional contou ainda com títulos que não passaram despercebidos aos jurados. The Reserve, de Pablo Pérez Lombardini, recebeu uma Menção Especial pelo retrato inquietante de um guarda florestal em território devastado. O prémio de Melhor Interpretação foi partilhado por Majd Eid e Nader Abd Alhay, protagonistas de Once Upon a Time in Gaza, filme vencedor da realização em Un Certain Regard e que recupera a Gaza de 2007 através do olhar de um estudante arrastado para um jogo perigoso entre um restaurador carismático e um polícia corrupto. Já With Hasan in Gaza, de Kamal Al Jafari, e Renoir, de Chie Hayakawa, dividiram o prémio de Melhor Contribuição Artística, ambos elogiados pela forma inovadora como utilizam arquivos e imaginação visual para reconfigurar realidades fragmentadas.

Na competição de curtas, presidida por Eddie Bertozzi, destacou-se Samba Infinito, de Leonardo Martinelli. O júri sublinhou a confiança do filme “no poder do cinema para curar feridas sociais e privadas”, seguindo um varredor de rua que encontra um inesperado momento de ligação durante o Carnaval. Primary Education, de Aria Sánchez e Marina Meira, conquistou a realização numa observação mordaz da dinâmica de poder entre crianças; Milica Janevski foi premiada por Upon Sunrise, onde interpreta uma mãe sérvia à beira do colapso; L’Mina e o jovem actor Ammar Ahmed, de Zizou, receberam menções especiais.

Um dos momentos mais comentados da semana foi a decisão do júri jovem — composto por espectadores entre os 16 e os 25 anos — que atribuiu o Ajyal Feature Award a The Voice of Hind Rajab. O filme reconstrói, com rigor e sensibilidade, o telefonema final de uma menina de seis anos presa sob fogo em Gaza, cruzando áudio real com reencenações que deixam uma marca difícil de dissipar. O prémio de curta deste júri foi para Sulaimani, de Vinnie Ann Bose, uma animação ambientada em Paris sobre duas mulheres do Kerala que encontram, na comida e na memória, uma forma de navegar a diáspora.

A secção Made in Qatar mostrou que o festival pretende crescer não só como anfitrião internacional, mas como incubadora local. Fahad the Furious, de Justin Kramer, venceu o prémio principal ao combinar drama familiar e humor num retrato de mal-entendidos dentro de uma casa tradicional. Rashid Al Sheeb foi distinguido pela sua interpretação no mesmo filme. Villa 187, de Eiman Mirghani, venceu a realização ao revisitar a história de uma família obrigada a abandonar a casa que moldou o seu passado. Project Aisha, um drama tenso sobre uma mãe que recorre a métodos fora da norma para cuidar da filha ferida, recebeu uma Menção Especial.

A escolha do público recaiu sobre Cotton Queen, da realizadora sudanesa Suzannah Mirghani — uma expansão do universo criado a partir do seu premiado Al-Sit. Filmado no Egipto por refugiados sudaneses após o início da guerra no Sudão, o filme acompanha a jovem Nafisa numa aldeia dividida entre tradição e modernidade, num retrato luminoso de identidade, futuro e reconstrução.

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Com 97 filmes de 62 países, a estreia do Doha Film Festival afirmou um rumo claro: dialogar com o mundo sem perder o foco na formação de uma voz artística própria. O evento mostrou ambição, consistência e um desejo real de se tornar plataforma para novas gerações de cineastas — tanto no Golfo como além dele. Uma primeira edição com fôlego de festival veterano, capaz de equilibrar política, memória, experimentação e emoção com uma confiança rara para um começo.

Jenna Ortega Lança Aviso Sobre a IA em Marrakech: “Abrimos a Caixa de Pandora — e Há Coisas Que um Computador Nunca Vai Conseguir Fazer”

Subtítulo: Na conferência de imprensa do festival, a actriz de Wednesday e Bong Joon Ho alertam para os riscos da inteligência artificial no cinema, enquanto Celine Song dispara um contundente “fuck AI” e Anya Taylor-Joy pede mais ouvido e menos gritaria.

O Festival de Cinema de Marrakech tornou-se, este fim-de-semana, palco de um dos debates mais quentes da actualidade: o impacto da inteligência artificial na criação artística. E foi Jenna Ortega, membro do júri e protagonista de Wednesday, quem tomou a dianteira na discussão, avisando que a evolução da IA pode ser “profundamente assustadora” para o cinema e para o mundo.

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Sentada ao lado do presidente do júri, Bong Joon Ho, Ortega não disfarçou o receio: “Quando olhamos para a história da humanidade, percebemos que temos tendência para ir sempre longe demais. É muito fácil ter medo — eu tenho — desta incerteza profunda.” Para a actriz, a introdução acelerada da IA na produção audiovisual parece mesmo um daqueles momentos irreversíveis: “Sinto que abrimos a Caixa de Pandora.”

Apesar disso, Ortega acredita que estas fases turbulentas podem despertar uma nova vitalidade entre artistas. “Tempos difíceis forçam-nos a falar mais, a agir mais e a proteger o que é nosso. Acredito e quero acreditar que estamos a caminhar para isso.” Mas sublinha um ponto essencial: a alma humana não se copia. “Há beleza na dificuldade e há beleza no erro. Um computador não consegue isso. Um computador não tem alma.”

Ortega acrescentou ainda uma provocação curiosa: deseja que a IA atinja um ponto de saturação tal que funcione como “comida de plástico para a mente”. Algo que o público consome até se sentir mal — e que só assim volte a apreciar o que é humano, imperfeito, real.

Bong Joon Ho concordou e ampliou a reflexão, dizendo que esta pode ser uma oportunidade inesperada: “É talvez a primeira vez que a humanidade se obriga a pensar seriamente sobre o que só os humanos conseguem fazer.” Depois, num piscar de olho ao público, rematou com humor: “Mas, pessoalmente, vou organizar um esquadrão militar cuja missão é destruir a IA em todo o mundo.”

A conferência não ficou por aqui. Celine Song, realizadora de Past Lives, deixou o comentário mais incisivo (e certamente o mais citado): “Para citar o Guillermo del Toro, que estará aqui em breve: fuck AI.” A cineasta afirmou que a tecnologia “está a colonizar o nosso modo de ver imagens e sons” e que representa uma ameaça directa à própria essência da criação artística. “Estamos aqui para defender a humanidade. A IA tenta infiltrar-se no que torna a vida bonita e difícil. E por isso digo, profunda e nada educadamente, fuck AI.”

Anya Taylor-Joy, também jurada, desviou a conversa para outro tema, mas com igual pertinência: a importância de ouvir. Questionada sobre o papel de avaliar colegas de profissão, a actriz refletiu sobre o ruído constante do mundo actual. “Vivemos numa era em que se valoriza quem grita mais alto. Esquecemo-nos de pensar criticamente. O silêncio, mesmo desconfortável, ensina-nos a ouvir. E neste momento, na arte e na vida, precisamos mais de escutar do que de gritar por cima dos outros.”

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O festival, que decorre até 6 de Dezembro, arrancou com a exibição de Dead Man’s Wire, de Gus Van Sant, e apresenta este ano uma competição oficial composta por 14 filmes de realizadores emergentes. Entre homenagens a Jodie Foster e Guillermo del Toro, conversas com Kleber Mendonça Filho, Bill Kramer e Laurence Fishburne, além de novas obras como A Private Life, Frankenstein, Hamnet ou Palestine 36, Marrakech reforça o seu papel como ponto de encontro global para discutir não só o cinema, mas também o futuro — e os perigos — da própria criação artística.

Julia Roberts Comemora os 21 Anos dos Gémeos Hazel e Phinnaeus: “Foram de 1 para 21 Num Piscar de Olhos”

julia roberts na netflix


A actriz partilhou uma fotografia ternurenta dos filhos em bebés e deixou uma mensagem emotiva para assinalar o aniversário — um momento que fez vibrar fãs e colegas de Hollywood.

Julia Roberts assinalou esta sexta-feira um marco especial na sua vida familiar: os 21 anos dos seus gémeos, Hazel e Phinnaeus Moder. A actriz, vencedora de um Óscar e uma das figuras mais queridas de Hollywood, recorreu ao Instagram para celebrar a data com uma fotografia daquelas que só as mães guardam no lugar mais protegido do telemóvel — um retrato irresistível dos dois quando ainda eram bebés, lado a lado em cadeiras altas.

Na legenda, Roberts escreveu uma mensagem simples mas carregada de ternura e incredulidade perante a passagem do tempo: “Estes transformadores de vida, ampliadores de ❤️, antes eram 1 e agora são 21! Isso foi rápido 😭 Feliz Aniversário, meus queridos 🎉💥⚡🎁”. O registo não demorou a conquistar fãs e amigos, muitos deles também surpreendidos por perceber que os bebés que julgavam ter visto “ontem” já são oficialmente adultos.

Hazel e Phinnaeus, nascidos em 2004, são fruto do casamento de Roberts com o director de fotografia Danny Moder, com quem mantém uma das relações mais sólidas de Hollywood desde 2002. O casal tem ainda um terceiro filho, Henry, actualmente com 18 anos. Apesar de ser uma das maiores estrelas do cinema, a actriz sempre protegeu ferozmente a privacidade da família, o que torna estas raras partilhas especialmente apreciadas pelo público.

Recentemente, Julia Roberts voltou a pisar a passadeira vermelha com o elenco de After the Hunt, onde contracena com Ayo Edebiri e Andrew Garfield. O filme foi apresentado no BFI London Film Festival e marcou mais um capítulo no regresso sólido da actriz a papéis dramáticos de peso, aqueles que cimentaram o seu estatuto desde Erin Brockovich.

Mas, pelo menos por um dia, a carreira fica em segundo plano. A protagonista de Pretty Woman não estava a falar de cinema — estava a celebrar os “game changers” da sua vida. E, para muitos seguidores, não há prémio nem estreia que supere a honestidade e o carinho desse momento.

Guy Pearce em Nova Polémica: Actor Pede Desculpa Após Partilhar Conteúdos Antissemitas nas Redes Sociais

Entre a defesa pública da causa palestiniana e a disseminação involuntária de teorias conspirativas, o actor reconhece o erro, recua das redes sociais e enfrenta novo escrutínio da indústria.

Guy Pearce volta ao centro de uma tempestade mediática — e, mais uma vez, por algo que aconteceu fora dos ecrãs. O actor australiano, nomeado aos Óscares este ano por The Brutalist, pediu desculpa após partilhar conteúdos antissemitas e teorias conspirativas enquanto manifestava apoio à Palestina. As publicações, feitas em diferentes plataformas, incluíam material proveniente de figuras e grupos da extrema-direita, bem como afirmações comprovadamente falsas sobre a autoria de ataques terroristas e sobre a indústria pornográfica.

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Segundo o Jewish News, Pearce partilhou, entre outros exemplos, vídeos com Nick Fuentes — activista da supremacia branca — e conteúdos que atribuíam ataques como o 11 de Setembro ao governo israelita, além de alegações infundadas sobre proprietários judeus de empresas de pornografia. Noutras publicações, provenientes de contas com nomes como Corefitnessbynaz2, surgiam textos que misturavam críticas políticas a Israel com generalizações perigosas, insinuando ligações entre judeus, casinos de Las Vegas e corrupção.

Quando confrontado pelo Jewish News, Pearce reconheceu imediatamente o erro: “Foi-me chamado à atenção que, no meu apoio à Palestina, recompilei artigos e declarações que continham desinformação e falsidades. Estou profundamente arrependido. Partilhar conteúdo inexacto causa confusão e sofrimento; serei, daqui em diante, muito mais rigoroso na verificação de tudo o que divulgo.”

A resposta pública continuou no sábado, quando o actor anunciou que se afastaria temporariamente das redes sociais para evitar “mais danos, confusão ou feridas causadas inadvertidamente”. A decisão surge numa altura em que o escrutínio sobre figuras públicas é cada vez mais imediato — especialmente quando o debate sobre Israel e Palestina continua altamente polarizado.

Pearce tem sido vocal no seu apoio à causa palestiniana. No último ano, esse posicionamento tornou-se parte da sua imagem pública: no Festival de Cannes, usou um pin com a bandeira da Palestina — removido digitalmente de uma fotografia pela Vanity Fair France, acto que gerou indignação e levou o actor a acusar a publicação de tentar apagar sinais de solidariedade num momento de dor colectiva. Durante os Óscares de 2024, voltou a marcar posição com um pin representando uma pomba com a inscrição “Free Palestine”.

Apesar disso, a Campaign Against Antisemitism alerta para um padrão preocupante. Em comunicado, a organização admite que a desculpa é “um passo na direcção certa”, mas lembra que o actor tem “um histórico prolongado” de amplificar teorias antissemitas. Para o grupo, o que realmente importa agora é a mudança de comportamento — e como agentes, estúdios e parceiros comerciais interpretarão este momento. “A indústria estará atenta. É preciso avaliar se Guy Pearce demonstra, através de acções e não só de palavras, que é alguém com quem é responsável associar-se.”

Esta controvérsia não surge isolada. Em 2023, Pearce já tinha sido criticado por comentários nas redes sociais sobre a presença de actores trans em papéis trans. Na altura, também recuou, apagou as publicações e admitiu que tinha escolhido mal o espaço para discutir um tema sensível: “Não foi uma boa ideia levantar questões sobre identidade de género no casting através do Twitter. O meu objectivo era falar da definição de ‘actor’, mas vejo agora como isso soou insensível. Peço desculpa.”

Com a sucessão de episódios, a imagem pública de Pearce encontra-se numa zona delicada. Embora o actor tenha mostrado disponibilidade para admitir erros e corrigir rumo, a repetição de polémicas relacionadas com discursos sensíveis nas redes sociais levanta questões sobre responsabilidade e impacto — não só para a sua carreira, mas também para as causas que procura apoiar.

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Afastar-se temporariamente das plataformas digitais pode ser, para já, o gesto mais prudente. Resta saber se o tempo longe dos holofotes virtuais permitirá ao actor reconstruir a confiança do público e da indústria, num momento em que cada partilha, cada clique e cada frase escrita online carrega um peso que vai muito além de simples opinião pessoal.

Marrakech Abre as Portas ao Cinema Mundial: Bong Joon Ho, Jenna Ortega e Anya Taylor-Joy Dão o Arranque Oficial à 22.ª Edição do Festival

O realizador de Parasitas comanda um júri de luxo numa edição que celebra novos talentos, grandes homenagens e a consolidação de Marrakech como ponte entre continentes e palco estratégico na corrida aos Óscares.

O Festival Internacional de Cinema de Marrakech regressou em força para a sua 22.ª edição, inaugurado com uma noite que reuniu nomes maiores do cinema mundial e reafirmou o estatuto do certame como um ponto de encontro entre continentes, culturas e gerações de cineastas. Bong Joon Ho, que preside ao júri deste ano, foi recebido com uma ovação calorosa, acompanhado por Jenna Ortega, Anya Taylor-Joy e muitas outras figuras destacadas da indústria. A sessão de abertura incluiu a exibição de Dead Man’s Wire, o novo filme de Gus Van Sant, apresentado no palco pelo produtor Cassian Elwes.

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O vencedor do Óscar por Parasitas abriu oficialmente o festival evocando a sua própria juventude: “Aos 22 anos, devorava filmes com fome de estudante de cinema”, recordou. Ao olhar para Marrakech a celebrar igualmente os seus 22 anos de existência, Bong disse reconhecer “a mesma energia vibrante, cheia de paixão pelo cinema”. A comparação não poderia ser mais feliz: o festival, tal como ele próprio naquela idade, está num momento de maturidade efervescente, movido por impulso criativo e pelo desejo de descoberta.

Dead Man’s Wire, inspirado no caso real do criminoso Tony Kiritsis, chega ao festival depois da estreia em Veneza e colecciona elogios da crítica internacional, com destaque para a interpretação de Bill Skarsgård. O filme prepara-se para entrar em circuito comercial em Janeiro, mas em Marrakech foi sobretudo o elenco do júri que roubou atenções. Para além de Bong, a organização reuniu Jenna Ortega — actualmente um dos rostos mais reconhecidos da nova geração — Anya Taylor-Joy, Celine Song, Julia Ducournau, Karim Aïnouz, Hakim Belabbes e Payman Maadi. Uma equipa ecléctica e prestigiada, capaz de valorizar como poucos a selecção de 14 filmes de realizadores emergentes que competem este ano.

Na passadeira vermelha, Melita Toscan du Plantier, presidente do festival e figura central na sua arquitectura programática, sublinhou o impacto do painel de jurados para os novos talentos. Para muitos dos realizadores estreantes, saber que o seu primeiro ou segundo filme será visto por Bong Joon Ho, por vencedores de prémios internacionais ou por estrelas globais, é quase tão importante quanto a própria competição. E houve ainda espaço para confirmar a chegada de Jodie Foster, homenageada nesta edição e que visita Marrocos pela primeira vez.

Celine Song, realizadora de Past Lives e Materialists, confessou estar particularmente entusiasmada com esta vertente do festival — a capacidade de descobrir cinema sem o peso das expectativas. Para ela, Marrakech tem a mesma frescura de Sundance: um lugar onde se entra “sem contexto” e onde a surpresa é parte essencial da experiência.

Remi Bonhomme, director artístico, reforçou esse posicionamento híbrido: Marrakech vive entre a Europa e África, e isso permite-lhe ter uma programação simultaneamente cosmopolita e regional. Para além disso, o lugar estratégico no calendário — no final do ano — coloca o festival directamente no corredor da temporada de prémios. E não é coincidência que tantos países tenham inscrito os seus candidatos aos Óscares na secção dedicada ao cinema internacional, como Homebound, Palestine 36, Calle Malaga, The President’s Cake, A Poet e No Other Choice.

Bill Kramer, director executivo da Academia de Hollywood, esteve presente e deixou claro que a instituição pretende reforçar a sua presença no Norte de África e no Médio Oriente. Marrakech, disse, está a tornar-se “uma paragem incontornável no circuito dos Óscares”. É um elogio raro, mas merecido, para um festival que tem investido na expansão internacional sem perder o cuidado artesanal da curadoria.

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A cerimónia de abertura terminou com uma homenagem emotiva ao actor egípcio Hussein Fahmi, de 85 anos, que recebeu aplausos de pé enquanto revia cenas de alguns dos seus papéis mais marcantes. Depois, cumprimentou um a um os membros do júri, num momento de reverência entre gerações e geografias.

O festival decorre até 6 de Dezembro e promete encontros memoráveis com nomes como Jodie Foster, Guillermo del Toro, Laurence Fishburne, Kleber Mendonça Filho, Andrew Dominik e Jafar Panahi — uma edição que reafirma a vocação universalista de Marrakech e a sua crescente influência no mapa dos grandes festivais de cinema.

Hilary Duff Revela Que Jennifer Coolidge Foi “Má” Para Ela em A Cinderella Story — Mas Só Porque Era Uma Excelente Madrasta Malvada

Vinte anos depois do clássico adolescente, Duff lembra como a frieza de Coolidge a assustou aos 15 anos — e como isso só tornou o desempenho da actriz ainda mais impressionante.

A memória colectiva guarda A Cinderella Story como uma comédia romântica leve, açucarada e típica dos anos 2000. Mas, nos bastidores, a jovem Hilary Duff viveu momentos um pouco menos encantados ao contracenar com Jennifer Coolidge — embora, justiça seja feita, tudo fosse “teatro”. Literalmente.

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Em nova entrevista à Variety, Duff, hoje com 36 anos, recordou que, durante as filmagens, Coolidge manteve uma postura fria e distante para construir a dinâmica tóxica entre a madrasta egoísta e a enteada eternamente explorada. O problema? Duff tinha apenas 15 anos na altura.

“Ela era mesmo má para mim, e era um bocadinho assustador”, confessou. “Eu tinha de me lembrar constantemente: ‘Estás a filmar um filme, isto é só um filme.’”

Segundo Duff, Coolidge não tratava mal ninguém fora do contexto das cenas — estava apenas profundamente imersa na personagem. Mas, para uma adolescente que ainda estava a descobrir o ritmo de um set de filmagens grande, lidar com uma actriz adulta a interpretar crueldade pura era um desafio emocional inesperado.

De madrasta cruel a estrela consagrada

Hoje, Duff não tem senão admiração pela antiga colega de elenco.

“Tem sido tão divertido assistir à evolução da sua carreira”, disse. “Ela entrega tudo, de maneira tão desinibida, que era realmente impressionante — e um pouco intimidante — para mim, que era tão nova.”

Jennifer Coolidge, claro, acabou por se tornar uma das figuras mais queridas (e mais imitadas) de Hollywood, especialmente após o sucesso de The White Lotus, que lhe rendeu dois Emmys e reavivou completamente a sua presença na cultura pop. Apesar de ainda ser eternamente associada à mítica “Stifler’s Mom” de American Pie, Coolidge abraçou com talento e humor papéis em Promising Young Woman, For Your Consideration, 2 Broke Girls e The Watcher.

Os representantes da actriz não comentaram as declarações de Duff — e, honestamente, não há escândalo nenhum para comentar. A maldade era apenas profissional.

Relembrar A Cinderella Story, o conto de fadas adolescente definitivo de 2004

O filme é hoje um clássico nostálgico do cinema teen. Duff interpretava Sam, uma rapariga órfã tratada como empregada doméstica pela madrasta obcecada por dinheiro (Coolidge) e pelas duas enteadas (Madeline Zima e Andrea Avery).

O resto é história:

  • uma amiga que funciona como “fada madrinha” moderna (Regina King),
  • um baile de máscaras,
  • um vestido que marcou a adolescência de meio mundo,
  • e um quarterback popular (Chad Michael Murray) que afinal era o misterioso pen pal de Sam.

Tudo culmina na revelação que vira o poder da história do avesso: Sam herda tudo do pai, liberta-se da tirania doméstica e finalmente segue para Princeton… acompanhada pelo rapaz de sonho, claro. A família malvada? Condenada a trabalhar para ela — o tipo de karma suave que só as comédias românticas conseguem entregar sem remorsos.

Duff e Coolidge: dois caminhos muito diferentes, mas igualmente férteis

Desde então, Hilary Duff continuou a multiplicar projectos: protagonizou filmes como Raise Your Voice e The Haunting of Sharon Tate, foi estrela da série Younger, entrou em Gossip Girl e regressou aos holofotes com How I Met Your Father. Agora prepara-se para lançar o novo álbum Luck… or Something, acompanhado de uma digressão.

Coolidge, por sua vez, vive o auge tardio da carreira — uma fase de ouro que provou ao mundo aquilo que muitos já sabiam: que a sua excentricidade controlada é um superpoder raro.

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E pensar que tudo isto começou com uma madrasta, um castelo suburbano, um telemóvel azul brilhante… e uma actriz de 15 anos que precisava de se repetir mentalmente: “É só cinema. É só cinema.”